Rosyjska twórczość teatralna wywodzi się z epoki prymitywnego ustroju komunalnego i w większym stopniu niż malarstwo i architektura kojarzona jest ze sztuką ludową. Gruntem, na którym pojawiły się jego pierwotne elementy, była działalność produkcyjna Słowian, którzy w obrzędach ludowych i świętach przekształcili ją w złożony system sztuki dramatycznej.
Teatr folklorystyczny w krajach słowiańskich istnieje do dziś. Wesela, pogrzeby, święta rolnicze to złożone rytuały, trwające czasem kilka dni i szeroko wykorzystujące takie elementy teatralne, jak akcja dramatyczna, śpiew, taniec, kostium, scenografia (ubieranie swata, panny młodej, tańce okrągłe, zabawy rytualne lub rozrywkowe itp.). Starożytni Słowianie odzwierciedlali także święto zmartwychwstania martwej natury, charakterystyczne dla światowego pogaństwa.
Po przyjęciu chrześcijaństwa rola zabaw ludowych w życiu społeczeństwa znacznie spadła (kościół prześladował pogaństwo). Jednak teatralna sztuka ludowa przetrwała aż do XX wieku. Początkowo jego nosicielami byli bufony. Na ludowych zabawach odbywały się popularne „zabawy mumików”, występy „zmarłych” z „uczonym niedźwiedziem”. Teatr Ludowy dał Teatrowi Pietruszki.
Ulubionymi na Rusi były przedstawienia kukiełkowe – szopka, później dzielnica (Ukraina), na południu i zachodzie – batleyka (Białoruś). Przedstawienia te odbywały się za pomocą drewnianej skrzynki podzielonej na górną i dolną kondygnację. Na ostatnim piętrze poważna część spektaklu została odegrana na temat biblijnej opowieści o narodzinach Chrystusa i króla Heroda. Na parterze pokazywano codzienne sceny komiczne i satyryczne, pod wieloma względami przypominające Teatr Pietruszki. Stopniowo zmniejszano poważną część przedstawienia szopkowego, a druga część rosła, uzupełniona nowymi scenami komiksowymi. 
a łóżeczko z dwupoziomowego pudełka stało się jednopoziomowe.
Do XVII wieku w Rosji teatralność była organicznym składnikiem rytuałów ludowych, świąt kalendarzowych i tańców okrągłych. Jego elementy zostały włączone do nabożeństwa kościelnego i to tutaj, wraz z nasilaniem się świeckich zasad w społeczeństwie rosyjskim, zaczyna kształtować się profesjonalny teatr.
Początkowo powstały przedstawienia liturgiczne. Są to dość skomplikowane przedstawienia teatralne, mające na celu wzmocnienie oddziaływania nabożeństw i gloryfikację jedności władzy państwowej i kościelnej. Znane są „akcja piecowa” (inscenizacja masakry króla Nabuchodonozora na chrześcijanach) i „chodzenie na ośle” (rysowanie fabuły biblijnej w Niedzielę Palmową).
Teatry dworskie i szkolne XVII wieku przyczyniły się do dalszego rozwoju biznesu teatralnego w Rosji. Już za cara Aleksieja Michajłowicza uroczystości dworskie, przyjęcia i ceremonie zaczęły nabierać kształtu z dużą dozą teatralności - ekspresyjnie i wspaniale. Pierwszy rosyjski profesjonalny teatr komediowy był teatrem dworskim i należał do regulowanej „zabawy” cara. Na jej czele stanął w 1662 r. mistrz teologii, proboszcz i kierownik szkoły przy luterańskim kościele oficerskim w dzielnicy niemieckiej Moskwy I. Grzegorz. Ten sam budynek został otwarty w 1672 roku we wsi Preobrażeński, gdzie wystawiono sztukę „Akcja Artakserksesa”.
Powstanie teatru szkolnego na Rusi wiąże się z rozwojem oświaty szkolnej. W Europie Zachodniej powstał w XII wieku w szkołach humanistycznych jako rodzaj techniki pedagogicznej i początkowo służył jedynie celom dydaktycznym i wychowawczym. Pomagał uczniom w formie gry w opanowaniu różnorodnej wiedzy: języka łacińskiego i opowieści biblijnych, poetyki i oratorium. W XVI w. możliwości duchowego oddziaływania teatru szkolnego zaczęto wykorzystywać do celów religijnych i politycznych: Luter w walce z katolikami, jezuici z luteranizmem i prawosławiem. W Rosji szkoła 
teatr był wykorzystywany przez prawosławie w walce z wpływami rzymskokatolickimi. Jego powstaniu ułatwił mnich, absolwent Akademii Kijowsko-Mohylańskiej, osoba wykształcona, polityk, pedagog i poeta Symeon Połocki. W 1664 przybył do Moskwy i został wychowawcą dzieci królewskich na dworze. W zbiorze jego dzieł „Rhymologion” ukazały się dwie sztuki – „Komedia o królu Nowkhudonosorze, o złotym ciele i o trójce dzieci, które nie zostały spalone w jaskini” oraz komedia „Przypowieść o synu marnotrawnym „.
Sztuki S. Połockiego ze swej natury przeznaczone są dla teatru dworskiego. Swoimi zasługami górują nad ówczesnymi przedstawieniami szkolnymi i antycypują rozwój teatru XVIII wieku. Tym samym funkcjonowanie „świątyni komedii” i pojawienie się pierwszych profesjonalnych dzieł dramatycznych S. Połockiego stało się początkiem historycznie koniecznego i naturalnego procesu opanowywania dorobku światowej kultury teatralnej w Rosji.
Symeon Połocki był nie tylko utalentowanym poetą i dramaturgiem. W światowej kulturze artystycznej odegrał znaczącą rolę jako największy słowiański teoretyk sztuki, rozważając problemy twórczości artystycznej – literatury, muzyki, malarstwa. Jako teolog zauważył, że sztuka jest najwyższą duchową twórczością. Przypisywał mu poezję, muzykę i malarstwo.
Interesujące są estetyczne i edukacyjne poglądy S. Połockiego na sztukę. Mnich argumentował, że sztuka piękna „jest duchową i duchową korzyścią dla ludzi”. Według jego rozumowania nie ma poezji, malarstwa, muzyki bez harmonii, proporcji i rytmu. Bez sztuki nie ma edukacji, bo poprzez jej wpływ na dusze ludzkie, negatywne emocje zastępowane są uczuciami pozytywnymi. Dzięki pięknu muzyki i słów niezadowoleni stają się cierpliwi, leniwi stają się ciężko pracującymi, głupi stają się mądrymi, brudni stają się czystego serca.
S. Połocki stworzył pierwszą klasyfikację sztuk pięknych na Słowiańszczyźnie, podnosząc malarstwo do Siedmiu Sztuk Wyzwolonych. To samo tyczy się muzyki. Uzasadnił jego walory estetyczne i udowodnił konieczność w kościele śpiewu polifonicznego w harmonijnym połączeniu głosów. Modalno-tonalna różnorodność muzyki, jak zauważył S. Połocki, podyktowana jest jej funkcją edukacyjną.
blog.site, przy pełnym lub częściowym kopiowaniu materiału wymagany jest link do źródła.
MKOU „Szkoła podstawowa Torbeevskaya im. A.I. Daniłow”
Rejon Nowodugiński, obwód smoleński
Historia teatru w Rosji
Wykonano: Nauczyciel w szkole podstawowej
Smirnova A.A.
d.Torbeevo
2016
Sztuka ludowa Teatr rosyjski wywodzi się z czasów starożytnych ze sztuki ludowej. To były rytuały, święta. Z biegiem czasu rytuały straciły na znaczeniu i zamieniły się w zabawę performatywną. Manifestowały się w nich elementy teatru – akcja dramatyczna, przebranie, dialog. Najstarszym teatrem były zabawy aktorów ludowych – bufonów.
bufony
Pierwsza wzmianka o bufonach pojawia się w 1068 r. w kronikach. Zbiegają się one w czasie z pojawieniem się na ścianach kijowskiej katedry Zofii fresków przedstawiających występy błaznów. Kronikarz mnich nazywa bufony sługami diabłów, a artysta malujący ściany katedry znalazł możliwość włączenia ich wizerunku do dekoracji kościołów wraz z ikonami.
Sobór Zofii w Kijowie
Freski na ścianach katedry św. Zofii
Kim są bufony?
Oto definicja podana przez kompilator słownika objaśniającego V.I. Dal:
„Błazen, błazen, muzyk, dudziarz, cudotwórca, dudziarz, harfiarz, łowca tańca przy piosenkach, żartach i sztuczkach, aktor, komik, żartowniś, niedźwiedź-robak, lomaka, błazen"
Pietruszka
W XVII w. rozwinęły się pierwsze dramaty ustne, proste w fabule, oddające popularne nastroje. Komedia lalek o Pietruszce (miał na imię Vanka-Ratatouille) opowiadała o przygodach sprytnego wesołego człowieka, który nie bał się niczego na świecie. .
teatr dworski
Plany stworzenia teatru dworskiego pojawiły się po raz pierwszy w 1643 roku u cara Michaiła Fiodorowicza. Rząd moskiewski próbował znaleźć artystów, którzy zgodziliby się wejść do służby królewskiej. W 1644 r. do Pskowa przybyła trupa komediantów ze Strasburga. Mieszkali w Pskowie przez około miesiąc, po czym z nieznanych powodów zostali wypędzeni z Rosji.
