Krótki opis obrazów Goi kojarzonych z siłami ciemności, czarownicami i diabłem.
udanej podróży
Caprichos
Prawdopodobnie najobszerniejszym dziełem poświęconym tematyce czarów i czarownic jest cykl rycin caprichos. Przedstawione na niej ryciny ośmieszają sytuację polityczną kraju, status społeczny i uprzedzenia religijne narodu.
Polowanie na zęby
Świetna koza
Data powstania: 1798.
Typ: fresk.
Sabat
Wspaniały obraz jest częścią serii sześciu dzieł stworzonych przez Goyę na zamówienie księcia Osuny w celu dekoracji jego posiadłości pod Madrytem. Głównym bohaterem tej sceny jest diabeł. Przedstawiany jest pod postacią dużego kozła, gotowego złożyć w ofierze dwoje dzieci. Praca jest uważana za satyryczną i krytyczną wobec przesądów niewykształconego społeczeństwa.
Lot Czarownic
Data powstania: 1797.
Lokalizacja: Prado.
Lot Czarownic
Inne dzieło księcia Osuny, podobnie jak seria Caprichos, przedstawia sceny czarów. Trzy postacie w kapeluszach złapały w powietrzu nagiego mężczyznę. Oprócz nich można zobaczyć biedaka zakrywającego uszy oraz biegnącego mężczyznę w białym płaszczu, prawą ręką wykonującego gest mający chronić przed złym okiem. Obraz ten został nabyty przez Muzeum Prado w 1999 roku.
Wniosek
Francisco Goya, choć stworzył wiele dzieł o tematyce mistycznej, traktował je z humorem i nieufnością, zapewne widząc jedynie ciekawe sceny i obrazy w tajemniczych rytuałach i wierzeniach.
Czarownice Goyi aktualizacja: 15 września 2017 r. przez: Gleb
„Jestem Goya! Oczodoły kraterów wydziobał kruk lecący nago na pole. Jestem Smutek.” Tak napisał Andriej Wozniesienski w swoim słynnym wierszu, potwierdzając dotychczasową opinię, że współczesny człowiek postrzega wielkiego Hiszpana przede wszystkim jako twórcę mrocznych, przerażających i trudnych do zrozumienia dzieł.
Tymczasem Francisco Goya to nie tylko głód i powieszone kobiety. Przede wszystkim jest pierwszym artystą modernistycznym, który zmienił klasyczne pojęcie kompozycji w malarstwie. Goya słusznie uważana jest za łącznika starej i nowej sztuki, spadkobiercę Velazqueza i poprzednika Maneta. W jego obrazach jest zarówno zmysłowość i klarowność minionych wieków, jak i płaski antyiluzjonizm epoki nowożytnej.
Goya nie miał ulubionego gatunku. Malował pejzaże i martwe natury. Równie dobrze radził sobie z twarzami pompatycznych arystokratów i ponętnymi rysami kobiecych ciał. Jego pędzle to żywe płótna historyczne i obrazy, które znakomicie oddają treść opowieści biblijnych. Ale jest jedna cecha w twórczości Goi, której nie znajdziesz u innych artystów. Nikt nigdy nie przedstawił okrucieństwa, przesądów i szaleństwa tak przekonująco i autentycznie. Goya był w stanie pokazać najbardziej ekstremalne i odrażające właściwości ludzkiej natury z maksymalnym realizmem i szczerością. Ta cecha jego artystycznej natury najwyraźniej objawiła się w tzw. „Czarnych obrazach”, zespole fresków, którymi Goya pokrył ściany swojego domu położonego na obrzeżach Madrytu.
W 1819 roku Goya przeprowadził się z Madrytu do wiejskiego domu i posiadłości znanej jako Quinta del Sordo (Dom Głuchych).
Quinta del Sordo (Dom Głuchych). Rysunek Saint-Elmy Gautiera z 1877 roku. Dom Goi to mały budynek po lewej stronie. Prawe skrzydło wzniesiono po śmierci artysty.
W tym czasie artysta przeżył szereg osobistych tragedii: śmierć żony i kilkorga dzieci, rozłąkę z bliskimi przyjaciółmi i poważną chorobę, która spowodowała głuchotę. Osiedliwszy się za miastem, w cichym miejscu po drugiej stronie rzeki Manzanares, Goya ma nadzieję znaleźć spokój ducha i uniknąć plotek na temat swojego związku z Leocadią Weiss, młodą piękną kobietą, która w tym czasie była żoną bogatego kupca Isidoro Weissa.
