Każde dzieło sztuki, czy to obraz, symfonia czy film, niewątpliwie wymaga takiej czy innej konstrukcji, konstrukcji. Innymi słowy, kompozycje lub aranżacje. W utworach muzycznych jest to układ nut, w kinie starannie skomponowany scenariusz, natomiast w ilustracji i malarstwie jest to ułożenie przedmiotów na powierzchni roboczej.
To kompozycja w rysunku zostanie omówiona w tym artykule.
Każdy obraz lub rysunek składa się z obiektów, które z kolei składają się z linii i kształtów. O kompozycji jako całości decydują także kolory, cienie, kontrast, faktura, kształty i proporcje obiektów.
Zadaniem artysty jest takie ułożenie obiektów, kolorów i cieni w określonej kolejności, aby całość składała się na harmonijny obraz.
Podczas komponowania kompozycji obowiązuje kilka podstawowych zasad. Spójrzmy na główne z ilustrującymi przykładami:
Rządzą trzy trzecie
Dzielenie powierzchni roboczej na 9 równych kwadratów, jak pokazano na rysunku.
Odbywa się to w celu jak najbardziej harmonijnego ustawienia centralnego obiektu z innymi elementami kompozycji, dzięki czemu wyraźnie widać środek powierzchni roboczej i jej strefy peryferyjne.
Zatem obiekt centralny jest obecny w każdej kompozycji. W tym przypadku jest to żaglówka. Jak widać, część łódki wystaje w środkową strefę zdjęcia, a pozostałe części wpadają w prawą górną i środkową strefę. Spójrzmy na inny przykład:
Tutaj zaczyna obowiązywać kolejna zasada - każda kompozycja, czy to fotografia, czy rysunek, zawsze wygląda korzystniej, gdy centralny obiekt jest przesunięty przynajmniej trochę od środka w dowolnym kierunku. Dosłownie kilka centymetrów od środka do krawędzi – i już kompozycja z przeciętnej staje się ciekawa i żywa.
Kąt lub perspektywa obiektów
Czasami artysta wybiera niestandardowe położenie obiektu. Oznacza to, że rysuje go w taki sposób, że wydaje się być umieszczony pod pewnym kątem, na przykład „widok z góry” lub odwrotnie „widok z dołu” - możliwości są nieograniczone. W rysunku istnieje coś takiego jak redukcja perspektywy – zmiana wielkości obiektów, aby nadać rysunkowi efekt trójwymiarowej przestrzeni.
Tu zaczynają się trudności artystów – wszak pewna perspektywa wymaga redukcji pewnych proporcji obiektu w perspektywie. Innymi słowy, jeśli na przykład ktoś zostanie narysowany w pozycji „widok z góry”, wówczas jego głowa będzie duża, a ciało i nogi bardzo małe, ponieważ następuje zmniejszenie perspektywy - im dalej to lub ta część obiektu pochodzi od widza, tym mniejszy będzie rozmiar i odwrotnie. Spójrzmy na przykład:
Widzimy, że głowa dziewczyny na pierwszym zdjęciu jest ogromna, jej ręce są bardzo małe w porównaniu z głową, a jej ciało nie jest całkowicie widoczne. A wszystko dlatego, że artysta umieścił go w taki sposób, aby stworzyć efekt „widok z góry”. Ciało obiektu zdaje się opadać „w dół”. Na drugim zdjęciu droga oddala się od widza, tworząc efekt dużej odległości, zwężając się w oddali.
Praca z perspektywą nie jest sama w sobie łatwa i wymaga ciągłej praktyki. Ważne jest tutaj podzielenie arkusza na linie warunkowe, które wnikają „w głąb kompozycji”, w zależności od kierunku, w jakim artysta zdecydował się konstruować obiekt.
Tak więc na pierwszym rysunku linie schodzą w dół, zachowując największą odległość między sobą u góry, zwężając się, aż przetną się gdzieś w okolicy nóg dziewczyny (nawet jeśli nóg nie widać na tym rysunku) .
W drugiej kompozycji linie oddalają się od widza w dal. Pracując z odległością, możesz, a nawet nie powinieneś ograniczać się do dwóch linii, ich liczba może być dowolna. Najważniejszą rzeczą do zapamiętania jest to, że konwencjonalne linie prędzej czy później przetną się w jednym punkcie i w tym kierunku warto wyciąć wszystkie obiekty w kompozycji. Na początku nie będzie to łatwe, jednak po opanowaniu skutecznego stosowania redukcji perspektywy artysta odniesie stuprocentowy sukces w skomponowaniu dowolnej kompozycji. Zatem gra jest warta świeczki!
Dziwna zasada
Zasada mówi, że kompozycja z nieparzystą liczbą obiektów zawsze wygląda ciekawiej i korzystniej niż kompozycja z parzystą liczbą. Dzieje się tak dlatego, że odbiorca podświadomie grupuje kompozycję z parzystą liczbą elementów, tracąc w ten sposób centralny obiekt.
Wydawałoby się, że na obu obrazach są konie, jednak obraz z trzema końmi wygląda ciekawiej w porównaniu z kompozycją, na której są dwa konie.
Oprócz umiejscowienia obiektów centralnych i pomocniczych, zachowując proporcje i perspektywę, artysta musi wziąć pod uwagę kolorystykę, światło-cień i kontrast. Praktyka, eksperymentowanie i zamiłowanie do sztuki to ważne elementy, które pomogą Ci odnieść sukces w tej dziedzinie. Na wynik nie trzeba będzie długo czekać - zobaczysz, jak Twoja praca będzie rosła pod względem jakości i profesjonalizmu. Możesz eksperymentować, improwizować, w przeciwnym razie co to za sztuka? A co najważniejsze, nie bój się niczego - a wtedy wszystko się ułoży!
Kompozycja przetłumaczone z łaciny dosłownie oznacza komponowanie, łączenie, łączenie części.
Kompozycja jest najważniejszym momentem organizującym formę artystyczną, nadającym dziełu jedność i integralność, podporządkującym jego elementy sobie i całości. Łączy w sobie poszczególne aspekty konstrukcji formy artystycznej (rzeczywiste lub iluzoryczne kształtowanie przestrzeni i objętości, symetria i asymetria, skala, rytm i proporcje, niuanse i kontrast, perspektywa, grupowanie, kolorystyka itp.).
Kompozycja jest najważniejszym środkiem konstruowania całości. Przez kompozycję rozumiemy celową konstrukcję całości, w której układ i wzajemne powiązanie części wyznacza znaczenie, treść, cel i harmonia całości.
Ukończone dzieło nazywane jest również kompozycją, na przykład dziełem sztuki - obrazem, utworem muzycznym, wykonaniem baletowym liczb połączonych jedną ideą, kompozycją stopów metali, perfum itp.