Car Michaił Fiodorowicz Romanow
Teatr Królewski Pierwszy teatr królewski w Rosji należał do cara Aleksieja Michajłowicza i istniał w latach 1672–1676. Jego początek wiąże się z imieniem bojara Artamona Matwiejewa. Artamon Siergiejewicz nakazał mieszkającemu w Moskwie pastorowi niemieckiej osady Johannowi Gottfriedowi Gregory’emu zwerbować trupę aktorską.
Car Aleksiej Michajłowicz
Artamon Matwiejew
Pastor zwerbował 64 młodych mężczyzn i nastoletnich chłopców i zaczął uczyć ich umiejętności aktorskich. Skomponował sztukę teatralną na podstawie historii biblijnej. Został napisany w języku niemieckim, ale wykonanie odbyło się w języku rosyjskim. 17 października 1672 roku w podmoskiewskiej rezydencji carskiej otwarto długo oczekiwany teatr i odbyło się pierwsze przedstawienie teatralne.
zabawny oddział
Teatr Królewski, jako obiekt, nazywany był Izbą Rozrywki.
teatr szkolny
W XVII wieku w Rosji przy Akademii Słowiańsko-Grecko-Łacińskiej pojawił się teatr szkolny. Spektakle pisali nauczyciele, a uczniowie inscenizowali tragedie historyczne, dramaty, satyryczne sceny z życia codziennego. Satyryczne sceny teatru szkolnego położyły podwaliny pod gatunek komedii w dramaturgii narodowej. Za początkami szkolnego teatru stoi słynna postać polityczna, dramaturg Symeon Połocki.
Symeon Połocki
Teatry Twierdzy
A pod koniec XVII wieku pojawiły się pierwsze teatry pańszczyźniane. Teatry forteczne przyczyniły się do pojawienia się kobiet na scenie. Do wybitnych rosyjskich aktorek pańszczyźnianych należy ta, która błyszczała w teatrze hrabiów Szeremietiewów Praskowia Zhemchugova-Kovalev. Repertuar teatrów fortecznych obejmował dzieła autorów europejskich, przede wszystkim francuskich i włoskich.
Hrabia Szeremietiew
Praskovya Zhemchugova-Kovaleva
Teatr Twierdza hrabiego Szeremietiew
budynek kina domowego
Szeremietiew
Kostiumy aktorów
sala teatralna
Kiedy teatr pojawił się w mieście Smoleńsku?
1) w 1708 r
2) w 1780 r
3) w 1870 r
4) w 1807 r
W 1780 r. o przybycie Katarzyna II w towarzystwie Cesarz Józef II , gubernator miasta książę N.V. Repnin przygotował „operę”, w której „szlachta obojga płci” prezentowała „rosyjską komedię z chórem”.
N. V. Repnin
Katarzyna II
Cesarz Józef II
Czyja nazwa to Smoleński Teatr Dramatyczny?
1) AS Puszkin?
2) FM Dostojewski?
3) L.N. Tołstoj?
4) A.S. Gribojedow?
Jakiego teatru nie ma w Smoleńsku?
Teatr kameralny
Teatr lalkowy
Teatr Opery i Baletu
W Smoleńsku nie ma teatru opery i baletu, jest filharmonia im. M.I. Glinka
Filharmonia Regionalna w Smoleńsku MI. Glinka
Hala koncertowa Filharmonia Smoleńska
Teatr Rosyjski TEATR ROSYJSKI (TEATR ROSJI) przeszedł inną drogę formacji i rozwoju niż teatr europejski, wschodni czy amerykański. Etapy tej ścieżki związane są z oryginalnością historii Rosji - jej gospodarki, zmian w formacjach społecznych, religii, szczególnej mentalności Rosjan itp. TEATR
Geneza i kształtowanie się teatru rosyjskiego w jego formach rytualnych i ceremonialnych, jak w każdej społeczności starożytnej, był powszechny także na Rusi, istniał w formach misteryjnych. W tym przypadku mamy na myśli misterium nie jako gatunek średniowiecznego teatru europejskiego, ale jako zbiorową akcję związaną z celami codziennymi i sakralnymi, najczęściej – uzyskaniem pomocy bóstwa w sytuacjach ważnych dla funkcjonowania wspólnoty ludzkiej.
Geneza i kształtowanie się teatru rosyjskiego. Były to etapy cyklu rolniczego – siew, zbiory, klęski żywiołowe – susza, epidemie i epizootie, wydarzenia plemienne i rodzinne – małżeństwo, poród, śmierć itp. Były to przedstawienia prateatralne oparte na starożytnej magii plemiennej i rolniczej, dlatego teatrem tego okresu zajmują się głównie folkloryści i etnografowie, a nie historycy teatru. Ale ten etap jest niezwykle ważny – jak każdy początek, który wyznacza wektor rozwoju.
Pochodzenie i powstanie teatru rosyjskiego Z takich rytualnych działań narodziła się linia rozwoju teatru rosyjskiego jako folkloru, teatru ludowego, prezentowanego w wielu formach - teatru lalek (Pietruszka, szopka itp.), Straganu (raek, zabawa z niedźwiedziem itp.), wędrowni aktorzy (harfiści, śpiewacy, gawędziarze, akrobaci itp.) itp. Aż do XVII wieku teatr w Rosji rozwijał się wyłącznie jako teatr folklorystyczny, nie było innych form teatralnych, jak w Europie. Do X–XI wieku teatr rosyjski rozwijał się na charakterystycznej dla tradycyjnego teatru Wschodu czy Afryki ścieżce – rytualno-folklorystycznej, sakralnej, zbudowanej na oryginalnej mitologii
Pochodzenie i powstanie teatru rosyjskiego Około XI wieku. sytuacja zmienia się, początkowo stopniowo, potem coraz silniej, co doprowadziło do zasadniczej zmiany w rozwoju teatru rosyjskiego i jego dalszego kształtowania się pod wpływem kultury europejskiej.
Teatr profesjonalny Pierwszymi przedstawicielami teatru zawodowego byli bufony, zajmujący się niemal wszystkimi gatunkami przedstawień ulicznych. Pierwsze wzmianki o błaznach pochodzą z XI wieku, co pozwala stwierdzić, że sztuka bufonów była zjawiskiem, które od dawna ukształtowało się i wkroczyło w życie wszystkich warstw ówczesnego społeczeństwa. Na kształtowanie się oryginalnej rosyjskiej sztuki błazenskiej, wywodzącej się z obrzędów i rytuałów, wpływ miały także „podróże” wędrownych komików europejskich i bizantyjskich – histrionów, trubadurów, włóczęgów
Teatr szkolno-kościelny „Stoglawy” Cerkwi Rosyjskiej Cerkwi Prawosławnej w 1551 roku odegrał zdecydowaną rolę w ugruntowaniu idei jedności religijno-państwowej i powierzył duchowieństwu obowiązek tworzenia duchowych instytucji wychowawczych. W tym okresie pojawiły się przedstawienia szkolne i przedstawienia szkolno-kościelne, które wystawiano w teatrach tych placówek oświatowych (college, akademie). Na scenie, przeniesione z kart ksiąg, pojawiły się postacie uosabiające państwo, kościół, starożytny Olimp, mądrość, wiarę, nadzieję, miłość itp.
Teatr szkolny i kościelny Po powstaniu w Kijowie szkolny teatr kościelny zaczął pojawiać się w innych miastach: Moskwie, Smoleńsku, Jarosławiu, Tobolsku, Połocku, Twerze, Rostowie, Czernigowie i in. Wychowując się w murach szkoły teologicznej, dokończył teatralizacji obrzędów kościelnych: liturgii, nabożeństw Wielkiego Tygodnia, Bożego Narodzenia, Wielkanocy i innych. Powstający w warunkach rodzącego się życia mieszczańskiego teatr szkolny po raz pierwszy na naszej ziemi oddzielił aktora i scenę od widza i widowni, po raz pierwszy doprowadził do pewnego obrazu scenicznego zarówno dla dramatopisarza, jak i aktora .
