Szachowa stylizacja martwej natury. Klasa mistrzowska ze zdjęciem
Elena Alekseevna Nadeenskaya, nauczycielka sztuk pięknych, liceum Arsenyevskaya, wieś Arsenyevo, obwód Tula.Opis: materiał zainteresuje nauczycieli plastyki, edukatorów, nauczycieli dokształcania, kreatywne dzieci w wieku 10-12 lat.
Zamiar: zastosowanie na zajęciach plastycznych, praca może służyć jako dekoracja wnętrz, doskonały prezent lub eksponat na wystawę.
Cel: wykonanie martwej natury poprzez podział obrazu na części (komórki)
Zadania:
- zapoznanie się z różnymi technikami dekoracyjnego obrazu martwej natury;
- rozwijać zmysł kompozycji, wyobraźnię, rozwijać zdolności twórcze;
- doskonalić umiejętności pracy z gwaszem; ćwiczenie umiejętności pracy pędzlem różnej wielkości zgodnie z zadaniem,
- wykształcić zainteresowanie podstawami alfabetyzacji wizualnej.
- kultywować dokładność, miłość do sztuk pięknych.
Materiały:
- czarny gwasz (można użyć tuszu)
- pędzle nr 2, nr 5
-ołówek
-linijka
-gumka do mazania
-Arkusz A3
Martwa natura- Jest to gatunek sztuki poświęcony przedstawianiu przedmiotów gospodarstwa domowego, owoców, warzyw, kwiatów itp.
Jako niezależny gatunek martwa natura rozwinęła się w XVII wieku. w twórczości artystów holenderskich. A obecnie gatunek ten jest dość szeroko stosowany przez współczesnych artystów i projektantów. Wraz z realistycznym obrazem często można spotkać się z pojęciem „dekoracyjnej martwej natury”.
Dekoracyjna martwa natura charakteryzuje się konwencjonalnym, uproszczonym przedstawieniem form, stylizacją.
Dużo uwagi przywiązuje się do kolorystyki, koloru - kombinacji kolorystycznej zastosowanej w kompozycji. Powszechne jest stosowanie kontrastujących kolorów. Najbardziej harmonijnym zestawieniem kontrastowym jest stosunek czerni do bieli. Ta kombinacja jest aktywnie wykorzystywana w grafice, ubraniach, wnętrzach itp.
Postaramy się wykonać naszą dzisiejszą kompozycję martwej natury za pomocą połączenia czerni i bieli, ale do koloru dodamy również koncepcję podziału płaszczyzny na części - komórki. Zapamiętajmy położenie kolorowych komórek-pól na szachownicy, zauważmy, że pola tego samego koloru nigdy nie są połączone wspólną stroną, stykają się tylko w jednym punkcie. Postaramy się wykorzystać tę cechę w pracy nad kompozycją martwej natury.
Proces pracy
1. Po zastanowieniu się nad składem wybieramy lokalizację arkusza. Planujemy lokalizację obiektów. Jeśli pracujesz w tej technice po raz pierwszy, postaraj się nie komplikować kompozycji przez nałożenie kształtu jednego obiektu na drugi.
2. Zarysowujemy projekt obiektów przerywanymi liniami. Ponieważ martwa natura będzie dekoracyjna, nie trzeba dążyć do oddania objętości, wystarczy płaska konstrukcja.
3. Dopracowujemy kontury kształtu przedmiotów. Obrysowujemy kontury wazonu, filiżanki płynniejszymi liniami, rysujemy łodygi kwiatów, owoców. Usuń linie konstrukcyjne.
4. Zarysowujemy spadające cienie. Za pomocą linijki dzielimy płaszczyznę arkusza na komórki o tym samym rozmiarze. Optymalny rozmiar komórki dla arkusza poziomego (A4) to 3 cm, jeśli arkusz jest większy (A3) to długość boku komórki można zwiększyć do 5 cm Jeśli nie ma doświadczenia w takiej martwej naturze obrazu, staraj się nie komplikować zadania, zmniejszając rozmiar komórek.
