Chciałbym trochę przybliżyć czytelnikom społeczności malarstwo chorwackie. I porozmawiajmy o jednym z najsłynniejszych chorwackich artystów i największym akwareliście tego kraju - Slavie Raskaju.
Jej twórczość jest nierozerwalnie związana z tragiczną historią jej życia.
Slava urodził się w 1877 roku w mieście Ozal, bogatym w chorwacką historię. Miasto będące domeną najbardziej wpływowych rodzin arystokratycznych, w którym miał swoją rezydencję Ban Petar Zrinski, a które w XVII wieku było ośrodkiem literackim i kulturalnym. Głucha i niema od urodzenia Slava była dzieckiem introwertycznym, a brak komunikacji z ludźmi rekompensowała komunikacją z naturą, co pomogło jej głęboko zrozumieć i docenić przyrodę oraz doskonale ukazać ją w swoich obrazach.
Pierwsze rysunki kwiatów ołówkiem pojawiły się już w wiedeńskiej szkole dla dzieci głuchoniemych, gdzie uczyła się w wieku od 7 do 15 lat. Talent artystyczny Sławy po raz pierwszy dostrzegła nauczycielka z rodzinnego miasta, która przyjechała do Zagrzebia, aby objąć stanowisko kierownika Instytutu Nauczania Dzieci z Wadami Słuchu i Mowy. Zabrał Sławę do słynnego wówczas artysty Beli Cikos-Sesiy (jednego z założycieli Akademii Sztuk Pięknych w Zagrzebiu), u którego rozpoczęła naukę malarstwa. Odrzuciwszy artystyczne wpływy Csikosa, polegające na stosowaniu głównie ciemnych tonów, Rashkai odnalazła się w akwareli, która stała się jej ulubioną formą wyrazu artystycznego.
Twórczość S. Rashkai dzieli się zwykle na 2 etapy, w pierwszym z nich rysunek i kolor są efektem czystej obserwacji, krystalicznie czystej wizji piękna natury. Druga faza charakteryzuje się ekspresją wrażeń (wrażeniem) i w tym okresie powstały jej najlepsze akwarele. Następnie powstał słynny cykl Rashkai „Lilie wodne”, inspirowany małym jeziorem w ogrodzie botanicznym w Zagrzebiu.
W 1898 brała udział w wystawie artystów chorwackich w Zagrzebiu, a w latach 1899-1900 wystawiała w Moskwie i Petersburgu.
Slava Raškai nazywany jest czasem Ofelią malarstwa chorwackiego. Nie tylko ze względu na niezwykłe, szczególne piękno tonów i specyfikę przeżyć wyrażonych w jej obrazach, ale także ze względu na romantyczny, choć tragiczny los młodej dziewczyny. Była nieszczęśliwie zakochana w swoim nauczycielu i uczucia te, zdaniem niektórych autorów, znalazły odzwierciedlenie w namalowanym przez nią portrecie Beli (niezależnie od tego, jak bardzo się starałam, niestety nie udało mi się znaleźć tego portretu). Istnieją dwie wersje dotyczące relacji Rashkai i Cikos. Według jednego z nich byli jedynie bliskimi współpracownikami i współpracowali jedynie na polu malarstwa. Według innego była to wciąż historia miłosna, tajna, ponieważ Chikosh był nie tylko znacznie starszy od Slavy, ale także był żonaty. Najwyraźniej prawdy o tym związku nie będzie już możliwe. Uważa się, że Sława szczegółowo opowiadała o swoim życiu w listach do matki, które zapisała, aby pochowano je razem z nią w trumnie, ale spłonęły one w pożarze w domu jej siostry w Budapeszcie. Do tragicznych okoliczności jej życia zalicza się zniszczenie domu w rodzinnym mieście i zaginięcie około 40 dzieł.
Na krótko przed chorobą psychiczną namalowała Autoportret, a potem w jej pracach pojawiało się coraz więcej ekspresji, mieszając wizualność z fantastycznością. Stan głębokiej depresji, z powodu której w 1902 roku umieszczono ją w szpitalu psychiatrycznym, z pewnością znalazł odzwierciedlenie w obrazach, w doborze tonacji i przedstawianych motywów – ruiny, opuszczone młyny…
Zmarła na gruźlicę w 1906 roku w wieku zaledwie 29 lat w Zagrzebiu, a szczątki przeniesiono do rodzinnego miasta Slavy Raskaja, Ozal.
Za swojego życia Slava Rashkai była tylko częściowo uznawana za artystkę. Brała udział w wystawach, część jej prac została sprzedana, ale za kwoty niewiarygodnie małe w porównaniu z cenami obrazów innych artystów tamtych czasów. Częściowo dlatego, że była artystką, a krytycy często postrzegali twórczość kobiet bardziej jako fanaberia i rozrywka niż prawdziwą sztukę, częściowo dlatego, że akwarela i jej małe formaty zupełnie „nie były w użyciu”, gatunek ten uznano za nieco niepoważny, a bogaci nabywcy szukała dużych, masywnych płócien.. A krytyków zmyliło także zamiłowanie Sławy do pleneru, gdyż swoje pejzaże malowała wyłącznie w plenerze, a nie uzupełniała ich w pracowni, jak to było wówczas w zwyczaju. Krytyk V. Lunacek przyznał jednak, że nie mógł wyróżnić więcej niż jednego artysty tamtych czasów, z wyjątkiem Sławy Rashkai, która jego zdaniem zyskałaby popularność za życia, gdyby przetrwała dłużej.
Wystawa pod tym tytułem, otwarta w Moskwie w Muzeum Sztuki Naiwnej, stała się okazją do wywiadu z kolekcjonerem Władimirem Temkinem. Przywiózł do stolicy dzieła 16 chorwackich artystów, przedstawicieli czterech pokoleń wyznawców słynnej szkoły Chlebińskiego.
Dźwięk: Do odtwarzania tego dźwięku wymagany jest program Adobe Flash Player (wersja 9 lub nowsza). Pobierz najnowszą wersję. Dodatkowo w Twojej przeglądarce musi być włączona obsługa JavaScript. Czas na Kulturę w Radiu „Blago” – 102,3 FM
„Naiwne malarstwo Podravki charakteryzuje się motywami codziennego życia wsi, spokojnych pejzaży, a także żywą lokalną kolorystyką, szczególnie charakterystyczną dla unikalnej techniki malowania na szkle. Motywy, kolory i technika są tak typowe, że malarstwo szkoły Chlebińskiego cieszy się uznaniem zarówno światowych znawców, krytyków, jak i zwykłych amatorów” – Władimir odczytuje własny cytat w jednym z katalogów. Od dłuższego czasu przyjaźni się z chorwackimi artystami i jest właśnie przyjacielem – Władimir Temkin osobiście znał 13 z 16 autorów prac prezentowanych na wystawie w Moskwie. Kolekcjoner przyznaje, że dla niego to nie tylko zakup dzieł sztuki, ale szansa na nawiązanie przyjaźni, komunikację i tworzenie.
