„Każdy portret malowany z uczuciem jest w istocie portretem artysty, a nie tego, który mu pozował” Oskara Wilde’a

Co trzeba zrobić, żeby zostać artystą? Samo naśladowanie dzieła nie może być uznane za sztukę. Sztuka to coś, co pochodzi z wnętrza. Pomysł autora, emocje, poszukiwania, pragnienia i smutki, które ucieleśniają na płótnie artysty. W całej historii ludzkości napisano setki tysięcy, a może i miliony obrazów. Niektóre z nich to prawdziwe arcydzieła, znane na całym świecie, znają je nawet osoby niezwiązane ze sztuką. Czy wśród takich obrazów można wyróżnić 25 najwybitniejszych? Zadanie jest bardzo trudne, ale próbowaliśmy...

✰ ✰ ✰

25

Trwałość pamięci, Salvador Dali

Dzięki temu obrazowi Dali zasłynął w dość młodym wieku, miał 28 lat. Obraz ma jeszcze kilka nazw - „Miękki zegarek”, „Twardość pamięci”. To arcydzieło przyciągnęło uwagę wielu historyków sztuki. Zasadniczo byli zainteresowani interpretacją obrazu. Mówi się, że idea płótna Dalego związana jest z teorią względności Einsteina.

✰ ✰ ✰

24

„Taniec”, Henri Matisse

Henri Matisse nie zawsze był artystą. Swoją miłość do malarstwa odkrył po ukończeniu studiów prawniczych w Paryżu. Studiował sztukę tak gorliwie, że stał się jednym z najwybitniejszych artystów na świecie. To zdjęcie ma bardzo mało negatywnej krytyki krytyków sztuki. Odzwierciedla połączenie pogańskich rytuałów, tańca i muzyki. Ludzie tańczą w transie. Trzy kolory - zielony, niebieski i czerwony - symbolizują Ziemię, Niebo i Ludzkość.

✰ ✰ ✰

23

Pocałunek, Gustav Klimt

Gustav Klimt był często krytykowany za nagość na swoich obrazach. „Pocałunek” został zauważony przez krytykę, ponieważ połączył wszystkie formy sztuki. Obraz mógłby być wizerunkiem samego artysty i jego kochanki Emilii. Klimt namalował to płótno pod wpływem mozaik bizantyjskich. Bizantyjczycy używali złota w swoich obrazach. Podobnie Gustav Klimt dodawał złoto do swoich farb, tworząc własny styl malarstwa.

✰ ✰ ✰

22

Śpiący Cygan, Henri Rousseau

Nikt poza samym Rousseau nie mógłby lepiej opisać tego obrazu. Oto jego opis – „koczownicza Cyganka, która śpiewa swoje piosenki na mandolinie, śpi ze zmęczenia na ziemi, w pobliżu leży jej dzbanek z wodą pitną. Przechodzący lew podszedł, aby ją obwąchać, ale jej nie dotknął. Wszystko skąpane jest w świetle księżyca, panuje bardzo poetycka atmosfera.” Warto zauważyć, że Henri Rousseau jest samoukiem.

✰ ✰ ✰

21

„Sąd Ostateczny”, Hieronim Bosch

Bez zbędnych ceregieli – obraz jest po prostu wspaniały. Tryptyk ten jest największym z zachowanych obrazów Boscha. Lewe skrzydło przedstawia historię Adama i Ewy. Centralną częścią jest „Sąd Ostateczny” Jezusa – kto powinien pójść do nieba, a kto do piekła. Ziemia, którą tu widzimy, płonie. Na prawym skrzydle przedstawiony jest obrzydliwy obraz piekła.

✰ ✰ ✰

20

Każdy zna Narcyza z mitologii greckiej – człowieka, który miał obsesję na punkcie swojego wyglądu. Dali napisał własną interpretację Narcyza.

Historia jest taka. Piękny młody mężczyzna Narcyz z łatwością złamał serca wielu dziewcząt. Bogowie interweniowali i aby go ukarać, pokazali mu swoje odbicie w wodzie. Narcyz zakochał się w sobie i umarł, bo nie mógł się przytulić. Wtedy bogowie pożałowali, że mu to zrobili, i postanowili uwiecznić go w postaci kwiatu narcyza.

Po lewej stronie obrazu Narcyz patrzy na swoje odbicie. Potem zakochał się w sobie. Prawy panel pokazuje wydarzenia, które miały miejsce później, w tym powstały kwiat, żonkil.