Jednak trudna sytuacja w kraju, którą artysta bardzo się martwi, oraz ciężki zawał serca mają wyniszczający wpływ na jego zdrowie i psychikę. Goya zaczyna czuć się przygnębiony. W otaczającym go świecie nie widzi nic radosnego i jasnego. Próbując uporać się z wewnętrznym chaosem i melancholią, Goya namalował na ścianach pomieszczeń swojego domu piętnaście obrazów olejnych, które później nazwano „czarnymi” ze względu na niespokojny nastrój i przewagę ciemnych tonów w palecie. Część z nich poświęcona jest tematyce biblijnej lub mitologicznej, jednak większość „Czarnych obrazów” to mroczne wytwory wyobraźni artysty.
Istnieje wiele wyjaśnień filozoficznego i symbolicznego znaczenia obrazów z „Domu Głuchych”. Niektórzy badacze twórczości Goi uważają, że „Czarne obrazy” są w ogóle niezrozumiałe. Co to za freski? Projekcje koszmarów, uchwycone halucynacje chorego umysłu, czy zaszyfrowane przepowiednie przyszłych kłopotów czekających zarówno samego Goyę, jak i całą ludzkość? Nie ma jasnej odpowiedzi.
Można jednak śmiało powiedzieć, że w „Czarnych obrazach” Goya, być może spontanicznie i mimowolnie, wyraził w formie przerażających, tajemniczych obrazów to, co go dręczyło i niepokoiło: wojna domowa, upadek rewolucji hiszpańskiej, jego związek z Leocadia Weiss, własne nieuniknione starzenie się i zbliżająca się śmierć. Artysta podporządkował rozmieszczenie „czarnych obrazów” na ścianach „Domu Głuchych” pewnemu planowi, łącząc swoje dzieło w jeden kompleks, który można podzielić na dwie części: dolną i górną. Aby więc „odczytać” obrazy Quinta del Sordo, zrozumieć ich ukryte znaczenie, należy wyjść nie tylko od tego, co jest przedstawione na freskach, ale także wziąć pod uwagę ich wzajemne relacje przestrzenne.
Freski na pierwszym piętrze
W długim, wydłużonym pomieszczeniu na parterze, w ścianach, umieszczono siedem fresków, wykonanych w tym samym stylu i stanowiących kompletną kompozycję.
Po obu stronach drzwi wejściowych wisiały dwa portrety: prawdopodobnie samego mistrza i jego gospodyni Leokadii Weiss, która później została panią domu.
Portret Leokadii, umieszczony po lewej stronie, przedstawia młodą, elegancką kobietę, która stoi oparta o płot grobowy.
Co znaczy grób? Być może Goya chciała pokazać, że Leokadia czeka na śmierć męża, co uniemożliwia jej zostanie legalną żoną artysty. A może jest to grób samego Goi, a portret mówi o ponurych przeczuciach, które go opętały?
Po prawej stronie drzwi znajdują się „Dwóch Starców”.
Starzec z długą brodą, przypominający postać z obrazu Goi „Wciąż się uczę”, najprawdopodobniej przedstawia samego malarza. Druga postać to demon jego inspiracji lub piekielny kusiciel, który zmuszony jest krzyczeć do ucha głuchego artysty, aby mógł go usłyszeć.
We wnęce nad drzwiami – „Dwie starsze kobiety jedzące ze zwykłych naczyń”. Freskowi temu poświęca się niewiele uwagi, ale ma on ogromne znaczenie dla całej kompozycji. Przedstawione na nim postacie nie tylko jedzą, ale także wskazują jakieś miejsce poza przestrzenią obrazu. Gdzie wskazują ich palce?
Być może artysta parodiował sam siebie, nawiązując do namalowanych niegdyś portretów księżnej Alby?
Ale najprawdopodobniej starsze kobiety wskazują na Goyę, jakby przypominając mu o niemocy starości i rychłej śmierci.
Na ścianie naprzeciwko drzwi wejściowych Goya namalował dwa obrazy oddzielone oknem, które później stały się najbardziej znane wśród jego współczesnych wielbicieli: „Saturn pożerający swoje dzieci” i „Judyta odcinająca głowę Holofernesowi”, które podobnie jak freski przy drzwiach wejściowych to wizerunki Goi i Leokadii, ale symboliczne.