Szkoła w Hlebińsku w Chorwacji nigdy nie wyglądała jak klasyczna instytucja edukacyjna z programami, biurkami i uczniami. Termin ten jest powszechnie używany do opisania procesu przekazywania wiedzy i tradycji z pokolenia na pokolenie chorwackich artystów-samouków. U początków tego procesu w latach 30. ubiegłego wieku był artysta akademicki, pochodzący ze wsi Hlebine w Chorwacji, Krsto Hegedusic. Po studiach w Paryżu młody artysta wrócił do ojczyzny i intuicyjnie poszukiwał możliwości wyrażenia siebie i swoich ludzi. „W okresie swego powstania na szkołę chlebińską wpływał jednocześnie kontekst społeczno-kulturowy, idee inspirowane malarstwem zawodowym, a także nastroje i nastrój tamtych czasów” – pisze Aleksandra Wołodina, zastępca dyrektora Muzeum Sztuki Naiwnej, w katalogu wystawy: „Środki wybrane przez ekspresję Hegedusica – malowanie na szkle i jasne kolory – są obecnie znakiem rozpoznawczym szkoły Chlebińskiego”.
W około 90% przypadków chorwaccy artyści naiwni malują obrazy na szkle tzw. metodą odwrotną. Według Władimira Temkina jest to technika bardzo pracochłonna, ponieważ autor nakłada farbę olejną na obraz w odwrotnej kolejności - najpierw rysuje refleksy i drobne detale, a następnie nakłada rysunek warstwa po warstwie. Pracując tą techniką nic nie da się skorygować, gdyż już pierwsza warstwa, którą widz widzi przez szybę, pozostaje dla autora jakby na „dnie” dzieła, do którego nie da się już dotrzeć. powrót. Aby tworzyć obrazy w tej technice, trzeba mieć doskonałe myślenie przestrzenne i dużą uwagę. Przyglądając się pieczołowicie narysowanym obrazom wyznawców szkoły Chlebińskiego, widzowie często zauważają, że „nie jest to takie naiwne to malarstwo chorwackie”.
Sceny z życia chłopskiego, wykonane skomplikowanymi technikami malowania na szkle, zyskały uznanie na całym świecie. Jak powiedział Władimir Tiomkin, artyści szkoły chlebińskiej odwiedzali wystawy na wszystkich kontynentach i brali udział w przyjęciach dla prezydentów i członków rodzin królewskich.
Kiedy jednak założyciel szkoły Hlebina, Krsto Hegedusic, po raz pierwszy pokazał opinii publicznej prace swoich uczniów, młodych chłopów, w Zagrzebiu wybuchł skandal. Początkowo nie chcieli uznać za sztukę obrazów Ivana Generalicia, Franjo Mraza i innych uczniów Hegedusicia, którzy nie mieli klasycznego wykształcenia plastycznego. Jak podkreśla Tiomkin, Hegedušić aktywnie propagował twórczość chłopską i starał się udowodnić, że talent nie jest kojarzony z pochodzeniem i nie jest przywilejem klasy wyższej, jak miało to miejsce w sztuce akademickiej. Hegedusic pilnie prosił swoich uczniów, aby niczego nie wymyślali i nie fantazjowali, a rysowali jedynie to, co ich otacza, życie prostego chłopa.
I tak się złożyło, że naiwni chorwaccy malarze nie tylko przedstawili w swoich pracach codzienne życie wsi Hlebine, ale sami pozostali chłopami. „Wszyscy, o których mówimy, mimo że są artystami o międzynarodowej renomie, nadal pozostają chłopami. Na przykład Mijo Kovacic nadal mieszka na swoim gospodarstwie. Na co dzień spędza czas w winnicach, siejąc kukurydzę, sadząc ziemniaki, jeżdżąc miodem, zajmując się pszczołami. Wszystko to trwa, mimo że osoba ta jest uznawana na całym świecie za artystę” – mówi Władimir Tiomkin.
Nasz rozmówca podał przykład z życia naiwnego malarza Iwana Vechenayi. Pewnego razu w latach 70. artysta poznał hollywoodzkiego aktora Yula Brynnera, który w tym czasie przebywał w Jugosławii, kręcąc film. Yul dosłownie zakochał się w twórczości chorwackich artystów naiwnych, z przyjemnością oglądał obrazy i dyskutował o nich. I na koniec zaprosił Ivana Vechenaya i jego żonę na wakacje do Ameryki. Kiedy dwutygodniowe wakacje dobiegły końca, parze zaproponowano kontynuację podróży i wyjazd nad ocean na Florydzie. Na co żona Vechenayi odpowiedziała, że czas już wrócić, bo kukurydza jest już dojrzała i trzeba ją zebrać.
Wystawa prezentuje prace malarzy z około 80 lat istnienia fenomenu szkoły chlebińskiej. Uznane są także autorskie litografie Ivana Generalicia (pierwsze pokolenie), obrazy Mijo Kovacica, Ivana Lackovicia, Josipa Generalicia, Martina Mehkeka oraz malarzy stojących na progu historii. Wśród nich są Nikola Vechenay Leportinov, Martin Koprichanec (drugie pokolenie).
Trzecie pokolenie artystów naiwnych w Chorwacji jest najliczniejsze. Stjepan Ivanec, Nada Svegovich Budaj to autorzy, których prace znajdują się na stałej wystawie w Muzeum Sztuki Naiwnej w Zagrzebiu. W następstwie ich pracy napisano wiele artykułów i monografii. Ponadto trzecie pokolenie obejmuje Władimira Ivanchana, Mirko Horvata, Ivana Andrasicia, Biserkę Zlatar.
Według Władimira Tiomkina do czwartego pokolenia wyznawców szkoły chlebińskiej można zaliczyć dosłownie pięciu artystów. Najzdolniejszym z nich, zdaniem wielu krytyków i historyków sztuki, jest Drazen Tetets, notabene uczestnik Triennale Festnaive 2013 w Moskwie.
