Numer biletu 30. Różne pokazy. Nowoczesne funkcje i trendy.
Pokazać - jest to widowisko szczególne czarujące, którego strona semantyczna i fabularna zanika w kierunku spektakularnej prezentacji wrażeń (fabuła jest „rozmyta” w efektach), program spektaklu powinien być zbudowany na ciągłej zmianie wrażeń i jaskrawych widowiskach metody środków wyrazu.
Show biznes jako termin pojawił się w literaturze specjalistycznej od połowy lat 80. XX wiek i zastąpił istniejącą wcześniej koncepcję „sowieckiej sceny”. Termin „różnorodność” pojawił się w rosyjskiej historii sztuki na początku ubiegłego wieku i łączył wszystkie rodzaje sztuki o łatwo dostrzegalnych gatunkach.
Różnorodność sztuki charakteryzuje się otwartość, zwięzłość,
improwizacja, festyn, oryginalność, rozrywka. Rozwijając się jako sztuka świątecznego wypoczynku, muzyka pop zawsze dążyła do niezwykłości i różnorodności. Nastrój odświętny powstał dzięki zabawom zewnętrznym, grze świateł, zmianie malowniczej scenerii, przekształceniu sceny itp.
W przejściu do otwartego społeczeństwa demokratycznego konsument ma wybór. Tendencja nowoczesny spektakl jest taki: szybko zmieniające się gusta publiczności wymagają ciężkiej pracy managerów, artystów, producentów.
Produkt działalności kulturalnej jest już przedmiotem „kupna i sprzedaży”, tj. powstają ekonomicznie uzasadnione relacje, a skoro scena wkracza w świat biznesu, do tego potrzebni są profesjonaliści, ludzie, którzy potrafią zorganizować biznes w taki sposób, aby przynosił zysk nie tylko artyście, grupie, firmie, ale i państwu ( w postaci podatków). Obecnie show-biznes rozwija się zgodnie z prawami rynku. Ogromne znaczenie ma rozwiązanie zagadnień związanych z zarządzaniem personelem, wykorzystanie jego potencjału, który decyduje o powodzeniu w realizacji celu.
Więc, nowoczesny spektakl- to wspaniałe widowisko sceniczne z udziałem "gwiazd" estrady, cyrku, sportu, orkiestry jazzowej, baletu na lodzie itp. Punkt ciężkości spektaklu przesuwa się w kierunku efektów zewnętrznych, mających upiększać treść toczących się wydarzeń.
W zarządzaniu show-biznesem stosuje się różnorodne metody, podejścia i techniki, aby stworzyć warunki do efektywnej pracy. W ten sposób możemy podkreślić cechy nowoczesnego programu:
1. Obecność „gwiazdy”.
Pojęcie „gwiazdy” narodziło się w epoce kina, kiedy aktorzy filmowi byli bezimienni, a widzowie nazywali lubianych przez siebie postaci nazwami filmów, a także ich danymi zewnętrznymi („człowiek o smutnych oczach”, „dziewczyna z lokami” itp.). Widzowie zaczęli atakować wytwórnie filmowe, prosząc je o podanie nazwiska, imienia i różnych danych biograficznych aktorów, których lubili. Szef amerykańskiej firmy „IMP” Karl Laemmle jako pierwszy wykorzystał popularność aktorki Florence Lawrence, aby przyciągnąć publiczność do kina, rozpowszechniając plotki o jej śmierci. Tym samym wzbudził żywe zainteresowanie publiczności iz dnia na dzień zmienił aktorkę w amerykańską gwiazdę filmową.
W ten sposób położono początek „systemu gwiazd”. Inne wytwórnie filmowe poszły w ich ślady. Liczba „gwiazd” zaczęła szybko rosnąć. Stają się przynętą kasową zarówno dla przemysłu filmowego, jak i muzycznego, teatru, pokazów modelek i nie tylko.
Istotą pojęcia „gwiazda” jest to, że artysta, którego lubią, wzbudza sympatię wśród publiczności, dlatego chcą go zobaczyć, chcą być tacy jak on. Konsument (widz, słuchacz) nie ogranicza się tylko do zobaczenia idola, chce wiedzieć o nim wszystko, łącznie ze szczegółami z jego życia osobistego. Ten aspekt jest bardzo pomocny w tworzeniu „gwiazd”, ponieważ jest uważany za znak wielkiej popularności, co oznacza, że opłaty za „gwiazdę” rosną. Przyciągnięcie „gwiazdy” do udziału w pokazie, pokazie modelek, filmie, musicalu, spektaklu teatralnym, nagraniu płyty to gwarancja popytu, pełnej sali.
Wśród zestawu specyficznych cech pop-artu najważniejsze dla widza są prostota i przystępność, artystyczna klarowność. Częsty gość programów rozrywkowych jest zawsze nastawiony na to, że wykonawca od pierwszych minut nawiąże z nim silny i naturalny kontakt.
Pianista, skrzypek czy wokalista może liczyć na to, że stopniowo, z przejścia na pasaż, w miarę wykonywania utworów, będzie w stanie zjednać sobie publiczność. „Artysta różnorodny nawiązuje natychmiastowy, szczery, otwarty kontakt. Uprzejma obserwacja widza tego, co dzieje się na scenie, jest równoznaczna z porażką.
W historii rozwoju pop-artu jest wiele przykładów utraty prostoty percepcji, prowadzącej do naruszenia otwartego i szczerego kontaktu z publicznością, co drogo kosztowało całe gatunki. Dotyczy to przede wszystkim tego rodzaju pop-artu, jakim jest muzyka jazzowa. W przedwojennych dziesięcioleciach jazz w naszym kraju (i nie tylko - podobne procesy można zaobserwować za granicą, w jego ojczyźnie w USA) był bardzo ściśle związany z muzyką rozrywkową, z pieśnią masową. Nasi popularni śpiewacy, w tym Leonid Utyosov, wykonali swoje słynne piosenki z akompaniamentem zespołów jazzowych. Jazzowa muzyka instrumentalna (A. Tsfasman, V. Knushevitsky) również została zbudowana na melodiach i rytmach przystępnych dla ucha zwykłego słuchacza.
Stopniowo muzyka jazzowa stawała się coraz bardziej złożona, zapożyczając osiągnięcia współczesnej symfonii w harmonii i konstrukcjach melodyczno-rytmicznych. Począwszy od stylu „be-bop” w latach powojennych, aż po współczesną „fusion”, jazz rozwija się właściwie zgodnie z muzyką „poważną”, skupiającą się na wyszkolonym słuchaczu, korzystającym ze zrozumienia i miłości nie wszystkich. , jak to było wcześniej. Dziś specyficzną cechą sztuki jazzowej jest to, że ścisły związek jazzu ze śpiewem i muzyką „lekką” uległ osłabieniu, jeśli nie zerwaniu.
Specyfika pop-artu – dostępność i prostota – wiąże się ściśle z inną specyfiką – jego masowością 35 . Dziś nie można już ignorować faktu, że zdecydowana większość widzów zapoznaje się z twórczością jej najlepszych mistrzów jedynie poprzez spotkania „korespondencyjne”. „Nawet bez dokładnych danych socjologicznych możemy śmiało powiedzieć, że co najmniej 90 procent publiczności, która kocha i zna repertuar Ałły Pugaczowej czy Walerija Leontiewa, nigdy nie była na ich występach w sali koncertowej. Dla nich widownią o nieograniczonych rozmiarach jest ekran telewizora” 36 .
Różnorodność telewizyjna sztuka- szczególny, godny szczególnej uwagi przedmiot badań. Procesu społecznej regulacji współczesnego odbiorcy nie da się w pełni zrozumieć bez uwzględnienia procesów zachodzących w telewizyjnym przekazie rozrywkowym 37 .
Wielu autorów piszących o problemach telewizyjnych programów rozrywkowych narzeka na brak takich programów. Literaturnaja Gazieta, która przeprowadziła ankietę wśród młodych ludzi na temat stosunku do telewizji, zauważyła, że „propozycje widzów („Jakie programy dla młodzieży mogłyby się, Pana zdaniem, pojawić w telewizji?”) są wyraźnie podporządkowane dwóm duchom – duchowi rozrywki i ducha wiedzy”. W tym samym czasie 91 procent (!!) publiczności domaga się sceny! A nawet ci, którym podobają się aktualne programy popowe: po prostu nie mają dość – potrzebują więcej” 38 .
Muszę powiedzieć, że szacunki telewizyjnej odmiany sztuki w kategoriach ilościowych nie są do końca poprawne. Badacze biorą pod uwagę tylko specjalnie popowe programy, podczas gdy w wielu innych programach wszystkie artystyczne „wstawki” (a jest ich bardzo dużo) to tak naprawdę muzyczne popowe numery. Dziś w pop-arcie można zauważyć dwa trendy: pojawienie się specjalnych programów rozrywkowych - takich jak „The Last Hero”, w których wraz z wąskim kręgiem popowych „gwiazd” uczestniczą również nieznani wykonawcy z „Star Factory” programy. Wśród specyficznych cech sztuki różnorodności należy wyróżnić modę. Moda może dotyczyć określonego gatunku, wykonawcy, nawet zewnętrznych sposobów prezentacji numeru, pojawienia się artysty w programie rozrywkowym. Bardzo trudno jest ustalić wzorce rozwoju mody, tym trudniej przygotować dzieło „szyte na miarę”, które zyska powszechną popularność i zacznie „nadawać ton”.
Poważne szkody w edukacji estetycznej ludności (zwłaszcza młodzieży) wyrządza bezmyślne wykorzystywanie popularności niektórych programów rozrywkowych przez administratorów organizacji koncertowych. W prasie przytaczano liczne fakty, jak poszczególni szefowie towarzystw filharmonicznych „promują” programy widowisk ze szkodą dla koncertów symfonicznych czy kameralnych. W efekcie w wielu miastach, które kiedyś słynęły z koncertowych tradycji, teraz wszystkie miejsca zostały całkowicie oddane w ręce show-biznesu 39 .
Choć nietrudno zauważyć, że grono to poszerzyło się o młodych utalentowanych muzyków i śpiewaków, którzy zaspokajają najróżniejsze gusta szerokiej publiczności.
Jako przykład można przytoczyć pracę znakomitego zespołu jazzowego „Arsenał” pod dyrekcją A. Kozlova: w poszukiwaniu silniejszego kontaktu z publicznością artyści ci postawili na odważną i nieoczekiwaną teatralizację swoich występów, tworząc nowa struktura gatunkowa w sztuce różnorodności, która pobudza wyobraźnię widza-słuchacza. Przystępując do eksperymentu muzycy oczywiście ryzykowali, że fani jazzowej improwizacji odrzucą ich występ. O wszystkim decydowała estetyczna kategoria miary i gust artystyczny - takie pozornie efemeryczne, trudne do zmierzenia koncepcje.
