Znani włoscy artyści. Malarstwo włoskie XIII-XV wieku. Sztuka renesansu

Renesans włoski (renesans włoski) charakteryzuje się okresem wielkich przemian kulturowych w Europie, w okresie od XIV do XVI wieku. To właśnie z tej epoki wyłoniła się konstelacja znanych włoskich artystów, którzy podziwiali i pokazali całemu światu piękno natury i ludzkiego ciała. Spójrzmy więc na 10 najsłynniejszych mistrzów włoskiego renesansu.

1. Rafael Santi

Rafael Santi (znany nam wszystkim jako Raphael) urodził się w Urbino w rodzinie nadwornego malarza Giovanniego Santiego. Młody Rafael rozpoczął naukę na dworze, gdzie inspirował się twórczością wielkich artystów, takich jak Andrea Mantegna i Piero della Francesca. Raphael był także uczniem Pietro Perugino, a jego wczesne prace odzwierciedlają wpływ jego nauczyciela włoskiego renesansu. W latach 1500 i 1508 Rafael pracował w środkowych Włoszech i był znany z Madonn i portretów. W 1508 roku papież Juliusz II zwrócił się do niego z prośbą o udekorowanie papieskich pomieszczeń w Watykanie, gdzie ukończył swoje najwspanialsze dzieło, takie jak „Szkoła Ateńska” w zwrotce della Senyatura.

„Santi”

2. Leonardo da Vinci

Dzieła Leonarda da Vinci są często uważane za uosobienie humanistycznych ideałów włoskiego renesansu. Leonardo da Vinci był mistrzem różnych form sztuki, jednak sławę zyskał dzięki swoim obrazom. Leonardo był nieślubnym dzieckiem florenckiego notariusza i wieśniaczki. Młody człowiek ukształtował swój styl podczas studiów w warsztacie florenckiego malarza Andrei del Verrocchio. Niestety, dziś dostępnych jest tylko 15 jego obrazów, a wśród nich „Mona Lisa” i „Ostatnia wieczerza” – dwa z najbardziej rozpoznawalnych i naśladowanych dzieł.

3. Michał Anioł

Podobnie jak jego współczesny Leonardo da Vinci, Michał Anioł był mistrzem różnych dziedzin sztuki, z których najważniejszą było oczywiście malarstwo. W Kaplicy Sykstyńskiej w Watykanie znajdują się najbardziej imponujące freski w historii sztuki zachodniej: obrazy ilustrujące dziewięć scen z Księgi Rodzaju na suficie oraz Sąd Ostateczny na ścianie ołtarza, należący do pędzla artysty. Michał Anioł ukończył freski na suficie kaplicy w ciągu około czterech lat, kompozycja zajmuje ponad 500 metrów kwadratowych i zawiera co najmniej 300 obrazów. To niezwykłe dzieło niewątpliwie wywarło wpływ na wielu barokowych dekoratorów w ciągu następnych kilku lat.

4. Sandro Botticelli

Kolejnym malarzem należącym do słynnej szkoły florenckiej jest Sandro Botticelli. Niewiele wiadomo o jego młodości, wiadomo, że był uczniem Fra Filippo Lippiego, a inspirację czerpał z monumentalnych obrazów Masaccio. Elegancki obraz Madonny z Dzieciątkiem, mistrza wczesnego renesansu Botticellego, a także jego obrazy na ścianach ołtarzy, obrazy naturalnej wielkości zasłynęły już za jego życia. Najbardziej znany jest z dwóch dzieł przedstawiających sceny mitologiczne – „Narodziny Wenus” i „Wiosna” – oba obrazy znajdują się w Galerii Uffizi we Florencji.

5. Tycjan

Tiziano Vecellio, zwany Tycjanem, był największym malarzem weneckim XVI wieku. Tycjan słynie przede wszystkim ze umiejętności posługiwania się kolorami i ich odcieniami – w równym stopniu opanował umiejętność malowania portretów, pejzaży, tematów mitologicznych i religijnych. Jako nastolatek współpracował z wybitnymi weneckimi artystami, takimi jak Giorgione i Giovanni Bellini. Malował także dla członków rodziny królewskiej w całej Europie, w tym dla króla Hiszpanii Filipa II. W swojej karierze Tycjan malował portrety wielu najważniejszych osobistości swoich czasów, od papieża Pawła III po cesarza rzymskiego Karola V.

"Autoportret". Narodowe Muzeum Prado

6. Tintoretto

Następny na liście czołowych włoskich malarzy renesansu jest Jacopo Robusti (Comyn), znany wszystkim pod pseudonimem Tintoretto (jego ojciec był farbiarzem lub tintore po włosku). Połączył wykorzystanie kolorystyki Tycjana z dynamiką form Michała Anioła. Jego twórczość charakteryzuje się tematyką na dużą skalę, jak na przykład dzieło „Ostatnia wieczerza”. Obraz cechuje pomysłowość, efektowne oświetlenie – gra światła i cienia oraz wykorzystanie gestów i ruchów ciała w dynamice. Dzięki swojej pasji do pracy i impulsywności w rysowaniu Tintoretto zyskał kolejny przydomek: II Furious.