W okresie swojego istnienia szkoła malarzy naiwnych Chlebińskiego doświadczyła zarówno całkowitego zaprzeczenia i prześladowań, jak i powszechnego uznania i miłości. Według historyków sztuki okres rozwoju fenomenu szkoły chlebińskiej dobiegł końca. Ale na nasze pytanie, co czeka światową sztukę naiwną w przyszłości, Władimir Tyomkin odpowiada z optymizmem: „Myślę, że sztuka naiwna ma bardzo wielką przyszłość. Postrzeganie się zmienia. Coraz więcej osób zajmuje się malowaniem siebie, próbując wyrazić siebie, a tym samym rozpoznawać i lepiej rozumieć otaczających ich ludzi. Następuje wymiana. Osoba, która potrafi zrozumieć i zaakceptować sztukę akademicką lub pozaakademicką, będzie mogła jutro kupić i powiesić w swoim domu dzieło naiwnego artysty. Jaka jest różnica między artystą naiwnym a nienaiwnym? Jest twórcą i jeśli to jest prawdziwe dzieło sztuki, to dotyka duszy, prawda?”
Wystawa „Magiczny świat chorwackiej naiwności” potrwa do 6 lipca w Muzeum Sztuki Naiwnej pod adresem: Moskwa, Izmailovsky Boulevard, 30. Więcej informacji na stronie muzeum http://naive-museum.ru/
Matija Skurjeni to klasyk chorwackiej sztuki naiwnej, jeden z najwybitniejszych przedstawicieli „niezależności” (obok Rabuzina i Feisha), artysta, którego twórczość zyskała wielkie międzynarodowe uznanie.
Świat zwierząt, olej/płótno. 1961
Matia Skurjeni urodziła się 14 grudnia 1898 roku we wsi Veternice, niedaleko miasta Zlatar, w chorwackim Zagorju, jako siódme dziecko w rodzinie. Ojciec i matka pracowali, ale byli tak biedni, że nie mogli nawet posłać małej Matii do szkoły. Czytania i pisania nauczyłem się od starszych braci, a czytania i pisania nauczyłem się znacznie później, w wojsku. Do dwunastego roku życia pracował w swojej wsi jako pasterz, następnie poszedł budować linię kolejową i został kolejarzem. W tym samym roku 1911 zaczął stopniowo uczyć się sztuki plastycznej (lub po prostu malarstwa) - malarstwa ściennego. Podczas I wojny światowej, w 1917 roku został wysłany na front wschodni, do Besarabii (obecnie Mołdawia), na początku 1918 roku został ranny w walce i trafił do szpitala wojskowego.
Pod koniec 1918 roku w ramach chorwackich oddziałów ochotniczych wziął udział w wyzwoleniu Međimurja. Po demobilizacji wrócił do rodzinnych Veternitsy i rozpoczął pracę jako górnik.
W 1923 roku wrócił do miasta Metlika, gdzie ukończył edukację „artystyczną”, a następnie zaczął malować swoje pierwsze akwarele. W czasie II wojny światowej pracował na kolei państwowej, jako projektant - malował wagony. W 1946 roku brał udział w powstaniu sekcji artystycznej kolejarzy RKUD „Vinko Jedut” w Zagrzebiu, co dało początek prawdziwemu „szkoleniu” umiejętności artystycznych. Wśród mentorów byli znani artyści akademiccy i rzeźbiarze.
W 1948 roku Matia po raz pierwszy wzięła udział w jednej z wystaw zbiorowych w Zagrzebiu. Dopiero w 1956 roku, po przejściu na emeryturę, Skurjeni całkowicie poświęcił się twórczości i dopiero wtedy rozpoczęła się jego prawdziwa kariera artystyczna. W 1958 roku zorganizowano jego pierwszą niezależną wystawę w Galerii Sztuki Prymitywnej (później Muzeum Sztuki Naiwnej) w Zagrzebiu. W 1959 otrzymał pierwszą nagrodę na IV Międzynarodowej Wystawie Sztuki w Monachium, a w 1960 wystawiał w Rzymie.
Ważnym kamieniem milowym w jego życiu staje się niezależna wystawa w Paryżu, w galerii Mona Lisa w 1962 roku. Potem – seria wystaw i duża liczba nagród w wielu krajach. W 1964 roku brał udział w powstaniu Towarzystwa Artystów Naiwnych Chorwacji.
W 1975 roku Matia Skurjeni poważnie zachorował (apopleksja), w wyniku czego przestała pracować jego prawa ręka, ale twórczość nie poddała się – z powodzeniem rysował lewą ręką. W 1984 roku podarował kolekcję swoich obrazów na rzecz założenia Galerii Matia Skurjeni w Zaprešić (na przedmieściach Zagrzebia), którą w 1987 roku otwarto.
Raz rozpoczęte, nigdy się nie kończy, olej/płótno. 910 x 1315 mm. 1973
Anioł wojny, olej/płótno, 700x905mm. 1959
Sekcja muzyczna, olej/płótno, 530x690 mm. 1959
Święto cygańskie, olej/płótno, 700x900 mm. 1960
Pierwsza para kosmonautów, olej/płótno, 490x550 mm. 1960-1963
Stary Paryż, olej/płótno, 800x1300 mm. 1964
Trzej bracia grali na rurze atomowej, olej/płótno, 730x1000 mm. 1964
Cygańska miłość, 1966. Olej na płótnie
Gorgona, olej/płótno, 700x560 mm. 1968
Śniło mi się, że płynę przez burzliwą Savę, olej/płótno, 710x530 mm. 1969
Trzecia wojna światowa, olej/płótno, 940x1380 mm. 1969
Akt z kwiatami, olej/płótno, 700x1300 mm. 1970
Marsylia, olej/płótno, 1300x800 mm. 1971
Widok na miasto i most, olej/płótno. 1969
Zamyślone molo, olej/płótno
Akt, olej/płótno, 650x850 mm. 1973
Siła, olej/płótno, 744x926 mm. 1973
Sen, w którym stoję nago przed warsztatem I. Meštrovicia, olej/płótno. 950 x 1370 mm. 1974
Zoo, olej/płótno, 550x720 mm. 1974
Apostoł, olej/płótno, 800x650 mm. 1975
Matia Skurjeni. 1927
Matia Skurjeni. 1988 Fot. M. Lenkovich
Malarstwo naiwne. Ivan Generalić – patriarcha Naivy w ChorwacjiSłynny przedstawiciel chlebińskiej szkoły malarstwa naiwnego IVAN GENERALIC (Generalic) jest chorwackim artystą samoukiem (21 grudnia 1914, wieś Hlebine w Chorwacji – 27 listopada 1992, tamże). Tworząc w 1930 roku szkołę malarzy chłopskich w rodzinnej wsi Chlebin, stał się jednym z najsłynniejszych mistrzów „sztuki naiwnej” na świecie. Jego obrazy (na płótnie lub na szkle) są na ogół kolorowe i majestatyczne, pełne folklorystycznego optymizmu, ale zawierają także wiele żałobnych motywów pamięci o terrorze II wojny światowej.