Wszystko to sugeruje, że pop-art, mimo szerokiego rozpowszechnienia, ma swoje specyficzne cechy. Teoretyczne rozumienie tej sztuki pokazuje, że w każdej twórczości istnieje nieuchronna przepaść między ideałem a rzeczywistością, pragnieniem a faktem, intencją a realizacją, a analiza tej okoliczności ma fundamentalne znaczenie dla zrozumienia perspektyw artystycznego rozwoju rzeczywistości. . Jak zauważył I. G. Sharoev „interakcja różnych rodzajów sztuki w naszych czasach staje się niejednoznaczna, a dynamika naruszania ich granic wzrasta. Dziś klasyfikacja typów i gatunków staje się niezwykle skomplikowana, ponieważ typy i gatunki są ze sobą tak powiązane, misternie splecione, że wyznaczenie ich granic jest często dość arbitralne” 40 .
Proces taki prowadzi do powstawania i utrwalania się nowych gatunków w różnych rodzajach sztuki, jest to szczególnie widoczne na scenie, która zawsze reagowała bardzo wrażliwie na nowe trendy. W ten sposób powstały nowe gatunki i formy, niezwykle różnorodne i ruchliwe: rock opera, zong opera, rock mass, rock suita i inne, w których obecne są elementy opery i baletu, dramatu i sztuk rewiowych.
Jedną ze specyficznych cech analizowanego przez nas rodzaju sztuki jest łączenie różnych gatunków, ich różnorodność.
Sztuka rozmaitości ze swej natury łączy w sobie różnorodne cechy gatunkowe innych rodzajów sztuki, których cechą wspólną jest łatwość dostosowania się do różnych warunków publicznego pokazu, krótki czas trwania akcji, koncentracja artystycznych środków wyrazu, które przyczynia się do wyrazistej identyfikacji indywidualności twórczej wykonawcy, aw zakresie gatunków związanych z żywym słowem - w aktualności, ostrej społeczno-politycznej aktualności poruszanych tematów, w przewadze elementów humoru, satyry i publicystyki " 41 .
Kolejną specyficzną cechą pop-artu jest to, że różnorodność gatunków i tła dyktuje zarówno czasowe, jak i przestrzenne ucieleśnienie idei, znaczenia w osobnym numerze, który stanowi podstawę popowego performansu.
Obejmuje indywidualne ukończone występy jednego lub kilku artystów i trwa tylko 3-5 minut.
Tworząc przedstawienie, wykonawcy mogą, ale nie muszą, zwrócić się o pomoc do reżysera, dramatopisarza, artysty, kompozytora, choreografa, podczas gdy oni sami decydują o jej treści. Wyraziste środki liczby są zgodne z jego ideą i pod tym względem wszystko powinno być w doskonałej harmonii: kostium, charakteryzacja, scenografia, zachowanie na scenie.
Zestawienie różnych numerów tworzy różnorodny program, w którym skupiają się wszystkie rodzaje sztuk performatywnych: śpiewacy, żonglerzy, felietoniści, skecze, treserzy zwierząt, magicy, kupletyści, akrobaci, tancerze, muzycy, demonstratorzy eksperymentów psychologicznych, akrobatyści i występują jeźdźcy. Ta rozpiętość możliwości sprawia, że pop-art jest różnorodny, jasny, oryginalny, mający swoje specyficzne cechy.
Zwykle liczby na koncercie różnorodności są łączone przez artystę lub fabułę. Następnie na scenie - przegląd odmian, zróżnicowany zarówno tematycznie, jak i strukturalnie.
Inną specyfiką pop-artu jest to, że jego artyści prawie zawsze komunikują się bezpośrednio z publicznością. K. S. Stanisławski sformułował prawo sceny, zgodnie z którym aktor działa w warunkach „publicznej samotności”. „Grając w spektaklu, mając świadomość, że obserwują go setki widzów, aktor musi jednocześnie umieć o nich zapomnieć. Aktor nie powinien naśladować tego, którego portretuje, ale stawać się nim, przeżywać niemal prawdziwe życie postaci scenicznej w okolicznościach, jakie stwarza sztuka i przedstawienie.
W ten sposób artysta estradowy, paradysta lub piosenkarz zwraca się bezpośrednio do audytorium. Publiczność okazuje się partnerem artystów, żywiołowo reaguje na to, co dzieje się na scenie, udziela wskazówek i przekazuje wykonawcom notatki. Nawet w trakcie dialogu artyści zwracają się nie tylko do siebie, ale także do publiczności.
Jak zauważył A. V. Łunaczarskiego: „… w swej żywotności, w miarę możliwości natychmiastowej reakcji na aktualne wydarzenia, w swojej politycznej ostrości scena ma wielką przewagę nad teatrem, kinem, literaturą poważną”, ponieważ „… ta ostatnia wymaga dużo czasu na przygotowanie swoich wyrobów, w swojej głównej formie jest znacznie cięższy niż lekkoskrzydły i kłujący, jak osa, piosenka popowa czy kronika dwuwierszowa” 43 .
Powyższe cechy jakościowe pop-artu posłużyły jako kryterium wyboru różnych zjawisk charakteryzujących jego doświadczenie twórcze.
W trakcie swojego rozwoju style popowe zmieniały się wielokrotnie. Zrozumienie stylu oznacza penetrację ukrytych mechanizmów technologii. W końcu ważny jest tu nie tylko dowolny gatunek popu, ale nawet osobna intonacja, przypadkowy gest. To metafory łączące wątki życia splatające się w codzienności w skomplikowany węzeł artystyczny. Tyle że, w przeciwieństwie do innych sztuk, popowe metafory są odlewami krótkich, nie dłuższych okresów czasu; tutaj rachunek idzie nie na lata, ale na miesiące, dni, a nawet minuty. Variety to kronikarski zapis wydarzeń naszych czasów.
Oczywiście okres historyczny ćwierć wieku to ogromny okres dla każdej sztuki. Ale ani w literaturze, ani nawet w teatrze i kinie czas nie przyniósł tak uderzających zmian, jak w sztuce różnorodności. I nie chodzi nawet o to, że nowi idole wyparli dawnych idoli ze sceny iz pamięci publiczności, ale o inną, ważniejszą rzecz. Zmiany dotyczyły samej istoty tego gatunku, wewnętrznej struktury jego form i gatunków.
Nawet w latach 60. pop-art nie znał na przykład żadnych galowych występów w rodzaju „teatru piosenki” rozmieszczonego wokół jednej „gwiazdy” z corps de ballet i wspaniałym spektakularnym orszakiem, który teraz tworzy A. Pugaczowa, V. Leontieva, S. Rotaru, L. Vaikule, ani zespołów wokalno-instrumentalnych z lat 70. czy zespołów rockowych z lat 80.
Programy orkiestr jazzowych zniknęły ze sceny współczesnej sceny nie dlatego, że wymarli założyciele i idole – L. Utyosow, B. Rensky, E. Rozner. Ich następcom nie udało się przedłużyć życia jazzu. Umarł sam gatunek – teatralna rozrywka, którą odtworzono przy akompaniamencie i udziale muzyków jazzowych.
Liczne odmiany miniaturowych teatrów - od „teatru dwóch aktorów” - M. Mironovej i A. Menakera, L. Mirowa i M. Nowickiego czy teatru A. Raikina po ogromną liczbę studenckich grup popowych późnych lat 50. - wczesne lata 60. – jeden po drugim, z różnych przyczyn znikały lub ulegały przekształceniom nie do poznania, jak Teatr Ermitaż – pomysł Vl. Poliakow. Ostatni teatr miniatur przeminął wraz ze śmiercią A. Raikina. Ich miejsce zajęli R. Kartsev i V. Ilchenko, M. Żvanetsky, a także „Teatry jednego aktora” - G. Khazanov, E. Petrosyan, E. Shifrin, V. Vinokur ...
Programy teatralne w jakiejś formie przetrwały do dziś, ale bardzo różniły się od poprzednich.
Liczba jako jednostka miary w niektórych programach urosła do wielkości odcinka, co jest całkiem naturalne, ponieważ pop-art opanował nowe miejsca - areny Pałaców Sportu, stadiony. Duże przestrzenie wymagały powiększenia wszystkich elementów sztuki rozrywkowej oraz technologii tworzenia i odtwarzania nowych form programów rozrywkowych.
W ostatnich latach programy rozrywkowe na dużą skalę coraz bardziej wypierają występy kameralne. Koncert rozmaitości, który jeszcze do niedawna był główną formą sztuki rozmaitości, podobnie jak występ w teatrze, film w kinie, okazał się zepchnięty na peryferie spektakularnej praktyki. A sam popowy koncert zmienił się nie do poznania.
W retrospektywie historycznej podstawą koncertu była zasada różnorodności, zgodnie z którą numer jednego gatunku został zastąpiony innym: czytelnik – żongler, iluzjonista – akordeonista, gitarzysta itp.
W ciągu ostatniego ćwierćwiecza wykonawcy felietonów muzycznych, kupletów, skeczy, przerywników, miniatur, czytelnicy, gawędziarze, instrumentaliści itp. jakoś niepostrzeżenie wypadli ze zgromadzonego koncertu rewiowego.
Indywidualne występy na scenie wymagają dużej samokontroli. Dla zapewnienia wysokiego poziomu aktywności scenarzysty, reżysera, performera ważny jest szczegółowy system codziennej kontroli twórczej, gdyż rozrywkę można uprawiać tylko wtedy, gdy posiada się filozoficzną kategorię „miara”.
Stanisławski pisał: „Nie mówmy, że teatr to szkoła. Nie, teatr to rozrywka. Wypuszczanie tego ważnego elementu z naszych rąk jest dla nas nieopłacalne. Niech ludzie zawsze chodzą do teatru dla rozrywki. Ale potem przyszli, zamknęliśmy za nimi drzwi (...) i możemy wlać w ich dusze, co tylko zechcemy” 44 . Dotyczy to w całości funkcjonowania odmiany sztuki. W popowym koncercie, kiedy jest piękna sceneria, niesamowici wykonawcy, genialne, skrzące się oświetlenie, wszystko się uruchamia, oszałamia widza.
Należy w tym miejscu zauważyć, że specyficzną cechą sztuki różnorodności jest otwartość performansu. Popowy wykonawca nie jest oddzielony od publiczności ani kurtyną, ani rampą, jest niejako „przybyszem z ludu” i jest z publicznością ściśle związany. Wszystko robi na oczach publiczności, wszystko jest blisko publiczności, gdzie wykonawcy mogą ją widzieć i słyszeć, nawiązują z nią bezpośredni kontakt.
Rezultatem rozważanych powyżej specyfiki pop-artu jest jedynie jego nieodłączny proces percepcyjno-komunikacyjny, w którym bliskie zbliżenie performera z publicznością rodzi zupełnie szczególny system komunikacji, a dokładniej komunikacji. Popowy performer podczas występu zamienia uważnych widzów-słuchaczy w aktywnych partnerów, pozwalając im na wiele w zakresie reakcji. Sam wykonawca muzyki pop może znacznie więcej, niż przewiduje koncert muzyki klasycznej czy przedstawienie teatralne. Ten performer zajmuje pozycję maksymalnego zaufania i otwartości w stosunku do publiczności.