"Autoportret"

7. Masaccio

Masaccio pozostawił niezatarty ślad w świecie malarstwa, choć jego życie było krótkie – zmarł w wieku 26 lat. Urodzony w 1401 roku, wniósł znaczący wkład w malarstwo poprzez umiejętność tworzenia dynamicznych obrazów i ruchów, a także naukowe podejście do perspektywy. Przez wielu uważany jest za pierwszego wielkiego malarza włoskiego renesansu i innowatora epoki nowożytnej w malarstwie. Na twórczość Masaccio wpłynęła twórczość rzeźbiarza Donatello i architekta Brunelleschiego. Niestety, do naszych czasów zachowały się tylko cztery dzieła, których autorstwo nie budzi wątpliwości, inne zaś powstały we współpracy z innymi artystami.

8. Domenico Ghirlandaio

Domenico Ghirlandaio był szefem dużego i produktywnego warsztatu we Florencji, w którym uczestniczyli także jego dwaj bracia. W jego pracowni spędzało czas wielu późniejszych znanych artystów, wśród nich Michał Anioł. Malarz wczesnego renesansu zasłynął ze swoich szczegółowych tematów, które często obejmowały czołowe postacie tamtych czasów, jak na przykład kroniki współczesnego społeczeństwa florenckiego. Najważniejsze zlecenia otrzymał od papieża Sykstusa IV, który wezwał go do Rzymu, aby namalował Kaplicę Sykstyńską.

„Powołanie pierwszych apostołów”

9. Andrea del Verrocchio

Być może zauważyłeś, że Andrea del Verrocchio była już wspomniana na naszej liście. Miał ogromny wpływ na odnoszących sukcesy malarzy włoskiego renesansu. Wśród jego uczniów byli wspomniani Botticelli, Ghirlandaio, a nawet Leonardo da Vinci. Jego patronami byli wpływowa rodzina Medyceuszy, przedstawiciele państwa weneckiego i Rada Miejska Pistoi. Wszechstronny artysta stworzył sporo rzeźb. Znane jest tylko jedno dzieło sztuki podpisane przez Verrocchio: ściana ołtarza w katedrze w Pistoi. Mimo to jego warsztatowi przypisuje się wiele innych obrazów.

„Chrzest Chrystusa”

10. Giovanni Bellini

Urodzony w rodzinie artystów, wraz z ojcem Jacopo i bratem Gentile, Giovanni Bellini całkowicie odmienił malarstwo w regionie weneckim. Używając czystych kolorów i miękkich przejść, Bellini był w stanie stworzyć bogate odcienie i wyraźne cieniowanie. Te innowacje w zakresie koloryzacji wywarły głęboki wpływ na innych malarzy, takich jak Tycjan. Bellini dodał do wielu swoich dzieł ukrytą symbolikę, którą zwykle przypisuje się renesansowi północnemu.

„Madonna na łące”

Włoski artysta Michelangelo Merisi da Caravaggio gloryfikował słynny światłocień. Postacie na jego obrazach zdają się wyłaniać z ciemności, wyrywane przez jasne promienie światła. Metodę tę przyjęło wielu zwolenników po śmierci artysty.

Aresztowanie Chrystusa, 1602

Sztuka Caravaggia wywarła ogromny wpływ na twórczość nie tylko wielu włoskich, ale także czołowych zachodnioeuropejskich mistrzów XVII wieku – Rubensa, Jordansa, Georgesa de Latoura, Zurbarana, Velazqueza, Rembrandta. Karawagiści pojawili się w Hiszpanii (Jose Ribera), Francji (Trofim Bigot), Flandrii i Holandii (karawagiści z Utrechtu – Gerrit i Willem van Honthorst, Hendrik Terbruggen, Judith Leyster) i innych krajach Europy, nie mówiąc już o samych Włoszech (Orazio Gentileschi, jego córka Artemisia Gentileschi).

„Złożenie do grobu” (1603)

Michelangelo Merisi da Caravaggio / Michelangelo Merisi da Caravaggio (29 września 1571, Mediolan - 18 lipca 1610, Porto Ercole) – artysta włoski, reformator malarstwa europejskiego XVII wieku, twórca realizmu w malarstwie, jeden z największych mistrzów baroku. Jako jeden z pierwszych zastosował styl pisania światłocieniowy – ostre przeciwstawienie światła i cienia. Nie znaleziono ani jednego rysunku ani szkicu, artysta natychmiast zrealizował swoje złożone kompozycje na płótnie.

Mediolan 1571-1591

Syn architekta Fermo Merisiego i jego drugiej żony Lucii Aratori, córki ziemianina z miasteczka Caravaggio pod Mediolanem. Jego ojciec był menadżerem markiza Francesco Sforza da Caravaggio. W 1576 roku podczas zarazy zmarł ojciec i dziadek, matka z dziećmi przeniosła się do Caravaggio.

Dawid i Goliat 1599

Pierwszymi mecenasami przyszłego artysty byli książę i księżna Colonny.W 1584 roku w Mediolanie Michelangelo Merisi przybył do warsztatu Peterzano, uważanego za ucznia Tycjana. W tamtym czasie manieryzm dominował w artystycznym świecie Włoch, ale w Mediolanie silny był realizm lombardzki.

Pierwsze dzieła artysty, powstałe w Mediolanie, sceny rodzajowe i portrety, nie zachowały się do dziś.

