Historia muzycznych stylów scenicznych. Sztuka sceniczna. Przesłanki powstania i historia rozwoju pop-artu Taniec na scenie

Różnorodność zajęła ważne miejsce w kulturze masowej Rosji, a wydarzenia ostatnich dziesięcioleci pokazują, że różnorodność, jako najpopularniejsza forma sztuki, odgrywa ważną rolę w życiu publicznym, stając się popularnym środkiem wyrażania potrzeb kulturowych i orientacji wartości różnych warstw społeczeństwa. Biorąc pod uwagę fakt, że sztuka różnorodności jest jedną z najbardziej responsywnych społecznie i mobilnych form sztuki, badanie tego zjawiska pomoże lepiej zrozumieć procesy duchowe zachodzące w społeczeństwie.

Na początku ubiegłego wieku branża gramofonowa w Rosji rosła w siłę – rosła liczba fabryk i zakładów produkujących płyty, poprawiała się ich jakość, a repertuar się powiększał. W rzeczywistości pojawiła się nowa branża, w przeciwieństwie do żadnej ze znanych branż. Ściśle splotła problemy natury technicznej i twórczej, handlowej i prawnej. Kompozytorzy, poeci, śpiewacy, orkiestry i chóry, kuplety i gawędziarze brali udział w nagraniu płyt, organizowanym przez handlarzy gramofonami. Studia swoją atmosferą przypominały kulisy teatru ze wszystkimi teatralnymi atrybutami. Znani śpiewacy - dumni i nie do zdobycia, znający swoją wartość - oferowali kontrakty z uprzejmością właściwą każdemu przedsiębiorcy-przedsiębiorcy, który oczekuje sukcesu u publiczności i dobrej kolekcji. Gwiazdy drugiej wielkości i na wpół zagłodzone gościnnie spotkali się inaczej. W pobliżu ustnika kipiały namiętności i tkane były intrygi - taka była zła strona biznesu gramofonowego.
W modzie zaczęło stawać się księgowanie metryk: w domach zamożnych mieszczan istniały księgozbiory liczące sto i więcej numerów.

Najpopularniejszym terminem, który pojawił się na długo przed pojawieniem się pojęcia sztuki odmianowej, jest „różnorodność”, ale nie jako nazwa instytucji koncertowej, ale jako oznaczenie całej odmiany sztuki. Jeśli przejdziemy do historii pojawienia się koncepcji „variety show”, to jej źródeł można doszukać się w programach numerów rozrywkowych pokazywanych w kawiarniach i restauracjach w przemysłowych regionach Anglii pod koniec XVIII wieku. Samo słowo „odmiana” w języku francuskim oznacza różnorodność, różnorodność. Termin ten zaczął łączyć wszystkie formy artystycznej rozrywki. Rzeczywiście, występy artystów na jarmarkach, w salach koncertowych, w kawiarniach koncertowych, w teatrach kabaretowych cechuje różnorodność, choć, jak można ustalić w wyniku dalszych analiz, wcale nie jest to główne i wyróżniające funkcja w tej dziedzinie sztuki.

Na początku XX wieku w Rosji otwarto wszelkiego rodzaju teatry małych form i na tym tle zaczęto stosować inną koncepcję - scenę, która oznaczała rozrywkowe występy koncertowe na otwartych przestrzeniach. Dziś, jako ogólną koncepcję, która łączy wszystkie odmiany sztuki łatwo dostrzegalnych gatunków, należy przyjąć pojęcie „sztuki odmian” (lub w skrócie sztuka odmiany), używane w krajowej historii sztuki od stu lat.
Już w pierwszej dekadzie XX wieku. określenie „rozmaitość” zaczyna migotać w prasie nie tylko w powszechnie wówczas przyjętym znaczeniu – „platforma, wzniesienie np. dla muzyki”, ale także szeroko, włączając w to wszystkich, aktorów, pisarzy, poetów, dochodzących do tego” Platforma". Na łamach autorytatywnego czasopisma „Złote runo” z 1908 r. ukazał się artykuł „Różnorodność”. Jej autor przenikliwie dostrzegł antynomię, jaka pojawia się przed każdym, kto wejdzie na scenę:

a) etap jest niezbędny dla rozwoju i utrzymania umiejętności oraz dla ukształtowania osobowości artysty;

b) sztuka różnorodności jest szkodliwa dla obu.

Autor dostrzegał „szkodliwość” w dążeniu aktorów do sukcesu za wszelką cenę, zgodności z gustami masowej publiczności, przemiany sztuki w sposób wzbogacania, źródło życiowych błogosławieństw. Rzeczywiście, takie zjawiska tkwią również we współczesnej muzyce pop, dlatego w naszej pracy wprowadzamy takie pojęcie jak „różnorodność”, czyli granie „dla publiczności”, chęć przykucia uwagi widza za wszelką cenę, co , przy braku prawdziwego talentu, gustu i poczucia proporcji wśród wykonawców, często prowadzi do zgubności, o której mówił autor powyższego artykułu. Były też inne artykuły, w których scenę traktowano jako fenomen nowej kultury miejskiej. Wszakże w tym okresie w mieście stopniowo słabła zależność człowieka od warunków naturalnych (przede wszystkim od zmiany pór roku), co doprowadziło do zapomnienia kalendarza i obrzędowego folkloru, przesunięcia terminu świąt. według P.G. Bogatyrewa, do zdecydowanej przewagi form werbalnych nad niewerbalnymi. W tych samych latach (1980-1890) w Rosji następuje pojawienie się kultury masowej, która z kolei odtwarza wiele ogólnych właściwości tradycyjnego folkloru, które charakteryzują się społecznym i adaptacyjnym znaczeniem dzieł, ich dominującym anonimowość, dominacja stereotypu w ich poetyce; drugorzędne motywacje fabuły w tekstach narracyjnych itp. Jednak kultura masowa znacznie różni się od tradycyjnego folkloru pod względem ideologicznej „policentryczności”, zwiększonej zdolności do tematycznego i estetycznego umiędzynarodowienia swoich produktów oraz „strumieniowego” odtwarzania w formie identycznych kopii, nie do pomyślenia dla twórczości ustnej.
Ogólnie rzecz biorąc, w Rosji scena miejska końca XIX i początku XX wieku charakteryzuje się zależnością od odbiorców, do których jest zorientowana. W związku z tym gama odmian – od „salonowych” po najbardziej „demokratyczne” – jest niezwykle szeroka i różni się zarówno charakterem „sceny”, jak i typem wykonawców, nie mówiąc już o repertuarze. A jednak można stwierdzić, że termin „rozmaitość” na początku XX wieku był jeszcze używany czysto funkcjonalnie: jako „repertuar odmianowy”, „śpiew popowy” itp., czyli nie tylko jako definicja platforma, na której toczy się akcja, ale także jako element muzycznego spektaklu rozrywkowego.

W wyniku powstałej po październiku potrzeby upaństwowienia „wszelkiego rodzaju scen” i małych prywatnych przedsiębiorstw, wielu pojedynczych aktorów, a także małych, często rodzinnych grup itp., koncepcja sceny utrwaliła się jako oznaczenie odrębnego art. Przez dziesięciolecia w Rosji Sowieckiej, a potem w ZSRR będą rozwijane i zmieniane systemy zarządzania tą sztuką, powstawać będą różne stowarzyszenia, złożone wieloetapowe formy niezależnego podporządkowania. W estetyce sowieckiej kwestia niezależności pop-artu pozostawała dyskusyjna. Różnego rodzaju uchwały, spółki regulowały praktykę odmianową. „Walka” z satyrą, romansami rosyjskimi i cygańskimi, jazzem, rockiem, stepowaniem itp. sztucznie wyprostowała linię rozwoju odmian, wpłynęła na ewolucję gatunków i losy poszczególnych artystów.

W Wielkiej Encyklopedii Radzieckiej z 1934 r. ukazał się artykuł poświęcony temu, że scena jest dziedziną małych form sztuki, ale jednocześnie nie poruszono w żaden sposób kwestii kompozycji gatunkowej sceny. Zwrócono więc uwagę nie tyle na estetykę, ile na morfologiczną treść tego terminu. Sformułowania te nie są przypadkowe, odzwierciedlają obraz poszukiwań z lat 30. i 40., kiedy zakres sceny rozszerzał się niemal bez ograniczeń. W ciągu tych lat, jak pisze E. Gershuni, „pop art dążył do równości z „wielką” sztuką…”. Przede wszystkim wynika to z pojawienia się w Rosji Sowieckiej prekursora sztuki nowoczesnej, PR - społecznej technologii kontroli masowej. W gruncie rzeczy artysta (zwykle lokalny działacz związkowy) przejął ideologiczną kontrolę nie tylko świąt, ale także życia codziennego. Oczywiście żadne wakacje nie minęły bez koncertu pop. Należy zauważyć, że sam masowy artysta w życiu codziennym z reguły miał poczucie różnorodności. W końcu zawsze musi być w centrum uwagi, bawić i bawić publiczność.

W procesie rozwoju sztuki radzieckiej treść terminu „odmiana” nadal się zmieniała. Pojawiło się pojęcie sztuki odmiany, którą zdefiniowano jako „formę sztuki, która jednoczy tzw. małe formy dramaturgii, sztuka dramatyczna i wokalna, muzyka, choreografia, cyrk.