Teatr Dworski Powstanie teatru dworskiego w Rosji wiąże się z imieniem cara Aleksieja Michajłowicza. Czas jego panowania wiąże się z ukształtowaniem się nowej ideologii nastawionej na poszerzanie stosunków dyplomatycznych z Europą. Orientacja na europejski styl życia doprowadziła do wielu zmian w życiu rosyjskiego dworu. I. Rozanov. Portret założyciela pierwszego teatru dworskiego Artamona Siergiejewicza Matwiejewa
Teatr dworski. Próba zorganizowania pierwszego teatru dworskiego przez Aleksieja Michajłowicza sięga także 1660 r.: na „liście” zamówień i zakupów dla cara angielski kupiec Gebdon, ręka Aleksieja Michajłowicza, wpisał zadanie „Wezwanie mistrzów komedii z ziem niemieckich do państwa moskiewskiego”. Jednak ta próba zakończyła się niepowodzeniem; pierwsze przedstawienie rosyjskiego teatru dworskiego odbyło się dopiero w maju 1672 r., car wydał dekret, w którym pułkownik Nikołaj von Staden (przyjaciel bojara Matwiejewa) otrzymał polecenie znalezienia za granicą ludzi, którzy mogliby „grać komedie”.
Przedstawienia teatru dworskiego stały się jedną z ulubionych rozrywek na moskiewskim dworze. Było 26 rosyjskich aktorów. Chłopcy wcielili się w role kobiece. Rolę Estery w akcji Artakserksesa odegrał syn Blumentrosta. Zarówno obcokrajowcy, jak i aktorzy rosyjscy kształcili się w szkole specjalnej, którą otwarto 21 września 1672 roku na dziedzińcu domu Grzegorza w osadzie niemieckiej. Nauczanie studentów rosyjskich i cudzoziemskich okazało się trudne i w drugiej połowie 1675 roku zaczęły działać dwie szkoły teatralne: na dworze polskim – dla obcokrajowców, w Meszczańskiej Słobodzie – dla Rosjan.
Teatr Dworski Powstanie pierwszego teatru dworskiego zbiegło się z narodzinami Piotra I (1672), który jako dziecko oglądał ostatnie przedstawienia tego teatru. Po wstąpieniu na tron i rozpoczęciu ogromnej pracy nad europeizacją Rosji, Piotr I nie mógł powstrzymać się od zwrócenia się do teatru jako środka promującego swoje innowacyjne idee polityczne i społeczne.
Teatr Pietrowski Teatr Pietrowski Z końca XVII wieku. w Europie modne stały się maskarady, które lubił młody Piotr I. W 1698 r. ubrany w strój chłopa fryzyjskiego wziął udział w maskaradzie wiedeńskiej. Piotr postanowił spopularyzować swoje reformy i innowacje poprzez sztukę teatralną. Planował budowę teatru w Moskwie, ale nie dla elit, ale otwartego dla wszystkich. W latach 1698-1699 w Moskwie działała trupa teatru lalek, na której czele stał Jan Spławski, a w 1701 r. Piotr polecił zapraszać komediantów z zagranicy. W 1702 roku do Rosji przybywa trupa Johanna Kunsta
Powstanie teatru publicznego (publicznego) Po wstąpieniu na tron Elżbiety Pietrowna w 1741 r. kontynuowano wprowadzanie teatru europejskiego. Na dworze gościły zagraniczne zespoły - włoskie, niemieckie, francuskie, a wśród nich - dramat, opera i balet, komedia dell'arte. W tym samym okresie położono podwaliny pod narodowy rosyjski teatr zawodowy, to za panowania Elżbiety przyszły „ojciec teatru rosyjskiego” Fiodor Wołkow studiował w Moskwie, biorąc udział w przedstawieniach bożonarodzeniowych i chłonąc doświadczenia tournée Europejskie zespoły.
Teatry w placówkach oświatowych W połowie XVIII wieku. w placówkach oświatowych organizowane są teatry (1749 - Korpus Szlachecki w Petersburgu, 1756 - Uniwersytet Moskiewski), przedstawienia teatralne rosyjskie organizowane są w Petersburgu (organizator I. Łukin), w Moskwie (organizatorzy K. Bajkułow, urzędnicy na czele z Chalkowem i Głuszkow, mistrz „Iwanow i inni), w Jarosławiu (organizatorzy N. Serow, F. Wołkow). W 1747 r. Miało miejsce kolejne ważne wydarzenie: napisano pierwszą tragedię poetycką - Khorev A. Sumarokov.
Narodowy teatr publiczny Wszystko to stwarza przesłanki do powstania narodowego teatru publicznego. W tym celu w 1752 r. Wezwano trupę Wołkowa z Jarosławia do Petersburga. Utalentowani aktorzy amatorzy są zdeterminowani studiować w korpusie szlacheckim - A. Popow, I. Dmitrevsky, F. i G. Volkov, G. Emelyanov, P. Ivanova i inni. Wśród nich są cztery kobiety: A. Musina-Puszkina, A. Michajłowa, siostry M. i O. Ananiev.
Teatr Pietrowski Teatr Pietrowski Za czasów Piotra Wielkiego przedstawienia na Syberii zapoczątkował metropolita tobolski Filoteusz Leszczyński. W rękopiśmiennej kronice pod 1727 rokiem czytamy: „Filotej był myśliwym dla przedstawień teatralnych, robił wspaniałe i bogate komedie, gdy miał być widzem zbieracza w komedii, potem pan produkował dzwony katedralne do zbierania płomieni , a teatry znajdowały się pomiędzy katedrą a kościołami św. Sergiusza i vzvozu, dokąd szli ludzie. Innowację metropolity Filoteusza kontynuowali jego następcy, z których część była uczniami Akademii Kijowskiej.
Teatr pod okiem Anny Ioannovny Anna Ioannovna wydawała ogromne sumy na różne uroczystości, bale, maskarady, uroczyste przyjęcia ambasadorów, sztuczne ognie, iluminacje i procesje teatralne. Na jej dworze odrodziła się kultura klaunów, kontynuując tradycje „siedzących” bufonów - miała gigantów i krasnoludków, błaznów i krakersów. Najbardziej znanym świętem teatralnym był „ciekawy” ślub błazna księcia Golicyna z kałmuckim żartownisiem Buzheninową w Lodowym Domu 6 lutego 1740 r.
Stały teatr publiczny Pierwszy rosyjski stały teatr publiczny został otwarty w 1756 roku w Petersburgu, w Domu Gołowkinskich. Do aktorów wyszkolonych w korpusie szlacheckim dodano szereg aktorów z jarosławskiej trupy F. Wołkowa, w tym aktora komiksowego Y. Szumskiego. Na czele teatru stał Sumarokow, którego tragedie klasycystyczne stanowiły podstawę repertuaru. Pierwsze miejsce w trupie zajął Wołkow, który zastąpił Sumarokowa na stanowisku dyrektora i piastował to stanowisko aż do swojej śmierci w 1763 r. (Teatr ten w 1832 r. Będzie nosił nazwę Aleksandryjski - na cześć żony Mikołaja I.)
Utworzenie Teatru Dramatycznego Pierwsze publiczne przedstawienia w Moskwie datuje się na rok 1756, kiedy to uczniowie gimnazjum uniwersyteckiego pod kierunkiem swojego dyrektora, poety M. Cheraskowa, utworzyli w murach uniwersytetu trupę teatralną. Na występy zapraszani byli przedstawiciele najwyższego moskiewskiego społeczeństwa. W 1776 roku na bazie dawnej trupy uniwersyteckiej utworzono teatr dramatyczny, który otrzymał imię Pietrowskiego (jest to także Teatr Medox). Z tego teatru wywodzą się rosyjskie teatry Bolszoj (opera i balet) i Mały (dramatyczny).
