Cechy baroku w malarstwie. Malarstwo włoskie w stylu barokowym. Barok w Rosji

charakterystyczne cechy malarstwa barokowego. Świąteczny blask. Intensywność emocji. Nieposkromiona energia. Dynamika. Poszerzenie granic rzeczywistej przestrzeni (idea nieskończoności świata). Petera Paula Rubensa. „Unia Ziemi i Wody”. 1618

Główne motywy malarstwa. Triumf Boskiej sprawiedliwości i uwielbienie Chrystusa i świętych. Starożytne tematy alegoryczne.

Główne motywy malarstwa. Gloryfikacja zwycięstw militarnych. Zatwierdzenie nowych ustaw. Idea nieograniczonej władzy państwa i kościoła.

ceremonialny portret. Artyści widzieli swoje główne zadanie w przekazywaniu sprzecznych uczuć i doświadczeń, najsubtelniejszych psychologicznych odcieni ludzkiej duszy. Hiacynt Rigaud. „Portret Ludwika 14”. 1701 Luwr, Paryż.

Rubens jest królem malarstwa. Peter Powell Rubens (1577 - 1640) - szczęśliwy i błyskotliwy malarz flamandzki. W 1609 został mianowany nadwornym malarzem. Nie mogąc szybko zrealizować licznych zamówień, Rubens stworzył ogromny warsztat, do którego gromadzili się najlepsi artyści Flandrii.

Peter Paul Rubens urodził się 2 czerwca 1577 roku, z dala od ojczyzny swoich przodków, w małym westfalskim miasteczku Siegen w Niemczech, dokąd jego ojciec, prawnik z Antwerpii Jan Rubens, uciekł wraz z rodziną, szukając ratunku przed okrutnym terrorem księcia Alby, który prześladował protestantów. Dzieciństwo przyszłego malarza minęło w Kolonii, gdzie, jak sam mówi, „wychowywał się do dziesiątego roku życia”. Dopiero po śmierci męża w 1587 roku Maria Peypelincks mogła wrócić z dziećmi do Antwerpii. Tutaj Peter Paul od czternastego roku życia zaczął uczyć się malarstwa u artystów z Antwerpii.

Autoportret Rubensa z pierwszą żoną Isabellą Brandt, 1609-1610. Płótno, olej, 178x136. Górna Pinakoteka w Monachium

Albert i Nicholas Rubens, dzieci artysty, 1626-1627. Drewno, olej, 157x93. Muzeum Liechtensteinu, Vadus

Już w 1611 r., według zeznań kupca z Antwerpii Jana le Granda, Rubens był nazywany „bogiem malarzy”. Jakby konkurując ze sobą, współcześni komponowali jedną po drugiej ody na cześć artysty. Jako nadworny malarz Rubens mógł mieć nieograniczoną liczbę pomocników i uczniów. Chętnych do jego warsztatu było jednak tak wielu, że musiał odrzucić wiele próśb.

W styczniu 1622 roku Rubens udał się do Paryża, gdzie podpisał umowę z francuską królową Marią Medycejską, matką Ludwika XIII, na wykonanie obrazów do dwóch galerii z nowego Pałacu Luksemburskiego. Jednak Rubens czasami musiał bronić swoich planów, sprzeciwiając się zamiarom królowej. Ogólnie sytuacja na dworze francuskim nie była zbyt korzystna.

Ciosy losu spadają na Rubensa jeden po drugim, w 1623 r. przeżywa stratę córki, aw 1626 r., prawdopodobnie na skutek szalejącej wówczas w Antwerpii zarazy, umiera także jego żona Isabella Brant. Ledwie przeżywając ten nowy smutek, artysta, aby niejako zagłuszyć ból, pogrąża się głęboko w otchłani dyplomatycznej działalności. W 1627 r. udaje się z tajną misją do Paryża, a następnie pod pozorem wyjeżdżającego na studia artystyczne malarza do Holandii, gdzie prowadzi tajne pertraktacje z pełnomocnikiem angielskiego ministra, księciem Buckingham. W 1628 r. Rubens udał się do Madrytu na spotkanie z królem Hiszpanii, aw 1629 r. do Londynu w celu dokończenia negocjacji. W 1630 roku wieloletnie starania artysty zostały ostatecznie uwieńczone sukcesem: podpisano pokój między Hiszpanią a Anglią. .

W grudniu 1630 roku artysta zawiera drugie małżeństwo, poślubiając szesnastoletnią Helenę Fourment, najmłodszą córkę bogatego handlarza gobelinami. „Wziąłem sobie młodą żonę” – pisał – „córkę uczciwych obywateli, chociaż ze wszystkich stron próbowali mnie przekonać do dokonania wyboru na Dworze, ale bałem się występku szlacheckiego - dumy, szczególnie charakterystycznej tej płci. Chciałem mieć żonę, która nie rumieniłaby się, gdy widziała, jak biorę pędzle. . . „Teraz” – dodał artysta w tym samym liście – „mieszkam spokojnie z żoną i dziećmi. . . i nie dążę do niczego na świecie, z wyjątkiem spokojnego życia.

Portret Heleny Fourman, drugiej żony artysty, 1630. Olej na płótnie, 262x206. Królewskie Muzeum Sztuk Pięknych w Brukseli

Wstawał o czwartej rano i słuchał wczesnej mszy, zapewniając, że taki początek dnia pomagał mu się skoncentrować i poczuć spokój potrzebny do pracy. Potem siadał przy sztalugach, pracując zawsze w obecności lektora, który czytał mu na głos Plutarcha, Tytusa Liwiusza czy Senekę. Jak zeznali współcześni, jednocześnie Rubens mógł „swobodnie rozmawiać z tymi, którzy go odwiedzali”. Pracował więc „do piątej wieczorem, potem wsiadał na konia i szedł na spacer poza miasto lub do fortyfikacji miejskich, albo w inny sposób starał się odpocząć”. Resztę dnia artysta spędził z rodziną i przyjaciółmi, którzy przyjechali do niego na obiad.

Święty Hieronim 1635

Termin pochodzi od włoskiego słowa używanego w średniowieczu na określenie odrzucenia logiki schematycznej. Następnie słowo to zaczęło oznaczać każdą zniekształconą ideę lub specjalny proces myślenia. Innym możliwym źródłem jest portugalskie słowo „Barroco” (hiszp. „Barrueco”), używane do opisania niedoskonałego kształtu perły. Historia dzieł w tym stylu liczy około 200 lat – rozwój epoki trwał od XVII do XVIII wieku.

W historii sztuki słowo barok jest używane do opisania wszystkiego, co kapryśne, asymetryczne, niezwykłe, jasne, symbolizujące odrzucenie ustalonych zasad i proporcji. Pomysł ten pojawił się dzięki krytykom XVII wieku. Do końca XIX wieku termin ten zawsze niósł ze sobą konotacje groteski, przesady, nadmiaru scenografii, przepychu. Dopiero w 1888 roku zaczęto używać tego terminu jako oznaczenia kierunku stylistycznego, a nie jako pojęcia krytykującego zbędność, nadmiar w malarstwie.

Barokowy styl pisania bogatego emocjonalnie obrazu wywarł głęboki wpływ na wszystkie formy sztuki, w tym architekturę i rzeźbę. W malarstwie ten kierunek sztuki jest najbardziej wyraźny.

Historia rozwoju stylu

Częścią wysiłków zmierzających do zreformowania kościoła było edukowanie jego członków poprzez pomaganie im w lepszym zrozumieniu wiary. Nie było to łatwe zadanie, ponieważ większość ludzi była wtedy analfabetami.

