Giacomo Pucciniego. Interesujące fakty. Opera „Cyganeria”. Giacomo Puccini: biografia, ciekawostki, kreatywność pomnikiem samego siebie

Ludzie przychodzą i odchodzą, ale muzyka zostaje na zawsze. Używając zaledwie 7 nut, włoski Giacomo Puccini uwiecznił swoje imię i otrzymał nieoficjalny tytuł ostatniego wielkiego kompozytora operowego. Jest jednym z trzech najczęściej wykonywanych autorów muzycznych na świecie wraz z i.

Dzieciństwo i młodość

Biografia Giacomo Antonio Domenico Michele Secondo autorstwa Marii Puccini rozpoczęła się w małym włoskim miasteczku w toskańskim regionie Lucca 22 grudnia 1858 r. Jego ojciec Michele, który jest dziedzicznym muzykiem, zmarł tragicznie, gdy chłopiec miał 5 lat. Matka małego Giacomo, Albina, opiekowała się ośmiorgiem dzieci.

Pierwszym nauczycielem muzyki młodego człowieka był jego wujek Fortunato Maggi, który uczył w Liceum, a także pracował jako organista i kierownik kaplicy. Puccini Jr. występował z chórem kościelnym i grał na organach od 10 roku życia.

Kiedy facet miał 18 lat, on i jego przyjaciele wybrali się na wycieczkę z Lukki do Pizy, aby posłuchać opery Aida Giuseppe Verdiego. Odległość wynosiła 40 km w jedną stronę. To właśnie te wydarzenia ostatecznie przekonały Giacomo, że chce połączyć swoje życie z operą i teatrem muzycznym.

Cztery lata później, w 1880 roku, początkujący kompozytor wstąpił do Konserwatorium Mediolańskiego, gdzie studiował do 1884 roku. Całą opiekę nad nim oraz jego braćmi i siostrami przejął krewny Nicolao Cheru, który również opłacił edukację młodzieńca w szkole muzycznej.

Muzyka

W Mediolanie Giacomo Puccini napisał swoją pierwszą operę Willis w ramach konkursu na najlepszą jednoaktówkę wśród młodych kompozytorów. I chociaż facet nie wziął głównej nagrody, zauważył go właściciel wydawnictwa Giulio Ricordi, który publikuje partytury, który następnie opublikował prawie wszystkie utwory muzyka. Mimo straty debiutancka opera Pucciniego została wystawiona w miejscowym teatrze „Dal Verde” wiosną 1884 roku.

Wkrótce po sukcesie pierwszego dzieła początkującego kompozytora, wydawnictwo Ricordi zwróciło się do niego, zamawiając nową operę. Na ten okres życia Giacomo przyćmił szereg osobistych problemów – śmierć matki na raka, ciągły brak pieniędzy, narodziny dziecka i związek z zamężną kobietą.

Dramat „Edgar”, którego premiera odbyła się w 1889 roku, spotkał się z powściągliwością krytyków muzycznych i publiczności ze względu na duże oczekiwania po utalentowanym debiucie oraz absurdalną fabułę. Opera została wystawiona tylko 3 razy. Od wydania do 1905 roku Puccini dodawał nowe fragmenty do Edgara i odrzucał stare, aby doprowadzić dzieło do perfekcji.

Trzecia opera kompozytora nosiła tytuł „Manon Lescaut”, skomponowana na podstawie powieści francuskiego pisarza Antoine'a Francois Prevosta o tym samym tytule. Giacomo rozpoczął prace nad swoim nowym dziełem pod koniec 1889 roku, a ostateczną wersję zaprezentowano dopiero 1 lutego 1893 roku. Ale 4 lata pracy były tego warte: publiczność tak bardzo spodobała się występowi, że aktorzy musieli wyjść na scenę, aby ukłonić się około 13 razy. Puccini, po tak wielkim sukcesie, zaczął być nazywany jedynym spadkobiercą legendarnego Verdiego.

Ciekawostką jest, że premiera czwartej opery, podobnie jak poprzedniej, odbyła się 1 lutego w Turynie, zaledwie trzy lata później. Otrzymała imię „Czechy”. Z powstaniem tego utworu wiązała się trudna sytuacja: w tym samym czasie, co Giacomo, inny wybitny kompozytor i przyjaciel Pucciniego na pół etatu, Leoncavallo, napisał muzykę do „Scen z życia Czech”.

W prasie wybuchł skandal, między zwykłymi mieszkańcami wybuchły spory na temat tego, czyja opera wywarłaby większe wrażenie na publiczności i krytykach. W efekcie publiczność pozytywnie oceniła twórczość Giacomo, ale spokojniej niż wcześniej.

Pod koniec XIX wieku Europejczycy podziwiali dramat „Tosca”, napisany przez włoskiego poetę Giuseppe Giacosę i sztukę o tym samym tytule z genialną aktorką w roli tytułowej. Puccini nie był wyjątkiem - tak interesował go fascynujący fabuł tej opowieści, że umówił się na osobiste spotkanie z autorem spektaklu Victorienem Sardou w celu uzyskania wyłączności na stworzenie muzyki do spektaklu.

Placido Domingo wykonuje arię Cavaradossiego z Toski Giacomo Pucciniego

Praca trwała 2 lata, po czym debiut opery Tosca miał miejsce w Teatrze Costanzi 14 stycznia 1900 roku. Rozbrzmiewająca w trzecim akcie aria Cavaradossiego do dziś jest dołączana do ścieżki dźwiękowej filmów fabularnych.

Jedną z poważnych niepowodzeń w twórczej biografii muzyka była premiera sztuki „Madama Butterfly”, która odbyła się 17 lutego 1904 r. W centralnym teatrze Włoch „La Scala”. Przyczyną porażki nie były bynajmniej godne kompozycje, ale działania zawodników i zbyt długi 90-minutowy drugi akt, który szybko zmęczył wyrafinowaną mediolańską publiczność.

Giacomo usunął operę z harmonogramu i zabrał się do poprawiania błędów. Dzięki tej decyzji przekształcił się w trzyaktowy i zyskał drugi wiatr na premierze w Brescii 28 maja. To właśnie ta praca autor uznała za najbardziej udaną.

W tym okresie i później w życiu osobistym Pucciniego wydarzyło się kilka nieprzyjemnych sytuacji, które również wpłynęły na jego twórczość. W 1903 muzyk uległ wypadkowi samochodowemu, jego gospodyni Doria Manfredi popełniła samobójstwo z powodu zazdrości i ataków żony Giacomo, po czym sąd zażądał zapłaty kary bliskim zmarłego, a w 1912 jego przyjaciel i wydawca Giulio Ricordi, który w ogromnym stopniu wpłynął na sławę kompozytora.

Mimo tragicznych wydarzeń, w 1910 roku Puccini ukończył kolejną operę pod tytułem „Dziewczyna z Zachodu”. Wykonywana w gatunku operetki, który w tamtych latach był aktywnie eksploatowany przez innych popularnych kompozytorów Imre Kalmana i Franza Lehara, stała się kolejnym opusem w karierze Giacomo. W 1917 człowiek, który postanowił nie podejmować nowego gatunku, przerobił operetkę Jaskółka na swoją zwykłą operę.

Kolejny rok upłynął pod znakiem premiery „Tryptyku” – trzech jednoaktówek inspirowanych Dantem i odpowiedzialnych za różne stany – horror, tragedię i farsę. Pierwsza część, Płaszcz, została zainspirowana piekłem, druga siostra Angelica, czyśćcem, a trzecia, Gianni Schicchi, niebem.

Nowa fala inspiracji ogarnęła Pucciniego w 1920 roku, kiedy zapoznał się ze sztuką Carlo Grozziego Turandot. Kompozytor zdał sobie sprawę, że w jego twórczości czegoś takiego nie ma, dlatego niezwykle porwał go pomysł stworzenia dla niej akompaniamentu muzycznego. Jednak dzieło zostało przyćmione przebłyskami huśtawek nastrojów - Giacomo albo zaczął je z entuzjazmem, potem porzucił na czas nieokreślony z powodu śledziony i impotencji. W efekcie ostatni akt pozostał niedokończony z powodu nagłej śmierci autora.

Życie osobiste

Na początku 1886 roku kompozytor związał się z żoną kupca z miasta Lukka, Elvirą Bonturi, a już w grudniu mieli syna, któremu nadano przydomek Antonio. Oprócz nowonarodzonego chłopca kobieta miała już dwoje dzieci. Zostawiła swojego prawowitego małżonka dla domu swojej siostry Giacomo, zabierając ze sobą tylko córkę Foscę.

Z powodu pozamałżeńskiego romansu znanej osoby w małym miasteczku wybuchł prawdziwy skandal, mieszkańcy i krewni muzyka chwycili za broń. Jednak śmierć męża Bonturi pozwoliła parze na zawarcie formalnego małżeństwa na początku 1904 roku.

Według współczesnych małżonkowie bardzo różnili się charakterem – choć kobieta była atrakcyjna, była sceptyczna, surowa, porywcza i cierpiała na częste wybuchy depresji. Mężczyzna, na pozór elegancki, barczysty i wysoki, przystojny z otulającym głosem, słynął z optymistycznego i łagodnego usposobienia.

Śmierć

Przyczyną śmierci legendarnego kompozytora był obrzęk gardła, który pojawił się nagle w 1923 roku i zawał mięśnia sercowego, który nastąpił po nieudanej operacji. Jesienią następnego roku, w towarzystwie syna, Puccini przybył do belgijskiej Brukseli na ekskluzywną terapię przeciwnowotworową. Jednak trzygodzinna operacja nie pomogła, a jedynie pogorszyła sytuację - 29 listopada muzyk stracił przytomność i nie odzyskawszy przytomności zmarł. Miał 65 lat.

Tuż przed śmiercią Giacomo napisał w jednym ze swoich listów, że „gatunek operowy dobiegł końca, ponieważ słuchacze nie czują już muzyki i nie mają nic przeciwko utworom, które nie mają nic wspólnego z melodią i harmonią”.