Historia Teatru Małego Teatr Mały jest najstarszym teatrem w Rosji. Jego trupa powstała na Uniwersytecie Moskiewskim w 1756 roku, zaraz po znanym dekrecie cesarzowej Elżbiety Pietrowna, który zapoczątkował narodziny teatru zawodowego w naszym kraju: Nakazaliśmy teraz utworzenie teatru rosyjskiego do wystawiania komedii i tragedii ... Dom kupca Vargina, w którym w 1824 roku otwarto Teatr Mały
Historia Teatru Małego W 1824 roku Beauvais przebudował rezydencję kupca Vargina na teatr, a część dramatyczna moskiewskiej trupy Teatru Cesarskiego otrzymała własny budynek na placu Pietrowskim (obecnie Teatralnaya) i własną nazwę - Teatr Mały . W 1824 roku Beauvais przebudował rezydencję kupca Vargina na teatr, a część dramatyczna moskiewskiego trupy Teatru Cesarskiego otrzymała własny gmach na placu Pietrowskiej (obecnie Teatralnaja) i własną nazwę – Teatr Mały. Budynek Moskiewskiego Teatru Małego, fotografia z lat 90. XIX wieku
Teatr epoki sentymentalizmu Okres klasycyzmu w Rosji nie trwał długo – już od połowy lat sześćdziesiątych XVIII wieku zaczęło się kształtowanie sentymentalizmu. Są „łzawe komedie” W. Łukińskiego, M. Wieryowkina, M. Kheraskowa, opera komiczna, dramat drobnomieszczański. Umocnieniu tendencji demokratycznych w teatrze i dramaturgii sprzyjało zaostrzenie sprzeczności społecznych w okresie wojny chłopskiej 1773-1775 oraz tradycje teatru ludowego. Tak więc, według współczesnych, Szumski stosował techniki gry zbliżone do błaznów. Rozwija się komedia satyryczna - Undergrowth D. Fonvizin
Teatry forteczne Do końca XVIII wieku. rozrastają się teatry forteczne. Na naukę z aktorami zapraszano tu specjalistów teatralnych – aktorów, choreografów, kompozytorów. Niektóre teatry forteczne (Szeremietiew w Kuskowie i Ostankinie, Jusupow w Archangielsku) bogactwem swoich przedstawień przewyższały teatry państwowe. Na początku XIX wieku właściciele niektórych teatrów pańszczyźnianych zaczynają przekształcać je w przedsiębiorstwa komercyjne (Szachowska i in.). Z teatrów pańszczyźnianych wyszło wielu znanych rosyjskich aktorów, których często zwalniano za rzucenie palenia, aby grać w teatrach „wolnych” – m.in. na scenie imperialnej (M. Szczepkin, L. Nikulina-Kositskaja i in.). Tancerka teatru zamkowego
Teatr na przełomie wieków Ogólnie proces powstawania teatru zawodowego w Rosji w XVIII wieku. zakończył się. Następny wiek XIX stał się okresem szybkiego rozwoju wszystkich dziedzin teatru rosyjskiego. Teatr Ermitaż, zbudowany na zlecenie Katarzyny Wielkiej w latach
Teatr rosyjski XIX w. Teatr rosyjski XIX w. Zagadnienia związane z rozwojem teatru na samym początku XIX wieku. omawiano na zebraniach Wolnego Towarzystwa Miłośników Literatury, Nauki i Sztuki. Zwolennik Radiszczowa I. Pnin w swojej książce Doświadczenie oświecenia z szacunkiem do Rosji (1804) argumentował, że teatr powinien przyczyniać się do rozwoju społeczeństwa. Po drugie, do powstania romantyzmu przyczyniła się aktualność rozgrywających się w tym okresie tragedii patriotycznych, pełnych nawiązań do sytuacji nowożytnej (Edyp w Atenach i Dmitrij Donskoj W. Ozerow, sztuki F. Schillera i W. Szekspira). Oznacza to, że potwierdziły się nowe zasady gry aktorskiej, dążenie do indywidualizacji postaci scenicznych, ujawnienia ich uczuć i psychologii.
Podział teatru na dwa zespoły W pierwszej ćwierci XIX wieku. nastąpiło pierwsze oficjalne wydzielenie rosyjskiego teatru dramatycznego na odrębny kierunek (wcześniej trupa dramatyczna współpracowała z operą i baletem, a ci sami aktorzy często występowali w przedstawieniach różnych gatunków). W 1824 roku dawny teatr Medox został podzielony na dwa zespoły – dramatyczny (Teatr Mały) oraz operowo-baletowy (Teatr Bolszoj). Teatr Mały otrzyma oddzielny budynek. (W Petersburgu trupa dramatyczna została oddzielona od trupy muzycznej w 1803 r., ale przed przeniesieniem się do osobnego gmachu Teatru Aleksandryjskiego w 1836 r. nadal współpracowała z trupą operowo-baletową Teatru Maryjskiego.)
Teatr Aleksandryjski Dla Teatru Aleksandryjskiego, druga połowa XIX wieku. okazał się trudniejszym okresem. Pomimo odrębnych inscenizacji sztuk Ostrowskiego, I. Turgieniewa, A. Sukhovo-Kobylina, A. Pisemskiego na polecenie Dyrekcji Teatrów Cesarskich, główną podstawę repertuaru stanowiły wówczas wodewil i dramaturgia pseudoludowa. W skład trupy wchodziło wielu utalentowanych artystów, których nazwiska zapisały się w historii teatru rosyjskiego: A. Martynow, P. Wasiliew, W. Asenkowa, E. Gusiewa, Ju. Linskaja, W. Samoiłow, później do końca XIX w. wiek. - P. Strepetova, V. Komissarzhevskaya, M. Dalsky, K. Varlamov, M. Savina, V. Strelskaya, V. Dalmatov, V. Davydov i inni Jednak każdy z tych genialnych aktorów pojawił się jakby sam, grając gwiazdy nie utworzyły zespołu scenicznego. Ogólnie rzecz biorąc, stan Teatru Aleksandryjskiego w tamtym czasie nie był godny pozazdroszczenia: liderzy trupy ciągle się zmieniali, nie było silnego kierunku, wzrosła liczba premier, a czas prób został skrócony.
Największy teatr operowo-baletowy w Rosji, jeden z najstarszych teatrów muzycznych w naszym kraju. Pochodzi z Teatru Kamiennego (Bolszoj) otwartego w 1783 roku. W nowoczesnym budynku (odbudowanym po pożarze Teatru Cyrkowego) istnieje od 1860 roku, jednocześnie otrzymał nową nazwę – Teatr Maryjski.
Teatr na przełomie wieków Przełom XIX i XX wieku to okres szybkiego wzrostu i szybkiego rozkwitu teatru rosyjskiego. Ten czas był punktem zwrotnym dla całego teatru światowego: pojawił się nowy zawód teatralny – reżyser, i w związku z tym ukształtowała się zasadniczo nowa estetyka teatru reżyserskiego. W Rosji tendencje te są szczególnie widoczne. Był to okres bezprecedensowego rozwoju całej sztuki rosyjskiej, który później otrzymał nazwę srebrnego wieku. A teatr dramatyczny – wraz z poezją, malarstwem, scenografią, baletem – pojawił się w ogromnej różnorodności kierunków estetycznych, skupiając uwagę światowej społeczności teatralnej.
Teatr rosyjski na przełomie XIX i XX wieku Teatr rosyjski na przełomie XIX i XX wieku Aby spojrzeć na Rosję na przełomie XIX i XX wieku. w centrum światowych osiągnięć teatralnych wystarczyłby jeden K.Stanisławski z jego oszałamiającymi nowatorskimi pomysłami i Moskiewski Teatr Artystyczny stworzony przez niego wraz z W. Niemirowiczem-Danczenką (1898). Mimo że Moskiewski Teatr Artystyczny otworzył się przedstawieniem cara Fiodora Ioannowicza A.K. Tołstoja, tajemnicza, do dziś nie do końca ujawniona dramaturgia A. Czechowa stała się sztandarem nowego teatru. Nic dziwnego, że na kurtynie Moskiewskiego Teatru Artystycznego wisi mewa, która nawiązuje do tytułu jednej z najlepszych sztuk Czechowa i stała się symbolem teatru. Ale jedną z głównych zasług Stanisławskiego dla teatru światowego jest edukacja utalentowanych studentów, którzy przyjęli doświadczenie jego systemu teatralnego i rozwijają je dalej w najbardziej nieoczekiwanych i paradoksalnych kierunkach (świetnymi przykładami są V. Meyerhold, M. Czechow, E. Wachtangow).
WERA FIODOROVNA KOMISSARZHEVSKAYA V. Komissarzhevskaya była „kluczową postacią” tamtych czasów w Petersburgu. Debiutując na scenie Teatru Aleksandryjskiego w 1896 roku (wcześniej grała w amatorskich przedstawieniach Stanisławskiego), aktorka niemal natychmiast zdobyła gorącą miłość publiczności. Jej własny teatr, założony w 1904 roku, odegrał ogromną rolę w ukształtowaniu się genialnej konstelacji rosyjskich reżyserów. W teatrze Komissarzhevskiej w latach 1906–1907 Meyerhold po raz pierwszy ugruntował zasady teatru konwencjonalnego na scenie stołecznej (później kontynuował swoje eksperymenty w teatrach cesarskich - Aleksandryńskim i Maryjskim, a także w szkole Teniszewskiego i w studiu teatralnym na ulicy Borodińskiej)
Moskiewski Teatr Artystyczny Moskiewski Teatr Artystyczny Moskiewski Teatr Artystyczny był centrum życia teatralnego. Zgromadziła się tam znakomita konstelacja aktorów, którzy grali w przedstawieniach, które przyciągały ogromną liczbę widzów: O. Knipper, I. Moskvin, M. Lilina, M. Andreeva, A. Artem, V. Kachałow, M. Czechow i inni. reżyseria: oprócz Stanisławskiego i Niemirowicza-Danczenki były to dzieła L. Sulerżyckiego, K. Mardzhanova, Wachtangowa; na produkcję przybył także światowej sławy G. Krag. Moskiewski Teatr Artystyczny położył podwaliny pod nowoczesną scenografię: w prace nad jego przedstawieniami zaangażowani byli M. Dobuzhinsky, N. Roerich, A. Benois, B. Kustodiew i inni. Moskiewski Teatr Artystyczny w tamtym czasie determinował właściwie całe życie artystyczne Moskwy, m.in. - i rozwój małych form teatralnych; Najpopularniejszy moskiewski teatr-kabaret „Nietoperz” powstaje na podstawie skeczy Moskiewskiego Teatru Artystycznego.