W chaotycznym nagromadzeniu przedmiotów nie ma kompozycji. Nie ma go także tam, gdzie treść jest jednorodna, jednoznaczna, elementarna. I odwrotnie, kompozycja jest niezbędna dla każdej holistycznej struktury, dość złożonej, czy to dzieła sztuki, pracy naukowej, przekazu informacyjnego, czy organizmu stworzonego przez naturę.
Kompozycja zapewnia logiczny i piękny układ części składających się na całość, nadając klarowności i harmonii formie oraz czyniąc treść zrozumiałą.
Bez zrozumienia struktury kompozycyjnej jako sposobu organizacji materiału nie można oceniać dzieł sztuki, a tym bardziej ich tworzyć.
Zadaniem kompozycyjnej konstrukcji utworu jest takie rozmieszczenie materiału przyszłego utworu w taki sposób i w takiej kolejności, w takim powiązaniu części utworu, aby jak najlepiej ukazać sens i cel utworu i stworzyć wyrazistą i harmonijną formę artystyczną.
Istnieją dwa sposoby artystycznej wizji podczas organizowania kompozycji:
Zwrócenie uwagi na odrębny obiekt jako cechę dominującą całej kompozycji i postrzeganie reszty jedynie w odniesieniu do niego. W tym przypadku otoczenie widziane jest tzw. widzeniem peryferyjnym i ulega deformacji, słuchając centrum uwagi i pracując na rzecz niego.
Wizja jako całość, bez podkreślania odrębnego obiektu, natomiast wszelkie detale zostają podporządkowane całości i tracą swoją niezależność. W takiej kompozycji nie ma ani głównego, ani wtórnego - jest to pojedynczy zespół.
Budowa.
Podstawowe zasady
Nie ma kompozycji, jeśli nie ma porządku. Porządek określa miejsce każdej rzeczy i przynosi jasność, prostotę i siłę oddziaływania.
Zacznij od poszukiwania koloru tła, powinien on być spokojny i podkreślać wyrazistość obiektów. Nie zapomnij o lekkim, właściwym i wyrazistym oświetleniu obiektów.
Z przedmiotów nie powinno być nic zbędnego. Uważaj na różnorodność. Wskazane jest, aby w kompozycji nie było więcej niż czterech kolorów podstawowych. Rozpocznij układ od obrysowania prostokąta, który określa format przyszłego rysunku, na przykład ściany z sąsiadującymi obiektami. Wykonaj wstępny szkic obiektów ołówkiem. Określ skalę przedstawionych obiektów. Określ ostateczny stosunek kolorów w kompozycji.
Zrozumienie kompozycji to coś, czemu każdy fotograf powinien poświęcić czas. Bez konieczności inwestowania w drogi sprzęt, zrozumienie elementów dobrej kompozycji niewątpliwie usprawni Twoją pracę fotograficzną. Niektórym rozwinięcie fotograficznego oka przychodzi naturalnie, ale u innych udoskonalenie umiejętności i zdolności wizualnych wymaga czasu i wysiłku. Oto wybór wskazówek i porad, które pomogą Ci ocenić i skomponować swoją pracę.
Jeśli masz czas, znajdź powód, aby skoncentrować się i ćwiczyć te umiejętności, i zdecydowanie staraj się o nich pamiętać przy następnym robieniu zdjęcia, może to pomóc Ci poczuć różnicę między zrobieniem dobrego zdjęcia a świetnym zdjęciem.
Krok 1 – Nie staraj się być doskonały
Ważne jest, aby zrozumieć, że nie ma czegoś takiego jak „idealna” kompozycja. Ponieważ jest to subiektywna forma sztuki, nigdy nie osiągniesz punktu, w którym zrobisz idealne ujęcie, ale całkowicie możliwe jest wykonanie ujęć ze słabą i dobrą kompozycją. Elementów kompozycji fotograficznej jest wiele, które szczegółowo omówię w tym artykule. Każda sekcja to prosty przewodnik, który pomoże Ci uzyskać mocniejsze i bardziej atrakcyjne obrazy.
Krok 2 – Prostota
Jedną z głównych rzeczy, na którą należy zwrócić uwagę, jest rozmieszczenie elementów w ramie względem siebie. Na tej podstawie musisz zdecydować, co umieścisz w ramce, a co z niej pominiesz. Często kuszące jest wypełnienie ramki jak największą liczbą interesujących obiektów, ale jeśli chodzi o kompozycję, najlepiej wybierać to, co umieścisz w ramce, i mieć świadomość swoich wyborów. Niektóre z najbardziej efektownych fotografii charakteryzują się bardzo prostą, ale efektowną kompozycją, oko podąża za obrazem bez przeszkód, a widz zostaje wciągnięty w wyraźny i efektowny kadr.
Krok 3 – Zasada trójpodziału
Jedną z najprostszych zasad kompozycji jest zasada trójpodziału, która stała się bardzo powszechnym narzędziem wśród fotografów amatorów i profesjonalistów. Technika polega na podzieleniu kadru na trzecie części, w pionie i poziomie (tak, aby były to faktycznie dziewiąte części) i użyciu tych linii do skutecznego podziału obrazu i oddzielenia obszarów obrazu. Punkty przecięcia linii są uważane za obszary kluczowe dla głównych obiektów w kadrze.
Zasada ta, choć bardzo prosta, sprawdza się naprawdę dobrze, jeśli zostanie prawidłowo zastosowana. Na przykład na zdjęciach krajobrazowych horyzont może przebiegać przez kadr wzdłuż dolnej poziomej linii, a szczyt grzbietu górskiego może przecinać górną poziomą linię. Podobnie w przypadku zdjęć portretowych oczy można umieścić w punktach, w których górna linia pozioma przecina dwie linie pionowe.
Krok 4 – Kompozycja krajobrazu
Podczas pracy z krajobrazami niezwykle ważne jest efektywne wykorzystanie kompozycji. Dramat świetnego zdjęcia krajobrazu wynika z kompozycji i struktury. Zadaj sobie pytanie, czego będzie dotyczyć Twoje ujęcie. O wodzie, o górach w oddali, o horyzoncie, zachodzie słońca czy skałach na pierwszym planie? Jakie elementy chcesz podkreślić w kadrze? Stosując zasadę trójpodziału, upewnij się, że w kadrze znajdują się różne poziomy, upewnij się, że na pierwszym planie znajduje się interesujący obiekt, aby dodać obrazowi wrażenia głębi i skali, oraz że głównym punktem kadru jest wyraźnie priorytetowe.