✰ ✰ ✰

19

Fabuła obrazu oparta jest na biblijnym biciu dzieci w Betlejem. Gdy magowie dowiedzieli się o narodzinach Chrystusa, król Herod nakazał zabić wszystkie małe dzieci płci męskiej i niemowlęta w Betlejem. Na zdjęciu rzeź osiąga szczyt, ostatnie dzieci odebrane matkom czekają na bezlitosną śmierć. Widoczne są także zwłoki dzieci, dla których wszystko jest już za nimi.

Dzięki zastosowaniu bogatej kolorystyki malarstwo Rubensa stało się arcydziełem światowej sławy.

✰ ✰ ✰

18

Twórczość Pollocka bardzo różni się od twórczości innych artystów. Położył płótno na ziemi, poruszał się po płótnie i chodził po nim, kapując z góry na płótno farbę za pomocą patyków, pędzli i strzykawek. Dzięki tej wyjątkowej technice zyskał przydomek „Sprinkler Jack” w kręgach artystycznych. Przez pewien czas obraz ten nosił miano najdroższego obrazu świata.

✰ ✰ ✰

17

Znany również jako „Dancing at Les Moulins de la Galette”. Obraz ten uważany jest za jeden z najradośniejszych obrazów Renoira. Ideą obrazu jest pokazanie widzom zabawnej strony paryskiego życia. Po szczegółowym przestudiowaniu obrazu widać, że Renoir umieścił na płótnie kilku swoich przyjaciół. Ponieważ obraz sprawia wrażenie nieco wyblakłego, początkowo spotkał się z krytyką współczesnych Renoira.

✰ ✰ ✰

16

Historia zaczerpnięta z Biblii. Ostatnia Wieczerza przedstawia ostatnią wieczerzę Chrystusa przed jego aresztowaniem. Właśnie rozmawiał ze swoimi apostołami i powiedział im, że jeden z nich go zdradzi. Wszyscy apostołowie są zasmuceni i mówią mu, że to na pewno nie oni. To był ten moment, który da Vinci pięknie przedstawił swoim żywym wizerunkiem. Ukończenie tego obrazu zajęło wielkiemu Leonardo cztery lata.

✰ ✰ ✰

15

„Lilie wodne” Moneta można znaleźć wszędzie. Prawdopodobnie widziałeś je na tapetach, plakatach i okładkach magazynów o sztuce. Faktem jest, że Monet miał obsesję na punkcie lilii. Zanim zaczął je malować, wyhodował niezliczoną ilość tych kwiatów. Monet zbudował w swoim ogrodzie most w stylu japońskim nad stawem z liliami. Był tak zadowolony z tego, co zrobił, że narysował tę historię siedemnaście razy w ciągu jednego roku.

✰ ✰ ✰

14

Jest w tym obrazie coś złowrogiego i tajemniczego, otacza go aura strachu. Tylko taki mistrz jak Munch potrafił przedstawić strach na papierze. Munch stworzył cztery wersje Krzyku w olejach i pastelach. Z wpisów w dzienniku Muncha wynika, że ​​on sam wierzył w śmierć i duchy. Na obrazie „Krzyk” przedstawił siebie w momencie, gdy pewnego dnia, spacerując z przyjaciółmi, poczuł strach i podekscytowanie, które chciał namalować.

✰ ✰ ✰

13

Obraz, który powszechnie nazywany jest symbolem macierzyństwa, nie powinien nim się stać. Mówi się, że model Whistlera, który miał pozować do obrazu, nie pojawił się, a zamiast tego zdecydował się namalować swoją matkę. Można powiedzieć, że ukazane jest tu smutne życie matki artysty. Nastrój ten zawdzięczamy ciemnym kolorom zastosowanym w tym obrazie.

✰ ✰ ✰

12

Picasso poznał Dorę Maar w Paryżu. Mówi się, że intelektualnie była bliżej Picassa niż wszystkie jego poprzednie kochanki. Używając kubizmu, Picasso był w stanie przekazać ruch w swoich pracach. Wydaje się, że twarz Maara zwrócona jest w prawo, w stronę twarzy Picassa. Artysta uczynił obecność kobiety niemal realną. Może chciał mieć poczucie, że ona tam jest, zawsze.