Utwory muzyczne

1884 - "Willis"
1889 - "Edgar"
1893 - "Manon Lesko"
1896 - „Cyganeria”
1900 - "Toska"
1904 - "Madama Motyl"
1910 - „Dziewczyna z Zachodu”
1917 - „Jaskółka”
1918 - „Tryptyk”
1926 - "Turandot"

Data urodzenia: 22 grudnia 1858
Miejsce urodzenia: Lukka
Kraj: Włochy
Data śmierci: 29 listopada 1924

Giacomo Antonio Domenico Michele Secondo Maria Puccini (włoski: Giacomo Antonio Domenico Michele Secondo Maria Puccini) to wybitny włoski kompozytor operowy.

Puccini urodził się w Lukce, w muzycznej rodzinie. Pięcioletni Puccini został wysłany na studia do swojego wuja Fortunato Maggi. Następnie Puccini otrzymał posadę organisty kościelnego i kierownika chóru. Chciał zostać kompozytorem operowym, kiedy po raz pierwszy usłyszał wykonanie opery Aida Giuseppe Verdiego w Pizie.

Przez cztery lata Puccini studiował w Konserwatorium Mediolańskim. W 1882 brał udział w konkursie oper jednoaktowych. Jego opera Le Villis została wystawiona w 1884 roku w Teatro dal Verme i przyciągnęła uwagę Giulio Ricordiego, szefa wpływowego wydawnictwa specjalizującego się w partyturach. Ricordi zlecił Pucciniemu nową operę Edgar.

Jego trzecia opera, Manon Lescaut, ukończona w 1893 roku, odniosła ogromny sukces. Ta sama opera wyznacza początek współpracy Pucciniego z librecistami Luigim Illicą i Giuseppe Giacosą.

Kolejna opera Pucciniego, Cyganeria (na podstawie powieści Henri Murgera), przyniosła Pucciniemu światową sławę.

Po La Boheme pojawiła się Tosca, której premiera odbyła się na przełomie wieków, w 1900 roku.

17 lutego 1904 w Teatro alla Scala w Mediolanie Giacomo Puccini zaprezentował swoją nową operę Madama Butterfly (Cio-chio-san) ("Madama Butterfly", na podstawie sztuki Davida Belasco). Mimo udziału wybitnych śpiewaków Rosiny Storchio, Giovanniego Zenatello, Giuseppe de Luca występ się nie powiódł. Przyjaciele namówili Pucciniego, aby przerobił swoją pracę i zaprosił Solomeyę Krushelnitskaya do głównej części. 29 maja na scenie Teatru Wielkiego w Brescii odbyła się premiera zaktualizowanej Madamy Butterfly, tym razem triumfującej. Publiczność wezwała na scenę aktorów i kompozytora siedmiokrotnie.

Od tego czasu coraz rzadziej pojawiały się nowe opery. W 1910 roku Puccini ukończył operę Dziewczyna z Zachodu, o której później mówi jako o swoim najpotężniejszym dziele. Próba napisania operetki (oczywiście ze względu na niesamowitą ówczesną popularność gatunku) zakończyła się niepowodzeniem. W 1917 roku Puccini zakończył przeróbkę swojej operetki na operę Jaskółka.

W 1918 odbyła się premiera opery Tryptyk. Dzieło to składa się z trzech jednoaktowych oper (w paryskim stylu grand guignol: horrorów, sentymentalnej tragedii i farsy. Ostatnia, farsowa część, zatytułowana „Gianni Schicchi”, zyskała sławę i jest czasami wykonywana tego samego wieczoru z operą Mascagniego „Honor kraju” czy z operą Pagliacci Leoncavalla.

Puccini zmarł w 1924 roku w brukselskiej klinice. Ostatni akt jego ostatniej opery (Turandot) pozostał niedokończony. Istnieje kilka wersji zakończenia, z których najczęściej wykonywana jest wersja napisana przez Franco Alfano. Na premierze tej opery dyrygent, bliski przyjaciel kompozytora Arturo Toscanini, zatrzymał orkiestrę w miejscu, w którym rozpoczęła się partia napisana przez Alfano. Odkładając batutę, dyrygent zwrócił się do publiczności i powiedział: „Tu kończy się opera, bo w tym momencie zmarł maestro”.

Niezwykle uzdolniony melodycznie Puccini mocno trzymał się przekonania, że muzyka i akcja w operze powinny być nierozłączne. Ze względu na bogactwo melodii opery Pucciniego, obok oper Verdiego i Wagnera, są najczęściej wykonywanymi operami na świecie. Niezwykła dziś opera postanawia skompilować repertuar sezonu bez przynajmniej jednego dzieła tego kompozytora.

Aroun al Rascid (Umberto Brunelleschi) – Puccini

"Pomimo wszystkiego i wszystkich stworzyć melodyjną operę."
Giacomo Puccini, napis na szkicu "Tosca"

Szostakowicz: Co myślisz o Puccinim?
Britten - myślę, że jego opery są straszne.
Szostakowicz: Nie, Ben, mylisz się. Napisał wspaniałe opery, ale mają obrzydliwą muzykę.
J. Harewood, Pamiętniki

Wydaje mi się, że podobne zdanie podzielali, kiedy byłem uczniem szkoły muzycznej, a potem konserwatorium, nauczycielami, którzy wykładali nam literaturę muzyczną i historię muzyki.

Na wspomnienie imienia Pucciniego ich oczy wydawały się dziwnie puste, nosy pomarszczone prawie wyraźnie, usta ściągnięte, a wszystkim tym wyrazom twarzy towarzyszyło wyraziste wzruszenie ramionami.

Okazało się, że twórczość tego kompozytora była jakimś niezbyt koniecznym dodatkiem do spuścizny po Verdim, a jego nazwisko zasługiwało jedynie na proste zestawienie w jednym wierszu wraz z nazwiskami dwóch werystowskich kompozytorów – Leoncavallo i Mascagniego.

Ja, zakochany w muzyce Pucciniego od 14 roku życia, nie potrafiłem znaleźć żadnego logicznego wytłumaczenia takiej lekceważącej postawy, a słowo „snobizm” nie było jeszcze wtedy w moim słowniku…

Według statystyk aktualizowanych corocznie przez operabase.com, trzy z dwunastu oper Pucciniego - Tosca, La bohème i Madama Butterfly - zajmują odpowiednio piąte, szóste i siódme miejsce w światowym rankingu popularności.

Nie jest tajemnicą, że w oczach niektórych osób uważających się za intelektualistów popularność pracy wśród publiczności jest bardziej okolicznością obciążającą niż plusem.

Puccini jest dla nich zbyt „prosty” i przystępny, jego muzyka, niezwykle szczera, otwarta emocjonalnie, urzekająco piękna i wpływowa, by tak rzec, „ponad intelektem”, budzi wątpliwości co do jej dobrej jakości właśnie ze względu na obecność tych właściwości w to.

Puccini, mówiąc w przenośni, rymuje w swojej muzyce „miłość” i „krew”. Jednak już w drugiej połowie XX wieku taka „natychmiastowość” wielu krytykom i krytykom sztuki, a także kompozytorom wydawała się niemal nieprzyzwoita. Estetyka postmodernistyczna wymaga od artysty nie szczerości, ale ironicznej pozy i rymu „miłość to marchewka”…

Będąc genialnym dramatopisarzem operowym, Puccini opanował sztukę niezwykle dokładnego muzycznego przedstawiania postaci i sytuacji. Jego bohaterowie nigdy nie są abstrakcyjnymi „kochankami” ani „złoczyńcami”: są niewiarygodnie, można by powiedzieć, wyzywająco żywi.

Takiej, delikatnie mówiąc, niebanalnej postaci jak Scarpia, historia opery przed Puccinim nie znała. Okrutny, rozważny i podstępny manipulator – tak. Ale to nie jest Iago Verdiego. Skarpia - urzędnik, piastujący bardzo wysoki urząd publiczny. Solidna osoba, odpowiedzialny urzędnik. To jest klucz do jego wizerunku, o którym kiedyś pisałem, narzekając na próby reżyserów, by go uciąć i uprościć, przedstawiając Scarpię albo jako alkoholika, albo jako psychopatę, albo jako sadystycznego gestapo.

Gdzie indziej w operze znajdziecie taką monstrualną w swej sile scenę, w której bezwstydne pożądanie bohatera przeplata się z poczuciem absolutnej, niezniszczalnej ziemskiej władzy, ujarzmiającej nie tylko ludzkie losy, ale i religię, której interesy Scarpia , zgodnie ze swoim stanowiskiem, jest winien straży?

Scena z opery filmowej z 1955 roku

Reżyseria: Carmine Gallone, dyrygent Antonino Votto. Baron Scarpia - Carlo Tagliabue:

Puccini jest często kojarzony ze stylem powszechnie określanym jako „opera verismo”. Ale jedyną operą, w której świadomie, a nawet wyzywająco stosuje werystyczne standardy, jest Płaszcz, pierwsza część Tryptyku, powstała dopiero w 1918 roku.

Nawiasem mówiąc, Mascagni, Giordano i Leoncavallo, bracia Pucciniego z „warsztatu werystycznego”, dali jasno do zrozumienia publiczności i krytykom na wszelkie możliwe sposoby, że ich zainteresowania twórcze również nie ograniczały się do jednego, choć modnego kierunku. Nieprzydatny! Urodzony wraz z histerycznym okrzykiem „Turida została zabita !!!” etykieta werysty kompozytora była mocno przyklejona najpierw do Mascagniego, a potem do nazwisk trzech pozostałych przedstawicieli włoskiej Nowej Szkoły.

Dla Pucciniego jednak w mniejszym stopniu, choć tak samo jego biografia, w niektórych odcinkach, mogłaby stać się okazją do napisania operowych librett nadziewanych „ciemnością”.

Po muzyce jego główną pasją były samochody. Pod tym względem Puccini był bardziej synem nowego, XX wieku niż ten, w którym żył przez pierwsze 42 lata.