Pod koniec lat osiemdziesiątych XVI wieku życie porywczego Merisiego zostało przyćmione skandalami, walkami i więzieniami, które towarzyszyły mu przez całe życie.

W 1589 roku artysta wraca do domu, aby sprzedać swoją działkę, najwyraźniej potrzebując pieniędzy. Ostatni raz odwiedził dom po śmierci matki w 1590 roku. Jesienią 1591 roku został zmuszony do ucieczki z Mediolanu po kłótni o grę karcianą, która zakończyła się morderstwem. Po zatrzymaniu się najpierw w Wenecji, udaje się do Rzymu.

„Powołanie apostoła Mateusza” (1600)

Rzym 1592-1594

W stolicy, zgodnie ze zwyczajem ówczesnych włoskich artystów, otrzymuje przydomek kojarzony z miejscem urodzenia, jak miało to miejsce na przykład w przypadku Veronese czy Correggio. I tak Michelangelo Merisi został Caravaggio.

W 1593 roku Caravaggio wstąpił do warsztatu Cesariego d'Arpino, który zlecił Caravaggio malowanie kwiatów i liści na freskach. W warsztacie d'Arpino poznał mecenasów i artystów, w szczególności Jana Brueghela Starszego.

Wczesne dzieła Caravaggia powstały pod wpływem Leonarda da Vinci (spotkał Madonnę w skałach i Ostatnią wieczerzę w Mediolanie), Giorgione, Tycjana, Giovanniego Belliniego, Mantegny.Pierwszym obrazem, który do nas dotarł, jest Chłopiec obierający owoce (1593).W warsztacie d'Arpino Caravaggio poznał Mario Minnitiego, który stał się jego uczniem i wzorem do wielu obrazów, z których pierwszym jest „Młody człowiek z koszem owoców” (1593-1594).

„Chłopiec z koszem owoców”, 1593-94, Galeria Borghese

Po bójce Caravaggio trafia do więzienia Tor di Nona, gdzie spotyka Giordano Bruno.Wkrótce zrywa z Cesarim d'Arpino, bezdomny Caravaggio zaprosił do siebie Antiveduto Grammar.

W 1593 roku zachorował na rzymską febrę (jedna z nazw malarii) i przez sześć miesięcy przebywał w szpitalu na granicy życia i śmierci. Być może pod wpływem choroby tworzy obraz „Chory Bachus” (1593) - swój pierwszy autoportret.

„Chory Bachus” (fragment) (1593), Galeria Borghese

Pierwsze wielopostaciowe obrazy powstały w 1594 r. - są to „Rounders” i „Fortune Teller” (Muzea Kapitolińskie). Georges de Latour napisał później swój „Wróżnik” o identycznym składzie.

„Zaokrąglacze” (1594)

„Wróżka” (1594)

Jesienią 1594 roku Caravaggio rozpoczął pracę u kardynała Francesco del Monte, przeniósł się do swojej willi Madama, gdzie spotkał się z Galileuszem, Campanellą, Dellą Portą, poetami Marino i Milesi.

Rzym 1595-1599

Ten okres życia, spędzony w Villi Madama, okazał się dla Caravaggia bardzo owocny, ponadto niemal wszystkie powstałe wówczas obrazy przetrwały do dziś.Na obrazie „Muzycy” (1595) pośrodku ukazany jest Mario Minniti, a obok artysta umieścił się z rogiem.

„Muzycy” (1595). Caravaggio namalował siebie z rogiem pomiędzy dwoma muzykami

W obrazie Kupidyna z winogronami niektórzy badacze dostrzegają erotyczną aluzję do związku z Minniti. Minniti jest także przedstawiona na obrazie „Chłopiec ugryziony przez jaszczurkę” (1596, Londyn), sprzedanym handlarzowi dziełami sztuki Valentino.

„Chłopiec ugryziony przez jaszczurkę”

W 1595 roku, pomimo zaleceń Gentileschiego, Gramatyki, Prospero Orsiego, Caravaggio odmówiono przyjęcia do Akademii św. Łukasza. Głównym przeciwnikiem przyjęcia Caravaggia do Akademii był jej prezes Federico Zuccaro. Uważał, że efekty obrazów Caravaggia wynikają z ekstrawaganckiego charakteru, a sukces jego obrazów zawdzięczał jedynie ich „odcieniu nowości”, który cieszył się dużym uznaniem zamożnych mecenasów.

W 1596 roku Caravaggio stworzył pierwszą w historii malarstwa włoskiego martwą naturę - „Kosz z owocami”.

Kosz owoców (1596), Pinacoteca Ambrosiana, Mediolan

W Lutniście (1596, Ermitaż) partytura okazała się łatwa do odczytania, jest to madrygał Jacoba Arkadelta „Wiesz, że cię kocham”. Do kogo skierowana jest ta wiadomość, nie wiadomo.

Maluje takie płótna jak:

„Bachus” (1596)

A także „Kurtyzana Fillida” (1597), „Portret Maffeo Barberiniego” (1598).W 1597 roku kardynał del Monte otrzymał polecenie pomalowania sufitu swojej rezydencji. Tak pojawił się jedyny fresk Caravaggia „Jowisz, Neptun i Pluton”.