Postanowiono uczynić sztukę bardziej zrozumiałą dla zwykłych ludzi – trzeba wykorzystać twórczość malarską do wyjaśnienia głębokich zasad wiary wszystkim, a nie tylko wykształconym. Aby osiągnąć swój cel, obrazy o tematyce religijnej musiały być jednoznaczne, pociągające emocjonalnie, mocne, pobudzające widza do większej pobożności.

Nowe wyznania, takie jak kalwini, uważały, że kościoły i nabożeństwa powinny być proste. Jednak oficjalny kościół i księża uznali, że sztuka i jej piękno mogą przekazać więcej niż ich słowo.

Zapoczątkował styl Caravaggia – najbardziej wpływowego artysty wczesnego baroku. Jest właścicielem odkrycia głównej cechy - jasnego oświetlenia sceny z ciemności dzieł barokowych. W przyszłości cecha ta stanie się cechą wspólną malarstwa barokowego.

Caravaggio wywołał krytykę jego twórczości. Jego obrazy o tematyce religijnej wywołały kontrowersje dotyczące jego chęci przedstawiania ludzi bez idealizacji. Malarz starał się oddać ich niedoskonałość. Za sprawą Caravaggia nastąpiło zerwanie z renesansową tradycją idealizmu, zwłaszcza tematyki religijnej.

Etapy rozwoju

Przeciętny

Głównym przedstawicielem jest Caravaggio. Okres rozwoju: 1600 - 1625 lat.

Wysoki

Rozwijany w latach 1625 - 1675. Na tym etapie wyróżnia się kilka obszarów:

Później

1675-1725 lat. Styl został stworzony przez następców przedstawicieli wczesnego i wysokiego etapu.

Główne cechy

Sztuka barokowa w malarstwie charakteryzuje się dynamizmem (odczuciem ruchu), którego dopełnieniem są ekstrawaganckie efekty (zakrzywione linie, bogate wykończenia, jasne oświetlenie).

Pełnowymiarowy barok lub całkowity barok rozwinął się w południowej części Europy Zachodniej, podczas gdy północna Europa Zachodnia stworzyła kierunek klasyczny lub powściągliwy.
Barok charakteryzuje się ciągłym nakładaniem się, przecinaniem figur i elementów.

Cechy stylu:

Głównymi tematami płócien są: przemiany, męczeństwo i śmierć, bitwy, intensywne chwile psychologiczne, wszelkie formy manifestacji działań, ich konsekwencje. Malarstwo barokowe można nazwać szczytem realizmu w sztuce europejskiej. W okresie renesansu europejscy artyści zdawali sobie sprawę ze znaczenia formy i anatomii w realistycznym przedstawianiu postaci ludzkich. Barokowym twórcom udało się realistycznie oddać wizerunki ludzi - ich portrety stały się bardziej pretensjonalne, żywe, emocjonalne. Malarze baroku mieli obsesję na punkcie światła, obrazy dokładnie przedstawiały krajobraz lub wnętrze sceny.

Malarstwo barokowe można podzielić na barok dynamiczny i realistyczny. Te pierwsze można postrzegać jako kontynuację włoskiego renesansu, te drugie jako sztukę krajów o innym poziomie rozwoju malarstwa, w których główną uwagę skupia się na komponencie fizycznym.

Malarstwo pejzażowe reprezentują dzieła Jacoba Isaacsa van Ruysdaela z Holandii, martwe natury namalował Jean Baptiste Simeon Chardin z Francji, a gatunek portretu Frans Hals. Ich prace znane są ze szczególnego przedstawiania i postrzegania rzeczywistości.

Godne uwagi prace

Ukrzyżowanie świętego Piotra – Caravaggio

W przeciwieństwie do wyidealizowanych, szlachetnych, klasycznych postaci ludzkich, artyści renesansu woleli malować sceny i ludzi z ich naturalnymi wadami.

Peter Paul Rubens „Cztery kontynenty”

Artysta wniósł energię, zmysłowość i dramatyzm do baroku, nie tylko do dzieł sakralnych. W ich przedstawieniu widać barokowe cechy jaskrawej barwy, fizyczności i nakładających się figur.

„Zejście z krzyża” Rembrandta

Malarz dążył do naturalnej transmisji ruchu. W jego twórczości przekazywane są cechy dzieł w stylu barokowym: emocjonalność sceny, wzmożony dramatyzm, aktywne wykorzystanie światła i cienia.

Oznaczający

Jasny i rozpoznawalny styl wczesnej epoki nowożytnej miał ogromny wpływ na sztukę Europy. Wniósł do malarstwa realizm, nasycenie, emocjonalność, dynamikę - właśnie dzięki tym cechom bez trudu można rozpoznać płótna barokowych artystów. Największy wpływ ma rokoko.

Barok jako styl

Artyści baroku świadomie pracowali nad oddzieleniem się od artystów renesansu i późniejszego manierystycznego okresu. Używali w swojej palecie kolorów intensywnych i ciepłych, aw szczególności podstawowych kolorów czerwonego, niebieskiego i żółtego, często umieszczając wszystkie trzy w bliskiej odległości. Malarstwo barokowe obejmuje szeroką gamę stylów, ponieważ najważniejszy i główny nurt malarstwa w okresie od około 1600 r. Przez XVII wiek do początku XVIII wieku jest dziś identyfikowany jako malarstwo barokowe. Najbardziej typowymi przejawami baroku w sztuce są: wielka dramaturgia, bogata, głęboka barwa oraz intensywne światło i cienie. Sztuka barokowa miała raczej budzić emocje i pasję niż cenioną w okresie renesansu spokojną racjonalność. W przeciwieństwie do spokojnych twarzy na obrazach renesansowych, twarze na obrazach barokowych wyraźnie wyrażały swoje emocje. Artyści często stosowali asymetrię, w której akcja toczyła się z dala od środka obrazu, i tworzyli osie, które nie były ani pionowe, ani poziome, ale pochylone w lewo lub w prawo, tworząc wrażenie niestabilności i ruchu. Wrażenie ruchu potęgowali, gdy kostiumy bohaterów były zdmuchnięte przez wiatr lub poruszały się po własnej drodze. Ogólne wrażenia były z ruchu. Ważnym elementem malarstwa barokowego była alegoria. Każdy obraz opowiadał historię i miał przesłanie, często zakodowane w alegorycznych symbolach, które wykształcony widz powinien znać i czytać.

Teoria sztuki w epoce baroku

Rozwinięta teoria artystyczna epoki baroku nie powstała ani we Włoszech, ani w jego ojczyźnie, ani w innych krajach. Tylko niektóre charakterystyczne cechy baroku zostały opisane w pismach jemu współczesnych: Marco Boschini (Włoski) Rosyjski, Pietro da Cortona, Bernini, Roger de Pil (fr.) Rosyjski. W opowiadaniach Boschiniego o zasługach malarstwa weneckiego zasady baroku nie zostały jasno wyartykułowane, jednak sam charakter porównań i forma opisu świadczą o wyrażanych przez autora preferencjach nie wobec rzeźby antycznej i Rafaela, lecz wobec Tycjana, Veronese'a, Velazqueza i Rembrandta. Boschini podkreślał dominującą rolę koloru barokowego, a także rozbieżność między formą malarską a plastyczną. W komentarzach na temat wyrazistości możliwości malowania plamą i złudzenia optycznego stapiania się kresek Boschini pokazał światopogląd bliski barokowi.

