Dzieła sztuki teatralnej. Teatr jako forma sztuki. Jego środki artystyczne. Niektóre terminy teatru antycznego

Nikt dokładnie nie wie, kiedy pojawiła się sztuka teatralna. To było istotne i prawie zawsze było wyznacznikiem kultury wysokiej. Jaka jest wartość Dlaczego nie traci dziś na popularności?

Teatr słynie z wyjątkowej baśniowej atmosfery. Jest to sztuka złożona, ponieważ jest zbiorowa. Do spektaklu teatralnego niezbędna jest harmonijna interakcja wielu szczegółów. To jest sceneria, gra aktorska i sam scenariusz.

Sztuka teatralna jest naprawdę wyjątkowa nawet w naszych czasach, bogatych w różnorodne rozrywki. Jaka jest główna różnica w stosunku do innych rodzajów rekreacji kulturalnej? Teatr nie oddziela aktora od widowni. To zdecydowanie żywa sztuka. Publiczność i aktorzy podczas spektaklu to niemal jedność. Na tym polega szczególny urok teatru.

Widz widzi na własne oczy, jak aktor przyzwyczaja się do roli. Publiczność, można powiedzieć, ma niepowtarzalną okazję zobaczyć proces tworzenia. Aktor, jak prawdziwy artysta, tworzy niezbędny obraz, a wszystko to tu i teraz, tuż przed podziwiającym go widzem.

W przeciwieństwie do większości innych form sztuki, teatr nie tworzy ze swojej publiczności outsiderów. W każdej produkcji ważna jest nie tylko gra aktorów, ale także reakcja publiczności. Sztuka teatralna niejako sprawia, że ​​publiczność czuje, że jest także nieodłączną częścią samej siebie. Trudno wyobrazić sobie przedstawienie bez aplauzu, czy obojętnej ciszy.

Niektórzy starożytni myśliciele posunęli się jeszcze dalej w myśleniu o zjednoczeniu widza i aktora. Wcześniej istniał pomysł, zgodnie z którym osoba, która przychodzi na spektakl, widząc na scenie skoncentrowany wyraz wszystkich potężnych emocji, przeżywa swego rodzaju katharsis. Oznacza to, że widz identyfikuje się z aktorem i odczuwa uwolnienie wszystkich stłumionych uczuć. Czasy, w których wierzono, że sztuka teatralna dostarcza nie tylko przyjemności estetycznej, ale jest też swego rodzaju lekarstwem dla duszy. I nawet teraz można znaleźć w tej teorii wiele prawdy.

Jeśli wspomnimy o teatrze, prawie każda osoba wyobraża sobie zwykłą produkcję. Istnieją jednak inne odmiany tej sztuki. Przede wszystkim jest to opera. Co to jest? Opera to swoisty i niepowtarzalny spektakl, w którym aktorzy wyrażają swoje emocje poprzez śpiew, a nie słowa. Poza tym gatunek ten nie może istnieć bez genialnej muzyki. Opera, w przeciwieństwie do konwencjonalnych przedstawień teatralnych, jest bardziej poetycka. Nie wpływa na racjonalny i logiczny poziom ludzkiej świadomości, ale bezpośrednio na emocje i intuicję. Ten rodzaj sztuki teatralnej należy postrzegać nie myślą, ale uczuciami. Być może dlatego nie każdy lubi taki gatunek jak opera, ma on zarówno przeciwników, jak i zagorzałych fanów.

Jakie inne rodzaje sztuk teatralnych istnieją? Oczywiście nie można tu pominąć baletu. Jest to podwójnie wyjątkowe, tutaj wszystkie uczucia wyrażane są nie tylko poprzez muzykę, ale także poprzez taniec. Na tym polega niezwykła magia i urok baletu. Każde wielkie dzieło można wyrazić tańcem. Jednak na balecie od widza wymaga się ogromnego skupienia i zaangażowania. Publiczność musi być niezwykle chłonna, aby móc „odczytać” przesłanie zawarte w każdym ruchu.

Niewątpliwie sztuka teatru jeszcze po pewnym czasie będzie się cieszyć wielką miłością ludzi. To prawdziwie kulturalne święto w najwyższym przejawie, które nie tylko dostarcza widzowi nowych emocji, ale także służy celom edukacyjnym, rozrywkowym, a nawet edukacyjnym.

Teatr jako forma sztuki. Specyfika twórczości teatralnej.

Teatr jako forma sztuki.

Sztuka teatralna jest jedną z najbardziej złożonych, najskuteczniejszych i najstarszych sztuk. Ponadto jest niejednorodny, syntetyczny. Jako elementy sztuka teatralna obejmuje architekturę, malarstwo i rzeźbę (scenografię) oraz muzykę (brzmi nie tylko w musicalu, ale często w spektaklu dramatycznym) i choreografię (znowu nie tylko w balecie, ale także w dramacie). ) i literatura (tekst, na którym zbudowany jest spektakl dramatyczny), sztuka aktorska itp. Wśród wszystkich powyższych sztuka aktorska jest najważniejsza, decydująca dla teatru.

Sztuka teatru, w przeciwieństwie do innych sztuk, jest sztuką żywą. Występuje dopiero w godzinie spotkania z widzem. Opiera się na nieodzownym emocjonalnym, duchowym kontakcie między sceną a publicznością. Nie ma takiego kontaktu, co oznacza, że ​​nie ma spektaklu, który żyje według własnych estetycznych praw.

Teatr jest sztuką podwójnie kolektywną. Widz odbiera przedstawienie teatralne, akcję sceniczną nie pojedynczo, ale zbiorowo, „czując łokieć sąsiada”, co w dużej mierze potęguje wrażenie, artystyczne zarażenie tym, co dzieje się na scenie. Jednocześnie samo wrażenie nie pochodzi od jednej osoby-aktora, ale od grupy aktorów. Zarówno na scenie, jak i w audytorium, po obu stronach rampy, żyją, czują i działają - nie oddzielne jednostki, ale ludzie, społeczeństwo ludzi, połączonych ze sobą na chwilę wspólną uwagą, celem, wspólnym działaniem .

W dużej mierze to właśnie decyduje o ogromnej roli społecznej i edukacyjnej teatru. Sztuka, która jest tworzona i postrzegana wspólnie, staje się szkołą w pełnym tego słowa znaczeniu. „Teatr”, pisał słynny hiszpański poeta Garcia Lorca, „to szkoła łez i śmiechu, wolna platforma, z której ludzie mogą potępiać przestarzałą lub fałszywą moralność i wyjaśniać na żywych przykładach odwieczne prawa ludzkiego serca i ludzkiego serca”. uczucie."

Człowiek zwraca się do teatru jako do odzwierciedlenia swojego sumienia, swojej duszy - rozpoznaje w teatrze siebie, swój czas i swoje życie. Teatr otwiera przed nim niesamowite możliwości duchowego i moralnego samopoznania.

^ Specyfika twórczości teatralnej.

Każda sztuka, dysponując specjalnymi środkami oddziaływania, może i powinna wnosić swój wkład w ogólny system edukacji estetycznej.

Teatr, jak żadna inna forma sztuki, ma największą „pojemność”. Absorbuje zdolność literatury do odtworzenia życia w słowie w jego zewnętrznych i wewnętrznych przejawach, ale to słowo nie jest narracyjne, ale żywo brzmiące, bezpośrednio skuteczne. Jednocześnie, w przeciwieństwie do literatury, teatr odtwarza rzeczywistość nie w umyśle czytelnika, ale jako obiektywnie istniejące obrazy życia (spektakl) umiejscowione w przestrzeni. I pod tym względem teatr jest bliski malarstwu. Ale akcja teatralna jest w ciągłym ruchu, rozwija się w czasie - a to jest bliskie muzyce. Zanurzenie się w świat doznań widza jest zbliżone do stanu, jakiego doświadcza słuchacz muzyki, zanurzony we własnym świecie subiektywnej percepcji dźwięków.

Oczywiście teatr w żadnym wypadku nie zastępuje innych form sztuki. Specyfika teatru polega na tym, że niesie on „właściwości” literatury, malarstwa i muzyki poprzez obraz żywej aktorki. Ten bezpośredni materiał ludzki dla innych form sztuki to dopiero początek twórczości. Dla teatru „natura” służy nie tylko jako materiał, ale jest także zachowywana w swojej bezpośredniej żywotności. Jak zauważył filozof G. G. Shpet: „Aktor tworzy z siebie w dwojakim sensie: 1) jak każdy artysta, ze swojej twórczej wyobraźni; oraz 2) w szczególności posiadanie we własnej osobie materiału, z którego tworzony jest obraz artystyczny.

Sztuka teatru ma niesamowitą zdolność stapiania się z życiem. Spektakl sceniczny, choć rozgrywa się po drugiej stronie rampy, w momentach wysokiego napięcia zaciera granicę między sztuką a życiem i odbierany jest przez widzów jako rzeczywistość. Siła atrakcyjności teatru polega na tym, że „życie na scenie” swobodnie urzeczywistnia się w wyobraźni widza.