Jednym słowem główna różnica między pop-artem polega na specyfice procesu percepcyjnego i komunikacyjnego, który jest łatwo dostrzegalny przez publiczność, co pomaga w tworzeniu unikalnych dzieł.
Proces percepcyjno-komunikacyjny w pop-arcie, pomimo rozpiętości jego palety gatunkowej i wpływu wielu czynników społecznych i kulturowych, wyróżnia się wewnętrzną dynamiką twórczości.
Gatunki sztuki obejmują wiele utworów muzycznych i poetyckich tzw. liryków miłosnych, które niosą ze sobą wzruszającą penetrację na scenę: charakteryzują się zabawą i humorem.
Odpowiedzi należy szukać w tym samym miejscu, czyli w systemie relacji między dwiema stronami – występującą i widzem, a także we własnej pozycji życiowej performera, w procesie percepcyjno-komunikacyjnym. Teksty miłosne ucieleśnione w programie różnorodnym implikują bardzo wysoki stopień zaufania wykonawcy do publiczności, co pozwala na powstanie pewnego rodzaju wyznania, gdy człowiek musi komuś powiedzieć o czymś bardzo intymnym - o swoim szczęściu lub smutku.
Cechą specyficzną pop-artu jest skuteczność, umiejętność reagowania na „gorące” tematy dnia, kształtowanie i wzmacnianie pozytywnego tonu emocjonalnego widza w myśl zasady: rano – w gazecie, wieczorem - w dwukropku.
To nie przypadek, że wszystkie społecznie ostre sytuacje stymulowały pojawianie się przede wszystkim nowych dzieł małych form, które z kolei były źródłem siły i inspiracji dla odbiorców.
Dlatego najważniejszą cechą sztuki różnorodności jest orientacja społeczna. Wraz z tym scena rozwinęła się jako sztuka świątecznego wypoczynku, która doprowadziła do różnorodności gatunków, niezwykłości ich postrzegania i odpowiadała pragnieniom osoby, aby wypełnić swój świąteczny wypoczynek, odpocząć nowymi wrażeniami, artystycznych odkryć i pozytywnych emocji. To właśnie te cechy odróżniają wakacje od życia codziennego. Jasność i oryginalność służyły i służą przyciąganiu uwagi słuchaczy do każdego numeru, ponieważ program rozrywkowy, nawet krótki, musi zawierać moment rywalizacji między numerami, ponieważ każdy z nich musi bronić swojego prawa do życzliwe nastawienie słuchaczy.
Publiczność na rozmaitym koncercie czy spektaklu oczekuje od każdego występu, od każdego odcinka jakiejś nowości, nieoczekiwanego zwrotu akcji, techniki wykonawczej. „Zwykle widzom, którzy przyszli na program rozrywkowy, wydaje się, że wszystko wiedzą z góry - teraz zostanie odtworzony prolog, potem artysta wejdzie na scenę, ale musimy starać się ich „rozczarować” w dobrym tego słowa znaczeniu, proszę im (i to niejeden raz) radosną niespodziankę, „wysadzają” wymierzony przebieg programu” 45 .
Wchodząc na scenę przed publicznością nastrojoną na odświętne widowisko, performer musi zaspokoić swoje pragnienia ujawnienia wszystkich swoich indywidualnych możliwości, udowodnienia, że jest „wszystkim fachowcem”. W tym celu należy stale aktualizować swój repertuar, znajdować nowy zwrot w rozwiązywaniu spektaklu, uwzględniający specyfikę percepcyjnego i komunikacyjnego procesu sztuki odmiany, wymyślać dowcipny początek, kulminację i zakończenie spektaklu. Dlatego odnowienie znanych gatunków następuje z powodu stworzenia nieoczekiwanego obrazu artystycznego, charakteru jego wykonania.
Najbardziej produktywnymi i artystycznie przekonującymi próbami były zawsze próby skomplikowania gatunku pop, w którym zwykle występuje wykonawca. Pewnego razu na scenie pojawiła się teatralna orkiestra jazzowa prowadzona przez Leonida Utyosowa. Występy czytelników zaczęły przeradzać się w „teatry jednoosobowe”, śpiewacy solo zaczęli tańczyć, obserwowano proces narodzin zupełnie nowych, nieznanych wcześniej gatunków.
Cechą charakterystyczną pop-artu jest świąteczna atmosfera, która odpowiada charakterowi samego procesu twórczego. Śpiew i sztuka dramatyczna dały życie śpiewowi teatralnemu, który dodał do siebie sztukę tańca (taniec z małymi amplitudami ruchu), a współczesny śpiew pop stał się sztuką o jeszcze bardziej złożonej strukturze.
Dziś bardzo popularne są popowe numery, w których jeden wykonawca śpiewa, tańczy i wygłasza monolog, występuje jako parodysta. Różnorodni muzycy-instrumentaliści potrafią grać na kilku różnych instrumentach, co powoduje dodatkowe zainteresowanie ich wykonaniem.
W związku z tym wykonawca muzyki pop, w przeciwieństwie do artysty akademickiego, może doskonale opanować wiele umiejętności zawodowych, które są „na styku” kilku rodzajów sztuki, ale nie zapominaj o tym stanie. W tym przypadku performer zarówno bawi, jak i urzeka publiczność, wywołując pozytywne emocje nie tylko treścią dzieła, ale także swoją „świątecznością”, uwzględnia specyfikę procesu percepcyjno-komunikacyjnego sztuki odmiany.
Poczucie święta można również stworzyć poprzez czysto zewnętrzną rozrywkę. Gra świateł, zmiana malowniczych scenerii, zmiana kształtu sceny na oczach publiczności, które najczęściej spotykamy w pokazach przeglądowych sali muzycznej, powodują, że widzowie czują się uniesieni na duchu i w dobrym nastroju. nastrój.
Tak, wiele gatunków pop-artu przyciąga łatwością i zwięzłością odbioru za sprawą dobrze znanego uproszczenia struktury dzieła, ułatwiającego jego treść i formę. Ale nie można tego uznać za drobnostkę. Wybrany (dotknięty) temat może być bardzo obszerny i znaczący. Ale dzięki temu, że pojawi się w utworze wolnym od skomplikowanego splotu innych wątków, dzieło będzie łatwiej postrzegane. Innym sposobem na opanowanie treści jest wybranie tematów, które nie udają wielkiej skali i głębi, ale są osobiste, firmowe i mogą zainteresować określony krąg osób.
Stąd pojęcie „rozmaitości” interpretowane jest jako specyficzny język środków wyrazu, przynależny tylko do tego rodzaju sztuki.
Różnorodność to cecha techniki i kunsztu wykonawcy występującego na scenie różnorodności.
Wykonawca pop jest przede wszystkim mistrzem w jednym z gatunków, a dopiero potem może wykazać się talentem w różnych gatunkach pop-artu.
W konsekwencji specyficzną cechą pop-artu jest jego wielogatunkowość, która łączy w sobie muzykę, taniec, śpiew, rozmowę, cyrk itp. Mimo wielogatunkowości, każdy wykonawca ma swoje cechy artystyczne i środki wyrazu, otwarta scena (scena), na którą wchodzi aktor, dyktuje własne warunki: bezpośredni kontakt z publicznością, „otwartość” warsztatu, umiejętność natychmiastowego transformacja itp. Główny „ceglany” program rozrywkowy, czyli koncert, to numer - krótki występ (jednego lub kilku wykonawców), zbudowany zgodnie z prawami dramaturgii. Film krótkometrażowy zakłada maksymalne skupienie środków wyrazu, „atrakcyjność”, użycie groteski, błazenady, ekscentryków. Szczególnie ważna jest obecność jasnej indywidualności, obrazu z powodzeniem znalezionego przez aktora (czasami maski), energii wewnętrznej.
Są to, naszym zdaniem, główne cechy charakterystyczne współczesnej sztuki odmiany.
Korzenie sceny sięgają odległej przeszłości, prześledzonej w sztuce Egiptu, Grecji, Rzymu; jej elementy obecne są w przedstawieniach wędrownych komików-bufonów (Rosja), shpilmanów (Niemcy), żonglerów (Francja), dandysów (Polska), maskarabozów (Azja Środkowa) itp.
Satyra na miejskie życie i zwyczaje, ostre żarty na tematy polityczne, krytyczny stosunek do władzy, kuplety, skecze komiksowe, żarty, gry, pantomima klaunów, żonglerka, muzyczna ekscentryczność były zaczątkami przyszłych gatunków popu, które narodziły się w zgiełku karnawału i rozrywki publicznej.
Barkers, którzy za pomocą żartów, dowcipów, zabawnych kupletów sprzedawali dowolny produkt na placach i rynkach, później stali się prekursorami artysty. Wszystko to miało charakter masowy i zrozumiały, co było nieodzownym warunkiem istnienia wszystkich gatunków muzyki pop. Nie wszyscy średniowieczni artyści karnawałowi odgrywali przedstawienia.
W Rosji początki gatunków pop przejawiały się w bufonach, zabawie i masowej twórczości festiwali ludowych. Ich przedstawicielami są raus dziadkowie-żartownisie z nieodzowną brodą, którzy zabawiali i kusili publiczność z górnej platformy budki- raus, pietruszka, raeshniks, przywódcy „uczonych” niedźwiedzi, aktorzy-błazny, grający „szkice” i „powtórki” ” wśród tłumu, grając na piszczałkach, harfie, smarkając i bawiąc ludzi.
Sztuka rozmaitości charakteryzuje się takimi cechami, jak otwartość, zwięzłość, improwizacja, odświętność, oryginalność, rozrywka.
Rozwijając się jako sztuka świątecznego wypoczynku, muzyka pop zawsze dążyła do niezwykłości i różnorodności. Sam nastrój odświętny powstał dzięki zabawom zewnętrznym, grze świateł, zmianie malowniczych scenerii, zmianie kształtu sceny itp. Mimo, że charakterystyczna dla sceny jest różnorodność form i gatunków, można ją podzielić na trzy grupy:
Scena koncertowa (wcześniej nazywana „divertissement”) łączy wszystkie rodzaje występów w koncertach rozmaitościowych;
Scena teatralna (kameralne przedstawienia teatru miniatur, teatrów kabaretowych, teatrów-kawiarni czy rewii koncertowej na dużą skalę, sala muzyczna, z licznym zespołem wykonawczym i pierwszorzędnym wyposażeniem scenicznym);
Scena świąteczna (festiwale ludowe, święta na stadionach, pełne numerów sportowych i koncertowych, a także bale, karnawały, maskarady, festyny itp.).
