Biografia

Achille Claude Debussy to francuski kompozytor. Czołowy przedstawiciel muzycznego impresjonizmu.

Debussy’ego do impresjonizmu

Urodzony 22 sierpnia 1862 roku w Saint-Germain-en-Laye (na przedmieściach Paryża) w rodzinie drobnego kupca – właściciela małego sklepu z fajansami. Kiedy Claude miał dwa lata, jego ojciec sprzedał swój sklep, a cała rodzina przeniosła się do Paryża, gdzie Debussy senior dostał pracę jako księgowy w prywatnej firmie. Prawie całe dzieciństwo Claude'a Debussy'ego minęło w Paryżu, z wyjątkiem czasu wojny francusko-pruskiej, kiedy matka przyszłego kompozytora wyjechała z nim do Cannes, z dala od działań wojennych. To właśnie w Cannes w 1870 roku młody Claude zaczął pobierać pierwsze lekcje gry na fortepianie; po powrocie do Paryża zajęcia kontynuowała pod kierunkiem Antoinette Mote de Fleurville, teściowej poety Paula Verlaine’a, która sama nazywała siebie uczennicą Fryderyka Chopina.

W 1872 roku, w wieku dziesięciu lat, Claude wstąpił do Konserwatorium Paryskiego. W klasie fortepianu uczył się u słynnego pianisty i pedagoga Antoine’a Marmontela, w podstawowej klasie solfeżu u wybitnego tradycjonalisty Alberta Lavignaca, a gry na organach uczył go sam Cesar Franck. Debussy z powodzeniem studiował w konserwatorium, choć jako student nie błyszczał niczym szczególnym. Dopiero w 1877 roku profesorowie docenili talent fortepianowy Debussy'ego, przyznając mu drugą nagrodę za wykonanie sonaty Schumanna. Przebywanie w klasie harmonii i akompaniamentu Emile’a Durana doprowadziło do otwartego konfliktu pomiędzy uczniem a nauczycielem. Wierny szkolnemu podręcznikowi harmonii, Duran nie mógł pogodzić się nawet z najskromniejszymi eksperymentami swojego ucznia. Nie zapominając o potyczkach z nauczycielem, wiele lat później Debussy tak pisał o tym epizodzie swojej edukacji: „Harmonia, jak uczy się w konserwatorium, to pompatycznie zabawny sposób sortowania dźwięków”.

Debussy zaczął systematycznie studiować kompozycję dopiero w grudniu 1880 roku u profesora Ernesta Guirauda, członka Akademii Sztuk Pięknych. Sześć miesięcy przed rozpoczęciem nauki w klasie Guiro Debussy podróżował do Szwajcarii i Włoch jako domowy pianista i nauczyciel muzyki w rodzinie zamożnej rosyjskiej filantropki Nadieżdy von Meck. Debussy spędziła lato 1881 i 1882 pod Moskwą, w swoim majątku Pleszczejewo. Kontakt z rodziną von Meck i pobyt w Rosji korzystnie wpłynęły na rozwój młodego muzyka. W swoim domu Debussy zapoznał się z nową rosyjską muzyką Czajkowskiego, Borodina, Bałakiriewa i bliskich im kompozytorów. W szeregu listów von Mecka do Czajkowskiego pojawiał się czasem wzmianka o pewnym „drogim Francuzie”, który z podziwem wypowiada się o swojej muzyce i znakomicie czyta partytury. Razem z von Meckiem Debussy odwiedził także Florencję, Wenecję, Rzym, Moskwę i Wiedeń, gdzie po raz pierwszy usłyszał dramat muzyczny Tristan i Izolda, który przez dobre dziesięć lat stał się przedmiotem jego podziwu, a nawet uwielbienia. Młody muzyk stracił tę równie przyjemną i dochodową pracę w wyniku niefortunnie ujawnionej miłości do jednej z wielu córek von Mecka.

Po powrocie do Paryża Debussy w poszukiwaniu pracy został akompaniatorem w studiu wokalnym Madame Moreau-Senty, gdzie poznał zamożną piosenkarkę-amatorkę i melomankę Madame Vanier. Znacząco poszerzyła krąg jego znajomych i wprowadziła Claude'a Debussy'ego w kręgi paryskiej bohemy artystycznej. Dla Vaniera Debussy skomponował kilka znakomitych romansów, wśród których znalazły się takie arcydzieła, jak Mandolina i Mute.

W tym samym czasie Debussy kontynuował naukę w konserwatorium, starając się zdobyć uznanie i sukcesy także wśród swoich kolegów, muzyków akademickich. W 1883 roku Debussy otrzymał drugą nagrodę Prix de Rome za kantatę Gladiator. Nie spoczywając na laurach, kontynuował wysiłki w tym kierunku i rok później, w 1884 roku, za kantatę „Syn marnotrawny” (franc. L'Enfant prodigue) otrzymał Wielką Nagrodę Rzymską. Co dziwniejsze, równie wzruszające, co nieoczekiwane, stało się to dzięki osobistej interwencji i życzliwemu wsparciu Charlesa Gounoda. W przeciwnym razie Debussy z pewnością nie otrzymałby tej tekturowej korony zawodowej wszystkich naukowców zajmujących się muzyką – „tego rodzaju świadectwa pochodzenia, oświecenia i autentyczności pierwszego stopnia”, jak Debussy i jego przyjaciel Eric Satie później żartobliwie nazwali między sobą Nagrodę Rzymską .

W 1885 roku, mimo skrajnej niechęci i dwumiesięcznego spóźnienia (co było poważnym naruszeniem), Debussy udał się jednak na rachunek publiczny do Rzymu, gdzie miał przez dwa lata mieszkać i pracować w Willi Medici wraz z innymi laureatami. W tak sztywnej dualności i wewnętrznych sprzecznościach upłynął cały wczesny okres życia Debussy'ego. Jednocześnie sprzeciwia się konserwatywnej Akademii, pragnie znaleźć się w jej szeregach, uparcie zabiega o nagrodę, ale potem nie chce jej wypracować i „usprawiedliwić”. Co więcej, dla wątpliwego zaszczytu bycia zachęcanym jako wzorowy student, musiałem się powstrzymać na wszelkie możliwe sposoby i liczyć się z wymaganiami akademickimi. Tak więc, w przeciwieństwie do romansów Madame Vanier, dzieła Debussy’ego, nagrodzone Nagrodą Rzymską, w ogóle nie wykraczały poza granice dozwolonego tradycjonalizmu. A jednak przez te wszystkie lata Debussy był głęboko zajęty poszukiwaniem swojego oryginalnego stylu i języka. Te eksperymenty młodego muzyka nieuchronnie weszły w konflikt z akademicką scholastyką. Niejednokrotnie dochodziło do ostrych konfliktów między Debussym a niektórymi profesorami konserwatorium, które komplikowała porywczość i mściwość młodego kompozytora.

Okres rzymski nie był dla kompozytora szczególnie owocny, gdyż ani Rzym, ani muzyka włoska nie okazały się mu bliskie, ale tutaj zapoznał się z poezją prerafaelitów i zaczął komponować wiersz na głos z orkiestrą „Wybraniec” (franc. La damoiselle élue) ubrany w słowa Gabriel Rossetti to pierwsze dzieło, w którym zarysowane zostały cechy jego twórczej indywidualności. Po odbyciu kilku pierwszych miesięcy w Willi Medyceuszy Debussy wysłał do Paryża swoje pierwsze rzymskie przesłanie – odę symfoniczną „Zuleima” (według Heinego), a rok później dwuczęściową suitę na orkiestrę i chór bez słów „Wiosna”. (na podstawie słynnego obrazu Botticellego), powodując niesławne oficjalne wspomnienie Akademii:

„Niewątpliwie Debussy nie grzeszy płaskimi zakrętami i banalnością. Wręcz przeciwnie, wyróżnia się wyraźnie wyrażoną chęcią poszukiwania czegoś dziwnego i niezwykłego. Wykazuje nadmierne wyczucie muzycznej kolorystyki, przez co czasami zapomina, jak ważna jest przejrzystość projektu i formy. Szczególnie musi wystrzegać się niejasnego impresjonizmu, groźnego wroga prawdy w dziełach sztuki.

- (Leon Vallas, „Claude Debussy”, Paryż, 1926, s. 37.)

Recenzja ta jest niezwykła przede wszystkim ze względu na fakt, że pomimo akademickiej bezwładności treści jest w istocie głęboko innowacyjna. Artykuł ten z 1886 roku przeszedł do historii jako pierwsza wzmianka o „impresjonizmie” w odniesieniu do muzyki. Warto szczególnie podkreślić, że w tym czasie impresjonizm jako nurt artystyczny w malarstwie był już w pełni ukształtowany, natomiast w muzyce (w tym samego Debussy'ego) nie tylko nie istniał, ale nawet nie był jeszcze planowany. Debussy był dopiero na początku poszukiwań nowego stylu, a przestraszeni akademicy starannie wyczyszczonymi kamertonami uszu wychwycili przyszły kierunek jego ruchu - i z przerażeniem go ostrzegli. Sam Debussy z dość zjadliwą ironią mówił o swojej „Süleimie”: „jest za bardzo podobna do Verdiego lub Meyerbeera”…

Jednak kantata „Wybrany” i suita „Wiosna”, napisane w Willi Medici, nie budziły już w nim tak silnej autoironii. A kiedy Akademia, przyjmując „Dziewicę” do wykonania na jednym ze swoich koncertów, odrzuciła „Wiosnę”, kompozytor postawił ostre ultimatum i wybuchł skandal, którego efektem była odmowa udziału w koncercie i całkowite zerwanie Debussy’ego z Akademia.