Pietro da Cortona porównuje malarstwo epoki baroku nie z typową dla malarstwa klasycyzmu tragedią, ale z poematem epickim i wrodzoną mu rozmachem narracji, wielością wątków, barwnością i swobodą kompozycyjną. W akademickich sporach z Andreą Sacchim zwolennicy Pietra da Cortony bronili zalet barokowego obrazu, który nie wymagał od widza dokładnej analizy każdej postaci i uważnego „czytania” fabuły, aby odsłonić wszystkie odcienie znaczeniowe, ale rozłożone przed widzem „promienny, harmonijny i żywy efekt ogólny, który może wzbudzić podziw i zdumienie” .

we Włoszech

We włoskim malarstwie barokowym rozwinęły się różne gatunki, ale przeważnie były to alegorie, gatunek mitologiczny. Pietro da Cortona, Andrea del Pozzo, Giovanni Battista Tiepolo, bracia Carracci (Agostino i Lodovico) odnieśli sukces w tym kierunku. Sławę zyskała szkoła wenecka, w której dużą popularność zyskał gatunek veduta, czyli miejskiego pejzażu. Najbardziej znanym autorem takich dzieł jest D. A. Canaletto. Nie mniej znani są Francesco Guardi i Bernardo Bellotto. Canaletto i Guardi malowali widoki Wenecji, a Bellotto (uczeń Canaletta) pracował w Niemczech. Jest właścicielem wielu widoków Drezna i innych miejsc. Salvator Rosa (szkoła neapolitańska) i Alessandro Magnasco malowali fantastyczne pejzaże. Ten ostatni należy do poglądów architektonicznych, a bliski mu jest francuski artysta Hubert Robert, który tworzył w czasach, gdy rozgorzało zainteresowanie starożytnością, rzymskimi ruinami. W ich pracach przedstawiane są ruiny, łuki, kolumnady, starożytne świątynie, ale w formie nieco fantastycznej, z przesadą. Heroiczne płótna malował Domenichino, a malownicze przypowieści Domenico Fetti.

We Francji

We Francji cechy baroku są nieodłącznym elementem ceremonialnych portretów Iasenta Rigauda. Jego najbardziej znanym dziełem jest portret Ludwika XIV. Twórczość Simona Voueta i Charlesa Lebruna, nadwornych malarzy tworzących w gatunku portretu ceremonialnego, określana jest jako „klasycyzm barokowy”. Prawdziwe przekształcenie baroku w klasycyzm obserwuje się na płótnach Nicolasa Poussina.

W Hiszpanii

Bardziej sztywne, surowe wcielenie nadano stylowi barokowemu w Hiszpanii, ucieleśnionemu w dziełach takich mistrzów jak Velasquez, Ribera i Zurbaran. Trzymali się zasad realizmu. W tym czasie Hiszpania przeżywała swój „złoty wiek” w sztuce, będąc jednocześnie w ekonomicznym i politycznym upadku.

Sztukę Hiszpanii charakteryzuje dekoracyjność, kapryśność, wyrafinowanie form, dualizm ideału i realności, cielesności i ascety, spiętrzenia i skąpstwa, wzniosłości i śmieszności. Przedstawiciele obejmują:

Francisco Zurbaran (1598-1664) - „Dzieciństwo Matki Bożej”, „Chrystus Dzieciątko”. Najważniejsze w jego obrazach jest poczucie świętości, czystości; proste rozwiązanie kompozycyjne, gładkie linie, gęsta kolorystyka, materialność, materialność, bogactwo barw, majestat, powściągliwość, realność życia połączona z mistycyzmem wiary, wysoka duchowość, intensywność emocjonalna.
Jusepe Ribera (1591-1652). Głównymi tematami jego obrazów są męczeństwa świętych, portrety ludzi, którzy przeżyli długie życie. Ale jego twórczość nie jest sentymentalna. Przede wszystkim nie chciał, aby jego modele budziły litość. Są prawdziwą hiszpańską dumą narodową. Na przykład „Kulawy”, „Święta Agnieszka”, „Apostoł Jakub senior”.

Wydawało się, że hiszpańskie malarstwo nigdy nie wyjdzie z „ścian” świątyń. Ale zrobił to Diego Velazquez (1599-1660) - wspaniały mistrz portretu psychologicznego, malarz postaci. Jego obrazy wyróżnia wielopostaciowa złożoność kompozycji, wielokadrowość, ekstremalna szczegółowość i doskonałe opanowanie koloru. Velasquez jest wielkim polifonistą malarstwa. „Śniadanie”, „Portret Olivaresa”, „Błazen”, „Poddanie Bredy” („Włócznie”), „Błystki”.

Artystą, który zakończył „złoty wiek” malarstwa hiszpańskiego był

Nazywany Caravaggio, uważany za najwybitniejszego mistrza wśród włoskich artystów tworzących pod koniec XVI wieku. nowy styl w malarstwie. Jego obrazy, malowane o tematyce religijnej, przypominają realistyczne sceny z ówczesnego życia autora, tworząc kontrast między późnym antykiem a czasami nowożytnymi. Bohaterowie ukazani są w półmroku, z którego promienie światła wyrywają ekspresyjne gesty postaci, kontrastowo wypisując ich specyfikę. Zwolennicy i naśladowcy Caravaggia, których początkowo nazywano karawagigistami, a sam nurt karawagizmem, przejęli burzliwość uczuć i charakterystyczną manierę Caravaggia, a także jego naturalizm w przedstawianiu ludzi i wydarzeń. Akademizm boloński, przeciwstawny karawagizmowi, reprezentowali Annibale Carracci i Guido Reni.

We włoskim malarstwie barokowym rozwinęły się różne gatunki, ale przeważnie były to alegorie, gatunek mitologiczny. Pietro da Cortona, Andrea del Pozzo, Giovanni Battista Tiepolo i bracia Carracci odnieśli sukces w tym kierunku. Sławę zyskała szkoła wenecka, w której dużą popularność zyskał gatunek veduta, czyli miejskiego pejzażu. Najbardziej znanym autorem takich dzieł jest D. A. Canaletto. Nie mniej znani są Francesco Guardi i Bernardo Bellotto. Canaletto i Guardi malowali widoki Wenecji, a Bellotto (uczeń Canaletta) pracował w Niemczech. Jest właścicielem wielu widoków Drezna i innych miejsc. Salvator Rosa (szkoła neapolitańska) i Alessandro Magnasco malowali fantastyczne pejzaże. Ten ostatni należy do poglądów architektonicznych, a bliski mu jest francuski artysta Hubert Robert, który tworzył w czasach, gdy rozgorzało zainteresowanie starożytnością, rzymskimi ruinami. W ich pracach przedstawiane są ruiny, łuki, kolumnady, starożytne świątynie, ale w formie nieco fantastycznej, z przesadą. Heroiczne płótna malował Domenichino, a malownicze przypowieści Domenico Fetti.

We Francji

W Hiszpanii

Fundacja Wikimedia. 2010 .