5. Zaczynamy malować komórki czarnym gwaszem. Staramy się pobierać grubą farbę, aby warstwa farby była odpowiednio gęsta i jednolita. Jeśli kształt przedmiotów mieści się w klatce, pozostawiamy ją niepomalowaną. Lepiej zacząć pracę od skrajnych komórek, stopniowo przechodząc do środka kompozycji.
6. Przejdźmy do malowania komórek w środku kompozycji, bez wychodzenia poza kontury obiektów.
7. Po zakończeniu kolorowania tła zaczynamy opracowywać kolor części obiektów, które spadły na białe komórki.
8. Kontynuując prace nad kolorystyką poszczególnych elementów, zbliżamy się do zakończenia prac. Dopracowujemy linie kształtu obiektów, poprawiamy niedokładności i niechlujne kontury komórek.
Praca jest gotowa.
Dziękuję za uwagę! Życzę wszystkim twórczych sukcesów!
Czarno-białą martwą naturę można malować na różne sposoby. Może wyglądać jak standardowy szkic ołówkiem lub ciekawa ilustracja plamek lub liter. Dzisiaj porozmawiamy o różnych technikach, które możesz łatwo powtórzyć w domu.
Cętkowany wzór
Czarno-biała martwa natura jest najczęściej wykonywana dekoracyjnie. Czemu? Tak, bo wygląda tak dobrze. Obraz realistyczny, pozbawiony koloru, może wyglądać odpowiednio, jeśli jest portretem, ilustracją lub czymś podobnym, z wieloma szczegółami. Realistyczna martwa natura nie jest zbyt interesująca do rozważenia. Dlatego wielu artystów preferuje prace dekoracyjne. Martwa natura czarno-biała jest rysowana bardzo prosto. Najpierw musisz zbudować kompozycję. Możesz czerpać z natury, co będzie łatwiejsze, lub wymyślić oprawę w swojej wyobraźni. W naszym przypadku na stole stoi dzbanek i miska jabłek. Na ścianie wisi kokarda i draperia. Gdy wszystko to znajdzie się w odpowiednim miejscu na arkuszu, a szczegóły zostaną dopracowane, można przystąpić do dzielenia obiektów na części. Co więcej, nie powinno się tego robić w sposób chaotyczny, ale jasno przemyśleć, aby białe części sąsiadowały z czarnymi i żaden z obiektów nie został zgubiony.
rysowanie linii
Martwa natura w czerni i bieli można malować różnymi technikami. Jednym z nich jest obraz rysunku za pomocą linii. Aby narysować taki obraz, musisz wziąć przedmioty o wyraźnie określonej teksturze. Jeśli tak nie jest, trzeba będzie wymyślić ulgę. Musisz zacząć rysować czarno-białą martwą naturę, budując kompozycję. Najpierw przedstawiamy wszystkie elementy. W naszym przypadku jest to kubek z kwiatami, jabłkami i drewnianym stołem. Po tym, jak wszystkie przedmioty zajęły swoje miejsce, zaczynamy opracowywać kształt, a następnie szczegóły. Ostatnią czynnością jest zdjęcie faktury. Kubek nabiera poziomych pasków, kwiatów i jabłek - odcięta granica. Pamiętaj, aby pokazać teksturę stołu. Wskazane jest łączenie poziomych i pionowych linii w martwej naturze, aby obiekty się nie łączyły, ale wyróżniały się nawzajem.
Rysowanie z liter
Ten obraz będzie wyglądał jak czarno-biała grafika. Martwa natura składa się z liter, które płynnie zamieniają się w słowa, a nawet zdania. Jak narysować tak oryginalną kompozycję dekoracyjną? Najpierw musisz narysować szkic. Nakreśl filiżankę oraz gazetę, które będą leżeć w tle. Następnie musisz podzielić rysunek na tony. Na przykład kawa w kubku powinna być najbardziej nasycona w tonie, drugie miejsce zajmuje padający cień, a trzecie własne. W ten sposób można podzielić cały szkic liniami. Następnie, jeśli jesteś pewny swoich umiejętności, możesz pomalować rysunek długopisem żelowym, a jeśli martwisz się, że coś nie zadziała, najpierw wykonaj podmalowanie liter ołówkiem. To prawda, że w tym przypadku litery będą musiały być zakreślone atramentem. Długopis żelowy nie rysuje dobrze ołówkiem. Litery należy nakładać zgodnie z kształtem przedmiotów. I pamiętaj, aby bawić się wysokością i szerokością. Jedno słowo może być bardzo wąskie, a inne dwa lub trzy razy większe. Możesz zaszyfrować niektóre frazy na takim obrazku lub możesz napisać dowolne słowa.