Po Rzymie Debussy odwiedził Bayreuth i ponownie doświadczył najsilniejszego wpływu Ryszarda Wagnera. Być może jednym z najbardziej wagnerowskich dzieł jest cykl wokalny „Pięć wierszy Baudelaire’a” (francuski Cinq Poèmes de Baudelaire). Jednak nie zadowalając się samym Wagnerem, Debussy przez te wszystkie lata aktywnie interesował się wszystkim, co nowe i wszędzie szukał własnego stylu. Już wcześniej wizyta w Rosji wzbudziła pasję do twórczości Musorgskiego. Po Wystawie Światowej, która odbyła się w Paryżu w 1889 roku, Debussy zwraca uwagę na orkiestry egzotyczne, zwłaszcza jawajskie i annamickie. Jednak ostateczne ukształtowanie się stylu kompozytora następuje u niego dopiero trzy lata później.

Próbując znaleźć szerokie zastosowanie kompozytorskie, w 1890 roku Debussy rozpoczął pracę nad operą Rodrigue et Chimène (o. Rodrigue et Chimène) na podstawie libretta Katula Mendesa. Jednak praca ta nie dodała mu pewności siebie i dwa lata później została porzucona w stanie niedokończonym.

Pod koniec lat osiemdziesiątych XIX wieku Debussy zbliżył się do Ernesta Chaussona, kompozytora-amatora, sekretarza Narodowej Rady Muzycznej i człowieka po prostu bardzo bogatego, na którego pomoc i wsparcie liczył. Co tydzień genialny salon artystyczny Chausson odwiedzały takie osobistości, jak kompozytorzy Henri Duparc, Gabriel Fauré i Isaac Albéniz, skrzypek Eugène Ysaye, śpiewaczka Pauline Viardot, pianista Alfred Cortot-Denis, pisarz Ivan Turgenev i malarz Claude Monet. To właśnie tam Debussy poznał symbolistycznego poetę Stéphane’a Mallarmégo i stał się najpierw stałym bywalcem jego kręgu poetyckiego, a potem bliskim przyjacielem. W tym samym czasie Debussy po raz pierwszy przeczytał opowiadania Edgara Allana Poe, który do końca życia stał się ulubionym pisarzem Debussy'ego.

Jednak najważniejszym wydarzeniem tego czasu była być może nieoczekiwana znajomość w 1891 roku z pianistą „Tavern in Cloux” (francuski Auberge du Clou) na Montmartre, Erikiem Satie, który pełnił funkcję drugiego pianisty. Debussy’ego urzekły najpierw harmonijnie świeże i niezwykłe improwizacje akompaniatora kawiarni, a potem jego wolne od stereotypów sądy o muzyce, oryginalność myślenia, niezależny, niegrzeczny charakter i zjadliwy dowcip, który nie szczędzi żadnych autorytetów . Satie zainteresowała także Debussy'ego nowatorskimi kompozycjami fortepianowymi i wokalnymi, pisanymi odważnym, choć nie do końca profesjonalnym pismem. Niepokojąca przyjaźń-wrogość obu kompozytorów, którzy na początku XX wieku zadecydowali o obliczu muzyki francuskiej, trwała niemal ćwierć wieku. Trzydzieści lat później Eric Satie tak opisał ich spotkanie:

„Kiedy się spotkaliśmy, był jak bibuła, dokładnie przesiąknięty Musorgskim i pieczołowicie szukał swojej ścieżki, której nie mógł znaleźć i znaleźć w żaden sposób. Właśnie w tej kwestii znacznie go wyprzedziłem: ani Nagroda Rzymu… ani „nagrody” jakichkolwiek innych miast tego świata nie obciążały mojego chodu i nie musiałem ich ciągnąć ani na sobie, ani na plecach… W tym momencie napisałem „Syna gwiazd” – na tekście Josepha Peladana; i wielokrotnie tłumaczył Debussy'emu potrzebę wyzwolenia się przez nas, Francuzów, od przemożnego wpływu Wagnera, co jest całkowicie niezgodne z naszymi naturalnymi skłonnościami. Ale jednocześnie dałem mu jasno do zrozumienia, że w żadnym wypadku nie jestem przeciwnikiem wagnerysty. Pytanie było tylko takie, że powinniśmy mieć własną muzykę – i jeśli to możliwe, bez niemieckiej kiszonej kapusty.

Dlaczego jednak nie zastosować do tych celów tych samych środków wizualnych, które od dawna widzieliśmy u Claude'a Moneta, Cezanne'a, Toulouse-Lautreca i innych? Dlaczego nie przeznaczyć tych środków na muzykę? Nie ma nic łatwiejszego. Czy nie na tym właśnie polega prawdziwa ekspresja?

- (Eric Satie, z artykułu „Claude Debussy”, sierpień 1922.)

Już w latach 1886-1887 Satie opublikował swoje pierwsze impresjonistyczne opusy (na fortepian i głos z fortepianem). Niewątpliwie komunikacja z tą niezależną i wolną osobą, znajdującą się poza wszelkimi grupami i akademiami, znacząco przyspieszyła ukształtowanie się ostatecznego (dojrzałego) stylu Debussy'ego. Przezwyciężenie przez Debussy'ego wpływów Wagnera również miało niezwykle ostry i burzliwy charakter. I jeśli do 1891 roku jego podziw dla Wagnera (jak sam przyznaje) „doszedł do punktu, w którym zapomina się o zasadach przyzwoitości”, to już po dwóch latach Debussy zgodził się na całkowite zaprzeczenie jakiegokolwiek znaczenia Wagnera dla sztuki: „Wagner nigdy serwował muzykę, nie służył nawet Niemcom!” Wielu jego bliskich przyjaciół (w tym Chausson i Émile Vuyermeau) nie było w stanie zrozumieć i zaakceptować tej nagłej zmiany, co doprowadziło także do ochłodzenia relacji osobistych.

Porzuciwszy komponowanie opery „Rodrigues i Jimena” na rzecz libretta (według słów Satie) „tego żałosnego wagnerysty Katula Mendesa”, w 1893 roku Debussy rozpoczął długie komponowanie opery opartej na dramacie Maeterlincka „Pelléas et Melisande”. A rok później, szczerze zainspirowany eklogą Mallarmégo, Debussy napisał preludium symfoniczne Popołudnie Fauna (fr. Prélude à l'Après-midi d'un faune), które miało stać się swoistym manifestem nowego musicalu nurt: impresjonizm w muzyce.

kreacja

Przez resztę życia Debussy musiał zmagać się z chorobą i biedą, ale pracował niestrudzenie i bardzo owocnie. Od 1901 roku zaczął ukazywać się w prasie okresowej z dowcipnymi recenzjami wydarzeń aktualnego życia muzycznego (po śmierci Debussy'ego zebrano je w wydanym w 1921 roku zbiorze Monsieur Croche - antidilettante, Monsieur Croche - antidilettante). W tym samym okresie ukazuje się większość jego dzieł fortepianowych.

Po dwóch cyklach Obrazy (1905-1907) powstała suita Kącik dziecięcy (1906-1908), poświęcona córce kompozytora, Szuszy.

Debussy odbył kilka tras koncertowych, aby utrzymać rodzinę. Dyrygował swoimi kompozycjami w Anglii, Włoszech, Rosji i innych krajach. Dwa zeszyty z preludiami na fortepian (1910-1913) ukazują ewolucję swoistego pisarstwa dźwiękowo-obrazowego, charakterystycznego dla stylu fortepianowego kompozytora. W 1911 roku napisał muzykę do misterium Gabriela d'Annunzia Męczeństwo św. Sebastiana, partyturę napisał francuski kompozytor i dyrygent A. Caplet. W 1912 roku ukazał się cykl orkiestrowy Obrazy. Debussy'ego od dawna interesował balet, dlatego w 1913 roku skomponował muzykę do baletowej Gry, którą wykonała w Paryżu i Londynie grupa Russian Seasons Siergieja Pawłowicza Diagilewa. W tym samym roku kompozytor rozpoczął pracę nad baletem dziecięcym „Pudełko z zabawkami” – jego instrumentację uzupełnił Caplet po śmierci autora. Tę burzliwą działalność twórczą chwilowo przerwała I wojna światowa, lecz już w 1915 roku ukazały się liczne dzieła fortepianowe, w tym Dwanaście Etiud poświęconych pamięci Chopina. Debussy zapoczątkował serię sonat kameralnych, w pewnym stopniu opartych na stylu francuskiej muzyki instrumentalnej XVII-XVIII wieku. Z tego cyklu udało mu się ukończyć trzy sonaty: na wiolonczelę i fortepian (1915), na flet, altówkę i harfę (1915), na skrzypce i fortepian (1917). Debussy otrzymał zamówienie od Giulio Gatti-Casazzy z Metropolitan Opera na operę na podstawie Upadku domu Usherów Edgara Allana Poe, nad którą pracę rozpoczął już jako młody człowiek. Miał jeszcze siłę, żeby przerobić libretto opery.