Zobacz, czym jest „Barok w malarstwie” w innych słownikach:

- (Włoski barocco „złośliwy”, „luźny”, „nadmierny”, port. perola barroca „nieregularna perła” (dosłownie „perła z występkiem”); istnieją inne założenia dotyczące pochodzenia tego słowa) ... ... Wikipedii

- (włoskie barocco, dosł. dziwaczny, dziwny), jeden z dominujących stylów w architekturze i sztuce europejskiej końca XVI i połowy XVIII wieku. Barok powstał w epoce intensywnego formowania się narodów i państw narodowych (główne ... ... Encyklopedia sztuki

- (od włoskiego barocco, francuski barok, dziwny, zły) styl literacki Europy końca XVI, XVII i części XVIII wieku. Termin „B”. do nauki o literaturze przeniósł się z historii sztuki; podstawą takiego przeniesienia terminu jest ogólne podobieństwo…… Encyklopedia literacka

- (włoski barocco dosł. dziwny, dziwaczny), jeden z głównych stylów w sztuce Europy i Ameryki. 16 ser. 18 wiek Barok, który zmierzał w kierunku uroczystego, wielkiego stylu, jednocześnie odzwierciedlał postępowe idee dotyczące ... ... Wielki słownik encyklopedyczny

- (włoskie barocco dziwne, dziwaczne), jeden z głównych nurtów stylistycznych w sztuce Europy i Ameryki zob. XVI ser. 18 wiek B. charakteryzuje się kontrastem, napięciem, dynamizmem obrazów, afektacją, pragnieniem wielkości i przepychu, aby ... ... Encyklopedia kulturoznawstwa

- (przypuszczalnie: od portugalskiego perola barroca perła o dziwacznym kształcie lub od łacińskiego baroco mnemoniczne określenie jednego z typów sylogizmu w logice scholastycznej) dominujący styl w sztuce europejskiej końca XVI i połowy XVIII wieku. . Wielka radziecka encyklopedia

Srebrny Relikwiarz Św. Wojciecha, Śnieżne, Polska. Barok w Rzeczypospolitej to etap w rozwoju kultury, który obejmował okres od końca... Wikipedii

Barokowy- (włoski kapryśny barocco, przypuszczalnie perola barroca perola perola o nieregularnym kształcie) europejski fenomen. kultura 16 wcześnie. 18 wiek Era B. związana jest z Vel. geograficzny i naukowy odkrycia. Zdumienie, zachwyt i przerażenie nowym obrazem świata…… Rosyjski encyklopedyczny słownik humanitarny

Renesans dobiegł końca. Nadszedł wiek XVII, który stał się nowym etapem w historii sztuki Europy Zachodniej. Państwa narodowe Europy zostały wzmocnione, umierający system feudalny został zastąpiony przez kapitalizm. Rosło niezadowolenie mas z ich pozycji. Rosnąca burżuazja pragnęła władzy politycznej. W krajach o rozwiniętym przemyśle i handlu (Anglii i Holandii) rewolucje burżuazyjne zakończyły się zwycięstwem nowego ustroju społecznego. Walka z feudalizmem skierowana była także przeciwko Kościołowi katolickiemu, który stał na czele sił reakcyjnych.

W tej trudnej epoce kształtowała się nowa kultura, która dała światu wielkich naukowców - Galileusza, Leibniza, Newtona, filozofów - Bacona, Spinozę, Kartezjusza, pisarzy - Szekspira, Cervantesa, Moliere'a.

Rozwijały się także sztuki plastyczne, których największe osiągnięcia związane są głównie z takimi krajami jak Włochy, Hiszpania, Holandia, Flandria czy Francja.

Głównym kierunkiem stylistycznym w sztuce tej epoki był barok, narodzony we Włoszech pod koniec XVI wieku. Nazwa „barok” dosłownie oznacza „dziwny”, „dziwaczny”. To właśnie te epitety zaskakująco odpowiadają osobliwościom nowego stylu, który zachował swoją popularność w sztuce Europy Zachodniej do połowy XVIII wieku. Barok charakteryzuje się takimi cechami, jak namiętność i jasność uczuć, podniecenie, dochodzące do przesady, ceremonialna powaga i przepych.

Władcy i Kościół katolicki starali się to wykorzystać na swoją korzyść, promując swoją siłę i władzę za pomocą sztuki oraz umacniając wiarę wśród ludu. Dlatego sztuka barokowa była najbardziej rozwinięta w krajach o religii katolickiej.

Jednocześnie w tym stylu wyrażono postępowe idee dotyczące różnorodności i zmienności świata, a osoba jawi się jako złożona osobowość z własnym światem głębokich uczuć i doświadczeń.

Szczególne miejsce zajmowało malarstwo w sztuce baroku. W jej epoce pojawiły się nowe gatunki i tematy. Teraz artyści wykorzystywali w swoich pracach nie tylko motywy religijne i mitologiczne, ale także motywy związane z realiami otaczającego życia.

Niektórzy badacze dzielą malarstwo barokowe na trzy części, w zależności od tego, kto był jego odbiorcą: kościelny, dworski, mieszczański. Malarstwo kościelne jest charakterystyczne dla Hiszpanii, malarstwo dworskie jest charakterystyczne dla Flandrii, a malarstwo mieszczańskie jest charakterystyczne dla Holandii, która miała wówczas najbardziej postępowy ustrój społeczny.

Mistrzowie baroku stosowali w swoich dziełach głównie ciepłe odcienie i płynne przejścia kolorystyczne, umiejętnie stosowane efekty światłocienia oraz kontrasty jasnych i ciemnych tonów. Ich obrazy odznaczają się intensywnym dramatyzmem; pozy postaci są niestabilne, gesty i ruchy ostre i przesadnie wyraziste, oczy świętych i męczenników wzniesionych ku niebu, niesamowicie wygięte ciała postaci w mitologicznych kompozycjach miały potęgować wrażenie przedstawionego na płótnie i sprawić, by widz wczuł się w bohaterów.

Malarstwo Włoch

We Włoszech, kolebce baroku, w XVII wieku. kwitnące malarstwo freskowe. Wielką sławę cieszyła się rodzina artystów Carracci, która stworzyła wiele malowideł ściennych o antycznych motywach w Rzymie i Bolonii. Lodovico Carracci i jego kuzyni Annibale i Agostino Carracci założyli w 1585 roku w Bolonii warsztat akademicki, w którym kształcili młodych artystów według własnego programu, który miał na celu tworzenie sztuki monumentalnej i podniosłej. Wśród studentów akademii wyróżniali się szczególnie Guido Reni i Domenichino, działający w Rzymie na początku XVII wieku.

Michelangelo da Caravaggio

Znaczące miejsce w malarstwie włoskim przełomu XVI-XVII wieku. zajmuje się twórczością Michała Anioła da Caravaggio. Urodzony w 1573 roku w Lombardii. Edukację artystyczną otrzymał w Mediolanie. Osiadł w Rzymie na początku lat 90. XVI wieku. Malarz cieszył się patronatem kardynała del Monte. W 1606 roku podczas gry w piłkę Caravaggio pokłócił się z jednym z uczestników zabawy i zabił go w pojedynku. Ukrywając się przed rządem, artysta zmuszony jest do ucieczki do Neapolu, a następnie na Maltę. Po kłótni z jednym z przedstawicieli miejscowej szlachty musiał wyjechać na Sycylię. W latach 1608-1609. Caravaggio ukrywał się przed zabójcami na Sycylii iw południowych Włoszech. W Neapolu artysta nie uniknął ataku, podczas którego został ranny. W 1610 roku Caravaggio udał się drogą morską do Rzymu, licząc na przebaczenie papieża, ale nie docierając do miejsca docelowego, okradziony przez przewoźników, zmarł na malarię.

Buntowniczy duch Caravaggia przejawiał się w jego twórczości. Dążąc do prawdy, artysta przedstawia ludzi ze zwykłych ludzi w kompozycjach religijnych i mitologicznych. Tacy są bohaterowie jego wczesnych dzieł („Mały chory Bachus”, ok. 1591; „Bachus”, 1592-1593), w których cukierkowo przystojni bohaterowie sztuki akademickiej ustępują miejsca wizerunkom zwykłych Włochów o charakterystycznych rysach twarzy ( oczy w kształcie migdałów, pełne usta, ciemne jedwabiste loki). Realność postaci podkreślają detale martwej natury: kwiaty, owoce, instrumenty muzyczne. Zainteresowanie martwą naturą jest zauważalne w wielu dziełach Caravaggia. W 1596 roku artysta wykonał jedną z pierwszych kompozycji tego gatunku w historii malarstwa europejskiego – „Kosz z owocami”.