Wiadomo, że fotografie martwej natury są dość powszechne. Często wielu fotografów lubi przedstawiać swoje martwe natury w czerni i bieli. Aby to zrobić, musisz znajdować przedmioty, porównywać przedmioty codziennego użytku w swoim otoczeniu, a także zwiększać różnicę w teksturach i tonach. Konwersja do czerni i bieli daje wiele opcji podczas przeglądania samego zdjęcia.
Czarno-biała martwa natura pozwala skupić się na liniach fotografii, fakturach i formach. W tym przypadku znacznie łatwiej jest skupić się na tych elementach, ponieważ nie trzeba rozpraszać się kolorami. Dobre wykorzystanie tej techniki pozwoli nie tylko uzyskać bardziej obiektywny obraz pod względem jego integralności, ale także zwiększyć napięcie pomiędzy różnymi przedmiotami i materiałami. Takie kombinacje można znaleźć wszędzie np. w parku, na plaży itp. Możesz robić zdjęcia dowolnych obiektów. Ponadto można fotografować obiekty w parach lub w większej liczbie. Należy zauważyć, że nie zaleca się stosowania tych samych metod konwersji zdjęcia na czarno-białe.
Aby stworzyć czarno-białą martwą naturę, musisz mieć:
Na naszych zajęciach malarskich szczególną uwagę zwracamy na martwe natury, wykonane w technika malowania dekoracyjnego.
Malarstwo dekoracyjne to temat różnorodny i obszerny. W opracowanej przez naszych nauczycieli serii lekcji na temat nauki technik zdobniczych w pracy z farbami. Na przykład przygotowano specjalne martwe natury, na których można wyraźnie pokazać różne techniki i cechy stylu dekoracyjnego.
Celem zadania jest dekoracyjna martwa natura.
- Naucz się przedstawiać przedmioty za pomocą malarstwa dekoracyjnego.
- Opanuj umiejętności przekształcania, dzielenia i układania kwiatów w kształt.
- Wypróbuj różne techniki malowania dekoracyjnego.
Panuje powszechne przekonanie, że dekoracyjne style malarskie nie pasują do programu akademickiego i są sprzeczne z podstawowymi zasadami obrazowania. W rzeczywistości jest to głębokie nieporozumienie. Wszystkie metody i zasady stylu dekoracyjnego wypływają bezpośrednio z programu akademickiego i są jego dalszym rozwojem i nieustanną ewolucją całej sztuki akademickiej.
Na pierwszy rzut oka uproszczone modelowanie i brak realistycznego obrazu mogą przedstawiać obraz błędny. Dekoracyjna realizacja dzieła stawia wiele innych, bardziej skomplikowanych zadań.
Malarstwo dekoracyjne to głębokie studium barwy lokalnej, komponowanie plam barwnych, poszukiwanie wyrazistych akcentów i efektownych rozwiązań przestrzennych.
Od artysty wymaga się, aby obraz, wrażenie rzeczywistego modela jak najdobitniej przekazać, przy użyciu minimum środków. Konieczne jest pokazanie objętości przedmiotu, materiału, faktury, bez uciekania się do klasycznego modelowania. Wartość analizy kształtu obiektu wzrasta, konieczne jest wybranie i zamodelowanie stylizowanego obrazu, który przenosi obiekt z realistycznego obrazu na płaszczyznę kolorów.
W malarstwie dekoracyjnym coraz większego znaczenia nabiera linia, która staje się pełnoprawnym uczestnikiem obrazu i wraz z kolorem i tonem uczestniczy w tworzeniu ogólnej kompozycji. Zmiana grubości i wyrazistości linii wyraźniej podkreśla objętość i plastyczność obiektu.
Również duża różnorodność może przynieść zmianę kształtu i częstotliwości nakładania pociągnięć, co natychmiast zamienia powierzchnię płótna w dekoracyjny panel lub mozaikę.