Kompozycje

Kompletny katalog pism Debussy'ego opracował François Lesure (Genewa, 1977; nowe wydanie: 2001).

opery

Pelléas i Melisanda (1893-1895, 1898, 1900-1902)

balet

Kamma (1910-1912)
Gry (1912-1913)
Pudełko z zabawkami (1913)

Kompozycje na orkiestrę

Symfonia (1880-1881)
Suita „Triumf Bachusa” (1882)
Suita „Wiosna” na chór żeński i orkiestrę (1887)
Fantazja na fortepian i orkiestrę (1889-1896)
Preludium „Popołudnie fauna” (1891–1894). Istnieje także autorskie opracowanie na dwa fortepiany, wykonane w 1895 roku.
„Nokturny” – programowy utwór symfoniczny, który obejmuje 3 utwory: „Chmury”, „Uroczystości”, „Syreny” (1897-1899)
Rapsodia na saksofon altowy i orkiestrę (1901-1908)
„Morze”, trzy szkice symfoniczne (1903-1905). Istnieje także autorskie opracowanie na fortepian na cztery ręce, wykonane w 1905 roku.
Dwa tańce na harfę i smyczki (1904). Istnieje także autorskie opracowanie na dwa fortepiany, wykonane w 1904 roku.
„Obrazy” (1905-1912)

Muzyka kameralna

Trio fortepianowe (1880)
Nokturn i Scherzo na skrzypce i fortepian (1882)
Kwartet smyczkowy (1893)
Rapsodia na klarnet i fortepian (1909-1910)
Siringa na flet solo (1913)
Sonata na wiolonczelę i fortepian (1915)
Sonata na flet, harfę i altówkę (1915)
Sonata na skrzypce i fortepian (1916-1917)

Kompozycje na fortepian

A) na fortepian na 2 ręce
„Taniec cygański” (1880)
Dwie arabeski (ok. 1890 r.)
Mazurek (około 1890)
„Sny” (około 1890)
„Apartament Bergamas” (1890; poprawiony 1905)
„Walc romantyczny” (ok. 1890 r.)
Nokturn (1892)
„Obrazy”, trzy sztuki (1894)
Walc (1894; nuty zaginęły)
Spektakl „Na fortepian” (1894-1901)
„Obrazy”, I seria sztuk teatralnych (1901-1905)
I. Reflet dans l'eau // Odbicia w wodzie
II. Hommage a Rameau // Hommage Rameau
III.Ruch // Ruch
Suita „Rysunki” (1903)
Pagody
Wieczór w Grenadzie
Ogrody w deszczu
„Wyspa radości” (1903-1904)
„Maski” (1903-1904)
Sztuka (1904; na podstawie szkicu do opery Diabeł w dzwonnicy)
Apartament „Kącik dziecięcy” (1906-1908)

Doctor Gradus ad Parnassum // Doctor Gradus ad Parnassum lub Doctor Path to Parnassus. Tytuł nawiązuje do słynnego cyklu studiów Clementiego – systematycznych ćwiczeń mających na celu osiągnięcie wyżyn umiejętności wykonawczych.

Kołysanka słonia
Serenada do lalki
Śnieg tańczy
mały pasterz
Spacer po tortie kukiełkowym
„Obrazy”, II seria sztuk teatralnych (1907)
Cloches à travers les feuilles // Dzwonek dzwoni wśród liści
Et la lune zejść sur le Temple qui fut //Ruiny świątyni w świetle księżyca
Poissons d`lub // Złota rybka
„Hommage Haydnowi” (1909)
Preludia. Notatnik 1 (1910)
Danseuses de Delphes // Tancerze delficcy
Woale // Żagle
Le vent dans la Plaine // Wiatr na równinie
Les sons et les parfums tournent dans l'air du soir // Dźwięki i zapachy unoszą się w wieczornym powietrzu
Les collines d'Anacapri // Wzgórza Anacapri
Des pas sur la neige // Kroki na śniegu
Ce qu'a vu le vent de l'ouest // Co widział zachodni wiatr
La fille aux cheveux de lin // Dziewczyna o lnianych włosach
La sérénade interrompue // Przerwana serenada
La cathédrale engloutie // Zatopiona katedra
La danse de Puck // Taniec Pucka
Minstrele // Minstrele
„Więcej niż wolno (walc)” (1910)
Preludia. Notatnik 2 (1911-1913)
Brouillards // Mgły
Feuilles mortes // Martwe liście
La puerta del vino // Brama Alhambry
Les fées sont d'exquises danseuses // Wróżki to cudowne tancerki
Bruyères // Wrzos
Generał Levine - ekscentryczny // Generał Levine (Lyavin) - ekscentryczny
La Terrasse des Audiences du Clair de Lune
Ondyna // Ondyna
Hommage a S. Pickwick Esq. P.P.M.P.C. // Hołd dla S. Pickwicka, Esq.
Baldachim // Baldachim
Les tierces alternées // Trzecie naprzemienne
Feux d'artifice // Fajerwerki
„Bohaterska kołysanka” (1914)
Elegia (1915)
„Etiudy”, dwa tomy sztuk teatralnych (1915)
B) na fortepian na 4 ręce
Andante (1881; niepublikowane)
Rozrywka (1884)
„Mały apartament” (1886-1889)
„Sześć antycznych epigrafów” (1914). Istnieje autorska adaptacja ostatniego z sześciu utworów na fortepian na 2 ręce, wykonana w 1914 roku.
C) na 2 fortepiany
„Czarno-białe”, trzyczęściowe (1915)

Przetwarzanie dzieł innych osób

Dwie hymnopedie (I i III) E. Satie na orkiestrę (1896)
Trzy tańce z baletu P. Czajkowskiego „Jezioro łabędzie” na fortepian na 4 ręce (1880)
„Wstęp i Rondo Capriccioso” C. Saint-Saensa na 2 fortepiany (1889)
II Symfonia C. Saint-Saensa na 2 fortepiany (1890)
Uwertura do opery „Latający Holender” R. Wagnera na 2 fortepiany (1890)
„Sześć etiud w formie kanonu” R. Schumanna na 2 fortepiany (1891)

Szkice, zaginione prace, projekty

Opera „Rodrigo i Ximena” (1890-1893; nieukończona). Przebudowany przez Richarda Langhama Smitha i Edisona Denisova (1993)
Opera „Diabeł w dzwonnicy” (1902-1912?; szkice). Przebudowany przez Roberta Orledge'a (premiera w 2012 r.)

Opera Upadek domu Usherów (1908-1917; nieukończona). Istnieje kilka rekonstrukcji, w tym autorstwa Juana Allende-Blina (1977), Roberta Orledge'a (2004)

Opera Zbrodnie miłosne (Waleczne uroczystości) (1913-1915; szkice)
Opera „Salambo” (1886)
Muzyka do spektaklu „Wesela szatana” (1892)
Opera „Edyp w Dwukropku” (1894)
Trzy nokturny na skrzypce i orkiestrę (1894-1896)
Balet Daphnis i Chloe (1895-1897)
Balet „Afrodyta” (1896-1897)
Balet „Orfeusz” (ok. 1900 r.)
Opera, jak wam się podoba (1902-1904)
Tragedia liryczna „Dionizos” (1904)
Opera „Historia Tristana” (1907-1909)
Opera „Siddhartha” (1907-1910)
Opera „Oresteja” (1909)
Balet „Maski i Bergamy” (1910)
Sonata na obój, róg i klawesyn (1915)
Sonata na klarnet, fagot, trąbkę i fortepian (1915)

Listy

Monsieur Croche - antydyletant, P., 1921
Artykuły, recenzje, rozmowy, przeł. z francuskiego, M.-L., 1964
Ulubione listy, L., 1986.

SO: Jak długo trwała przyjaźń Debussy'ego i Satie?

F. P. - Oczywiście! Przyjaźń Satie i Debussy'ego trwała wiele lat. Satie często jadła śniadanie u Debussy’ego przy Avenue du Bois. Debussy bardzo cenił dar przewidywania Sati, uwielbiał jego historie, jego zabawne wybryki, a poza tym nie mógł powstrzymać się od poczucia prostoty i szlachetności kombinacji dźwiękowych w sztukach swojego starego Przyjaciela. Znana jest anegdota o tym, jak Debussy zarzucał Satie zaniedbywanie formy, a Satie jakiś czas później przyniosła mu Utwory w kształcie gruszki na fortepian na 4 ręce. Wiesz, że niektóre utwory, jak na przykład „Zwiotczałe Preludium dla psa”, są miękką i zawoalowaną satyrą na nieco pretensjonalne tytuły niektórych Preludiów Debussy’ego, jak na przykład „Taras publiczności w świetle księżyca”… Czy Debussy poczuł się urażony ukryta wskazówka albo Satie nie chciała pójść za radą Debussy'ego, gdy on sam stał się sławny, dopiero w 1916 roku nagle pokłócili się na dobre, tak jak od 1924 aż do jego śmierci Satie zerwała z Aurikiem i ze mną z powodu powstałych różnic poglądów estetycznych .

S. O - Czyli wyjaśnił się mały epizod z historii muzyki. Ponieważ tak dobrze znałeś Erika Satie, chciałbym, żebyś narysował nam jego portret.