Dążąc do autentyczności, Caravaggio zawsze przedstawia prawdziwe życie w swoich dziełach, bez względu na to, jak niegrzeczne i bezlitosne może być („Ofiara Abrahama”, 1594-1596; „Judyta i Holofernes”, 1595-1596). Według współczesnych malarz zaproszony na wystawę antycznych posągów pozostał obojętny na ich zimne piękno i wskazując na tłumy ludzi wokół, powiedział, że oni, prości współcześni, inspirują go. Na dowód swoich słów artysta zatrzymał przechodzącą Cygankę i namalował ją przepowiadającą losy młodego mężczyzny. Tak pojawił się słynny „Wróżbita” (1595).

Caravaggio szuka swoich bohaterów na ulicach, w małych tawernach, w środowisku bohemy. Pisze graczy, muzyków („Gracze”, 1594-1595; „Lutnista”, 1595).

W dojrzałych latach Caravaggio zwraca się ku sztuce monumentalnej. Przedstawia wydarzenia z Historii Świętej dla kościołów San Luigi dei Francesi i Santa Maria del Popolo równie realistycznie i zgodnie z prawdą, jak sceny rodzajowe. Klienci byli z tego niezadowoleni: kościół nie przyjął obrazu „Apostoł Mateusz z aniołem”, ponieważ wygląd świętej wydawał jej się niegrzeczny i nieprzyzwoity. Artysta musiał namalować kolejny obraz.

Prawdziwymi arcydziełami stały się dwie monumentalne kompozycje Caravaggia: „Złożenie do grobu” (1602) i „Wniebowzięcie Marii” (1605-1606). Ostatnia praca, ze względu na realistyczne przedstawienie śmierci Matki Bożej, została odrzucona przez klienta – rzymski kościół Santa Maria della Scala. Artystka interpretuje temat wniebowstąpienia Maryi jako prosty dramat życiowy: śmierć zwykłej kobiety opłakują jej najbliżsi i przyjaciele.

Obraz „Złożenie do grobu” odznacza się głęboką tragizmem, ale jednocześnie odznacza się powściągliwością i prawdomównością, nie ma w nim przesadnej ekspresji i egzaltacji, charakterystycznej dla malarstwa wielu artystów epoki baroku. Artysta, przedstawiając martwego Chrystusa i żałośnie zamrożonych wokół niego ludzi, stara się przekazać ideę heroicznej śmierci i robi to przekonująco i realistycznie.

Trudy życia i nieustanne starcia z Kościołem prowadzą do wzmożenia tragicznego brzmienia dzieł Caravaggia w ostatnich latach jego życia (Biczowanie Chrystusa, 1607; Siedem aktów miłosierdzia, 1607).

Włoski mistrz przywiązuje dużą wagę do transmisji światła: akcja w jego pracach toczy się zazwyczaj w półmroku, snop światła dochodzący z głębi przecina przestrzeń płótna (tzw. oświetlenie piwniczne). Wielu artystów XVII wieku wykorzystali w swojej pracy tę technikę, która nadaje obrazowi dramatyzmu.

Twórczość Caravaggia wywarła ogromny wpływ nie tylko na włoskich, ale także zagranicznych artystów, którzy pracowali w Rzymie. Zwolennicy malarza rozpowszechnili jego styl, zwany "karawagizmem", na inne kraje europejskie.

Większość włoskich karawagistów nie osiągnęła szczytu chwały wielkiego mistrza. Wśród nich są ci, którzy pracowali w pierwszej połowie XVII wieku. Bartolomeo Manfredi, Orazio Gentileschi, Giovanni Serodine, Giovanni Battista Caracciollo, nazywany Battistello. Na początku swojej kariery Rubens, Rembrandt, Vermeer, Velazquez, Ribera lubili karawagizm.

Wielka popularność w XVII wieku. w Neapolu wykorzystano Salvatora Rosę, którego imię wiąże się z pojawieniem się w malarstwie pejzażu romantycznego.

Salwatora Róży

W 1615 roku w domu mierniczego i architekta Vitantonio Rosa w małym miasteczku Arenella pod Neapolem urodził się chłopiec. Nazwali go Salvatore. Z okien podupadłej posiadłości Casaccio otwierał się wspaniały widok na Neapol i Wezuwiusz. Wokół wioski było wiele miejsc, które zachwycały swoim pięknem: wysoka skała San Elmo, twierdza Borgo di Arenella, zbudowana za panowania Karola V, wzgórza Vomero i Posilippo, wyspa Capri, wybrzeże Zatoka Neapolitańska z przezroczystymi, błękitnymi wodami. Wszystkie te obrazy zostaną później w pełni odzwierciedlone w obrazach Salvatora Rosy. Przyszły artysta od najmłodszych lat starał się uchwycić na małych kartkach obrazy natury, które go ekscytowały.

Dostrzegając w synu pragnienie wiedzy, nauki i sztuki, rodzice postanowili skierować go do kolegium jezuickiego kongregacji Somasca, znajdującego się w Neapolu. Tam Salvator Rosa otrzymał wszechstronne wykształcenie: studiował literaturę klasyczną, studiował gramatykę, retorykę i logikę. Zdobył między innymi wykształcenie muzyczne, nauczył się grać na harfie, flecie, gitarze, a nawet próbował komponować drobne utwory muzyczne (znane są jego serenady doncella). Niektóre serenady były tak popularne wśród neapolitańczyków, że śpiewali je dzień i noc pod oknami ukochanej.

Po pewnym czasie Salvator Rosa opuszcza uczelnię i wraca do rodzinnej miejscowości Arenella, gdzie poznaje miejscowego artystę Francesco Fracanzano, byłego ucznia niezwykle popularnego wówczas hiszpańskiego mistrza malarstwa Jusepe Ribera. Widząc obrazy Francesco, Salvator wykonuje z nich kilka kopii, za co zasługuje na pochwałę od Fracanzano, który zdołał dostrzec w młodym człowieku talent prawdziwego artysty i doradził mu, aby poważnie zajął się malarstwem.

Od tego momentu Rosa dużo rysuje. W poszukiwaniu nowych obrazów wyrusza w podróż po górach Abruzji. W tym czasie pojawiają się pejzaże z wizerunkami dolin Monte Sarchio z wygasłym wulkanem, grotami Palignano, jaskiniami Otranto, a także ruinami starożytnych miast Canusia i Brundisia, ruinami łuku i amfiteatr Benevento.

Tam, w górach Abruzji i Kalabrii, młody artysta spotkał włóczęgów rabusiów, wśród których byli tacy, którzy zostali wyrzuceni ze społeczeństwa przez „porządnych” ludzi za kochające wolność, śmiałe myśli. Pojawienie się tych bandytów tak zszokowało Salvatora, że postanowił uwiecznić ich w swoim albumie. Ich wizerunki wykorzystano następnie w późniejszych kompozycjach dojrzałego już mistrza (tu warto przywołać rycinę z suity Capricci, przedstawiającą niewolę młodzieńca przez rabusiów dowodzonych przez atamana), a także trafiły do obrazy przedstawiające sceny batalistyczne.

Podróż była owocna i znacząca dla rozwoju sztuki pejzażowej młodego malarza. Podczas swoich podróży wykonał wiele szkiców z widokami włoskiej przyrody. Przeniesione następnie na obrazy pejzaże te są niezwykle realistyczne, żywe, naturalne. Wydaje się, że przyroda zasnęła tylko na chwilę. Wydaje się, że za chwilę wszystko ożyje, powieje lekki wietrzyk, zakołyszą się drzewa, zaćwierkają ptaki. Krajobrazy Rosy zawierają w sobie wielką moc, szczególny wyraz. Postacie ludzi i budowli, będąc częścią jednej całości, współgrają z obrazami natury.