Identyfikując się z Saturnem, Goya wyraził strach o swojego syna Javiera, którego bał się zniszczyć poprzez niewłaściwe wychowanie, zazdrość czy niesprawiedliwy gniew. Brzydkie pogańskie bóstwo pożerające własne dziecko jest emocjonalną metaforą nieuniknionego starcia ojca z synem.
Wizerunek Judith, uosabiającej władzę kobiety nad mężczyzną, odzwierciedla doświadczenia Goi związane ze starzeniem się i utratą sił. Oczywiście związek z Leocadią spotęgował to gorzkie uczucie.
Na lewo od „Leokadii”, na dużej podłużnej ścianie pomiędzy oknami, widniał ogromny fryz „Sabat Czarownic” czyli „Wielki Kozioł”. Naprzeciwko niego, na prawej ścianie, fryz „Pielgrzymka do św. Isidora”, przedstawiający coroczny festiwal folklorystyczny odbywający się w Madrycie.
Goya poruszał już wcześniej temat czarów i satanizmu. Czarownice były głównymi bohaterami jego słynnych rycin Caprichos. W 1798 roku namalował obraz o tej samej nazwie, co fresk w Domu Głuchych. Ale najwyraźniej artysta nie interesował się magią jako taką, ale przesądami, które istniały wówczas w społeczeństwie hiszpańskim. „Sabat czarownic” pomimo przygnębiającego i niepokojącego nastroju jest najprawdopodobniej dziełem satyrycznym, w którym Goya ośmiesza ludzką głupotę, ignorancję i brak racjonalnego myślenia. Trzeba powiedzieć, że fresk ten ma jeszcze inny, polityczny wydźwięk. Jej treść jest skierowana przeciwko rojalistom i duchowieństwu, którzy zdobyli znaczącą władzę po klęsce rewolucji hiszpańskiej.
„Pielgrzymka do św. Izydor” to ponura karykatura Goi przedstawiająca życie i zwyczaje Hiszpanii na początku XIX wieku. Pijany, rozśpiewany tłum zwykłych ludzi najwyraźniej nie ulega uczuciom religijnym. Dla uczestników pielgrzymek święto jednego z najbardziej czczonych świętych w Hiszpanii jest jedynie pretekstem do picia i popisywania się. Jednak ciemność spowijająca spacerujący tłum i przerażone twarze pielgrzymów nadają obrazowi ponury nastrój. Aby podkreślić dramaturgię tego, co się dzieje, w prawym dolnym rogu fresku Goya umieścił postać mnicha, który z goryczą i smutkiem obserwuje procesję. „Pielgrzymka do św. Izydora” nie sposób nie porównać z innym, pełnym światła i radości dziełem Goi, „Świętą św. Izydora”, które napisał czterdzieści pięć lat przed powstaniem „czarnych obrazów”.
Freski na drugim piętrze
Pokój na drugim piętrze miał osiem ścian nadających się do malowania, ale Goya użył tylko siedmiu z nich. Na prawo od drzwi wejściowych znajdował się tajemniczy „Pies”, na długiej lewej ścianie „Atropos” lub „Moira” i „Pojedynek z pałkami”, po przeciwnej prawej stronie – „Asmodea” i „Spacer Inkwizycji”, na ścianie naprzeciwko wejścia i na lewo od okna wisiały „Czytelniczki”, po prawej stronie – „Śmiejące się kobiety”.
„Pies”, najdziwniejszy fresk, który dał wiele interpretacji, jest wizualnie podzielony na dwie części, górną i dolną.
Górna jasnożółta część zajmuje główną przestrzeń obrazu, dlatego widzowie zwykle postrzegają ją jako złote niebo rozciągające się nad brązowymi ruchomymi piaskami, z których pies próbuje się wydostać. Jej spojrzenie skierowane w górę, w stronę tajemniczego ciemnego obszaru, zdaje się być apelem do siły wyższej o pomoc. Możliwe, że właśnie tak czuł się artysta w tym trudnym dla siebie okresie: samotny, ginący w otchłani kłopotów i nieszczęść, które go zalewały, nie tracąc jednak nadziei na cudowne zbawienie.
Znajdujący się na lewej ścianie obraz „Atropos” nawiązuje do mitologii starożytnej Grecji.