F. P. - Hm, hm! Ci, którzy mieli szczęście zobaczyć portrety Satie stworzone przez Jeana Cocteau, mogą uzyskać o nim dokładne wyobrażenie. Dla pozostałych postaram się nakreślić sylwetkę tej dziwnej osoby. Sati nigdy, ani zimą, ani latem, nie rozstawała się z melonikiem, który bardzo szanował, i z parasolem przeciwdeszczowym, który po prostu uwielbiał. Po śmierci Sati, kiedy w końcu udało im się dostać do jego pokoju w Arkea, czego nikt nie odważył się zrobić za życia Sati, znaleziono tam wiele parasoli; niektóre z nich były jeszcze w opakowaniach. Kiedy pewnego razu Orik przez pomyłkę przebił parasol Sati swoją parasolką, musiał słuchać „dobrego nauczyciela” i „łajdaka”, „ignoranta” i… „punków”. Sati nawet latem bardzo rzadko rozstawała się z szerokim płaszczem i owijała się nim jak szlafrokiem. Broda, którą starannie przystrzygł, pince-nez, który nieustannie podnosił do oczu majestatycznym gestem – to tylko niektóre z charakterystycznych cech tego dziwnego człowieka, pół Francuza, pół Irlandczyka. Sati wyróżniała się wyjątkową czystością. „Kąpiel, nie ma mowy! przekonywał. - Cóż, możesz prać tylko w częściach! Pocieram skórę pumeksem; wnika znacznie głębiej niż mydło, moja pani – wyjaśnił pewnego wieczoru jednemu ze swoich wielbicieli. Jak pokazuje przypadek parasola Orika, napady gniewu Sati były okropne, często następowały po nich ciężkie kłótnie i bardzo rzadko dochodziło do pojednania. Sati – trzeba to przyznać – cierpiała trochę na manię prześladowczą. Był bardzo zaprzyjaźniony z Ravel (to Ravel po raz pierwszy wykonała utwory Satie w Towarzystwie Muzycznym Niezależnych w 1911 r.), a potem pokłócili się tak bardzo, że Satie w 1920 r. bez wahania napisała w awangardowej ulotce: „Maurice Ravel odmówił przyjęcia Orderu „Legii Honorowej”, ale cała jego twórczość go akceptuje”. Oczywiście myliliśmy się, podążając za Sati we wszystkim, aż do jego złudzeń, ale mieliśmy po dwadzieścia lat i za wszelką cenę musieliśmy chronić się przed mirażami Ravel. Później sam Ravel jako pierwszy przebaczył nam, Orikowi i mnie, nasze grzechy. I, jak wiadomo, nie ma aż do Strawińskiego kompozytora, dla którego estetyka Satie nie byłaby impulsem do czegoś nowego. Po pojawieniu się Les Noces, bujnego i barbarzyńskiego, wyraźna suchość Parady wskazała Strawińskiemu możliwość przemówienia innym głosem, głosem, który zabrzmiał w Mavrze w tym bardzo ważnym momencie zwrotnym w twórczości Wielkiego Igora. I, jak wiecie, w późniejszym dziele Strawińskiego, Sonacie na dwa fortepiany, zauważalny jest bezpośredni wpływ Satie, najpierw w pierwszych taktach pierwszej części, a potem w jednym z baletów, gdzie jest wariacja napisana dokładnie przez Satie.

22 sierpnia przypada 150. rocznica urodzin francuskiego kompozytora Achille-Claude'a Debussy'ego.

Francuski kompozytor, twórca muzycznego impresjonizmu, krytyk muzyczny Achille Claude Debussy (Achille Claude Debussy) urodził się 22 sierpnia 1862 roku na przedmieściach Paryża, Saint-Germain-en-Laye.

Jego ojciec był żołnierzem piechoty morskiej, a następnie współwłaścicielem sklepu z wyrobami ceramicznymi. Pierwsze lekcje gry na fortepianie Ashille-Claude pobierała u Antoinette-Flore Mote, teściowej poety Paula Verlaine’a.

W 1872 roku Debussy wstąpił do Konserwatorium Paryskiego, gdzie studiował do 1884 roku. Jego nauczycielami byli Antoine Marmontel (fortepian), Alexandre Lavignac (solfeggio), Ernest Guiraud (kompozycja).

W miesiącach letnich 1880-1882 Debussy pracowała jako pianistka domowa dla rosyjskiej filantropki Nadieżdy von Meck i jako nauczycielka muzyki dla jej dzieci; Wraz z rodziną von Meck podróżował po Europie i spędził trochę czasu w Rosji, gdzie upodobał sobie muzykę kompozytorów Potężnej Garści.

W 1884 roku na zakończenie konserwatorium Debussy zaprezentował kantatę „Syn marnotrawny” i otrzymał za nią Nagrodę Rzymską (Prix de Rome) (przyznawaną corocznie przez Akademię Sztuk studentom kończącym kurs kompozycji w Konserwatorium Paryskim). . W 1885 roku Debussy jako stypendysta Nagrody Rzymskiej wyjechał do Rzymu, gdzie przez cztery lata miał kontynuować studia muzyczne. Okres pobytu Debussy'ego we Włoszech naznaczony był ostrym starciem z oficjalnymi środowiskami artystycznymi Francji. Sprawozdania laureatów przed akademią zostały zaprezentowane w formie prac, które rozpatrywało w Paryżu specjalne jury. Recenzje utworów Debussy'ego, ody symfonicznej „Zuleima”, suity symfonicznej „Wiosna” i kantaty „Virgin Chosen One” były negatywne.

W 1887 roku, po powrocie przed terminem do Paryża, Debussy zbliżył się do kręgu poetów symbolistycznych, na którego czele stał Stéphane Mallarmé.

Tutaj poznał pisarzy i poetów, których twórczość stała się podstawą wielu jego kompozycji wokalnych, powstałych w latach 80. i 90. XIX wieku. Wśród nich znajdują się: „Mandolina”, „Ariettes”, „Pejzaże belgijskie”, „Akwarele”, „Światło księżyca” do słów Paula Verlaine’a, „Pieśni Bilitis” do słów Pierre’a Louisa, „Pięć wierszy” do słów największy francuski poeta lat pięćdziesiątych i sześćdziesiątych XIX wieku Charles Baudelaire.

Lata 90. XIX w. to pierwszy okres rozkwitu twórczego Debussy'ego nie tylko w dziedzinie muzyki wokalnej, ale także fortepianowej, kameralno-instrumentalnej (kwartet smyczkowy), a zwłaszcza muzyki symfonicznej. W tym czasie stworzył dwa najważniejsze dzieła symfoniczne – preludium „Popołudnie Fauna” i „Nokturny”.

W 1890 roku Debussy rozpoczął pracę nad operą „Rodrigue i Jimena” na podstawie libretta Catully’ego Mendeza, jednak dwa lata później pozostawił dzieło niedokończone (przez długi czas rękopis uznawano za zaginiony, potem odnaleziono; kompozycja była instrumentowana rosyjskiego kompozytora Edisona Denisowa i wystawiany w kilku teatrach).

W 1892 roku zaczął tworzyć operę opartą na fabule dramatu Maurice'a Maeterlincka Pelléas et Mélisanda.

W 1894 roku w galerii sztuki „Wolna Estetyka” odbył się w Brukseli pierwszy koncert poświęcony muzyce Debussy’ego.

W październiku 1899 roku Debussy poślubił Lily Texier. Ich związek trwał tylko pięć lat.

W 1901 roku rozpoczął karierę jako zawodowy krytyk muzyczny.

Początek XX wieku to najwyższy etap w twórczości kompozytora. Dzieła powstałe w tym okresie przez Debussy'ego mówią o nowych trendach w twórczości, a przede wszystkim o odejściu Debussy'ego od estetyki symboliki. Kompozytora zaczęły interesować sceny rodzajowe, portrety muzyczne i obrazy natury. Wraz z nowymi tematami i fabułami w jego twórczości pojawiły się cechy nowego stylu. Dowodami tego są takie dzieła fortepianowe, jak „Wieczór na Grenadzie” (1902), „Deszczowe ogrody” (1902), „Wyspa radości” (1904). Wśród dzieł symfonicznych stworzonych przez Debussy'ego w tych latach wyróżniają się „Morze” (1903–1905) i „Obrazy” (1909), w tym słynna „Iberia”.

W 1902 roku ukończył drugie wydanie pięcioaktowej opery Pelléas et Melisande. Wystawiony w Paryskiej Operze Komiksowej 30 kwietnia 1902 roku Pelléas zrobił furorę. Dzieło to uznano za największe osiągnięcie gatunku operowego od czasów Ryszarda Wagnera.

W 1904 roku Debussy zawarł nowy związek rodzinny z Emmą Bardak.

W 1908 roku w Paryżu odbył się pierwszy występ Debussy'ego jako dyrygenta.

W 1909 roku Debussy został mianowany członkiem Naczelnej Rady Pedagogicznej Konserwatorium Paryskiego.

Ostatnia dekada życia Debussy'ego odznaczała się nieprzerwaną działalnością twórczą i performatywną aż do wybuchu I wojny światowej. Wyjazdy koncertowe w charakterze dyrygenta do Austro-Węgier przyniosły kompozytorowi sławę za granicą. Szczególnie ciepło przyjęto go w Rosji w 1913 roku. Koncerty w Petersburgu i Moskwie zakończyły się dużym sukcesem.

Szczególnie wielki jest dorobek artystyczny Debussy'ego w ostatniej dekadzie jego życia w twórczości fortepianowej: „Kącik dziecięcy” (1906-1908), „Pudełko z zabawkami” (1910), dwadzieścia cztery preludia (1910 i 1913), „Sześć antycznych Epigrafy” w czterech rękach (1914), dwanaście studiów (1915).

W 1915 roku kompozytor poważnie zachorował. Do ostatnich dni życia, pomimo ciężkiej choroby, Debussy nie zaprzestał poszukiwań twórczych.

W 1916 roku pracował nad kantatą „Oda do Francji” do tekstu Louisa Laloya.

W 1919 roku, zgodnie z wolą samego Debussy’ego, jego prochy przeniesiono na inny paryski cmentarz – Passy.