Wolał mieszkać poza miastem, bliżej natury, a na dodatek lubił polować. Modele samochodów dostępne w tym czasie na rynku motoryzacyjnym nie wyróżniały się jednak wysokimi zdolnościami terenowymi, a Puccini polecił Vincenzo Lancię stworzenie załogi zdolnej do poruszania się w terenie. Dobrze rozumiejąc mechanikę, wymienił cechy, które powinien mieć ten samochód, i tak narodził się pierwszy SUV na świecie. Ten cud techniki kosztował Pucciniego 35 000 lirów, ale był całkowicie szczęśliwy.

Co ciekawe, mimo że nie był obojętny na technologię, Puccini nigdy nie nazywał siebie „wynalazcą muzyki”, tak jak robił to Strawiński. Wręcz przeciwnie, stale powtarzał, że w muzyce najważniejsza jest zasada melodyczna i że „muzyka bez melodii jest martwa”. Ale melodia jest najmniej podatna na obliczenia i projektowanie: tutaj potrzebujesz specjalnego daru od natury.

Kiedyś Puccini miał poważny wypadek - poruszając się z dużą prędkością, stracił kontrolę. Coś podobnego często zdarzało mu się w prawdziwym życiu, gdzie w przeciwieństwie do opery istniały prawa, których znaczenia tak naprawdę nie rozumiał ...

Kiedy zmarł jego ojciec, Michele Puccini, czwarte pokolenie Lukki z dynastii muzyków, organistów katedralnych, kompozytorów i nauczycieli, rodzina popadła w biedę. Pięcioletni Giacomo musiał zarabiać na rodzinę, na początek śpiewając w kościelnym chórze. Wuj Fortunato Maggi, który uczył się z nim muzyki, nie szczędził obraźliwych słów dla swojego siostrzeńca. Nazwał mnie „włóczęgą bez talentu”. Bicie.

Czy to nie surowość odpowiedzialności ponad siły dziecka i poczucie ciągłego przymusu, które rozwinęły cechy charakteru Pucciniego, skłaniało go od czasu do czasu do działania nie tak, jak powinien, ale… cóż, delikatnie mówiąc – całkiem przeciwieństwo?

Był tak zwanym trudnym nastolatkiem. W szkole ciągle opuszczał zajęcia. Grał na organach w różnych kościołach w mieście, ale długo nigdzie nie przebywał. Początkowo budził podziw dla swojego talentu, a potem, gdy zmęczył go rutyna, zaczął chuligać: w swoich improwizacjach wplatał tematy z arii operowych i świadomie wybierał te najpopularniejsze.

Pracował także jako pianista w restauracjach, gdzie od najmłodszych lat uzależnił się od palenia (ten nawyk stał się ostatecznie przyczyną jego śmierci).

Kiedyś, aby zdobyć pieniądze na tytoń, Giacomo wyjął z kościoła kilka piszczałek organowych i sprzedał je jako złom. Potem jego organy zabrzmiały w modernistyczny sposób.

Później Puccini popełnił kolejną „kradzież z miejsca pracy” – ucieczkę z żoną warzywniaka z Lukki, której udzielał lekcji śpiewu. Niespełna dwadzieścia lat później Elvira i Giacomo wreszcie się pobrali. Kupiec warzywny zmarł, ale nie tak, ale w pełnej zgodzie z kanonami werystycznej opery: został zasztyletowany przez męża swojej kochanki.

Na obraz Toski, zazdrosnej aż do lekkomyślności, odgaduje się cechy charakteru dziewczyny kompozytora. Wspólne życie Giacomo i Elviry było prawdziwym „włoskim małżeństwem”: z kolejnymi napadami namiętności i zazdrości oraz próbami Pucciniego oderwania się od męczących burz na boku.

Rezultatem jest kolejne nieślubne dziecko, hałaśliwy skandal i samobójstwo wiejskiej służącej, na którą błędnie padło podejrzenie rozgorączkowanej Elviry (w rzeczywistości służyła cudzej miłości: wręczała Pucciniemu banknoty od swojej siostry).

Pucciniego bardzo zdenerwowała ta historia: nie miał umiejętności odpędzania kłopotów prostym wzruszeniem ramion.

… A kilkanaście lat później w „Turandot” pojawiła się mała niewolnica Liu, poświęcająca się w imię miłości.

Jako przykład korelacji między Puccinim człowiekiem i Puccinim muzykiem przytoczę mały, ale charakterystyczny dla niego epizod.

W wydaniu l’Istituto Musicale Pacini praca dyplomowa Pucciniego nie była niczym, ale mszą – tą samą, która później stała się znana jako „Messa di Gloria”. (Odpowiedzialność za ten absurd powinien, jak się wydaje, ponosić wielebny Dante del Fiorentino, który w 1952 roku dostarczył rękopis partytury Pucciniego do amerykańskiego wydawnictwa.

Tak naprawdę to wcale nie jest „Di Gloria”, ale całkowicie tradycyjna, pięcioczęściowa msza. W 1880 r. wykonano ją w kościele św. Pawła w Lukce i otrzymał świetne recenzje).

Skomponowanie mszy było dla młodego kompozytora poważnym sprawdzianem, demonstrującym umiejętności pisania na chór, wokal solowy i orkiestrę oraz w różnych kombinacjach.

Puccini zdał ten test znakomicie i otrzymał królewskie stypendium, które dało mu możliwość wyjazdu do Mediolanu do konserwatorium.

Nikt w jego rodzinnym mieście nie wątpił, że utalentowany młodzieniec zostanie wtedy następcą solidnego rodzinnego interesu, ale Giacomo, który lubił operę od czternastego roku życia (od kiedy pierwszy raz odwiedził przedstawienie Aidy), modlił się do nieba coś zupełnie innego. I jego modlitwa została wysłuchana.

Zapewne tam, "na górze", po zapoznaniu się z mszą Pucciniego, wypełnioną urokliwymi soczystymi melodiami, zorientowali się, że miejsce jej autora znajduje się w operze. I zwrócił uwagę młodego kompozytora na tę opinię. W każdym razie sam Puccini mówił o tym później w ten sposób:

„Wiele lat temu Stwórca dotknął mnie małym palcem i powiedział: „Pisz dla teatru, tylko dla teatru”. I zastosowałem się do tej najwyższej rady”.

Ale co z muzyką Mszy? A oto co.

Najlepsze utwory stamtąd przeniosły się prosto do oper Pucciniego: do Edgara i Manon Lescaut.

Rzeczywiście, nie marnuj tego samego dobra! Tutaj posłuchaj:

Pucciniego, Msza św. Agnus Dei:

Puccini, Manon Lescaut. Celowo znalazłem fragment wykonania opery w języku rosyjskim:

Najbardziej uderzające jest to, jak naturalnie ta muzyka łączy się z kanonicznym tekstem kościelnym iz tym najbardziej świeckim. Tylko nie od razu, na miarę naszej postmodernistycznej deprawacji, nie oglądaj tutaj antyklerykalnej satyry – nic takiego. I w tym akcie nie było też cynizmu. Właściwie tylko osoba, która od dzieciństwa poznała postulaty ogólnie przyjętej moralności i całkiem świadomie je odrzuca, może stać się cynikiem – ale z pewnością nie jest to przypadek Pucciniego.

Chyba rozumiem, jak to wszystko się stało. Dwudziestoletni młodzieniec, obdarzony żywą wyobraźnią, pisze Agnus Dei. Mentalnie "widzi" te dźwięki, w jego mózgu wizualizowane są w bardzo konkretnym, dziecinnie naiwnym obrazie baranka - stąd temat, równie bezpośredni, "dziecinny". Otóż w operze – pamiętamy, co się dzieje: śpiewacy wynajęci przez Geronte wykonują madrygał własnej kompozycji, a wersety są tam najprostsze, nieartystyczne. „Jaśniejsze niż gwiazdy w ładnym oku” - co może być bardziej naiwnego?

Puccini i cały świat mieli wielkie szczęście, że niemal od razu po ukończeniu konserwatorium, tak wielki biznesmen, wybitna postać w kulturze muzycznej i po prostu inteligentna i stanowcza osoba, jak Giulio Ricordi, objął mecenat nad „nieszczęsnym geniuszem”.

I tak było. W 1883 r. wydawnictwo Sonzogno, rywal firmy Ricordi, ogłosiło pierwszy konkurs na opery jednoaktowe, a przewodniczący jury profesor Amilcare Ponchielli, nauczyciel kompozycji konserwatorskiej Pucciniego, doradził swojemu absolwentowi udział w nim. .

Giacomo wykorzystał tę okazję i tak narodziła się opera „Willis”. Partytura zgłoszona przez Pucciniego na konkurs została jednak odrzucona – rzekomo z powodu nieczytelnego pisma kompozytora. Nie dostała nawet wyróżnienia.

Później niektórzy włoscy badacze doszli do wniosku, że w rzeczywistości przyczyną klęski Pucciniego była bardzo osobliwa intryga. Ponchielli rzekomo powiedział wydawcy Ricordiemu o operze swojego utalentowanego ucznia i przekonał przewodniczącego signora, by zakazał tej pracy, aby firma Sonzogno nie „przejęła” obiecującego kompozytora. Sądząc po tym, co wiemy o Giulio Ricordi, nie odrzuciłbym tej wersji od progu.

Tak czy inaczej, zaraz po konkursie, Puccini został przedstawiony Ricordiemu, który zorganizował produkcję „Willisa”, wydał clavier i natychmiast zamówił kompozytorowi nową operę. Następnie Sonzogno odpłacił konkurentowi tą samą monetą, odciągając młodego Giordano od Ricordi.

A Ricordi przez wiele lat był menadżerem, klientem i aniołem stróżem Pucciniego. O błogosławione czasy, kiedy jeden wydawca spierał się z drugim o prawo patronowania nawet nie sławnemu kompozytorowi, ale tylko obiecującemu!

Co takiego wąchał przenikliwy wydawca w ogólnie niedojrzałym eseju? Czy wyłapał tam zaczątki nowego stylu, który wkrótce stał się sztandarem post-Verdiego pokolenia kompozytorów włoskich? W tym przypadku należy pochwalić intuicję Ricordiego.