Obrazy Caravaggia cieszą się coraz większą popularnością.Prawdziwą chwałę Caravaggia przyniosły obrazy o tematyce biblijnej – nowatorskie w wykonaniu jest „Odpoczynek w czasie ucieczki do Egiptu” (1597). „Główną zaletą obrazu jest mistrzowsko odtworzone środowisko świetlno-powietrzne, tworzące atmosferę poezji i spokoju, uzupełnione skromnym pejzażem, zapisanym pod wyraźnym wrażeniem wspomnień rodzinnej Lombardii z jej trzcinami, turzycą przy tafli wody , srebrzyste topole na tle pagórkowatego grzbietu i wieczornego błękitnego nieba”

„Odpoczynek podczas lotu do Egiptu” (1597)

Napisał także Ekstazę św. Franciszka” (1595), „Ofiara Izaaka” (1598).

Ekstaza świętego Franciszka, 1595

„Ofiara Izaaka”

Pierwszy kobiecy wizerunek w twórczości Caravaggia – „Pokutująca Maria Magdalena” (1597), ukazuje zdolność artysty do głębokiej i poetycko znaczącej interpretacji obrazu. Obraz został sprzedany bankierowi i mecenasowi sztuki Vincenzo Giustinaniemu.

„Pokutująca Maria Magdalena”

Śledzono ją

„Święta Katarzyna Aleksandryjska” (1598)

„Marta i Maria” (1598)

„Judyta ścinająca głowę Holofernesowi” (1598) pokazuje, że Caravaggio w swoim realizmie nie stroni od celowo naturalistycznych efektów

U Jana Chrzciciela (1598) zauważalny jest wpływ Michała Anioła:

Caravaggio stał się sławny. Opuszcza Villa Madama i przenosi się do domu bankiera i kolekcjonera Chiriaco Mattei, który kupił „Wróżkę”. Mario Minniti po kłótni z Caravaggio ożenił się i wyjechał na Sycylię.

Rzym 1600-1606

Przez kilka miesięcy Caravaggio ukrywał się w posiadłości Colonna. Namalował tam kilka obrazów, ale jego styl stał się ponury: Św. Franciszek w medytacji (1606), Wieczerza w Emaus (1606). Postać Chrystusa przypomina fresk Leonarda „Ostatnia wieczerza”.

Caravaggio przeniósł się do Neapolu, gdzie namalował kilkanaście obrazów, choć nie wszystkie się zachowały:

„Ekstaza Magdaleny” (1606)

„Chrystus przy kolumnie” (1607)

„Salome z głową Jana Chrzciciela” (1607)

Na zlecenie kościoła Pio Monte della Misericordia namalował z wielką malarską energią obraz „Siedem miłosierdzia” (1607), który znajduje się do dziś w tym kościele.

Niespodziewanie w lipcu 1607 roku Caravaggio udał się na Maltę – do La Valletty.

„Św. Hieronim” (1608)

H napisany przez niego dla katedry San Giovanni dei Cavalieri, spodobał się wielkiemu mistrzowi Zakonu Maltańskiego Alofowi de Vignacour. Caravaggio maluje portrety: Alofy de Vignacour, cenionego później przez Delacroix, współpracownika mistrza Antonio Martelliego.

14 lipca 1608 Caravaggio zostaje kawalerem Zakonu Maltańskiego bez prawa noszenia krzyża maltańskiego, gdyż nie był szlachcicem.

Państwowy Ermitaż wraz z Muzeami Miejskimi w Pawii organizuje największą retrospektywę malarstwa włoskiego ubiegłego stulecia, obejmującą ponad siedemdziesiąt dzieł

Państwowy Ermitaż, 19 listopada 2011 - 22 stycznia 2012
Sala Herbowa Pałacu Zimowego

W ramach Roku Włoch w Rosji i Rosji we Włoszech w Sali Herbowej Pałacu Zimowego prezentowana jest wystawa „Malarstwo włoskie XIX wieku. Od neoklasycyzmu do symbolizmu”, zorganizowanej przez Państwowy Ermitaż wspólnie z Muzeami Miejskimi w Pawii. Ekspozycja jest największą retrospektywą malarstwa włoskiego ubiegłego stulecia i obejmuje ponad siedemdziesiąt dzieł, z których połowa pochodzi z kolekcji XIX-wiecznej Galerii Sztuki Muzeów Miejskich w Pawii. Ponadto na wystawie znajdują się prace z Galerii Sztuki Nowoczesnej we Florencji, Mediolanie, Turynie, Genui. Znaczenie wystawy trudno przecenić, gdyż recenzowany okres jest praktycznie nieznany rosyjskiej publiczności (w zbiorach Ermitażu znajduje się nieco ponad sześćdziesiąt obrazów włoskich artystów Ottocento).

Na przykładzie najlepszych przykładów malarstwa XIX wieku wystawa ukazuje całą gamę stylów i nurtów, w jakich pracowali włoscy artyści: klasycyzm, romantyzm, historyzm, macchiaioli, symbolizm.

Główne cechy włoskiego klasycyzmu zostały określone w twórczości Antonio Canovy. Lombardzka artystka Andrea Appiani sięgnęła po rodzaj wysublimowanych idyllicznych obrazów o tematyce mitologicznej, czego przykładem jest obraz Juno ubrana w łaski. Ten sam starożytny kanon wysublimowanej harmonii znajduje się na płótnach „Paryż” i „Hebe” Gaspare Landi. Heroiczną gałąź neoklasycyzmu reprezentuje popularny niegdyś obraz „Śmierć Cezara” Vincenzo Camucciniego.