Atropos (Moiras)
Goya przedstawił boginie losu, Kloto, Lachesis i Atropos, jako brzydkie, odrażające stworzenia unoszące się w powietrzu. W centrum obrazu, w otoczeniu bogiń, znajdują się postacie mężczyzny z rękami związanymi za plecami, co najwyraźniej oznacza bezsilność człowieka wobec ciosów losu.
Obok Atropos, Club Duel przedstawia dwóch mężczyzn walczących na śmierć i życie, gdy są głęboko w błocie i nie mogą opuścić pola bitwy.
Sądząc po tym, że mężczyźni są do siebie bardzo podobni, ich walka symbolizuje wojnę domową, która szalała wówczas w Hiszpanii.
Zajmujący pierwszą prawą ścianę „Asmodeusz” jest prawdopodobnie najtrudniejszym do wyjaśnienia dziełem, napisanym przez artystę na ścianach „Domu Głuchych”.
Dwie postacie, męska i żeńska, zamarły w powietrzu. Ich twarze są wykrzywione strachem, gesty wyrażają niepokój. Najwyraźniej bohaterowie fresku czują się bezbronni przed niebezpieczeństwami, jakie niesie ze sobą świat, który się pod nimi kryje. Mężczyzna wyciągnął rękę do ogromnej skały, na której znajduje się miasto z murami twierdzy. Kobieta patrzy w przeciwnym kierunku. Poniżej, pod latającymi postaciami, widać francuskich żołnierzy gotowych do prowadzenia ognia celowanego oraz grupę ludzi z końmi i wozami. Pomimo przerażającego i niezwykle niepokojącego nastroju obraz jest niesamowicie piękny dzięki wypełniającemu go złotemu tłu, z niebieskimi i srebrnymi plamami, na których znajdują się dwa niezwiązane ze sobą jaskrawoczerwone obiekty.
Kontynuacja Asmodei, Inquisition Walk, ma niejasną fabułę i mogła nie zostać ukończona.
Kompozycja obrazu zostaje zaburzona: uwagę widza przykuwa prawy dolny róg, w którym na pierwszym planie pojawia się grupa szpetnych postaci z mężczyzną w szacie inkwizytora. Pozostałą część zajmuje ponury górski krajobraz z niewyraźnymi postaciami ludzkimi. Obraz ten ma drugi tytuł – „Pielgrzymka do Źródła San Isidro” i często jest mylony z obrazem znajdującym się na parterze, który ma podobną nazwę.
Oddzielone oknem „Czytanie” i „Śmiejące się kobiety” wykonane są w tej samej stylistyce i uzupełniają się kompozycyjnie.
„Czytelnicy” przedstawiają grupę mężczyzn przysłuchujących się z wielką uwagą mężczyźnie czytającemu na głos gazetę leżącą na jego kolanach. Niektórzy badacze twórczości Goi uważają, że są to politycy, którzy studiują poświęcony im artykuł.
„Śmiejące się kobiety” to swego rodzaju parafraza „Czytelników”, w których uwaga dwóch roześmianych kobiet skupia się na najwyraźniej masturbującym się mężczyźnie. Jakie jest prawdziwe znaczenie tego osobliwego dyptyku? Prawdopodobnie artysta chciał pokazać, że spotkania polityczne, podobnie jak masturbacja, są zajęciem bezowocnym, ale przyjemnym.
Tajemnice związane z „czarnymi obrazami” nie ograniczają się do ich tajemniczej treści. Istnieje jednak wielokrotnie obalane założenie, że autorem fresków Quinta del Sordo nie jest Goya, ale jego syn Javier. Autorzy tej teorii wychodzą z faktu, że współcześni Goi nie wiedzieli o istnieniu „ciemnych obrazów” i nigdy ich nie widzieli, a pierwsza wzmianka o freskach pojawiła się drukiem 40 lat po śmierci artysty. Ponadto „Dom Głuchych” w czasach, gdy mieszkał w nim Goya, miał tylko jedno piętro, a drugie zostało dobudowane po jego wyjeździe do Francji. W związku z tym autorstwa Goi nie można uznać za niepodważalne.
Obecnie „czarne obrazy” przeniesione ze ścian na płótno można oglądać w Muzeum Prado w Madrycie. Pomimo tego, że porządek obrazów nie odpowiada „Domowi Głuchych” i naruszona zostaje integralność kompozycji, ich oddziaływanie na widza nie zmniejszyło się. Ponure i przerażające obrazy stworzone przez hiszpańskiego geniusza budzą silne i sprzeczne uczucia, zmuszając do podziwiania tego, co brzydkie, podziwiania tego, co brzydkie i cieszenia się tym, co obrzydliwe.