Materiał został przygotowany na podstawie informacji pochodzących z otwartych źródeł

Encyklopedyczny YouTube

1 / 5

✪ Najlepsze dzieła Debussy’ego

✪ Claude Debussy – Światło księżyca

✪ 11 Światło księżyca Claude Debussy

✪ Najlepsze dzieła Debussy’ego

✪ CLAUDE DEBUSSY – PRELUDIUM

Napisy na filmie obcojęzycznym

Biografia

Debussy’ego do impresjonizmu

Debussy zaczął systematycznie studiować kompozycję dopiero w grudniu 1880 roku u profesora, członka Akademii Sztuk Pięknych Ernesta Guirauda. Sześć miesięcy przed rozpoczęciem nauki w klasie Guiro Debussy podróżował do Szwajcarii i Włoch jako domowy pianista i nauczyciel muzyki w rodzinie zamożnej rosyjskiej filantropki Nadieżdy von Meck. Debussy spędziła lato 1881 i 1882 pod Moskwą, w swoim majątku Pleszczejewo. Kontakt z rodziną von Meck i pobyt w Rosji korzystnie wpłynęły na rozwój młodego muzyka. W swoim domu Debussy zapoznał się z nową rosyjską muzyką Czajkowskiego, Borodina, Bałakiriewa i bliskich im kompozytorów. W szeregu listów von Mecka do Czajkowskiego pojawiał się czasem wzmianka o pewnym „drogim Francuzie”, który z podziwem wypowiada się o swojej muzyce i znakomicie czyta partytury. Razem z von Meckiem Debussy odwiedził także Florencję, Wenecję, Rzym, Moskwę i Wiedeń, gdzie po raz pierwszy usłyszał dramat muzyczny Tristan i Izolda, który przez dobre dziesięć lat stał się przedmiotem jego podziwu, a nawet uwielbienia. Młody muzyk stracił tę równie przyjemną i dochodową pracę w wyniku niefortunnie ujawnionej miłości do jednej z wielu córek von Mecka.

Po powrocie do Paryża Debussy w poszukiwaniu pracy został akompaniatorem w studiu wokalnym Madame Moreau-Senty, gdzie poznał zamożną piosenkarkę-amatorkę i melomankę Madame Vanier. Znacząco poszerzyła krąg jego znajomości i wprowadziła Claude'a Debussy'ego w kręgi paryskiej bohemy artystycznej. Dla Vaniera Debussy skomponował kilka znakomitych romansów, wśród których znalazły się takie arcydzieła, jak Mandolina i Mute.

W tym samym czasie Debussy kontynuował naukę w konserwatorium, starając się zdobyć uznanie i sukcesy także wśród swoich kolegów, muzyków akademickich. W 1883 roku Debussy otrzymał drugą nagrodę Prix de Rome za kantatę Gladiator. Nie spoczywając na laurach, kontynuował wysiłki w tym kierunku i rok później, w 1884 roku, za kantatę „Syn marnotrawny” (fr. L'enfant prodigue) otrzymał Wielką Nagrodę Rzymską. Co dziwniejsze, równie wzruszające, co nieoczekiwane, stało się to dzięki osobistej interwencji i życzliwemu wsparciu Charlesa Gounoda. W przeciwnym razie Debussy z pewnością nie otrzymałby tej tekturowej korony zawodowej wszystkich naukowców zajmujących się muzyką - „to swoiste świadectwo pochodzenia, oświecenia i autentyczności pierwszego stopnia”, jak podczas Nagrody Debussy’ego w Rzymie i jego przyjaciel Erik Satie dzwonili do siebie później żartobliwie.

Okres rzymski nie był dla kompozytora szczególnie owocny, gdyż ani Rzym, ani muzyka włoska nie okazały się mu bliskie, ale tutaj zapoznał się z poezją prerafaelitów i zaczął komponować poemat na głos z tonacją orkiestra „The Chosen One” (fr. La damoiselle élue) do słów Gabriela Rossettiego jest pierwszym utworem, w którym zarysowane zostały cechy jego twórczej indywidualności. Po odbyciu kilku pierwszych miesięcy w Willi Medyceuszy Debussy wysłał do Paryża swoje pierwsze rzymskie przesłanie – odę symfoniczną „Zuleima” (według Heinego), a rok później dwuczęściową suitę na orkiestrę i chór bez słów „Wiosna”. (na podstawie słynnego obrazu Botticellego), powodując niesławne oficjalne wspomnienie Akademii:

„Niewątpliwie Debussy nie grzeszy płaskimi zakrętami i banalnością. Wręcz przeciwnie, wyróżnia się wyraźnie wyrażoną chęcią poszukiwania czegoś dziwnego i niezwykłego. Wykazuje nadmierne wyczucie muzycznej kolorystyki, co czasami sprawia, że zapomina o znaczeniu przejrzystości projektu i formy. Szczególnie musi wystrzegać się niejasnego impresjonizmu, groźnego wroga prawdy w dziełach sztuki.

Recenzja ta jest niezwykła przede wszystkim ze względu na fakt, że pomimo akademickiej bezwładności treści jest w istocie głęboko innowacyjna. Artykuł ten z 1886 roku przeszedł do historii jako pierwsza wzmianka o „impresjonizmie” w odniesieniu do muzyki. Warto szczególnie podkreślić, że w tym czasie impresjonizm jako nurt artystyczny w malarstwie był już w pełni ukształtowany, natomiast w muzyce (w tym samego Debussy'ego) nie tylko nie istniał, ale nawet nie był jeszcze planowany. Debussy był dopiero na początku poszukiwań nowego stylu, a przestraszeni akademicy starannie wyczyszczonymi kamertonami uszu wychwycili przyszły kierunek jego ruchu - i z przerażeniem go ostrzegli. Sam Debussy z dość zjadliwą ironią mówił o swoim „Zuleyme”: „za bardzo przypomina mi Verdiego lub Meyerbeera”…

Jednak najważniejszym wydarzeniem tego czasu była być może nieoczekiwana znajomość w 1891 roku z pianistą „Tavern in Cloux” (fr. Auberge du Clou) na Montmartre Ericiem Satie, który piastował stanowisko drugiego pianisty. Debussy'ego urzekły najpierw harmonijnie świeże i niezwykłe improwizacje kawiarnianego akompaniamentu, a potem jego wolne od stereotypów oceny muzyki, oryginalność myślenia, niezależny, niegrzeczny charakter i zjadliwy dowcip, nie szczędzący żadnych autorytetów. Satie zainteresowała także Debussy'ego nowatorskimi kompozycjami fortepianowymi i wokalnymi, pisanymi odważnym, choć nie do końca profesjonalnym pismem. Niepokojąca przyjaźń-wrogość obu kompozytorów, którzy na początku XX wieku zadecydowali o obliczu muzyki francuskiej, trwała niemal ćwierć wieku. Trzydzieści lat później Eric Satie tak opisał ich spotkanie:

"Kiedy spotkaliśmy się po raz pierwszy,<…>był jak bibuła, całkowicie przesiąknięty Musorgskim i mozolnie szukał swojej drogi, której nie mógł znaleźć i znaleźć w żaden sposób. Właśnie w tej kwestii znacznie go przewyższyłem: ani Nagroda Rzymu…, ani „nagrody” jakichkolwiek innych miast tego świata nie obciążały mojego chodu i nie musiałem ich ciągnąć ani na sobie, ani na plecach. ..<…>W tym momencie pisałem „Syna gwiazd” – na tekście Josepha Péladana; i wielokrotnie tłumaczył Debussy'emu potrzebę wyzwolenia się przez nas, Francuzów, od przemożnego wpływu Wagnera, co jest całkowicie niezgodne z naszymi naturalnymi skłonnościami. Ale jednocześnie dałem mu jasno do zrozumienia, że w żadnym wypadku nie jestem przeciwnikiem wagnerysty. Pytanie było tylko takie, że powinniśmy mieć własną muzykę – i jeśli to możliwe, bez niemieckiej kiszonej kapusty.
Dlaczego jednak nie wykorzystać do tego tych samych środków wizualnych, które od dawna widzieliśmy u Claude’a Moneta, Cezanne’a, Toulouse-Lautreca i innych? Dlaczego nie przeznaczyć tych środków na muzykę? Nie ma nic łatwiejszego. Czy nie na tym właśnie polega prawdziwa ekspresja?

Przerzucenie kompozycji opery „Rodrigue i Jimena” do libretta (według słów Sati) „ten żałosny wagnerysta Katul Mendez”, w 1893 roku Debussy rozpoczął długie komponowanie opery opartej na dramacie Maeterlincka Pelléas et Melisande. A rok później, szczerze zainspirowany eklogą Mallarmégo, Debussy napisał preludium symfoniczne Popołudnie fauna (fr. Prélude à l'Après midi d'un faune), który miał stać się swego rodzaju manifestem nowego nurtu muzycznego: impresjonizmu w muzyce.

kreacja

Po dwóch cyklach Obrazy (1905-1907) powstała suita Kącik dziecięcy (1906-1908), poświęcona córce kompozytora, Szuszy.

Debussy odbył kilka tras koncertowych, aby utrzymać rodzinę. Dyrygował swoimi kompozycjami w Anglii, Włoszech, Rosji i innych krajach. Dwa zeszyty z preludiami na fortepian (1910-1913) ukazują ewolucję swoistego pisarstwa dźwiękowo-obrazowego, charakterystycznego dla stylu fortepianowego kompozytora. W 1911 roku napisał muzykę do misterium Gabriele d'Annunzio Męczeństwo św. Sebastiana, partyturę zgodnie z jej oznaczeniami wykonał francuski kompozytor i dyrygent A. Caplet. W 1912 roku ukazał się cykl orkiestrowy Obrazy. Debussy'ego od dawna interesował balet i w 1913 roku skomponował muzykę do Gry baletowej, którą Siergiej Pawłowicz Diagilew wystawiał w Paryżu i Londynie w ramach Sezonów rosyjskich. W tym samym roku kompozytor rozpoczął pracę nad baletem dziecięcym „Pudełko z zabawkami” – jego instrumentację uzupełnił Caplet po śmierci autora. Tę burzliwą działalność twórczą chwilowo przerwała I wojna światowa, lecz już w 1915 roku ukazały się liczne dzieła fortepianowe, w tym Dwanaście Etiud poświęconych pamięci Chopina. Debussy zapoczątkował serię sonat kameralnych, w pewnym stopniu opartych na stylu francuskiej muzyki instrumentalnej XVII-XVIII wieku. Z tego cyklu udało mu się ukończyć trzy sonaty: na wiolonczelę i fortepian (1915), na flet, altówkę i harfę (1915), na skrzypce i fortepian (1917). Debussy otrzymał zamówienie od Giulio Gatti-Casazzy z Metropolitan Opera na operę na podstawie Upadku domu Usherów Edgara Allana Poe, nad którą pracę rozpoczął już jako młody człowiek. Miał jeszcze siłę, żeby przerobić libretto opery.