Zwrot do epizodów i bohaterów historii narodowej, w większości już opisanych w literaturze, jest charakterystyczny dla większości malarstwa XIX wieku, począwszy od romantyzmu. Głównym artystą tego kierunku jest Francesco Hayets. Na obrazie „Pojednanie Ottona II z matką Adelajdą Burgundzką” odtworzył znaczące, ale mało znane wydarzenie z historii średniowiecznej Włoch. W „Wenus bawiącej się gołębiami” ucieleśniał cechy słynnej baletnicy Carlotty Chabert, w „Sekretnym potępieniu” ukazał Wenecjankę piękną i okrutną.

Artyści romantyczni chętnie przedstawiali postacie wybitne, zbuntowanych bohaterów w chwilach chwały lub upadku. Przykłady takich dzieł: „Galileusz przed Trybunałem Inkwizycji” Christiano Bantiego, „Krzysztof Kolumb po powrocie z Ameryki (Krzysztof Kolumb w łańcuchach)” Lorenza Delleaniego, „Lord Byron na greckich brzegach” Giacomo Trecourta.

Romantycy ożywiają zainteresowanie „młodszymi” gatunkami malarstwa – obrazem wnętrz budynków i widokami miast (ołów). Na płótnie „Kościół Santa Maria della Salute w Wenecji” Ippolito Caffi eksperymentuje z percepcją wzrokową i efektami świetlnymi.

Poszukiwania romantyków trwały w toskańskich macchiaioli w latach 60. XIX wieku: Giovanni Fattori, Silvestro Lega, Telemaco Signorini, Giuseppe Abbati, Odorado Borrani, Vincenzo Cabianca. Artyści zaproponowali zabieg stylistyczny, zastępując tradycyjne światłocienie kontrastowym zestawieniem plam („macchia”). W nowej technice macchiaioli przedstawił sceny rodzajowe z życia codziennego: „Śpiewające stornello” i „Narzeczona, czyli panna młoda i pan młody” Silvestro Legi, „Spotkanie w lesie” Telemaco Signoriniego. Pejzaż z obrazów „Rotonda Łaźni Palmieri” Giovanniego Fattori i „Widok Castiglioncello” Giuseppe Abbatiego jest interesujący, ponieważ artyści pracowali nad jego stworzeniem w plenerze.

Tendencje symboliczne wyraźnie wyrażają się w tryptyku Giorgio Kinercy „Zagadka człowieka”: artysta unika jednoznacznej charakterystyki bohaterów, woląc fascynować widza ezoterycznymi symbolami i ogólną magnetyczną atmosferą.

W ostatnich dziesięcioleciach XIX wieku europejscy artyści eksperymentowali z nowymi środkami wyrazu. We Włoszech Angelo Morbelli rozwija technikę oddzielnego uderzenia (dywizjonizm), czego przykładem jest obraz o tematyce społecznej „Za 80 centesimo!”. Giuseppe Pelizza da Volpedo był także dywizjonistą, który w obrazie „Okrągły taniec” symbolicznie ucieleśniał ideały wysokiego humanizmu.

Wystawa „Malarstwo włoskie XIX wieku. Od neoklasycyzmu do symbolizmu” jest odpowiedzią na otwartą w marcu 2011 roku w Castello Visconteo dużą wystawę „Leonardeschi od Foppy do Giampetrino: Obrazy z Ermitażu i Muzeów Miejskich w Pawii”, na którą zaprezentowano dwadzieścia dwa płótna z kolekcji Ermitażu.

Kuratorem wystawy z ramienia Państwowego Ermitażu jest Natalia Borisovna Demina, badaczka na Wydziale Zachodnioeuropejskich Sztuk Pięknych, a ze strony Muzeów Miejskich w Pawii – Susanna Zatti, dyrektor Muzeów Miejskich w Pawii.

Wraz z otwarciem wystawy ukazał się katalog naukowy w języku rosyjskim i włoskim (wydawnictwo Schira, Mediolan-Genewa), zawierający artykuły Fernando Mazzocchiego, profesora Uniwersytetu w Mediolanie, Franceski Porreco, kustosza Muzeów Miejskich w Pawii i Zuzanna Zatti.

Uwaga! Wszelkie materiały zawarte w serwisie oraz baza danych wyników aukcji serwisu, w tym ilustrowane informacje referencyjne o dziełach sprzedawanych na aukcjach, przeznaczone są do użytku wyłącznie zgodnie z art. 1274 Kodeksu cywilnego Federacji Rosyjskiej. Wykorzystywanie w celach komercyjnych lub z naruszeniem zasad określonych w Kodeksie cywilnym Federacji Rosyjskiej jest niedozwolone. Serwis nie ponosi odpowiedzialności za treść materiałów przesłanych przez osoby trzecie. W przypadku naruszenia praw osób trzecich administracja serwisu zastrzega sobie prawo do usunięcia ich z serwisu oraz z bazy danych na żądanie uprawnionego organu.