Taki zwrot psychologiczny następuje dlatego, że teatr nie tylko jest obdarzony cechami rzeczywistości, ale sam w sobie jest rzeczywistością artystycznie kreowaną. Rzeczywistość teatralna, stwarzając wrażenie rzeczywistości, rządzi się swoimi prawami. Prawdziwości teatru nie można mierzyć kryteriami wiarygodności życia. Obciążenia psychicznego, jakie bierze na siebie bohater dramatu, człowiek nie jest w stanie znieść w życiu, ponieważ w teatrze dochodzi do skrajnego zagęszczenia całych cykli wydarzeń. Bohater spektaklu często doświadcza swojego życia wewnętrznego jako splotu namiętności i dużej koncentracji myśli. A wszystko to jest przyjmowane przez publiczność jako coś oczywistego. „Niewiarygodne” według norm obiektywnej rzeczywistości wcale nie jest oznaką sztuki nierzetelnej. W teatrze „prawda” i „nieprawda” mają różne kryteria i są określane przez prawo myślenia figuratywnego. „Sztuka jest doświadczana jako rzeczywistość przez pełnię naszych umysłowych „mechanizmów”, ale jednocześnie oceniana jest w swojej specyficznej jakości jako stworzona przez człowieka gra „nierzeczywista”, jak mówią dzieci, iluzoryczne podwojenie rzeczywistości. ”

Odwiedzający teatr staje się widzem teatralnym, gdy dostrzega ten podwójny aspekt akcji scenicznej, nie tylko widząc przed sobą żywotny konkretny akt, ale także rozumiejąc wewnętrzny sens tego aktu. To, co dzieje się na scenie, odczuwa się zarówno jako prawdę życia, jak i jego figuratywne odtworzenie. Jednocześnie należy zauważyć, że widz, nie tracąc poczucia rzeczywistości, zaczyna żyć w świecie teatru. Relacja między rzeczywistością realną a teatralną jest dość skomplikowana. Proces ten składa się z trzech faz:

1. Rzeczywistość obiektywnie ukazana rzeczywistości, przekształcona przez wyobraźnię dramatopisarza w dzieło dramatyczne.

2. Dzieło dramatyczne ucieleśnione przez teatr (reżysera, aktorów) w życiu scenicznym - przedstawienie.

3. Życie sceniczne, postrzegane przez publiczność i stając się częścią jej przeżyć, zlało się z życiem publiczności i tym samym ponownie powróciło do rzeczywistości.

Ale „powrót” nie jest analogiczny do pierwotnego źródła, teraz jest wzbogacony duchowo i estetycznie. „Dzieło sztuki jest stworzone do życia – do życia prawie dosłownie

To słowo, tj. wkroczyły, jak doświadczone wydarzenia z prawdziwego życia,

W duchowym doświadczeniu każdej osoby i całej ludzkości.

Ze skrzyżowania dwóch typów wyobraźni czynnej - aktorskiej i widza - powstaje coś, co nazywamy "magią teatru". Zaletą sztuki teatralnej jest to, że ucieleśnia ona wyobraźnię w żywej akcji rozgrywającej się na scenie z jasnością i konkretnością. W innych sztukach wyimaginowany świat albo pojawia się w ludzkiej wyobraźni, jak w literaturze i muzyce, albo jest przedstawiony w kamieniu lub na płótnie, jak w rzeźbie lub malarstwie. W teatrze widz widzi wyobrażenie. „Każde przedstawienie zawiera pewne fizyczne i obiektywne elementy dostępne dla każdego widza”.

Sztuka sceniczna ze swej natury zakłada nie bierny, lecz czynny entuzjazm dla publiczności, gdyż w żadnej innej sztuce nie ma takiej zależności procesu twórczego od jego odbioru, jak w teatrze. W G.D. Gachev publiczność jest „jak niebiańscy, jak tysiącoki Argus<...>rozpalić akcję na scenie<...>bo sam świat sceny powstaje, pojawia się, ale w takim samym stopniu jest dziełem widza.

Podstawowe prawo teatru – wewnętrzny współudział publiczności w wydarzeniach rozgrywających się na scenie – polega na pobudzaniu wyobraźni, niezależnej, wewnętrznej kreatywności każdego z widzów. Ta fascynacja akcją odróżnia widza od obojętnego obserwatora, którego można spotkać także w salach teatralnych. Widz, w przeciwieństwie do aktora, aktywnego artysty, jest artystą kontemplacyjnym.

Aktywna wyobraźnia odbiorców nie jest wcale jakąś szczególną duchową właściwością wybranych miłośników sztuki. Oczywiście rozwinięty gust artystyczny ma ogromne znaczenie, ale jest to kwestia rozwoju tych zasad emocjonalnych, które są nieodłączne dla każdego człowieka. „Gust artystyczny otwiera czytelnikowi, słuchaczowi, widzowi drogę od formy zewnętrznej do wewnętrznej, a od niej do treści dzieła. Aby ta ścieżka została pomyślnie przebyta, udział wyobraźni i pamięci, emocjonalnych i intelektualnych sił psychiki, woli i uwagi, wreszcie wiary i miłości, czyli tego samego integralnego umysłowego kompleksu sił duchowych, które realizują konieczny jest akt twórczy.

Świadomość artystycznej rzeczywistości w procesie percepcji jest tym głębsza, im bardziej widz zanurzony jest w sferę doznań, tym bardziej wielowarstwowa sztuka wkracza w ludzką duszę. To właśnie na styku dwóch sfer – nieświadomego doświadczenia i świadomego postrzegania sztuki istnieje wyobraźnia. Jest on wpisany w ludzką psychikę początkowo organicznie dostępny dla każdego człowieka i może być znacząco rozwinięty w toku akumulacji doznań estetycznych.

Percepcja estetyczna jest kreatywnością widza i może osiągnąć dużą intensywność. Im bogatsza natura samego widza, tym bardziej rozwinięty jest jego zmysł estetyczny, tym pełniejsze jego doświadczenie artystyczne, bardziej aktywna jego wyobraźnia i bogatsze wrażenia teatralne.

Estetyka percepcji jest w dużej mierze nastawiona na idealnego widza. W rzeczywistości świadomy proces edukacji kultury teatralnej prawdopodobnie przybliży widza do zdobycia wiedzy o sztuce i opanowania pewnych umiejętności percepcji. Wykształcony widz może równie dobrze:

Poznaj teatr we własnych prawach;

Poznaj teatr w jego nowoczesnych procesach;

Poznaj teatr w jego historycznym rozwoju.

Jednocześnie należy mieć świadomość, że wiedza mechanicznie składana w głowie widza nie gwarantuje pełnego odbioru. Proces kształtowania się kultury widza ma w pewnym stopniu charakter „czarnej skrzynki”, w której momenty ilościowe nie zawsze sumują się w prostej linii do pewnych zjawisk jakościowych.

Teatr to niesamowita sztuka. Choćby dlatego, że w ciągu ostatniego stulecia kilkakrotnie przepowiadano mu rychłą śmierć. Groził mu Wielki Cichy, który znalazł mowę – wydawało się, że kino dźwiękowe zabierze z teatru całą widownię. Potem zagrożenie przyszło ze strony telewizji, kiedy spektakl trafiał wprost do domów, później zaczęto bać się potężnego rozpowszechniania wideo i Internetu.

Jeśli jednak skupimy się na ogólnych nurtach istnienia sztuki teatralnej na świecie, to nic dziwnego w tym, że na początku XXI wieku teatr nie tylko zachował się, ale zaczął wyraźnie akcentować nie- masowość i w pewnym sensie „elitarność” jej sztuki. Ale w tym samym sensie można mówić o elitarności sztuk pięknych czy muzyki klasycznej, jeśli porównamy wielomilionową publiczność, którą gromadzą popularni wykonawcy, z ograniczoną liczbą osób w konserwatorium.

W teatrze syntetycznym współczesności tradycyjna korelacja dominujących zasad – prawdy i fikcji – jawi się w swoistej nierozerwalnej jedności. Synteza ta dokonuje się zarówno jako akt doświadczenia (postrzeganie prawdy życia), jak i jako akt przyjemności estetycznej (postrzeganie poezji teatralnej). Wtedy widz staje się nie tylko psychologicznym uczestnikiem akcji, czyli osobą, która „chłonie” losy bohatera i wzbogaca się duchowo, ale także twórcą, który dokonuje w swojej wyobraźni działania twórczego, równocześnie z tym, co się dzieje na scenie. Ten ostatni moment jest niezwykle ważny iw edukacji estetycznej odbiorców zajmuje centralne miejsce.

Oczywiście każdy widz może mieć własny pomysł na idealne wykonanie. Ale we wszystkich przypadkach opiera się na pewnym „programie” wymagań dla sztuki. Tego rodzaju „wiedza” zakłada pewną dojrzałość kultury odbiorców.

Kultura widza w dużej mierze zależy od charakteru sztuki, która jest oferowana widzowi. Im trudniejsze postawione przed nim zadanie - estetyczne, etyczne, filozoficzne, im bardziej napięta myśl, tym ostrzejsze przeżycie, tym subtelniejsza manifestacja gustu widza. Bo to, co nazywamy kulturą czytelnika, słuchacza, widza jest bezpośrednio związane z rozwojem samej osobowości człowieka, zależy od jego rozwoju duchowego i wpływa na jego dalszy rozwój duchowy.

Znaczenie zadania, jakie teatr stawia przed widzem w sensie psychologicznym, polega na tym, że obraz artystyczny, dany w całej swej złożoności i niekonsekwencji, odbierany jest przez widza najpierw jako realna, obiektywnie istniejąca postać, a następnie, przyzwyczajając się do obrazu i zastanawiając się nad nim, działania, ujawnia (niejako samoistnie) jego wewnętrzną istotę, jego uogólniające znaczenie.

Z punktu widzenia estetyki złożoność zadania polega na tym, że widz odbiera obraz sceniczny nie tylko według kryteriów prawdy, ale także umie (nauczył się) rozszyfrowywać jego poetyckie, metaforyczne znaczenie.

Tak więc specyfiką sztuki teatralnej jest żywy człowiek, jako bezpośrednio doświadczający bohater i bezpośrednio tworzący artysta-artysta, a najważniejszym prawem teatru jest bezpośrednie oddziaływanie na widza.