Kompozycje

Kompletny katalog pism Debussy'ego opracował François Lesure (Genewa, 1977; nowe wydanie: 2001).

opery

Pelléas i Mélisanda (1893-1895, 1898, 1900-1902)

balet

Kamma (1910-1912)
Gry (1912-1913)
Pudełko z zabawkami (1913)

Kompozycje na orkiestrę

Symfonia (1880-1881)
Suita „Triumf Bachusa” (1882)
Suita „Wiosna” na chór żeński i orkiestrę (1887)
Fantazja na fortepian i orkiestrę (1889-1896)
Preludium „Popołudnie fauna” (1891–1894). Istnieje także autorskie opracowanie na dwa fortepiany, wykonane w 1895 roku.
„Nokturny” – programowy utwór symfoniczny, który obejmuje 3 utwory: „Chmury”, „Uroczystości”, „Syreny” (1897-1899)
Rapsodia na saksofon altowy i orkiestrę (1901-1908)
„Morze”, trzy szkice symfoniczne (1903-1905). Istnieje także autorskie opracowanie na fortepian na cztery ręce, wykonane w 1905 roku.
Dwa tańce na harfę i smyczki (1904). Istnieje także autorskie opracowanie na dwa fortepiany, wykonane w 1904 roku.
„Obrazy” (1905-1912)

Muzyka kameralna

Trio fortepianowe (1880)
Nokturn i Scherzo na skrzypce i fortepian (1882)
Kwartet smyczkowy (1893)
Rapsodia na klarnet i fortepian (1909-1910)
Siringa na flet solo (1913)
Sonata na wiolonczelę i fortepian (1915)
Sonata na flet, harfę i altówkę (1915)
Sonata na skrzypce i fortepian (1916-1917)

Kompozycje na fortepian

A) na fortepian na 2 ręce

„Taniec cygański” (1880)
Dwie arabeski (ok. 1890 r.)
Mazurek (około 1890)
„Sny” (około 1890)
„Apartament Bergamas” (1890; poprawiony 1905)
„Walc romantyczny” (ok. 1890 r.)
Nokturn (1892)
„Obrazy”, trzy sztuki (1894)
Walc (1894; nuty zaginęły)
Spektakl „Na fortepian” (1894-1901)
„Obrazy”, I seria sztuk teatralnych (1901-1905)

I. Reflet dans l'eau // Odbicia w wodzie
II. Hommage a Rameau // Hommage Rameau
III.Ruch // Ruch

Suita „Rysunki” (1903)

Pagody
Wieczór w Grenadzie
Ogrody w deszczu

„Wyspa radości” (1903-1904)
„Maski” (1903-1904)
Sztuka (1904; na podstawie szkicu do opery Diabeł w dzwonnicy)
Apartament „Kącik dziecięcy” (1906-1908)

Doctor Gradus ad Parnassum // Doctor Gradus ad Parnassum lub Doctor Path to Parnassus. Tytuł nawiązuje do słynnego cyklu studiów Clementiego – systematycznych ćwiczeń mających na celu osiągnięcie wyżyn umiejętności wykonawczych.
Kołysanka słonia
Serenada do lalki
Śnieg tańczy
mały pasterz
Spacer po tortie kukiełkowym

„Obrazy”, II seria sztuk teatralnych (1907)

Cloches à travers les feuilles // Dzwonek dzwoni wśród liści
Et la lune zejść sur le Temple qui fut //Ruiny świątyni w świetle księżyca
Poissons d`lub // Złota rybka

„Hommage Haydnowi” (1909)
Preludia. Notatnik 1 (1910)

Danseuses de Delphes // Tancerze delficcy
Woale // Żagle
Le vent dans la Plaine // Wiatr na równinie
Les sons et les parfums tournent dans l'air du soir // Dźwięki i zapachy unoszą się w wieczornym powietrzu
Les collines d'Anacapri // Wzgórza Anacapri
Des pas sur la neige // Kroki na śniegu
Ce qu'a vu le vent de l'ouest // Co widział zachodni wiatr
La fille aux cheveux de lin // Dziewczyna o lnianych włosach
La sérénade interrompue // Przerwana serenada
La cathédrale engloutie // Zatopiona katedra
La danse de Puck // Taniec Pucka
Minstrele // Minstrele

„Więcej niż wolno (walc)” (1910)
Preludia. Notatnik 2 (1911-1913)

Brouillards // Mgły
Feuilles mortes // Martwe liście
La puerta del vino // Brama Alhambry [tłumaczenie tradycyjne]
Les fées sont d'exquises danseuses // Wróżki to cudowne tancerki
Bruyères // Wrzos
Generał Levine - ekscentryczny // Generał Levine (Lyavin) - ekscentryczny
La Terrasse des Audiences du Clair de Lune
Ondyna // Ondyna
Hommage a S. Pickwick Esq. P.P.M.P.C. // Hołd dla S. Pickwicka, Esq.
Baldachim // Baldachim
Les tierces alternées // Trzecie naprzemienne
Feux d'artifice // Fajerwerki

„Bohaterska kołysanka” (1914)
Elegia (1915)
„Etiudy”, dwa tomy sztuk teatralnych (1915)

B) na fortepian na 4 ręce

Andante (1881; niepublikowane)
Rozrywka (1884)
„Mały apartament” (1886-1889)
„Sześć antycznych epigrafów” (1914). Istnieje autorska adaptacja ostatniego z sześciu utworów na fortepian na 2 ręce, wykonana w 1914 roku.

C) na 2 fortepiany

„Czarno-białe”, trzyczęściowe (1915)

Przetwarzanie dzieł innych osób

Dwie hymnopedie (I i III) E. Satie na orkiestrę (1896)
Trzy tańce z baletu P. Czajkowskiego „Jezioro łabędzie” na fortepian na 4 ręce (1880)
„Wstęp i Rondo Capriccioso” C. Saint-Saensa na 2 fortepiany (1889)
II Symfonia C. Saint-Saensa na 2 fortepiany (1890)
Uwertura do opery „Latający Holender” R. Wagnera na 2 fortepiany (1890)
„Sześć etiud w formie kanonu” R. Schumanna na 2 fortepiany (1891)

Szkice, zaginione prace, projekty

Opera „Rodrigo i Ximena” (1890-1893; nieukończona). Przebudowany przez Richarda Langhama Smitha i Edisona Denisova (1993)
Opera „Diabeł w dzwonnicy” (1902-1912?; szkice). Przebudowany przez Roberta Orledge'a (premiera w 2012 r.)
Opera Upadek domu Usherów (1908-1917; nieukończona). Istnieje kilka rekonstrukcji, w tym autorstwa Juana Allende-Blina (1977), Roberta Orledge'a (2004)
Opera Zbrodnie miłosne (Waleczne uroczystości) (1913-1915; szkice)
Opera „Salambo” (1886)
Muzyka do spektaklu „Wesela szatana” (1892)
Opera „Edyp w Dwukropku” (1894)
Trzy nokturny na skrzypce i orkiestrę (1894-1896)
Balet Daphnis i Chloe (1895-1897)
Balet „Afrodyta” (1896-1897)
Balet „Orfeusz” (ok. 1900 r.)
Opera, jak wam się podoba (1902-1904)
Tragedia liryczna „Dionizos” (1904)
Opera „Historia Tristana” (1907-1909)
Opera „Siddhartha” (1907-1910)
Opera „Oresteja” (1909)
Balet „Maski i Bergamy” (1910)
Sonata na obój, róg i klawesyn (1915)
Sonata na klarnet, fagot, trąbkę i fortepian (1915)
Kreml Yu. Claude'a Debussy'ego, M., 1965
Sabinina M. Debussy'ego, w książce Muzyka XX wieku, część I, książka. 2, M., 1977
Jarotsiński S. Debussy, impresjonizm i symbolizm, za. z języka polskiego., M., 1978
Debussy i muzyka XX wieku sob. Art., L., 1983
Denisow E. O niektórych cechach techniki kompozytorskiej C. Debussy'ego w książce: Muzyka współczesna i problemy ewolucji komp. technologia, M., 1986
Barrak J. Claude'a Debussy'ego, R., 1962
Golaa A.S. Debussy, „I’homme et son oeuvre”., P., 1965
Golaa A.S. Claude'a Debussy'ego. Lista kompletnych dzieł…, P.-Gen., 1983
Lockspeiser E. Debussy'ego, L.-, 1980.
Hendrik Lucke: Mallarmé – Debussy. Eine vergleichende Studie zur Kunstanschauung am Beispiel von „L'Après-midi d'un Faune”.(= Studien zur Musikwissenschaft, Bd. 4). Dr. Kovac, Hamburg 2005, ISBN 3-8300-1685-9 .
Denisow E. O niektórych cechach techniki kompozytorskiej Claude'a Debussy'ego// Muzyka współczesna i problemy ewolucji techniki kompozytorskiej. - M.: Kompozytor radziecki, 1986.