Teatr Rosyjski po 1917 roku Nowy rząd zrozumiał wagę sztuki teatralnej: 9 listopada 1917 roku Rada Komisarzy Ludowych wydała dekret przekazujący wszystkie rosyjskie teatry pod jurysdykcję Wydziału Sztuki Państwowej Komisji Oświaty. A 26 sierpnia 1919 roku ukazał się dekret o nacjonalizacji teatrów, po raz pierwszy w historii Rosji teatr całkowicie stał się sprawą państwową (w starożytnej Grecji taką politykę państwa prowadzono już w czasach V wiek p.n.e.). Tytuły akademickie otrzymały czołowe teatry: w 1919 r. - Teatr Mały, w 1920 r. - Moskiewski Teatr Artystyczny i Teatr Aleksandryjski (przemianowany na Piotrogrodzki Państwowy Akademicki Teatr Dramatyczny). Otwierają się nowe teatry. W Moskwie – III Studio Moskiewskiego Teatru Artystycznego (1920, później Teatr Wachtangowa); Teatr Rewolucji (1922, później - Teatr Majakowskiego); teatr im. MGSPS (1922, dziś – teatr im. Mossoveta); Moskiewski Teatr dla Dzieci (1921, od 1936 - Centralny Teatr Dziecięcy). W Piotrogrodzie – Teatr Dramatyczny Bolszoj (1919); GOSET (1919, w 1920 przeniesiony do Moskwy); Teatr dla Młodej Widzów (1922).
Teatr im. Jewgienija Wachtangowa Historia teatru im. Ewg. Wachtangow zaczął na długo przed swoimi narodzinami. Pod koniec 1913 roku grupa bardzo młodych studentów, liczących osiemnastu do dwudziestu studentów moskiewskich, zorganizowała Studenckie Studio Dramatyczne, decydując się na uprawianie sztuki teatralnej według systemu Stanisławskiego.
Teatr lat 30. Nowy okres w teatrze rosyjskim rozpoczął się w 1932 roku uchwałą Komitetu Centralnego Wszechzwiązkowej Komunistycznej Partii Bolszewików „W sprawie restrukturyzacji organizacji literackich i artystycznych”. Za główną metodę w sztuce uznano metodę socrealizmu. Czas artystycznych eksperymentów minął, choć nie oznacza to, że kolejne lata nie przyniosły nowych osiągnięć i sukcesów w rozwoju sztuki teatralnej. Tyle, że zawęziło się „terytorium” dozwolonej sztuki, zatwierdzono przedstawienia pewnych nurtów artystycznych – z reguły realistycznych. I pojawiło się dodatkowe kryterium oceny: ideologiczno-tematyczne. I tak na przykład bezwarunkowym osiągnięciem teatru rosyjskiego od połowy lat trzydziestych XX wieku stały się przedstawienia tzw. „Leninianie”, w którym na scenę wprowadzono wizerunek W. Lenina (Człowiek z bronią w Teatrze Wachtangowa w roli Lenina - B. Szczukin; Prawda w Teatrze Rewolucji w roli Lenin – M. Strauch itp.). Praktycznie skazane na sukces były przedstawienia oparte na sztukach „twórcy socrealizmu” M. Gorkiego. Nie znaczy to jednak, że każde ideowo utrwalone przedstawienie było złe, same kryteria artystyczne (a czasem sukces publiczności) w państwowej ocenie przedstawień przestały być decydujące.
Teatr lat 30. (i drugiej połowy lat 40., kiedy trwała polityka ideologiczna) był tragiczny dla wielu postaci teatru rosyjskiego. Jednak teatr rosyjski nadal się rozwijał. Pojawiły się nowe nazwiska reżyserów: A.Popow, Yu.Zavadsky, R.Simonov, B.Zakhava, A.Dikiy, N.Okhlopkov, L.Vivien, N.Akimov, N.Gerchakov, M.Kedrov, M.Knebel, V. .Sachnowski, B. Suszkiewicz, I.Berseniew, A.Bryancew, E.Radłow i in. Nazwiska te kojarzone były głównie z Moskwą i Leningradem oraz szkołą reżyserską czołowych teatrów kraju. Jednak sławę zyskują także dzieła wielu reżyserów w innych miastach Związku Radzieckiego: N. Sobolshchikov-Samarin (Gorky), N. Sinelnikov (Charków), I. Rostowcew (Jarosław), A. Kanin (Riazan), V. Bityutsky (Swierdłowsk), N. Pokrowski (Smoleńsk, Gorki, Wołgograd) itp.
Teatr podczas Wielkiej Wojny Ojczyźnianej Podczas Wielkiej Wojny Ojczyźnianej rosyjskie teatry skupiały się głównie na tematyce patriotycznej. Na scenie wystawiane były sztuki powstałe w tym okresie (Inwazja L. Leonowa, Front A. Korniejczuka, Facet z naszego miasta i Naród rosyjski K.Simonowa) oraz sztuki o tematyce historycznej i patriotycznej (Piotr I A.N. Tołstoj, feldmarszałek Kutuzow). gradacja
Teatr w czasie Wielkiej Wojny Ojczyźnianej Lata 1941-1945 miały dla życia teatralnego Rosji i Związku Radzieckiego jeszcze jedną konsekwencję: znaczny wzrost poziomu artystycznego teatrów prowincjonalnych. Ewakuacja teatrów w Moskwie i Leningradzie oraz ich praca na peryferiach tchnęła nowe życie w lokalne teatry, przyczyniła się do integracji sztuki scenicznej i wymiany doświadczeń twórczych.
Teatr rosyjski w latach 1950–1980 Teatr rosyjski w latach 1950–1980 Wielki wkład w kształtowanie się rosyjskiej sztuki teatralnej wnieśli liczni aktorzy Leningradu: I. Gorbaczow, N. Simonow, Yu Tolubeev, N. Czerkasow, B. Freindlich, O. Lebzak, L. Shtykan, N. Burow i inni (Teatr Puszkina); D. Barkov, L. Dyachkov, G. Zhzhenov, A. Petrenko, A. Ravikovich, A. Freindlich, M. Boyarsky, S. Migitsko, I. Mazurkevich i inni (Teatr Lensovet); W. Jakowlew, R. Gromadski, E. Ziganszina, W. Tykke i inni (Teatr Lenina Komsomola); T. Abrosimova, N. Boyarsky, I. Krasko, S. Landgraf, Yu.Ovsyanko, V. Osobik i inni (Teatr Komissarzhevskaya); E. Junger, S. Filippov, M. Svetin i inni (Teatr Komedia); L. Makariev, R. Lebedev, L. Sokolova, N. Lavrov, N. Ivanov, A. Chochinsky, A. Shuranova, O. Volkova i inni (Teatr Młodych Widzów); N. Akimova, N. Ławrow, T. Szestakowa, S. Bechteriew, I. Iwanow, W. Osipczuk, P. Semak, I. Sklyar i inni (MDT, znany także jako Teatr Europy). Teatr Armii Rosyjskiej TEATR ARMII ROSYJSKIEJ jest pierwszym profesjonalnym teatrem dramatycznym w systemie Ministerstwa Obrony Narodowej. Do 1946 roku nosił nazwę Teatru Armii Czerwonej, następnie przemianowano go na Teatr Armii Radzieckiej (później – Centralny Akademicki Teatr Armii Radzieckiej). Od 1991 - Centralny Teatr Akademicki Armii Rosyjskiej. TEATR ARMII ROSYJSKIEJ jest pierwszym profesjonalnym teatrem dramatycznym w systemie Ministerstwa Obrony Narodowej. Do 1946 roku nosił nazwę Teatru Armii Czerwonej, następnie przemianowano go na Teatr Armii Radzieckiej (później – Centralny Akademicki Teatr Armii Radzieckiej). Od 1991 - Centralny Teatr Akademicki Armii Rosyjskiej.
Teatr Armii Rosyjskiej W latach 1930–1931 Teatrem Armii Czerwonej kierował Yu.A. Zawadski. Tutaj wystawił jedno ze znaczących przedstawień w Moskwie w tym czasie, Mścisław Udałoj I. Prut. W teatrze pracowało studio, jego absolwenci uzupełnili trupę. W 1935 roku teatrem kierował A.D. Popow, którego nazwa związana jest z okresem świetności Teatru Armii Czerwonej. Architekt K.S. Alabyan stworzył projekt bardzo szczególnego budynku teatralnego - w formie pięcioramiennej gwiazdy, z dwiema widowniami (Wielka Sala na 1800 miejsc), z obszerną sceną, charakteryzującą się niespotykaną dotychczas głębią, z wieloma sale przystosowane do warsztatów, obsługi teatralnej, sale prób. Do 1940 roku wybudowano budynek, do tego czasu teatr grał swoje przedstawienia w Sali Czerwonego Sztandaru Domu Armii Czerwonej, odbywał długie tournée.