Biografia artysty urodzonego w chłopskiej rodzinie nie jest pełna wydarzeń - całe życie spędził w rodzinnym Chlebinie. Zainteresowanie sztuką ujawniło się wcześnie, nie otrzymał jednak żadnego wykształcenia zawodowego. Do poważnego podejścia do malarstwa zachęcił go zagrzebski malarz Krsto Hegedušić, przedstawiciel lewicowych intelektualistów: w 1931 roku zaprosił Generalicia i jego współmieszkańców, Franjo Mraz i Mirko Virius, do udziału w wystawie jego grupy „Ziemia” w Zagrzeb.
W dwudziestoleciu międzywojennym odkrycie przez profesjonalistów twórczości „naiwnych” artystów, wolnych od dogmatów tradycji, spełniło zadanie demokratyzacji społeczeństwa i otwarcia nowych możliwości wyrazowych dla sztuki. Twórczość Chlebinców zapoczątkowała znana obecnie na całym świecie szkoła malarstwa naiwnego Chlebińskiego, a Iwan Generalich słusznie uważany jest za patriarchę malarstwa naiwnego w Chorwacji.
Cechy kreatywności. Charakterystyczne dla wczesnego okresu wątki nierówności społecznych zastąpiono opowieściami o chłopskim życiu Chlebina. Są to sceny rodzajowe, rzadziej alegoryczne, z wieloma szczegółami dotyczącymi ściśle poskładanego życia chłopskiego, pejzaży i animowanych postaci ludzkich. Proza codzienna spotyka się z baśniami: dzikimi bykami i rajskimi ptakami, powściągliwymi jeleniami i tajemniczymi jednorożcami. Pojemne symbole na obrazach „Słoneczniki” (1970), „Kot przy świecy” (1971), „Jeleń w lesie” (1956) reprezentują ludową fantazję i wysoce poetycką osobowość artysty.
Prace Generalicha są kameralne i malowane farbą olejną na szkle. Ikony malowano w podobny sposób w dawnych czasach w alpejskich rejonach Chorwacji i Słowenii – światło przechodzące przez szkło tworzy szczególnie bogatą barwę. Artystka jest wierna ludowemu rzemiosłu i sposobowi przedstawiania świata: spłaszczonemu obrazowi, wyrazistości konturu, rytmowi kompozycji dywanu, w którym wszystkie detale są jednakowej wielkości i równoważne. Ludowa wizja świata, naiwna i mądra, łączy się z doświadczeniem artysty obcowania z masową produkcją wizualną - kiczem, co dało początek wyjątkowemu połączeniu dziecięcej spontaniczności percepcji ze śmiałością artystycznych decyzji.
Twórczość Generalicha, oderwana od rzemiosła ludowego i nie wchodząca w zakres sztuk wykształconych, stworzyła szczególną niszę, włączając się w międzynarodowy proces artystyczny. Artysta jest wolny od ram tradycji i norm stylu, jednak w jego twórczości wciąż ukryte jest odzwierciedlenie historii sztuki. Tak więc jego słynny obraz „Pod gruszą” (1943) swoim wysokim horyzontem kompozycyjnym i powściągliwą kolorystyką przypomina obrazy Bruegla Starszego, obraz „Renifery swatów” (1961) jest pełen uroku starożytnego Wschodu płaskorzeźby oraz „Chlebińska Mona Lisa” (1972) w formie kurczaka ośmiesza utarte stereotypy.
Patriarcha chorwackiego malarstwa naiwnego Generalich stworzył całą plejada mistrzów szkoły Hlejin. Malował z nim także jego syn Josip. Prace Generalicia i jego współpracowników przechowywane są w Galerii Sztuki Naiwnej w Zagrzebiu, a także w muzeach wielu krajów na całym świecie.
Słowa kluczowe
IVAN VECENAJ / IVAN VECENAJ / SZKOŁA CHLEBIŃSKA/SZKOŁA HLEBINA/ SZTUKA NAIWNA/SZTUKA NAIWNA/ CHORWACKI PRYMITYW/SZTUKA CHORWACKA/ HISTORIA SZTUKI/ HISTORIA SZTUKIadnotacja artykuł naukowy z historii sztuki, autorka pracy naukowej - Sofya Antonovna Lagranskaya
Artykuł poświęcony jest twórczości artysty Ivana Vecenaja, przedstawiciela szkoły hlebinckiej wiodącego nurtu chorwackiego malarstwa naiwnego. Autorka podjęła próbę analizy twórczości artysty, interpretacji archaicznych symboli w dziełach malarstwa na szkle na przykładzie analizy konkretnych dzieł, które pomagają zrozumieć koncepcję Szkoła Chlebińska w ogóle jego nierozerwalny związek z tradycjami folklorystycznymi i zwyczajami ludowymi. Niestety w historii sztuki krajowej nie ma materiałów poświęconych badaniu ścieżki twórczej Iwana Vechenayi. Autor ma nadzieję, że ten artykuł pomoże wszystkim zainteresowanym sztuka naiwna i prymitywne, aby odkryć wieloaspektowy talent tego artysty.