Za twórcę muzycznego impresjonizmu uważany jest wielki francuski kompozytor Claude Debussy. Jednak sam kompozytor wielokrotnie sprzeciwiał się tej „etykiecie”. Niemniej jednak to właśnie muzyka Debussy’ego (a nie Satie i nie Ravel, które także zaliczane są do impresjonistów) jest postrzegana jako najbardziej zbliżona do twórczości artystów impresjonistów, zwłaszcza Claude’a Moneta i Auguste’a Renoira. I nie chodzi tu tylko o barwność, malowniczość jego muzycznych obrazów, subtelną grę niuansów dźwiękowych, ale także o szczególną technikę kompozytorską – absolutnie antydogmatyczną, ale bardzo precyzyjnie zweryfikowaną.

Claude Achille Debussy urodził się 22 sierpnia 1862 roku na przedmieściach Paryża, Saint-Germain-en-Laye, w drobnomieszczańskiej rodzinie. Jego ojciec, były marynarz, prowadził „chiński sklep” z fajansem. Do 9. roku życia chłopiec pobierał zaledwie kilka lekcji gry na fortepianie, po czym cały czas bezinteresownie brzdąkał coś na pianinie. Pierwszym poważnym nauczycielem dziewięcioletniego Debussy’ego była Antoinette-Flore Mote de Fleurville, była uczennica Chopina. W 1873 wstąpił do Konserwatorium Paryskiego (gdzie można było uczyć się od dzieciństwa, jednocześnie studiując przedmioty ogólne).

Nauczycielami Debussy'ego byli Albert Lavignac (solfeggio), Antoine Marmontel (fortepian), Emile Durand (harmonia), Ernest Guiraud (kompozycja). Z tym ostatnim pozostali wielkimi przyjaciółmi w kolejnych latach, kiedy Guiraud niejednokrotnie znajdował pracę dla zmartwionego Debussy'ego.

W latach 1880-82. Debussy pracował jako nauczyciel muzyki dla dzieci N. F. von Mecka, zamożnego rosyjskiego filantropa, patronki P. I. Czajkowskiego. Z rodziną von Meck odwiedził Rosję, był na kilku koncertach w Moskwie. Szczególnie uderzyła go muzyka kompozytorów „Potężnej Garści”, jej wpływ znalazł później odzwierciedlenie w muzyce Debussy'ego.

Kolejnym krokiem w kierunku samoafirmacji był udział w konkursie o Wielką Nagrodę Rzymską. Laureat otrzymał możliwość podjęcia pracy twórczej w Rzymie na okres trzech lat.

Debussy został laureatem za drugim podejściem (1884, kantata „Syn marnotrawny”). W latach 1885-87. mieszkał w Rzymie w Villa Medici. Zgodnie z warunkami nagrody miał napisać najważniejsze dzieła wokalne i symfoniczne. Jednak przepisy nakazywały ograniczać się do form klasycznych (Debussy nazywał je „administracyjnymi”), co krępowało jego twórczą wyobraźnię. „Dużo pracuję: muszę odrobić straty ilością, bo na jakości nie ma co polegać” – ironicznie napisał w liście do przyjaciela. Wiosną 1887 roku Debussy nie mógł tego znieść i samowolnie wrócił do Paryża, spędzając w Rzymie dwa lata zamiast przepisanych trzech.

W okresie „konserwatywno-rzymskim” Debussy wyraźnie zdawał sobie sprawę, że NIE LUBI muzyki współczesnej. Nastąpił okres intensywnych poszukiwań i szczęśliwych znalezisk.

W Paryżu Guiraud pomógł mu znaleźć prywatne lekcje i zorganizować zamówienia. Debussy zaczął uczęszczać na spotkania młodych pisarzy, artystów, muzyków z symbolicznym poetą Stefanem Mallarmé.

Kontynuując pracę nad kantatą „Wybraniec”, którą rozpoczął w Rzymie, Debussy pisał małe utwory fortepianowe i romanse. W 1887 odwiedził Wiedeń i Londyn.

W tych latach Debussy poznał swoją pierwszą żonę, Gabrielle Dupont.

W latach 1888 i 1889 Debussy pojechał na uroczystości Wagnera do Bayreuth. Wraz z wielkim wrażeniem zaczął zdawać sobie sprawę z niebezpieczeństwa bycia przytłoczonym przez tę wszechniszczycielską władzę. W kolejnych latach uparcie „wypierał” Wagnera, nazywając go „starym szermierzem” i „starym czarnoksiężnikiem”.

Kolejnym żywym wrażeniem jest egzotyczna muzyka orkiestr jawajskich i annamickich (wietnamskich) na Wystawie Światowej w Paryżu (1889). Zabrzmiała tam także muzyka rosyjska: Musorgskiego, Borodina, Rimskiego-Korsakowa. Debussy wziął partyturę „Borysa Godunowa” i studiował ją przez prawie cztery lata.

Dążąc do oryginalności stylu, Debussy pracował bardzo starannie i niewiele pisał. Opublikowano kilka jego pieśni i utworów na fortepian, ale był znany tylko wśród znajomych. Nie poszedł na kompromis w imię popularności. Kiedy Akademia miała mu dać koncert pod warunkiem napisania uwertury w tradycyjnym stylu, Debussy odmówił. Odmówił także wykonania jedynie pierwszej części trzyczęściowej Fantazji na fortepian i orkiestrę. „Wydaje mi się, że zagranie pierwszej części Fantazji jest nie tylko niebezpieczne, ale może też dać o niej błędne wyobrażenie” – pisze do organizatora i dyrygenta koncertu, V. d'Andy'ego (za życia Debussy’ego Fantazja nigdy nie została wystawiona).

W 1891 roku Debussy poznał Erica Satie. Ich wieloletnią przyjaźń przerwała dopiero śmierć Debussy’ego. To Satie wysunęła ideę francuskiego impresjonizmu muzycznego: „Dlaczego nie skorzystamy z twórczych znalezisk Claude’a Moneta, Cezanne’a, Toulouse-Lautreca i innych?” Pod wpływem Satie Debussy zaczyna „uwalniać się” od Wagnera.

W 1892 roku Debussy przeczytał nową sztukę Maeterlincka Pelléas et Mélisanda i od tego czasu rozpoczęła się wiele lat ciężkiej pracy, która ostatecznie doprowadziła Debussy'ego do powstania operowego arcydzieła, ukończonego dopiero w 1902 roku.

Coraz częściej Debussy zamienia się w „pustelnika”, muzycznego „alchemika”. Odkrywaj nowe gatunki. W Kwartecie smyczkowym (1893) nie odrzuca już tradycyjnych form, lecz je na nowo przemyśle. Krytycy dostrzegli w nim echa gamelanu i „wpływu młodej Rosji”. Powstała także trzyczęściowa suita symfoniczna na podstawie poematu Mallarmego „Popołudnie Fauna”: Preludium, Interludia i Parafraza. Napisano jedynie Preludium.

W kwietniu 1893 roku wreszcie zabrzmiała rzymska „Virgin Chosen One”. Oprócz obraźliwych, pojawiły się także pozytywne recenzje.

22 grudnia 1894 roku odbyła się premiera Popołudnia Fauna. Na bis zabrzmiała muzyka. Był to pierwszy prawdziwy sukces Debussy’ego. „Faun” był pierwszym dziełem kompozytora, które zyskało międzynarodową sławę.

W połowie lat 90. Debussy rozpoczął pracę nad trzema nokturnami orkiestrowymi, w których następnie bez słów przedstawił chór żeński (Chmury, Świętowanie i Syreny). Cykl wykonano w roku 1901.

W latach 1890-95. powstała słynna suita na fortepian Bergamas, a następnie kolejna suita fortepianowa inspirowana obrazami hiszpańskimi.

Przez cały ten czas trwały prace nad Pelléas et Mélisanda, od których Debussy był bardzo wymagający.

W 1893 roku spotkał Maeterlincka w sprawie przyszłej opery. Na początku szybko znaleźli wspólny język: „Jeśli chodzi o Pelléasa, dostałem całkowitą swobodę w cięciu, gdziekolwiek chcę, a on nawet pokazał mi kilka miejsc, w których cięcia byłyby bardzo pożądane i ważne” – napisał Debussy do swojego przyjaciela E. Chaussona. W tym czasie pierwsza wersja była już prawie gotowa. Jednak w kolejnym liście do Chaussona pisze: „Ujrzałem ducha starego miecznika, czarnoksiężnika z Bayreuth i dlatego zniszczyłem całą partyturę, a teraz szukam bardziej indywidualnych środków wyrazu i próbuję oddać tak samo Pelléas, jak i Melisanda.

W 1897 roku ukończono drugą wersję opery, a Debussy zaaranżował przedstawienie z Albertem Kappe, dyrektorem Opéra-Comique. Ale nawet potem kompozytor kilkakrotnie przerabiał partyturę.

Okres realizacji opery zbiegł się z konfliktem rodzinnym Debussy'ch. W 1897 zakochał się w Rosalie Texier. Rok później ostatecznie rozstał się ze swoją konkubiną, a pod koniec 1899 roku zawarł legalny związek małżeński z Rozalią, ale ich wspólne życie nie trwało długo.