Rosyjski przemysł muzyczny zaczął się rozwijać w 1901 roku. W rzeczywistości nie był to całkowicie rosyjski, ale francuski przemysł w Rosji: firma Pate Marconi otworzyła swój oddział w Rosji i zaczęła stemplować rekordy. Tak jak w Europie pierwszym zarejestrowanym śpiewakiem był Enrique Caruso, tak w Rosji jako pierwszy stał się światowej sławy śpiewak operowy Fedor Chaliapin. A pierwsze rosyjskie płyty, podobnie jak w Europie, dotyczyły muzyki klasycznej.

Obraz muzyczny przedrewolucyjnej Rosji był kompletny. Muzyka akademicka i muzyka pop współistniały organicznie w tej samej przestrzeni kulturowej, w której muzyka pop rozwinęła się w ogólnym nurcie tekstów romantycznych (odzwierciedlającym jego różnorodność i ewolucję) oraz kulturze tanecznej swoich czasów. Szczególne miejsce zajmowała część folklorystyczna sceny - chór Pyatnitsky, wykonawcy pieśni ludowych - L. Dolina, eposy - Krivopolenova i Prozorovskaya. Po klęsce pierwszej rewolucji (1905) popularne były pieśni o więzieniu, niewoli karnej i wygnaniu. W gatunku aktualnego kupletu i muzycznej parodii artyści wykonywali różne role: „fraki” – dla modnej publiczności, „łykowe buty” – dla chłopów, „artyści rozdartego gatunku” – dla miasta. Popularne rytmy taneczne przeniknęły do umysłów ludzi wraz z składaniem salonowych i miejskich orkiestr dętych, które specjalizowały się w wykonywaniu muzyki tanecznej. W salonach i studiach uczono tanga, fokstrota, shimmy, dwóch kroków. Pierwsze wykonania A. Vertinsky'ego z gatunku opowiadań muzycznych i poetyckich pochodzą z 1915 roku.

Rozkwit rosyjskiej sceny nastąpił na tle bezprecedensowego rozwoju nowych środków „informacji masowej”, takich jak płyty gramofonowe. W latach 1900-1907 sprzedano 500 000 gramofonów, a roczny nakład płyt osiągnął 20 milionów. Oprócz muzyki rozrywkowej mieli też sporo klasyki (Chaliapin, Caruso).
Z wykonawcami solowymi konkurują popularne chóry D.Agreneva-Slavyansky'ego, I.Yuchova i innych, które wykonywały pieśni w „stylu rosyjskim” („The Sun Rses and Sets”, „Ukhar the Merchant” itp.). rywalizował z rosyjskimi chórami bałałajkami, waltornistami, harfiarzami.

W latach dziesiątych sławę zdobyli pierwsi prawdziwie folklorystyczni wykonawcy, tacy jak zespół M. Pyatnitsky'ego. Artyści o "intymnym" stylu francuskich chansonniers występują w teatrach i kabaretach w Petersburgu i Moskwie (A. Vertinsky). Pod koniec XIX wieku nastąpił wyraźny podział pieśni na „filharmonię” (romans klasyczny) i właściwie „różnorodność” (romans cygański, dawny romans, pieśni nastrojów). Na początku XX wieku masowe pieśni śpiewane na politycznych zgromadzeniach i manifestacjach stają się powszechne. Ta piosenka ma za kilka dziesięcioleci stać się wiodącą odmianą radzieckiej piosenki pop.

Po 1917 sytuacja zaczęła się zmieniać. Stan ideologiczny jest zjawiskiem, które nie jest jeszcze w pełni poznane i nie do końca zbadane. Rewolucja była duchowo oparta na idei, która została siłą zaszczepiona w społeczeństwie, pozbawiając ludzi prawa wyboru, dokonując tego za nich. Ale człowiek jest tak ukonstytuowany, że jego świadomość mimo wszystko opiera się temu, co jest mu narzucone, nawet w najlepszych intencjach. Państwo uznało, że „potrzebuje” klasyki, „potrzebuje” sowieckiej piosenki, „potrzebuje” folkloru. I nieświadomie nawet arcydzieła muzyki klasycznej zaczęto postrzegać jako część państwowej machiny ideologicznej mającej na celu zneutralizowanie jednostki, rozpuszczenie odrębnego „ja” w monolityczne „my”.

Muzyka pop w naszym kraju jest najmniej ideologiczną częścią procesu muzycznego. Mimowolnie stała się jedynym ujściem dla narodu radzieckiego, czymś w rodzaju łyku wolności. Ta muzyka w umyśle prostego człowieka nie niosła niczego pouczającego, odwołującego się do naturalnych uczuć, nie tłumiącego, nie moralizującego, ale po prostu komunikującego się z człowiekiem w jego języku.

Korzenie sceny sięgają odległej przeszłości, wytropionej w sztuce Egiptu, Grecji, Rzymu; jej elementy obecne są w przedstawieniach wędrownych komików-bufonów (Rosja), szpilmanów (Niemcy), kuglarzy (Francja), dandysów (Polska), maskarabów (Azja Środkowa) itp.

Satyra na miejskie życie i obyczaje, ostre żarty na tematy polityczne, krytyczny stosunek do władzy, kuplety, skecze komiksowe, dowcipy, gry, pantomima klauna, żonglerka, muzyczna ekscentryczność to zaczątki przyszłych gatunków pop, które narodziły się w zgiełku karnawału i publiczna rozrywka.

Szczekacze, którzy za pomocą dowcipów, dowcipów, zabawnych kupletów sprzedawali dowolny produkt na placach i rynkach, później stali się prekursorami artysty. Wszystko to miało charakter masowy i zrozumiały, co było nieodzownym warunkiem zaistnienia wszystkich gatunków pop. Wszyscy średniowieczni artyści karnawałowi nie grali przedstawień.

W Rosji początki gatunków pop przejawiały się w bufonach, zabawie i masowej twórczości festiwali ludowych. Ich przedstawicielami są dziadkowie raus-jokerzy z niezbędną brodą, którzy zabawiali i zapraszali publiczność z górnej platformy budki-raus, pietruszka, raesznik, przywódcy „uczonych” niedźwiedzi, aktorzy-bufony, grający „szkice” i „repryzy”. ” wśród tłumu, grającego na dudach, harfie, smarkaczach i zabawiających ludzi.

Sztuka różnorodności charakteryzuje się takimi cechami jak otwartość, lapidarność, improwizacja, odświętność, oryginalność, rozrywka.

Rozwijając się jako sztuka świątecznego wypoczynku, muzyka pop zawsze dążyła do niezwykłości i różnorodności. Samo uczucie świętowania powstało dzięki zewnętrznej zabawie, grze świateł, zmianie malowniczej scenerii, zmianie kształtu sceny itp. Pomimo tego, że scenę charakteryzuje różnorodność form i gatunków, można ją podzielić na trzy grupy:

Scena koncertowa (wcześniej nazywana „dywersyfikacją”) łączy w sobie wszelkiego rodzaju występy w różnych koncertach;

Scena teatralna (występy kameralne teatru miniatur, teatrów kabaretowych, kawiarnio-teatralnych lub rewia koncertowa na dużą skalę, sala muzyczna, z liczną kadrą wykonawczą i pierwszorzędnym wyposażeniem scenicznym);

Scena świąteczna (festiwale folklorystyczne, święta na stadionach, pełne numerów sportowych i koncertowych, a także bale, karnawały, maskarady, festiwale itp.).

Są też takie:

3. 1. RÓŻNORODNE TEATRY

3.1.1 SALE MUZYCZNE

Jeśli podstawą przedstawienia odmiany jest gotowy numer, to recenzja, jak każda akcja dramatyczna, wymagała podporządkowania fabuły wszystkiego, co dzieje się na scenie. To z reguły nie łączyło się organicznie i prowadziło do osłabienia jednego ze składników przedstawienia: albo spektaklu, albo postaci, albo fabuły. Stało się to podczas produkcji „Cudów XX wieku” – spektakl rozpadł się na szereg niezależnych, luźno powiązanych ze sobą odcinków. Tylko zespół baletowy i kilka pierwszorzędnych przedstawień rozrywkowych i cyrkowych odniosło sukces z publicznością. Zespół baletowy wystawiony przez Goleizovsky'ego wykonał trzy numery: „Hey, Let's Go!”, „Moscow in the Rain” i „30 English Girls”. Szczególnie spektakularny był występ „Węża”. Wśród numerów cyrkowych najlepsi byli: Tea Alba i „Australian Drwale” Jackson i Laurer. Alba jednocześnie prawą i lewą ręką zapisywała kredą różne słowa na dwóch tablicach. Drwale pod koniec wyścigu rąbali dwie grube kłody. Znakomity numer bilansowy na drucie pokazał Niemiec Strodi. Wykonywał salta na drucie. Spośród sowieckich artystów, jak zawsze, wielki sukces odnieśli Smirnov-Sokolsky i ditties V. Glebova i M. Darskaya. Wśród numerów cyrkowych liczba Zoyi i Marthy Koch wyróżniała się na dwóch równoległych drutach.

We wrześniu 1928 odbyło się otwarcie Leningradzkiej Sali Muzycznej.