Na pierwszym etapie zapoznania się z możliwościami malowania dekoracyjnego zalecamy malowanie serii martwych natur, ponieważ w martwej naturze można wybierać kombinacje przedmiotów i tkanin, aby żywo zademonstrować techniki stylu dekoracyjnego.
Rodzaje dekoracyjnej martwej natury.
Istnieje kilka powszechnych technik, które sprawdziły się w praktyce iw procesie uczenia się. Nazwy są wybierane warunkowo, ponieważ we współczesnym malarstwie nie ma jasnej, międzynarodowej klasyfikacji stylów i jednolitych nazw.
Malowanie ze skrawków. Wszystkie zestawienia kolorystyczne w tej technologii są przedstawiane jako oddzielne segmenty, podkreślające strukturę przedmiotów i pokazujące ich najbardziej wyraziste właściwości. Często używane są czyste kolory i planarne mapowanie przestrzeni.
Malowanie z wyraźnie zaznaczonym konturem. Aby uwydatnić relacje formy i kolorów stosuje się tzw. „metodę witrażową”, kiedy wszystkie obiekty i punkty załamania formy są obrysowywane czarnymi lub ciemnymi liniami, tworząc wyraźne kontury i granice między kolorami. Prace wykonane w tej technice są bardzo efektowne i jasne.
Inne techniki zdobnicze opierają się na łączeniu czystych kolorów, różnego rodzaju zmianach pociągnięć, użyciu szpachelki, szerokich pędzli i innych narzędzi. Format artykułu nie pozwala na opisanie każdej techniki i sposobu nakładania farby. Możesz dowiedzieć się więcej odwiedzając nasze zajęcia.
Jak każdy inny gatunek fotografii, martwa natura jest niemożliwa bez kompozycji. Co więcej, martwa natura to właśnie ten gatunek, w którym kompozycja odgrywa pierwszoplanową rolę i wymaga od fotografa największej uwagi. Przecież reportażową oprawę można wiele wybaczyć, jeśli autor uchwycił naprawdę dobry moment. I zdjęcia domowe - czy zauważyłeś, jak wzruszają matki, gdy widzą swoje dziecko na zdjęciu, choć przeciętnym? Jest mało prawdopodobne, że na ten sam pobłażliwość publiczności będziemy czekać, fotografując pomarańczę z butelką. Aby uzyskać pozytywny efekt, musisz spróbować. I oczywiście powinieneś zacząć od kompozycji zamierzonej ramki.
Relatywnie rzecz biorąc, kompozycja w martwej naturze jest harmonijnym połączeniem i interakcją obiektów w kadrze. Poprzez kompozycję możesz konsekwentnie pokazać widzowi wszystko, co chciałeś, stworzyć nastrój, przekazać ideę, a nawet opowiedzieć historię.
Kompozycję w martwej naturze można warunkowo podzielić na kilka typów:
- geometryczny
- przestrzenny
- kolor
kompozycja geometryczna
Nie jest tajemnicą, że wszystkie przedmioty mają kształt geometryczny (lub zbliżony do geometrycznego). Nie jest też tajemnicą, że często człowiek kojarzy każdą postać z czymś charakterystycznym dla niej. Na przykład rogi są podświadomie kojarzone ze wskaźnikami. Kiedy patrzysz na kwadrat lub prostokąt przez dłuższy czas, pojawia się uczucie stabilności (być może dlatego, że nasza podświadomość rysuje stabilny budynek). A koło tworzy uczucie komfortu i koi. Warto pamiętać, że linie poziome (osoba leżąca) są znacznie spokojniejsze niż pionowe (osoba stojąca). Jeśli chodzi o przekątne, to linie wznoszące – prowadzące od lewego dolnego rogu do prawego górnego rogu – wyglądają intensywniej niż te opadające: wciąż czytamy od lewej do prawej, a nasze oczy muszą „wspinać się” po obrazie, aby dostać się do bardzo wysoko. Ale kryje się w tym poczucie zwycięstwa, prawda?! Zstępujące linie, idące od lewego górnego rogu do prawego dolnego, przeciwnie, tradycyjnie kojarzą się z relaksem, smutkiem, a nawet spadkiem.
 |
 |
Wszystkie te małe sztuczki można i należy wykorzystać do własnych celów - aby przekazać koncepcję, ideę obrazu.