✰ ✰ ✰

11

Van Gogh namalował Gwiaździstą noc podczas leczenia, gdzie pozwolono mu malować tylko wtedy, gdy jego stan się poprawił. Na początku tego samego roku odciął sobie lewy płatek ucha. Wielu uważało artystę za szaleńca. Z całej kolekcji dzieł Van Gogha najsłynniejsza jest „Gwiaździsta noc”, być może ze względu na niezwykłe sferyczne światło wokół gwiazd.

✰ ✰ ✰

10

Na tym obrazie Manet odtworzył Wenus z Urbino Tycjana. Artysta miał złą reputację ze względu na przedstawianie prostytutek. Choć panowie w tamtym czasie dość często odwiedzali kurtyzany, nie przypuszczali, że komuś przyjdzie do głowy je narysować. Wtedy preferowano, aby artyści malowali obrazy o tematyce historycznej, mitycznej lub biblijnej. Jednak Manet, wbrew krytyce, pokazał widzom swoje współczesne.

✰ ✰ ✰

9

Obraz ten jest płótnem historycznym przedstawiającym podbój Hiszpanii przez Napoleona.

Otrzymawszy zamówienie na obrazy przedstawiające walkę narodu hiszpańskiego z Napoleonem, artysta nie malował płócien heroicznych i żałosnych. Wybrał moment egzekucji hiszpańskich rebeliantów przez żołnierzy francuskich. Każdy z Hiszpanów przeżywa ten moment na swój sposób, ktoś już się pogodził, ale dla kogoś główna bitwa właśnie nadeszła. Wojna, krew i śmierć – to właśnie przedstawił Goya.

✰ ✰ ✰

8

Uważa się, że przedstawiona dziewczyna jest najstarszą córką Vermeera, Marią. Jej cechy są obecne w wielu jego pracach, ale trudno je porównywać. Książka o tym samym tytule została napisana przez Tracey Chevalier. Ale wersja Tracy dotycząca tego, kto jest przedstawiony na tym zdjęciu, jest zupełnie inna. Twierdzi, że podjęła ten temat, bo informacji o Vermeerze i jego obrazach jest bardzo mało, a ten konkretny obraz ma tajemniczy klimat. Później na podstawie jej powieści powstał film.

✰ ✰ ✰

7

Dokładna nazwa obrazu to „Występ kompanii strzeleckiej kapitana Fransa Banninga Cocka i porucznika Willema van Ruytenbürga”. Towarzystwo strzeleckie było cywilną milicją powołaną do obrony miasta. Oprócz milicji Rembrandt dodał do kompozycji kilka dodatkowych osób. Biorąc pod uwagę, że w chwili pisania tego zdjęcia kupił drogi dom, może być prawdą, że za „Straż nocną” otrzymał ogromne wynagrodzenie.

✰ ✰ ✰

6

Choć obraz zawiera wizerunek samego Velázqueza, nie jest to autoportret. Główną bohaterką płótna jest infantka Margherita, córka króla Filipa IV. Przedstawia moment, gdy Velazquez, pracując nad portretem króla i królowej, zmuszony jest zatrzymać się i spojrzeć na infantkę Margheritę, która właśnie weszła do pokoju ze swoim orszakiem. Obraz wygląda niemal jak żywy, budząc ciekawość publiczności.

✰ ✰ ✰

5

Jest to jedyny obraz Brueghela namalowany techniką olejną, a nie temperą. W dalszym ciągu istnieją wątpliwości co do autentyczności obrazu, głównie z dwóch powodów. Po pierwsze, nie malował olejami, po drugie, ostatnie badania wykazały, że pod warstwą malarstwa kryje się kiepskiej jakości rysunek schematyczny, nie należący do Brueghela.

Obraz przedstawia historię Ikara i moment jego upadku. Według mitu pióra Ikara zostały przymocowane woskiem, a gdy Ikar wzniósł się bardzo blisko słońca, wosk stopił się i wpadł do wody. Krajobraz ten zainspirował Wystana Hugh Audena do napisania swojego najsłynniejszego wiersza na ten sam temat.

✰ ✰ ✰

4

Szkoła Ateńska to chyba najsłynniejszy fresk autorstwa włoskiego artysty renesansu, Rafaela.