3. 1.2 TEATR MINIATUR - grupa teatralna pracująca głównie nad małymi formami: małe sztuki, szkice, szkice, opery, operetki wraz z numerami odmian (monologów, kupletów, parodii, tańców, pieśni). W repertuarze dominuje humor, satyra, ironia, a teksty nie są wykluczone. Zespół jest mały, teatr jednego aktora, dwóch aktorów jest możliwy. Przedstawienia, lakoniczne w konstrukcji, przeznaczone są dla stosunkowo niewielkiej publiczności, stanowią rodzaj mozaikowego płótna.

3. 1.3. GATUNKI MÓWIĄCE na scenie - symbol gatunków kojarzonych głównie ze słowem: artysta, interludium, szkic, skecz, opowieść, monolog, feuilleton, mikrominiaturka (inscenizowana anegdota), burime.

Entertainer - artysta może być sparowany, pojedynczy, masowy. Gatunek potoczny zbudowany zgodnie z prawami „jedności i walki przeciwieństw”, czyli przejścia od ilości do jakości zgodnie z zasadą satyryczną.

Monolog na różnorodność - może być satyryczny, liryczny, humorystyczny.

Interludium to scena komiksowa lub fragment muzyczny o zabawnej treści, który jest wykonywany jako samodzielny numer.

Szkic to mała scena, w której szybko rozwija się intryga, gdzie najprostsza fabuła budowana jest na nieoczekiwanych śmiesznych, ostrych sytuacjach, zwrotach, które pozwalają na powstanie w toku akcji całej serii absurdów, ale gdzie wszystko zwykle kończy się szczęśliwym rozwiązanie. 1-2 aktorów (ale nie więcej niż trzech).

Miniatura to najpopularniejszy gatunek potoczny w muzyce pop. Na scenie dziś popularna anegdota (niepublikowana, nie drukowana – z języka greckiego) to krótka aktualna opowieść ustna z nieoczekiwanym dowcipnym zakończeniem.

Gra słów to żart oparty na komicznym użyciu podobnie brzmiących, ale inaczej brzmiących słów w celu odtworzenia podobieństwa dźwiękowego równoważnych słów lub kombinacji.

Reprise to najczęstszy krótki gatunek potoczny.

Kuplety to jedna z najbardziej zrozumiałych i popularnych odmian gatunku potocznego. Dwuwiersz stara się ośmieszyć to lub inne zjawisko i wyrazić swój stosunek do niego. Musi mieć poczucie humoru

Gatunki muzyczne i potoczne obejmują dwuwiersz, piosenkę, chansonette, felieton muzyczny.

Popularna na scenie parodia może być „potoczna”, wokalna, muzyczna, taneczna. Kiedyś recytacje, melodeklamacje, montaże literackie, „Czytanie artystyczne” sąsiadowały z gatunkami mowy.

Nie da się podać precyzyjnie ustalonej listy gatunków mowy: nieoczekiwane syntezy słowa z muzyką, tańcem, gatunkami oryginalnymi (transformacja, wentrologia itp.) dają początek nowym formacjom gatunkowym. Ćwiczenia na żywo nieustannie dostarczają najróżniejszych odmian, nie jest przypadkiem, że na starych plakatach zwyczajowo do imienia aktora dodawano „w swoim gatunku”.

Każdy z powyższych gatunków mowy ma swoją własną charakterystykę, własną historię, strukturę. Rozwój społeczeństwa, warunki społeczne podyktowały pojawienie się tego lub innego gatunku na pierwszy plan. Właściwie tylko artysta urodzony w kabarecie może być uważany za gatunek „różnorodny”. Reszta pochodziła z budki, teatru, z łamów pism humorystycznych i satyrycznych. Gatunki mowy, w przeciwieństwie do innych, skłonne do opanowania nowinek zagranicznych, rozwijane zgodnie z tradycją narodową, w ścisłym związku z teatrem, z literaturą humorystyczną.

Rozwój gatunków mowy wiąże się z poziomem literatury. Za aktorem stoi autor, który „umiera” w performerze. A jednak sama wartość aktorstwa nie umniejsza znaczenia autora, który w dużej mierze decyduje o powodzeniu spektaklu. Twórcy często sami stawali się artystami. Tradycje I. Gorbunowa zostały podchwycone przez popowych gawędziarzy - Smirnov-Sokolsky, Afonin, Nabatov i inni stworzyli własny repertuar, a aktorzy, którzy nie mieli talentu literackiego, zwrócili się o pomoc do autorów, którzy pisali na podstawie ustnych występów, biorąc pod uwagę maska wykonawcy. Autorzy ci z reguły pozostawali „bezimienni”. Od wielu lat w prasie dyskutuje się o tym, czy utwór pisany do występu na scenie można uznać za literaturę. Na początku lat 80. powstał Ogólnounijny, a następnie Ogólnorosyjski Związek Autorów Rozmaitości, co przyczyniło się do legitymizacji tego typu działalności literackiej. „Anonimowość” autora to już przeszłość, co więcej, na scenę weszli sami autorzy. Pod koniec lat 70. ukazał się program „Za kulisami śmiechu”, skompilowany według rodzaju koncertu, ale wyłącznie z wykonań autorów muzyki pop. O ile w poprzednich latach tylko indywidualni pisarze (Averchenko, Ardov, Laskin) wymyślali własne programy, to teraz zjawisko to stało się powszechne. Do sukcesu w dużej mierze przyczynił się fenomen M. Żvanetsky'ego. Zaczynając w latach 60. jako autor Leningradzkiego Teatru Miniatur, omijając cenzurę zaczął czytać swoje krótkie monologi i dialogi podczas zamkniętych wieczorów w Domach Inteligencji Twórczej, które podobnie jak piosenki Wysockiego rozprowadzane były po całym kraju .

3. JAZZ NA STOISKU

Termin „jazz” jest powszechnie rozumiany jako: 1) rodzaj sztuki muzycznej opartej na improwizacji i szczególnej intensywności rytmicznej, 2) orkiestry i zespoły wykonujące tę muzykę. Określenia „zespół jazzowy”, „zespół jazzowy” są również używane do oznaczania zespołów (czasami wskazujących liczbę wykonawców - trio jazzowe, kwartet jazzowy, orkiestra jazzowa, big band).

4. PIEŚŃ NA STOISKU

Miniatura wokalna (wokalno-instrumentalna), szeroko stosowana w praktyce koncertowej. Na scenie jest często rozwiązywany jako miniatura sceniczna „gry” za pomocą plastyczności, kostiumu, światła, mise-en-scen („teatr piosenki”); Duże znaczenie ma osobowość, cechy talentu i umiejętności wykonawcy, który w niektórych przypadkach staje się „współautorem” kompozytora.

Gatunki i formy pieśni są zróżnicowane: romans, ballada, pieśń ludowa, kuplet, ditty, chansonette itp.; Zróżnicowane są także sposoby wykonania: solo, zespołowe (duety, chóry, zespoły wok-instr.).

Wśród muzyków popowych jest też grupa kompozytorów. Są to Antonow, Pugaczowa, Gazmanow, Loza, Kuzmin, Dobrynin, Kornelyuk i inni.

Współistnieje wiele stylów, obyczajów i trendów - od sentymentalnego kiczu i miejskiego romansu po punk rock i rap. Tak więc dzisiejsza piosenka jest wielobarwnym i wielostylowym panelem, który obejmuje dziesiątki kierunków, od imitacji krajowego folkloru po szczepienia kultur afroamerykańskich, europejskich i azjatyckich.

5. TANIEC NA STOISKU

Jest to krótki numer taneczny, solo lub zespołowy, prezentowany na koncertach grupowych, pokazach rozrywkowych, salach muzycznych, teatrach miniatur; towarzyszy i uzupełnia program wokalistów, szereg oryginalnych, a nawet gatunków mowy. Powstał na bazie tańca ludowego, codziennego (salowego), baletu klasycznego, tańca współczesnego, gimnastyki sportowej, akrobatyki, na skrzyżowaniu różnych wpływów obcych i tradycji narodowych. Charakter plastyczności tańca dyktują współczesne rytmy, ukształtowane pod wpływem sztuk pokrewnych: muzyki, teatru, malarstwa, cyrku, pantomimy.

Tańce ludowe były pierwotnie włączane do występów zespołów stołecznych. W repertuarze znalazły się przedstawienia teatralne urozmaicające życie wiejskie, miejskie i wojskowe, suity wokalno-taneczne z rosyjskich pieśni i tańców ludowych.

W latach 90. taniec na scenie ostro spolaryzował się, jakby wracając do sytuacji z lat 20. XX wieku. Grupy taneczne zajmujące się show-biznesem, takie jak Erotic Dance i inne, opierają się na erotyce – występy w nocnych klubach dyktują własne prawa.

6. LALKI NA STOJAKU

Od czasów starożytnych ludzie w Rosji cenili rękodzieło, kochali zabawki i szanowali zabawną grę z lalką. Pietruszka rozprawiał się z żołnierzem, policjantem, księdzem, a nawet samą śmiercią dzielnie wymachiwał maczugą, kładł na miejscu tych, których lud nie lubił, obalał zło, afirmował moralność ludu.