Są też takie:
3. 1. TEATRY RÓŻNORODNOŚCI
3.1.1 SALE MUZYCZNE
Jeśli podstawą przedstawienia różnorodnego jest skończony numer, to recenzja, jak każda akcja dramatyczna, wymagała podporządkowania fabuły fabule wszystkiego, co dzieje się na scenie. To z reguły nie łączyło się organicznie i prowadziło do osłabienia jednego z elementów prezentacji: albo spektaklu, albo postaci, albo fabuły. Stało się to podczas realizacji „Cudów XX wieku” – spektakl rozpadł się na kilka niezależnych, luźno powiązanych ze sobą odcinków. Jedynie zespół baletowy i kilka pierwszorzędnych przedstawień rozrywkowych i cyrkowych odniosły sukces wśród publiczności. Zespół baletowy wystawiony przez Goleizovsky'ego wykonał trzy numery: „Hej, chodźmy!”, „Moskwa w deszczu” i „30 angielskich dziewcząt”. Występ „Węża” był szczególnie spektakularny. Wśród numerów cyrkowych najlepsi okazali się: Tea Alba oraz „Australian Lumberjacks” Jackson i Laurer. Alba jednocześnie prawą i lewą ręką pisała kredą różne słowa na dwóch tablicach. Drwale na końcu wyścigu rąbali dwie grube kłody. Znakomity numer bilansowy na drucie pokazał niemiecki Strodi. Wykonywał salta na drucie. Spośród radzieckich artystów, jak zawsze, Smirnov-Sokolsky i ditties V. Glebova i M. Darskaya odnieśli wielki sukces. Wśród numerów cyrkowych na dwóch równoległych drutach wyróżniała się liczba Zoi i Marty Koch.
We wrześniu 1928 r. Odbyło się otwarcie Leningradzkiej Sali Muzycznej.
3. 1.2 TEATR MINIATUR - grupa teatralna zajmująca się głównie formami małymi: dramaty, skecze, skecze, opery, operetki wraz z utworami popowymi (monologami, kupletami, parodiami, tańcami, piosenkami). W repertuarze dominuje humor, satyra, ironia, teksty nie są wykluczone. Trupa jest niewielka, możliwy jest teatr jednego aktora, dwóch aktorów. Spektakle o lakonicznej konstrukcji przeznaczone są dla stosunkowo nielicznej publiczności, stanowią rodzaj mozaikowego płótna.
3. 1.3. GATUNKI GADAJĄCE na scenie – symbol gatunków kojarzony głównie ze słowem: komik, przerywnik, skecz, skecz, opowiadanie, monolog, felieton, mikrominiatura (inscenizowana anegdota), burime.
Artysta estradowy - artysta estradowy może być sparowany, pojedynczy, masowy. Gatunek potoczny zbudowany według praw „jedności i walki przeciwieństw”, czyli przejścia od ilości do jakości na zasadzie satyry.
Różnorodny monolog - może być satyryczny, liryczny, humorystyczny.
Interludium to scena komiksowa lub utwór muzyczny o zabawnej treści, który jest wykonywany jako niezależny numer.
Szkic to mała scena, w której intryga szybko się rozwija, gdzie najprostsza fabuła jest zbudowana na nieoczekiwanych zabawnych, ostrych pozycjach, zwrotach akcji, pozwalających na powstanie całej serii absurdów w toku akcji, ale gdzie zwykle wszystko kończy się szczęśliwym rozwiązaniem . 1-2 aktorów (ale nie więcej niż trzech).
Miniatura jest najpopularniejszym gatunkiem potocznym w muzyce pop. Na dzisiejszej scenie popularna anegdota (nieopublikowana, niedrukowana - z greckiego) to krótka, aktualna opowieść ustna z nieoczekiwanym dowcipnym zakończeniem.
Gra słów to żart oparty na komicznym użyciu podobnie brzmiących, ale inaczej brzmiących słów w celu gry na podobieństwie brzmieniowym równoważnych słów lub kombinacji.
Reprise jest najczęstszym gatunkiem krótkich potocznych.
Kuplety to jedna z najbardziej zrozumiałych i popularnych odmian gatunku potocznego. Parytysta stara się ośmieszyć to lub inne zjawisko i wyrazić swój stosunek do niego. Musi mieć poczucie humoru
Gatunki muzyczne i potoczne obejmują dwuwiersz, ditty, chansonette, feuilleton muzyczny.
Parodia pospolita na scenie może być „potoczna”, wokalna, muzyczna, taneczna. Kiedyś recytacje, melorecytacje, montaże literackie, „czytanie artystyczne” sąsiadowały z gatunkami mowy.
Niemożliwe jest podanie ściśle ustalonej listy gatunków mowy: nieoczekiwane syntezy słowa z muzyką, tańcem, pierwotnymi gatunkami (transformacja, ventrologia itp.) dają początek nowym formacjom gatunkowym. Praktyka na żywo stale dostarcza wszelkiego rodzaju odmian, to nie przypadek, że na starych plakatach zwyczajowo dodawano „w jego gatunku” do nazwiska aktora.
Każdy z powyższych gatunków mowy ma swoją własną charakterystykę, własną historię, strukturę. Rozwój społeczeństwa, warunki społeczne dyktowały pojawienie się jednego lub drugiego gatunku na czele. Właściwie tylko artysta estradowy urodzony w kabarecie można uznać za gatunek „rozmaitości”. Reszta pochodziła z budki, z teatru, z łamów humorystycznych i satyrycznych magazynów. Gatunki mowy, w przeciwieństwie do innych, skłonne do opanowania zagranicznych nowinek, rozwijały się zgodnie z tradycją narodową, w ścisłym związku z teatrem, z literaturą humorystyczną.
Rozwój gatunków mowy związany jest z poziomem literatury. Za aktorem stoi autor, który „umiera” w performerze. A jednak samoistna wartość gry aktorskiej nie umniejsza roli autora, który w dużej mierze decyduje o powodzeniu spektaklu. Autorzy często sami stawali się artystami. Tradycje I. Gorbunowa podjęli popowi gawędziarze - Smirnov-Sokolsky, Afonin, Nabatov i inni stworzyli własny repertuar. Aktorzy, którzy nie mieli talentu literackiego, zwrócili się o pomoc do autorów, którzy pisali na podstawie ustnego wykonania, biorąc pod uwagę maska wykonawcy. Autorzy ci z reguły pozostawali „bezimienni”. Od wielu lat w prasie toczy się dyskusja, czy utwór napisany z myślą o występie na scenie można uznać za literaturę. Na początku lat 80. powstało Ogólnounijne, a następnie Ogólnorosyjskie Stowarzyszenie Autorów Rozmaitości, co pomogło legitymizować tego typu działalność literacką. Autorska „anonimowość” to już przeszłość, zresztą sami autorzy wyszli na scenę. Pod koniec lat 70. ukazał się program „Za kulisami śmiechu”, opracowany według rodzaju koncertu, ale wyłącznie z występów autorów muzyki pop. Jeśli w poprzednich latach tylko poszczególni pisarze (Averchenko, Ardov, Laskin) wymyślali własne programy, teraz zjawisko to stało się powszechne. Fenomen M. Żvanetsky'ego w dużej mierze przyczynił się do sukcesu. Zaczynając w latach 60. jako autor Leningradzkiego Teatru Miniatur, omijając cenzurę, zaczął czytać swoje krótkie monologi i dialogi podczas zamkniętych wieczorów w Domach Inteligencji Twórczej, które podobnie jak piosenki Wysockiego były rozprowadzane po całym kraju .
3. JAZZ NA STOLIKU
Termin „jazz” jest powszechnie rozumiany jako: 1) rodzaj sztuki muzycznej oparty na improwizacji i szczególnej intensywności rytmicznej, 2) orkiestry i zespoły wykonujące tę muzykę. Terminy „zespół jazzowy”, „zespół jazzowy” są również używane do określenia grup (czasem wskazując liczbę wykonawców - trio jazzowe, kwartet jazzowy, orkiestra jazzowa, big band).
4. PIEŚŃ NA PODSTAWIE
Miniatura wokalna (wokalno-instrumentalna), szeroko stosowana w praktyce koncertowej. Na scenie często rozwiązywany jest jako sceniczna miniatura „gry” za pomocą plastyczności, kostiumu, światła, mise-en-scenes („teatr piosenki”); Ogromne znaczenie ma osobowość, cechy talentu i umiejętności wykonawcy, który w niektórych przypadkach staje się „współautorem” kompozytora.
Gatunki i formy pieśni są zróżnicowane: romans, ballada, pieśń ludowa, dwuwiersz, ditty, chansonette itp .; zróżnicowane są także metody wykonania: solowy, zespołowy (duety, chóry, zespoły wok-instr.).
Wśród muzyków popowych jest też grupa kompozytorów. Są to Antonow, Pugaczowa, Gazmanow, Łoza, Kuźmin, Dobrynin, Kornelyuk i inni.
Współistnieje wiele stylów, obyczajów i trendów – od sentymentalnego kiczu i miejskiego romansu po punk rocka i rap. Dzisiejsza piosenka to więc wielobarwny i wielostylowy panel, na który składają się dziesiątki kierunków, od imitacji rodzimego folkloru po zaszczepianie kultur afroamerykańskich, europejskich i azjatyckich.
5. TANIEC NA STOJAKU
Jest to krótki numer taneczny, solowy lub zespołowy, prezentowany na koncertach grupowych, rewiach, salach muzycznych, teatrach miniatur; towarzyszy i uzupełnia program wokalistów, szereg oryginalnych, a nawet gatunków mowy. Powstał na bazie tańca ludowego, codziennego (towarzyskiego), baletu klasycznego, tańca nowoczesnego, gimnastyki sportowej, akrobatyki, na skrzyżowaniu różnych obcych wpływów i tradycji narodowych. Charakter plastyczności tańca dyktują współczesne rytmy, ukształtowane pod wpływem sztuk pokrewnych: muzyki, teatru, malarstwa, cyrku, pantomimy.
Pierwotnie tańce ludowe były częścią występów stołecznych zespołów. Repertuar obejmował przedstawienia teatralne z życia wiejskiego, miejskiego i wojskowego, suity wokalne i taneczne z rosyjskich pieśni i tańców ludowych.
W latach 90. taniec na scenie mocno się spolaryzował, jakby wracał do sytuacji z lat 20. Grupy taneczne zajmujące się show-biznesem, takie jak Erotic Dance i inne, polegają na erotyce - występy w nocnych klubach dyktują własne prawa.
6. LALKI NA STOJAKU
Od czasów starożytnych ludzie w Rosji cenili rękodzieło, kochali zabawki i szanowali zabawną zabawę z lalką. Pietruszka radził sobie z żołnierzem, policjantem, księdzem, a nawet z samą śmiercią, dzielnie wymachiwał pałką, kładł na miejscu tych, których ludowi się nie podobało, obalał zło, utwierdzał ludową moralność.