Ciekawe, że w premierowym wykonaniu pierwszej opery Pucciniego wziął udział kolega szkolny i bratnia dusza Pucciniego, Pietro Mascagni, który w orkiestrze grał na kontrabasie. Po 6 latach na kolejnym konkursie Sonzogno odbierze główną nagrodę, prezentując miastu i światu w swoim „Country Honor” całkowicie śmiercionośny koncentrat tego samego stylu melodycznego, który sam Puccini naprawdę rozkwitnie dopiero po 10 lata: w "Manon Lescaut", potem w "Cyganerii" i wreszcie w "Tosce".

porównywać, Mascagni, Rural Honor (Renata Scotto, Placido Domingo) i… Puccini, Tosca (Plácido Domingo):

A jednak, z całym szacunkiem dla Mascagniego, z całą sympatią dla jego najlepszej opery, porównując te dwa fragmenty, można usłyszeć, dlaczego nie on, ale Puccini został wybrany przez historię jako wielki geniusz operowy…

Dużo bardziej niż podobieństwo myśli muzycznych Pucciniego i Mascagniego uderza mnie jeszcze coś innego: radykalna różnica między tą muzyką a stylem dwóch ówczesnych światowych trendsetterów – Verdiego i Wagnera. U Verdiego melodia opiera się na funkcjonalności połączeń harmonicznych, jak blat z czterema nogami: tonik-subdominant-dominant-tonik. U Pucciniego przeciwnie, harmonia, że tak powiem, na ziemi służy melodii w niebie. Zamiast triad pojawiają się akordy septymowe, zacierające solidną funkcjonalną ramę i otulające melodię gęstym „aromatem” alikwotów.

Z Wagnerem, jak już nie raz pisałem, jego „niekończąca się melodia” faktycznie zamienia się w „niekończącą się harmonię”, której ruch jest całkowicie podporządkowany wokalnemu poziomowi. Wagner często dodaje linię wokalną do gotowej już tkaniny orkiestrowej, w istocie powielając, czasem w nieco podkolorowanej formie, motywy brzmiące z instrumentów. Taką „melodię” można bezpiecznie usunąć bez szkody dla muzyki, co ma miejsce np. w wykonaniach koncertowych „Liebestodu” z „Tristana”.

U Pucciniego jest to zupełnie nie do pomyślenia, w jego muzyce melodia jest podstawą fundamentów. Zwroty harmoniczne, często plagalne (profesjonaliści mnie zrozumieją, innych czytelników przepraszam), przybierają postać „wstążek” akordowych, które rozwijają się nie w ramach sztywnej grawitacji funkcjonalnej, ale podążając za ruchem linii wokalnej.

Wagner "emancypował" harmonię, Puccini - melodię i to jest chyba najważniejsza różnica między jego muzyką a muzyką Wagnera.

Najważniejszym elementem tego melodyczny styl - poleganie na warstwie muzyki codziennej, innej niż ta, z którą współcześni kojarzyli muzykę Verdiego. W moim eseju na temat Mascagni pisałem już o ścisłym związku jego melodyki, zwłaszcza w Honorze Wsi, z intonacjami folkloru południowych Włoch.

Mascagni, jak pamiętamy, sam mieszkał na południu Włoch akurat w czasie, gdy pisał „Wiejski Honor”. A Puccini… na próżno może pracował w restauracjach? (Chcę tylko pisać - w tawernach).

Nie zapominajmy o wydawnictwie Ricordi, które publikowało nie tylko claviery operowe, ale także nuty pieśni neapolitańskich i sycylijskich, których moda dosłownie ogarnęła Włochy w dziesięcioleciach po zjednoczeniu kraju.

Tutaj przekonaj się sam - nawet artysta jest tym samym, który zaprojektował clavier Toski.

Paolo Frontini, którego nazwisko widnieje na zdjęciu na okładce nuty, jest słynnym włoskim kompozytorem (nawiasem mówiąc, werystą), który zbierał i aranżował te piosenki. W 1883 Ricordi opublikował swoją pierwszą kolekcję.

Clavier okładka „Tosca”

Oto jeden z wybranych utworów Frontini, „Pieśń sycylijska”:

W zasadzie łatwo sobie wyobrazić, jak taki materiał mógłby przetworzyć się w głowie innego kompozytora, znacznie bardziej uzdolnionego. Mniej więcej tak:

Mam nadzieję, że Puccini wybaczy mi tę figlarną próbę wyjaśnienia tajemnicy interakcji kompozytora z otaczającym go środowiskiem dźwiękowym. Mimo wszystko niemożliwe jest ujawnienie istoty procesów zachodzących w głowie geniusza.

Nie trzeba myśleć, że Puccini pobiegł do domu prosto z restauracji, spisał usłyszaną tam piosenkę, lekko ją przetworzył, a następnie przedstawił jako arię bohatera lub bohaterki swojej opery. Aby wszystkie te codzienne „surowce” nabrały w muzyce kompozytora zupełnie nowych cech estetycznych, potrzebny był fenomenalny ucho do muzyki, fantastyczny dar melodyczny i solidna szkoła zawodowa.

Istnieje silna opinia, że wielka włoska opera zginęła wraz z autorem Turandot. I to wydaje się być prawdą. Tylko ta śmierć była jak eksplozja bomby wypełnionej kwiatami i pachnącymi bukietami rozsianymi po muzycznym wszechświecie – od tematów Rachmaninowa po ścieżki dźwiękowe do hollywoodzkich filmów. I mam silne podejrzenie, że właśnie w tym tkwi problem z odbiorem muzyki Pucciniego przez osoby hołubiące gusta tabu. Wiele znalezisk jego kompozytora postrzega się dziś nie wprost, ale przez pryzmat „lekkich” gatunków XX wieku, które żywiły się tymi znaleziskami.

Elementy szerokiej, ulotnej melodii Pucciniego, w połączeniu z jego ulubionymi sekwencjami harmonicznymi, były nie tylko powielane przez dziesiątki naśladowców, ale też bardzo szybko migrowały do muzyki pop, filmowej i muzycznej.

Jest to szczególnie widoczne, jeśli porównamy przetwarzanie tych samych popularnych i znanych włoskich piosenek z okresu „przed Puccinim” i „po”: harmonia, akompaniament, styl prezentacji zmieniają się dramatycznie, gdy muzyka Pucciniego podbija Włochy i świat. To, co zabrał światu, dał światu, ale dopiero na początku magicznie to przekształcił.

Pucciniego. „Dziewczyna z Zachodu”, scena ze spektaklu Metropolitan Opera. Minnie to Deborah Voight. Dyrygent Nicola Luisotti, reżyser Giancarlo del Monaco:

Moim zdaniem najbardziej imponujący występ bohaterki w całej historii opery. Viva Puccini!

Andriej Tichomirowa

Giacomo Puccini urodził się 22 grudnia 1858 roku w mieście Lucca w prowincji Toskania w północnych Włoszech. Puccini to dziedziczny intelektualista, syn i wnuk muzyków. Nawet prapradziadek Giacomo, który mieszkał w tej samej Lukce w połowie XVIII wieku, był słynnym kompozytorem kościelnym i dyrygentem chóru katedralnego.

Od tego czasu wszyscy Puccini – podobnie jak Bahamy – z pokolenia na pokolenie przekazywali zawód kompozytora i tytuł „muzyka Republiki Lukki”. Ojciec - Michele Puccini, który wystawił dwie swoje opery i założył szkołę muzyczną w Lukce, cieszył się w mieście dużym szacunkiem. Ale kiedy ten utalentowany muzyk zmarł nagle, 33-letnia wdowa Albina została bez środków do życia z sześciorgiem małych dzieci.

Zgodnie z rodzinną tradycją i na prośbę ojca to on, najstarszy chłopiec w rodzinie, miał otrzymać poważne wykształcenie kompozytorskie. Dla biednej wdowy, która nie miała innego dochodu niż pensja, był to pomysł prawie niemożliwy. Ale Albina Puccini-Maggi, która posiadała niesamowitą energię i witalność, zrobiła wszystko, co możliwe, aby spełnić wolę swojego zmarłego męża.

W małej Lukce droga do edukacji muzycznej była szczególnie trudna. Młody Giacomo śpiewał partię kontraltu w chórze kościelnym, a od dziesięciu lat zarabiał na organach w kościele benedyktynów. Sztuka utalentowanego organisty przyciągnęła uwagę parafian, którzy zaczęli zapraszać go do występów w innych kościołach Lukki, a nawet innych miast. Giacomo miał szczęście trafić do mądrego i opiekuńczego nauczyciela – organisty Carlo Angeloniego. W murach Instytutu Muzycznego Pacchini w Lukce młody człowiek zapoznał się z podstawami harmonii i instrumentacji. Tutaj skomponował swoje pierwsze utwory, głównie chóry o treści religijnej. W 1876 roku wydarzyło się wydarzenie, które zadecydowało o losach Pucciniego: zobaczył inscenizację Aidy, opera zrobiła na nim wielkie wrażenie, a tego wieczoru Giacomo zdecydowanie postanowił zostać kompozytorem i komponować opery. Jednak w latach studiów w Lukce młody Giacomo nie miał jeszcze okazji spróbować swoich sił w operze.

W wieku 22 lat Giacomo opuścił rodzinną Lukkę po otrzymaniu dyplomu Instytutu Paccini. Z pomocą miejscowego filantropa, jego matka uzyskała królewskie stypendium, aby mógł wstąpić do Konserwatorium Mediolańskiego. Krewni Lucca zapewniali również niewielką miesięczną dotację. Giacomo został przyjęty do najznakomitszego konserwatorium we Włoszech, z łatwością zdając egzamin wstępny. Tutaj studiował w latach 1880-1883 pod kierunkiem tak wielkich mistrzów, jak kompozytor Amilcare Ponchielli i skrzypek teoretyk Antonio Bazzini. Wśród towarzyszy Giacomo w Konserwatorium w Mediolanie był syn piekarza z Livorne Pietro Mascagni, który wkrótce miał zostać założycielem opery werystycznej. Mascagni i Puccini zostali bliskimi przyjaciółmi i wspólnie dzielili trudy studenckiego życia.