Pietruszewnicy wędrowali samotnie, czasem razem: lalkarz i muzyk, sami komponowali sztuki, sami byli aktorami, reżyserami - starali się zachować ruchy lalek, mise-en-scen, lalkowe sztuczki. Lalkarzy byli prześladowani.

Były też inne spektakle, w których grały lalki. Na drogach Rosji można było spotkać furgonetki załadowane marionetkami na sznurkach - marionetkami. A czasami pudełka z otworami w środku, wzdłuż których lalki były przenoszone od dołu. Takie pudełka nazywano szopkami. Lalkarze opanowali sztukę naśladownictwa. Lubili portretować śpiewaków, kopiować akrobatów, gimnastyków, klaunów.

7. PARODIA NA STOISKU

To numer lub spektakl oparty na ironicznym naśladowaniu (naśladowaniu) zarówno indywidualnego sposobu maniery, stylu, charakterystycznych cech i stereotypów oryginału, jak i całych nurtów i gatunków w sztuce. Amplituda komiksu: od ostro satyrycznej (poniżającej) do humorystycznej (przyjazna karykatura) - determinowana jest przez stosunek parodysty do oryginału. Parodia ma swoje korzenie w sztuce starożytnej, w Rosji od dawna jest obecna w grach bufonów, przedstawieniach farsy.

8. MAŁE TEATRY

Stworzenie w Rosji teatrów kabaretowych „Nietoperz”, „Krzywe lustro” itp.

Zarówno „Krzywe zwierciadło”, jak i „Nietoperz” były silnymi zawodowo grupami aktorskimi, których poziom kultury teatralnej był niewątpliwie wyższy niż w licznych teatrach miniaturowych (Pietrowski wyróżniał się bardziej niż inni z Moskwy, reżyserem był D.G. Gutman, Mamonowski, który uprawiał sztukę dekadencką, gdzie podczas I wojny światowej zadebiutował Aleksander Wiertiński, Nikolski - artysta i reżyser A.P. Pietrowski W Petersburgu - Troitsky A.M. Fokina - reżyser V.V.O. Toporkov, później artysta teatru artystycznego, z powodzeniem występował jako artysta estradowy.

4. Gatunki muzyczne na scenie. Podstawowe zasady, techniki i reżyseria.

Istnieją różne gatunki:

1 Muzyka latynoamerykańska

Muzyka latynoamerykańska (hiszp. musica latinoamericana) to uogólniona nazwa stylów i gatunków muzycznych krajów latynoamerykańskich, a także muzyki ludzi z tych krajów, którzy zwarto mieszkają w innych stanach i tworzą duże społeczności latynoamerykańskie (na przykład w USA). W mowie potocznej często używa się skróconej nazwy „muzyka łacińska” (hiszp. musica latina).

Muzyka latynoamerykańska, której rola w codziennym życiu Ameryki Łacińskiej jest bardzo duża, jest fuzją wielu kultur muzycznych, ale opiera się na trzech elementach: hiszpańskiej (lub portugalskiej), afrykańskiej i indyjskiej kulturze muzycznej. Z reguły piosenki latynoamerykańskie wykonywane są po hiszpańsku lub portugalsku, rzadziej po francusku. Wykonawcy latynoamerykańscy mieszkający w USA są zwykle dwujęzyczni i często używają angielskich tekstów.

Właściwa muzyka hiszpańska i portugalska nie należą do Ameryki Łacińskiej, są jednak z nią ściśle związane dużą liczbą powiązań; ponadto wpływ muzyki hiszpańskiej i portugalskiej na Amerykę Łacińską jest wzajemny.

Pomimo tego, że muzyka latynoamerykańska jest niezwykle niejednorodna i ma swoje własne cechy w każdym kraju Ameryki Łacińskiej, stylistycznie można ją podzielić na kilka głównych stylów regionalnych:

* Muzyka andyjska;

* Muzyka Ameryki Środkowej;

* muzyka karaibska;

* muzyka argentyńska;

* muzyka meksykańska;

* Muzyka brazylijska.

Należy jednak pamiętać, że taki podział jest bardzo arbitralny, a granice tych stylów muzycznych bardzo się zacierają.

Blues (angielski blues z niebieskich diabłów) to gatunek muzyki, który rozpowszechnił się w latach 20. XX wieku. Jest to jedno z osiągnięć kultury afroamerykańskiej. Powstała z takich etnicznych trendów muzycznych społeczeństwa afroamerykańskiego, jak „pieśń robocza” (pol. pieśń robocza), „spirituals” (pol. spirituals) i cholera (pol. Holler). Pod wieloma względami wywarł wpływ na współczesną muzykę popularną, zwłaszcza takie gatunki jak „pop” (angielska muzyka pop), „jazz” (angielski jazz), „rock and roll” (angielski rock’n’roll). Dominująca forma bluesa 4/4, w której pierwsze 4 takty są często grane na harmonii tonicznej, po 2 na subdominie i toniku, a po 2 na dominie i tonice. Ta przemiana jest również znana jako progresja bluesa. Często stosuje się rytm ósmych trioli z pauzą – tzw. shuffle. Charakterystyczną cechą bluesa są „niebieskie nuty”. Często muzyka budowana jest według struktury „pytanie-odpowiedź”, wyrażanej zarówno w treści lirycznej utworu, jak i treści muzycznej, często zbudowanej na dialogu instrumentów między sobą. Blues to improwizacyjna forma gatunku muzycznego, w której kompozycje często wykorzystują tylko główną wspierającą „ramę”, którą biją instrumenty solowe. Oryginalny motyw bluesa opiera się na zmysłowym, społecznym komponencie życia Afroamerykanów, jego trudnościach i przeszkodach, które pojawiają się na drodze każdego czarnoskórego człowieka.

Jazz to forma sztuki muzycznej, która powstała na przełomie XIX i XX wieku w Stanach Zjednoczonych w wyniku syntezy kultur afrykańskich i europejskich, a następnie stała się powszechna. Charakterystycznymi cechami muzycznego języka jazzu były początkowo improwizacja, polirytm oparty na rytmach synkopowanych oraz unikalny zestaw technik wykonywania faktury rytmicznej - swing. Dalszy rozwój jazzu nastąpił dzięki opracowaniu przez muzyków i kompozytorów jazzowych nowych modeli rytmicznych i harmonicznych.

Country łączy w sobie dwie odmiany amerykańskiego folkloru – muzykę białych osadników, którzy osiedlili się w Nowym Świecie w XVII-XVIII wieku oraz kowbojskie ballady Dzikiego Zachodu. Ta muzyka ma silne dziedzictwo madrygałów elżbietańskich, irlandzkiej i szkockiej muzyki ludowej. Główne instrumenty muzyczne tego stylu to gitara, banjo i skrzypce.

„The Little Old Log Cabin in the Lane” to pierwsza „udokumentowana” piosenka country napisana w 1871 roku przez Willa Heissa z Kentucky. 53 lata później Fiddine John Carson nagrywa tę kompozycję na płytę. W październiku 1925 r. wystartowała audycja radiowa Grand Ole Opry, która do dziś transmituje na żywo koncerty gwiazd country.

Kraj jako przemysł muzyczny zaczął nabierać rozpędu pod koniec lat 40. XX wieku. dzięki sukcesowi Hanka Williamsa (1923-53), który nie tylko ustanowił wizerunek wykonawcy country na kilka pokoleń, ale także nakreślił typowe dla gatunku tematy – tragiczną miłość, samotność i trudy życia zawodowego. Już wtedy w muzyce country istniały różne style: zachodni swing, który zaczerpnął zasady aranżacyjne z Dixielandu – tu królem gatunku był Bob Wills i jego Texas Playboys; bluegrass, zdominowany przez założyciela Billa Monroe; styl muzyków takich jak Hank Williams nazywano wtedy hillbilly. W połowie lat pięćdziesiątych. country wraz z elementami innych gatunków (gospel, rhythm and blues) dał początek rock and rollowi. Od razu pojawił się gatunek z pogranicza – rockabilly – to od niego swoją karierę rozpoczęli tacy śpiewacy jak Elvis Presley, Carl Perkins czy Johnny Cash – nieprzypadkowo wszyscy nagrywali w tym samym studiu Sun Records w Memphis. Dzięki sukcesowi Ballad Gunfighter i Trail Songs Marty'ego Robbinsa (1959) wyodrębnił się gatunek country i western, w którym dominowały sceny z życia Dzikiego Zachodu.

Chanson (fr. chanson - „piosenka”) - gatunek muzyki wokalnej; Słowo to jest używane w dwóch znaczeniach:

2) francuska piosenka pop w stylu kabaretu (skłonna w języku rosyjskim).

Blatna?Jestem piosenką (folklor kryminalny, blatnyak) to gatunek pieśni o życiu i obyczajach środowiska przestępczego, pierwotnie przeznaczony dla środowiska więźniów i osób bliskich podziemi. Powstała w Imperium Rosyjskim i rozpowszechniła się w Związku Radzieckim, a następnie w krajach WNP. Z czasem w gatunku muzyki kryminalnej zaczęto pisać piosenki, które wykraczają poza kryminalny temat, ale zachowują jego charakterystyczne cechy (melodia, żargon, narracja, światopogląd). Od lat 90. kryminalna piosenka w rosyjskim przemyśle muzycznym była sprzedawana pod nazwą „Russian chanson” (por. stacja radiowa i nagrody o tej samej nazwie).