O „efektie teatralnym”, o jego wyrazistości decyduje nie tylko dostojność samej sztuki, ale także dostojeństwo, kultura estetyczna widowni. O widzu jako obowiązkowym współtwórcy spektaklu piszą i mówią najczęściej sami praktycy teatru (reżyserzy i aktorzy): „Nie ma przedstawienia teatralnego bez udziału publiczności, a sztuka ma szansę powodzenia tylko jeśli widz sam „przegrywa” grę, czyli… akceptuje jej reguły i odgrywa rolę osoby, która wczuwa się lub wycofuje.

Jednak przebudzenie artysty w widzu następuje tylko wtedy, gdy widz jest w stanie w pełni dostrzec zawarte w przedstawieniu treści, jeśli jest w stanie poszerzyć swoją estetykę i nauczyć się dostrzegać w sztuce to, co nowe, jeśli pozostając wiernym swój ulubiony styl artystyczny, nie okazuje się głuchy i na inne kierunki twórcze, jeśli potrafi dostrzec nowe odczytanie klasycznego dzieła i potrafi oddzielić pomysł reżysera od jego realizacji przez aktorów... Tam takich „jeśli” jest znacznie więcej. W związku z tym, aby widz zaangażował się w twórczość, aby obudził się w nim artysta, na obecnym etapie rozwoju naszego teatru konieczny jest ogólny wzrost kultury artystycznej widza.

Wyślij swoją dobrą pracę w bazie wiedzy jest prosta. Skorzystaj z poniższego formularza

Studenci, doktoranci, młodzi naukowcy, którzy korzystają z bazy wiedzy w swoich studiach i pracy, będą Wam bardzo wdzięczni.

Wysłany dnia http://www.allbest.ru/

TeatrJakpoglądsztuka,orazjegordzennyróżnicaodinnigatuneksztuki

zestaw sztuk teatralnych

Jak każda inna dziedzina sztuki (muzyka, malarstwo, literatura), teatr ma swoje szczególne cechy. Ta sztuka jest syntetyczna: na dzieło teatralne (performans) składa się tekst sztuki, dzieło reżysera, aktora, artysty i kompozytora. Muzyka odgrywa decydującą rolę w operze i balecie.

Teatr jest sztuką zbiorową. Spektakl jest efektem działania wielu ludzi, nie tylko tych, którzy pojawiają się na scenie, ale także tych, którzy szyją kostiumy, wykonują rekwizyty, ustawiają światło, spotykają się z publicznością. Nic dziwnego, że istnieje definicja „robotników warsztatu teatralnego”: spektakl to zarówno twórczość, jak i produkcja.

Teatr oferuje własny sposób rozumienia otaczającego świata, a co za tym idzie, własny zestaw środków artystycznych. Spektakl jest zarówno szczególną akcją rozgrywającą się w przestrzeni sceny, jak i szczególnym myśleniem figuratywnym, odmiennym od, powiedzmy, muzyki.

Teatr, jak żadna inna forma sztuki, ma największą „pojemność”. Absorbuje zdolność literatury do odtworzenia życia w słowie w jego zewnętrznych i wewnętrznych przejawach, ale to słowo nie jest narracyjne, ale żywo brzmiące, bezpośrednio skuteczne. Jednocześnie, w przeciwieństwie do literatury, teatr odtwarza rzeczywistość nie w umyśle czytelnika, ale jako obiektywnie istniejące obrazy życia (spektakl) umiejscowione w przestrzeni. I pod tym względem teatr jest bliski malarstwu. Ale akcja teatralna jest w ciągłym ruchu, rozwija się w czasie - a to jest bliskie muzyce. Zanurzenie się w świat doznań widza jest zbliżone do stanu, jakiego doświadcza słuchacz muzyki, zanurzony we własnym świecie subiektywnej percepcji dźwięków.

Oczywiście teatr w żadnym wypadku nie zastępuje innych form sztuki. Specyfika teatru polega na tym, że niesie on „właściwości” literatury, malarstwa i muzyki poprzez obraz żywej aktorki. Ten bezpośredni materiał ludzki dla innych form sztuki to dopiero początek twórczości. Dla teatru „natura” służy nie tylko jako materiał, ale jest także zachowywana w swojej bezpośredniej żywotności.

Sztuka teatru ma niesamowitą zdolność stapiania się z życiem. Spektakl sceniczny, choć rozgrywa się po drugiej stronie rampy, w momentach wysokiego napięcia zaciera granicę między sztuką a życiem i odbierany jest przez widzów jako rzeczywistość. Siła atrakcyjności teatru polega na tym, że „życie na scenie” swobodnie urzeczywistnia się w wyobraźni widza.

Taki zwrot psychologiczny następuje dlatego, że teatr nie tylko jest obdarzony cechami rzeczywistości, ale sam w sobie jest rzeczywistością artystycznie kreowaną. Rzeczywistość teatralna, stwarzając wrażenie rzeczywistości, rządzi się swoimi prawami. Prawdziwości teatru nie można mierzyć kryteriami wiarygodności życia. Obciążenia psychicznego, jakie bierze na siebie bohater dramatu, człowiek nie jest w stanie znieść w życiu, ponieważ w teatrze dochodzi do skrajnego zagęszczenia całych cykli wydarzeń. Bohater spektaklu często doświadcza swojego życia wewnętrznego jako splotu namiętności i dużej koncentracji myśli. A wszystko to jest przyjmowane przez publiczność jako coś oczywistego. „Niewiarygodne” według norm obiektywnej rzeczywistości wcale nie jest oznaką sztuki nierzetelnej. W teatrze „prawda” i „nieprawda” mają różne kryteria i są określane przez prawo myślenia figuratywnego. „Sztuka jest doświadczana jako rzeczywistość przez pełnię naszych umysłowych „mechanizmów”, ale jednocześnie oceniana jest w swojej specyficznej jakości jako stworzona przez człowieka gra „nierzeczywista”, jak mówią dzieci, iluzoryczne podwojenie rzeczywistości. ”

Odwiedzający teatr staje się widzem teatralnym, gdy dostrzega ten podwójny aspekt akcji scenicznej, nie tylko widząc przed sobą żywotny konkretny akt, ale także rozumiejąc wewnętrzny sens tego aktu. To, co dzieje się na scenie, odczuwa się zarówno jako prawdę życia, jak i jego figuratywne odtworzenie. Jednocześnie należy zauważyć, że widz, nie tracąc poczucia rzeczywistości, zaczyna żyć w świecie teatru. Relacja między rzeczywistością realną a teatralną jest dość skomplikowana. Proces ten składa się z trzech faz:

1. Rzeczywistość obiektywnie ukazana rzeczywistości, przekształcona przez wyobraźnię dramatopisarza w dzieło dramatyczne.

2. Dzieło dramatyczne, wcielone przez teatr (reżysera, aktorów) w życie sceniczne - przedstawienie.

3. Życie sceniczne, postrzegane przez publiczność i stając się częścią jej przeżyć, zlało się z życiem publiczności i tym samym ponownie powróciło do rzeczywistości.

Podstawowe prawo teatru – wewnętrzny współudział publiczności w wydarzeniach rozgrywających się na scenie – polega na pobudzaniu wyobraźni, niezależnej, wewnętrznej kreatywności każdego z widzów. Ta fascynacja akcją odróżnia widza od obojętnego obserwatora, którego można spotkać także w salach teatralnych. Widz, w przeciwieństwie do aktora, aktywnego artysty, jest artystą kontemplacyjnym.

Aktywna wyobraźnia widzów nie jest wcale jakąś szczególną duchową właściwością wybranych miłośników sztuki. Oczywiście rozwinięty gust artystyczny ma ogromne znaczenie, ale jest to kwestia rozwoju tych zasad emocjonalnych, które są nieodłączne dla każdego człowieka.

Świadomość artystycznej rzeczywistości w procesie percepcji jest tym głębsza, im bardziej widz zanurzony jest w sferę doznań, tym bardziej wielowarstwowa sztuka wkracza w ludzką duszę. To właśnie na styku dwóch sfer – nieświadomego doświadczenia i świadomego postrzegania sztuki istnieje wyobraźnia. Jest on wpisany w ludzką psychikę początkowo organicznie dostępny dla każdego człowieka i może być znacząco rozwinięty w toku akumulacji doznań estetycznych.

Percepcja estetyczna jest kreatywnością widza i może osiągnąć dużą intensywność. Im bogatsza natura samego widza, tym bardziej rozwinięty jest jego zmysł estetyczny, tym pełniejsze jego doświadczenie artystyczne, bardziej aktywna jego wyobraźnia i bogatsze wrażenia teatralne.

Estetyka percepcji jest w dużej mierze nastawiona na idealnego widza. W rzeczywistości świadomy proces edukacji kultury teatralnej prawdopodobnie przybliży widza do zdobycia wiedzy o sztuce i opanowania pewnych umiejętności percepcji.

W teatrze syntetycznym współczesności tradycyjna korelacja dominujących zasad – prawdy i fikcji – jawi się w swoistej nierozerwalnej jedności. Synteza ta dokonuje się zarówno jako akt doświadczenia (postrzeganie prawdy życia), jak i jako akt przyjemności estetycznej (postrzeganie poezji teatralnej). Wtedy widz staje się nie tylko psychologicznym uczestnikiem akcji, czyli osobą, która „chłonie” losy bohatera i wzbogaca się duchowo, ale także twórcą, który dokonuje w swojej wyobraźni działania twórczego, równocześnie z tym, co się dzieje na scenie. Ten ostatni moment jest niezwykle ważny iw edukacji estetycznej odbiorców zajmuje centralne miejsce.

Oczywiście każdy widz może mieć własny pomysł na idealne wykonanie. Ale we wszystkich przypadkach opiera się na pewnym „programie” wymagań dla sztuki. Tego rodzaju „wiedza” zakłada pewną dojrzałość kultury odbiorców.