W Neapolu odbyła się pierwsza wystawa Salvatora Rosy. Jednym z tych, którzy zauważyli i docenili twórczość młodego artysty, był słynny mistrz malarstwa monumentalnego Giovanni Lanfranco, który na wystawie kupił dla siebie kilka pejzaży.

W połowie lat 30. XVII wiek Salvator Rosa przenosi się do Rzymu – stolicy światowych sztuk pięknych, w której króluje barok i klasycyzm. To właśnie w Rzymie Rosa zapoznała się z twórczością tak wielkich mistrzów malarstwa jak Michał Anioł, Rafael, Tycjan, Claude Lorrain. Ich sposób pisania w dużej mierze wpłynął na kształtowanie się metody twórczej i techniki plastycznej i wizualnej Rosy. Najbardziej widać to na obrazach z pejzażami morskimi. Tak więc „Seaport” jest napisany w najlepszych tradycjach K. Lorraina. Młody artysta idzie jednak dalej niż nauczyciel. Jego pejzaż jest naturalny i konkretny: idealne, wręcz abstrakcyjne obrazy Lotaryngii zostały tu zastąpione postaciami zwykłych rybaków z Neapolu.

Kilka miesięcy później ciężko chora Rosa opuszcza wspaniałą i piękną stolicę Włoch. Wrócił dopiero w 1639 roku. Latem tego roku w Rzymie odbywał się karnawał, na którym Rosa wystąpiła jako wędrowny aktor pod postacią Coviella (niepogodzony ze swoim losem plebejusz). A jeśli inni Coviello starali się jak najbardziej upodobnić do prawdziwych wieśniaków, to Rosa doskonale pokonała swoją maskę, komponując całe przedstawienie i pokazując śpiew i grę na gitarze, pogodny młodzieniec, który w żadnych okolicznościach nie traci serca i życia przeciwności losu. Akcja karnawałowa odbyła się na Piazza Navona. Salvator Rosa z niewielką grupą aktorów jechał wozem bogato udekorowanym kwiatami i zielonymi gałązkami. Sukces Rosy był ogromny.

Po zakończeniu karnawału wszyscy zdjęli maski. Jakie było zdziwienie okolicznych mieszkańców, gdy odkryto, że pod przebraniem wieśniaka ukrywa się nikt inny jak Salvator Rosa.

Potem Rosa postanowiła zająć się aktorstwem. Niedaleko Porta del Popolo, w jednej z pustych willi, otwiera swój teatr. Treść sztuk wystawianych pod kierunkiem Rosy nie jest znana krytykom i historykom sztuki. Są jednak fakty, które mówią same za siebie: po premierze sztuki, w której aktorzy wyśmiewali teatr dworski pod kierunkiem słynnego wówczas architekta i rzeźbiarza Lorenza Berniniego, ktoś wynajął zabójców dla Rosy. Czekali na niego w pobliżu domu.

Na szczęście do zamachu nie doszło – młody człowiek przeżył. Jednak te okoliczności zmusiły go do ponownego opuszczenia Rzymu.

Odpowiadając na zaproszenie kardynała Giovanniego Carlo Medici, Rosa udaje się do Florencji. Tutaj artysta tworzy
słynny autoportret.

Płótno wyróżnia się oryginalnością wykonania. Młody mężczyzna pokazany na portrecie wydaje się nieco kanciasty. Czuć jednak w nim kipiącą energię, niezwykłą siłę woli i determinację. Na zdjęciu młody mężczyzna opiera się o tablicę z napisem po łacinie: „Avt tace, Avt Loqver meliora silentio” („Albo bądź cicho, albo powiedz, co jest lepsze od milczenia”). Napis ten brzmi jak przekrojowa myśl całego dzieła, a zarazem credo przedstawionego na płótnie młodzieńca (a więc i samego malarza).

Artysta po mistrzowsku operuje grą światła i cienia. Ekspresyjność obrazu uzyskuje się właśnie dzięki efektowi cienia, który ostro, a czasem nawet nieoczekiwanie zamienia się w jasne plamy.

To nie przypadek, że postać młodego mężczyzny znajduje się na tle wieczornego nieba: wizerunek dumnego, niezależnego młodzieńca w ciemnych ubraniach wyróżnia się na jasnym tle, dzięki czemu staje się bliższy i bardziej zrozumiały dla widza .

W tym samym duchu powstały znane satyry Rosy, wśród których szczególne miejsce zajmują „Poezja”, „Muzyka”, „Zazdrość”, „Wojna”, „Malarstwo”, które stały się swoistym hymnem do młody pisarz i artysta. Autor mówi tu, że malarze, będąc sługami jednej z sióstr sztuki – sztuk pięknych, powinni być dobrze zorientowani w historii, etnografii i naukach ścisłych. Styl Rosy w poezji, a także w malarstwie, objawił się w całości. Jego wiersze są energiczne, porywcze, emocjonalne, miejscami zbyt szorstkie i szorstkie. Stanowią swoisty sprzeciw wobec przeuroczego i sztucznie teatralnego sposobu konstruowania i brzmienia form poetyckich, jaki rozwinął się wówczas w literaturze.

Salvator Rosa pozostał we Florencji do 1654 roku. Jego dom, według wspomnień współczesnych, był miejscem, w którym stale gromadzili się najsłynniejsi ludzie: poeta R. Giambatisti, malarz i pisarz F. Baldinucci, naukowiec E. Torricelli, Profesor Uniwersytetu w Pizie J. B. Ricciardi.

Jedną z głównych idei barokowej sztuki życia codziennego jest „uczyć widza lub czytelnika dyskretnie, uczyć poprzez piękno”. Kierując się tą niewypowiedzianą zasadą, artyści tworzyli płótna, na które oglądający nasuwają dość określone skojarzenia, przywołujące na myśl wizerunki literackich bohaterów. I odwrotnie, według pisarzy epoki baroku dzieło poetyckie powinno być takie, aby po przeczytaniu przed oczami czytelnika pojawiły się malownicze, jasne i kolorowe obrazy.

Niemal cała twórczość artystyczna i wizualna Rosy opiera się na tworzonych przez niego literackich obrazach. Tyle obrazów powstało na baśniach i płótnach ze scenami batalistycznymi, które powstały po powstaniu satyr „Czarownica” i „Wojna”.

Płótno zatytułowane „Kłamstwo” jest dobrą ilustracją do wiersza „Zmywam rumieniec i maluję twarz”. Zauważalne jest tu podobieństwo bohatera obrazu do samego autora. Salvator Rosa wykazuje doskonałe opanowanie warsztatu malarskiego w przekazywaniu mimiki i gestów. Fabuła oparta jest na epizodzie, w którym dwoje aktorów prowadzi rozmowę za kulisami teatru po spektaklu. Ton całej pracy nadają niezwykłe przejścia światła w cień oraz użycie farb o określonym kolorze (ciemnobrązowe tło, żółtawy strój aktora symbolizuje kłamstwo i oszustwo). Szczególnie ważne jest spojrzenie jednego z aktorów, skierowane nie na rozmówcę, ale gdzieś z boku. Wydaje się, że osoba ta próbuje ukryć swoje myśli przed przyjacielem.