Wybór miejsca
Jeśli istnieje potrzeba wyeksponowania jakiegoś obiektu w martwej naturze, przypisując mu rolę bohatera, tutaj również można pobawić się kompozycją przestrzenną. Na przykład umieść główny obiekt na pierwszym planie, przed wszystkimi innymi. Lub dostosuj światło tak, aby wiodący element był oświetlony najjaśniej, a obiekty znajdujące się za nim i przed nim świeciły słabiej. I możesz to zrobić mądrzej - zapal kadzidełko lub wypuść dym papierosowy, rysując w ten sposób perspektywę powietrzną w kadrze: główna uwaga skupi się na obiektach z przodu, ponieważ te odległe utopią się w romantycznej mgiełce.
Możesz także pobawić się technicznymi aspektami aparatu: jeśli chcesz szczegółowo pokazać każdy obiekt, w tym tło lub draperie, fotografowanie należy wykonywać przy zamkniętej przysłonie. Ale jeśli ważne jest, aby podświetlić dowolny obiekt, apertura powinna być maksymalnie otwarta. Nie należy też ignorować możliwości optyki: w kadrach robionych obiektywami szerokokątnymi obiekty są mocno zniekształcone, a im bliżej aparatu znajduje się obiekt, tym większy będzie się wydawał w stosunku do odległych. I odwrotnie, dłuższe ogniskowe „zbierają” perspektywę, przestrzeń staje się znacznie bardziej płaska.
Kompozycja kolorystyczna
Jeśli fotografia jest wykonywana w trybie czarno-białym, wiedza o właściwościach naświetlania barw nie będzie nam przydatna. Ale jeśli prace fotograficzne planowane są w kolorze, ten obszar badań nie powinien być ignorowany. Zwracając nasz wzrok na psychologię koloru, zobaczymy, że każdy z kolorów ma, oprócz swojego oryginalnego koloru, swój własny ładunek semantyczny. Ciepłe kolory (pomarańczowy, żółty, czerwony, terakota) przywodzą na myśl lato, słońce, ciepło. To pierwsze skojarzenie, które nasuwa się patrząc na fotografię rozwiązaną w tych tonach. Ponadto w trakcie malowania można się dowiedzieć, że takie obiekty wydają się wizualnie bliższe. Czego nie można powiedzieć o barwach zimnych: niebieski, zielony, różowy, fioletowy - kolory te nieco oddalają obiekt od widza, a kojarzą się zwykle z zimą, zimnem, wodą.
Należy pamiętać o kontraście, czasami można na nim pobawić się, ale często nieprzemyślane zestawienia kolorystyczne odpychają lub zniekształcają sens całej produkcji. Jeśli zdecydujesz się sfotografować ogórka na pomarańczowym tle, zastanów się, czy tło zwróci na siebie uwagę. I czy to naprawdę chciałeś osiągnąć? Trzeba też pamiętać, że każdy obiekt ma zdolność odbijania lub pochłaniania odcieni kolorów sąsiednich obiektów, a nawet dwa obiekty tego samego koloru na tym samym tle mogą wyglądać inaczej właśnie ze względu na różnicę w ich fakturze.
Na widza oddziałuje też nasycenie barw: kompozycje w delikatnych pastelowych barwach stworzą poczucie spokoju i nostalgii, a jaskrawe, krzykliwe barwy nadają się do przyciągania uwagi, wyrażania ekspresji, asertywności. Dlatego też fotografowie reklamowi tak uwielbiają jasne kolory, a fotografia artystyczna często skłania się ku stonowanej, spokojnej tonacji.
Oczywiście każda kompozycja jako całość musi być zgodna z ogólnym kolorem, prawem wewnątrz obrazu - w przeciwnym razie się rozpadnie. Dlatego należy uważać na kontrasty kolorystyczne, mogą one mieć poważny wpływ – zarówno na uatrakcyjnienie pracy, jak i na jej zniszczenie poprzez umieszczenie niepotrzebnych akcentów.
Czarny i biały
Mimo braku koloru, czarno-biała martwa natura ma swoje prawa, a kontrast również odgrywa tutaj ważną rolę. Sam kolor w tym przypadku zostaje zastąpiony tonem - inna gra, ale ma też zasady!