Kultura widza w dużej mierze zależy od charakteru sztuki, która jest oferowana widzowi. Im trudniejsze postawione przed nim zadanie - estetyczne, etyczne, filozoficzne, tym bardziej intensywna myśl, ostrzejsze przeżycie, subtelniejsza manifestacja gustu widza. Bo to, co nazywamy kulturą czytelnika, słuchacza, widza jest bezpośrednio związane z rozwojem samej osobowości człowieka, zależy od jego rozwoju duchowego i wpływa na jego dalszy rozwój duchowy.

Znaczenie zadania, jakie teatr stawia przed widzem w sensie psychologicznym, polega na tym, że obraz artystyczny, dany w całej swej złożoności i niekonsekwencji, odbierany jest przez widza najpierw jako realna, obiektywnie istniejąca postać, a następnie, przyzwyczajając się do obrazu i zastanawiając się nad nim, działania, ujawnia (niejako samoistnie) jego wewnętrzną istotę, jego uogólniające znaczenie.

Z punktu widzenia estetyki złożoność zadania polega na tym, że widz odbiera obraz sceniczny nie tylko według kryteriów prawdy, ale także umie (nauczył się) rozszyfrowywać jego poetyckie, metaforyczne znaczenie.

Tak więc specyfiką sztuki teatralnej jest żywy człowiek, jako bezpośrednio doświadczający bohater i bezpośrednio tworzący artysta-artysta, a najważniejszym prawem teatru jest bezpośrednie oddziaływanie na widza.

O „efektie teatralnym”, o jego wyrazistości decyduje nie tylko dostojność samej sztuki, ale także dostojeństwo, kultura estetyczna widowni. Jednak przebudzenie artysty w widzu następuje tylko wtedy, gdy widz jest w stanie w pełni dostrzec zawarte w przedstawieniu treści, jeśli jest w stanie poszerzyć swoją estetykę i nauczyć się dostrzegać w sztuce to, co nowe, jeśli pozostając wiernym swój ulubiony styl artystyczny, nie okazuje się głuchy i na inne kierunki twórcze, jeśli potrafi dostrzec nowe odczytanie klasycznego dzieła i potrafi oddzielić pomysł reżysera od jego realizacji przez aktorów... Tam takich „jeśli” jest znacznie więcej. W związku z tym, aby widz zaangażował się w twórczość, aby obudził się w nim artysta, na obecnym etapie rozwoju naszego teatru konieczny jest ogólny wzrost kultury artystycznej widza.

Spektakl teatralny oparty jest na tekście, takim jak sztuka do spektaklu dramatycznego. Nawet w tych przedstawieniach scenicznych, w których brakuje słowa jako takiego, tekst jest konieczny; w szczególności balet, a czasem pantomima ma scenariusz - libretto. Proces pracy nad spektaklem polega na przeniesieniu tekstu dramatycznego na scenę - jest to swego rodzaju „przekład” z jednego języka na drugi. W rezultacie słowo literackie staje się słowem scenicznym.

Pierwszą rzeczą, którą widzi widz po podniesieniu (lub podniesieniu) kurtyny, jest przestrzeń sceniczna, w której umieszczona jest sceneria. Wskazują miejsce akcji, czas historyczny, oddają narodowy smaczek. Za pomocą konstrukcji przestrzennych można oddać nawet nastrój postaci (np. w epizodzie cierpienia bohatera zanurzyć scenę w mroku lub zacieśnić jej tło czernią). W trakcie akcji, za pomocą specjalnej techniki, zmienia się sceneria: dzień zamienia się w noc, zimę w lato, ulicę w pokój. Technika ta ewoluowała wraz z naukową myślą ludzkości. Mechanizmy podnoszące, osłony i włazy, które w starożytności były obsługiwane ręcznie, są teraz podnoszone i opuszczane elektronicznie. Świece i lampy gazowe zastępuje się lampami elektrycznymi; lasery są często używane.

Już w starożytności ukształtowały się dwa rodzaje scen i widowni: scena pudełkowa i scena amfiteatralna. Na scenie lożowej przewidziano kondygnacje i stragany, a widownia otacza amfiteatralną scenę z trzech stron. Obecnie na świecie używane są oba typy. Nowoczesna technologia pozwala na zmianę przestrzeni teatralnej – ustawienie podestu na środku widowni, posadowienie widza na scenie, granie spektaklu w sali.Budynek teatru zawsze miał duże znaczenie. Teatry budowano zwykle na centralnym placu miasta; architekci chcieli, aby budynki były piękne, przyciągały uwagę. Przychodząc do teatru widz wyrzeka się codzienności, jakby wznosząc się ponad rzeczywistość. Dlatego nieprzypadkowo schody ozdobione lustrami często prowadzą do holu.

Muzyka pomaga wzmocnić emocjonalny wpływ dramatycznego przedstawienia. Czasami brzmi to nie tylko podczas akcji, ale także w przerwie - dla podtrzymania zainteresowania publiczności. Główną postacią spektaklu jest aktor. Widz widzi przed sobą osobę, w tajemniczy sposób zamienioną w obraz artystyczny - rodzaj dzieła sztuki. Oczywiście dziełem sztuki nie jest sam wykonawca, ale jego rola. Jest tworem aktora, tworzonym przez głos, nerwy i coś niedostrzegalnego - ducha, duszę. Aby akcja na scenie była postrzegana jako całość, konieczne jest jej zorganizowanie w sposób przemyślany i konsekwentny. Te obowiązki we współczesnym teatrze pełni reżyser. Oczywiście wiele zależy od talentu aktorów w spektaklu, niemniej jednak podlegają oni woli lidera - reżysera. Ludzie, jak wiele wieków temu, przychodzą do teatru. Ze sceny słychać tekst sztuk, przekształcony siłami i uczuciami wykonawców. Artyści prowadzą własny dialog – i to nie tylko werbalny. To rozmowa gestów, pozycji, spojrzeń i mimiki. Fantazja dekoratora za pomocą koloru, światła, struktur architektonicznych na miejscu sprawia, że ​​przestrzeń sceny „przemawia”. A wszystko razem zamknięte jest w ścisłych ramach intencji reżysera, co nadaje heterogenicznym elementom kompletność i integralność.

Widz świadomie (a czasem nieświadomie, jakby wbrew swojej woli) ocenia aktorstwo i reżyserię, zgodność rozwiązania przestrzeni teatralnej z ogólnym planem. Ale najważniejsze jest to, że on, widz, włącza się w sztukę, w przeciwieństwie do innych, tworzoną tu i teraz. Pojmując sens spektaklu, pojmuje sens życia.

ZamiarchoreograficznyPracuje(scenalubzestaw)

Suita (z francuskiej suity - „rząd”, „sekwencja”) to cykliczna forma muzyczna, składająca się z kilku niezależnych, kontrastujących ze sobą części, połączonych wspólną ideą.

Jest to wieloczęściowy cykl składający się z niezależnych, kontrastujących ze sobą utworów, które łączy wspólna idea artystyczna. Czasami zamiast nazwy „suita” kompozytorzy używali innej, również powszechnej - „partita”.

Suita różni się od sonaty i symfonii dużą samodzielnością głosów, a nie taką surowością, regularnością ich współzależności. Termin „suita” został wprowadzony w drugiej połowie XVII wieku przez kompozytorów francuskich. Suity XVII-XVIII w. były suitami tanecznymi; orkiestrowe suity nietaneczne pojawiły się w XIX wieku (najsłynniejsze to „Szeherezada” N. A. Rimskiego-Korsakowa, „Obrazki z wystawy” M. P. Musorgskiego).

W Niemczech pod koniec XVII wieku ukształtowała się dokładna kolejność części:

Suita charakteryzuje się malarskim przedstawieniem, ścisłym związkiem ze śpiewem i tańcem. Dość często suity składają się z muzyki pisanej do baletów, oper i przedstawień teatralnych. Istnieją również dwa specjalne rodzaje suity - wokalna i chóralna.

Prekursor suity można uznać za sparowaną kombinację tańców powszechnych pod koniec renesansu - powolnych, ważnych (na przykład pawana) i bardziej żywych (na przykład galiard). Później ten cykl stał się czteroczęściowy. Niemiecki kompozytor Johann Jakob Froberger (1616-1667) stworzył model instrumentalnej suity tanecznej: allemande w umiarkowanym tempie i dwuczęściowym metrum - wyśmienity gong - gigue - mierzona sarabanda.

Historycznie pierwsza była stara suita taneczna, napisana na jeden instrument lub orkiestrę. Początkowo składał się z dwóch tańców: dostojnej pawany i galiardy szybkiej. Grano je jeden po drugim - tak powstały pierwsze próbki dawnej suity instrumentalnej, która rozpowszechniła się najbardziej w 2. połowie XVII wieku. - I połowa XVIII wieku. W swojej klasycznej formie zadomowił się w twórczości austriackiego kompozytora I. Ya Frobergera. Opierał się na czterech różnych tańcach: allemande, courante, sarabande, jig. Stopniowo kompozytorzy zaczęli włączać do suity inne tańce, a ich wybór był dowolnie zróżnicowany. Mogły to być: menuet, passacaglia, polonez, chaconne, rigaudon itp. Czasami wprowadzano do suity utwory nietaneczne - arie, preludia, uwertury, toccaty. Tym samym łączna liczba pokoi w apartamencie nie była uregulowana. Ważniejsze były środki łączące poszczególne utwory w jeden cykl, na przykład kontrasty tempa, metrum i rytmu.