Czarownice Goi Francisco Jose de Goya y Lucientes (hiszp. Francisco Jose de Goya y Lucientes, 30 marca 1746, Fuendetodes, niedaleko Saragossy - 16 kwietnia 1828, Bordeaux) – wielki hiszpański artysta i rytownik. Jeden z najwybitniejszych mistrzów ruchu i sztuki romantycznej.
1797 Obraz Lot czarownic przedstawia sceny czarów. Trzy postacie w kapeluszach złapały w powietrzu nagiego mężczyznę. Oprócz nich można zobaczyć biedaka zakrywającego uszy oraz biegnącego mężczyznę w białym płaszczu, prawą ręką wykonującego gest mający chronić przed złym okiem. Obraz ten został nabyty przez Muzeum Prado w 1999 roku.
Koza wielka, Data powstania: 1798. Typ: fresk. Jedno ze zdjęć z cyklu „Mroczne obrazy”. Płótno powstało w najtrudniejszym okresie życia artysty, kiedy zaczął tracić słuch i cierpieć na potworne wizje, które nawiedzały go w snach i w rzeczywistości. Te niesamowite halucynacje przeniósł na ściany własnego domu. „Sabat Czarownic” wisiał na ścianie sali i swoim niesamowitym surrealizmem i ponurą kolorystyką wprawiał wszystkich w osłupienie. Tylko geniusz Goi był w stanie poradzić sobie z płótnem o tak dużej skali. Na tym zdjęciu gromadzą się nieproporcjonalne, szczerze brzydkie postacie o brzydkich twarzach. Kompozycja zbudowana jest na bazie owalu, co stwarza wrażenie ciągłego rotacji całej tej ciemnej, obrzydliwej masy. To odzwierciedlenie złamanych, chorych wyobrażeń artysty na temat otaczającego go świata. Niestabilność polityczna, strach o własne życie i poważna choroba spowodowały depresję, w wyniku której powstał cykl obrazów uderzających mrocznością percepcji i wyrazistością obrazu. Próbując zobrazować wszystkie ludzkie wady i przejawy szatańskie, Goya sprawia, że wygląd czarownic jest zniekształcony i obrzydliwy. To ucieleśnienie uniwersalnego zła na podobieństwo człowieka, artystyczne odzwierciedlenie chorego wewnętrznego świata artysty. Na tym obrazie nie ma śladu wczesnych prac Goi. Nie ma ani jasnych kolorów, ani delikatnych, ładnych twarzy jego uroczych hiszpańskich dziewcząt. Tylko ciemne, śmiercionośne kolory, całkowity brak piękna i napięty, nienaturalny obieg różnych form zła. A po latach „Wielka Koza” zachwyca ekspresją i mroczną, negatywną ekspresją. Francisco de Goya. Malowidło na ścianie „Domu Głuchych”. 1819 - 1823. W tej chwili fresk z pewnymi uszkodzeniami został przeniesiony na płótno i umieszczony w Muzeum Prado (Madryt). Płótno, olej. 140 x 438 cm
Malarstwo, Szabat Czarownic, Data powstania: 1797–1798. Lokalizacja: Muzeum Lazaro Galdiano. Wspaniały obraz jest częścią serii sześciu dzieł stworzonych przez Goyę na zamówienie księcia Osuny w celu dekoracji jego posiadłości pod Madrytem. Głównym bohaterem tej sceny jest diabeł. Przedstawiany jest pod postacią dużego kozła, gotowego złożyć w ofierze dwoje dzieci. Praca jest uważana za satyryczną i krytyczną wobec przesądów niewykształconego społeczeństwa. Francisco Goya, choć stworzył wiele dzieł o tematyce mistycznej, traktował je z humorem i nieufnością, zapewne widząc jedynie ciekawe sceny i obrazy w tajemniczych rytuałach i wierzeniach.