31.01.2020 Cena wywoławcza każdej partii tej aukcji nie zależy od jej szacunkowej wartości i wynosi dokładnie 100 dolarów
30.01.2020 Marron gromadzi swoją kolekcję od ponad 20 lat, składa się ona z 850 dzieł sztuki, wstępnie szacowanych na 450 milionów dolarów.
30.01.2020 Status rzeźby z Muzeum Getty'ego w grudniu 2019 zmieniono na „dzieło nieznanego artysty”
29.01.2020 Kurs musiał zostać odwołany po skargach, że zbytnio skupiał się na europejskiej „białej historii sztuki” i badaniu artystów-mężczyzn.
29.01.2020 Organizatorzy najpełniejszej retrospektywy twórczości Salvadora Dali oferują publiczności dwieście prac artysty oraz bogaty program edukacyjny

31.01.2020 Całkowity dochód wyniósł prawie 2,5 miliona rubli. Kupujący - od Moskwy po Magadan
24.01.2020 Ponad 50% partii katalogu poszło pod młotek, kupujący - od Permu po Mińsk
23.01.2020 Katalog zawiera trzydzieści partii: jedenaście obrazów, piętnaście arkuszy grafik oryginalnych i jedną drukowaną, jedną pracę w technikach mieszanych, jeden talerz porcelanowy i jeden album fotograficzny
20.01.2020 Katalog pierwszej aukcji sztuki i sztuk pięknych w 2020 roku liczył 547 pozycji - obrazów i grafik, szkła, porcelany, ceramiki, srebra, emalii, biżuterii itp.
17.01.2020 Nieco mniej niż połowa wszystkich katalogowych partii trafiła w nowe ręce. Wśród kupujących - Moskwa, Odintsovo, Mińsk i Perm

31.01.2020 W historii tematu rozmów coś może wydawać się naiwne, drugie – znaleźć zastosowanie w praktyce uczestników rynku. Jedno jest pewne: w każdym zawodzie wiedza każdego człowieka sukcesu musi opierać się na sukcesach i błędach jego poprzedników.
03.12.2019 Główne dane z trzech głównych aukcji „rosyjskiego tygodnia” i trochę o tym, jak spełniły się nasze prognozy
03.12.2019 W tym roku Salon odbył się w nowym miejscu, w Gostinach Dworze, miesiąc później niż zwykle
28.11.2019 Wizyta w pracowni artysty to wydarzenie, które potencjalnie może odmienić życie zarówno właściciela pracowni, jak i jego gościa. Nie do końca spotkanie biznesowe, ale na pewno nie zwykła przyjacielska wizyta. Przestrzeganie kilku prostych zasad pomoże Ci uniknąć kłopotów w tej sytuacji.
26.11.2019 Już po raz czwarty, za namową VKhNRTS imienia akademika I. E. Grabara, publikujemy fałszywą opinię biegłego, rzekomo wydaną przez ekspertów Centrum. Bądź ostrożny!
17.12.2019 Wystawa, której otwarcie odbędzie się 19 grudnia w głównym budynku muzeum, przy ulicy Petrovka 25, jest próbą świeżego spojrzenia na ogromną kolekcję muzealną sztuki rosyjskiej: kuratorami wystawy zostało 20 znanych osobistości z różnych dziedzin zawodowych. projekt
12.12.2019 6 kwietnia 2020 przypada 500. rocznica śmierci jednego z najwybitniejszych artystów renesansu. W oczekiwaniu na wydarzenia na dużą skalę, które odbędą się w przyszłym roku, Berlińska Galeria Sztuki otwiera wystawę Madonn Raphaela Santiego

Termin „renesans” (renesans) odnosi się do okresu od XIV do XVI wieku. Dokumenty historyczne świadczą, że do tego czasu Europa była pogrążona w religijnym obskurantyzmie i ignorancji, co w związku z tym nie pozwalało na rozwój sztuki. Ale teraz nadszedł czas, życie świeckie zaczęło się stopniowo odradzać, co dało impuls rozwojowi nauki i kultury, rozpoczęła się era protorenesansu. Światu ukazano artystów włoskiego renesansu.

We Włoszech XIV wieku pojawili się nowatorscy malarze, którzy zaczęli szukać nowych technik twórczych (Giotto di Bondone, Cimabue, Niccolò Pisano, Arnolfo di Cambio, Simone Martine). Ich twórczość stała się zwiastunem nadchodzących narodzin tytanów światowej sztuki. Być może najwybitniejszym z tych mistrzów malarstwa jest Giotto, którego można nazwać prawdziwym reformatorem malarstwa włoskiego. Jego najsłynniejszym obrazem jest „Pocałunek Judasza”.

Włoscy malarze wczesnego renesansu

Po Giotcie poszli tacy malarze jak Sandro Botticelli, Masaccio, Donatello, Filippo Brunelleschi, Filippo Lippi, Giovani Bellini, Luca Signorelli, Andrea Mantegna, Carlo Crivelli. Wszyscy pokazali światu piękne obrazy, które można oglądać w wielu współczesnych muzeach. Wszyscy są wielkimi włoskimi artystami wczesnego renesansu, a o twórczości każdego z nich można mówić bardzo długo. Ale w ramach tego artykułu bardziej szczegółowo zajmiemy się tylko tym, którego imię jest najczęściej słyszane - niezrównanym Sandro Botticellim.