Krok 5 - Linie
Linie na obrazie to jeden z najskuteczniejszych sposobów na dodanie koloru do zdjęcia. Linie poziome i pionowe nadają obrazowi wyraźną strukturę, a linie zakrzywione zapewniają bardziej zrelaksowany charakter. Zastanów się, gdzie zaczyna się każda linia w ramce i dokąd prowadzi. Bardzo efektowne jest posiadanie w kadrze linii prowadzącej oko np. od dolnego rogu przez obraz do przeciwległego rogu. Ścieżki, rzeki, tory kolejowe i drogi mogą służyć temu celowi, jeśli są właściwie wykorzystywane.
Pracując z liniami poziomymi i pionowymi w ramce, upewnij się, że zdjęcie jest wyraźne, a linie proste. Nie uwierzyłbyś, ile widziałem zdjęć, które zostały zrujnowane przez lekko pochyloną linię, np. horyzont. Oczywiście istnieje możliwość późniejszej edycji kadru w celu skorygowania tych błędów, jednak o wiele lepiej jest dobrze poćwiczyć i prawidłowo ustawić go w trakcie fotografowania.
Krok 6 - Kształty
Gdy zrozumiesz rolę, jaką linie odgrywają w kompozycji obrazu, możesz docenić wpływ kształtów. Spróbuj zdystansować się od tego, że patrzysz przez wizjer na konkretny obiekt i odnieś się do kształtu każdego elementu w kadrze. Ważne jest, aby zrozumieć, w jaki sposób kształty oddziałują na siebie. Mocne kształty, takie jak trójkąty i kwadraty, znacznie łatwiej jest umieścić w ramce niż bardziej miękkie, zaokrąglone kształty, ale doceniając kształt każdego elementu, możesz wywrzeć ogromny wpływ, przedstawiając kształty i ich interakcje jako główny motyw zdjęcia.
Krok 7 - Kontrast
Jeśli chodzi o główny temat, rozważ go w kontekście i w odniesieniu do otoczenia. Jak kolory, kształty, tekstury i odcienie głównego punktu centralnego pasują do otaczającej przestrzeni? Jeśli istnieje między nimi silne połączenie, możesz się tym pobawić i podkreślić je na obrazie za pomocą kompozycji, łącząc obiekt z otoczeniem. Jeśli fotografowany obiekt i otoczenie bardzo się od siebie różnią, spróbuj zastosować techniki kompozycji, aby podkreślić te różnice.
Krok 8 – Kadrowanie
Efektywne kadrowanie to podstawa mocnej kompozycji. Naturalnym pragnieniem jest umieszczenie głównego punktu skupienia dokładnie pośrodku, ale często wygląda to dziwnie i odbiega od otoczenia. Spróbuj umieścić go bliżej boku lub rogu, aby sprawdzić, czy uda Ci się stworzyć kontekst i relacje. Warto jednak zauważyć, że portrety często wyglądają najjaśniej, gdy obiekt jest wyśrodkowany. Warto więc eksperymentować. Nie musisz podejmować jednej decyzji o tym, jak wykadrować ujęcie i się tego trzymać, ale przeanalizuj wszystkie dostępne opcje.
Krok 9 - Przestrzeń negatywna
Ważne jest, aby wziąć pod uwagę negatywną przestrzeń na obrazie. Podczas pracy z małymi obiektami zazwyczaj próbuje się zmieścić w kadrze cały punkt ogniskowy. W rzeczywistości kompozycja podczas fotografowania obiektów makro staje się znacznie bardziej żywa, jeśli wypełnisz kadr obiektem, umieszczając go blisko siebie lub wykorzystasz wokół niego negatywną przestrzeń, aby obiekt mógł oddychać i harmonijnie wpasować się w otoczenie.
Spróbuj poeksperymentować z czymś tak prostym jak muszla lub zobacz, jak możesz zmienić kompozycję, przybliżając się lub oddalając od zwykłego ujęcia.
Krok 10 - Kąt
Pracując z obiektem, weź pod uwagę kąt, pod jakim robisz zdjęcia. Często najłatwiejszym sposobem jest sfotografowanie obiektu pod kątem, pod jakim go widzisz, ale pracując nad zdjęciem, sprawdzaj różne kąty i podejścia. Być może znajdziesz ciekawszy sposób na wyrażenie głównego tematu zdjęcia.
Krok 11 - Warstwy
Podobnie jak podczas pracy z warstwami w zdjęciach krajobrazów, pamiętaj o uwzględnieniu w obrazach elementów głębi. Najłatwiej to zrobić, umieszczając interesujący obiekt na pierwszym planie, ale nawet użycie obiektu zygzakowatego doda głębi i wciągnie wzrok głębiej w obraz.
Krok 12 – Symetria i wzory
Efektywne wykorzystanie symetrii i wzorów może pomóc w stworzeniu naprawdę efektownego zdjęcia, zwłaszcza gdy pracujesz z obiektami takimi jak architektura. Poświęć czas na badanie tematu i rozpoznawanie wzorów i wzorów (zwracając uwagę na kształty i linie). Znajdź punkt środkowy i ustaw aparat dokładnie prostopadle do obiektu. Unikaj rozpraszających szczegółów, które zaburzają symetrię lub wzór, i staraj się maksymalizować pożądany efekt.
Krok 13 – Przycinanie
Jeśli w dobie postprocessingu wrócisz do domu i odkryjesz, że nie skomponowałeś zdjęcia tak, jak chciałeś, nic nie jest stracone. Prawie wszystkie narzędzia do przetwarzania obrazu mają teraz narzędzie do przycinania, które pozwala wyciąć niechciane części zdjęcia. Możesz to zrobić ze stałym współczynnikiem proporcji (większość dzisiejszych zdjęć ma proporcje 3:2) lub możesz dowolnie przyciąć ramkę do żądanego kształtu, na przykład kwadratu, lub utworzyć panoramiczne zdjęcie krajobrazu, przycinając dolny i górny poziom .
Krok 14 – Ćwicz, ćwicz i jeszcze raz ćwicz
Dlatego zbadaliśmy szereg zasad kompozycji, które mogą naprawdę pomóc Ci w tworzeniu silniejszych, bardziej urzekających obrazów. Gdy tylko będziesz mieć taką możliwość, przećwicz korzystanie z tych sugestii. Niezależnie od tego, co fotografujesz: krajobrazy, portrety, makro, zawsze jest miejsce na eksperymenty, aby poprawić kompozycję i szansę na ożywienie kadru.
Pamiętaj tylko, że nie ma szybkich i łatwych sposobów na stworzenie świetnych ujęć. Powyższe techniki mogą Ci pomóc, ale nie powinieneś też ich przekraczać. Gdy uznasz, że wiesz, jak skutecznie zastosować te zasady w praktyce, możesz zacząć łamać zasady i fotografować obiekty w dowolny kreatywny sposób, jaki uznasz za najlepszy.