Teatr rosyjski okresu poradzieckiego Teatr rosyjski okresu poradzieckiego Zmiana formacji politycznej na początku lat 90. i długi okres dewastacji gospodarczej radykalnie zmieniły życie rosyjskiego teatru. Pierwszemu okresowi osłabienia (a potem i zniesienia) kontroli ideologicznej towarzyszyła euforia: teraz można założyć i pokazać widzom wszystko. Po zniesieniu centralizacji teatrów zorganizowano wiele nowych grup studiów teatralnych, przedsiębiorstw itp. Niewiele z nich przetrwało jednak w nowych warunkach – okazało się, że oprócz dyktatu ideologicznego istnieje dyktat widza: publiczność będzie oglądać tylko to, co chce. A jeśli w warunkach państwowego finansowania teatru zapełnienie widowni nie jest zbyt ważne, to przy samowystarczalności pełna sala na sali jest najważniejszym warunkiem przetrwania.
Teatr dzisiaj Współczesny teatr rosyjski pod względem liczby i różnorodności nurtów estetycznych kojarzony jest z epoką srebrną. Reżyserzy tradycyjnych nurtów teatralnych stoją ramię w ramię z eksperymentatorami. Wraz z uznanymi mistrzami - P. Fomenko, V. Fokin, O. Tabakov, R. Viktyuk, M. Levitin, L. Dodin, A. Kalyagin, G. Volchek, K. Ginkas, G. Yanovskaya, G. Trostyanetsky, I Reichelgauz, K. Raikin, S. Artsibashev, S. Prokhanov, S. Vragova, A. Galibin, V. Pazi, G. Kozlov, a także jeszcze młodsi i radykalni artyści awangardowi: B. Yukhananov, A. Praudin , A.Mighty, V.Kramer, Klim i inni.
Teatr dzisiaj W okresie poradzieckim zarysy reformy teatralnej zmieniły się radykalnie, przesunęły się głównie w obszar finansowania grup teatralnych, potrzeby wsparcia państwa dla kultury w ogóle, a teatrów w szczególności i tak dalej. Ewentualna reforma wywołuje wiele różnorodnych opinii i gorącą dyskusję. Pierwszym etapem tej reformy był dekret rządu Rosji z 2005 roku w sprawie dodatkowego finansowania szeregu teatrów i edukacyjnych instytucji teatralnych w Moskwie i Sankt Petersburgu. Jednak do systemowego rozwoju programu reformy teatralnej jeszcze daleka droga. Wciąż nie jest jasne, co to będzie.
slajd 1
Od okrągłego tańca do stoiska Miejska placówka oświatowa szkoła średnia nr 8, Siewieromorsk - 3, obwód murmańskislajd 2
slajd 3
W dawnych czasach na Rusi popularną zabawą ludową był taniec okrągły. Odzwierciedlał różnorodne zjawiska życiowe. Były tańce miłosne, wojskowe, rodzinne, robocze... Znamy trzy rodzaje tańca okrągłego:
slajd 4
W okrągłych zabawach tanecznych początki chóralne i dramatyczne zostały organicznie połączone. Takie zabawy zwykle zaczynały się od „setowych” utworów, a kończyły na „składanych”, a utwory wyróżniały się wyraźnym rytmem. Następnie, wraz ze zmianą struktury społeczności plemiennej, zmieniły się także okrągłe zabawy taneczne. Pojawili się soliści-liderzy (luminarze) i aktorzy (aktorzy). Zwykle było nie więcej niż trzech aktorów. Podczas gdy chór śpiewał piosenkę, odgrywał jej treść. Istnieje opinia, że to właśnie ci aktorzy stali się założycielami pierwszych błaznów.
slajd 5
Taniec rosyjski jest integralną częścią ludowych zabaw i uroczystości. Zawsze była kojarzona z piosenką. To właśnie to połączenie było jednym z głównych środków wyrazu teatru ludowego. Od czasów starożytnych rosyjski taniec ludowy opierał się z jednej strony na śmiałości rywalizujących partnerów, z drugiej na jedności i płynności ruchów.
slajd 6
Taniec rosyjski narodził się z pogańskich obrzędów. Po XI wieku, wraz z pojawieniem się zawodowych aktorów bufonów, zmienił się także charakter tańca. Błazny posiadały rozwiniętą technikę tańca; powstały odmiany bufonów-tancerzy. Nie zabrakło bufonów-tancerzy, którzy nie tylko tańczyli, ale także odgrywali pantomimę za pomocą tańca, najczęściej improwizowanego. Pojawiały się tancerki-tancerki, najczęściej były to żony bufonów. Taniec rosyjski
Slajd 7
Taniec zajmuje duże miejsce w różnych formach teatru. Brał udział nie tylko w zabawach i festynach, ale także w przedstawieniach kukiełkowego przedstawienia „Pietruszka”, często wypełniając przerwy między aktami szkolnego dramatu. Wiele tradycji tańca rosyjskiego przetrwało do dziś.
Slajd 8
Niedźwiedzie przewodniki wzmiankowane są w źródłach już od XVI w., choć możliwe, że pojawiły się znacznie wcześniej. Pełen szacunku stosunek do tej bestii powstał w czasach pogańskich. Niedźwiedź jest przodkiem. Jest symbolem zdrowia, płodności, dobrobytu, jest silniejszy od złych duchów.
Slajd 9
Wśród bufonów niedźwiedź był uważany za żywiciela rodziny, jej pełnoprawnego członka. Tacy artyści nazywani byli z imienia i nazwiska: Michajło Potapych lub Matrena Iwanowna. W swoich przedstawieniach przewodnicy zazwyczaj przedstawiali życie zwykłych ludzi, a przerywniki dotyczyły różnorodnych tematów codziennych. Właściciel pytał np.: „A jak, Misza, małe dzieci chodzą kraść groszek?” - lub: „A jak kobiety powoli wędrują do pracy mistrza?” - i bestia pokazała wszystko. Na koniec występu niedźwiedź wykonał kilka wyuczonych ruchów, a właściciel je skomentował.
slajd 10
„Komedia o niedźwiedziu” w XIX wieku składała się z trzech głównych części: po pierwsze, tańca niedźwiedzia z „kozą” (kozę przedstawiał zwykle chłopiec, który zakładał na głowę worek; kij z głową kozła i przez worek przebito od góry rogi, do głowy przyczepiono drewniany język, od którego klaskania słychać było straszny dźwięk), potem nastąpił występ bestii pod żartami przewodnika, a potem jej walka z „koza” lub właściciel. Pierwsze opisy takich komedii pochodzą z XVIII wieku. Rzemiosło to istniało przez długi czas, aż do lat 30. ubiegłego wieku.
slajd 11
Od czasów starożytnych w wielu krajach europejskich na Boże Narodzenie zwyczajem było ustawianie na środku kościoła żłóbka z figurami Matki Boskiej, Dzieciątka, pasterza, osła i byka. Stopniowo zwyczaj ten przerodził się w rodzaj przedstawienia teatralnego, w którym za pomocą lalek opowiadano słynne legendy ewangelii o narodzinach Jezusa Chrystusa, kulcie Trzech Króli i okrutnym królu Herodzie. Przedstawienie bożonarodzeniowe szeroko rozpowszechniło się w krajach katolickich, zwłaszcza w Polsce, skąd przeniosło się na Ukrainę, Białoruś, a następnie w nieco zmodyfikowanej formie do Wilikorosji.
slajd 12
Gdy zwyczaj bożonarodzeniowy przekroczył granice Kościoła katolickiego, zyskał nazwę vertep (starosłowiański i staroruski – jaskinia). Był to teatr lalek. Wyobraź sobie pudełko podzielone wewnętrznie na dwie kondygnacje. Wierzch loży zakończył się daszkiem, a jej otwarta strona skierowana była w stronę publiczności. Na dachu znajduje się dzwonnica. Za szkłem umieszczono na nim świecę, która paliła się w trakcie przedstawienia, nadając akcji magiczny, tajemniczy charakter. Lalki do teatru szopkowego wykonywano z drewna lub szmat i mocowano na drążku. Dolna część pręta była trzymana przez lalkarza, dzięki czemu lalki poruszały się, a nawet obracały. Sam lalkarz ukryty był za pudłem. Na piętrze jaskini rozgrywały się historie biblijne, na parterze - codzienne: codzienne, komediowe, czasem towarzyskie. A zestaw lalek na dolne piętro był zwyczajny: mężczyźni, kobiety, diabeł, Cyganie, żandarm i prosty człowiek zawsze okazali się sprytniejsi i mądrzejsi od żandarma. To z Teatru Narodzenia Pańskiego narodził się później tak popularny wśród ludzi Teatr Pietruszki.
slajd 13
Każdy będzie tańczył, ale nie jak bufon” – mówi rosyjskie przysłowie. Rzeczywiście, wielu mogło grać w gry, ale nie każdy mógł być zawodowym błaznem. Ulubionym wśród zawodowych bufonów był aktor teatru lalek, a najpopularniejszą komedią o Pietruszce. Pietruszka to ulubiony bohater zarówno błaznów, którzy dali przedstawienie, jak i publiczności. To odważny śmiałek i tyran, który w każdej sytuacji zachował poczucie humoru i optymizmu. Zawsze oszukiwał bogatych i władzę, a jako rzecznik protestu cieszył się poparciem publiczności.