Oto tytuły jego najsłynniejszych obrazów: „Narodziny Wenus”, „Wiosna”, „Portret Simonetty Vespucci”, „Portret Giuliano Medici”, „Wenus i Mars”, „Madonna Magnificat”. Mistrz ten mieszkał i pracował we Florencji od 1446 do 1510 roku. Botticelli był malarzem nadwornym rodu Medyceuszy, dlatego jego dziedzictwo twórcze obfituje nie tylko w obrazy o tematyce religijnej (było ich wiele w jego twórczości ), ale także wiele przykładów malarstwa świeckiego.

Artyści wysokiego renesansu

Era Wysokiego Renesansu - koniec XV i początek XVI wieku - czas, w którym swoje arcydzieła stworzyli tacy włoscy artyści jak Leonardo da Vinci, Raphael, Michelangelo, Tycjan, Giorgione... Jakie imiona, co za geniusze!

Szczególnie imponujące jest dziedzictwo wielkiej trójcy – Michała Anioła, Rafaela i da Vinci. Ich obrazy przechowywane są w najlepszych muzeach świata, a ich twórcze dziedzictwo zachwyca i budzi podziw. Prawdopodobnie we współczesnym cywilizowanym świecie nie ma osoby, która nie wiedziałaby, jak wygląda „Portret pani Lisy Giocondo” wielkiego Leonarda, „Madonna Sykstyńska” Rafaela czy piękny marmurowy posąg Dawida, stworzony przez ręce szalonego Michała Anioła.

Włoscy mistrzowie malarstwa i rzeźby późnego renesansu

Późny renesans (połowa XVI w.) dał światu wielu znakomitych malarzy i rzeźbiarzy. Oto ich nazwiska i krótka lista najsłynniejszych dzieł: Benvenuto Cellini (posąg Perseusza z głową Meduzy Gorgony), Paolo Veronese (obrazy „Triumf Wenus”, „Ariadna i Bachus”, „Mars i Wenus” itp.), Tintoretto (obrazy „Chrystus przed Piłatem, „Cud św. Marka” itp.), Architekt Andrea Palladio (Willa „Rotonda”), Parmigianino („Madonna z Dzieciątkiem na rękach”) , Jacopo Pontormo („Portret damy z koszem na włóczkę”). I chociaż wszyscy ci włoscy artyści pracowali w okresie schyłku renesansu, ich dzieła weszły do złotego funduszu sztuki światowej.

Renesans stał się wyjątkowym i niepowtarzalnym okresem w życiu ludzkości. Odtąd już nikt nie będzie w stanie rozwikłać tajemnic rzemiosła tych wielkich Włochów, a przynajmniej zbliżyć się do ich zrozumienia piękna i harmonii świata oraz umiejętności przeniesienia doskonałości na płótno za pomocą malatura.

Po zakończeniu renesansu słoneczne Włochy nadal dawały ludzkości utalentowanych mistrzów sztuki. Nie sposób nie wspomnieć o nazwiskach tak znanych twórców, jak bracia Caracci – Agostino i Annibale (koniec XVI w.), Caravaggio (XVII w.) czy Nicolas Poussin, który żył we Włoszech w XVII w.

A dziś życie twórcze nie kończy się na Półwyspie Apenińskim, jednak współcześni artyści włoscy nie osiągnęli jeszcze poziomu umiejętności i sławy, jakie mieli ich genialni poprzednicy. Ale kto wie, może znów czeka nas renesans i wtedy Włochy będą mogły pokazać światu nowych tytanów sztuki.

Epoka baroku nazywana jest w sztuce włoskiej XVII wieku. Styl ten, który stał się jednym z dominujących w malarstwie europejskim, charakteryzuje się zmysłowym, pełnokrwistym postrzeganiem świata, dynamiką rozwiązań artystycznych. Ze szczególną pełnią objawiło się to w wielkoskalowych zespołach urbanistycznych, architektonicznych i obrazowych. O różnorodności sztuki włoskiej decyduje różnorodność lokalnych tradycji artystycznych, jednak podobnie jak w renesansie, w centrum uwagi artystów pozostaje obraz człowieka.

Pietro da Cortona, architekt i artysta, wszedł do historii sztuki jako autor słynnych cykli obrazów zdobiących pałace Rzymu i Florencji. Jego kompozycja „Powrót Hagar” jest doskonałym przykładem malarstwa sztalugowego mistrza, który starał się nadać stylowi barokowemu niemal klasyczny rygor rozwiązań.

Okres rozkwitu stylu barokowego wiąże się z twórczością neapolitańczyka Luca Giordano, który pracował w różnych miastach Włoch i wywarł wpływ na wielu artystów. Dynamika ruchu i wewnętrzny patos tkwiący w jego twórczości szczególnie najpełniej ujawniły się w obrazach ołtarzowych, w cyklach płócien monumentalnych i dekoracyjnych oraz malowidłach ściennych. Pędzel tego wybitnego mistrza w zbiorach Muzeum posiada kilka dzieł, które pozwalają ocenić skalę jego talentu. Są to obrazy o tematyce alegorycznej, ewangelicznej i mitologicznej - „Kara Marsjasza”, „Ślub w Kanie Galilejskiej”, „Męki św. Wawrzyńca”. Najlepszym z nich jest bez wątpienia utwór „Miłość i występki rozbrajają sprawiedliwość”.