Suita jako gatunek rozwinęła się pod wpływem opery i baletu. Ma nowe tańce i partie pieśni w duchu arii; powstały suity, składające się z orkiestrowych fragmentów dzieł muzycznych i teatralnych. Ważnym elementem suity była uwertura francuska - część wstępna, składająca się z powolnego uroczystego początku i szybkiego zakończenia fugi. W niektórych przypadkach termin „uwertura” zastąpił w tytułach utworów termin „apartament”; innymi synonimami były terminy „porządek” („porządek”) F. Couperina i „partita” JS Bacha.

Prawdziwy szczyt rozwoju gatunku osiągnął w twórczości J. S. Bacha. Kompozytor napełnia muzyką swoich licznych suit (clavier, skrzypcowe, wiolonczelowe, orkiestrowe) tak przenikliwym uczuciem, czyni te utwory tak różnorodnymi i nastrojowymi, organizuje je w tak harmonijną całość, że przemyśla gatunek, otwiera nowe możliwości ekspresyjne zawarte w prostych formach tanecznych, a także w samej podstawie cyklu suit („Chaconne” z partity d-moll).

W połowie XVIII wieku suita połączyła się z sonatą, a sam termin przestał być używany, chociaż struktura suity nadal żyła w takich gatunkach jak serenada, divertissement i inne. Określenie „suita” zaczęło pojawiać się ponownie pod koniec XIX wieku, często oznaczając, jak poprzednio, zbiór fragmentów instrumentalnych z opery (suita z Carmen G. Bizet), z baletu (suita z Dziadka do orzechów reż. P.I. Czajkowskiego), od muzyki po sztukę dramatyczną (suita Peer Gynt od muzyki E. Griega do dramatu Ibsena). Niektórzy kompozytorzy komponowali niezależne suity programowe - wśród nich na przykład Szeherezada N.A. Rimskiego-Korsakowa oparta na baśniach orientalnych.

Kompozytorzy XIX-XX wieku, zachowując główne cechy gatunku - cykliczną konstrukcję, kontrast części itp., Nadają im inną interpretację figuratywną. Danceability nie jest już wymaganym atrybutem. Suita wykorzystuje różnorodny materiał muzyczny, często o jej zawartości decyduje program. Jednocześnie muzyka taneczna nie jest wyrzucana z suity, wręcz przeciwnie, wprowadzane są do niej nowe, nowoczesne tańce, na przykład „Puppet Cake Walk” w suicie „Kącik dziecięcy” C. Debussy'ego. Pojawiają się suity złożone z muzyki do spektakli teatralnych (Peer Gynt E. Griega), baletów (Dziadek do orzechów i Śpiąca królewna P. I. Czajkowskiego, Romeo i Julia S. S. Prokofiewa), oper (Opowieść o Caru Sałtanie" N. A. Rimskiego-Korsakowa ). W połowie XX wieku. suity składają się także z muzyki filmowej („Hamlet” D. D. Szostakowicza).

W suitach wokalno-symfonicznych obok muzyki słychać też słowo (Zimowe ognisko Prokofiewa). Czasami kompozytorzy nazywają pewne cykle wokalne suitami wokalnymi (Sześć wierszy M. Cwietajewej Szostakowicza).

Listaużywanyźródła

1. Gachev G. D. Treść form artystycznych. Epopeja. Tekst piosenki. Teatr. M., 2008

2. Kagana. M.S. Estetyka jako nauka filozoficzna. Uniwersytecki kurs wykładów. Petersburg, 2007.

3. Sosnova M.L. Sztuka aktora. M. Aleja Akademicka; Tricksta, 2007..

4. Shpet G. G. Teatr jako sztuka//Pytania filozoficzne, 1989, nr 11.

Hostowane na Allbest.ru

Podobne dokumenty

Teatr jako sztuka i zjawisko społeczno-psychologiczne. Mechanizmy dialogu artystycznego w teatrze. Psychologizm w systemie K.S. Stanisławski. „Teatr warunkowy” niedz. Meyerholda. Epicki teatr dla widza B. Brechta. A. Artaud i jego „Teatr okrucieństwa”.

praca dyplomowa, dodano 16.02.2011


Studium cech powstania i powstania teatru rosyjskiego. Bufony to pierwsi przedstawiciele teatru zawodowego. Powstanie dramatu szkolnego i przedstawień szkolno-kościelnych. Teatr epoki sentymentalizmu. nowoczesne grupy teatralne.

prezentacja, dodano 20.11.2013


Geneza teatru rosyjskiego. Pierwsze dowody bufonów. Powstanie rosyjskiej oryginalnej sztuki bufonów. Teatr epoki sentymentalizmu. Podział teatru na dwa zespoły. Rosyjski teatr okresu poradzieckiego. Historia Teatru Małego.

prezentacja, dodano 12.09.2012


Rosyjski dramat ludowy i ludowa sztuka teatralna. Rodzaje teatru ludowego. Bufony jako twórcy rosyjskiej sztuki ludowej. Teatr „Aktor na żywo”. Gry świąteczne i karnawałowe. Współczesne trendy w ruchu folklorystycznym w Rosji.

praca semestralna, dodano 16.04.2012


Buffoons jako pierwsi starożytni rosyjscy aktorzy wędrowni. Teatr Ludowy, teatr lalkowy-szopka. Przedstawienie szkolne „Zmartwychwstanie”. Cechy muzykalności teatru ukraińskiego. Działalność teatrów fortecznych w drugiej połowie XVIII wieku.

prezentacja, dodano 11.03.2013


Pierwsze teatry w Petersburgu, sztuka teatralna a kulturalno-oświatowy wizerunek miasta. Rola teatru w rozwoju poglądów kulturowych ludności, rozwój stosunków naukowych i kulturalnych między Rosją a innymi krajami. Muzyka symfoniczna opery.

streszczenie, dodano 13.04.2012


Rola teatru i twórczości teatralnej w życiu S.A. Juriewa, jego wpływ na sztukę dramatyczną Rosji końca XIX wieku. Główne kamienie milowe biografii. Doświadczenie teatralne. Udane inscenizacje sztuk Lope de Vegi. Prace teoretyczne S.A. Juriew o teatrze.

streszczenie, dodano 01.08.2017


Opis terminologii graffiti. Przykłady wykorzystania graffiti jako aktu wandalizmu w miejscach publicznych, na ścianach muzeum i budynkach użyteczności publicznej. Wniosek jako protest. Graffiti jako najwyższa forma autoekspresji. festiwale graffiti.

prezentacja, dodano 02.12.2010


Charakterystyka rozwoju sztuki teatralnej od XVIII wieku, kiedy to we Włoszech ukształtował się model organizacji przestrzeni teatralnej, zwany „pudełkiem scenicznym”. Sztuka awangardowa początku XX wieku i przemiany w teatrze. Udział widzów.

streszczenie, dodano 24.07.2016


Zjawisko, które łączy sztukę i technologię. Powstanie i rozwój wzornictwa przemysłowego, wzornictwo europejskie i problemy nauczania jego podstaw. Wypełnienie luki między zamiarem a wykonaniem. Początki amerykańskiego wzornictwa.

TEATR JAKO RODZAJ SZTUKI

Jak każda inna dziedzina sztuki (muzyka, malarstwo, literatura), teatr ma swoje szczególne cechy. Ta sztuka jest syntetyczna: na dzieło teatralne (performans) składa się tekst sztuki, dzieło reżysera, aktora, artysty i kompozytora. Muzyka odgrywa decydującą rolę w operze i balecie.

Teatr jest sztuką zbiorową. Spektakl jest efektem działania wielu ludzi, nie tylko tych, którzy pojawiają się na scenie, ale także tych, którzy szyją kostiumy, wykonują rekwizyty, ustawiają światło, spotykają się z publicznością. Nic dziwnego, że istnieje definicja „pracowników sklepu teatralnego”: przedstawienie to zarówno twórczość, jak i produkcja.

Teatr oferuje własny sposób rozumienia otaczającego świata, a co za tym idzie, własny zestaw środków artystycznych. Spektakl jest zarówno szczególną akcją rozgrywającą się w przestrzeni sceny, jak i szczególnym myśleniem figuratywnym, odmiennym od, powiedzmy, muzyki.

Spektakl teatralny oparty jest na tekście, takim jak sztuka do spektaklu dramatycznego. Nawet w tych przedstawieniach scenicznych, w których brakuje słowa jako takiego, tekst jest konieczny; w szczególności balet, a czasem pantomima ma scenariusz - libretto. Proces pracy nad spektaklem polega na przeniesieniu tekstu dramatycznego na scenę - jest to rodzaj "przekładu"; z jednego języka na drugi. W rezultacie słowo literackie staje się słowem scenicznym.

Pierwszą rzeczą, którą widzi widz po podniesieniu (lub podniesieniu) kurtyny, jest przestrzeń sceniczna, w której umieszczona jest sceneria. Wskazują miejsce akcji, czas historyczny, oddają narodowy smaczek. Za pomocą konstrukcji przestrzennych można oddać nawet nastrój postaci (np. w epizodzie cierpienia bohatera zanurzyć scenę w mroku lub zacieśnić jej tło czernią). W trakcie akcji, za pomocą specjalnej techniki, zmienia się sceneria: dzień zamienia się w noc, zimę w lato, ulicę w pokój. Technika ta ewoluowała wraz z naukową myślą ludzkości. Mechanizmy podnoszące, osłony i włazy, które w starożytności były obsługiwane ręcznie, są teraz podnoszone i opuszczane elektronicznie. Świece i lampy gazowe zastępuje się lampami elektrycznymi; lasery są często używane.