W 1901 roku Debussy przez kilka miesięcy pracował jako krytyk muzyczny w czasopiśmie „Revue Blanche”, a 13 stycznia 1902 rozpoczęły się próby do „Pelléasa i Melisandy”. I nowy konflikt. Do roli tytułowej Debussy zaprosił żonę Maeterlincka, Georgette Leblanc. Ale Kappe zasugerował młodą Szkotkę Mary Garden. Debussy, posłuchawszy piosenkarza, uległ reżyserowi. Maeterlinck dowiedział się o tej wymianie z gazet i uznał to za zdradę. Napisał list otwarty do „Le Figaro”, w którym wypiera się przedstawienia, które przeszło „arbitralne i absurdalne cięcia (to właśnie te cięcia, które sam doradzał Debussy’emu A.F.). Mogę tylko życzyć temu spektaklowi niezaprzeczalnej i natychmiastowej porażki”.

Wiele osób przyszło na premierę specjalnie po to, żeby zakłócić przedstawienie. Krytycy nie pozostawali w tyle, pisząc wówczas, że muzyka „jest jak skrzypienie drzwi lub przesuwanie mebli, albo dochodzący z oddali płacz dziecka”, że „taka sztuka jest zabójcza i zgubna”.

Ale były też inne recenzje: „Dzieło sztuki, które robi oryginalne wrażenie i wyraża wyrafinowane uczucia. Widz zostaje pokonany przez niezapomnianą magię i delikatną truciznę tej muzyki”. Romain Rolland nazwał operę „jednym z trzech lub czterech największych osiągnięć w historii muzyki francuskiej”.

Skandal przyczynił się do sukcesu. Pojawiły się imitacje epigona Debussy'ego, wielu młodych muzyków nazywało siebie „Debussistami”. Sam Debussy, obcy jakiejkolwiek pozie, taka chwała tylko irytowała.

Debussy stał się gwiazdą. W 1903 roku został odznaczony Orderem Legii Honorowej.

Jednocześnie pojawia się cykl fortepianowy „Prints”, w którym styl Debussy’ego staje się jeszcze bardziej oryginalny.

W 1904 roku kompozytor poznał i zakochał się w zamężnej kobiecie Emmie Bardak i dla niej rozstał się z żoną. Rosalie próbowała się zastrzelić. Skandaliczne plotki ponownie rozeszły się po Paryżu i nawet wielu przyjaciół potępiło Debussy'ego i odeszło od niego.

Pomimo kłopotów życiowych w 1904 roku powstało arcydzieło orkiestrowe - trzyczęściowe fantasy „Morze”. Debussy był stronniczy w stosunku do gatunku symfonii i nigdy nie nadawał swoim utworom takiej nazwy, ale pod względem głębi i harmonii kompozycji Morze jest właściwie symfonią programową (podobnie jak Szeherezada Rimskiego-Korsakowa).

W 1905 roku Debussy napisał pierwszą serię fortepianowego cyklu „Obrazy”, w której poszukiwania kompozytora ukształtowały się w wyrafinowany i głęboko oryginalny styl.

Obydwa postępowania rozwodowe przeciągały się długo. W 1905 roku nowej parze urodziła się córka Emma-Claude (czuły pseudonim rodzinny Shushu), ale dopiero w 1908 roku udało im się sformalizować małżeństwo.

Popularna do dziś w szkołach muzycznych suita „Kącik dziecięcy” wraz z albumami Schumanna, Czajkowskiego i Prokofiewa powstała w latach 1906-1908. i jest poświęcony Shushowi.

Druga seria „Obrazów” powstała w 1907 roku. W tym samym czasie Debussy rozpoczął pracę nad operą „Upadek domu Usherów” opartą na opowiadaniu Edgara Allana Poe, której pomysł pojawił się w młodości w kręgu Mallarmego. Ale ta opera nigdy nie została ukończona.

W 1907 roku w londyńskim Covent Garden odbyło się triumfalne przedstawienie Pelléasa i Melisandy. W lutym 1908 roku Debussy został zaproszony do Londynu, aby poprowadzić Popołudnie fauna i morze.

W 1908 roku Pelléas et Mélisanda wystawiono w Berlinie, Monachium i Mediolanie. Ale najgłośniejszy sukces odniósł w Ameryce (Manhattan). Dyrektor konkurencyjnego teatru, Metropolitan Opera, przybył do Paryża, aby wykupić w przedsprzedaży prawa do kilku oper, które według plotek planował napisać Debussy.

W tym samym roku Debussy stworzył swoje jedyne dzieło na chór a cappella Trzy pieśni Karola Orleańskiego. Inspirowany jest młodzieńczymi wspomnieniami muzyki Palestriny i Lasso, którą podziwiał, gdy usłyszał ją w małym kościele w Rzymie.

Debussy'ego okrzyknięto założycielem nowej szkoły, na co odpowiedział: „Nie ma już szkół muzycznych: głównym zadaniem współczesnych muzyków jest unikanie wszelkich wpływów zewnętrznych”.

W 1909 roku kompozytor poczuł się bardzo zmęczony i stwierdził, że cierpi na „tę modną chorobę – neurastenię”. Tak naprawdę były to pierwsze objawy raka. Wkrótce zaczęły się straszne bóle, które łagodzić mogła tylko morfina.

Debussy został mianowany członkiem Naczelnej Rady Pedagogicznej Konserwatorium Paryskiego. Ta praca go fascynowała.

I znowu dwa zaproszenia do Londynu: najpierw do dyrygowania Nokturnami, a potem do udziału w inscenizacji Pelléasa i Melisandy. W dniu jej triumfu Debussy leżał wyczerpany w swoim pokoju hotelowym.

W 1909 roku S.P. Diagilew otworzył w Paryżu Sezony Rosyjskie. Debussy był nimi zachwycony. Od kolejnego „Sezonu Rosyjskiego” (1910) rozpoczęła się twórcza przyjaźń Debussy'ego z muzykami rosyjskimi. Debussy nazwał Strawińskiego, który w tym roku zaprezentował balet Ognisty ptak, „najwybitniejszym mistrzem orkiestracji początku XX wieku”.

24 preludia Debussy'ego stały się swego rodzaju encyklopedią twórczości fortepianowej Debussy'ego. Tom pierwszy (12 preludiów) ukazał się w 1910 r., drugi w 1913 r. Już samo wyliczenie nazw preludiów mówi o bogactwie i różnorodności obrazów. Tutaj oraz „Dziewczyna o lnianych włosach”, „Zatopiona katedra”, „Schody w śniegu” i „Żagle”, „Taras odwiedzany w świetle księżyca”, „Ekscentryczny generał Lavin” i „Przerwana serenada”

W grudniu 1910 roku Debussy został zaproszony na tournée do Wiednia i Budapesztu. W Budapeszcie po raz pierwszy usłyszał talerze i napisał walc orkiestrowy, w partyturze którego zostały one uwzględnione.

A w Paryżu czekał na niego list od włoskiego poety Gabriele d'Annunzio z prośbą o skomponowanie muzyki do misterium „Męczeństwo św. Sebastiana”. praca ta miała miejsce w Paryżu.

W latach 1912-13 Debussy kontynuuje współpracę z Russian Seasons. Wystawiono balet do muzyki Popołudnia Fauna oraz napisano i wystawiono balet Igrzyska.

W grudniu 1913 roku Debussy odbył tournée po Moskwie i Petersburgu.

Ostatnie lata życia Debussy'ego rozgrywają się na tle I wojny światowej. Wiele dzieł tego okresu jest przesiąkniętych poczuciem tragedii.

Kompozytor był kiedyś bliski poglądowi Mallarmego, że artysta jest pustym naczyniem na napływające do niego wrażenia, a jego wrażliwości nie powinny przysłaniać żadne osobiste emocje. Teraz osobiste podejście do świata coraz bardziej przenika do jego muzyki. Tytuły stają się nie tyle malownicze, co symboliczne, po raz pierwszy po kwartecie smyczkowym utwory pojawiają się w ogóle bez tytułów programowych.

Trudno pisać w roku 1914. Powstała jedynie „Heroic Lullaby” na fortepian – kompozycja ponura i bardzo szczera. W kolejnych latach następuje przełom twórczy.

Debussy'emu przydzielono redakcję polonezów i walców Chopina do nowego wydania. Zanurzenie się w muzyce Chopina inspiruje go do stworzenia 12 studiów fortepianowych (1915). Większość znalezisk fortepianowych Debussy'ego wiąże się nie tylko z nowymi technikami, ale także z nowymi barwami dźwiękowymi. Znalazło to również odzwierciedlenie w szkicach.

W tym samym roku 1915 powstała suita na dwa fortepiany „Biały i Czarny”, inspirowana wydarzeniami wojny światowej. Odbiciem wojny była także kompozycja wokalna „Boże Narodzenie dzieci, które nie mają już schronienia”, jak to mówią ich autorzy.

Prace nad Upadkiem domu Usherów trwają, powstają szkice nowej opery Diabeł w dzwonnicy (również według E. Poe). Kompozytor powraca także do baletu „Pudełko z zabawkami”, który powstawał tuż przed wojną. Wszystkie te prace nigdy nie zostały ukończone.

Widząc, jak wojna niszczy kulturę francuską, Debussy czerpie życiodajną siłę z muzyki francuskiej XVII-XVIII wieku. Bazując na starym stylu, Debussy stworzył obszerny cykl sonat na różne instrumenty, z których udało mu się ukończyć tylko trzy: na wiolonczelę i fortepian (1915), na flet, altówkę i harfę (1915), na skrzypce i fortepian (1917) ).

Debussy zmarł w Paryżu 26 marca 1918 r. Shushu przeżyła go zaledwie o rok: w 1919 r., w wieku 14 lat, zmarła na błonicę.

Tutaj możesz słuchać i pobierać pliki MP3. Ikona prowadzi do strony biblioteki muzycznej, z której możesz pobrać nuty.