Kilka dzieł reprezentuje szkołę neapolitańską, charakteryzującą się oryginalnością rozwoju. Politycznie Wicekrólestwo Neapolu znajdowało się pod panowaniem korony hiszpańskiej, co odcisnęło piętno na rozwoju sztuki. Obraz Bernardo Cavallino „Wypędzenie Iliodora ze świątyni”, w którym w swoisty sposób załamano tradycje akademickie, oraz dzieła dramatyczne Andrei Vaccaro („Maria i Marta”) i Domenico Gargiulo („Przeniesienie Arki Przymierze króla Dawida z Jerozolimą”) świadczą o różnorodności poszukiwań artystycznych w obrębie poszczególnych szkół.

Styl barokowy dał potężny impuls rozkwitowi pejzażu, martwej natury, malarstwa gatunkowego w ich unikalnej narodowej włoskiej wersji.

Na przełomie XVII i XVIII w. sztuka stanęła przed zadaniem przezwyciężenia akademizmu, który stał się zbiorem abstrakcyjnych formuł. W Bolonii, będącej bastionem tradycji akademickiej, Giuseppe Maria Crespi, umiejętnie wykorzystując grę światłocienia, w nowy sposób rozwiązuje tematy religijne („Święta Rodzina”) i mitologiczne („Nimfy rozbrajające amorki”), wypełniając je żywym człowiekiem uczucie. Genueńczyk Alessandro Magnasco, działający w Mediolanie, Florencji, Bolonii, w oparciu o tradycje malarskie XVII wieku, rozwinął tendencje romantyczne. Cechy groteski tkwią w jego niezwykłych kompozycjach pisanych nerwowym, poruszającym pociągnięciem pędzla, ze scenami z życia mnichów i wędrownych aktorów („Pejzaż z mnichami”, „Posiłek zakonnic”, „Uczona sroka”). Nawet podtrzymujący życie mitologiczny motyw „Bachanaliów” w interpretacji mistrza jest przepełniony uczuciem głębokiej melancholii. Artysta wykonał to płótno we współpracy z Clemente Sperą, autorem ruin architektonicznych.

Okres nowego rozkwitu przypada na XVIII wiek, kiedy na ziemi włoskiej utrwalił się styl rokoko, którego cechy zabarwiają dzieła różnych gatunków - portret (Sagrestani „Portret mężczyzny”, Luigi Crespi „Portret Dziewczyna z koszem kwiatów”), obraz scen z życia codziennego (naśladowca Longhiego „Spotkanie prokuratora z żoną”), obrazy o tematyce z historii starożytnej i mitologii (Crosato „Odnalezienie Mojżesza”, Pittoni „Śmierć Sofonisby”, Sebastiano Ricci „Centurion przed Chrystusem”). Ostatni jasny okres w historii sztuki włoskiej związany jest z Wenecją, która w XVIII wieku wysunęła na pierwszy plan całą galaktykę malarzy na najwyższym poziomie. Szczególne miejsce wśród nich słusznie zajmuje Giambattista Tiepolo, wybitny malarz swoich czasów, uznany mistrz malarstwa monumentalnego i dekoracyjnego, który otrzymał liczne zamówienia z krajów europejskich. Jego pędzel należy do kompozycji ołtarzowej „Madonna z Dzieciątkiem ze świętymi”, a także swobodnie wykonanych szkiców „Śmierć Dydony” i „Dwóch Świętych”.

W segmencie XVIII w. dużym zainteresowaniem cieszą się prace rzymskiego malarza Paniniego („Benedykt XIV odwiedza Fontannę di Trevi”), który w gatunku pejzaży z motywami ruin był prekursorem Francuza Huberta Roberta, tak wysoko ceniony w Rosji.

W Wenecji, której urzekające piękno nie pozostawiło nikogo obojętnym, kształtuje się szczególny kierunek malarstwa pejzażowego - obraz miasta z pałacami, kanałami, placami wypełnionymi pstrokatym malowniczym tłumem. Płótna Canaletta, Bernardo Bellotto, Marieschiego, należące do gatunku wedut architektonicznych, fascynują iluzoryczną dokładnością obrazu, natomiast dzieła kameralne Francesco Guardiego, zwane pejzażami capriccio, nie tyle odtwarzają rzeczywiste widoki, co oferują widzowi pewien poetycki obraz miasta.

Gianantonio Guardi, w przeciwieństwie do swojego młodszego brata Francesco, zasłynął jako mistrz kompozycji z postaciami o tematyce biblijnej, mitologicznej i historycznej. Ekspozycja prezentuje jego obraz „Aleksander Wielki przy ciele króla perskiego Dariusza”, uznawany za prawdziwe arcydzieło mistrza. W dobie karnawału i olśniewającego rozkwitu muzyki, Guardi po mistrzowsku posługując się językiem faktury i koloru, tworzy niezapomnianą symfonię obrazową, przesiąkniętą żywym ruchem ludzkich uczuć. Tą wysoką nutą kończy się okres największego rozkwitu sztuki włoskiej, który rozpoczął się wraz z renesansem.

Pokaż pełny tekst