Kiedy mówimy o tym, jak robić lepsze zdjęcia, mamy na myśli, jak robić DOBRE zdjęcia. W końcu każdy, kto bierze do ręki aparat, chce zrobić DOBRE ZDJĘCIA. Jak to osiągnąć? Niestety, nie ma tutaj uniwersalnego przepisu. Każdy odnajduje i podąża własną drogą, ale tę drogę można znacznie skrócić, jeśli zamiast uczyć się na własnych „gorzkich doświadczeniach”, skorzystać z doświadczeń i wiedzy zgromadzonej przez wieki doświadczeń artystów i kilku pokoleń fotografów.
Przejdźmy zatem do drugiej lekcji fotografii i pierwszych warsztatów w pełnym formacie. W poprzednim numerze ze względu na brak miejsca nie udało nam się zamieścić wszystkiego, co było zamierzone. Począwszy od tego numeru magazynu, będziemy starali się przedstawić każdy warsztat w trzech częściach:
· Uzupełnienie poprzedniego tematu, tym razem „Punkt i kąt fotografowania”.
· Krótka wycieczka teoretyczna i jak najbardziej jasne przedstawienie głównego tematu - „Światło w fotografii”.
· Wizualna zapowiedź głównego tematu kolejnego numeru na przykładach najbardziej typowych błędów początkujących fotografów-amatorów - „Wybór właściwej ekspozycji”.
Punkt i kąt fotografowania
Mówiąc o punkcie i kącie fotografowania, rozumiemy, że nie ma znaczenia, kto się porusza – obiekt czy fotograf. W każdym razie zmiana względnego położenia aparatu i obrazu fotograficznego pozwala zbudować kadr, najważniejsze jest wybrać odpowiedni moment na naciśnięcie przycisku... Wczoraj, dziś i zawsze, wybór punktu fotografowania, kąta Moment wykonania zdjęcia i kadrowanie to proces zapewniający zbudowanie kadru i stworzenie podstawy fotografii. Dlaczego podstawy? Bo jest też światło – najpotężniejsze narzędzie tworzące obraz i istnieje wiele aspektów technicznych, które zapewniają techniczną jakość fotografii.
Mając na uwadze konstrukcję ramową, ludzie często mówią o rysunku liniowym, kompozycji, fabule, obrazie... Istnieje wiele podejść do badania tego zagadnienia, z których każde jest dobre na swój sposób. Skupimy się na praktycznej stronie procesu fotograficznego, zwracając uwagę na ważne aspekty psychologiczne i tylko wtedy, gdy będzie to konieczne, dotykając elementów „nagiej” teorii. Zanim przejdziemy dalej, zadajmy sobie pytanie: jaka jest różnica między dobrą fotografią a złą? Dlaczego lubisz i podziwiasz jeden obraz, a drugi nie?
Konwencjonalnie można wyróżnić trzy poziomy umiejętności fotograficznych. Pierwszy poziom - film dokumentalny, kiedy początkujący fotograf-amator po prostu uchwyci odcisk obserwowanej rzeczywistości. To dokument z życia codziennego: „Ja i moi przyjaciele; moja rodzina; Jestem na tle pomnika; świętujemy...; mój ulubiony kot”. Tutaj z reguły nie warto nawet mówić o kadrowaniu ramy. Fotograf nie zastanawia się jeszcze nad kompozycją i fabułą, zadaniem jest uchwycić to „jako wspomnienie”. W takich fotografiach nie ma objętości, są płaskie i dwuwymiarowe. Kawałek życia o wymiarach 10×15, ciekawy dla autora i uczestników zarejestrowanych wydarzeń.
Na drugim poziomie w przenośni pojawia się zrozumienie ramy. Zrozumienie, że dla widza wszystkie elementy utrwalone na fotografii wchodzą ze sobą w interakcję, tworząc niezależny obraz i WSPÓLNIE muszą nieść ładunek semantyczny. Fotograf nie tylko fotografuje ciekawe przedmioty, tworzy kompozycję, w której pojawia się nowe piękno, rozpłynięte w przestrzeni i niewidoczne dla zwykłego oka. Autor już myśli o kącie, planie, perspektywie. Zdjęcie może nie ma jeszcze fabuły, która wywołałaby burzę emocji, ale obraz staje się interesujący przynajmniej z punktu widzenia: jak to zrobiono? Tutaj, na płaskim druku, pojawia się trzeci wymiar. Istnieją dość proste techniki techniczne, które pomagają osiągnąć trójwymiarowość na fotografii.
Trzeci poziom - działka. Kiedy w kadrze pojawia się nie tylko ciekawy obraz, ale pojawia się także ruch, który u większości widzów wywołuje żywe emocje. To tak, jakby na płaszczyźnie pojawił się czwarty wymiar - odgaduje się ruch czasu. Możemy poczuć, co działo się przed momentem zrobienia zdjęcia i co wydarzy się po nim. Duża fotografia to małe życie. W tym przypadku fotograf z reguły nie myśli już o technikach technicznych, których używa. Jego świadomość jest wolna i skupiona wyłącznie na obrazie. Interesuje go „co”, a nie „jak”.
Naturalnie niemożliwe jest natychmiastowe przejście z pierwszego poziomu na trzeci. Droga do mistrzostwa przebiega przez kilka etapów: wiedza, zrozumienie, zdolność, umiejętność... Zadaniem naszego warsztatu jest pomóc Ci przejść przez pierwszy i drugi etap. Reszta jest w Twoich rękach.
Aby więc nauczyć się robić zdjęcia, musisz nauczyć się korzystać z narzędzi fotograficznych. Biorąc pod uwagę dużą inteligencję współczesnych aparatów, które eliminują wiele kłopotów, początkujący fotograf musi przede wszystkim zrozumieć, co umieścić w kadrze, a czego nie: pod jakim kątem, pod jakim kątem, w jakiej skali ? Wszystko, co pojawi się w kadrze, będzie składać się na kompozycję fotografii (Kompozycja – z łac. – kompozycja, kompozycja, układ, połączenie poszczególnych elementów w jedną harmonijną całość).
Albo nie. Może się po prostu okazać, że jest to zbiór pojedynczych elementów, nawet jeśli zostały nakręcone na wysokim poziomie technicznym. Kompozycja niestety nie istnieje obiektywnie i niezależnie od osoby, ma sens tylko w ramach światopoglądu, przede wszystkim estetycznego. Można zatem mówić o zasadach i środkach kompozycji opartych na fizjologicznych podstawach percepcji i tej części subiektywnego doświadczenia, która jest wspólna dla większości ludzi. Przejdźmy jednak do rzeczy.
Naszym zadaniem jest zbudować coś z niczego. Dla przejrzystości, prostoty i, co najważniejsze, dla powtarzalności naszych badań praktycznych, jako przedmiot fotografii wybraliśmy pewną liczbę monet i muszlę ostryg (muszlę pospolitą). Losowo położyli to wszystko na najzwyklejszym stole. Zdjęcie jak widać (zdjęcie 1, widok z góry) nie jest najpiękniejsze.