Romans w muzyce to kompozycja wokalna napisana na krótkim wierszu o treści lirycznej, głównie miłosnej.

Piosenka autora, czyli muzyka bardów, to gatunek pieśni, który powstał w połowie XX wieku w ZSRR. Gatunek rozwijał się w latach 50. i 60. XX wieku. z amatorskich przedstawień, niezależnie od polityki kulturalnej władz sowieckich, i szybko zyskała szeroką popularność. Główny nacisk kładzie się na poezję tekstu.

6 Muzyka elektroniczna

Muzyka elektroniczna (z angielskiego. Electronic music, potocznie także „elektronika”) to szeroki gatunek muzyczny, który odnosi się do muzyki tworzonej przy użyciu elektronicznych instrumentów muzycznych. Choć pierwsze instrumenty elektroniczne pojawiły się na początku XX wieku, muzyka elektroniczna jako gatunek rozwinął się w drugiej połowie XX wieku i obejmuje kilkadziesiąt odmian na początku XXI wieku.

7 Muzyka rockowa

Muzyka rockowa (ang. Rock music) to uogólniona nazwa wielu dziedzin muzyki popularnej. Słowo „rock” - swing - w tym przypadku wskazuje na rytmiczne wrażenia charakterystyczne dla tych kierunków, związane z pewną formą ruchu, przez analogię do „roll”, „twist”, „swing”, „shake” itp. Takie Znaki muzyki rockowej, gdyż użycie elektrycznych instrumentów muzycznych, twórcza samowystarczalność (dla muzyków rockowych typowe jest wykonywanie utworów własnego składu) są drugorzędne i często mylące. Z tego powodu związek niektórych stylów muzycznych z rockiem jest dyskutowany. Rock jest również szczególnym zjawiskiem subkulturowym; Subkultury takie jak modowie, hipisi, punkowie, metalowcy, goci, emo są nierozerwalnie związane z pewnymi gatunkami muzyki rockowej.

Muzyka rockowa ma wiele kierunków: od lekkich gatunków, takich jak taneczny rock and roll, pop rock, britpop po brutalne i agresywne gatunki – death metal i hardcore. Treść piosenek waha się od jasnej i wyluzowanej po mroczną, głęboką i filozoficzną. Często muzyka rockowa jest przeciwieństwem muzyki pop i tzw. „pop”, choć nie ma wyraźnej granicy między pojęciami „rocka” i „popu”, a wiele zjawisk muzycznych balansuje między nimi.

Początki muzyki rockowej tkwią w bluesie, z którego wyszły pierwsze gatunki rockowe – rock and roll i rockabilly. Pierwsze podgatunki muzyki rockowej powstały w ścisłym związku z ówczesną muzyką folkową i pop - przede wszystkim folk, country, skiffle, music hall. W czasie jej istnienia podejmowano próby łączenia muzyki rockowej z niemal wszystkimi możliwymi rodzajami muzyki - z muzyką akademicką (art rock, pojawia się na przełomie lat 60.), jazzem (jazz rock, pojawia się na przełomie lat 60. - wczesnych 70.), łaciną muzyka (rock latynoski, pojawia się pod koniec lat 60.), muzyka indyjska (rock raga, pojawia się w połowie lat 60.). W latach 60-70 pojawiły się prawie wszystkie główne podgatunki muzyki rockowej, z których najważniejsze poza wymienionymi to hard rock, punk rock, rock awangarda. Na przełomie lat 70. i 80. pojawiły się takie gatunki muzyki rockowej jak post-punk, nowa fala, rock alternatywny (choć pierwsi przedstawiciele tego kierunku pojawili się już pod koniec lat 60.), hardcore (główny podgatunek punk rocka), jak a także podgatunki brutal metalu - death metal, black metal. W latach 90. szeroko rozwinęły się gatunki grunge (pojawił się w połowie lat 80.), britpop (pojawił się w połowie lat 60.), alternatywny metal (pojawił się pod koniec lat 80.).

Głównymi ośrodkami powstawania i rozwoju muzyki rockowej są USA i Europa Zachodnia (zwłaszcza Wielka Brytania). Większość tekstów jest po angielsku. Jednak, choć z reguły z pewnym opóźnieniem, narodowa muzyka rockowa pojawiła się niemal we wszystkich krajach. Rosyjskojęzyczna muzyka rockowa (tzw. rosyjski rock) pojawiła się w ZSRR już w latach 60. i 70. XX wieku. i osiągnął swój szczyt w latach 80., kontynuując rozwój w latach 90.

8 ska, rocksteady, reggae

Ska to styl muzyczny, który powstał na Jamajce pod koniec lat pięćdziesiątych. Pojawienie się stylu wiąże się [źródło nieokreślone 99 dni] z pojawieniem się instalacji dźwiękowych (angielskie „sound systems”), które pozwalały tańczyć na ulicy.

Zestawy dźwiękowe to nie tylko głośniki stereo, ale forma ulicznych dyskotek z DJ-ami i ich mobilnymi zestawami stereo, z rosnącą konkurencją między tymi DJ-ami o najlepszy dźwięk, najlepszy repertuar i tak dalej.

Styl charakteryzuje swingujący rytm 2/4, kiedy gitara gra na parzystych uderzeniach perkusji, a kontrabas lub gitara basowa podkreśla nieparzyste. Melodię grają instrumenty dęte, takie jak trąbka, puzon i saksofon. Wśród melodii ska można znaleźć melodie jazzowe.

Rocksteady („rocksteady”, „rocksteady”) – styl muzyczny, który istniał na Jamajce i Anglii w latach 60. XX wieku. Podstawą stylu są rytmy karaibskie w 4/4, ze zwiększoną uwagą na klawisze i gitary.

Reggae (angielskie reggae, inna pisownia - „reggae” i „reggae”), popularna muzyka jamajska, po raz pierwszy wspomniana od końca lat 60. XX wieku. Czasami używany jako ogólna nazwa dla całej muzyki jamajskiej. Jest blisko spokrewniony z innymi gatunkami jamajskimi - rocksteady, ska i innymi.

Dub (angielski dub) to gatunek muzyczny, który powstał na początku lat 70. na Jamajce. Początkowo nagrania z tego gatunku były utworami reggae z (czasami częściowo) usuniętymi wokalami. Od połowy lat 70. dub stał się sam w sobie fenomenem, uważanym za eksperymentalną i psychodeliczną odmianę reggae. Muzyczny i ideologiczny rozwój dubu dał początek technologii i kulturze remiksów, a także bezpośrednio lub pośrednio wpłynął na rozwój nowej fali i gatunków takich jak hip-hop, house, drum and bass, trip-hop, dub-techno , dubstep i inne.

Muzyka pop (ang. Pop-music from Popular music) to kierunek muzyki współczesnej, rodzaj współczesnej kultury masowej.

Termin „muzyka pop” ma dwa znaczenia. W szerokim znaczeniu jest to każda muzyka masowa (m.in. rock, elektronika, jazz, blues). W wąskim sensie - odrębny gatunek muzyki popularnej, wprost pop muzyka o pewnych cechach.

Głównymi cechami muzyki pop jako gatunku są prostota, melodyjność, oparcie na wokalu i rytmie z mniejszą dbałością o partię instrumentalną. Główną i praktycznie jedyną formą kompozycji w muzyce pop jest piosenka. Teksty muzyki pop są zwykle o osobistych uczuciach.

Muzyka pop obejmuje podgatunki, takie jak euro pop, latin, disco, electropop, dance music i inne.

10 rapu (hip-hop)

Hip-hop (angielski hip hop) to trend kulturowy, który powstał w klasie robotniczej Nowego Jorku 12 listopada 1974 roku. DJ Afrika Bambaataa jako pierwszy zidentyfikował pięć filarów kultury hip-hopowej: eMsiing (angielski MCing), DJing (angielski DJing), łamanie, pisanie graffiti i wiedza. Inne elementy to beatboxing, moda hip-hopowa i slang.

Pochodzący z Południowego Bronksu, w latach 80. hip-hop stał się częścią kultury młodzieżowej w wielu krajach na całym świecie. Od końca lat 90., z ulicznego podziemia o ostrej orientacji społecznej, hip-hop stopniowo stał się częścią przemysłu muzycznego, a do połowy pierwszej dekady tego stulecia subkultura stała się „modna””. główny nurt". Jednak mimo to wiele postaci hip-hopu nadal kontynuuje swoją „główną linię” – protest przeciwko nierówności i niesprawiedliwości, sprzeciw wobec władzy.

Wiadomo, że reżyseria sceniczna dzieli się na reżyserię wykonania odmiany i reżyserię aktu odmiany.

Metodologia pracy nad wykonaniem odmiany (koncert, recenzja, show) z reguły nie obejmuje zadania tworzenia liczb, z których się składa. Reżyser łączy gotowe liczby z fabułą, jednym tematem, buduje akcję skrośną spektaklu, porządkuje jego strukturę tempo-rytmiczną, rozwiązuje problemy projektowania muzycznego, scenograficznego i oświetleniowego. Oznacza to, że boryka się z szeregiem problemów artystycznych i organizacyjnych, które wymagają rozwiązania w całym programie i nie są bezpośrednio związane z samą ustawą o odmianach. Stanowisko to potwierdza teza znanego reżysera spektakli rozrywkowych I. Sharoeva, który pisał, że „najczęściej reżyser przyjmuje spektakle od specjalistów różnych gatunków, a następnie tworzy z nich różnorodny program. Pokój ma dużą niezależność.”