Na tym muralu w Szkole Ateńskiej wszyscy wielcy matematycy, filozofowie i naukowcy zgromadzeni pod jednym dachem dzielą się swoimi teoriami i uczą się od siebie nawzajem. Wszyscy bohaterowie żyli w różnych czasach, ale Rafael umieścił ich wszystkich w tym samym pokoju. Niektóre z postaci to Arystoteles, Platon, Pitagoras i Ptolemeusz. Po bliższym przyjrzeniu się widać, że na tym zdjęciu znajduje się autoportret samego Rafaela. Każdy artysta chciałby pozostawić po sobie ślad, jedyną różnicą jest forma. Choć może uważał się za jedną z tych wielkich postaci?

✰ ✰ ✰

3

Michał Anioł nigdy nie uważał się za artystę, zawsze myślał o sobie bardziej jako o rzeźbiarzu. Udało mu się jednak stworzyć niesamowity, wykwintny fresk, przed którym czci cały świat. To arcydzieło znajduje się na suficie Kaplicy Sykstyńskiej w Watykanie. Michał Anioł otrzymał zlecenie namalowania kilku historii biblijnych, z których jedna dotyczy stworzenia Adama. Na tym zdjęciu widać właśnie rzeźbiarza Michała Anioła. Ludzkie ciało Adama jest renderowane z niesamowitą wiernością, żywymi kolorami i precyzyjną muskularną formą. Można się więc zgodzić z autorem, przecież jest on bardziej rzeźbiarzem.

✰ ✰ ✰

2

„Mona Lisa”, Leonardo da Vinci

Choć jest to najczęściej badany obraz, Mona Lisa wciąż pozostaje najbardziej tajemnicza. Leonardo powiedział, że nigdy nie przestał nad tym pracować. Mówi się, że dopiero jego śmierć dopełniła obraz. „Mona Lisa” to pierwszy włoski portret, na którym modelka jest ukazana do pasa. Skóra Mony Lisy zdaje się promieniować dzięki zastosowaniu kilku warstw transparentnych olejków. Jako naukowiec Leonardo da Vinci wykorzystał całą swoją wiedzę, aby uczynić wizerunek Mony Lisy realistycznym. Kto dokładnie jest przedstawiony na obrazie, wciąż pozostaje tajemnicą.

✰ ✰ ✰

1

Obraz przedstawia Wenus, boginię miłości, unoszącą się na muszli na wietrze niesionym przez Zefira, boga zachodniego wiatru. Na brzegu spotyka ją Ora, bogini pór roku, jest gotowa ubrać nowonarodzone bóstwo. Modelką Wenus jest Simonetta Cattaneo de Vespucci. Simonetta Cattaneo zmarła w wieku 22 lat, a Botticelli chciał być pochowany obok niej. Darzył ją nieodwzajemnioną miłością. Ten obraz jest najwspanialszym dziełem sztuki, jakie kiedykolwiek powstało.

✰ ✰ ✰

Wniosek

To był artykuł TOP 25 najsłynniejszych obrazów świata. Dziękuję za uwagę!

Leonardo di ser Piero da Vinci (15 kwietnia 1452 - 2 maja 1519) był słynnym włoskim malarzem, architektem, filozofem, muzykiem, pisarzem, odkrywcą, matematykiem, inżynierem, anatomem, wynalazcą i geologiem. Znany z obrazów, z których najsłynniejsze to Ostatnia Wieczerza i Mona Lisa, a także licznych wynalazków, które znacznie wyprzedzały swoją epokę, ale pozostały tylko na papierze. Ponadto Leonardo da Vinci wniósł istotny wkład w rozwój anatomii, astronomii i technologii.

Raphael Santi (28 marca 1483 - 6 kwietnia 1520) był wielkim włoskim malarzem i architektem działającym w okresie renesansu, obejmującym okres od końca XV wieku do początków XVI wieku. Tradycyjnie Rafael uważany jest za jednego z trzech wielkich mistrzów tego okresu, obok Michała Anioła i Leonarda da Vinci. Wiele jego dzieł znajduje się w Pałacu Apostolskim w Watykanie, w pomieszczeniu zwanym Strofą Rafaela. Oto między innymi jego najsłynniejsze dzieło - „Szkoła ateńska”.

Diego Rodriguez de Silva y Velázquez (6 czerwca 1599 - 6 sierpnia 1660) był hiszpańskim malarzem, portrecistą, nadwornym malarzem króla Filipa IV, najwybitniejszego przedstawiciela złotego wieku malarstwa hiszpańskiego. Oprócz licznych obrazów przedstawiających sceny historyczne i kulturalne z przeszłości, namalował wiele portretów hiszpańskiej rodziny królewskiej, a także innych znanych postaci europejskich. Najbardziej znanym dziełem Velasqueza jest obraz „La Meninas” (czyli „Rodzina Filipa IV”) z 1656 roku, znajdujący się w Muzeum Prado w Madrycie.