Spróbujmy, nie ruszając niczego, znaleźć punkt fotografowania i kąt, który zapewni przynajmniej pewną kompozycję w kadrze.
SERIA 1. Pierwszą rzeczą do zrobienia jest „strzelanie”, szukanie najlepszego kąta i punktu strzelania. Poruszamy się po martwej naturze. Zwykle takich zdjęć oczywiście się nie robi, wystarczy spojrzeć przez wizjer, żeby zrozumieć, że kadr nie jest kadrowany.
Zdjęcie 2 (po lewej - dół). Ogólnie wyszło całkiem niezłe zdjęcie. Połysk monet, faktura muszli, wzór cienia. Zaletą zdjęcia jest lokalizacja zlewu. Jest „przetrzymywany” w jednym z węzłów zgodnie z zasadą trzech trzecich*.
Monety zajmują pozostałe trzy węzły uwagi. Dzięki temu zdjęcie odbierane jest jako stabilne i zrównoważone. Ale dalsza praca z tym zdjęciem nie ma sensu. Nie da się tu skonstruować obrazu wielopłaszczyznowego. Muszla i monety znajdują się niemal na tym samym poziomie w stosunku do widza. Ponadto taka kompozycja powoduje nieprzyjemne doznania. Obydwa obiekty są w równowadze. Kłócą się ze sobą. Jednocześnie pojawia się pytanie: „kto jest silniejszy?” – pozostaje bez odpowiedzi. Poruszmy się jeszcze trochę.
Zdjęcie 3 (prawy - dolny). Zlew zajmował prawy dolny róg. Zgodnie z regułą lewej ręki** ruch spojrzenia przebiega od lewego górnego rogu do prawego dolnego rogu i opiera się na zlewie. Wydaje się, że zwalnia wzrok. Dodatkowo rama staje się niezrównoważona***.
Lewy górny róg jest pusty, a cała uwaga skupiona jest na zlewie. Ale muszla pod tym kątem nie jest na tyle interesująca, aby zwracać na nią uwagę. Na zdjęciu nie ma tematu.
Zdecydowaliśmy się na zdjęcie, na którym zlew znajduje się w lewym górnym rogu. Spróbujmy teraz podkreślić zmysł planowania i głębię zdjęcia. Musimy pamiętać: im kąt widzenia będzie bliższy prostopadłej opuszczonej na płaszczyznę, tym mniej planów będzie na zdjęciu. Trzeba szukać punktu widzenia, aby obiekty znajdowały się w różnych odległościach od siebie i od fotografa.
SERIA 2. Jeśli wcześniej obracaliśmy się wokół obiektów zgodnie z ruchem wskazówek zegara, teraz kamera będzie poruszać się głównie po konwencjonalnej sferze niebieskiej i przybliżać się i oddalać w stosunku do obiektu.
Zdjęcie 1 (przeszukanie głębokości 1). Plus – zdjęcie zostało wykonane zgodnie z zasadą trzech trzecich. Dolna trzecia część to blat, który tworzy na zdjęciu wrażenie „powietrza”. Górne dwie trzecie to monety i muszla. Monety, jeśli przyjrzysz się uważnie, tworzą dwa łuki, dwa fronty. Jest w tym pewien element rytmu*.
*
Rytm w fotografii to harmonijna przemiana geometrycznych kształtów, plam i linii. Służy do wyrażania ekspresji.
Było trochę więcej głębi niż na poprzednich obrazach, ale wciąż za mało. Nie ma stabilności, nie ma równowagi. Spróbujmy zejść jeszcze niżej.
Zdjęcie 2 (przeszukanie głębokości 2). Wzrosło poczucie perspektywy. Na blacie pojawiły się odbicia monet i cień zlewu. Wyraźne strzały pierwsze i środkowe oraz monety w oddali – strzał z dystansu. Ale teraz ramka nie jest wypełniona. Spróbujmy zmienić skalę.
Strzał 3 (stosunek. Zbliżenie 1). Byli blisko, ale wydawało się to zbyt blisko. Wyraźnie dominuje muszla, a na pierwszym planie wysuwa się „zrzut” monet. To zdjęcie nie wywołuje żadnych emocji. Ale jeśli zadaniem jest pokazanie na pierwszy rzut oka objętości małych obiektów, to punkt fotografowania, kąt, plan - wszystko jest dobrze wybrane. Nie zabiegaliśmy jednak o taki efekt, dlatego postaramy się zmniejszyć skorupę w oprawie i zwiększyć wagę monet.
Zdjęcie 4 (zbliżenie 2). Jesteśmy coraz bliżej. Pomimo oczywistego przestrzegania zasady trzech trzecich, fotografia nie wygląda harmonijnie. Spróbujmy zmienić nieco kąt w tej samej skali.
Zdjęcie 5 (zbliżenie 3). Muszla przesunęła się nieco w prawo i wygląda jak dziób statku przecinającego „fale monet”. To pierwsza rzecz, która przychodzi na myśl. Może nie jest to najbardziej skomplikowane skojarzenie, ale samo to, że fotografia pobudza wyobraźnię, już jest dobre. Nie będziemy tu szukać dalej. Spróbujmy znaleźć nowy kąt.
Zdjęcie 6 (Bliższy plan). Usuwamy bałagan z pierwszego planu i przesuwamy go na bok. Trochę pomniejszyłem, żeby pokazać powłokę. Powróciła wieloaspektowość: monety od pierwszego planu do środka idą za muszlą. Ciekawy w konsystencji. Pojawia się saldo: lewy górny róg i prawy dolny róg są zajęte przez zlew i monety. Tworzy się między nimi wizualny korytarz, który biegnie od lewej do prawej. Pomimo dużej liczby zalet istnieje również znacząca wada: obraz faktycznie dzieli się na dwie równe części. Muszla i monety kłócą się ze sobą.
Zdjęcie 7 (zbliżenie na lewo od 2.). Powiększmy trochę plan. Planowanie ze względu na „łuk monety” zostało zachowane. Spróbujmy znaleźć nowy kąt.
Zdjęcie 8 (nowy kąt 1). Nie jest całkowicie jasne, co robi zlew na zdjęciu. Zasada jest prosta: wszystko, co się da, należy usunąć z ramy. Jeśli skorupa zniknie, zasadniczo nic się nie zmieni. Ale stoimy przed zadaniem usunięcia zarówno monet, jak i muszli, aby wszystko mogło zagrać.