Obraz „Miłej podróży!” (Seria „Caprichos”). Data powstania 1799. Biografia: Słynny artysta Francisco de Goya urodził się 30 marca 1746 roku w Fuendetodos w Hiszpanii. Studia artystyczne rozpoczął jako nastolatek, a nawet spędził trochę czasu w Rzymie, aby doskonalić swoje umiejętności. W latach siedemdziesiątych XVIII wieku Goya pracował na hiszpańskim dworze królewskim. Oprócz zamawiania portretów szlachty tworzył dzieła krytykujące problemy społeczne i polityczne swojej epoki. Goya, syn guldena, spędził część swojej młodości w Saragossie. Tam zaczął malować w wieku około czternastu lat. Był uczniem Jose Martineza Luzana. Kopiował dzieła wielkich mistrzów, czerpiąc inspirację z twórczości takich artystów jak Diego Rodriguez de Silva Velazquez i Rembrandt van Rijn. Później Goya przeniósł się do Madrytu, gdzie rozpoczął współpracę z braćmi Francisco i Ramonem Bayeu w Subías w ich studiu. Swoją edukację artystyczną starał się kontynuować w latach 1770 lub 1771, podróżując po Włoszech. W Rzymie Goya studiował klasykę i tam pracował. Obraz prezentował na konkursie Akademii Sztuk Pięknych w Parmie. Choć jurorom spodobała się jego praca, nie udało mu się zdobyć głównej nagrody. Za pośrednictwem niemieckiego artysty Antona Raphaela Mengsa Goya zaczął tworzyć prace dla hiszpańskiej rodziny królewskiej. Najpierw rysował karykatury gobelinów, które służyły jako modele w madryckiej fabryce. Dzieła te przedstawiały sceny z życia codziennego, takie jak „Parasol” (1777) i „Wytwórca ceramiki” (1779). W 1779 roku Goya otrzymał nominację na malarza na dworze królewskim. Jego status wciąż rósł, a w następnym roku został przyjęty do Królewskiej Akademii San Fernando. Z biegiem czasu Goya zyskał reputację malarza portretów. Doskonale ilustruje to dzieło „Książę i księżna Osuny i ich dzieci” (1787–1788). Umiejętnie malował najmniejsze elementy ich twarzy i ubioru. W 1792 roku Goya całkowicie ogłuchł, po czym zapadł na nieznaną chorobę. Jego styl nieco się zmienił. Kontynuując rozwój zawodowy, Goya został w 1795 roku mianowany dyrektorem Akademii Królewskiej, ale nigdy nie zapomniał o trudnej sytuacji narodu hiszpańskiego i odzwierciedlał to w swoich pracach. W 1799 roku Goya stworzył serię fotografii zatytułowanych „Caprichos”. Naukowcy uważają, że nawet w swojej oficjalnej pracy rzucał krytyczne spojrzenie na swoich poddanych. Około 1800 roku namalował portret rodziny króla Karola IV, który pozostaje jednym z jego najsłynniejszych dzieł. Sytuacja polityczna w kraju stała się później tak napięta, że Goya dobrowolnie udał się na wygnanie w 1824 r. Pomimo złego stanu zdrowia uważał, że poza Hiszpanią będzie bezpieczniejszy. Goya przeprowadził się do Bordeaux, gdzie spędził resztę życia. Tutaj kontynuował pisanie. Niektóre z jego późniejszych prac to portrety przyjaciół i życia na wygnaniu. Artysta zmarł 16 kwietnia 1828 roku w Bordeaux we Francji.
4 kwietnia na rosyjskich ekranach pojawi się nowy film Danny'ego Boyle'a „Trance”, opowiadający historię konfrontacji licytatora, gangstera i psychoterapeuty w sprawie skradzionego obrazu o wartości 25 milionów dolarów. Boyle to jeden z tych Brytyjczyków, któremu udało się zdobyć bezwarunkowe uznanie Hollywoodu. Jego film Slumdog Millionaire został uznany za najlepszy film 2008 roku w Anglii i USA i zebrał wszystkie najważniejsze nagrody rynkowe – BAFTA, Złoty Glob i Oscara. Jednocześnie tematyka Boyle'a odbiega od przyjętych w kulturze masowej: narkomanii, przemocy, wrogości religijnej i narodowej. W nowym filmie zgłębia temat hipnozy. I siła pieniądza. Jak prawdziwy brytyjski ekscentryk sam rozpoczął rozmowę
Czy rozmawiałeś już z Vincentem (Vincent Cassel, który wcielił się w rolę przywódcy gangu Franka - „RR”)? Widzisz, Vincent często odwiedzał Rosję. Ma wiele historii i przemyśleń na ten temat. Jeśli chodzi o mnie, to tylko prezentowałem swoje filmy i tak naprawdę nic nie widziałem. Chociaż w zeszłym roku, kiedy moja córka skończyła 21 lat, zabrałem ją do Petersburga. Ermitaż mnie zszokował. Mógłbym tam spędzić kilka tygodni. Wyobraź sobie, że wchodzisz do pokoju, a Matisse wisi tam i nikogo tam nie ma! Rozglądasz się: gdzie są goście? Gdzie jest bezpieczeństwo? Nikt! Możesz spokojnie patrzeć na zdjęcie i nikt nie będzie Ci przeszkadzał. Nie ma czegoś takiego nigdzie indziej na świecie!