Życie młodego Pucciniego w Mediolanie obfitowało w ciągłe trudności finansowe. Dziesięć lat później, pracując nad Cyganerią, Puccini z uśmiechem wspominał złośliwe i nieszczęśliwe dni swojej studenckiej młodości.

Wrażliwy Ponchielli słusznie rozpoznał charakter talentu swojego ucznia. Jeszcze w latach studiów wielokrotnie powtarzał Giacomo, że muzyka symfoniczna nie jest jego drogą i że powinien pracować przede wszystkim w gatunku operowym, tak tradycyjnym dla włoskich kompozytorów. Sam Puccini ciągle marzył o stworzeniu opery, ale do tego trzeba było zdobyć libretto, a to kosztowało dużo pieniędzy. Na ratunek przyszedł Ponchielli, przyciągając młodego poetę-librecistę Ferdinanda Fontanę, który nie zdążył jeszcze zdobyć sławy i dlatego nie domagał się wysokich opłat. W ten sposób w 1883 roku, w roku ukończenia konserwatorium, Puccini miał okazję zacząć tworzyć swoją pierwszą operę, The Willis. Następnie wspominał to z uśmiechem w liście do Giuseppe Adamiego: „Wiele lat temu Pan dotknął mnie małym palcem i powiedział:„ Pisz dla teatru, tylko dla teatru. I zastosowałem się do tej najwyższej rady”.

Rok 1883 był kamieniem milowym w życiu Pucciniego. W tym samym roku ukończył z powodzeniem Konserwatorium w Mediolanie i po raz pierwszy wystąpił jako autor opery. „Willis” 31 maja 1884 roku zostały zaprezentowane na scenie mediolańskiego teatru „Dal Verme”. Ten operowy debiut 25-letniego Pucciniego był bardzo udany. W jego telegramie, adresowanym do matki w Lukce, pisano: „Teatr jest pełny, bezprecedensowy sukces… Wywoływany 18 razy, finał pierwszego obrazu był bisowany trzykrotnie”. Ale chyba najważniejszym rezultatem pierwszej opery Pucciniego było nawiązanie silnych relacji z największym wydawcą, Giulio Ricordi, człowiekiem o przedsiębiorczości i artystycznym zacięciu. Można twierdzić, że to Ricordi jako jeden z pierwszych zdołał „odkryć” talent Pucciniego, dostrzegając oryginalność jego muzycznych i dramatycznych inklinacji poprzez niedojrzałe formy „Willisa”.

Pięć lat, jakie minęły między premierami „Willisa” i „Edgara” – drugiej opery Pucciniego, było chyba najtrudniejszym w życiu kompozytora. Doświadczał dotkliwych trudności finansowych, w obliczu bezwzględnych wierzycieli. Był gotów emigrować z Włoch po swoim bracie, gdyby tylko jego druga opera zawiodła. Ciężkim ciosem dla młodego człowieka była śmierć matki, która wiele zrobiła dla jego muzycznego rozwoju, ale nigdy nie doczekała się pierwszych triumfów ukochanego syna.

Mimo niezadowolenia Fontany z gustów literackich, Puccini zmuszony był po raz drugi powiązać swój los z tym ograniczonym i staromodnym librecistą. Po czterech latach wytężonej pracy nad nową operą Puccini w końcu doczekał się jej realizacji na scenie mediolańskiego teatru La Scala.

Premiera 21 kwietnia 1889 roku nie odniosła większego sukcesu. Krytycy ostro potępili niekongruencję libretta, jego pompatyczność i zawiłości fabuły. Nawet Ricordi, który zawsze namiętnie bronił pracy swojego podopiecznego, zmuszony był zgodzić się z tymi zarzutami.

Ale Giacomo się nie poddaje. Uwagę kompozytora przykuwa najbardziej dramatyczna fabuła Floria Tosca, sztuka popularnego francuskiego dramatopisarza Victoriena Sardou. Odwiedziwszy występ Toski tuż po premierze „Edgara”, od razu zainteresował się tym tematem. Ale pomysł stworzenia opery o tej samej nazwie musiał zostać odłożony na całą dekadę. Ostatecznie poszukiwania tematu nowej opery zostały uwieńczone sukcesem: fabuła francuskiej powieści księdza Prevosta „Manon Lescaut” poważnie poruszyła twórczą wyobraźnię kompozytora, stając się podstawą jego pierwszego w pełni dojrzałego dzieła.

W tym czasie sytuacja finansowa Pucciniego ustabilizowała się, lata potrzeby i ubóstwa pozostały w tyle. Niezadowolony z hałaśliwej atmosfery Mediolanu spełnia swoje stare marzenie - osiedla się z dala od miasta, w cichej Torre del Lago - między Pizą a Viareggio. Miejsce to staje się ulubionym miejscem pobytu kompozytora na następne trzy dekady. Mieszka w wiejskim domu nad brzegiem jeziora Massaciucoli, w otoczeniu pięknej przyrody. Tutaj ma okazję całkowicie poświęcić się kreatywności, rozpraszając się tylko ulubionymi rozrywkami - polowaniem i wędkarstwem.

Znaczącą rolę w życiu Pucciniego odegrało małżeństwo z Elvirą Bonturi, temperamentną i energiczną kobietą, która zrobiła wszystko, co możliwe, aby stworzyć mu idealne warunki do pracy. Ze względu na wybrańca Elvira porzuciła niekochanego męża – mediolańskiego burżua, ojca jej dwójki dzieci. Dopiero wiele lat później, po śmierci jej prawowitego męża, dostała możliwość sformalizowania swojego małżeństwa z Puccinim. Ich związek był nierówny: wybuchy wielkiej namiętności ustąpiły miejsca nieporozumieniom i kłótniom; ale Elvira zawsze pozostawała wierną przyjaciółką i asystentką kompozytora, przyczyniając się na wiele sposobów do jego sukcesu.

Lata pracy nad Manon były najszczęśliwszym okresem w życiu Pucciniego. Były to lata jego romantycznej pasji do Elwiry, narodzin ich pierworodnego syna Antonio, lata radosnej obcowania z bliską jego sercu toskańską naturą.

Operę skomponował szybko, z niezwykłym entuzjazmem, a ukończył ją w półtora roku (jesienią 1892). Puccini namalował go albo w Mediolanie, albo w Lukce, albo w ukochanej Torre del Lago.

W „Manonie” Puccini dał się już poznać jako dojrzały dramaturg, wysuwający swoim librecistom dość świadome żądania. Tragiczna historia prowincjonalnej dziewczyny Manon Lescaut, która została utrzymanką zamożnego bankiera, jest typowa dla europejskiej opery drugiej połowy XIX wieku. Ale Puccini wymyślił swoją Manon. Chciał skupić całą swoją uwagę na doświadczeniach Manon i jej kochanka.

Dramaturgia muzyczna „Manon” jest bardziej elastyczna i doskonalsza w porównaniu z dwiema wczesnymi operami Pucciniego. W tej operze ostatecznie ukształtował się całkowicie niezależny styl melodyczny Pucciniego, ściśle związany z tradycjami współczesnej włoskiej pieśni codziennej.

Sam Puccini był bardzo dumny z Manon Lescaut. To była jego „pierwsza miłość” – jedyna opera, która z łatwością odniosła sukces. Do końca życia uważał „Manon” za jedno ze swoich ulubionych potomków, drugie „serdeczne przywiązanie” po „Madamie Butterfly”.

Autorka „Manon Lescaut” staje się najsłynniejszym włoskim muzykiem. Jest zapraszany do prowadzenia klasy kompozycji w Konserwatorium w Mediolanie i kierownika liceum Benedetto Marcello w Wenecji. Ale odrzuca obie oferty, preferując spokojne życie pustelnika w zaciszu Torre del Lago.

Nowym udanym odkryciem dla Pucciniego były „Sceny z życia Czech” – seria opowiadań francuskiego pisarza Henri Murgera (1851). „Natrafiłem na fabułę, w której jestem całkowicie zakochany” – przyznał kompozytor. Już w okresie pierwszych wykonań Manon Puccini z charakterystycznym dla siebie namiętnym entuzjazmem zaczął układać plan przyszłej La bohemia.

Muzyka do „Cyganerii” powstała w ciągu ośmiu miesięcy, a niektóre odcinki, np. najpopularniejszy Walc Musetty, napisał Puccini na własnym tekście, nie czekając na kolejne strony libretta. Jesienią 1895 roku La bohème została ukończona i 1 lutego 1896 została zaprezentowana po raz pierwszy na scenie Teatru Królewskiego w Turynie.

Krytycy nie sympatyzowali z nową operą Pucciniego. Trzeba przyznać włoskiej publiczności, że szybko zdała sobie sprawę z zalet nowej opery - mimo złośliwych ataków recenzentów. Jeszcze przed końcem sezonu „Cyganeria” ubiegała się o 24 przedstawienia w pełnej kasie, co jest niespotykane w przypadku nowej opery. Bardzo szybko z powodzeniem wystawiały go największe teatry świata, m.in. w Londynie, Paryżu, Buenos Aires, Moskwie, Berlinie, Wiedniu, Budapeszcie i Barcelonie. Niezwykła sensacja „La Boheme” wywołała w Paryżu. Krytyka francuska wzniosła ją w przestworza. W Moskiewskiej Operze Prywatnej (Teatr Sołodownikowa) Cyganerię wystawiono w styczniu 1897 r. - niecały rok po premierze włoskiej.

Innowacja Pucciniego jest prawdopodobnie najbardziej bezpośrednio i pierwotnie przejawia się w Cyganerii. Tym utworem kompozytor dokonał radykalnego zwrotu we włoskiej operze od romantycznego, gwałtownego patosu do skromnego ucieleśnienia prawdziwej codzienności.

Podczas gdy Cyganeria wkraczała na europejskie sceny, Pucciniego już całkowicie uchwycił nowy pomysł operowy: nadszedł wreszcie czas na napisanie Toski, stworzonej jeszcze w latach 80. XIX wieku. Ledwie zdążył dokończyć partyturę Cyganerii i przekazać ją turyńskiemu teatrowi, kompozytor wraz z żoną pospieszyli do Florencji, aby ponownie zobaczyć dramat Sardou ze słynną Sarah Bernhardt w roli Florii Toski.