Pietruszeczniki wędrowali samotnie, czasem razem: lalkarz i muzyk, sami komponowali sztuki, sami byli aktorami, sami reżyserzy - starali się zachować ruchy lalek, mise-en-scenes, lalkowe sztuczki. Lalkarze byli prześladowani.
Były też inne spektakle, w których grały kukiełki. Na drogach Rosji można było spotkać furgonetki wyładowane kukiełkami na sznurkach - marionetkami. A czasem pudełka z otworami w środku, wzdłuż których przesuwano lalki od dołu. Takie budki nazywano szopkami bożonarodzeniowymi. Lalkarze opanowali sztukę naśladownictwa. Lubili portretować śpiewaków, kopiowanych akrobatów, gimnastyczek, klaunów.
7. PARODIA NA STOISKU
Jest to numer lub przedstawienie oparte na ironicznym naśladowaniu (naśladowaniu) zarówno indywidualnej maniery, stylu, charakterystycznych cech i stereotypów pierwowzoru, jak i całych nurtów i gatunków w sztuce. Amplituda komiksu: od ostro satyrycznego (poniżającego) do humorystycznego (przyjazna karykatura) - określa stosunek parodysty do pierwowzoru. Parodia ma swoje korzenie w sztuce starożytnej, w Rosji od dawna jest obecna w grach błazeńskich, przedstawieniach farsowych.
8. MAŁYCH TEATRÓW
Tworzenie w Rosji teatrów kabaretowych „Nietoperz”, „Krzywe lustro” itp.
Zarówno Krzywe Zwierciadło, jak i Nietoperz były silnymi zawodowo zespołami aktorskimi, których poziom kultury teatralnej był niewątpliwie wyższy niż w licznych teatrach miniaturowych (Pietrowski wyróżniał się bardziej niż inne z Moskwy, reżyserował D.G. Gutman, Mamonowski, kultywujący dekadencka sztuka, w której Alexander Vertinsky zadebiutował podczas pierwszej wojny światowej, Nikolsky - artysta i reżyser A.P. Petrovsky W Petersburgu - Troitsky A.M. Fokina - reżyser V.R.V.O. Toporkov, później artysta teatru artystycznego, z powodzeniem występował jako artysta estradowy .
4. Gatunki muzyczne na scenie. Podstawowe zasady, techniki i reżyseria.
Istnieją różne gatunki:
1 Muzyka latynoamerykańska
Muzyka latynoamerykańska (hiszpańska musica latinoamericana) to ogólna nazwa stylów i gatunków muzycznych krajów Ameryki Łacińskiej, a także muzyki ludzi z tych krajów, którzy zwarto mieszkają w innych stanach i tworzą duże społeczności latynoamerykańskie (np. Stany Zjednoczone). W mowie potocznej często używa się skróconej nazwy „muzyka latynoska” (hiszp. musica latina).
Muzyka latynoamerykańska, której rola w życiu codziennym Ameryki Łacińskiej jest bardzo wysoka, jest fuzją wielu kultur muzycznych, ale opiera się na trzech elementach: hiszpańskiej (lub portugalskiej), afrykańskiej i indyjskiej kulturze muzycznej. Z reguły piosenki latynoamerykańskie wykonywane są w języku hiszpańskim lub portugalskim, rzadziej po francusku. Wykonawcy z Ameryki Łacińskiej mieszkający w USA są zwykle dwujęzyczni i często używają angielskich tekstów.
Właściwa muzyka hiszpańska i portugalska nie należy do latynoamerykańskiej, będąc jednak z tą ostatnią ściśle powiązana wieloma koneksjami; ponadto wpływ muzyki hiszpańskiej i portugalskiej na muzykę latynoamerykańską jest wzajemny.
Pomimo faktu, że muzyka latynoamerykańska jest niezwykle niejednorodna i ma swoją własną charakterystykę w każdym kraju Ameryki Łacińskiej, stylistycznie można ją podzielić na kilka głównych stylów regionalnych:
* Muzyka andyjska;
* Muzyka Ameryki Środkowej;
* Muzyka karaibska;
* Muzyka argentyńska;
* Muzyka meksykańska;
* Muzyka brazylijska.
Należy jednak mieć na uwadze, że taki podział jest bardzo arbitralny, a granice tych stylów muzycznych bardzo się zacierają.
Blues (angielski blues od blue devils) to gatunek muzyczny, który rozpowszechnił się w latach 20. XX wieku. To jedno z osiągnięć kultury afroamerykańskiej. Powstał z takich etnicznych nurtów muzycznych społeczeństwa afroamerykańskiego, jak „work song” (ang. work song), „spirituals” (ang. spirituals) i cholera (ang. Holler). Pod wieloma względami wywarł wpływ na współczesną muzykę popularną, zwłaszcza na takie gatunki jak „pop” (angielska muzyka pop), „jazz” (angielski jazz), „rock and roll” (angielski rock’n’roll). Dominująca forma bluesa 4/4, w której pierwsze 4 takty są często grane na harmonii tonicznej, po 2 na subdominancie i tonice oraz po 2 na dominacji i tonice. Ta przemiana jest również znana jako progresja bluesa. Często stosuje się rytm triol ósemkowych z pauzą – tzw. shuffle. Charakterystyczną cechą bluesa są „niebieskie nuty”. Często muzyka budowana jest według struktury „pytanie-odpowiedź”, wyrażającej się zarówno w treści lirycznej utworu, jak i treści muzycznej, często zbudowanej na dialogu instrumentów między sobą. Blues to improwizowana forma gatunku muzycznego, w której kompozycje często wykorzystują tylko główną „ramę” wspierającą, którą wybijają instrumenty solowe. Oryginalny motyw bluesowy jest zbudowany na zmysłowym społecznym elemencie życia populacji Afroamerykanów, jego trudnościach i przeszkodach, które pojawiają się na drodze każdej czarnej osoby.
Jazz to forma sztuki muzycznej, która powstała na przełomie XIX i XX wieku w Stanach Zjednoczonych w wyniku syntezy kultur afrykańskich i europejskich, a następnie rozpowszechniła się. Charakterystycznymi cechami języka muzycznego jazzu początkowo stały się improwizacja, polirytmia oparta na rytmach synkopowanych oraz unikalny zestaw technik wykonywania faktury rytmicznej – swing. Dalszy rozwój jazzu nastąpił dzięki opracowaniu przez muzyków i kompozytorów jazzowych nowych modeli rytmicznych i harmonicznych.
Country łączy w sobie dwie odmiany amerykańskiego folkloru – muzykę białych osadników, którzy osiedlili się w Nowym Świecie w XVII-XVIII wieku oraz kowbojskie ballady Dzikiego Zachodu. Ta muzyka ma silne dziedzictwo elżbietańskich madrygałów, irlandzkiej i szkockiej muzyki ludowej. Głównymi instrumentami muzycznymi tego stylu są gitara, banjo i skrzypce.
„The Little Old Log Cabin in the Lane” to pierwsza „udokumentowana” piosenka country napisana w 1871 roku przez Willa Heissa z Kentucky. 53 lata później Fiddine John Carson nagrywa tę kompozycję na płycie. W październiku 1925 roku rozpoczęła się audycja radiowa Grand Ole Opry, która do dziś transmituje na żywo koncerty gwiazd country.
Kraj jako przemysł muzyczny zaczął nabierać rozpędu pod koniec lat czterdziestych. dzięki sukcesowi Hanka Williamsa (1923-53), który nie tylko utrwalił wizerunek wykonawcy country na kilka pokoleń, ale także nakreślił typowe dla tego gatunku wątki - tragiczną miłość, samotność i trudy życia zawodowego. Już wtedy w muzyce country istniały różne style: western swing, który przejął zasady aranżacji z dixielandu – tutaj królem gatunku był Bob Wills i jego Texas Playboys; bluegrass, zdominowany przez założyciela Billa Monroe; styl muzyków takich jak Hank Williams był wówczas nazywany wieśniakiem. W połowie lat pięćdziesiątych. country wraz z elementami innych gatunków (gospel, rytm i blues) dały początek rock and rollowi. Od razu pojawił się gatunek z pogranicza – rockabilly – to od niego karierę zaczynali tacy piosenkarze jak Elvis Presley, Carl Perkins czy Johnny Cash – to nie przypadek, że wszyscy nagrywali w tym samym studiu Sun Records w Memphis. Dzięki sukcesowi Gunfighter Ballads and Trail Songs Marty'ego Robbinsa (1959) wyodrębnił się gatunek country and western, zdominowany przez sceny z życia Dzikiego Zachodu.
Chanson (fr. chanson - „pieśń”) - gatunek muzyki wokalnej; Słowo to jest używane w dwóch znaczeniach:
2) francuska piosenka pop w stylu kabaretu (skłonna po rosyjsku).
Blatna? Śpiewam (folklor kryminalny, blatniak) to gatunek pieśni śpiewający o życiu i zwyczajach środowiska przestępczego, pierwotnie przeznaczony dla środowiska więźniów i osób bliskich podziemiu. Pochodzi z Imperium Rosyjskiego i rozpowszechnił się w Związku Radzieckim, a następnie w krajach WNP. Z czasem w gatunku muzyki kryminalnej zaczęto pisać piosenki, które wykraczają poza temat kryminalny, ale zachowują jego charakterystyczne cechy (melodia, żargon, narracja, światopogląd). Od lat 90. kryminalna piosenka w rosyjskim przemyśle muzycznym jest sprzedawana pod nazwą „Russian chanson” (por. Stacja radiowa i nagrody o tej samej nazwie).
Romans w muzyce to kompozycja wokalna napisana na podstawie krótkiego wiersza o treści lirycznej, głównie miłosnej.
Piosenka autorska, czyli muzyka barda, to gatunek pieśni, który powstał w połowie XX wieku w ZSRR. Gatunek rozwinął się w latach pięćdziesiątych i sześćdziesiątych XX wieku. od sztuki amatorskiej, niezależnie od polityki kulturalnej władz sowieckich, i szybko zyskała szeroką popularność. Główny nacisk położony jest na poezję tekstu.
6 Muzyka elektroniczna
Muzyka elektroniczna (z ang. muzyka elektroniczna, potocznie także „elektronika”) to szeroki gatunek muzyczny, który odnosi się do muzyki tworzonej przy użyciu elektronicznych instrumentów muzycznych. Choć pierwsze instrumenty elektroniczne pojawiły się na początku XX wieku, muzyka elektroniczna jako gatunek rozwinęła się w drugiej połowie XX wieku i obejmuje dziesiątki odmian na początku XXI wieku.