slajd 14
W takim przedstawieniu teatralnym działało jednocześnie dwóch bohaterów (według liczby rąk lalkarza): Pietruszka i lekarz, Pietruszka i policjant. Spiski były najczęstsze: Pietruszka wychodzi za mąż, kupuje konia itp. Zawsze brał udział w sytuacji konfliktowej, natomiast represje Pietruszki były dość okrutne, ale opinia publiczna nigdy go za to nie potępiła. Pod koniec przedstawienia Pietruszkę często ogarniała „kara niebiańska”. Teatr lalek Pietruszka cieszył się największą popularnością w XVII wieku.
slajd 15
Od końca XVIII w. na jarmarku często można było zobaczyć jaskrawo ubranego mężczyznę, który niósł ozdobioną szkatułkę (rayok) i głośno krzyczał: „Chodźcie tu ze mną na pogawędkę, uczciwi ludzie, zarówno chłopcy, jak i dziewczęta, i dobrze zrobione i dobrze zrobione, i kupcy i kupcy, i urzędnicy i urzędnicy, i urzędnicy szczury i próżniacy biesiadnicy. Będę Ci pokazywać różne obrazki: zarówno panów, jak i mężczyzn w kożuchach, a ty z uwagą słuchasz dowcipów i różnych dowcipów, jesz jabłka, obgryzasz orzechy, oglądasz zdjęcia i dbasz o kieszenie. Oszukają.” Rayoka
slajd 16
Raek przyjechał do nas z Europy i wraca do dużych panoram. Historyk sztuki D. Rovinsky w książce „Russian Folk Pictures” opisuje to w następujący sposób: „Raek to małe pudełko, arshin we wszystkich kierunkach, z dwoma szkłami powiększającymi z przodu. Wewnątrz długi pas z rodzimymi obrazami różnych miast, wspaniałych ludzi i wydarzeń przewija się od jednego lodowiska do drugiego. Widzowie „za grosza z pyska” patrzą w szybę. Rayoshnik przesuwa obrazki i do każdej nowej liczby opowiada powiedzenia, często bardzo skomplikowane”.
slajd 17
Raek był bardzo popularny wśród ludzi. Można było w nim zobaczyć zarówno panoramę Konstantynopola, jak i śmierć Napoleona, kościół św. Piotra w Rzymie i Adama z rodziną, bohaterami, krasnoludkami i dziwakami. Co więcej, mieszkaniec nie tylko pokazywał zdjęcia, ale komentował ukazane na nich wydarzenia, często krytykując władzę i istniejący porządek, jednym słowem dotykając najbardziej palących problemów. Jako jarmarkowa rozrywka raek istniał do końca XIX wieku.
slajd 18
Żaden jarmark w XVIII wieku nie odbył się bez stoiska. Ulubionymi przedstawieniami tamtej epoki stały się kabiny teatralne. Stawiane były tuż przy placu, a po sposobie udekorowania straganu od razu można było zrozumieć, czy jego właściciel był bogaty, czy biedny. Zwykle budowano je z desek, dach wykonywano z płótna lub lnu.
slajd 19
Wewnątrz znajdowała się scena i kurtyna. Zwykli widzowie siedzieli na ławkach i podczas przedstawienia zajadali się różnymi słodyczami, pączkami, a nawet kapuśniakiem. Później w budkach pojawiło się prawdziwe audytorium ze straganami, lożami i orkiestronem. Na zewnątrz budki ozdobiono girlandami, szyldami, a gdy pojawiło się oświetlenie gazowe, lampami gazowymi. Zespół składał się zazwyczaj z aktorów zawodowych i wędrownych. Dawali sobie do pięciu przedstawień dziennie. W budce teatralnej można było zobaczyć arlekinadę, triki, przerywniki. Występowali tu piosenkarze, tancerze i po prostu „dziwaczni” ludzie. Popularna była osoba pijąca ognisty płyn, czy „afrykański kanibal” zjadający gołębie. Kanibal był zwykle artystą wysmarowanym żywicą, a gołąb był strachem na wróble z torbą żurawiny. Naturalnie zwykli ludzie zawsze z niecierpliwością czekali na jarmark ze stoiskiem teatralnym.
slajd 20
Były też budki cyrkowe, a ich aktorzy to „walce od wszystkiego”. Yu Dmitriev w książce „Cyrk w Rosji” przytacza wiadomość o przybyciu komediantów z Holandii, którzy „chodzą po linie, tańczą, skaczą w powietrzu, po schodach, nie trzymając się niczego, grając na skrzypcach i wchodząc po schodach, tańcząc, ogromnie wysoko skacząc i robiąc inne niesamowite rzeczy”. Przez długie lata swojego istnienia kabiny zmieniały się, pod koniec XIX wieku niemal na zawsze zniknęły z historii rosyjskiego teatru.
slajd 21
1672 - rozpoczęły się występy nadwornej trupy cara Aleksieja Michajłowicza
slajd 22
1702 - pierwszy rosyjski teatr publiczny na Placu Czerwonym Popularne stają się świąteczne procesje, fajerwerki, maskarady, zgromadzenia
slajd 23
Tak wyglądał teatr w Jarosławiu w 1909 roku. W 1911 roku otrzymał imię Fiodora Wołkowa
LITERATURA Księga rękopisowa odegrała znaczącą rolę w rozwoju kultury chrześcijańskiej starożytnej Rusi. Wraz z chrześcijaństwem starożytna Ruś przyjęła istniejący system gatunków pism kościelnych rozwinięty w Bizancjum. Przede wszystkim były to księgi biblijne Starego Testamentu, do których zaliczały się: „Prawo”, „Prorocy”, „Pisma”, a także hymnografia i „słowa” związane z interpretacją „Pisma” oraz modlitwy i hymny kościelne.
Gatunki historyczne opierały się na folklorze, ale rozwinęły książkowe formy narracji. Nie pozwalali na fikcję artystyczną; najczęściej umieszczane w annałach. Kronika to jeden z pierwszych oryginalnych gatunków literatury rosyjskiej. Są to narracje historyczne o wydarzeniach współczesnych, ułożone według lat. Dla kronikarza nie liczy się długość panowania, lecz kolejność wydarzeń. Początek artykułu kronikarskiego jest tradycyjny: „W lecie…”, następnie wskazano rok od stworzenia świata i opisano wydarzenia tego roku. Gatunek kroniki obejmuje różne gatunki, na przykład hagiograficzną narrację o Borysie i Glebie, opowieść wojskową. Różnorodność tematów, wydarzeń, gatunków pomaga kronikarzowi opowiadać o dziejach Rusi. gatunki historyczne kronika, opowiadanie, tradycja, legenda
Opowieść o minionych latach, najważniejsze dzieło literatury rosyjskiej, została opracowana przez mnicha z klasztoru kijowsko-peczerskiego Nestora. Kronikarz nie raz wygłasza kazanie nawołujące do miłości, pokoju i harmonii. Kronika ta określa miejsce Słowian, miejsce narodu rosyjskiego wśród narodów świata, czerpie z początków pisma słowiańskiego, powstania państwa rosyjskiego, opowiada o wojnach, zwycięstwach i porażkach, o świętach, tradycjach i rytuałach , nawiązuje do podań i legend ludowych. Czytelnik pozna także umowy handlowe pomiędzy Rusią i Konstantynopolem.
Religijne i dydaktyczne gatunki nauczania, żywoty, uroczyste słowa, spacery często powstawały z okazji konkretnego wydarzenia i spełniały ważną rolę edukacyjną. ważnym środkiem propagowania nowej doktryny religijnej był gatunek kazań. Na przykład „Nauki Teodozjusza z jaskiń”. Spisana przez niego na krótko przed śmiercią (ok. 1117 r.) „Instrukcja” Włodzimierza Monomacha była przez kronikarzy uważana za testament dla dzieci. Główną ideą „Instrukcji” jest ścisłe przestrzeganie interesów państwa, a nie osobistych.
Autor życia (hagiograf) starał się stworzyć wizerunek idealnego bohatera kościelnego. Zwykle życie świętego rozpoczynało się od krótkiej wzmianki o rodzicach (święty narodzi się „z rodzica wiernego i pobożnego”); potem chodziło o dzieciństwo świętego, o jego zachowanie. Cechowała go skromność, posłuszeństwo, kochał książki, stronił od zabaw z rówieśnikami, był przepojony pobożnością. W przyszłości jego ascetyczne życie rozpoczyna się w klasztornej lub pustynnej samotności. Ma zdolność czynienia cudów, nawiązywania kontaktu z siłami niebieskimi. Jego śmierć jest spokojna i cicha; jego ciało wydziela zapach po śmierci. W 19-stym wieku w odrębnych spisach na Rusi znane były przekłady żywotów Mikołaja Cudotwórcy, Antoniego Wielkiego, Jana Chryzostoma, Aleksieja, męża Bożego oraz inne gatunki życia – opowieści o wyczynach świętych. Życie zależało od rodzaju świętości: męczennik, spowiednik, wielebny, stylista, święty głupiec.