Zdjęcie 9 (nowy kąt 2). Zwiększono obecność powłoki. Są plany: przód z odbiciem, środek z przedmiotami, tył - „powietrzny”. Przestrzegana jest zasada trzech trzecich. Na blacie pojawiło się odbicie. Przy zlewie utworzyło się pewne „drapieżnictwo”. To tak, jakby jadła monety. Dominację muszli podkreśla pochylenie w jej stronę. Zwiększmy nieco ten efekt.
Zdjęcie 10 (wynik tandem 1). W zasadzie obraz ten można uznać za swego rodzaju podsumowanie. Istnieje bardzo wyraźny obraz „agresywnej powłoki”.
Zdjęcie 11 (wynik tandemu 2). Próbowaliśmy zmienić kadrowanie. W tym celu podniesiono obiektyw i w ten sposób opadła muszla. Dwa lub trzy są zajęte przez przedmioty. Na pierwszym planie blat z odbiciem. Ramka nie sprawia wrażenia zatłoczonej przedmiotami. On „oddycha”.
SERIA 3. W poprzedniej serii ujęć jedynie nieznacznie korzystaliśmy z pochylenia aparatu. Spróbujmy pobawić się tą możliwością. Wiele osób boi się obracać aparatem. I zupełnie na próżno. Czasami przechylanie może dać ciekawe rezultaty.
Zdjęcie 1 (pochylenie 1). Wszystko wypadło z kadru. Monety są prawie niewidoczne; nie jest jasne, jaki rodzaj tekstury znajduje się po prawej stronie. Spróbujmy przywrócić wszystko do kadru i utrzymać pochylenie.
Zdjęcie 2 (pochylenie 2). Obiekty są wyraźnie przypisane w kadrze, jednak nachylenie pokrywa się z przekątną naturalnego ruchu spojrzenia (reguła lewej ręki) i dlatego jest całkowicie nieczytelne. Nie ma więc dynamiki ruchu, jest poślizg. Gdybyśmy chcieli uzyskać wrażenie pełzania, to ujęcie byłoby dla nas w sam raz.
Zdjęcie 3 (przechylenie 3. Ślad ruchu). Zmień nachylenie na przeciwne. Pojawił się ruch, ale niezbyt wyraźny.
Zdjęcie 4 (pełzające podsumowanie). Pochylenie zostało nieznacznie zwiększone, a efekt ruchu zwiększony. Muszla zamieniła się w żywą istotę, która chce się gdzieś odczołgać i jednocześnie zostawia za sobą ślad monet. Nie możemy powiedzieć, że to arcydzieło, ale to zdjęcie już budzi pewne skojarzenia. Nie ma żadnych linii jako takich*, ale można je odgadnąć. Węzły uwagi zaangażowane są zgodnie z zasadą trzech trzecich.
* Wszelkie linie na obrazie są dobrym narzędziem oddziaływania emocjonalnego na widza. Zakrzywione linie uspokajają; przerywane linie działają drażniąco; linie pionowe przekazują wielkość, siłę, moc; poziomy - cisza i spokój; przekątna - dynamika.
W zasadzie nadal można pracować z końcowymi zdjęciami drugiej i trzeciej serii. Na przykład baw się światłem, cieniami, intensywnością odbić powierzchniowych. Wszystko to stworzy dodatkową dynamikę. Praca ze światłem to kolejny temat naszych warsztatów.
A zanim zakończymy ten temat, chcemy dać radę: „Patrząc przez wizjer, wyobraź sobie, co widzisz jako fotografię w ramce na ścianie swojego domu. Jeśli jesteś zadowolony, możesz ostrożnie nacisnąć spust migawki, jeśli nie, kontynuuj szukanie kąta.
*Zasada trzech trzecich. W pionie i poziomie rama jest tradycyjnie podzielona na trzy równe części. Lepiej jest umieścić dowolne powierzchnie w proporcji 1:2. Na przykład umieść niebo w jednej górnej części zdjęcia. W dwóch dolnych - ziemia. Lub odwrotnie. Takie zestawienie pozwala określić, co dominuje na obrazie, a co jest podkreślane. Ponadto na przecięciu dwóch pionowych i dwóch poziomych linii, które warunkowo dzielą obraz na części, powstają cztery „węzły” uwagi. Najlepiej umieszczać w nich przedmioty.
**Reguła lewej ręki. Większość ludzi patrzy najpierw na lewy górny róg obrazu, a następnie wzrok przesuwa się w prawy dolny róg. Jeżeli na zdjęciu trzeba wyróżnić np. drogę, to lepiej poprowadzić ją od lewego dolnego rogu do prawego górnego. W ten sposób, wzdłuż naturalnego ruchu oka od lewej do prawej, „potknie się” o granice drogi i podświetli ją. W przeciwnym razie droga po prostu zniknie z obrazu.
*** Istnieją dwa rodzaje równowagi fotograficznej: formalna i nieformalna. Równowagę formalną osiąga się poprzez absolutną symetrię po lewej i prawej stronie optycznego środka obrazu. Tak wyważona kompozycja podkreśla dostojność, stabilność i konserwatyzm obrazu. Równowagę można osiągnąć inaczej, umieszczając elementy o różnych rozmiarach, kształtach i intensywności kolorów w różnych odległościach od centrum optycznego. To jest nieformalna równowaga. Dzięki temu zdjęcie jest bardziej pomysłowe i bogate emocjonalnie.
_______________________
„Nie jest mądrze łamać zasady, zanim nie nauczysz się ich przestrzegać”.
T.S. Eliota, wywiad z Przegląd Paryża (nr 21, 1959)
Istnieje wiele „zasad kompozycji”, których możemy użyć, aby ulepszyć nasze obrazy. Najbardziej znane z nich były formułowane na przestrzeni wieków przez artystów pracujących w różnych mediach wizualnych, od architektury, przez malarstwo, po fotografię. I chociaż wszyscy znamy powiedzenie „zasady są po to, by je łamać”, korzyści płynące z wiedzy z wyprzedzeniem, co dokładnie zamierzasz złamać, są oczywiste.
W tym artykule przyjrzymy się trzem takim zasadom kompozycji wraz z przykładami ilustrującymi je i omówimy, dlaczego można je uznać za przydatne narzędzia twórcze.
Zasada trójpodziału
Zasada trójpodziału jest prawdopodobnie najpopularniejszą techniką znaną artystom wizualnym. Mówiąc najprościej, pomysł jest taki, że znaczące elementy kompozycyjne należy umieścić wzdłuż wyimaginowanych linii, które dzielą obraz na trzy części, poziomo i pionowo. Elementy szczególnie interesujące można umieścić na przecięciu tych linii, aby stworzyć bardziej wyrazistą i dynamiczną kompozycję, jak pokazano na parze obrazów poniżej.
Kompozycja idealnie skupia się na wydmie.
Tutaj grzbiet wydmy i horyzont są rozmieszczone wzdłuż wyimaginowanych linii, dzieląc obraz na siatkę 3 x 3.