7 Muzyka rockowa
Muzyka rockowa (ang. Rock music) to ogólna nazwa wielu dziedzin muzyki popularnej. Słowo „kołysać” - kołysać - w tym przypadku wskazuje na rytmiczne odczucia charakterystyczne dla tych kierunków, związane z pewną formą ruchu, analogicznie do „toczenia się”, „skrętu”, „huśtania się”, „potrząsania” itp. Takie znamiona muzyki rockowej, jak posługiwanie się elektrycznymi instrumentami muzycznymi, twórcza samowystarczalność (dla muzyków rockowych charakterystyczne jest wykonywanie kompozycji własnego autorstwa) są drugorzędne i często mylące. Z tego powodu przynależność niektórych stylów muzycznych do rocka jest kwestionowana. Rock jest również szczególnym zjawiskiem subkulturowym; subkultury takie jak mods, hipisi, punki, metalowcy, goci, emo są nierozerwalnie związane z pewnymi gatunkami muzyki rockowej.
Muzyka rockowa ma wiele kierunków: od lekkich gatunków, takich jak taneczny rock and roll, pop rock, britpop, po gatunki brutalne i agresywne - death metal i hardcore. Treść piosenek waha się od lekkich i wyluzowanych do mrocznych, głębokich i filozoficznych. Często muzyka rockowa jest przeciwstawiana muzyce rozrywkowej i tzw. „pop”, choć nie ma wyraźnej granicy między pojęciami „rock” i „pop”, a wiele zjawisk muzycznych balansuje między nimi.
Początki muzyki rockowej tkwią w bluesie, z którego wywodzą się pierwsze gatunki rocka – rock and roll i rockabilly. Pierwsze podgatunki muzyki rockowej powstały w ścisłym związku z ówczesną muzyką ludową i popową – przede wszystkim folk, country, skiffle, music hall. W okresie jego istnienia starano się łączyć muzykę rockową z niemal wszystkimi możliwymi rodzajami muzyki – z muzyką akademicką (art rock, pojawia się pod koniec lat 60.), jazzem (jazz rock, pojawia się pod koniec lat 60. muzyka (rock latynoski, pojawia się pod koniec lat 60.), muzyka indyjska (raga rock, pojawia się w połowie lat 60.). W latach 60. i 70. pojawiły się prawie wszystkie główne podgatunki muzyki rockowej, z których najważniejsze, oprócz wymienionych, to hard rock, punk rock, rock awangardowy. Na przełomie lat 70. i 80. pojawiły się takie gatunki muzyki rockowej, jak post-punk, nowa fala, rock alternatywny (choć pierwsi przedstawiciele tego kierunku pojawili się już pod koniec lat 60.), hardcore (główny podgatunek punk rocka), jak a także podgatunki brutal metalu - death metal, black metal. W latach 90. szeroko rozwinęły się gatunki grunge (pojawiły się w połowie lat 80.), Britpop (pojawił się w połowie lat 60.), metal alternatywny (pojawił się pod koniec lat 80.).
Głównymi ośrodkami powstania i rozwoju muzyki rockowej są Stany Zjednoczone i Europa Zachodnia (zwłaszcza Wielka Brytania). Większość tekstów jest w języku angielskim. Jednak, choć z reguły z pewnym opóźnieniem, narodowa muzyka rockowa pojawiła się w prawie wszystkich krajach. Rosyjskojęzyczna muzyka rockowa (tzw. rock rosyjski) pojawiła się w ZSRR już w latach 60. i 70. XX wieku. i osiągnął swój szczyt w latach 80., kontynuując rozwój w latach 90.
8 Ska, rocksteady, reggae
Ska to styl muzyczny, który powstał na Jamajce pod koniec lat pięćdziesiątych. Pojawienie się stylu wiąże się [źródło nieokreślone 99 dni] z pojawieniem się instalacji dźwiękowych (ang. „sound systems”), które pozwalały tańczyć wprost na ulicy.
Zestawy dźwiękowe to nie tylko głośniki stereo, ale forma ulicznych dyskotek z DJ-ami i ich przenośnymi urządzeniami stereo, z rosnącą konkurencją między tymi DJ-ami o najlepszy dźwięk, najlepszy repertuar i tak dalej.
Styl charakteryzuje się swingującym rytmem 2/4, kiedy gitara gra na parzystych uderzeniach perkusji, a kontrabas lub gitara basowa podkreśla te nieparzyste. Melodia jest odtwarzana przez instrumenty dęte, takie jak trąbka, puzon i saksofon. Wśród melodii ska można znaleźć melodie jazzowe.
Rocksteady („rocksteady”, „rocksteady”) – styl muzyczny, który istniał na Jamajce iw Anglii w latach 60. XX wieku. Podstawą stylu są karaibskie rytmy w metrum 4/4, ze zwiększoną uwagą na instrumenty klawiszowe i gitary.
Reggae (angielskie reggae, inna pisownia - „reggae” i „reggae”), jamajska muzyka popularna, po raz pierwszy wspomniana od późnych lat 60. Czasami używana jako ogólna nazwa całej muzyki jamajskiej. Jest blisko spokrewniony z innymi jamajskimi gatunkami – rocksteady, ska i innymi.
Dub (angielski dub) to gatunek muzyczny, który powstał na początku lat 70. na Jamajce. Początkowo płyty z tego gatunku były utworami reggae z (czasami częściowo) usuniętymi wokalami. Od połowy lat 70. dub stał się fenomenem samym w sobie, uważanym za eksperymentalną i psychodeliczną odmianę reggae. Muzyczny i ideologiczny rozwój dubu dał początek technologii i kulturze remiksów, a także bezpośrednio lub pośrednio wpłynął na rozwój nowej fali i gatunków takich jak hip-hop, house, drum and bass, trip-hop, dub-techno , dubstep i inne. .
Muzyka pop (ang. Pop-muzyka z muzyki popularnej) to kierunek muzyki współczesnej, rodzaj współczesnej kultury masowej.
Termin „muzyka pop” ma dwa znaczenia. W szerokim znaczeniu jest to dowolna muzyka masowa (w tym rock, elektronika, jazz, blues). W wąskim znaczeniu - odrębny gatunek muzyki popularnej, bezpośrednio muzyki rozrywkowej o określonych cechach.
Główne cechy muzyki pop jako gatunku to prostota, melodyjność, poleganie na wokalu i rytmie z mniejszą uwagą na partię instrumentalną. Główną i praktycznie jedyną formą kompozycji w muzyce pop jest piosenka. Teksty muzyki pop są zazwyczaj o osobistych uczuciach.
Muzyka pop obejmuje podgatunki, takie jak euro pop, latin, disco, electropop, muzyka taneczna i inne.
10 Rap (hip-hop)
Hip-hop (angielski hip hop) to trend kulturowy, który narodził się wśród klasy robotniczej Nowego Jorku 12 listopada 1974 roku. DJ Afrika Bambaataa jako pierwszy zidentyfikował pięć filarów kultury hip-hopowej: eMsiing (angielski MCing), DJing (angielski DJing) , łamanie, pisanie graffiti i wiedza. Inne elementy to beatbox, moda hip-hopowa i slang.
Pochodzący z południowego Bronxu, w latach 80. hip-hop stał się częścią kultury młodzieżowej w wielu krajach na całym świecie. Od końca lat 90., z ulicznego undergroundu o ostro towarzyskiej orientacji, hip-hop stopniowo przekształcił się w część przemysłu muzycznego, a do połowy pierwszej dekady obecnego stulecia subkultura stała się „modna”. główny nurt". Jednak mimo to wiele postaci hip-hopu nadal kontynuuje swoją „główną linię” - protest przeciwko nierówności i niesprawiedliwości, sprzeciw wobec rządzących.
Wiadomo, że reżyseria sceniczna dzieli się na reżyserię przedstawienia różnorodnego i reżyserię aktu wariacyjnego.
Metodyka pracy nad spektaklem różnorodnym (koncert, przegląd, pokaz) z reguły nie obejmuje zadań tworzenia numerów, z których się składa. Reżyser łączy gotowe numery z fabułą, jednym tematem, buduje przekrojową akcję spektaklu, porządkuje jego strukturę tempowo-rytmiczną, rozwiązuje problemy muzyczne, scenograficzne i świetlne. Oznacza to, że boryka się z szeregiem problemów artystycznych i organizacyjnych, które wymagają rozwiązania w całości programu i nie są bezpośrednio związane z samym aktem różnorodności. Stanowisko to potwierdza teza znanego reżysera spektakli rewiowych I. Szarojewa, który pisał, że „najczęściej reżyser przyjmuje przedstawienia od specjalistów różnych gatunków, a następnie tworzy z nich program rewiowy. Pokój zapewnia dużą niezależność.”
Praca nad aktem rewiowym wymaga od reżysera rozwiązania szeregu specyficznych zadań, z którymi nie mierzy się przy inscenizacji dużego programu. To przede wszystkim umiejętność wydobycia indywidualności artysty, budowania dramaturgii spektaklu, pracy z repryzą, trikiem, kneblem, poznania i uwzględnienia natury specyficznych środków wyrazu wydajność i wiele więcej.
Wiele postulatów metodologicznych tworzenia spektaklu opiera się na wspólnych fundamentalnych zasadach, które istnieją w dramacie, teatrze muzycznym i cyrku. Ale wtedy na fundamencie budowane są zupełnie inne konstrukcje. W kierunku różnorodności zauważalna jest znaczna specyfika, którą determinuje przede wszystkim typologia gatunkowa aktu różnorodności.
Na scenie reżyser, jako twórca, realizuje w spektaklu nadrzędny cel każdej sztuki - stworzenie artystycznego obrazu, który jest twórczą stroną zawodu. Ale w trakcie inscenizacji numeru trwa praca specjalisty od technologii środków wyrazu. Wynika to z samej natury niektórych gatunków: np. większość podgatunków typu sportowo-cyrkowego wymaga pracy próbnej i treningowej z trenerem nad elementami sportowymi, sztuczkami specjalnymi; praca nad numerem wokalnym jest niemożliwa bez lekcji od nauczyciela śpiewu; w gatunku choreograficznym rola choreografa-repetytora jest zasadnicza.
Czasami ci specjaliści techniczni głośno nazywają siebie reżyserami, choć tak naprawdę ich działalność ogranicza się tylko do zbudowania specjalnego wyczynu lub technicznego elementu numeru - nieważne, czy to akrobacje, taniec czy śpiew. Tutaj mówienie o tworzeniu artystycznego wizerunku może być naciągane. Kiedy czołowi mistrzowie sceny (zwłaszcza w gatunkach oryginalnych) dzielą się tajnikami swoich umiejętności w drukowanych utworach, opisują głównie technikę trików, akrobacji, żonglerki itp.
Chciałbym jeszcze raz podkreślić, że struktura artystyczna popowego aktu jest złożona, różnorodna, często konglomeratowa. Dlatego wystawienie popowego numeru jest jedną z najtrudniejszych czynności reżysera. „Wykonanie dobrego występu, nawet jeśli zajmuje tylko kilka minut, jest bardzo trudne. I wydaje mi się, że te trudności są bagatelizowane. Może dlatego szanuję i doceniam sztukę tych, których czasem nieco lekceważąco nazywa się artystami, przyznając im niezbyt zaszczytne miejsce w niepisanej skali profesji. Te słowa S. Jutkiewicza po raz kolejny potwierdzają wagę analizy struktury artystycznej aktu popowego, kończąc na studiowaniu podstaw metodologii jego tworzenia, zwłaszcza w aspekcie pracy reżyserskiej i inscenizacyjnej.