Przykładem pierwotnego życia książęcego staroruskiego jest „Legenda o Borysie i Glebie”. Autor legendy (anonimowy), zachowując specyfikę historyczną, szczegółowo przedstawia fakty nikczemnego morderstwa Borysa i Gleba. Zmienia się jednak nieco kompozycyjny schemat życia, pokazany zostaje tylko jeden epizod z życia bohaterów – nikczemne morderstwo. Borys i Gleb są przedstawiani jako idealni chrześcijańscy bohaterowie-męczennicy.
Gatunek chodzenia W XI wieku. Rosjanie zaczynają iść na chrześcijański Wschód, do miejsc świętych. Dla tych, którym nie udało się odbyć pielgrzymki do Palestyny, pewnego rodzaju rekompensatą stają się książki opisujące podróże i spacery. W XII wieku. Pojawia się „Podróż opata Daniela do Ziemi Świętej”, w której szczegółowo opisane są święte miejsca. Interesuje się przyrodą, przyrodą budynków Jerozolimy, rzeką Jordan itp. W obiegu krąży wiele legend, które Daniel usłyszał podczas swojej podróży lub których nauczył się z książek.
Cechy literatury staroruskiej 1. Charakter pisma. 2. Anonimowość jako konsekwencja religijnie chrześcijańskiego stosunku do osoby: W społeczeństwie nie istniało pojęcie prawa autorskiego. Skrybowie książek często redagowali tekst, wprowadzali własne epizody, zmieniali orientację ideową przepisywanego tekstu, charakter jego stylu. Tak pojawiły się nowe edycje pomników. 3. Historyzm. Bohaterami starożytnej literatury rosyjskiej są głównie postacie historyczne. Praktycznie nie ma w nim fikcji. Wydarzenia historyczne są wyjaśniane z religijnego punktu widzenia. Bohaterami są książęta, władcy państwa. 4. Tematyka piękna i wielkości ziemi rosyjskiej; moralne piękno Rosjanina. 5. Metoda artystyczna: symbolika, historyzm, rytualizm, dydaktyzm to wiodące zasady metody artystycznej, dwie strony: ścisła fotograficzna i idealne przedstawienie rzeczywistości.
MUZYKA W epoce Rusi Kijowskiej trwa rozwój pieśni rytualnych, pracy, komiksowo-satyrycznych, kołysanek, powstała heroiczna epopeja. Epicka sztuka ludowa została zachowana w eposach, czyli starożytnościach. Bylina jest wytworem syntetycznego gatunku słowno-muzycznego.
Najważniejszym zjawiskiem w kulturze muzycznej tamtych czasów były narodziny śpiewu znamennego jako pierwszej formy profesjonalnej sztuki muzycznej zapisanej w zapisie hakowym. Śpiew Znamenny, główny rodzaj rosyjskich pieśni kościelnych. Nazwa pochodzi od starosłowiańskiego słowa „sztandar”. Banery, czyli haczyki, nazywano znakami nieliniowymi używanymi do nagrywania melodii. haczyki
Kochani, / kij, hak V i inne, zostały umieszczone bezpośrednio w tekstach ksiąg liturgicznych. Wraz ze wzrostem liczby znaków powstały śpiewające alfabety." title=" W starożytnej Rusi nie było nut, znaki np. > kochanie, / kij, hak V i inne umieszczano bezpośrednio w teksty ksiąg liturgicznych.Wraz ze wzrostem liczby znaków, śpiew alfabetu." class="link_thumb"> 14 !}
Na starożytnej Rusi nie było żadnych zapisków, znaki np. kochanie, kij, hak V i inne umieszczano bezpośrednio w tekstach ksiąg liturgicznych. Wraz ze wzrostem liczby znaków powstały śpiewające alfabety. kochanie, / kij, hak V i inne, zostały umieszczone bezpośrednio w tekstach ksiąg liturgicznych. Wraz ze wzrostem liczby znaków powstały alfabety śpiewające. "> kochanie, / kij, hak V i inne, umieszczano bezpośrednio w tekstach ksiąg liturgicznych. Wraz ze wzrostem liczby znaków tworzono alfabety śpiewające. „Teksty liturgiczne. Wraz ze wzrostem liczby znaków powstały śpiewające alfabety." title=" W starożytnej Rusi nie było nut, znaki np. > kochanie, / kij, hak V i inne umieszczano bezpośrednio w teksty ksiąg liturgicznych.Wraz ze wzrostem liczby znaków, śpiew alfabetu."> title="Na starożytnej Rusi nie było żadnych zapisków, znaki np. kochanie, kij, hak V i inne umieszczano bezpośrednio w tekstach ksiąg liturgicznych. Wraz ze wzrostem liczby znaków powstały śpiewające alfabety."> !}
Sztuka starożytnych śpiewaków rosyjskich była bliska malowaniu ikon. Początkowo hymnograf pracował. Rozczłonkował tekst, dopasowując melodię (model, wzór pieśni) do tekstu pieśni, tak aby liczba fragmentów tekstu odpowiadała liczbie linii muzycznych melodii. Następnie niczym frazes nałożył na nowe teksty formułę muzyczną, tam gdzie było to konieczne, subtelnie różnicując szczegóły melodii. Specjalny muzyk-sygnatariusz „zaznaczył” czystą kartkę przyszłego rękopisu muzycznego, podpisując w określonej kolejności miniatury, teksty hymnów, inicjały, znaki muzyczne pod tekstem i wreszcie znaki cynobrowe pod sztandarami. Praca hymnografa w średniowieczu była bardzo ceniona, większość z nich została nawet kanonizowana jako święci: Roman Melodysta, Jan Chryzostom, Andrzej z Krety, Jan z Damaszku i inni.
Stara rosyjska muzyka kościelna wyrażała ideę jednomyślności i jedności, dlatego była przeważnie monodyczna, to znaczy monofoniczna unisono, monodia. Kanoniczną cechą rosyjskiej muzyki prawosławnej jest także zasada a sarela (bez akompaniamentu), gdyż tylko głos ludzki uznano za jedyny doskonały instrument muzyczny, gdyż tylko głos może ucieleśnić słowo w dźwiękach muzycznych, stworzyć wymowną melodię. Śpiew filarowy
Do najstarszych gatunków hymnografii należą: -psalmy kojarzone z imieniem biblijnego króla Dawida, psalmy są bardzo różnorodne: niektóre brzmią jak recytacja chóralna, przypominająca śpiew, inne jak szeroka, śpiewna pieśń liryczna. - troparion (greckie „odwracam się”, „pomnik zwycięstwa”, „trofeum”). Cechą charakterystyczną tekstów troparyjnych, oprócz zwięzłości, jest częste stosowanie porównań i alegorii. I zasadniczo ich treść wiąże się z gloryfikacją celebrowanych wydarzeń Kościoła chrześcijańskiego, gloryfikacją wyczynów męczenników i ascetów. - kontakion (gr. „krótki”) to krótka pieśń, utwór wielozwrotkowy, w którym wszystkie zwrotki zbudowane są według tego samego schematu i wykonywane na tę samą melodię, która zmieniała się ze zwrotki na strofę. - stichera (gr. „polisticch”), często wyróżniająca się dużą długością i bogactwem melodycznym. - kanon (gr. „norma”, „reguła”) duża kompozycja chóralna, składająca się z dziewięciu części, z których każda zawierała kilka pieśni. Jeśli kontakion jest kazaniem poetyckim, nauczającym, to kanon jest uroczystym hymnem pochwalnym. Najważniejszymi zasadami organizacji starożytnej rosyjskiej sztuki śpiewu są cykliczność i zespół.
Należy zwrócić uwagę na szczególną rolę Nowogrodu, który wprowadził coś nowego do muzyki kościelnej. To tutaj rozwinęła się i utrwaliła wspaniała tradycja bicia dzwonów. Przejście od „taktu” do dzwonka o pewnym, korzystnym akustycznie projekcie było wielkim osiągnięciem w wyrazistości barwy sztuki muzycznej. Po Nowogrodzie w Pskowie rozwinęła się sztuka bicia dzwonów. DŹWIĘKI DZWONKÓW
W repertuarze bufonów znalazły się piosenki humorystyczne, skecze dramatyczne, satyryczne „ponurki” społeczne wykonywane w maskach oraz „strój bufona” przy akompaniamencie domry, dud, tamburynu. Przemawiając na ulicach, placach, S. bezpośrednio komunikował się z publicznością, angażował ją w swoją grę. Bohaterem spektaklu jest wesoły i załamany człowiek, mający własne zdanie, często posługujący się pozorem komicznej rustykalizacji.
Powstał nie później niż w połowie XI wieku. (przedstawiony na freskach katedry św. Zofii w Kijowie, 1037 r.), bufonada osiągnęła swój szczyt w 1517 r. i w XVIII w. stopniowo zanikały, przenosząc na stoisko część tradycji swojej sztuki. Często byli prześladowani przez władze kościelne i cywilne. W latach 1648 i 1657 wydano dekrety zakazujące bufonady.