Już w starożytności ukształtowały się dwa rodzaje scen i widowni: scena pudełkowa i scena amfiteatralna. Na scenie lożowej przewidziano kondygnacje i stragany, a widownia otacza amfiteatralną scenę z trzech stron. Obecnie na świecie używane są oba typy. Nowoczesna technologia pozwala na zmianę przestrzeni teatralnej – ustawienie podestu na środku widowni, posadowienie widza na scenie, granie spektaklu w sali.Budynek teatru zawsze miał duże znaczenie. Teatry budowano zwykle na centralnym placu miasta; architekci chcieli, aby budynki były piękne, przyciągały uwagę. Przychodząc do teatru widz wyrzeka się codzienności, jakby wznosząc się ponad rzeczywistość. Dlatego nieprzypadkowo schody ozdobione lustrami często prowadzą do holu.

Muzyka pomaga wzmocnić emocjonalny wpływ dramatycznego przedstawienia. Czasami brzmi to nie tylko podczas akcji, ale także w przerwie - dla podtrzymania zainteresowania publiczności. Główną postacią spektaklu jest aktor. Widz widzi przed sobą osobę, w tajemniczy sposób zamienioną w obraz artystyczny - rodzaj dzieła sztuki. Oczywiście dziełem sztuki nie jest sam wykonawca, ale jego rola. Jest tworem aktora, tworzonym przez głos, nerwy i coś niedostrzegalnego - ducha, duszę. Aby akcja na scenie była postrzegana jako całość, konieczne jest jej zorganizowanie w sposób przemyślany i konsekwentny. Te obowiązki we współczesnym teatrze pełni reżyser. Oczywiście wiele zależy od talentu aktorów w spektaklu, niemniej jednak podlegają oni woli lidera - reżysera. Ludzie, jak wiele wieków temu, przychodzą do teatru. Ze sceny słychać tekst sztuk, przekształcony siłami i uczuciami wykonawców. Artyści prowadzą własny dialog – i to nie tylko werbalny. To rozmowa gestów, pozycji, spojrzeń i mimiki. Fantazja dekoratora za pomocą koloru, światła, struktur architektonicznych na miejscu sprawia, że ​​przestrzeń sceniczna „przemawia”. A wszystko razem zamknięte jest w ścisłych ramach intencji reżysera, co nadaje heterogenicznym elementom kompletność i integralność.

Widz świadomie (a czasem nieświadomie, jakby wbrew swojej woli) ocenia aktorstwo i reżyserię, zgodność rozwiązania przestrzeni teatralnej z ogólnym planem. Ale najważniejsze jest to, że on, widz, włącza się w sztukę, w przeciwieństwie do innych, tworzoną tu i teraz. Pojmując sens spektaklu, pojmuje sens życia. Historia teatru trwa.

RODZAJE TEATRU

Pierwsze przedstawienia teatralne obejmowały słowo i śpiew, taniec i ruch. Muzyka i gesty wzmacniały znaczenie słów, tańce czasami usamodzielniały się „ale środki”;. Takie działania wyróżniał synkretyzm (z gr. „syncretismos”; – „; połączenie”;), czyli taki stopień zespolenia części składowych (przede wszystkim muzyki i słowa), że widz nie mógł ich wyodrębnić w jego umysł i oceniać każdą formę osobno. Stopniowo publiczność nauczyła się rozróżniać elementy spektaklu, z czasem wykształciły się z nich znane nam rodzaje teatru. Synkretyzm został zastąpiony syntezą - celowym łączeniem różnych form.

Najpopularniejszy i najbardziej popularny typ - dramatyczny T teatr Głównym środkiem wyrazu jest słowo (nieprzypadkowo teatr ten bywa nazywany potocznym). Sens wydarzeń rozgrywających się na scenie, charaktery bohaterów ujawniane są za pomocą słów, które składają się na tekst (może być prozaiczny lub poetycki). Innym rodzajem sztuki teatralnej jest opera (patrz artykuł „Muzyka Włoch”; w dziale „Muzyka”); Najważniejszą rzeczą w operze jest muzyka. Jednak partytura (notacja muzyczna) musi być przedstawiona, zagrana na scenie: treść utworu ujawni się w pełni dopiero w przestrzeni scenicznej. Taki występ wymaga od wykonawców szczególnych umiejętności: muszą nie tylko umieć śpiewać, ale także posiadać zdolności aktorskie. Za pomocą dźwięków aktor-piosenkarz jest w stanie wyrazić najbardziej złożone uczucia. Siła oddziaływania występu muzycznego – z mocną obsadą śpiewaków, dobrą orkiestrą, profesjonalnym kierownictwem – może być potężna, a nawet odurzająca. Ujarzmia widza, przenosi go w świat boskich dźwięków.

W XVI wieku. na bazie tańców dworskich i ludowych zaczęły się formować balet teatr. Samo słowo „balet”; pochodzi od późnołac. ballare – „taniec”; W balecie o wydarzeniach i relacjach między bohaterami opowiadają ruchy i tańce, które artyści wykonują do muzyki skomponowanej na podstawie libretta. Pod koniec XXw. rozpowszechniły się spektakle bez fabuły, tworzone do muzyki utworów symfonicznych. Choreograf stawia takie spektakle. ";Pląsawica"; przetłumaczone ze starożytnej greki oznacza „taniec”; i „wykres”; - ";pismo";. W konsekwencji choreograf „pisze spektakl”; przy pomocy tańca buduje kompozycje plastyczne zgodne z muzyką i fabułą.

W przedstawieniach baletowych z reguły zajęci są soliści, a także luminarze - tak nazywano w rosyjskim teatrze głównego tancerza baletu, który tańczył na pierwszej linii, bliżej publiczności. Corps de ballet nazywa się uczestnikami scen masowych. Historia operetki obejmuje nieco ponad półtora wieku. W nauce istnieją dwa punkty widzenia na operetkę. Niektórzy naukowcy uważają to za niezależny rodzaj sztuki teatralnej, inni za gatunek (to samo można powiedzieć o musicalu).

Pierwsze przedstawienia, przeważnie o treści komiksowej, pojawiły się w drugiej połowie XIX wieku. w teatrze paryskim ";Polerować Paryskie”;. Fabuły operetek są zwykle komediowe, dialogi konwersacyjne przeplatają się ze śpiewem i tańcem. Czasami numery muzyczne nie są związane z fabułą, są przerywnikami (patrz artykuł „; Jacques Offenbach, Johann Strauss i muzyka rozrywkowa drugiego połowy XIX wieku”; w dziale „;Muzyka”;).

Pod koniec XIX wieku Stany Zjednoczone musical. Jest to utwór sceniczny (zarówno komiczny, jak i dramatyczny w fabule), wykorzystujący formy pop-artu, teatru dramatycznego, baletu i opery oraz tańca codziennego. W operetce można wstawić fragmenty muzyczne, w musicalu -. nigdy, są „rozpuszczone”; w akcji. Musical to sztuka dla każdego. Fabuła jest zwykle prosta, a melodie często stają się hitami. Historia musicalu rozpoczęła się w 1866 roku – wtedy w Nowym Jorku pokazywano musicalowy spektakl dramatyczny „The Black Rogue”; (w innym tłumaczeniu „; złoczyńca oszust”;). Sukces był ogromny i nieoczekiwany. Jednak musical zajął należne mu miejsce wśród innych rodzajów sztuki teatralnej dopiero w latach dwudziestych. XX wiek. Podobne spektakle zaczęły pojawiać się najpierw w Stanach Zjednoczonych, a po II wojnie światowej – na scenach Anglii, Austrii, Francji. Nakręcono najbardziej udane musicale („;Kabaret”;, „;Parasolki z Cherbourga”;, „;Dźwięki muzyki”;).

Najstarszy rodzaj przedstawień teatralnych - pantomima (z gr. „; pantbmimos”; - „; wszystko reprodukuje się przez naśladownictwo”;). Sztuka ta wywodzi się ze starożytności. Nowoczesna pantomima - spektakle bez słów: są to albo krótkie numery, albo szczegółowa akcja sceniczna z fabułą. W XIX wieku sztukę pantomimy gloryfikowali angielski klaun Joseph Grimaldi (1778-1837) i francuski Pierrot - Jean Gaspard Deburau (1796-1846). Tradycję tę kontynuowali Étienne Decroux (1898-1985) i Jean Louis Barraud (19 10-1994). Decroux założył szkołę tzw. czystej pantomimy – by robić na scenie „tylko to, czego nie potrafiła inna sztuka”; Zwolennicy takich idei wierzyli, że gest jest prawdziwszy i jaśniejszy niż słowo. Tradycje Barro i Decroux kontynuował słynny francuski mim Marcel Marceau (ur. 1923). W Moskwie Heinrich Mackevicius zorganizował Teatr Dramatu Plastycznego, którego repertuar obejmuje złożone i głębokie spektakle o tematyce mitologicznej i biblijnej.

W ostatniej ćwierci XIX w. zaczęły powstawać w całej Europie, ale przede wszystkim we Francji teatry kabaretowe , która łączyła formy śpiewu teatralnego, estradowego, restauracyjnego. Najbardziej znane i popularne były „Czarny kot”; w Paryżu „Jedenaście katów”; w Monachium „;Idź do diabła”; w Berlinie „Krzywe lustro”; w Petersburgu.

W pomieszczeniach kawiarni zgromadzili się ludzie sztuki, co stworzyło wyjątkową atmosferę. Przestrzeń dla takich przedstawień mogła być najbardziej niezwykła, ale najczęściej wybierano piwnicę - jako coś zwyczajnego, ale jednocześnie tajemniczego, trochę zakazanego, podziemnego. Z występami kabaretowymi (krótkimi scenami, parodiami czy piosenkami), zarówno dla publiczności, jak i dla wykonawców, wiązało się szczególne przeżycie – poczucie nieskrępowanej wolności. Poczucie tajemniczości potęgował zazwyczaj fakt, że przedstawienia takie odbywały się późno, czasem nocą. Do dziś w różnych miastach świata istnieją prawdziwe kabarety.