powiązane tematy prace naukowe z zakresu historii sztuki, autorką pracy naukowej jest Zofia Antonowna Łagranskaja
-
O twórczości serbskich artystów samouków Iliji Bosilja Bašicevica i Savvy Sekulica
2017 / Łagranskaja Zofia Antonowna -
Folkloryzm w neoprymitywizmie rosyjskiej awangardy pierwszych dekad XX wieku
2016 / Alekseeva Tatyana Petrovna, Vinitskaya Natalya Vladimirovna -
Narracje werbalne i wizualne artystów naiwnych
2019 / Bobrikhin Andrey Anatolyevich, Gramatchikova Natalya Borisovna -
Kontekst społeczno-historyczny tematów ewangelicznych w malarstwie rosyjskim drugiej połowy XIX wieku
2016 / Shakhova Ilona Valerievna -
Naiwny artysta Korovkin i jego szklana menażeria
2019 / Bobrikhin Andrey Anatolyevich - 2018 / Suvorova Anna Aleksandrowna
-
Louis Caravaque i sekularyzacja sztuki rosyjskiej
2017 / Andreeva Julia Sergeevna -
Dramat w strukturze figuratywnej rosyjskiego malarstwa historycznego XIX wieku
2015 / Mutya Natalia Nikołajewna -
Krajobraz architektoniczny i urbanistyczny lat 70.-80. XX wieku w twórczości artystów z Ufy
2015 / Kapina Tatiana Nikołajewna -
Wątki biblijno-ewangeliczne we współczesnych sztukach pięknych (na przykładzie twórczości artystów regionu Tiumeń)
2017 / Czerniewa Zinaida Leonidovna
Chorwacka sztuka naiwna: Ivan Vecenaj
Poza sztuką profesjonalną malarstwo chorwackich prymitywistów i indywidualność ich stanowiska okazały się nie tylko bliskie myśleniu estetycznemu XX wieku, ale także organiczną konsekwencją wpływu kultury miejskich klas niższych i folkloru . Chłopi są niewątpliwie głęboko religijni, jednak w ich malarstwie nie znalazło to praktycznego odzwierciedlenia: artyści, z umiarkowaną dozą egoizmu, skupiali się raczej na naturze i bliskich sobie ludziach. Wyjątkiem jest Ivan Vecenaj (1920-2013). i jego cykl biblijny nietypowy dla chłopskiego prymitywu, który otworzył nową kartę w chorwackiej sztuce naiwnej. Podobnie jak większość przedstawicieli szkoły Hlebina, największy nurt chorwackiej sztuki naiwnej Vecenaj pracował w technice olejnej na szkle. Jest to stara technika, na której opiera się artysta maluje w odwrotny sposób warstwa po warstwie od detalu do tła. Vecenaj dodał swoim bohaterom odrobinę fantazji czy to wielobarwnego listowia w środku zimy czy fioletowego odcienia krowiej wełny. Vecenaj w swoich pracach skłania się bardziej ku realizmowi, jednak z elementami ekspresji, groteski i ironii. Vecenaj przeniósł Pismo Święte w przestrzeń i czas, unowocześnił je i umieścił w znajomym środowisku. Jego obrazy przedstawiają cierpienie i pełną czci świadomość wiary. Paleta jest jasna i nasycona, jakby odzwierciedlała histerię opowieści. W pracach Vecenaj widz spotyka się z okrucieństwem obrazu, które jest nietypowe dla chłopskiej sztuki naiwnej i polega nie tyle na tematach, co na odrażającym przedstawieniu krajobrazów: spalonych pustyni, zwęglonych drzew, ciernistych krzaków i krwistoczerwone niebo, wszystko to wywołuje uczucie dyskomfortu i emocji strachu, zupełnie nietypowych dla duszpasterskiej naiwnej sztuki szkoły Hlebine. Przeważająca większość scen rodzajowych w chłopskim prymitywnym wydaniu wynika z faktu, że dla chłopów po prostu prościej i wyraźniej jest przedstawić otoczenie. Dlatego w niekończącym się ciągu scen dożynkowych i biesiadnych indywidualizm, który stworzył Ivan Vecenaj, jest tak cenny.Wkład artysty w szkołę hlebińską polega właśnie na jego twórczości religijnej, odkrywa tu on swoisty tradycjonalizm w kontekście sakralnej tematyki relacji chłopskiej z Bogiem.
Tekst pracy naukowej na temat „Malarstwo naiwne Chorwacji: Ivan Vecenaj”
Biuletyn Kultury i Historii Sztuki Tomskiego Uniwersytetu Państwowego. 2018. Nr 30
UDC 7.031.2+75.023.15 B01: 10.17223/22220836/30/14
SA Lagranskaya NAIWNE OBRAZEK CHORWACJA: IVAN VECENAI
Artykuł poświęcony jest twórczości artysty Ivana Vecenaja, przedstawiciela szkoły hlebinckiej – wiodącego nurtu chorwackiego malarstwa naiwnego. Autorka podjęła próbę analizy twórczości artysty, interpretacji archaicznych symboli w dziełach malarstwa na szkle na przykładzie analizy konkretnych dzieł, które pomagają zrozumieć koncepcję szkoły Chlebińskiego jako całości, jej nierozerwalny związek z tradycjami folklorystycznymi i ludowością. odprawa celna. Niestety w historii sztuki krajowej nie ma materiałów poświęconych badaniu ścieżki twórczej Iwana Vechenayi. Autorka ma nadzieję, że artykuł ten pomoże wszystkim zainteresowanym sztuką naiwną i prymitywną odkryć wielostronny talent tego artysty.
Słowa kluczowe: Iwan Vechenay; szkoła Chlebińska; sztuka naiwna; chorwacki prymitywny; Historia sztuki.
Malarstwo chorwackich prymitywistów okazało się nie tylko bliskie myśleniu estetycznemu XX wieku, ale było także organiczną konsekwencją przenikania się kultury miejskiej z folklorem: jako żywy nurt weszło w międzynarodowy proces artystyczny i bardzo się rozwinęło. w okresie wzmożonego zainteresowania twórczością artystów naiwnych w Europie lat sześćdziesiątych.
Największy jugosłowiański badacz sztuki naiwnej, Oto Biha-li-Merin, nie bez powodu zakładał, że aby zrozumieć artystę, zwykle wystarczy przestudiować jego dzieła, „jednak dla chłopskich mistrzów pojęcia „życie” i „twórczość” są nierozerwalny." W wolnym czasie od pracy w terenie uprawiali sztukę – twórczość była kontynuacją linearności ich życia, nie powodując spontanicznych przypływów inspiracji i nie spychając chłopskich trosk na dalszy plan. „Ich prace są pełne energii, odzwierciedlają naturalną intuicję i naiwną wizję poetycką” – jak wszyscy naiwni artyści, chorwaccy prymitywiści posługiwali się bogatą paletą barw, trzymali się wyraźnych konturów i nie zawsze panowali nad perspektywą. I choć chłopi byli ludźmi głęboko religijnymi, w tematyce obrazów nadal dominowały codzienne troski i radości, a relacje z religią schodziły na dalszy plan. Twórczość Ivana Vecenaja (1920-2013) słusznie uważa się za wyjątek – jego cykl biblijny, nietypowy dla prymitywów chłopskich, otworzył nową kartę w chorwackiej sztuce naiwnej.