Zasada trójpodziału została po raz pierwszy sformalizowana w literaturze przez artystę Johna Thomasa Smitha w 1797 r. Jednak przykłady obiektów artystycznych, w których zastosowano tę regułę, można odnaleźć w tradycjach artystycznych już od najdawniejszych czasów. Sztuka wschodnioazjatycka jest szczególnie znana ze stosowania asymetrycznych kompozycji.
Dlaczego więc stosowanie zasady trójpodziału pomaga w tworzeniu interesujących obrazów?
Asymetria
Przy każdej z technik omówionych w tym artykule staramy się uwypuklić pewne elementy obrazu i ustalić równowagę między elementami.
Kadrowanie kompozycji w trzech częściach często wprowadza asymetrię do kadru, co pomaga nadać obrazowi dramaturgię, której może brakować w idealnie symetrycznym obrazie.
Na poniższym obrazku widać, że oczy modelki i konia są rozmieszczone wzdłuż wyimaginowanej siatki. Prawe oko konia znajduje się na przecięciu dwóch linii. Oczy są oczywiście mocnym elementem kompozycyjnym. Nasze oczy w naturalny sposób przyciągają oczy innych. Umieszczenie takich ważnych elementów – czy to części ciała, czy produktu na sprzedaż – wzdłuż tych linii pomaga zwrócić na nie uwagę.
Zwróć uwagę na położenie oczu modela i konia wzdłuż linii siatki dzielących kadr na trzy części po obu stronach. Podczas fotografowania ludzi lub zwierząt oczy są zwykle dobrym elementem kompozycji, który warto podkreślić.
Zanim przejdziemy dalej, chciałbym zaznaczyć, że chociaż stosowanie zasady trójpodziału na początku kadrowania ujęcia ma oczywiste zalety, nadal można z niej skorzystać w postprodukcji poprzez kadrowanie. Tak naprawdę najszybszym sposobem na nauczenie się „widzenia” trzecich części jest poświęcenie czasu na eksperymentowanie z kadrowaniem istniejących ujęć i porównywaniem obu wersji.
Równowaga dynamiczna
Oprócz tego, że jest przydatna do określania rozmieszczenia drobnych szczegółów, takich jak oczy modelki, reguła trójpodziału może być również stosowana w przypadku dużych elementów, które wpływają na ogólną równowagę kompozycji. Obraz krajobrazu zamieszczony na początku artykułu jest dobrym przykładem wykorzystania zasady trójpodziału do dostosowania położenia linii horyzontu i kluczowych elementów geologicznych.
Oto kolejny przykład wykorzystania tej reguły do stworzenia równowagi w dynamicznej kompozycji. Na tym zdjęciu model zajmuje tylko środkową i prawą trzecią część obrazu. Najbardziej wysunięte na lewo części reprezentują przestrzeń ujemną, zapewniając wrażenie ruchu poprzez kontrast i progresję wartości tonalnych na obrazie.
Przyjrzyj się balansowi kompozycyjnemu pomiędzy ciałem modelki a negatywną przestrzenią. Całkowicie pokrywają odpowiednio jedną z zewnętrznych kolumn siatki i dzielą środkową. Zaznacz także położenie stopy i kolana modela, które znajdują się wzdłuż jednej z linii. Zwróć uwagę na punkt na jego krawędziach, w którym widoczna jest różnica w oświetleniu.
Złoty podział
Spróbuj wyobrazić sobie, jak wyglądałoby to samo zdjęcie, gdyby model został umieszczony bezpośrednio w środku kadru. Kompozycja straciłaby wiele nie tylko na swojej dramatyzmu, ale i na wyczuciu dynamiki.
Kolejna koncepcja wizualna, wywodząca się z czasów starożytnych i stosowana do dziś, wywodzi się ze sztuki starożytnej Grecji. Jest znana jako złoty podział(I złoty podział, podział na stosunek skrajny i średni). Omówimy kryjącą się za tym matematykę nieco później, ale podobnie jak zasada trójpodziału, zasadniczo polega ona na podzieleniu obrazu na prostokątne segmenty.
Te „złote prostokąty” mają proporcje, które zdaniem starożytnych Greków były szczególnie harmonijne i przyjemne dla oka. Umieszczenie kluczowych elementów kompozycji wewnątrz lub na przecięciu tych prostokątów może pomóc w ich wyróżnieniu i stworzeniu dobrze wyważonego obrazu, takiego jak ten widoczny poniżej.
To zdjęcie charakteryzuje się dobrą równowagą pomiędzy głównym obiektem a otoczeniem. Kompozycja została skomponowana zgodnie z zasadą złotego podziału, co wyjaśnię poniżej.
Obliczenia złotego podziału są mniej oczywiste niż te stosowane w przypadku zasady trójpodziału, dlatego jest ona nieco mniej znana wśród artystów niż, powiedzmy, matematycy czy inżynierowie. Warto jednak zapoznać się przynajmniej z podstawami koncepcji.
Złoty podział wynosi w przybliżeniu 1:1,6, a dokładniej 3/8:5/8. Na obrazku poniżej widzisz dwa segmenty, A I B. Odcinek A 1,6 razy dłuższy od segmentu B. A segment połączony, A+ B, również 1,6 razy dłuższy od segmentu A. A więc proporcje segmentów A I B reprezentują złoty podział.
Wizualna reprezentacja elementów złotego podziału (dzięki Wikimedia).
złoty prostokąt(na zdjęciu poniżej) - to ten, którego krótkie (a) i długie (a+b) boki są względem siebie w stosunku 1:1,6. Dowolny złoty prostokąt można dalej podzielić linią, która przełamuje długi bok w tym samym stosunku. Dokładnie to samo zrobiono na poniższej ilustracji, aby utworzyć segment B. Możesz kontynuować ten podział, aby uzyskać coraz mniejsze prostokąty, jeden w drugim.
Złoty prostokąt (dzięki Wikimedia).
Pionowa linia znajdująca się w przybliżeniu w 3/8 odległości od lewej krawędzi wyznacza krawędzie naszego pierwszego złotego prostokąta.
Pozioma linia umieszczona w przybliżeniu w 3/8 długości od górnej krawędzi tworzy drugi złoty prostokąt.
Jak to dokładnie działa, jeśli chodzi o kompozycję? Przyjrzyjmy się bliżej zdjęciu, od którego zaczyna się ta sekcja. Ponieważ stosunek 1:1,6 nie jest tak łatwy do wyobrażenia, możemy zamiast tego myśleć o nim jak o 3/8:5/8, co oznacza, że naszym celem jest podzielenie kadru na 3/8 wzdłuż jednego z boków (trochę mniej niż połowa). Dokładnie to samo zrobiono na pierwszym obrazku poniżej: od lewej krawędzi rysowana jest pionowa linia o długości około 3/8 długości dłuższego boku.