Już wiosną 1896 r. – między hałaśliwymi premierami Cyganerii – objął libretto nowej opery. Muzykę „Toski” skomponowano stosunkowo łatwo – na podstawie wstępnych szkiców i szczegółowego planu dramaturgicznego. Partytura została napisana od czerwca 1898 do września 1899.

Premiera Toski odbyła się w Rzymie 14 stycznia 1900 roku w Teatrze Costanzi pod batutą dyrygenta Leapoldo Mugno-ne, wieloletniego przyjaciela kompozytora i członka Bohemia Club. Entuzjastyczna publiczność wzywała autora dwadzieścia dwa razy! Burzowemu sukcesowi towarzyszyła produkcja „Toski” w tym samym roku w Londynie.

Puccini zrealizował swoje marzenie, będąc już mądrzejszy w swoich werystycznych poszukiwaniach, wniósł do tej nowej partytury bogactwo rozwoju motywu przewodniego, odwagę harmonijnego myślenia, elastyczność i różnorodność środków deklamacyjnych. Połączenie jaskrawej teatralności, scenicznego dynamizmu z pięknem i pasją lirycznego śpiewu zapewniło „Tosce” długie życie repertuarowe.

W Londynie Puccini odwiedził Prince of York Theatre, gdzie pokazano sztukę „Gejsza” amerykańskiego dramatopisarza Davida Belasco. Kompozytor znalazł dla siebie nową fabułę. Tragiczna historia młodej japońskiej gejszy natychmiast porwała wyobraźnię Pucciniego. Ponownie wprowadzono Illikę i Giacosę, którzy z łatwością przekształcili melodramat Belasco w dwuaktowe libretto zatytułowane „Madama Butterfly” („Lady Butterfly”). Puccini był niezwykle poruszony smutnym losem małej Japonki. Żaden ze stworzonych wcześniej obrazów operowych nie był mu tak bliski i drogi.

Kompozycja Madamy Butterfly ciągnęła się długo - Puccini często podróżował na próby i przedstawienia swoich oper do różnych miast we Włoszech lub za granicą. Oprócz dotychczasowych pasji dołączyła do niego kolejna pasja: kupił samochód i został prawdziwym kierowcą wyścigowym. Niebezpieczne hobby skończyło się niestety: w lutym 1903 roku, w trakcie pracy nad nową partyturą, kompozytor uległ wypadkowi i złamał nogę.

Pod koniec 1903 roku partytura była gotowa, a 17 lutego 1904 „Madama Butterfly” ujrzała światło rampy mediolańskiego teatru „La Scala”. Tym razem premiera się nie powiodła. W sali rozległy się gwizdki, a odpowiedzi prasy wyrażały całkowite rozczarowanie. Po pełnej przygód i ostrej fabule Toski nowa opera wydawała się mediolańczykom nieaktywna, stonowana liryczna. Główną przyczyną połowicznej porażki „Butterfly” było nietypowe dla włoskiej publiczności przedłużenie obu aktów.

Puccini stworzył nową edycję. Odnowiona opera, wystawiona już w maju 1904 w teatrze w Brescii, zdobyła pełne uznanie. Odtąd „Madama Butterfly” rozpoczęła swój zwycięski marsz przez teatry Europy i Ameryki.

Triumf „Madamy Butterfly” zakończył najintensywniejszy okres twórczej biografii Pucciniego i zapoczątkował trwający prawie półtorej dekady okres depresji. Przez te lata był mniej produktywny, a to, co wyszło spod jego pióra – „Dziewczyna z Zachodu” (1910), „Jaskółka” (1917) – ustępowało wcześniej tworzonym arcydziełom. Wybór wątków operowych był dla starzejącego się mistrza coraz trudniejszy. Instynkt artystyczny podpowiadał mu, że trzeba szukać nowych, niewydeptanych ścieżek, bo niebezpieczeństwo powtórki dokonanych wcześniej odkryć stylistycznych było bardzo duże. Zabezpieczenie finansowe pozwoliło słynnemu mistrzowi nie spieszyć się z tworzeniem kolejnych opusów, a triumfalne wyjazdy zagraniczne i pasja do sportu wypełniły jego czas.

Ostatni etap w życiu Pucciniego (1919-1924) przypada na okres powojennych zmian w historii Włoch. Można argumentować, że po „Jaskółce” Puccini zdecydowanie przezwycięża przedłużający się kryzys. To właśnie w tych późniejszych latach udało mu się osiągnąć nowe niezrównane wyżyny - napisać opery Gianni Schicchi i Turandot, wzbogacić włoską klasykę operową o nowe jasne arcydzieła. Jednocześnie kompozytor bynajmniej nie powtarza swoich wcześniejszych dokonań, lecz znajduje nieprzetarte ścieżki; głęboko ludzki, ale sentymentalny melodramatyzm „Cyganerii” i „Butterfly” zostaje zastąpiony soczystym humorem i satyrą „Gianniego Schicchiego”, barwną fantazją i dramatyczną ekspresją „Turandot”. Był to bardzo owocny ostatni lot twórczego geniuszu Pucciniego.

Praca Pucciniego nad jego „łabędzim śpiewem” nie została ukończona. W trakcie komponowania Turandot, jego długotrwały ból gardła pogorszył się, który przekształcił się w raka. Chociaż lekarze ukryli przed nim tę straszną diagnozę, poczuł, że zbliża się tragiczny wynik.

Jesienią 1924 roku opera została w zasadzie ukończona. Śmiertelnie chory Puccini gorączkowo pracował nad orkiestracją Turandot. Leczenie promieniami radowymi początkowo przynosiło ulgę. Ale 29 listopada nadszedł fatalny finał: poprawa okazała się tymczasowa - serce nie wytrzymało, a wielki muzyk zmarł.

1. wyjątkowy przypadek

Kiedyś młody znajomy kompozytora Pucciniego, bardzo przeciętnego muzyka, powiedział:
- Jesteś już stary, Giacomo. Może napiszę marsz żałobny na Twój pogrzeb i żeby się nie spóźnić, jutro zacznę.
„No, napisz” – westchnął Puccini – „Boję się tylko, że to będzie pierwszy raz, kiedy pogrzeb zostanie wygwizdany”.

2. Jestem pomnikiem samego siebie...

Giacomo Puccini był wielkim optymistą. Pewnego dnia złamał nogę i trafił do szpitala. Kilka dni później odwiedzili go przyjaciele. Po przywitaniu Puccini powiedział radośnie:
- Jestem tak szczęśliwymi przyjaciółmi! Już zacząłem budować pomnik!
- Nie gadaj bzdur, jakie głupie żarty?!
- Wcale nie żartuję - odpowiedział kompozytor i pokazał nogę w gipsie.

3. pragnienie sławy

Puccini był świetnym dowcipnisiem i nigdy nie wlazł do kieszeni ani słowa.
Kiedyś jeden z jego bliskich znajomych – bardzo przeciętny kompozytor – postanowił zażartować i powiedział do Pucciniego:
- Giacomo, jesteś już stary. Napiszę może marsz żałobny na twój pogrzeb!
- No, pisz - zgodził się Puccini. - Ale jesteś leniwy, nie lubisz pracować, obawiam się, że nie będziesz miał czasu...
„A ja, żeby się nie spóźnić, od jutra zacznę” – odparł kąśliwie przyjaciel.
- Życzę ci szczęścia - skinął głową Puccini - i myślę, że staniesz się sławny.
- Czy myślisz?
— Nie wątpię — odparł maestro. - Przecież to będzie pierwszy raz w historii, kiedy pogrzeb wybuchnie!

4. Maestro działa...

Podczas pracy nad operą „Cyganeria” utworzył się rodzaj kręgu przyjaciół Pucciniego, który nazwał się „Klubem Czech”. Kompozytor i jego towarzysze zbierali się wieczorami w leśnej chacie przy świetle lamp naftowych, grali w karty lub opowiadali komiczne historie. Był też fortepian, a często właściciel w obecności swoich partnerów podejmował się pracy, która go fascynowała, prosząc o radę w sprawie tego czy innego muzycznego szczegółu. Wszystko byłoby dobrze, ale… nadszedł sezon polowań i o świcie kompozytor często wychodził nad jezioro z dwulufową strzelbą na ramionach, zamiast siadać do fortepianu. Spowodowało to duże zaniepokojenie wydawcy przyszłej opery, a zwłaszcza żony mistrza. Chcąc uchronić się przed jej atakami, kompozytor stosował sztuczki: pewnego razu zaproszono na specjalne zamówienie pewnego młodego pianistę, który „aby odwrócić wzrok” musiał nad ranem grać melodie z „Cyganerii”, a sam Puccini zniknął na polowaniu…

5. Twoje słowo jest prawem!

Pewnego razu, dowiedziawszy się o przybyciu młodego, nieznanego i oczywiście biednego kompozytora, życzliwy i gościnny Puccini udał się do swojego hotelu i nie znajdując właściciela, zostawił na drzwiach napis: „Drogi Panie Muzyku, Pokornie wybaczam, żebyś jutro przyszedł do mnie na obiad”. Młody człowiek nie kazał sobie czekać - znajomość miała miejsce, a kolacja była bardzo przyjemna. Jednak gdy następnego dnia Puccini zobaczył nowego znajomego przy swoim stole, był nieco zdziwiony... Tydzień młody człowiek - codziennie! - jeśli chodzi o pracę, to przyszedł na obiad do maestro. Zirytowany taką bezczelnością, Puccini w końcu powiedział mu:
- Twoje ciągłe wizyty, moja droga, są dla mnie niezwykle przyjemne, ale mimo to jestem nieco zdziwiony, że pozwalasz je odwiedzać bez żadnego zaproszenia z mojej strony.
- Och, maestro, jestem ci bardzo wdzięczny! - wykrzyknął gość.
- Nic nie rozumiem! Wyjaśnij na koniec, dlaczego?
- Codziennie wracając do hotelu, czytam zaproszenie wypisane twoją szlachetną ręką na drzwiach. Nie mogę tego wymazać, bo zapisuję jako cenny autograf. I nie mogę też nie pojawić się w twoim domu na obiedzie: w końcu zaproszenie tak znanego i wspaniałego kompozytora jest prawem dla biednego muzyka!..