Praca nad ustawą odmianową wymaga od reżysera rozwiązania szeregu konkretnych zadań, z którymi nie ma do czynienia, gdy wystawia duży program. To przede wszystkim umiejętność ujawniania indywidualności artysty, budowania dramaturgii spektaklu, pracy z repryzą, trikiem, kneblem, poznania i uwzględnienia specyfiki określonych środków wyrazu wydajność i wiele więcej.

Wiele postulatów metodologicznych tworzenia spektaklu opiera się na wspólnych fundamentalnych zasadach, które istnieją w dramacie, teatrze muzycznym i cyrku. Ale wtedy na fundamencie budowane są zupełnie inne struktury. W kierunku odmianowym zauważalna jest znaczna specyfika, którą wyznacza przede wszystkim typologia gatunkowa aktu odmianowego.

Na scenie reżyser, jako twórca, osiąga w spektaklu nadrzędny cel każdej sztuki - stworzenie artystycznego wizerunku, który jest twórczą stroną zawodu. Ale w trakcie inscenizacji liczby trwa praca specjalisty nad technologią środków wyrazu. Wynika to z samej natury niektórych gatunków: na przykład większość podgatunkowych odmian o charakterze sportowym i cyrkowym wymaga pracy próbnej i szkoleniowej z trenerem nad elementami sportowymi, specjalnymi trikami; praca nad numerem wokalnym jest niemożliwa bez lekcji nauczyciela śpiewu; w gatunku choreograficznym istotna jest rola choreografa-repetytora.

Czasami ci specjaliści techniczni głośno nazywają siebie reżyserami, chociaż ich działania tak naprawdę ograniczają się tylko do zbudowania specjalnego kaskaderskiego lub technicznego komponentu numeru - nie ma znaczenia, czy to akrobatyka, taniec, czy śpiew. Tutaj mówienie o tworzeniu artystycznego wizerunku może być naciągane. Kiedy czołowi mistrzowie sceny (zwłaszcza w gatunkach oryginalnych) dzielą się tajnikami swojego mistrzostwa w dziełach drukowanych, opisują głównie technikę trików, akrobatyki, żonglerki itp.

Chciałbym jeszcze raz podkreślić, że struktura artystyczna aktu pop jest złożona, różnorodna i często konglomeratowa. Dlatego wystawienie popowego numeru jest jednym z najtrudniejszych zajęć reżysera. „Dobry występ, nawet jeśli zajmuje tylko kilka minut, jest bardzo trudny. I wydaje mi się, że te trudności są niedoceniane. Może dlatego szanuję i doceniam sztukę tych, których czasami pogardliwie nazywa się artystami, dając im niezbyt zaszczytne miejsce w niepisanej skali zawodów. Te słowa S. Jutkiewicza po raz kolejny potwierdzają wagę analizy struktury artystycznej aktu pop, czego końcowym efektem jest zbadanie podstaw metodologii jego tworzenia, zwłaszcza w zakresie pracy reżyserskiej i inscenizacyjnej.

Wniosek.

RÓŻNORODNOŚĆ (z francuskiego estrade - platforma, elewacja) - syntetyczna forma sztuki scenicznej, łącząca małe formy dramatu, komedii, muzyki, a także śpiewu artystycznego. czytanie, choreografia, ekscentryczność, pantomima, akrobatyka, żonglerka, iluzjonizm itp. Mimo międzynarodowego charakteru zachowuje ludowe korzenie, które nadają mu szczególny narodowy smak. Urodzony w renesansie na scenie ulicznej, zaczynał od błazeństwa, prymitywnych fars, bufonady, E. i. w różnych krajach ewoluował różnie, dając pierwszeństwo jednemu lub drugiemu gatunkowi, tej lub innej masce obrazowej. W różnych programach powstałych później salonów, kół i klubów, w lożach, salach koncertowych, kawiarniach, kabaretach, miniaturowych teatrach i na zachowanej odmianie placów ogrodowo-parkowych, wesoły humor, dowcipne parodie i bajki, kaustyczna satyra komunalna, wskazywała dominuje przesada, bufon, groteska, żartobliwa ironia, szczere teksty, modne rytmy taneczne i muzyczne. Poszczególne numery polifonicznej odmiany divertissement są często utrzymywane razem na scenie przez artystę estradowego lub prostą fabułę, a teatry jednego lub dwóch aktorów, zespoły (balet, musical itp.) - z oryginalnym repertuarem, własną dramaturgią . Sztuka różnorodności skupia się na jak najszerszym gronie odbiorców i opiera się przede wszystkim na umiejętnościach wykonawców, na ich technice kamuflażu, umiejętności tworzenia efektownej rozrywki za pomocą zwięzłych środków, żywy charakter - częściej komedia negatywna niż pozytywna. Odsłaniając swoich antybohaterów, sięga po metaforyczne rysy i detale, do dziwacznego przeplatania się wiarygodności i karykatury, realnej i fantastycznej, przyczyniając się tym samym do stworzenia atmosfery odrzucenia ich życiowych pierwowzorów, sprzeciwu wobec ich pomyślności w rzeczywistości. Aktualność jest typowa dla sztuki odmiany, połączenie rozrywki w najlepszych przykładach z poważnymi treściami, funkcjami edukacyjnymi, gdy zabawie towarzyszy różnorodna paleta emocjonalna, a czasem społeczno-polityczny, obywatelski patos. Showbiznesowi generowanemu przez burżuazyjną kulturę masową brakuje tej drugiej cechy. Niemal wszystkie operacyjne odmiany „małe”, „lekkie”, w tym pospolite „skecze”, charakteryzują się stosunkowo krótką żywotnością, szybką amortyzacją masek, która zależy od wyczerpania aktualności tematu, realizacji ładu społecznego, zmiana zainteresowań i potrzeb odbiorców. Będąc jednym z najbardziej mobilnych rodzajów sztuki, a jednocześnie sztuką bardziej starożytną, sztuka różnorodności podlega chorobie stemplowania, obniżania wartości artystycznej i estetycznej utalentowanych znalezisk, aż do zamieniania ich w kicz. Duży wpływ na rozwój mają takie sztuki „techniczne”, jak kino, a zwłaszcza telewizja, która często zawiera w swoich programach różnorodne spektakle i koncerty. Dzięki temu tradycyjne formy i techniki muzyki popularnej zyskują nie tylko większą skalę i powszechność, ale także głębię psychologiczną (wykorzystanie zbliżeń, innych wizualnych i wyrazowych środków plastyki) oraz żywą rozrywkę.

W systemie sztuk performatywnych scena zajmuje dziś mocno odrębne miejsce, reprezentując niezależne zjawisko kultury artystycznej. Popularność sceny wśród najszerszej i najbardziej zróżnicowanej publiczności sprawia, że odpowiada ona na sprzeczne potrzeby estetyczne różnych grup ludności pod względem składu społecznego, wiekowego, edukacyjnego, a nawet narodowego. Ta cecha pop-artu w dużej mierze wyjaśnia obecność negatywnych aspektów w profesjonalnych, estetycznych i smakowych zaletach dzieł pop. Masowość odbiorców pop w przeszłości i teraźniejszości, jej heterogeniczność, konieczność łączenia w pop-artu funkcji rozrywkowej i edukacyjnej, nakłada określone wymagania na twórców dzieł pop-artu, nakłada na nich szczególną odpowiedzialność.

Złożoność badania dzieł popowych, a także rozwój podejść metodologicznych do ich tworzenia, wynika z faktu, że jest to na ogół konglomerat różnych sztuk. Syntetyzuje aktorstwo, muzykę instrumentalną, wokale, choreografię, malarstwo (np. gatunek „artysty natychmiastowego”), sport (liczby akrobatyczne i gimnastyczne) i naukę (wśród gatunków popowych jest liczba matematyczna). - "maszyna do liczenia na żywo"). Ponadto istnieją gatunki pop oparte na komponencie kaskaderskim, który wymaga manifestacji unikalnych zdolności i zdolności danej osoby (na przykład szereg podgatunków pop-cyrkowych, hipnoza, eksperymenty psychologiczne). Wielość środków wyrazowych, ich nieoczekiwane i niezwykłe zestawienia w różnych syntetycznych formach na scenie są bardzo często bardziej zróżnicowane niż w innych sztukach widowiskowych.

Lista wykorzystanej literatury.

Bermont E. Konkurs Odmian. //Teatr. 1940, nr 2, s.75-78

Birzhenyuk G.M., Buzene L.V., Gorbunova N.A.

Kober. Punkt kulminacyjny programu: Per. z nim. L., 1928. S. 232-233; Stanishevsky Yu Liczba i kultura jego prezentacji // SEC. 1965. nr 6.

Konnikov A. Świat różnorodności. M., 1980.

Ozhegov S. I. i Shvedova N. Yu Słownik wyjaśniający języka rosyjskiego: 80 000 słów i wyrażeń frazeologicznych

Rozovsky M. Reżyser spektaklu. M., 1973.