Na pewno zauważyłeś, że kobiety z nadwagą bardzo rzadko noszą białe ubrania. Faktem jest, że biały kolor wydaje się być bardziej obszerny niż czarny. Na czarno-białej fotografii oko najpierw wychwytuje najjaśniejsze miejsca, a dopiero potem przenosi się do ciemnych. Na tym efekcie opiera się wiele wizualnych sztuczek: jeśli spojrzysz na arkusz z równym czarno-białym paskiem, z pewnością będzie się wydawać, że białe paski są szersze. Należy zawsze wziąć pod uwagę tę zasadę podczas inscenizacji kompozycji, a także wziąć pod uwagę, że jasny biały obiekt, czy to na pierwszym planie, czy w tle, z pewnością będzie wydawał się głównym w tej kompozycji, a oko spadnie przede wszystkim na to.
kontrasty
Jak już wspomniano, szczególną rolę odgrywają kontrasty. Znajdując się w tej samej kompozycji na obrazie, mogą albo podświetlać obiekty, albo odwrotnie, ukrywać je. Praca, zbudowana na ledwo zauważalnych fluktuacjach światła i cienia bez punktów skupiających uwagę widza, wydaje się monotonna, monotonna, bez wyrazu. Ostre kontrasty tworzą napięcie, dynamikę.
Zasada trójpodziału
Oczywiście mówiąc o kompozycji nie można nie wspomnieć o zasadzie trójpodziału. Rysując w umyśle cztery linie przechodzące przez ramę – dwie dzielące ją na trzy równe części poziomo i dwie narysowane pionowo – możesz obliczyć najbardziej efektywne obszary ramy: znajdują się one w punktach przecięcia się czterech linii ze sobą. W tych strefach najlepiej umieścić główny obiekt kompozycji.
W rzeczywistości zasada trójpodziału jest uproszczoną zasadą złotego podziału, która będzie nieco trudniejsza do uzyskania. Aby to zrobić, rama musi zostać podzielona na osiem części poziomo i pionowo. A następnie narysuj od prawej i lewej strony, a także od dołu i od góry linie w odległości 3/8. Na przecięciu tych linii pojawią się punkty złotego odcinka. Ale podział na trzy części jest znacznie wygodniejszy niż na osiem części, dlatego jest częściej stosowany w kompozycji: różnica nie jest tak zauważalna dla widza, a harmonia w kadrze, podlegająca którejkolwiek z tych zasad, jest oczywiste.
Rytm
 |
 |
Rytm, czyli powtarzanie tych samych lub podobnych linii, to bardzo potężne narzędzie kompozycyjne, które pozwala manipulować wzrokiem widza. Na „ścieżce” naprzemiennych obiektów można zajść bardzo daleko. Ale nie przesadzaj – rytm potrafi zabić całą kompozycję, pozbawiając ją dynamiki i czyniąc ją monotonną.
Komunikacja wewnętrzna
Tworząc produkcję do fotografii, należy zadbać o to, aby istniało połączenie między obiektami w kadrze. Przedmioty można łączyć kształtem (jajko i cebula), kolorem (pomidor i czerwona papryka), znaczeniem (pałeczki jabłka i cynamonu). Przedmioty muszą koniecznie komunikować się, urzekać widza, przenosząc jego wzrok z jednego obiektu w martwej naturze na inny. Takie podejście nadaje kompozycji integralność, czyni ją interesującą, zrozumiałą i jednocześnie tajemniczą - wcale nie jest konieczne odsłanianie wszystkich wewnętrznych połączeń na raz, najciekawsze można schować wewnątrz kompozycji lub na krótko ukryć przed widzem , na przykład za pomocą światła.
O kompozycji można mówić bez końca, ale najważniejszą rzeczą, na której zbudowana jest martwa natura (jak zresztą fotografia w każdym innym gatunku), jest idea, fabuła i dusza obrazu. A kompozycja jest tym samym narzędziem w rękach fotografa, co sam aparat. Pamiętaj, co chcesz przekazać widzowi! I wykorzystaj wszystkie dostępne techniki kompozytorskie do własnych celów.