Vecenai urodził się w biednej rodzinie chłopskiej we wsi Gola. Przyszły artysta był najstarszym z sześciu braci, po czterech latach szkoły pomagał ojcu w pracach domowych i pracował na pół etatu u zamożniejszych chłopów. Swoje zamiłowanie do twórczości mistrz już w dzieciństwie umilał, spędzając długie zimowe wieczory rysunkami ołówkiem, jednak duże dzieła zaczął malować dopiero w 1953 roku, poznawszy Krsto Hegedušicia (1901-1975), zagrzebskiego artystę, ideologicznego inspiratora Szkoła Chlebińskiego i
Iwan Generalich (1914-1992), najsłynniejszy artysta chłopski. Już dwa lata później Vecenai wziął udział we wspólnej wystawie z innymi mieszkańcami Hlebina w Muzeum Miasta Koprivnicy. Pod koniec lat pięćdziesiątych Vecenai opanował technikę malowania pod szkłem, którą zademonstrował mu Hegedusic: obraz jest malowany odwrotnie – nie z przodu, ale z tyłu szkła. Pod szkłem umieszcza się szkic ołówkiem, często bardzo schematyczny, wskazujący ogólną kompozycję obrazu, następnie wypisywany jest pierwszy plan, wszystkie drobne szczegóły i tak dalej, warstwa po warstwie, aż do tła.
W połowie lat sześćdziesiątych artysta kontynuował malarstwo, jednocześnie interesując się językoznawstwem i etnografią. W Chorwacji Vecenaj znany jest także jako poeta i lokalny historyk – w jego domu w Gol znajduje się około tysiąca obiektów ze zbiorów etnograficznych poświęconych życiu i historii ojczyzny artysty. Vecenai jest autorem siedmiu książek: tomów o lokalnej historii i językoznawstwie, słownika, a także dwóch powieści beletrystycznych i zbioru wierszy. Od 1999 roku Vecenaj jest członkiem Związku Pisarzy Chorwackich. Odrestaurowano jego dom w Golu, a dawne stajnie zamieniono na galerię, w której znajduje się największa kolekcja prac artysty. Jego syn Mladlen również maluje i interesuje się etnografią. Razem z ojcem utworzyli w zabudowaniach gospodarczych swojego majątku małe muzeum historii lokalnej.
Prace Vecenay znajdują się w prywatnej kolekcji księcia Monako, a także w najważniejszych muzeach i galeriach na całym świecie – Paryżu, Turynie, Nowym Jorku, Monachium, Tokio. W 1987 r. w Londynie ukazała się „Biblia sztuki XX wieku”, w której wśród obrazów klasyków malarstwa akademickiego znajduje się także dzieło Iwana Vechenayi „Czterej jeźdźcy apokalipsy” (ryc. 1) .
Artysta uznał to za wielkie osiągnięcie nie tylko chorwackiej sztuki naiwnej, ale także całego kraju. W 1996 roku Amerykański Instytut Biograficzny nominował Vecenay do nagrody „Człowieka Roku” i wręczył artyście złoty medal z napisem: „Nagrodzony za wkład w rozwój ludzkości w dziedzinie malarstwa”. Twórczości Vecenai poświęcone są liczne eseje i dwie duże monografie chorwackich historyków sztuki G. Gamulina i T. Marojevica. Vecenaj brał udział w Triennale w Zagrzebiu (1970, 1973 i 1987) oraz Festiwalu Sztuki Naiwnej w Bratysławie (1966, 1969, 1972, 1994), brał także udział w wystawach zbiorowych chorwackich artystów naiwnych na całym świecie. Najbardziej godnymi uwagi i entuzjastycznymi recenzjami były wystawy międzynarodowe w Londynie (Mercury Gallery, „Khlebinskaya School”, 1965), Tokio (Setegai Museum of Art, „Eleven Artists from Yugoslavia”, 1994) i St. Petersburgu na Florydzie, USA („ Fantastyczny świat chorwackiej sztuki naiwnej”, 2000).
Vecenaj, podobnie jak inni chorwaccy artyści, skłania się ku opisowości i opowiadaniu historii: obraz musi koniecznie nieść historię lub fragment pamięci. Motto cyklu biblijnego artysty może stanowić cytat z Apokalipsy św. Jana Teologa: „Oto przyjdę rychło, a moja zapłata jest ze Mną, by oddać każdemu według jego uczynków”. Vecenai był człowiekiem głęboko religijnym: dorastając w patriarchalnej, biednej wiejskiej rodzinie, jako młody człowiek nie miał środków na zakup książek, więc Biblia zastąpiła go wszystkimi. W 1962 roku napisał pierwsze dzieła cyklu biblijnego, pt.
nawiązując do historii Starego i Nowego Testamentu. W tych pierwszych dziełach Vechenay posługuje się techniką charakterystyczną dla mistrzów naiwnych: przenosi tematy Pisma Świętego w przestrzeni i czasie, unowocześnia je i umieszcza w znajomym środowisku chłopstwa poddrawińskiego. I choć bohaterowie mogą być przedstawieni w przepaskach biodrowych lub zupełnie nadzy, jak modele z malarstwa renesansowego, widz nie ma wątpliwości, że wszystko, co się dzieje, jest nierozerwalnie związane z otaczającą artystę rzeczywistością. Mistrz demonstruje tę samą właściwość w dziełach gatunkowych, pokazując harmonię relacji między człowiekiem a naturą: bohaterowie są „ciałem z ciała” artysty - te same szorstkie rysy twarzy, sękate palce, spalona słońcem twarz, usiana zmarszczki i stwardniałe od wiatru; a ich zajęcia są dość typowe dla przedstawicieli ich klasy - żniwa, wyprowadzanie bydła, koszenie, chrzty, śluby, pogrzeby. Mistrz dodaje swoim bohaterom odrobinę fantazji – czy to drzewa ubrane w wielobarwne liście w środku zimy, czy fioletowy odcień krowiego futra. W swoich pejzażach i scenach rodzajowych Vecenai skłania się bardziej w stronę realizmu, ale z elementami ekspresji, groteski i ironii.
Ryż. 1. Jeźdźcy Apokalipsy. 1978. Szkło, olej. Galeria Iwana Wieczenaja, Gola
Vecenai często sięga po wizerunek koguta: postać ta obecna jest niemal na każdym obrazie, pełniąc rolę przewodnika po fantastycznym świecie artysty. Chorwacka krytyczka sztuki i publicystka Bozica Jelušić uważa wizerunek koguta za symbol metaforyki i metafizyki w twórczości artysty: na tle chwiejnych domów i chłopów cały rząd jasnych kogutów porusza się w pracy, pełen charakterystycznego mistycyzmu kultów religijnych i magicznych, jak gdyby „kogut pełnił rolę symboliczną, wskazując na jednego. Do Jego cnót zalicza się dumę, determinację wojownika, odwagę, dobroć i lojalność”.