6. niedokładna nazwa

Pewnego razu młody kompozytor zapytał Pucciniego:
- Co myślisz o mojej operze „Pustynia”?
„Opera jest całkiem dobra – odpowiedziałem Pucciniemu z uśmiechem – ale na twoim miejscu nazwałbym ją Boulevard”. Przyjaciele na każdym kroku.

7. „niech szaleją głupcy”

Po przeczytaniu kolejnego obelżywego artykułu o sobie, Puccini zwykł mawiać:
- Niech szaleją głupcy. Oklaski w moich operach ważą znacznie więcej niż przekleństwa wszystkich krytyków!

8. zaproszenie przyjęte

Kiedyś maestro jadł obiad z panią tak oszczędną, że przypadkiem wstał od stołu zupełnie głodny. Gospodyni uprzejmie powiedziała do Pucciniego:
- Proszę, żebyś kiedyś przyszedł i zjadł ze mną obiad.
- Z przyjemnością - odpowiedział Puccini - nawet teraz!

9. przyjemny moment

Pewnego razu, siedząc w teatrze, Puccini powiedział do ucha przyjaciela:
- Wokalistka grająca główną część jest niesamowicie zła. Nigdy w życiu nie słyszałem tak okropnego śpiewu!
"Więc może lepiej iść do domu?" zaproponował przyjaciela.
- Co ty, nie ma mowy! Znam tę operę - w trzecim akcie bohaterka musi go zabić. Chcę poczekać na tę szczęśliwą chwilę – odparł mściwie Puccini.

10. głos z lochu

Na premierze w La Scali soliści śpiewali leniwie i bez wyrazu. Tenor robił szczególnie ponure wrażenie. Gdy przyszło do jego arii, która zaczynała się słowami „Wrzucili mnie do wilgotnego i zimnego lochu”, autor opery pochylił się do sąsiada i szepnął mu do ucha:
- Wygląda na to, że nie tylko porzucili, ale także przez długi czas trzymali biedaka: całkowicie stracił głos!..

11. pomnik dla siebie

Kiedyś Puccini złamał nogę. Kiedy podekscytowani przyjaciele rzucili się do niego w odwiedziny do szpitala, Puccini radośnie oświadczył:
„Nie martwcie się tak bardzo, moi drodzy! U mnie wszystko w porządku, a poza tym z dumą informuję, że budowa mojego pomnika już się rozpoczęła.
- Jesteś bardzo niepoważna! jeden z jego przyjaciół zaczął go skarcić. - Powiedz nam, co się z tobą stało, nie możesz cały czas żartować ...
„Nie chciałem żartować” – odpowiedział Puccini z najpoważniejszą miną, wskazując na oklejoną nogę…

12. jak powinno, tak to nazywają

W operze Pucciniego „Cio-Cio-san” jest taki epizod, w którym Sharpless, zwracając się do dziecka Butterfly, pyta: „Kochanie, jak masz na imię?”
Około dziesięciu lat temu w jednym z ukraińskich teatrów niemą rolę dziecka Cio-Cio-san grał syn kostiumologa. Aż pewnego dnia dowcipnisie z teatru nękali chłopca:
- Słuchaj kochanie, jesteś już dość duży, ale robisz złe rzeczy. Ponieważ wujek zadaje ci pytanie, musisz mu odpowiedzieć. Musisz tylko powiedzieć to głośno, wyraźnie, na cały głos, aby wszyscy cię słyszeli.
Młoda istota znakomicie poradziła sobie w nowej roli. Kiedy Sharpless zadał mu tradycyjne pytanie na następnym przedstawieniu, chłopak, nabierając więcej powietrza, krzyknął głośno: „Alosza!” Sukces był fenomenalny!

włoski kompozytor operowy

krótki życiorys

Giacomo Antonio Domenico Michele Secondo Maria Puccini(Włoski: Giacomo Antonio Domenico Michele Secondo Maria Puccini; 22 grudnia 1858, Lucca - 29 listopada 1924, Bruksela) - włoski kompozytor operowy, jeden z najjaśniejszych przedstawicieli kierunku „verismo” w muzyce. Niektórzy badacze uważają, że jest największym włoskim kompozytorem operowym po Verdim.

Puccini urodził się w Lukce, w muzycznej rodzinie jako jedno z siedmiorga dzieci. Dynastia muzyków z rodziny Puccini została założona w Lukce przez prapradziadka Giacomo (1712-1781) i jego imiennika. Po śmierci ojca, Michele Pucciniego (1813-1864), pięcioletni Puccini został wysłany na studia do swojego wuja Fortunato Maggi, który uważał go za złego, niezdyscyplinowanego ucznia i według współczesnego biografa kompozytora , nagrodził go bolesnym kopnięciem w goleń za każdą fałszywą nutę, po czym Puccini przez całe życie miał odruchowy ból w nodze od fałszywych nut. Następnie Puccini otrzymał posadę organisty kościelnego i kierownika chóru. Chciał zostać kompozytorem operowym, kiedy po raz pierwszy usłyszał wykonanie opery Giuseppe Verdiego. „Aida” w Pizie.

Bóg dotknął mnie swoim małym palcem i powiedział: „Pisz dla teatru i tylko dla teatru”.

Przez cztery lata Puccini studiował w Konserwatorium w Mediolanie. W 1882 brał udział w konkursie oper jednoaktowych. Jego opera nie zdobyła pierwszej nagrody „Willis” wystawiono w 1884 roku w Teatrze Dal Verme. Opera ta przyciągnęła uwagę Giulio Ricordiego, szefa wpływowego wydawnictwa specjalizującego się w wydawaniu partytur. Ricordi zamówił Pucciniego nową operę. Ona stała się „Edgar”.

Jego trzecia opera „Manon Lescaut”, ukończony w 1893 roku, odniósł ogromny sukces. Mimo oczywistego wpływu Ryszarda Wagnera talent Pucciniego ujawnił się w tej operze w niemal pełnej okazałości. Ta sama opera wyznacza początek współpracy Pucciniego z librecistami Luigim Illicą i Giuseppe Giacosą.

kolejna opera Pucciniego, "Cyganeria"(na podstawie powieści Henri Murgera) przyniósł Pucciniemu światową sławę. W tym samym czasie operę o tym samym tytule, opartą na tej samej powieści, napisał Ruggero Leoncavallo, w wyniku czego między dwoma kompozytorami powstał konflikt i przestali się komunikować.

Za „Czechami” podążali "Tęsknota", którego premiera odbyła się na przełomie wieków, w 1900 roku. Pod naciskiem primadonny La Scali Darkle, która grała główną rolę w tej operze, i nalegając, by główna bohaterka miała arię, którą można by było wykonać na koncercie, Puccini uzupełnił drugi akt opery, pisząc słynną już " Wizja sztuki". Pozwolił też blondynce Darkle'owi nie nosić peruki (w tekście libretta Tosca jest brunetką).

17 lutego 1904 w mediolańskiej La Scali Giacomo Puccini zaprezentował swoją nową operę „Madame Motyl” (Chio-chio-san)("Madama Butterfly", na podstawie sztuki Davida Belasco). Mimo udziału wybitnych śpiewaków Rosiny Storchio, Giovanniego Zenatello, Giuseppe de Luca występ się nie powiódł. Mistrz poczuł się zmiażdżony. Przyjaciele namówili Pucciniego, aby przerobił swoją pracę i zaprosił Solomeyę Krushelnitskaya do głównej części. 29 maja na scenie Teatru Wielkiego w Brescii odbyła się premiera zaktualizowanej Madamy Butterfly, tym razem triumfującej. Publiczność wezwała na scenę aktorów i kompozytora siedmiokrotnie.

Od tego czasu coraz rzadziej pojawiały się nowe opery. W 1903 r. Puccini, zapalony kierowca, miał wypadek. W 1909 r. wybuchł skandal związany z tym, że cierpiąca na napady zazdrości żona kompozytora Elvira oskarżyła gospodynię Dorię Manfredi o romans z Puccinim, po czym gospodyni popełniła samobójstwo. (Nie wiadomo, czy rzeczywiście istniało połączenie). Krewni Manfrediego pozwali, a Puccini zapłacił wyznaczoną przez sąd sumę. W 1912 zmarł wydawca Pucciniego Giulio Ricordi, który odegrał ogromną rolę w dojściu kompozytora do sławy.

Mimo to w 1910 roku Puccini ukończył operę Dziewczyna z Zachodu, o której później mówił jako o swoim najmocniejszym dziele. Próba napisania operetki (oczywiście ze względu na niesamowitą wówczas popularność gatunku, zdominowanego wówczas przez Franza Lehara i Imre Kalmana) zakończyła się niepowodzeniem. W 1917 roku Puccini zakończył przeróbkę swojej operetki na operę (Jaskółka).

W 1918 odbyła się premiera opery Tryptyk. Na utwór składają się trzy jednoaktowe opery (w paryskim stylu zwanym grand guignol: horrory, sentymentalna tragedia i farsa). Ostatnia, farsowa część, zatytułowana „Gianni Schicchi”, zyskała sławę i jest czasem wykonywana tego samego wieczoru co opera Mascagniego. „Honor kraju”, czy z operą Leoncavallo „Klowni”.

Pod koniec 1923 roku Puccini, który był wielkim miłośnikiem toskańskich cygar i papierosów, zaczął narzekać na chroniczny ból gardła. Zdiagnozowano u niego raka krtani, a lekarze zalecili nowe eksperymentalne leczenie, radioterapię, oferowaną w Brukseli. Ani sam Puccini, ani jego żona nie byli świadomi powagi choroby, informacje te zostały przekazane tylko ich synowi.