Stąd pomysł na nakręcenie filmu o skradzionym obrazie?
Może... (śmiech)
Dlaczego do filmu wybrałeś „Czarownice w powietrzu” Francisco Goi?
Goya rozszerzył zakres swojej sztuki współczesnej: zaczął malować nie tylko świat rzeczywisty, ale także to, o czym myślą lub domyślają się ludzie. Często badał sny. „Czarownice w powietrzu” to jego najbardziej surrealistyczne dzieło, pogrążające widza w szaleństwie. Kiedy zobaczyłam na zdjęciu biegnącego mężczyznę z głową nakrytą kocem, zdziwiłam się, jak bardzo odpowiada to charakterowi głównego bohatera, licytatora Simona, który biegnie, ale nie wie dokąd.
Bohaterowie „Trance” to ludzie sukcesu. Dlaczego mieliby gdzieś uciekać? Simon pracuje w dużym domu aukcyjnym, Frank jest wielkim biznesmenem, Elizabeth ma bogatych klientów. Odnosi się wrażenie, że chcą ukraść obraz Goi, bo po prostu się nudzą.
Kiedy robisz film, chcesz, aby miał impuls do czegoś nowego. Energia przejścia do innego świata. Impulsem do takiej zmiany może być walizka z pieniędzmi, które spadają na głowę, skradziony obraz lub udział w programie „Kto chce zostać milionerem” w Indiach.
Praca nad filmem otwiera Cię na ten nowy świat. Lubię kino właśnie dlatego, że jako reżyser nie wiesz, dokąd zabiorą Cię nowe okoliczności. Pochodzę z zepsutego, rozpieszczonego świata i chcę przełamać jego ograniczenia. Moi bohaterowie chcą zrobić coś niezwykłego. Elizabeth na co dzień pracuje z ludźmi, którzy przychodzą do niej, aby pokonać strach przed pająkami czy uzależnienie od golfa. Naturalnie, że się nudzi!
Czyli mieszkańcy bogatych krajów podświadomie dążą do okrucieństwa i chaosu?
Weźmy na przykład Igrzyska Olimpijskie w Londynie. Na rok przed igrzyskami w Anglii doszło do powstań. Londyn płonął, ludzie kradli, wylewała się chciwość. A rok później - igrzyska olimpijskie, które stały się wyrazem ducha narodowego. Społeczeństwo zawsze wymaga konformizmu: konieczne jest zachowanie porządku i samego społeczeństwa. Jednak wolność słowa należy nadal chronić, chociaż nie zawsze jest to przyjemne. Kiedy w Anglii rozpoczął się ruch punkowy, dla większości było to nie do przyjęcia. A dziś ten ruch jest pełen niewinności i romantyzmu. Ponieważ idea wolności jest zawsze romantyczna i idealistyczna. Swoją drogą, sam byłem punkiem.
Simon nieustannie powtarza, że żaden obraz nie jest wart ludzkiego życia. Czy jest w ogóle coś, co jest tego warte?
Życie innej osoby. Tylko to. Jeśli o tym zapomnisz, bardzo łatwo będzie ponownie zacząć palić ludzi w piekarnikach.
Kto według Ciebie jest bohaterem XXI wieku?
Albo bohaterka. W „Trance” po raz pierwszy dałem kobiecie poważną rolę. Nie jest to od razu oczywiste, ale motorem całego filmu jest kobieta. Mam dwie piękne córki, które mają już dwadzieścia parę lat, ale jeszcze nie nakręciłem filmu z kobietą w roli głównej, wyobrażacie sobie? Chociaż jeśli wybierzesz bohatera XXI wieku, jestem pewien, że będzie to kobieta.