W swoich pracach Vecenai często oddaje nastrój obrazu za pomocą różnych odcieni nieba i różnorodnej roślinności: charakter pasterskich krajobrazów, mieniących się jasnoniebieskim niebem i szmaragdowymi łąkami wodnymi, jest pełnoprawnym uczestnikiem obraz wraz z brutalnymi postaciami chłopów, a w dziełach cyklu biblijnego kłujące czarne krzaki i ciemne chmury stanowią raczej akord, dopełniający fabułę, odzwierciedlający jej symbolikę. Niebo u Wiecznego jest archaicznym symbolem starożytności, kontemplowanie którego człowieka napełniało przerażeniem i zachwytem, podziwem i strachem. Niebo go przyciągało i jednocześnie odpychało – wydawało się ze swej natury nadprzyrodzone, a w rezultacie stało się symbolem sakralnym: „Ludzie zdawali się, że wznosząc się do niebios, które obiecywały transcendencję, można przejść poza granice śmiertelnej egzystencji człowieka i znajdź coś innego”.
Tę samą technikę można zobaczyć w dziele „Jeźdźcy Apokalipsy”. Semantyczne centrum obrazu to czterech uzbrojonych jeźdźców, brzydkie, szkieletowe stworzenia, które zsyłają na Ziemię wichry lodowatego deszczu, siejąc zniszczenie i śmierć. W lewym dolnym rogu artysta umieścił schematyczny wizerunek ludzi zmuszonych do ucieczki. Tło stanowi burzowe niebo pokryte ciemnoniebieskimi chmurami. W prawym dolnym rogu znajduje się jastrząb: ptak jest zwiastunem przyszłości, alegorią odrodzenia. W tej pracy Vechenai odzwierciedla bogobojną moralność, która istniała w otaczającym go społeczeństwie, strach przed nieuniknioną karą niebiańską. Ale jednocześnie artysta stara się obudzić świadomość chłopów z letargu, wstrząsnąć nimi, ostrzegając, że chociaż Apokalipsa jest nieunikniona, nie powinni rozpaczać w walce o swoją duszę, bo wszyscy „będą zostaniesz nagrodzony za swoje czyny”. W innej pracy z cyklu biblijnego „Golgota” (il. 2) ten sam dramat wyraża się poprzez tło – spalona pustynia w tle jako symbol jałowej ziemi niesie ze sobą poczucie beznadziei. Postacie są nieproporcjonalnie wydłużone, jak na obrazach Salvadora Dali, jednak Vecenai rodzi je z własnej wyobraźni, nie próbując naśladować genialnego surrealisty. Jezus zostaje przybity do pnia nagiego drzewa – jego korona cierniowa jest już poplamiona krwią, ale strażnik nadal dźga go włócznią, a krew tryska niczym fontanna z piersi Chrystusa. Dwóch rabusiów – różowoszare postacie w zniekształconych pozach – przywiązanych do pni drzew z węgla drzewnego – raczej powieszono, a nie ukrzyżowano (Vecenai wykorzystuje tę samą wersję obrazu w innych pracach ilustrujących scenę Ukrzyżowania). Kogut, pełniąc rolę przewodnika pomiędzy światem żywych i umarłych, zamarł z uniesionymi skrzydłami u stóp Chrystusa jako kolejny żałobnik. Cała praca jest przesiąknięta
ból i ból, jakby artysta chciał przekazać cierpienie, jakim Zbawiciel odpokutował za grzechy ludzi.
Ryż. 2. Golgota. 1977. Szkło, olej. Galeria Iwana Wieczenaja, Gola
W pracy „Ewangeliści na Kalwarii” (ryc. 3) czarne chmury na szkarłatnym niebie odzwierciedlają tragedię tego, co się dzieje, jak gdyby ofiara złożona przez Chrystusa przynosiła cierpienie naturze na równi z ludźmi. W centrum obrazu znajduje się ukrzyżowany Jezus, jego oczy są podkrążone, co wskazuje na jego agonię, a jego ciało jest szaro-zielone, jakby był martwy od dawna. Pokryty krwawiącymi ranami Chrystus jest przykuty sześcioma gwoździami – symbolami cierpienia i męki – całe Jego ciało jest ścięgna, napięte, z widocznymi przez cienką skórę mięśniami i żyłami. Jego wizerunek utrzymany jest w stylu gotyckim, z charakterystyczną dla artysty ekspresją. Wokół głównego bohatera otaczają nieprzeniknione zarośla oraz cztery postacie zgodne z symbolami kanonicznymi, symbolizujące apostołów: orzeł, lew, byk i
anioł – oczy całej czwórki zwrócone są na Chrystusa. Przedstawieni są także dwaj złodzieje: ten, który znalazł wiarę, pokornie przyjmuje swój los po prawicy Zbawiciela, natomiast po jego lewej stronie znajduje się umierający w agonii ateista.
Ryż. 3. Ewangeliści na Kalwarii. 1966. Szkło, olej. Chorwackie Muzeum Sztuki Naiwnej w Zagrzebiu
U dołu krzyża znajduje się symbol grzechu pierworodnego, Wąż i drabina, symbol Wniebowstąpienia. W prawym górnym rogu schematycznie przedstawiono grupę ośmiu osób, jakby artysta zapraszał widza do samodzielnego odgadnięcia, kto jest tu przedstawiony - bezczynni widzowie czy postacie z Nowego Testamentu. Na podstawie charakterystycznych dla postaci kobiecych czerwonych szat oraz opisów zawartych w Ewangelii cztery z nich można rozpoznać jako „Jego Matkę i siostrę Jego Matki, Marię Kleofasa i Marię Magdalenę”. Pozostała trójka to najprawdopodobniej św. Piotr, Jan Chrzciciel i Jakub; czwarta postać, siedząca na ziemi prawie bez ubrania, jest niezidentyfikowana – być może jest to autoportret. W głębi gęstwiny artysta umieścił postać powieszonego Judasza jako symbol zdrady, a świece, symbole boskości, umieszczono obok apostołów, z których każdy trzyma rękopis z cytatami z Ewangelii. Te fragmenty fraz tworzą pełny obraz, jaki chciał przekazać artysta: obraz jest manifestem cierpienia Chrystusa, aktem wielkiego poświęcenia, kojarzonego jednocześnie z niesamowitym cierpieniem i niesamowitymi cudami.