Puccini zmarł w Brukseli 29 listopada 1924 r. Przyczyną zgonu były powikłania po operacji - niekontrolowane krwawienie spowodowało zawał mięśnia sercowego dzień po operacji. Ostatni akt jego ostatniej opery (Turandot) pozostał niedokończony. Istnieje kilka wersji zakończenia, z których najczęściej wykonywana jest wersja napisana przez Franco Alfano. Na premierze tej opery dyrygent, bliski przyjaciel kompozytora Arturo Toscaniniego, zatrzymał orkiestrę w miejscu, w którym rozpoczęła się partia napisana przez Alfano. Odkładając batutę, dyrygent zwrócił się do publiczności i powiedział: „Tu śmierć przerwała pracę nad operą, której mistrz nie zdążył dokończyć”.

Krótko przed śmiercią Puccini zauważył w jednym ze swoich listów, że „opera skończyła się jako gatunek, ponieważ ludzie stracili zamiłowanie do melodii i są gotowi tolerować kompozycje muzyczne nie zawierające nic melodyjnego”.

Styl

Niezwykle uzdolniony melodycznie Puccini mocno trzymał się przekonania, że muzyka i akcja w operze powinny być nierozłączne. Z tego powodu zwłaszcza w operach Pucciniego nie ma uwertur. Znane są tak zwane „oktawy Pucciniego” – ulubiona i dobrze znana metoda orkiestracji, w której różne instrumenty prowadzą melodię w różnych rejestrach (lub w ramach tej samej grupy orkiestrowej). Bardzo ciekawy jest także język harmoniczny kompozytora, występują tu typowe dla kompozytora ruchy, np. rozdzielczość dominanty na subdominantę zamiast toniki, kwinty równoległe itp. Wpływ muzyki impresjonistycznej słychać w jasnych rozwiązaniach barwowych i nieustanne granie orkiestrowych kolorów. Tosca po mistrzowsku wykorzystuje efekty akustyczne, aby stworzyć iluzję wielowymiarowej przestrzeni. Melodia Pucciniego jest szczególnie piękna. Ze względu na bogactwo melodii opery Pucciniego, obok oper Verdiego i Mozarta, należą do najczęściej wykonywanych oper na świecie.

Obserwujący

Melodyjny wpływ Pucciniego był ogromny. Znany krytyk muzyczny Ivan Sollertinsky nazwał swoich zwolenników Pucciniistami, zauważając, że Imre Kalman stał się „najgorętszym” przedstawicielem tego ruchu. Franz Lehar i Isaac Dunayevsky również należeli do „pucciniistów”. W twórczości Dymitra Szostakowicza można czasem usłyszeć wpływy stylu Pucciniego. Dotyczy to przede wszystkim podobnego odczucia kantyleny i kolorystycznych technik orkiestracji.

Odpowiedzi i opinie niektórych współczesnych Pucciniego

W 1912 roku bardzo znany krytyk włoski, w związku z realizacją jednej z oper Pucciniego, napisał w swoim artykule: „Szkoda po prostu, że świat myśli, że muzyka włoska to głównie dzieła tego, jak we Włoszech nie są tacy intelektualni kompozytorzy jak Ildebrando Pizzetti.

Inny krytyk, Carlo Bercesio, tak opisał swoje wrażenia z premiery Cyganerii (w La gazetcie): „Cyganeria nie pozostawi śladu w historii opery. Autor tej opery powinien uznać swoją twórczość za błąd”.

Wydawca Ricordi, dowiedziawszy się o wątpliwościach, które dręczyły kompozytora podczas pierwszych prób Cyganerii, napisał do niego: „Jeśli nie trafisz w tę operę, maestro, zmienię zawód i zacznę sprzedawać salami. ”

Libretta Illicy napisała do Pucciniego: „Praca z tobą, Giacomo, jest jak życie w piekle. Sam Hiob nie zniósłby takiej męki”.

W 2006 roku opera „melodysty staromodnego” La bohème obchodziła 100-lecie istnienia. W drugiej połowie XX wieku zajęła miejsce w pierwszej piątce najczęściej wykonywanych oper na świecie i od tamtej pory nie opuściła tej pierwszej piątki.

Krater na Merkurym nosi imię Pucciniego.

Polityka

W przeciwieństwie do Verdiego Puccini nie brał udziału w życiu politycznym kraju. Jego biograf pisał to przez całe życie. Inny biograf uważa, że gdyby Puccini miał własną filozofię polityczną, najprawdopodobniej byłby monarchistą.

W czasie I wojny światowej brak zainteresowania Pucciniego aktualnymi sprawami wyrządził mu krzywdę. Jego długa przyjaźń z Toscaninim została przerwana na prawie dziesięć lat przez uwagę Pucciniego latem 1914 roku, że Włochy skorzystają na organizacji niemieckiej. Puccini nadal pracował w operze la rondine, zlecony mu przez teatr austriacki w 1913, a po tym, jak Włochy i Austro-Węgry stały się wrogami w 1914 (kontrakt został jednak ostatecznie rozwiązany). Puccini nie brał udziału w działaniach publicznych podczas wojny, ale prywatnie pomagał osobom i rodzinom dotkniętym wojną.

W 1919 Puccini otrzymał zlecenie skomponowania ody do Fausto Salvatori na cześć zwycięstw Włoch w I wojnie światowej. Premiera tego utworu Inno a Roma(„Hymn do Rzymu”), miał się odbyć 21 kwietnia 1919 r., podczas obchodów rocznicy założenia Rzymu. Tak czy inaczej, premiera została przełożona na 1 czerwca 1919 i została wykonana na otwarciu zawodów lekkoatletycznych. Chociaż Hymn do Rzymu nie został napisany dla faszystów, był szeroko stosowany podczas parad ulicznych i publicznych ceremonii organizowanych przez włoskich faszystów.

W ostatnim roku swojego życia Puccini miał kilka kontaktów z Benito Mussolinim i innymi członkami Faszystowskiej Partii Włoch, a Puccini został nawet jego honorowym członkiem. Z drugiej strony informacje o tym, czy Puccini był faktycznie członkiem partii faszystowskiej, są sprzeczne. Włoski Senat tradycyjnie składał się z kilku członków mianowanych ze względu na ich wkład w kulturę kraju. Puccini miał nadzieję zasłużyć na ten zaszczyt (jak wcześniej zasłużył na to Verdi) i wykorzystał w tym celu swoje koneksje. Choć honorowi senatorowie mieli prawo do głosowania, nie ma dowodów na to, że Puccini zabiegał o tę nominację w celu skorzystania z prawa do głosowania. Puccini marzył o utworzeniu teatru narodowego w swoim rodzinnym Viareggio i oczywiście do tego projektu potrzebował wsparcia rządu. Puccini spotkał Mussoliniego dwukrotnie, w listopadzie i grudniu 1923 roku. Chociaż teatr nigdy nie powstał, Puccini otrzymał tytuł senatora ( senator życiorysu) na kilka miesięcy przed śmiercią.

W czasie, gdy Puccini spotkał się z Mussolinim, był premierem przez około rok, ale jego partia nie uzyskała jeszcze pełnej kontroli nad parlamentem. Koniec reprezentacyjnego stylu rządzenia i początek faszystowskiej dyktatury ogłosił Mussolini w przemówieniu skierowanym do Izby Poselskiej 3 stycznia 1925 r., już po śmierci kompozytora.

opery

„Willis” (włoski: Le Villi), 1884. Jednoaktowa opera miała premierę 31 maja 1884 w Teatro Verme w Mediolanie. Oparta na opowieści o syrenach Alfonso Carry o tym samym tytule.
„Edgar” (włoski Edgar), 1889. Premiera opery w 4 aktach odbyła się 21 kwietnia 1889 w Teatro alla Scala w Mediolanie. Na podstawie sztuki „La Coupe et les lèvres” Alfreda de Musset
„Manon Lescaut” (włoska Manon Lescaut), 1893. Premiera opery odbyła się 1 lutego 1893 w Teatrze Regio w Turynie. Na podstawie powieści księdza Prevost . o tym samym tytule
„Cyganeria” (po włosku: „Cyganeria”), 1896. Premiera opery odbyła się 1 lutego 1896 w Teatrze Regio w Turynie. Na podstawie książki Henri Murgera „Sceny życia cyganerii”
„Tosca” (włoska Tosca), 1900. Premiera opery odbyła się 14 stycznia 1900 w Teatro Costanzi w Rzymie. Na podstawie sztuki Victoriena Sardou „La Tosca”
„Madama Butterfly” (włoski. Madama Butterfly). Premiera opery w 2 aktach odbyła się 17 lutego 1904 w Teatro alla Scala w Mediolanie. Na podstawie sztuki Davida Belasco o tym samym tytule. W Rosji opera była również pod nazwą „Chio-Chio-san”
„Dziewczyna z Zachodu” (włoski: La fanciulla del West), 1910. Premiera opery odbyła się 10 grudnia 1910 w Metropolitan Opera w Nowym Jorku. Na podstawie sztuki D. Belasco „Dziewczyna ze Złotego Zachodu”.
„Jaskółka” (włoski. La rondine), 1917. Premiera opery odbyła się 27 marca 1917 w Operze w Monte Carlo.
Tryptyk: „Płaszcz”, „Siostra Angelica”, „Gianni Schicchi” (ital. Il Trittico: Il Tabarro, Suor Angelica, Gianni Schicchi), 1918. Premiera opery odbyła się 14 grudnia 1918 w Metropolitan Opera w Nowym Jorku.
„Turandot” (włoski Turandot). Premiera opery odbyła się 25 marca 1926 w Teatro alla Scala w Mediolanie. Na podstawie sztuki o tym samym tytule autorstwa K. Gozziego. Pozostała niedokończona z powodu śmierci kompozytora, ukończona przez F. Alfano w 1926 roku.

Odkrywanie dziedzictwa Puccini

W 1996 r. w Lukce powstało „Centro Studi Giacomo Puccini” (centrum badań nad Giacomo Puccini), obejmujące szeroki zakres podejść do badania twórczości Pucciniego. W Stanach Zjednoczonych American Centre for Puccini Studies specjalizuje się w niecodziennych wykonaniach utworów kompozytora i ujawnia publiczności niedoceniane lub nieznane fragmenty twórczości Pucciniego. Centrum to zostało założone w 2004 roku przez piosenkarza i dyrygenta Harry'ego Dunstana.