Po utworzeniu pierwszego złotego prostokąta możemy powtórzyć proces i wewnątrz pierwszego obrysować także drugi, mniejszy, jak widać na drugiej ramce powyżej. Najbardziej dramatycznie oświetlona część ciała modelki znajduje się wewnątrz naszego pierwszego prostokąta. Większość jej twarzy jest w drugiej. To pokazuje, że zamykając w obrębie tych prostokątów elementy istotne kompozycyjnie, możemy zwrócić na nie uwagę. Podobnie jak zasada trójpodziału, podejście to tworzy asymetryczną kompozycję, która służy prowadzeniu oka widza.
Możesz nadal dzielić ramki na coraz mniejsze prostokąty, dodając pionowe i poziome linie w kolejności zachowującej złoty stosunek 3/8:5/8. Na tym zdjęciu najmniejszy prostokąt (niebieski) jest umieszczony dokładnie wokół części twarzy fotografowanej osoby znajdującej się najbliżej aparatu.
Przekątne
Artyści od dawna intuicyjnie rozumieli, że wykorzystanie elementów ukośnych to kolejny sposób na stworzenie dramatyzmu w jednowymiarowej kompozycji. Ukośne linie prowadzą oko przez obraz i pomagają stworzyć wrażenie ruchu. W fotografii krajobrazowej przekątne często powstają z dróg, rzek, ścian lub innych obiektów „liniowych”.
Na tym zdjęciu widoczne są mocne przekątne, utworzone przez linie ramion modelki i płynący materiał użyty w sesji. Elementy te prowadzą oko widza przez obraz.
Fotografując ludzi, można wykorzystać sylwetki ramion, nóg lub pleców modela. Ważne jest, aby zrozumieć, że przekątne kompozycyjne nie ograniczają się tylko do oczywistych kształtów i krawędzi obiektu. Koncepcję przekątnych można zastosować do sposobu rozmieszczenia obiektów w kadrze, w podobny sposób, jak zasady, które omówiliśmy powyżej.
Jak to działa? Narysuj wyimaginowane linie wychodzące z 45-stopniowych narożników kadru, jak pokazano poniżej, i umieść wzdłuż tych linii znaczące obiekty. Na pierwszym obrazku poniżej zwróć uwagę, jak oko modelki, jej lewa noga i obiektyw aparatu u jej stóp są ustawione dokładnie na przekątnych zbudowanych z rogów zdjęcia. Uchwyt parasola opiera się na punkcie mocowania, w miejscu przecięcia dwóch przekątnych.
Obraz ilustrujący metodę diagonalną
Ta sama scena, ale z innym, nieukośnym sposobem kadrowania.
Drugie zdjęcie pochodzi z tej samej sesji, ale bez zastosowania metody diagonalnej. Ramka wygląda na „ciasną”, torba z aparatem znajduje się zbyt blisko krawędzi zdjęcia. Na obrazie jest za mało pierwszego planu w porównaniu z ilością przestrzeni w pionie nad modelem.
Holenderski fotograf Edwin Westhoff sformułował „metodę przekątnych” jako zasadę kompozycyjną, która odzwierciedla tę ideę. Ma bardzo pomocny samouczek, który bardziej szczegółowo wyjaśnia jego podejście.
Stosowanie tych zasad
Kiedy już wiesz, jak skierować uwagę widza na poszczególne elementy obrazu, pojawia się pytanie, co dokładnie powinieneś starać się podkreślić. Skąd wiesz, do których elementów sceny powinny odnosić się te zasady?
Pomyśl o głównych punktach obrazu. Czy starasz się zwrócić uwagę widza na konkretny element krajobrazu? Oko modelki? Produkt? Elementy kompozycyjne nie powinny ograniczać się do tak oczywistych rzeczy jak pręciki kwiatu, czy element biżuterii, jeśli chodzi o reklamę produktu. Rozważ zastosowanie zmian koloru i tekstury lub przestrzeni negatywnej i pozytywnej w odniesieniu do tych zasad.
Jak w przypadku każdej techniki, jej opanowanie wymaga ciągłej praktyki. Zacznij od zasady trójpodziału (najłatwiej to sobie wyobrazić) i pamiętaj o tym, kadrując obraz przez wizjer lub wyświetlacz LCD. To świetny sposób, aby nauczyć się „widzieć” kompozycje i zacząć przyswajać technikę.
Zasady złotego podziału i przekątnych najprawdopodobniej łatwiej będzie przećwiczyć poprzez kadrowanie w postprodukcji. Niewielu z nas (jeśli w ogóle) potrafi sobie wyobrazić na przykład zagnieżdżone prostokąty podczas fotografowania. Wiele popularnych edytorów graficznych umożliwia nawet nakładanie na ramę specjalnych siatek do kadrowania przy użyciu tych technik kompozycyjnych, co znacznie ułatwia ich użycie.
Oczywiście te zasady to tylko próbka wielu technik, którymi dysponujesz, aby uzyskać przyjemną kompozycję. Inne opierają się na idei balansu kolorów, selektywnej ostrości, proporcji pierwszego planu do tła, kadrowania, geometrii… lista jest długa. Zasady, które przedstawiłem, są dobrym punktem wyjścia do krytycznego myślenia o kompozycji.
Gorąco polecam te reguły jako przydatne narzędzia do tworzenia dynamicznych i ciekawych obrazów. Jednak, jak w przypadku każdej działalności twórczej, należy je traktować jako sugestie, a nie rygorystyczny dogmat.
Tak, warto je świadomie poćwiczyć przez jakiś czas, ale nie pozwólcie, aby były jedynymi głosami, których słuchacie w procesie twórczym. Co więcej, zrozumienie teorii leżącej u podstaw tych zasad pozwala czasami celowo tworzyć niesamowite obrazy naruszające ich. Temat ten poruszę w kolejnym artykule. Zostań z nami.
Autor artykułu: Tomasza Parka-to fotograf mody, artysta wizualny i pedagog mieszkający w Seattle w stanie Waszyngton. Aby zapoznać się z jego twórczością należy wejść na stronę internetową .
Modele : Nicole Cooper, Lissa Chartrand, Beth K., Amelia T., Curran S. Styl i makijaż : Taryn Hart, Daniel @ Pure Alchemy, Dawn Tunnell, Michael Hall, Amy Gillespie, Ashley Gray, Julia Ostrowski. Beth chciałaby podziękować Gildii Modelek z Seattle. Płótno: na Nicole -Kira K i vintageAnna Taylora, w zakładzie -Neodandi, na Amelię -Wai- Ching, na Curren-Płaszcz, Sztylet Nowy Jork IEugenia Kima.