Oprócz Mijo Kovacica (ur. 1935) na początku lat siedemdziesiątych żaden artysta szkoły Chlebińskiego nie był tak przekonujący w swoich interpretacjach Pisma Świętego. Jednak pomimo podobieństwa twórczości Vecenai i Kovacica, w cyklach biblijnych artystów można dostrzec cechy charakterystyczne: „Kovačić podąża drogą wyrównywania tradycji kanonicznych, wyrażając bardziej ironiczny pogląd na chrześcijaństwo, Vecenai przeciwnie, raczej ściśle przestrzega Biblii, nie poddając jej ekstrapolacji”. Dzieła religijne Vechenaya przepełnione są bajecznością i fantasmagoryzmem, niczym starożytne legendy, odzwierciedlają wizję artysty, jego osobisty stosunek do przypowieści Starego i Nowego Testamentu.
Zdecydowana większość scen rodzajowych w chłopskiej prymitywności powstaje dlatego, że dla chłopów proste i zrozumiałe jest przedstawianie swojego otoczenia. Dlatego w niekończącym się ciągu scen dożynek i świątecznych biesiad tak cenny jest indywidualizm, który w ramach ustalonych kanonów ukazuje naiwny artysta, tworzący swój własny, specyficzny styl. Skromną liczbę wątków biblijnych tłumaczy się czysto osobistym doświadczeniem wiary, którym chłopi nie są przyzwyczajeni do publicznego dzielenia się, a wkład Vechenaya w ten ruch tkwi właśnie w jego dziełach religijnych – tutaj ujawnia się wyjątkowy tradycjonalizm w ramach sacrum temat relacji z Bogiem dla chłopów.
Literatura
1. Bihaljia-Merin O. Współcześni prymitywni: mistrzowie malarstwa naiwnego. Nowy Jork: Abrams, policjant. 1959. 304 rub.
2. Jelusic B. Vecenajevih pet prstiju. Zagrzeb: Galerija Mirko Virius, 2010. 130 s.
3. Armstrong K. Krótka historia mitu. M.: Otwarty Świat, 2005. 160 s.
4. Biblia, Ewangelia Jana [Zasoby elektroniczne] URL: http://allbible.info/bible/sino-dal/joh/19#25 (data dostępu: 19.06.2017).
5. Jacob M.J. Malarstwo naiwne i outsiderskie z Niemiec: wprowadzenie // Malarstwo naiwne i outsiderskie z Niemiec oraz obrazy Gabriele Muntera. Chicago: Muzeum Sztuki Współczesnej, 1983. 118 r.
Lagranskaya Sofia A., Państwowy Instytut Studiów Artystycznych (Moskwa, Federacja Rosyjska).
E-mail: [e-mail chroniony]
Journal of Cultural Studies and Art History, Tomsk State University, 2018, 30, s. 139-146.
DOI: 10.17223/2220836/30/14
CHORWACKA SZTUKA NAIWNA: IVAN VECENAJ
Słowa kluczowe: Iwan Vecenaj; szkoła Hlebina; sztuka naiwna; sztuka chorwacka; Historia sztuki.
Poza sztuką profesjonalną malarstwo chorwackich prymitywistów i indywidualność ich stanowiska okazały się nie tylko bliskie myśleniu estetycznemu XX wieku, ale także organiczną konsekwencją wpływu kultury miejskich klas niższych i folkloru .
Chłopi są niewątpliwie głęboko religijni, jednak w ich malarstwie nie znalazło to praktycznego odzwierciedlenia: artyści, z umiarkowaną dozą egoizmu, skupiali się raczej na naturze i bliskich sobie ludziach. Wyjątkiem jest Ivan Vecenaj (1920-2013). i jego cykl biblijny - nietypowy dla ludu prymitywnego - który otworzył nową kartę w chorwackiej sztuce naiwnej.
Jak większość przedstawicieli szkoły hlebińskiej – największego nurtu chorwackiej sztuki naiwnej – Vecenaj pracował w technice olejnej na szkle. To stara technika, w której artysta maluje w odwrotny sposób – warstwa po warstwie od detalu do tła.
Vecenaj dodał swoim bohaterom odrobinę fantazji - czy to wielobarwnego listowia w środku zimy, czy fioletowego odcienia krowiej wełny.W swoich pracach Vecenaj skłania się bardziej ku realizmowi, ale z elementami wyrazu, groteski i ironii.
SA HaspancKan
Vecenaj przeniósł Pismo Święte w przestrzeń i czas, unowocześnił je i umieścił w znajomym środowisku. Jego obrazy przedstawiają cierpienie i pełną czci świadomość wiary. Paleta jest jasna i nasycona, jakby odzwierciedlała histerię opowieści. W pracach Vecenaj widz spotyka się z okrucieństwem obrazu nietypowego dla chłopskiej sztuki naiwnej - i to nie tyle w tematach, co w odrażającym przedstawieniu krajobrazów: spalonych pustyni, zwęglonych drzew, ciernistych krzaków, i krwistoczerwone niebo – wszystko to wywołuje uczucie dyskomfortu i strachu – emocji zupełnie nietypowych dla duszpasterskiej naiwnej sztuki szkoły Hlebine.
Przeważająca większość scen rodzajowych w chłopskim prymitywnym wydaniu wynika z faktu, że dla chłopów po prostu prościej i wyraźniej jest przedstawić otoczenie. Dlatego w niekończącym się ciągu scen dożynkowych i biesiadnych indywidualizm, który stworzył Ivan Vecenaj, jest tak cenny.Wkład artysty w szkołę hlebińską polega właśnie na jego twórczości religijnej – odkrywa tu szczególny tradycjonalizm w kontekście sakralnego dla chłopów tematu – relacji z Bogiem.
1. Bihaljia-Merin, O. (1959) Współcześni prymitywni: mistrzowie malarstwa naiwnego. Nowy Jork: Abrams,
2. Jelusic, B. (2010) Vecenajevih pet prstiju. Zagrzeb: Galerija Mirko Virius.
3. Armstrong, K. (2005) Kratkaya istoria mifa. Przetłumaczone z języka angielskiego przez A. Blaze. Moskwa: Otwarty świat.
4. Biblia, Evangelie ot John. Dostępne pod adresem: http://allbible.info/bible/sinodal/joh/19#25. (Ocena: 19 czerwca 2017 r.).
5. Jacob, M.J. (1983) Malarstwo naiwne i outsiderskie z Niemiec: wprowadzenie. W: Munter, G. Malarstwo naiwne i outsiderskie z Niemiec oraz Malarstwo. Chicago: Muzeum Sztuki Współczesnej.