Główną ideę płótna można określić słowami W. Szekspira, które stały się swego rodzaju mottem dla sztuki barokowej, który powiedział, że ludzie są aktorami na teatralnej scenie życia. Główną metodą artystycznego przedstawienia rzeczywistości i osoby w przedstawieniu teatralnym jest oszustwo. Stąd bierze się w obrazie Rosy powiązanie pojęcia kłamstwa z wizerunkiem aktora dramatycznego, który podczas spektaklu zakłada maskę.

Idea możliwości istnienia nadczłowieka obdarzonego wieloma zdolnościami najwyraźniej przejawia się w portretach Salvatora Rosy. Taki jest „Portret mężczyzny” („Portret bandyty”), w którym widzimy mężczyznę o ostrym, przeszywającym, przenikliwym spojrzeniu i piekącym uśmiechu zastygłym na ustach. Tego obrazu nie można nazwać zdecydowanie jednoznacznym. W oczach włóczęgi jest coś niepokojącego i ostrzegającego nas, widzów, przed silnym, stanowczym i dumnym charakterem tej osoby, której emocje mogą się przebić i wyjść na jaw w każdej chwili. Portret bandyty okazuje się bardziej skomplikowany niż otwarty i nieco romantyczny młodzieniec z płótna Autoportret. Niejednoznaczność w interpretacji obrazu wynika ze szczególnego połączenia i ułożenia światła i cienia na płótnie. Niezwykle plastyczna ekspresja portretu została osiągnięta dzięki opanowaniu warsztatu malarskiego i zastosowaniu kontrastowych kolorów (ciemny kapelusz i jasne tło, biała koszula i czarne futro).

Krytycy sztuki twierdzą, że „Portret mężczyzny” to ten sam autoportret. Tu autor, jako zawodowy aktor, próbuje się wcielić w bandytę, gotowego w każdej sekundzie do walki z wrogami. Współcześni pisali, że tutaj (podobnie jak w Autoportrecie) w dużej mierze manifestuje się charakter samego artysty - buntownika o zdecydowanym i silnym charakterze. Bohater obrazu nie jest już abstrakcyjną postacią, ale prawdziwą osobą, w której duszy gotują się gwałtowne namiętności.

Twórczość Salvatora Rosy jest początkowym etapem formowania się i rozwoju nowej formy malarskiej - pejzażu-obrazu. Tak skonstruowane prace łączą w sobie elementy realnie istniejące w życiu codziennym i fikcyjne.

Szczególnie interesująca i odkrywcza jest praca Rosy zatytułowana „Krajobraz z mostem”, przechowywana obecnie w Galerii Pitti we Florencji. Płótno przedstawia niewielki pejzaż z mostem i zaraz za nim wznoszącą się w formie łuku wysoką skałą. Dwóch podróżnych jest w drodze. Wygląda na to, że zgubili się w nieznanym miejscu. Pytają o drogę jakiegoś obdartusa. W oddali za skałą kryją się dwie postacie. Słońce schowało się za chmurą. Przy moście jest ciemno, bo z każdego krzaka czy kamienia zbójnicy, którzy ukrywają się przed wymiarem sprawiedliwości i samotnie szukają prawdy, mogą napaść na przechodnia.

Być może taka jest interpretacja fabuły obrazu. Wrażenie niepokoju, pewnej niejednoznaczności powstaje w nim dzięki opanowaniu przez artystę techniki łączenia jasnych plam i cieni. Światło słoneczne, wyraźnie widoczne w oddali, w tle kompozycji, na płótnie stopniowo zastępowane jest cieniem, ciemnością, wywołując u widza bolesne uczucia i przeczucie niebezpieczeństwa.

Przedstawiony na zdjęciu most, a także wznosząca się łuk-skała, zmiana światła i cienia - wszystko to nadaje krajobrazowi niezwykłej dynamiki, tchnie w niego życie.

Współcześni artystce niejednokrotnie mówili o obecności i przewadze pierwiastków romantycznych w twórczości Rosy. Są też w „Krajobrazie z mostem”: jasna dolina zatopiona w promieniach słońca i ciemne, ponure skały w pobliżu mostu, pełne niespokojnego oczekiwania.

Często w całej kompozycji dominuje natura. Ponadto element ten ma znaczenie dla ożywienia obrazu i wywołania u widza określonego nastroju i skojarzeń. W obrazie „Strach” szczególną ekspresję uzyskuje się przez połączenie postaci ludzkich i natury w jedną całość. Ludzie działają tu jako integralna część świata dzikiej przyrody.

Szczególny nastrój w pejzażu tworzy kontrast światła i cienia, w wyniku którego na obrazie pojawiają się miejsca, jakby wyrwane z ciemności przez wiązkę światła. Uczucie niepokoju jest również spowodowane pewnym ułożeniem postaci. Stosowane przez artystę zwroty ciał, mimika i gesty osób, wyrazista, gęsta kolorystyka wywołują u widza uczucie niepokoju i zbliżającego się niebezpieczeństwa.

Ten obraz jest obecnie przechowywany w Galerii Pitti we Florencji.

Salvator Rosa jest także twórcą takiego pejzażu jak filozoficzny. Uderzającym przykładem jest słynny Pejzaż leśny z trzema filozofami. Natura nie tylko nadaje ton całej kompozycji, ale także wyraża uczucia, emocje, stany umysłu trzech mężczyzn spierających się być może o sens ziemskiego życia i codzienną ludzką krzątaninę. Niezwykły wyraz wyrażają potężne drzewa uginające się pod wiatrem, pędzące do przodu chmury, niemal całkowicie zasłaniające przejrzyste niebo, gestykulujące osoby próbujące sobie coś udowodnić. Dynamika i szczególna emocjonalność są ustawiane na obrazie przez ostrą zmianę jasnych i ciemnych plam.

Odważny, czasem nawet nieco ostry, ekscytujący sposób pisania Rosy (kontrast światła i cienia, detale pejzażu, plastyczna ekspresja całej kompozycji) był później kontynuowany w sztuce przez artystów romantycznych.

Niemal wszystkie martwe natury stworzone przez Rosę odznaczają się tym samym niepokojącym i buntowniczym charakterem. We Włoszech w tym czasie dużą popularnością cieszyły się martwe natury autorstwa Paolo Porpory i Giuseppe Recco. Ich płótna przyciągały widzów niemal namacalną realnością rysowanych przez nich obrazów. Wydawało się, że kwiaty, ryby, owoce nie były malowane, ale po prostu przeniesione na ścianę, przyklejone do niej, wydawały się takie żywe.

Kierując się zasadą sztuki barokowej (literaryzacją dzieł plastycznych), Salvator Rosa tworzył pełne treści filozoficznych martwe natury. Stałym przedmiotem jego uwagi były starożytne księgi w podniszczonych oprawach, różne instrumenty muzyczne, kolekcje muzyczne, instrumenty do obserwacji gwiazd i prawie zawsze czaszka symbolizująca próżną marność ziemskiego życia - Vanitas (z łac. „marność nad marnościami”).

Salvator Rosa uważany jest za mistrza w przedstawianiu scen batalistycznych. Pisania bitew nauczył się w warsztacie Aniella Falcone (1607-1656). Na płótnach Falcone nie można znaleźć głównych i drugorzędnych bohaterów. Wszystkie obrazy tworzą jedną całość i mają jedno zadanie: stworzyć prawdziwy obraz, który bez przesady oddaje charakter konkretnej bitwy.

Ten sam sposób jest charakterystyczny dla Rosy. Odwoływanie się przez niego do tematyki scen batalistycznych wiąże się z prowadzeniem wojny przez kraje Europy Zachodniej, nazwanej później wojną trzydziestoletnią.