Skąd będzie pochodzić?
Próbujemy patrzeć w przyszłość, ale wszystko, na czym polegamy, pochodzi z przeszłości. Myślę, że kobiety będą miały największy wpływ na nauki stosowane. Na przykład Samsung wypuścił smartfon, który Cię obserwuje. Jeśli przestaniesz na niego patrzeć, wyłączy się, spójrz ponownie, włącza się. Spójrz na ludzi wokół ciebie: sprawdzają swoje telefony co dwie sekundy. Związek człowieka z technologią będzie coraz silniejszy. Już niedługo biotechnolodzy uczynią gadżety częściami ludzkiego ciała, a nasza bohaterka XXI wieku musi pochodzić z tego świata, a nie z tradycyjnych dziedzin, jak kultura czy polityka.
Dokąd w tej sytuacji pójdzie kino?
Dziś nawet w kinie człowiek może obejrzeć ten sam film, na który przyszedł, jednocześnie na ekranie swojego smartfona. Po prostu dlatego, że jest bardziej powszechny. Nie da się powstrzymać ludzi przed aktualizowaniem Twittera co minutę podczas filmu. Musimy nauczyć się to akceptować.
Jedno, co wiem, to to, że ludzie zawsze kochali dobre historie. Psychicznie ludzie są nastawieni na ciągłe poszukiwanie nowych historii i faktów za pośrednictwem dowolnego nadawcy, czy to telewizji, telefonu, kina czy sceny teatralnej. Zawsze potrzebujemy więcej.
Wiele osób uważa, że kina nie przetrwają, ale mam nadzieję, że tak. Ponieważ jest coś szczególnego w zbiorowym postrzeganiu idei. Z drugiej strony mój pogląd jest poglądem mojego pokolenia. Osobiście uwielbiam chodzić do kina. Jako reżyser staram się znaleźć to, co sprawia, że ludzie chcą chodzić do kina i siedzieć w ciemnym pokoju z nieznajomymi, zamiast po prostu pobierać film i oglądać go w dowolnym miejscu i czasie.
Wyreżyserowałeś ceremonię otwarcia Igrzysk Olimpijskich w Londynie. Czy jest to trudniejsze niż nakręcenie filmu?
Dla mnie osobiście kręcenie filmów jest trudniejsze. Igrzyska olimpijskie to historia kraju, to jest zawsze istotne. A w kinie opowiada się osobiste historie. Ale osobista historia jest rzeczą organiczną, zmienia się z każdą minutą. Ciągle muszę coś robić, żeby historia, którą kręcę, nie zdezaktualizowała się w trakcie kręcenia.
Jest to obecnie palący problem kina. Tworzysz historię, a film wychodzi rok później. Masz tam jakąś nowinkę techniczną, ale rok później technologia poszła do przodu i nikt nie będzie pamiętał, co tam pokazujesz. Dlatego sam nigdy nie robiłem filmów tematycznych. I dlatego reżyserzy nieustannie wybierają na tematy miłość, śmierć, seks, strach – wieczne składniki naszego życia.
Czyli tematy uwielbiane przez Hollywood. Ale nadal pracuje się z nimi inaczej – mroczniej czy coś… I wciąż dostaje się za to Oscary.
Zawsze staram się pracować poza systemem Hollywood. Ale w praktyce wszyscy pracujemy w ramach tego systemu. Weźmy choćby niskobudżetowe, utalentowane filmy: nikt ich nie obejrzy, dopóki studio nie weźmie ich pod swoje skrzydła i nie zacznie dystrybuować.
Przyznaję. Ale staram się, żeby moje historie były nieoczekiwane. Starałem się zrobić „Trance” tak, aby widz zawsze miał wątpliwości: na początku filmu James McAvoy wydaje się być bohaterem (wciela się w licytatora Simona – „RR”), ale w swoim prawdziwym świetle pojawia się wcześniej nas dopiero na końcu. Cassel zaczyna jako klasyczny złoczyńca, ale pod koniec filmu przypomina nastolatka, który nie wie, co zrobić ze swoimi uczuciami. Wszystkie te odcienie można pokazać tylko przy mniejszym budżecie, co pozwala na przeciwstawienie się tradycjom Hollywoodu. Hollywood działa, bo ludzie oczywiście chcą prostych wartości. Ale zawsze miło jest go zmylić i nakręcić coś ciemniejszego, niż chce.