Wniosek.
RÓŻNORODNOŚĆ SZTUKI (z francuskiego estrade – estrada, elewacja) – syntetyczna forma sztuki scenicznej, która łączy w sobie małe formy dramatu, komedii, muzyki, a także śpiewu artystycznego. czytanie, choreografia, ekscentryczność, pantomima, akrobatyka, żonglerka, iluzjonizm itp. Pomimo swojego międzynarodowego charakteru zachowuje ludowe korzenie, które nadają mu szczególny narodowy posmak. Urodzony w renesansie na scenie ulicznej i począwszy od błazeństwa, prymitywnych fars, błazenady, E. i. w różnych krajach ewoluował inaczej, dając pierwszeństwo jednemu lub drugiemu gatunkowi, jednej lub drugiej masce-obrazowi. W programach rozrywkowych powstałych później salonów, kół i klubów, w budkach, filharmoniach, kawiarniach, kabaretach, teatrzykach miniaturowych i na zachowanych terenach ogrodów i parków rozmaitości, wesoły humor, dowcipne parodie i karykatury, zjadliwa społeczna satyra, ostre dominuje hiperbola, błazenada, groteska, żartobliwa ironia, szczere teksty, modne taneczne i muzyczne rytmy. Poszczególne numery polifonicznej wariacji divertissement są często trzymane razem na scenie przez artystę estradowego lub prostą fabułę, a teatry jednego lub dwóch aktorów, zespoły (baletowe, musicalowe itp.) - z oryginalnym repertuarem, własną dramaturgią . Sztuka rozmaitości skupia się na jak najszerszej publiczności i polega przede wszystkim na umiejętnościach wykonawców, na ich technice wcielania się, umiejętności tworzenia widowiskowej rozrywki za pomocą zwięzłych środków, barwnej postaci – częściej komedii negatywnej niż pozytywnej. Demaskując swoich antybohaterów, zwraca się ku cechom metaforycznym i detalom, ku dziwacznemu splotowi wiarygodności i karykatury, realnej i fantastycznej, przyczyniając się tym samym do stworzenia atmosfery odrzucenia ich życiowych pierwowzorów, sprzeciwu wobec ich pomyślności w rzeczywistości. Aktualność jest typowa dla sztuki różnorodnej, łączenia rozrywki z poważnymi treściami w najlepszych przykładach, funkcjami edukacyjnymi, kiedy zabawę uzupełnia różnorodna paleta emocjonalna, a czasem społeczno-polityczny, obywatelski patos. Tej ostatniej cechy brakuje show-biznesowi generowanemu przez burżuazyjną kulturę masową. Niemal wszystkie operacyjne „małe”, „lekkie” odmiany, w tym pospolite „skity”, charakteryzują się stosunkowo krótką żywotnością, szybką deprecjacją masek, która jest uzależniona od wyczerpania aktualności tematu, realizacji ładu społecznego, zmiana zainteresowań i potrzeb słuchaczy. Będąc jedną z najbardziej mobilnych form sztuki, a zarazem sztuką bardziej starożytną, pop-art podlega chorobie stemplowania, obniżania wartości artystycznej i estetycznej utalentowanych znalezisk, aż do zamieniania ich w kicz. Silny wpływ na rozwój mają takie sztuki „techniczne”, jak kino, a zwłaszcza telewizja, która często zawiera w swoich programach różnorodne przedstawienia i koncerty. Dzięki temu tradycyjne formy i techniki odmiany sztuki zyskują nie tylko większą skalę i rozpowszechnienie, ale także psychologiczną głębię (wykorzystanie zbliżeń, innych wizualnych i wyrazistych środków sztuki ekranowej) oraz żywą rozrywkę.
W systemie sztuk performatywnych scena zajmuje dziś zdecydowanie odrębne miejsce, reprezentując niezależne zjawisko kultury artystycznej. Popularność odmiany sztuki wśród najszerszej i najbardziej zróżnicowanej publiczności zmusza ją do odpowiadania na sprzeczne potrzeby estetyczne różnych grup ludności pod względem składu społecznego, wiekowego, edukacyjnego, a nawet narodowościowego. Ta cecha pop-artu w dużej mierze wyjaśnia obecność negatywnych aspektów w walorach zawodowych, estetycznych i smakowych dzieł pop. Masowy charakter publiczności pop w przeszłości i teraźniejszości, jej heterogeniczność, konieczność łączenia funkcji rozrywkowych i edukacyjnych w pop-arcie, nakłada na twórców dzieł pop-artu określone wymagania, nakłada na nich szczególną odpowiedzialność.
Złożoność badań nad utworami popowymi, a także rozwój metodologicznych podejść do ich tworzenia wynika z faktu, że generalnie jest to konglomerat różnych sztuk. Syntetyzuje aktorstwo, muzykę instrumentalną, wokal, choreografię, malarstwo (na przykład gatunek „artysty błyskawicznego”). Sport (liczby akrobatyczne i gimnastyczne) i nauka są wciśnięte w tę syntezę sztuk (wśród gatunków pop jest matematyczna liczba - „żywa maszyna licząca”). Ponadto istnieją gatunki pop oparte na elemencie kaskaderskim, który wymaga manifestacji unikalnych zdolności i możliwości danej osoby (na przykład szereg podgatunków pop-cyrku, hipnoza, eksperymenty psychologiczne). Wielość środków wyrazu, ich nieoczekiwane i niezwykłe zestawienia w różnych formach syntetycznych na scenie są bardzo często bardziej zróżnicowane niż w innych sztukach widowiskowych.
Spis wykorzystanej literatury.
Bermont E. Konkurs odmian. //Teatr. 1940, nr 2, s. 75-78
Birzhenyuk G.M., Buzene L.V., Gorbunova N.A.
Kober. Punkt kulminacyjny programu: Per. z nim. L., 1928. S. 232-233; Stanishevsky Yu Liczba i kultura jego prezentacji // SEC. 1965. nr 6.
Konnikov A. Różnorodny świat. M., 1980.
Ozhegov S. I. i Shvedova N. Yu Słownik wyjaśniający języka rosyjskiego: 80 000 słów i wyrażeń frazeologicznych
Rozovsky M. Reżyser spektaklu. M., 1973.
Rosyjska scena sowiecka // Eseje o historii. Reprezentant. wyd. doktor pozew, prof. E. Uvarova. W 3 TM, 1976, 1977, 1981.
Uvarova E. Variety Theatre: miniatury, recenzje, sale muzyczne (1917-1945). M., 1983; Arkadij Rajkin. M., 1986.; Jak się bawić w rosyjskich stolicach. SPb., 2004.
Sharoev I. Reżyseria sceniczna i spektakle masowe. M., 1986; Etap wieloaspektowy. M., 1995.
Etap- rodzaj sztuki scenicznej, który implikuje zarówno odrębny gatunek, jak i syntezę gatunków: śpiew, taniec, oryginalne wykonanie, sztuka cyrkowa, iluzje.
Muzyka popowa- rodzaj rozrywkowej sztuki muzycznej, adresowanej do najszerszego grona odbiorców.
Ten rodzaj muzyki najbardziej rozwinął się w XX wieku. Zwykle obejmuje muzykę taneczną, różne piosenki, utwory na orkiestry popowe i symfoniczne oraz zespoły wokalne i instrumentalne.
Często muzyka pop utożsamiana jest z dominującym pojęciem „muzyki lekkiej”, czyli łatwo dostrzegalnej, ogólnodostępnej. W ujęciu historycznym muzykę rozrywkową można przypisać utworom klasycznym, które są proste w treści i zyskały powszechną popularność, na przykład sztuki F. Schuberta i J. Brahmsa, F. Lehara i J. Offenbacha, walce J. Straussa i A. K. Głazunow, „Nocna serenada” W. A. Mozarta.
W tym rozległym, a także niezwykle niejednorodnym pod względem natury i poziomu estetycznego obszarze twórczości muzycznej z jednej strony stosowane są te same środki wyrazu, co w muzyce poważnej, z drugiej strony własne, specyficzne. .
Termin „orkiestra różnorodności” został zaproponowany przez L. O. Utyosova pod koniec lat 40., co umożliwiło rozdzielenie dwóch koncepcji:
muzyka popowa i jazzowa.
Współczesna muzyka pop i jazz mają wiele wspólnych cech: obecność stałej pulsacji rytmicznej realizowanej przez sekcję rytmiczną; głównie taneczny charakter utworów wykonywanych przez zespoły popowe i jazzowe. Ale jeśli muzyka jazzowa charakteryzuje się improwizacją, szczególną właściwością rytmiczną jest swing, a formy współczesnego jazzu są czasem dość trudne do uchwycenia, to muzykę pop wyróżnia dostępność języka muzycznego, melodia i skrajna rytmiczna prostota.
Jednym z najczęstszych rodzajów popowych kompozycji instrumentalnych jest popowa orkiestra symfoniczna (ESO) lub symphojazz. W naszym kraju tworzenie i rozwój ESO wiąże się z nazwiskami V. N. Knushevitsky, N. G. Minkh, Yu. V. Silantiev. Repertuar różnorodnych orkiestr symfonicznych jest niezwykle obszerny: od oryginalnych utworów orkiestrowych i fantazji na znane tematy po towarzyszenie pieśni i operetek.
Oprócz niezbędnej sekcji rytmicznej i pełnego składu dętego big bandu (grupa saksofonowa i grupa dęta), ESO obejmuje tradycyjne grupy instrumentów orkiestry symfonicznej – instrumenty dęte drewniane, rogi i instrumenty smyczkowe (skrzypce, altówki, wiolonczele). Stosunek grup w ESO jest zbliżony do tego w orkiestrze symfonicznej: dominuje grupa smyczkowa, co wynika z przeważnie melodyjnego charakteru muzyki ESO; ważną rolę odgrywają instrumenty dęte drewniane; sama zasada orkiestracji jest bardzo zbliżona do przyjętej w orkiestrze symfonicznej, choć obecność stale pulsującej sekcji rytmicznej i bardziej aktywna rola zespołu dętego (a czasem saksofonów) przypomina czasem brzmienie orkiestry jazzowej. Ważną rolę kolorystyczną w ESO pełnią harfa, wibrafon, kotły.
ESO są bardzo popularne w naszym kraju. Ich występy transmitowane są w radiu i telewizji, najczęściej wykonują muzykę filmową, uczestniczą w różnorodnych koncertach i festiwalach. Wielu radzieckich kompozytorów pisze muzykę specjalnie dla ESO. Są to A. Ya Eshpay, I. V. Yakushenko, V. N. Ludvikovsky, O. N. Chromushin, R. M. Ledenev, Yu. S. Saulsky, M. M. Kazhlaev, V. E. Ter-letsky, A. S. Mazhukov, V. G. Rubashevsky, A. V. Kalvarsky i inni.