Specjalny rodzaj spektaklu teatralnego - przedstawienie kukiełkowe. W Europie pojawił się w epoce starożytności. Domowe przedstawienia grano w starożytnej Grecji i Rzymie. Od tego czasu teatr oczywiście się zmienił, ale najważniejsze pozostaje - w takich przedstawieniach biorą udział tylko lalki. Jednak w ostatnich latach lalki często „dzielą się”; scena z aktorami.

Każdy naród ma swoich marionetkowych bohaterów, pod pewnymi względami podobni, ale pod pewnymi różnymi. Ale wszystkich łączy jedno: na scenie żartują, robią psikusy, wyśmiewają ludzkie wady. Lalki różnią się od siebie zarówno „wyglądem”, jak i urządzeniem. Najczęstsze lalki to te, które są kontrolowane za pomocą nici, lalek i lalek z trzciny cukrowej. Spektakle teatru lalek wymagają specjalnego sprzętu i specjalnej sceny. Na początku było to tylko pudełko z otworami wykonanymi od dołu (lub góry). W średniowieczu na placu odbywały się przedstawienia – wtedy między dwoma filarami zaciągano kurtynę, za którą chowali się lalkarze. W 19-stym wieku przedstawienia zaczęto grać w specjalnie zbudowanych salach.

Szczególną formą teatru lalek jest teatr lalek, drewnianych lalek. Dla teatru lalek pisano specjalne scenariusze. Historia światowego teatru lalek zna wiele znanych nazwisk. Występy S. V. Obraztsova odniosły ogromny sukces. Rewaz Lewanowicz Gabriadze (ur. 1936), gruziński lalkarz i dramaturg, proponuje nowe rozwiązania w swoich fantazjach.

POCHODZENIE TEATRU.

Teatr to sztuka, która „znika” i jest trudna do opisania. Spektakl pozostawia ślad w pamięci widzów i bardzo nieliczne materialne, materialne ślady. Dlatego nauka o teatrze – nauka o teatrze – powstała późno, pod koniec XIX wieku. W tym samym czasie pojawiły się dwie teorie powstania teatru. Według pierwszego, sztuka sieny (zarówno zachodnia, jak i wschodnia) rozwinęła się z obrzędów i rytuałów magicznych. W takich akcjach zawsze była gra, uczestnicy często używali masek i specjalnych strojów. Mężczyzna „grał”; (przedstawiony na przykład bóstwo) w celu wpływania na otaczający świat - ludzi, przyrodę, bogów. Z czasem niektóre obrzędy przekształciły się w świeckie zabawy i zaczęły służyć rozrywce; później uczestnicy takich gier oddzielali się od widzów.

Inna teoria łączy genezę teatru europejskiego z rozwojem samoświadomości jednostki. Człowiek ma potrzebę wyrażania siebie poprzez spektakularną sztukę, która ma silny wpływ emocjonalny.

„;GRAJ JAK DOROSŁY, TYLKO LEPIEJ”;

Pomysł, by w ALA stworzyć specjalne teatrzyki dla dzieci, pojawił się już dawno temu. Jeden z pierwszych „dziecięcych”; produkcje stały się dziełem Moskiewskiego Teatru Artystycznego. W 1908 roku K. S. Stanisławski wystawił sztukę „Błękitny ptak”, bajkę belgijskiego dramatopisarza Maurice'a Maeterlincka i od tego czasu słynny spektakl nie opuścił sieny Moskiewskiego Teatru Artystycznego Gorkiego. Ta produkcja wyznaczyła ścieżkę rozwoju sztuk scenicznych dla dzieci – taki teatr musi być dla dziecka zrozumiały, ale bynajmniej nie prymitywny, nie jednowymiarowy.

W Rosji teatry dziecięce zaczęły pojawiać się po październiku 1917 r. Już w 1918 roku w Moskwie otwarto Pierwszy Teatr Dziecięcy Rady Moskiewskiej. Organizatorem i reżyserem został N. I. Sats, spektakle projektowali wspaniali artyści V. A. Favorsky i I. S. Efimov, pracował tu słynny choreograf K. Ya Goleizovsky. Natalya Ilyinichna Sats (1903-1993) całe swoje twórcze życie poświęciła teatrowi dla dzieci. W latach 1921-1937. była dyrektorem artystycznym Moskiewskiego Teatru dla Dzieci (obecnie Centralny Teatr Dziecięcy). Jej najnowszym pomysłem jest Moskiewski Dziecięcy Teatr Muzyczny (nazwany na cześć N.I. Sats). W lutym 1922 roku Teatr Młodego Widza w Leningradzie przyjął pierwszych widzów. Jednym z jego założycieli i stałym liderem był dyrektor Aleksander Aleksandrowicz Bryaniew (1883-1961). Uważał, że w teatrze trzeba łączyć artystów, którzy potrafią myśleć jak nauczyciele, i nauczycieli, którzy potrafią postrzegać życie jako artyści.

W teatrach dziecięcych pracowali tacy znakomici reżyserzy, jak G. A. Tovstonogov i M. O. Knebel, a także I. V. Ilyinsky, N. K. Cherkasov, O. N. Chirkov. Niekiedy występy stawały się wydarzeniami życia publicznego, np. inscenizacja sztuki „Mój przyjaciel Kolka”; (reżyser AV Efros). Dziś najstarszymi krajowymi teatrami dziecięcymi (Rosyjski Teatr Młodzieży i Teatr Młodego Widza w Moskwie) kierują odpowiednio A. V. Borodin i G. Ya Yanovskaya - reżyserzy o ciekawym i oryginalnym myśleniu.

W pierwszych teatrach wystawiano głównie dramatyzacje baśni. Stopniowo pojawili się dramatopisarze piszący specjalnie dla dzieci. Pisarka Alexandra Yakovlevna Brushtein (1884-1968) - autorka popularnych sztuk teatralnych „Ciąg dalszy nastąpi”; (1933) oraz niebieski i różowy; (1936). Dzieła Jewgienija Lwowicza Schwartza (1896-1958) stały się klasykami w repertuarze teatrów dziecięcych. Jego bajki to „Królowa Śniegu”; (1938), „Dwa klony”; (1953), „Nagi król”; (1934), „Cień”; (1940) i inne - od dziesięcioleci grają w teatrach. Sztuki Schwartza łączą fantazję i prawdziwość w przedstawianiu postaci. Wiktor Siergiejewicz Rozow (ur. 1913) z talentem mówił o wewnętrznym świecie nastolatków. Gra „Jej przyjaciele”; (1949), „Strona życia”; (1953), "Dzień dobry"; (1954), „W poszukiwaniu radości”; (1957) ustalili repertuar teatrów dziecięcych w latach 50. i 60., część z nich nie opuszcza sjeny do dziś.

Współcześni reżyserzy sięgają po bardzo różne dzieła. Najmłodszym odtwarzane są bajki, dla nastolatków spektakle poświęcone życiu młodzieży; są w teatrze plakaty i klasyka, krajowa i zagraniczna. Tak więc w repertuarze Moskiewskiego Teatru dla Młodych Widzów sztuka „Pinokio w krainie głupców” pokojowo współistnieje; (Inscenizacja baśni A. N. Tołstoja), ironiczne przedstawienie na podstawie wiersza S. Ya. Marshaka „; Żegnaj, Ameryko”; i „Burza z piorunami”; na podstawie sztuki A. N. Ostrowskiego Teatry dla dzieci i młodzieży powstały w wielu krajach świata. W 1965 roku w Paryżu powstało Międzynarodowe Stowarzyszenie, które sprzyja ich rozwojowi. Odbywają się międzynarodowe festiwale teatrów dziecięcych.

SIERGIEJ WŁADYMIROWICZ OBPA3TSOB

Niesamowita osoba o wyjątkowym zawodzie, lalkarz, pisarz, dramaturg - to wszystko Siergiej Władimirowicz Obrazcow (1901 - 1992). Jego nazwisko jest popularne zarówno w naszym kraju, jak i za granicą. Twórczość i życie artysty znajdują szerokie odzwierciedlenie w książkach i artykułach. Jego występy żyją dziś w teatrze, który słusznie nosi imię Obrazcowa.

Takie wspaniałe kreacje jak "Na rozkaz szczupaka"; (1936), „Magiczna lampa Aladyna”; (1940), „Boska komedia”; (1961), ";Niezwykły koncert"; (1968), „; Don Juan82”; i inne, do dziś stanowią ozdobę repertuaru Centralnego Teatru Lalek. Obrazcow, znakomity gawędziarz, dowcipny i spostrzegawczy artysta, pozostawił po sobie ciekawą spuściznę literacką w swoich książkach „Aktor z lalką”;, „; Mój zawód”;, „; Sztafeta sztuk”;, „; Gabinet osobliwości "; itd.

Dzieciństwo Obraztsova minęło w inteligentnej moskiewskiej rodzinie: jego ojciec był inżynierem podróży, naukowcem, później akademikiem, jego matka była nauczycielką, nauczycielką języka rosyjskiego. Umiejętność rysowania, malowania i rysowania, nauka u artystów Abrama Efimowicza Arkhipowa (1862-1930) i Władimira Andriejewicza Faworskiego (1886-1964), lekcje śpiewu, zajęcia aktorskie w Teatrze Muzycznym pod kierunkiem V. I. Niemirowicza Danczenki, występy małych charakterystyczne role w Moskiewskim Teatrze Artystycznym, komunikacja z K. S. Stanisławskim, obserwowanie zwyczajów zwierząt, ptaków, ryb - wszystko to trafiło do kreatywnej skarbonki. Mieszkanie słynnego mistrza było wypełnione półkami z akwariów z różnymi rybami. Pokój wypełnił gwar niezwykłych ptaków.