Teatr działań wojennych na Salvator Rosa jest niezwykle wyrazisty i z reguły umiejscowiony po sam horyzont na tle zniszczonych, zastygłych w ciszy obiektów architektonicznych (wieże, pałace, świątynie) i przejrzystego błękitu nieba, miejscami zasłoniętego z ledwie widocznymi białymi chmurami. Kontrast czystego nieba i pola, na którym rozgrywają się dramatyczne wydarzenia z udziałem ludzi owładniętych nienawiścią do siebie, o twarzach wykrzywionych bólem lub gniewem, dodatkowo uruchamia i wyostrza temat bezsensu i tragizmu wojny, odwiecznej dla ludzkości.

I tutaj artysta występuje jako wspaniały mistrz, który biegle włada sztuką łączenia światła i cienia. Promienie światła, pojedyncze postacie ludzkie i twarze wyrwane z ciemności sprawiają, że całość kompozycji jest wyrazista, niezwykle emocjonalna i dynamiczna.

Jednym z najciekawszych obrazów jest „Bitwa”, przedstawiająca bitwę między oddziałami rebeliantów a regularną armią hiszpańską podczas powstania pod wodzą T. Masaniello. Istnieje opinia, że Salvator Rosa brał udział w tym powstaniu. Założenie powstało z faktu, że sam artysta jest przedstawiony na płótnie, w lewym rogu. Przypuszczenie, oprócz wizualnego porównania, potwierdza również napis na zbroi tego wojownika: „Saro” (Salvator Rosa).

Jednak krytycy sztuki wciąż nie mogą kategorycznie stwierdzić udziału Rosy w powstaniu. Według biografów Salvator Rosa był w tym czasie nieobecny w Neapolu. Był we Florencji i stamtąd śledził straszne wydarzenia rozgrywające się w wielkim mieście. Należy również zauważyć, że artysta w pełni i całkowicie podzielał poglądy buntowników. Aby w jakiś sposób wyrazić swój stosunek do wydarzeń i rebeliantów, postanowił przedstawić się w scenie bitwy.

W 1649 roku Salvator Rosa opuścił Florencję i udał się do Rzymu, gdzie osiadł na Monte Pincio, położonym przy Piazza della Trinita del Monte. Z okien domu rozciągał się wspaniały widok na Katedrę Św. Piotra i Kwirynał. W sąsiedztwie Rosy mieszkali w tamtych czasach słynni artyści Nicolas Poussin i Claude Lorrain, a niedaleko domu malarza znajdowała się willa Medyceuszy.

Od czasu pojawienia się Salvatora Rosy we Florencji mieszkańcy Monte Pincio podzielili się na dwa obozy. Jedną grupę prowadził młody człowiek o wyglądzie ascety, Nicolas Poussin. Innym, w skład którego wchodzili znani muzycy, śpiewacy i poeci, prowadziła Rosa.

Salvator Rosa przekształcił jedno z pomieszczeń swojego domu w warsztat. Jego ściany zdobiły autorskie prace malarza. Mistrz nieustannie pracował, tworząc płótna o różnej treści: o tematyce religijnej, mitologicznej i historycznej. Jego credo było - ciągła praca, doskonalenie technologii. Powiedział wszystkim, że „choroba gwiazd” (jak powiedzieliby teraz nasi współcześni) może zrujnować nawet najsilniejsze i najjaśniejsze talenty. Dlatego nawet po tym, jak sława i powszechne uznanie dotarły do mistrza, konieczne jest kontynuowanie pracy nad sobą i swoimi dziełami.

W późniejszym okresie swojej twórczości Salvator Rosa często sięga po tematy biblijne i antyczne. Dla artysty najważniejsze okazuje się tutaj oddanie ducha tamtych czasów i ich cech. Mistrz próbuje niejako ożywić, przywrócić do życia wszystko, co istniało na długo przed tymi, których życie było źródłem bajecznie pięknych i pouczających historii.

Są to znane płótna „Sprawiedliwość zstępująca do pasterzy” (1651), „Odyseusz i Nausicaa”, „Demokryt i Protagoras” (1664), „Syn marnotrawny”.

Obraz „Sprawiedliwość zstępująca do pasterzy” oparty jest na dobrze znanej fabule „Metamorfoz” Owidiusza. Na płótnie widz widzi boginię Sprawiedliwość, która daje pasterzom miecz i wagę sprawiedliwości. Główną ideę płótna można zdefiniować w następujący sposób: prawdziwa sprawiedliwość jest możliwa tylko wśród zwykłych ludzi.

„Odyseusz i Nausicaa”, „Demokryt i Protagoras” Salvator Rosa napisał po przybyciu z Wenecji, gdzie zapoznał się z płótnami malarzy weneckich (m.in. Paolo Veronese, w którego najlepszych tradycjach powstały powyższe dzieła).

W filmie „Syn marnotrawny” fabuła w porównaniu z ewangeliczną przypowieścią okazuje się nieco uproszczona i przyziemna. Tak więc bohater jest przedstawiony jako prosty neapolitański wieśniak. Tu też nie ma wspaniałego otoczenia: syn marnotrawny zwraca się do Boga w otoczeniu baranów i krowy. Ogromny rozmiar płótna przedstawiający nieco zmodyfikowaną scenę wywołuje poczucie kpiny i sarkazmu z tego, co w społeczeństwie jest uważane za dobry gust. Rosa występuje tu jako następczyni idei realizmu, których formowanie rozpoczyna się od twórczości Michała Anioła da Caravaggia.

Od 1656 roku Salvator Rosa rozpoczął pracę nad cyklem 72 rycin, zwanych „Capricci”. Obrazy przedstawione na tych arkuszach to chłopi, rabusie, włóczędzy, żołnierze. Niektóre szczegóły rycin są charakterystyczne dla wczesnych prac Rosy. Pozwala to stwierdzić, że całkiem możliwe, że cykl zawierał szkice wykonane w dzieciństwie, a także podczas podróży po górach Abruzji i Kalabrii.

Wielki mistrz malarstwa, poeta, wspaniały aktor i reżyser spektakli dramatycznych zmarł w 1673 roku.

Wybitny przedstawiciel nurtu romantycznego w malarstwie włoskim XVII wieku. był Alessandro Magnasco, który pracował w Mediolanie i Florencji. Malował portrety, kompozycje o tematyce mitologicznej i religijnej, ale jego ulubionymi gatunkami były pejzaże i sceny domowe.

Artystę pociągają wizerunki wędrownych muzyków, żołnierzy, Cyganów, komików. Dużym zainteresowaniem cieszy się seria obrazów na temat życia monastycznego („Posiłek mniszek”, „Pogrzeb mnicha”). Zwykłe, niczym nie wyróżniające się życie klasztoru zamienia się dla Magnasco w czarną komedię. Groteskowe postaci mnichów i mniszek są przesadnie wydłużone, zniekształcone, a ich gesty i postawy przesadnie ekspresyjne. Pustkę szarej klasztornej rzeczywistości podkreśla kolorystyka, utrzymana w ciemnobrązowych i zielonkawych odcieniach.

Duże miejsce w malarstwie mistrza zajmuje pejzaż. Artysta przedstawia ponure ruiny, ciemne leśne misy i morskie burze. Groteskowe postaci ludzkie zdają się roztapiać w naturalnych elementach, nadając pejzażom fantastyczny wygląd („Pejzaż z praczkami”; „Pejzaż górski”, lata 20. XVIII w.; „Kazanie św. Antoniego z Brescii”; „Pejzaż morski”, lata 30. XVIII w.). Mimo ironii obecnej w obrazach ludzi, patrząc na obrazy, widz odczuwa litość dla mnichów, muzyków, włóczęgów zamieszkujących przedziwny świat malarstwa Magnasco.