Rosyjska scena sowiecka // Eseje o historii. Reprezentant. wyd. dok. pozew, prof. E.Uvarova. W 3 TM, 1976, 1977, 1981.

Uvarova E. Teatr Rozmaitości: Miniatury, Recenzje, Sale Muzyczne (1917-1945). M., 1983; Arkadego Raikina. M., 1986r.; Jak bawić się w rosyjskich stolicach. SPb., 2004.

Sharoev I. Reżyseria sceniczna i występy masowe. M., 1986; Etap wieloaspektowy. M., 1995.

W Rosji początki gatunków pop przejawiały się w bufonach, zabawie i masowej twórczości festiwali ludowych. Ich przedstawiciele to dziadkowie raus-jokerzy z niezastąpioną brodą, którzy zabawiali i zapraszali publiczność z górnej platformy budki-raus, pietruszka, raesznik, przywódcy „uczonych” niedźwiedzi, aktorzy-bufony, grający „szkic” i „powtórka”. wśród tłumu, grającego na dudach, harfie, smarkaczach i zabawiających lud.

Sztuka różnorodności charakteryzuje się takimi cechami jak otwartość, lapidarność, improwizacja, odświętność, oryginalność, rozrywka.

- scena koncertowa (wcześniej nazywana „divertissement”) łączy w sobie wszelkiego rodzaju występy w różnych koncertach;
- scena teatralna (występy kameralne teatru miniatur, teatrów kabaretowych, kawiarnio-teatralnych lub wielkoformatowa rewia koncertowa, sala muzyczna, z liczną kadrą wykonawczą i pierwszorzędnym wyposażeniem scenicznym);
- scena świąteczna (festiwale folklorystyczne, święta na stadionach, pełne numerów sportowych i koncertowych, a także bale, karnawały, maskarady, festyny itp.).

Są też takie:

1. Teatry różnorodności
2. Sale muzyczne

Jeśli podstawą przedstawienia odmiany jest gotowy numer, to recenzja, jak każda akcja dramatyczna, wymagała podporządkowania fabuły wszystkiego, co dzieje się na scenie. To z reguły nie łączyło się organicznie i prowadziło do osłabienia jednego ze składników przedstawienia: albo spektaklu, albo postaci, albo fabuły. Stało się to podczas produkcji „Cudów XX wieku” – spektakl rozpadł się na szereg niezależnych, luźno powiązanych ze sobą odcinków. Tylko zespół baletowy i kilka pierwszorzędnych przedstawień rozrywkowych i cyrkowych odniosło sukces z publicznością. Zespół baletowy wystawiony przez Goleizovsky'ego wykonał trzy numery: „Hej, chodźmy!”, „Moskwa w deszczu” i „30 angielskich dziewcząt”. Szczególnie spektakularny był występ „Węża”. Wśród numerów cyrkowych najlepsi byli: Tea Alba i „Australian Drwale” Jackson i Laurer. Alba jednocześnie prawą i lewą ręką zapisywała kredą różne słowa na dwóch tablicach. Drwale pod koniec wyścigu rąbali dwie grube kłody. Znakomity numer bilansowy na drucie pokazał Niemiec Strodi. Wykonywał salta na drucie. Spośród sowieckich artystów, jak zawsze, wielki sukces odnieśli Smirnov-Sokolsky i ditties V. Glebova i M. Darskaya. Wśród numerów cyrkowych liczba Zoyi i Marthy Koch wyróżniała się na dwóch równoległych drutach.

We wrześniu 1928 odbyło się otwarcie Leningradzkiej Sali Muzycznej.

3. Teatr Miniatur – grupa teatralna pracująca głównie nad małymi formami: małe sztuki, szkice, szkice, opery, operetki wraz z numerami odmian (monologów, kupletów, parodii, tańców, pieśni). W repertuarze dominuje humor, satyra, ironia, a teksty nie są wykluczone. Zespół jest mały, teatr jednego aktora, dwóch aktorów jest możliwy. Przedstawienia, lakoniczne w konstrukcji, przeznaczone są dla stosunkowo niewielkiej publiczności, stanowią rodzaj mozaikowego płótna.
4. Gatunki konwersacyjne na scenie - symbol gatunków kojarzonych głównie ze słowem: estradowy, interludium, skecz, skecz, opowiadanie, monolog, felieton, mikrominiaturka (inscenizowana anegdota), burime.

Popowy monolog może być satyryczny, liryczny, humorystyczny.

Interludium to scena komiksowa lub gra o treści humorystycznej, która wykonywana jest jako samodzielny numer.

Szkic to mała scena, w której szybko rozwija się intryga, gdzie najprostsza fabuła budowana jest na nieoczekiwanych śmiesznych, ostrych sytuacjach, zwrotach, pozwalających na powstanie w toku akcji całej serii absurdów, ale gdzie z reguły wszystko kończy się szczęśliwym rozwiązaniem. 1-2 aktorów (ale nie więcej niż trzech).

Gra słów to żart oparty na komicznym użyciu podobnie brzmiących, ale inaczej brzmiących słów w celu odtworzenia podobieństwa dźwiękowego równoważnych słów lub kombinacji.

Reprise to najczęstszy krótki gatunek potoczny.

Gatunki muzyczne i potoczne obejmują dwuwiersz, piosenkę, chansonette, felieton muzyczny.

Popularna na scenie parodia może być „potoczna”, wokalna, muzyczna, taneczna. Kiedyś recytacje, melodeklamacje, montaże literackie, „Czytanie artystyczne” sąsiadowały z gatunkami mowy.

5. Jazz na scenie

6. Piosenka na scenie

Wśród muzyków popowych jest też grupa kompozytorów. Są to Antonow, Pugaczowa, Gazmanow, Loza, Kuzmin, Dobrynin, Kornelyuk i inni.

7. Taniec na scenie

Jest to krótki numer taneczny, solo lub zespołowy, prezentowany na koncertach grupowych, pokazach rozrywkowych, salach muzycznych, teatrach miniatur; towarzyszy i uzupełnia program wokalistów, szereg oryginalnych, a nawet gatunków mowy. Powstał na bazie tańca ludowego, codziennego (salowego), baletu klasycznego, tańca współczesnego, gimnastyki, akrobatyki, na skrzyżowaniu różnych wpływów obcych i tradycji narodowych. Charakter plastyczności tańca dyktują współczesne rytmy, ukształtowane pod wpływem sztuk pokrewnych: muzyki, teatru, malarstwa, cyrku, pantomimy.

8. Lalki na scenie

9. Parodia na scenie

10. Teatry małych form

Stworzenie w Rosji teatrów kabaretowych „Nietoperz”, „Krzywe lustro” itp.

Zarówno „Krzywe lustro”, jak i „Nietoperz” były silnymi zawodowo grupami aktorskimi, których poziom kultury teatralnej był niewątpliwie wyższy niż w licznych teatrach miniaturowych (Pietrowski wyróżniał się bardziej niż inne z Moskwy, reżyseria D.G. Gutmana, Mamonowski, kultywujący dekadencki sztuka, gdzie Aleksander Vertinsky zadebiutował podczas I wojny światowej, Nikolsky - artysta i reżyser A.P. Pietrowski W Petersburgu - Troitsky A.M. Fokina - reżyser V.R. Rappoport, gdzie z pieśniami i jak V.O. Toporkov, później artysta teatru artystycznego , z powodzeniem występował jako artysta estradowy.

Strona 1

Słowo "scena" (

z łaciny warstwa

oznacza - podłoga, platforma, wzgórze, platforma.

Najdokładniejsza definicja sztuki odmianowej jako sztuki łączącej różne gatunki znajduje się w słowniku D.N. Ushakova: „ Scena

To sztuka małych form, pole widowiskowych i muzycznych występów na otwartej scenie. Jej specyfika polega na łatwej adaptacji do różnych warunków manifestacji publicznej i krótkim czasie trwania akcji, w środkach artystycznych i ekspresyjnych, sztuce, która przyczynia się do żywego rozpoznania indywidualności twórczej wykonawcy, w aktualności, ostrej aktualności społeczno-politycznej poruszane tematy, z przewagą elementów humoru, satyry, publicystyki” .

Encyklopedia radziecka definiuje muzykę pop jako wywodzącą się z języka francuskiego estrada

forma sztuki, która obejmuje małe formy sztuki dramatycznej i wokalnej, muzykę, choreografię, cyrk, pantomimę itp. Na koncertach - oddzielne gotowe numery, zjednoczone przez artystę, fabułę. Jako sztuka niezależna powstała pod koniec XIX wieku.

Jest też taka definicja sceny:

Powierzchnia sceniczna, stała lub tymczasowa, na występy koncertowe artysty.

Sztuka różnorodności ma swoje korzenie w odległej przeszłości, wywodząca się ze sztuki starożytnego Egiptu i starożytnej Grecji. Choć scena ściśle współgra z innymi sztukami, takimi jak muzyka, teatr dramatyczny, choreografia, literatura, kino, cyrk, pantomima, jest to samodzielna i specyficzna forma sztuki. Podstawą sztuki odmianowej jest – „Jego Królewska Mość liczba” – jak powiedział N. Smirnov-Sokolsky1.