Gatunek muzyki pop obejmuje różne rodzaje piosenek pop: tradycyjny romans, współczesną piosenkę liryczną, piosenkę w tanecznych rytmach z rozbudowanym akompaniamentem instrumentalnym. Najważniejszą rzeczą, która łączy wiele rodzajów popowych piosenek, jest dążenie ich autorów do maksymalnej dostępności, zapamiętywania melodii. Korzenie takiej demokracji tkwią w dawnym romansie i nowoczesnym folklorze miejskim.
Piosenka pop to nie tylko czysta rozrywka. Tak więc w radzieckich piosenkach pop brzmią tematy obywatelstwa, patriotyzmu, walki o pokój itp. F. Tuchmanow i inni radzieccy kompozytorzy są kochani nie tylko w naszym kraju, ale także daleko poza jego granicami. Piosenka Solovyova-Sedoya „Moscow Evenings” zyskała prawdziwie światowe uznanie. W XX wieku. różne rodzaje muzyki tanecznej następowały po sobie. Tak więc tango, rumba, fokstrot zostały zastąpione przez rock and rolla, zastąpił go twist and shake, bardzo popularne były rytmy samby i bossa novy. Od wielu lat styl disco jest szeroko rozpowszechniony w muzyce pop i dance. Powstał ze stopu murzyńskiej muzyki instrumentalnej z elementami śpiewu i plastyczności, charakterystycznymi dla popowych piosenkarzy z Ameryki Łacińskiej, w szczególności z Jamajki. Muzyka w stylu disco, ściśle kojarzona w Europie Zachodniej i Stanach Zjednoczonych z przemysłem fonograficznym i praktyką dyskotekową, okazała się jednym z szybko rozwijających się trendów w muzyce rozrywkowej i tanecznej drugiej połowy XX wieku.
Wśród radzieckich kompozytorów, którzy ustanowili krajowe tradycje w gatunku muzyki tanecznej, są A. N. Tsfasman, A. V. Varlamov, A. M. Polonsky i inni.
Współczesną muzykę rockową można zaliczyć do dziedziny muzyki pop. W kulturze muzycznej Europy Zachodniej i USA jest to nurt bardzo barwny pod względem poziomu ideowego, artystycznego i zasad estetycznych. Reprezentują ją zarówno dzieła wyrażające sprzeciw wobec niesprawiedliwości społecznej, militaryzmu, wojny, jak i dzieła głoszące anarchizm, niemoralność i przemoc. Równie różnorodny jest styl muzyczny zespołów reprezentujących ten nurt. Mają jednak wspólną podstawę, pewne cechy charakterystyczne.
Jedną z tych cech jest wykorzystanie śpiewu solowego i zespołowego, a co za tym idzie tekstu, który niesie samodzielną treść, oraz głosu ludzkiego jako szczególnej kolorystyki barwowej. Członkowie zespołów lub grup często łączą funkcje instrumentalistów i wokalistów. Wiodącymi instrumentami są gitary, a także różne instrumenty klawiszowe, rzadziej instrumenty dęte. Dźwięk instrumentów jest wzmacniany przez różne przetworniki dźwięku, wzmacniacze elektroniczne. Muzyka rockowa różni się od muzyki jazzowej bardziej ułamkową strukturą metro-rytmiczną.
W naszym kraju elementy muzyki rockowej znajdują odzwierciedlenie w pracy zespołów wokalno-instrumentalnych (VIA).
Radziecka muzyka rozrywkowa, ze względu na swój masowy charakter i dużą popularność, odegrała znaczącą rolę w edukacji estetycznej młodego pokolenia.
Słowo "etap" ( z łac warstwa) oznacza - podłoga, platforma, wzgórze, platforma.
Najdokładniejsza definicja sztuki różnorodności jako sztuki łączącej różne gatunki znajduje się w słowniku D.N. Uszakowa: „ Etap- to sztuka małych form, obszar spektakli widowiskowych i muzycznych na otwartej scenie. Jej specyfika polega na łatwej adaptacji do różnych warunków publicznego pokazu i krótkim czasie działania, środkami artystycznymi i ekspresyjnymi sztuki, która przyczynia się do wyrazistej identyfikacji indywidualności twórczej wykonawcy, w aktualności, ostrym społeczno-politycznym znaczeniu poruszane tematy, z przewagą elementów humoru, satyry, publicystyki”.
Sowiecka encyklopedia definiuje muzykę pop jako wywodzącą się z języka francuskiego estrad- forma sztuki obejmująca małe formy sztuki dramatycznej i wokalnej, muzykę, choreografię, cyrk, pantomimę itp. Na koncertach - oddzielne gotowe numery, połączone artystą, fabułą. Jako sztuka niezależna ukształtowała się pod koniec XIX wieku.
Istnieje również taka definicja sceny:
Powierzchnia sceny, stała lub tymczasowa, przeznaczona na występy koncertowe artysty.
Sztuka różnorodności ma swoje korzenie w odległej przeszłości, wywodzącej się ze sztuki starożytnego Egiptu i starożytnej Grecji. Chociaż scena ściśle współdziała z innymi dziedzinami sztuki, takimi jak muzyka, teatr dramatyczny, choreografia, literatura, kino, cyrk, pantomima, jest to samodzielna i specyficzna forma sztuki. Podstawą pop-artu jest – „Jego Królewska Mość liczba” – jak powiedział N. Smirnov-Sokolsky 1 .
Numer- mały występ jednego lub kilku artystów z własną fabułą, punktem kulminacyjnym i rozwiązaniem. Specyfiką spektaklu jest bezpośrednia komunikacja artysty z publicznością, w imieniu własnym lub w imieniu postaci.
W średniowiecznej sztuce wędrownych artystów teatry farsowe w Niemczech, błazny na Rusi, teatry masek we Włoszech itp. istniał już bezpośredni apel artysty do widza, który pozwalał kolejnemu stać się bezpośrednim uczestnikiem akcji. Krótki czas trwania spektaklu (nie więcej niż 15-20 minut) wymaga maksymalnego skupienia środków wyrazowych, zwięzłości i dynamiki. Różnorodne występy są klasyfikowane zgodnie z ich cechami na cztery grupy. Pierwsza grupa gatunków powinna zawierać liczby potoczne (lub mowy). Potem przychodzą muzyczne, plastyczno-choreograficzne, mieszane, „oryginalne” numery.
Sztuka komedii została zbudowana na otwartym kontakcie z publicznością. sztuka (maska) XVI-PPXVII wiek.
Przedstawienia były zazwyczaj improwizowane na podstawie typowych scen fabularnych. Brzmienie muzyczne jako przerywniki (inserts): piosenki, tańce, numery instrumentalne czy wokalne - było bezpośrednim źródłem popowego numeru.
W XVIII wieku istnieją opera komiczna oraz wodewil. Wodewil był fascynującym przedstawieniem z muzyką i żartami. Ich główni bohaterowie - zwykli ludzie - zawsze pokonywali głupich i złośliwych arystokratów.
A w połowie XIX wieku narodził się gatunek operetka(dosłownie mała opera): rodzaj sztuki teatralnej, który łączył muzykę wokalną i instrumentalną, taniec, balet, elementy pop-artu, dialogi. Jako niezależny gatunek, operetka pojawiła się we Francji w 1850 roku. „Ojcem” francuskiej operetki i operetki w ogóle był Jakuba Offenbacha(1819-1880). Później gatunek rozwija się we włoskiej „komedii masek”.
Różnorodność jest ściśle związana z życiem codziennym, z folklorem, z tradycjami. Co więcej, są przemyślane, unowocześnione, „estradyzowane”. Różne formy popowej twórczości są wykorzystywane jako rozrywkowa rozrywka.
To nie przypadek. W Anglii puby(publiczne instytucje publiczne) powstały w XVIII wieku, stały się pierwowzorami sal muzycznych (muzyka). Puby stały się miejscem rozrywki dla szerokich demokratycznych warstw społeczeństwa. W przeciwieństwie do salonów arystokratycznych, gdzie przeważała muzyka klasyczna, w knajpach wykonywano piosenki, tańce, występy komików, mimów, akrobatów, w knajpach pokazywano sceny z popularnych przedstawień, składające się z imitacji i parodii, przy akompaniamencie fortepianu. Nieco później, w pierwszej połowie XIX w. kawiarnia-koncerty, które pierwotnie były kawiarniami literacko-artystycznymi, w których improwizowali poeci, muzycy i aktorzy. W różnych modyfikacjach rozprzestrzeniły się w całej Europie i stały się znane jako kabaret(cukinia). Rozrywka nie wyklucza czynnika duchowego, pozycja obywatelska jest szczególnie ważna dla artysty rewiowego.
Łatwość adaptacji różnorodności artystycznej do odbiorców skrywa niebezpieczeństwo flirtu z publicznością, ustępstwa na rzecz złego smaku. Aby nie wpaść w otchłań wulgarności i wulgarności, artysta potrzebuje prawdziwego talentu, smaku i polotu. Z poszczególnych popowych numerów reżyser ułożył program, który był jednocześnie mocnym środkiem wyrazu. Swobodne łączenie małych form, oddzielonych od różnych rodzajów twórczości artystycznej i samouzdrawiających się, doprowadziło do narodzin sztuki kolorowej pokaz odmian. Sztuka rewii jest ściśle związana z teatrem, cyrkiem, ale w przeciwieństwie do teatru nie potrzebuje zorganizowanej akcji dramatycznej. Konwencjonalność fabuły, brak rozwinięcia akcji (głównego dramatu) są również charakterystyczne dla dużego przedstawienia. rewia(z fr. - recenzja). Poszczególne części przeglądu łączy wspólna idea wykonawcza i społeczna. Rewia jako muzyczny gatunek dramatyczny łączy w sobie elementy kabaretu, baletu i rewii. W spektaklu rewiowym dominuje muzyka, śpiew i taniec. Program odmian ma swoje własne modyfikacje:
- pokaz odmian z poszczególnych numerów
- pokaz różnorodności
- kabaret taneczny
- rewia
W XX wieku rewia przekształciła się we wspaniałe widowisko rozrywkowe. W Stanach Zjednoczonych istniały odmiany rewii, tzw pokazać.
Scena muzyczna obejmowała różne gatunki muzyki rozrywkowej: pieśni, fragmenty operetek, musicale, rewii w różnych opracowaniach utworów instrumentalnych. W XX wieku scenę wzbogacił jazz i muzyka popularna.
Tak więc pop-art przeszedł długą drogę i dziś możemy obserwować ten gatunek w innej formie i wykonaniu, co sugeruje, że jego rozwój nie stoi w miejscu.