Wszystko zaczęło się w dzieciństwie od prezentu od mamy – małej laleczki Bibabo, która zapoczątkowała całą serię różnych wersji lalek, zwanych lalkami w rękawiczkach. Noszone są na dłoni jak rękawiczki i znane są od czasów komedii o Pietruszce. Podobne lalki istniały w Chinach, Indiach i starożytnej Grecji i miały imiona.

Muzyka stała się stałym towarzyszem występów Obrazcowa. Przenośny ekran z wewnętrznymi kieszeniami, akompaniator – i już teatr jednego aktora gotowy! Skłonności artysty pomogły Obrazcowowi w stworzeniu obrazu kukiełkowego. Może to być radca tytularny w inscenizacji romansu A. S. Dargomyżskiego, pijący wielką butelkę żalu, albo Murzyn i Stara Kobieta w romansie „Siedzieliśmy z tobą nad śpiącą rzeką” ;, albo zabawne małpie kukiełki wykonanie romansu „; Minuta”; , naśladując A. N. Vertinsky'ego.

Obrazcow nieustannie starał się uczyć. Awarie lub błędne obliczenia stały się przyczyną nowych odkryć i poszukiwań. Rozległość erudycji w jego fachu wzmocniła znajomość rozmaitych przedstawień lalkowych podczas zagranicznych tournée. Tak więc w Anglii Obrazcow spotkał lalkę Punch, w Niemczech – z Hansem Wurstem, w Czechosłowacji – z Kasparkiem itd. Charakterystyczne jest, że wysoko ceniąc kunszt swoich kolegów, chciał pozostać wierny swojej oryginalności. Zakres i różnorodność osobistego repertuaru nie mogła nie doprowadzić do powstania teatru. Jeden po drugim rodzą się nowe spektakle, przenosząc publiczność albo w bajkę, albo w klimat popowego koncertu. W spektaklu „Niezwykły koncert”; uczestniczyła duża grupa aktorów - uczniów Obrazcowa. Tutaj zabrzmiał „chór cygański”, wykonano duet operetkowy, był zabawny artysta estradowy (lalka została wyrażona przez aktora Zinovy ​​​​Efimovicha Gerdta, 1916-1998). Spektakl ten przeszedł niezliczoną ilość razy, oglądała go publiczność w wielu krajach. Chór, orkiestra, dekoracja zbliżyły teatr lalkowy do aktorskiego, ale specyfika teatru lalkowego pozostała. Zabawni mali ludzie wywoływali śmiech i empatię u widzów w każdym wieku. Pod koniec spektaklu zza ekranów wyszli lalkarze i pojawił się główny reżyser Siergiej Obrazcow, dusza teatru.

pogląd sztuka(muzyka, malarstwo, literatura), teatr ma swoje szczególne cechy. to sztuka... obraz. W nowoczesnym teatr interakcja technik i metod różnych gatuneksztuka. Możesz być innowacyjny...

Strona 1

Sztuka teatralna jest jedną z najbardziej złożonych, najskuteczniejszych i najstarszych sztuk. Ponadto jest niejednorodny, syntetyczny. Jako elementy sztuka teatralna obejmuje architekturę, malarstwo i rzeźbę (scenografię) oraz muzykę (brzmi nie tylko w musicalu, ale często w spektaklu dramatycznym) i choreografię (znowu nie tylko w balecie, ale także w dramacie). ) i literatura (tekst, na którym zbudowane jest przedstawienie dramatyczne), sztuka aktorska itp. Spośród wszystkich powyższych, sztuka aktorska jest główną definicją teatru. Znany radziecki reżyser A. Tairow pisał: „…były długie okresy w historii teatru, kiedy istniał bez sztuk, kiedy istniał bez scenografii, ale nie było ani jednej chwili, kiedy teatr był bez aktor." Transport ciała zmarłego do innego miasta jest głównym środkiem transportu zmarłego.

Aktor w teatrze jest głównym artystą, który tworzy tak zwany obraz sceniczny. Ściślej rzecz ujmując, aktor w teatrze jest jednocześnie artystą-twórcą, a tworzywem twórczości, a jej skutkiem – obrazem. Sztuka aktorska pozwala zobaczyć na własne oczy nie tylko obraz w jego ostatecznym wyrazie, ale także sam proces jego powstawania, powstawania. Aktor tworzy obraz z siebie, a jednocześnie tworzy go w obecności widza, na jego oczach. To chyba główna specyfika obrazu scenicznego, teatralnego - i stąd bierze się szczególna i niepowtarzalna przyjemność artystyczna, jaką dostarcza widzowi. Widz w teatrze, bardziej niż gdziekolwiek indziej w sztuce, jest bezpośrednio zaangażowany w cud stworzenia.

Sztuka teatru, w przeciwieństwie do innych sztuk, jest sztuką żywą. Występuje dopiero w godzinie spotkania z widzem. Opiera się na nieodzownym emocjonalnym, duchowym kontakcie między sceną a publicznością. Jeśli ten kontakt nie istnieje, oznacza to, że nie ma spektaklu, który żyje według własnych estetycznych praw.

Występ przed pustą salą, bez ani jednego widza, to dla aktora wielka męka. Taki stan jest równoznaczny z przebywaniem w przestrzeni zamkniętej od całego świata. W godzinie przedstawienia dusza aktora skierowana jest ku widzowi, tak jak dusza widza skierowana jest ku aktorowi. Sztuka teatru żyje, oddycha, ekscytuje i porywa widza w tych szczęśliwych chwilach, kiedy poprzez niewidzialne przewody wysokiego napięcia następuje aktywna wymiana dwóch duchowych energii, wzajemnie aspirujących do siebie - od aktora do widza , od widza do aktora.

Czytając książkę, stojąc przed obrazem, czytelnik, widz nie widzi pisarza, malarza. I tylko w teatrze człowiek spotyka się oko w oko z twórczym artystą, spotyka go w momencie tworzenia. Odgaduje pojawienie się i poruszenie swojego serca, przeżywa z nim wszystkie perypetie wydarzeń, które miały miejsce na scenie.

Sam czytelnik, sam na sam z cenną książką, może przeżyć ekscytujące, szczęśliwe chwile. A teatr nie zostawia widzów samych sobie. Wszystko w teatrze opiera się na aktywnej interakcji emocjonalnej między tymi, którzy tego wieczoru tworzą dzieło sztuki na scenie, a tymi, dla których jest ono tworzone.

Widz przychodzi na przedstawienie teatralne nie jako zewnętrzny obserwator. Nie może nie wyrazić swojego stosunku do tego, co dzieje się na scenie. Eksplozja aprobaty, radosny śmiech, napięta, niezmącona cisza, westchnienie ulgi, ciche oburzenie – współudział widza w procesie akcji scenicznej przejawia się w najbogatszej różnorodności. Świąteczna atmosfera powstaje w teatrze, kiedy takie współudział, taka empatia osiąga największe natężenie.

To właśnie oznacza żywa sztuka. Sztuka, w której słychać bicie ludzkiego serca, z wyczuciem uchwycone są najsubtelniejsze poruszenia duszy i umysłu, w której zamknięty jest cały świat ludzkich uczuć i myśli, nadziei, marzeń, pragnień.

Oczywiście, kiedy myślimy i mówimy o aktorze, rozumiemy, jak ważny dla teatru jest nie tylko aktor, ale zespół aktorów, jedność, twórcza interakcja aktorów. „Prawdziwy teatr”, pisał Chaliapin, „to nie tylko indywidualna twórczość, ale także zbiorowe działanie, które wymaga pełnej harmonii wszystkich części”.

Teatr jest sztuką podwójnie kolektywną. Widz odbiera przedstawienie teatralne, akcję sceniczną nie pojedynczo, ale zbiorowo, „czując łokieć sąsiada”, co w dużej mierze potęguje wrażenie, artystyczne zarażenie tym, co dzieje się na scenie. Jednocześnie samo wrażenie nie pochodzi od jednej osoby-aktora, ale od grupy aktorów. Zarówno na scenie, jak iw audytorium, po obu stronach rampy, żyją, czują i działają – nie pojedyncze jednostki, ale ludzie, społeczeństwo ludzi połączonych ze sobą przez chwilę wspólną uwagą, celem, wspólnym działaniem.

W dużej mierze to właśnie decyduje o ogromnej roli społecznej i edukacyjnej teatru. Sztuka, która jest tworzona i postrzegana wspólnie, staje się szkołą w pełnym tego słowa znaczeniu. „Teatr”, pisał słynny hiszpański poeta Garcia Lorca, „to szkoła łez i śmiechu, wolna platforma, z której ludzie mogą potępiać przestarzałą lub fałszywą moralność i wyjaśniać na żywych przykładach odwieczne prawa ludzkiego serca i ludzkiego serca”. uczucie."

Inne informacje:

styl rosyjski
Czym tak naprawdę jest rosyjski styl? Czy można go wznieść na wyżyny włoskiego designu? A jak sprawić, by rosyjskie wnętrze było stylowe, aby nie wyglądało jak ilustracja z bajki dla dzieci? Surowe chaty Północy i pełne wdzięku moskiewskie rezydencje; ...

Trzynastopiętrowa kamienna pagoda
Sprowadzony z Japonii. Ma około 200 lat. Pagoda jest kompozycyjnym centrum Ogrodu Japońskiego - symbolem buddyjskiej świątyni. Liczba „trzynaście” jest bardzo ważna: jest to liczba obszarów mieszkalnych Buddy, które przybyły do ​​buddyzmu japońskiego z Chin…

Nauka i inne dziedziny kultury
Naukowa wiedza o świecie znacznie różni się od estetycznej formy wiedzy. Wprawdzie nauka i sztuka są odbiciem rzeczywistości, ale w nauce ta refleksja odbywa się w formie pojęć i kategorii, a w sztuce – w formie…