Numer

Niewielkie przedstawienie jednego lub kilku artystów, z własną fabułą, punktem kulminacyjnym i rozwiązaniem. Specyfiką spektaklu jest bezpośrednia komunikacja artysty z publicznością, w imieniu własnym lub w imieniu postaci.

W średniowiecznej sztuce wędrownych artystów, teatrach farsowych w Niemczech, bufonów w Rosji, teatrze masek we Włoszech itp. już istniał bezpośredni apel artysty do publiczności, co pozwoliło kolejnemu stać się bezpośrednim uczestnikiem akcji. Krótki czas trwania spektaklu (nie więcej niż 15-20 minut) wymaga maksymalnego skupienia środków wyrazu, zwięzłości i dynamiki. Osiągnięcia odmianowe są klasyfikowane według ich cech na cztery grupy. Pierwsza grupa gatunkowa powinna zawierać liczby potoczne (lub mowy). Potem przychodzą numery muzyczne, plastyczno-choreograficzne, mieszane, „oryginalne”.

Sztuka komedii del-arte (teatr masek) XVI-XVII wieku budowana była na otwartym kontakcie z publicznością.

Przedstawienia były zazwyczaj improwizowane na podstawie typowych scen fabularnych. Dźwięki muzyczne jako przerywniki (wstawki): pieśni, tańce, numery instrumentalne lub wokalne - były bezpośrednim źródłem numeru pop.

Opera komiczna i wodewil pojawiły się w XVIII wieku. Wodewil był fascynującym przedstawieniem z muzyką i żartami. Ich główni bohaterowie - zwykli ludzie - zawsze pokonywali głupich i okrutnych arystokratów.

A w połowie XIX wieku narodził się gatunek operetki (dosłownie mała opera): rodzaj sztuki teatralnej, która łączyła muzykę wokalną i instrumentalną, taniec, balet, elementy pop-artu i dialogi. Jako niezależny gatunek operetka pojawiła się we Francji w 1850 roku. „Ojcem” francuskiej operetki i operetki w ogóle był Jacques Offenbach(1819-1880). Później gatunek rozwija się we włoskiej „komedii masek”.

Różnorodność jest ściśle związana z życiem codziennym, z folklorem, z tradycjami. Ponadto są przemyślane, unowocześnione, „estradyzowane”. Rozrywką rozrywką są różne formy popowej kreatywności.

Taniec na scenie - krótki numer taneczny , solo lub w grupie, prezentowane w zbiorowych koncertach różnorodności, pokazach odmian, salach muzycznych, teatrach miniatur, akompaniuje i uzupełnia program wokalistów, liczby są oryginalne nawet w gatunkach mowy . Rozwinął się na bazie tańca ludowego, codziennego (salowego), baletu klasycznego, tańca współczesnego, gimnastyki, akrobatyki , na przekraczaniu wszelkiego rodzaju obcych wpływów i tradycji narodowych. Charakter plastyczności tańca dyktują współczesne rytmy, ukształtowane pod wpływem sztuk pokrewnych: muzyki, teatru, malarstwa, cyrku, pantomimy.

Historię rozwoju kierunku tańca można warunkowo podzielić na dwa kamienie milowe: okres przed XX wiekiem oraz okres od XX wieku do współczesności.

Oprócz średniowiecznych wędrownych artystów i ich występów, divertissementy można również uznać za protoplastów współczesnej odmiany tańca. Były to sceny, które w XVII-XVIII pokazywano pomiędzy aktami muzycznymi lub fragmentami spektakli dramatycznych. Arie operowe wykonywane były w divertissementach, widz mógł obejrzeć fragmenty baletów, posłuchać ludowych pieśni i wreszcie potańczyć. W Rosji początki sceny tanecznej znajdują się w występach tancerzy w chórach rosyjskich i cygańskich, od połowy XIX wieku - na festiwalach ludowych. Koniec XIX wieku upłynął pod znakiem koncertów zbiorowych na scenach ogrodów, „woksali” i kawiarni.

Popularny taniec XIX wieku. - może może(kankan francuski, od canard - kaczka), taniec francuski pochodzenia algierskiego, 2 uderzenia, szybkie tempo. Charakterystyczne pas - wyrzucanie nóg, skakanie. Rozpowszechniona od połowy XIX wieku, szeroko wykorzystywana w klasycznej operetce i pokazach odmian. Można powiedzieć, że wraz z nadejściem kankanu rozpoczyna się nowa era tańca. Puszka pochodzi z Paryża około 1830 roku. Był to taniec kobiet wykonywany na scenie, któremu towarzyszył wysoki rzut nóg. W latach 60. XIX wieku w Petersburgu otwarto wiele lekcji tańca, gdzie tańczono głównie kankan.

Innym popularnym tańcem XIX wieku jest taniec z ciastem.

Spacer po ciastach -(również cakewalk, cake walk; angielski cakewalk – spacer z ciastem) – popularny od połowy XIX wieku pochód taneczny pochodzenia afroamerykańskiego. Cechy charakterystyczne: szybkie tempo, metrum - 2-beat, synkopowany rytm, akordy odtwarzające brzmienie banjo, zabawny, komediowy (często ironicznie groteskowy) magazyn. Ostre zaakcentowane rytmy typowe dla cake walk stały się później podstawą ragtime, a dwie dekady później określiły styl pop-jazzu. Cake walk był częścią humorystycznych przedstawień dziewiętnastowiecznego północnoamerykańskiego teatru minstreli, w którym wykonywano go do szybkiej, synkopowanej muzyki w stylu późniejszego ragtime. W ostatnich latach XIX wieku spacer po torcie, oddzielony od sceny minstreli, upowszechnił się w Europie w formie tańca salonowego. choreograf tańca pop dramaturgia

Na scenie minstreli spacer z ciastem miał szczególne znaczenie symboliczne. Była to scena na promenadzie, na której przebrani murzyni dandys, ramię w ramię ze swoimi równie modnie ubranymi damami, odtwarzali w komicznej formie uroczyste niedzielne procesje białych dam i dżentelmenów. Odwzorowując zewnętrzne maniery plantatorów, czarni dandys wyśmiewali ich głupią wagę, otępienie umysłowe, zadowolone z siebie poczucie urojonej wyższości. Motyw ukrytej kpiny zawarty w spacerze po torcie znalazł swoiste odbicie w sferze dźwiękowej.

Muzyka taneczna, której wyrazistość opierała się przede wszystkim na brzmieniach perkusyjnych i znacznie bardziej skomplikowanym metro-rytmie, odegrała znaczącą, innowacyjną rolę, otworzyła nowe drogi dla rozwoju współczesnej sztuki muzycznej. Nowe zasady muzyczne zostały wprowadzone do psychologii najszerszej publiczności, najpierw tylko w USA, a potem w Europie, przeciwstawiając się wszystkiemu, co od wieków afirmowali kompozytorzy europejscy. Muzyczną formę spaceru z ciastem można znaleźć w salonowych utworach fortepianowych, w popowych numerach do tradycyjnej kompozycji instrumentalnej, w marszach dla orkiestry dętej, a czasem w tańcu towarzyskim pochodzenia europejskiego. „Nawet w walcach pojawiła się synkopa, o której Waldteuffel i Strauss nigdy nie marzyli” (Blesh R., Janis H. Wszyscy grali ragtime). Gatunek spacerów po ciastkach był używany przez wielu kompozytorów akademickich (na przykład Debussy, Stravinsky itp.).

Nowatorski spacer po torcie dotyczył nie tylko muzyki, ale także choreografii. Przejawiało się to w specjalnych ruchach nóg, które wydawały się „niezależne” od ciała tancerza. Podobnie jak w innych tańcach teatru minstreli, ciało performera pozostawało w ściśle kontrolowanym, zrównoważonym stanie, ręce zwisały jak bezradne, bezkształtne „łachmany”. Cała energia tancerza, wszystkie jego fenomenalne umiejętności i zawrotne tempo ucieleśniały ruchy nóg. Precyzyjne synchroniczne akcenty wytwarzane przez piętę jednej stopy i palce drugiej; rodzaj „pukania” deptania drewnianymi podeszwami; bieganie do przodu na piętach; wolne, jakby chaotyczne „szuranie”. Niezwykłe dla tradycyjnego baletu proporcje „obojętnego ciała” i „chwiejnych” nóg podkreślały humorystyczny efekt zewnętrznego spokoju, nierozerwalnie związany z wizerunkiem zamrożonej maski.

Spacer po torcie miał ogromny wpływ na sztukę taneczną przełomu XIX i XX wieku. Dało to początek wielu tańcom, które wyparły z kultury polki, square dance, country dance i inne popularne tańce z niedawnej przeszłości. Te najnowsze tańce - grizzly bar, bunny hag, texas tommy, tarki kłus itp. wyróżniały się specjalnym dwutaktowym, nieodłącznym od chodzenia po torcie, i charakterystycznym efektem "kołysania". Ich ewolucja zakończyła się znanym dwukrokiem i fokstrotem, który zdobył największą popularność na całym świecie i przez wiele lat pozostawał w domowym repertuarze tanecznym.

Początkowy rozkwit wszystkich tych tańców zbiegł się z kulminacją popularności ragtime i początkiem „epoki jazzu”.