Pablo Diego José Francisco de Paula Juan Nepomuseno Maria de los Remedios Cipriano de la Santisima Trinidad Martir Patricio Ruiz i Picasso (25 października 1881 - 8 kwietnia 1973) to światowej sławy hiszpański artysta i rzeźbiarz, twórca kierunku in fine sztuka - kubizm. Uważany za jednego z najwybitniejszych artystów, którzy wpłynęli na rozwój sztuk pięknych XX wieku. Experts, został uznany za najlepszego artystę spośród tych, którzy żyli na przestrzeni ostatnich 100 lat, a także za najdroższego na świecie. W ciągu swojego życia Picasso stworzył około 20 tysięcy dzieł (według innych źródeł 80 tysięcy).

Vincent Willem van Gogh (30 marca 1853 – 29 lipca 1890) był słynnym holenderskim malarzem, który zyskał sławę dopiero po swojej śmierci. Według wielu ekspertów Van Gogh to jeden z najwybitniejszych artystów w historii sztuki europejskiej, a także jeden z najwybitniejszych przedstawicieli postimpresjonizmu. Autor ponad 2100 dzieł sztuki, w tym 870 obrazów, 1000 rysunków i 133 szkiców. Jego liczne autoportrety, pejzaże i portrety należą do najbardziej rozpoznawalnych i kosztownych dzieł sztuki na świecie. Być może najsłynniejszym dziełem Vincenta van Gogha jest seria obrazów zwana „Słonecznikami”.

Michelangelo Buonarroti (6 marca 1475 - 18 lutego 1564) to światowej sławy włoski rzeźbiarz, artysta, architekt, poeta i myśliciel, który pozostawił niezatarty ślad w całej kulturze światowej. Być może najbardziej znanym dziełem artysty są freski na suficie Kaplicy Sykstyńskiej. Wśród jego rzeźb najbardziej znane to „Pieta” („Opłakiwanie Chrystusa”) i „Dawid”. Z dzieł architektury - projekt kopuły Bazyliki Świętego Piotra. Co ciekawe, Michał Anioł stał się pierwszym przedstawicielem sztuki zachodnioeuropejskiej, którego biografia została napisana za jego życia.

Na czwartym miejscu w rankingu najsłynniejszych artystów świata znajduje się Masaccio (21 grudnia 1401-1428) – wielki artysta włoski, który wywarł ogromny wpływ na innych mistrzów. Masaccio żył bardzo krótko, dlatego istnieje niewiele dowodów biograficznych na jego temat. Zachowały się jedynie cztery jego freski, które bez wątpienia są dziełem Masaccio. Uważa się, że inne zostały zniszczone. Najbardziej znanym dziełem Masaccio jest fresk Trójcy Świętej w kościele Santa Maria Novella we Florencji we Włoszech.

Peter Paul Rubens (28 czerwca 1577 - 30 maja 1640) był malarzem flamandzkim (południowo-holenderskim), jednym z najwybitniejszych artystów epoki baroku, znanym ze swojego ekstrawaganckiego stylu. Uważany za najbardziej wszechstronnego artystę swoich czasów. W swoich pracach Rubens podkreślał i ucieleśniał witalność i zmysłowość koloru. Malował liczne portrety, pejzaże i obrazy historyczne o tematyce mitologicznej, religijnej i alegorycznej. Najbardziej znanym dziełem Rubensa jest tryptyk „Zejście z krzyża”, napisany w latach 1610–1614, który przyniósł artyście światową sławę.

Michelangelo Merisi da Caravaggio (29 września 1571 - 18 lipca 1610) był wielkim włoskim artystą wczesnego baroku, twórcą europejskiego malarstwa realistycznego XVII wieku. W swoich pracach Caravaggio umiejętnie posługiwał się kontrastami światła i cienia, skupiając się na detalach. Często przedstawiano zwykłych Rzymian, ludzi z ulic i targowisk w wizerunkach świętych i Madonn. Przykładami są „Ewangelista Mateusz”, „Bachus”, „Nawrócenie Saula” itp. Jednym z najsłynniejszych obrazów artysty jest „Lutnista” (1595), który Caravaggio nazwał dla niego najbardziej udanym dziełem malarskim .

Rembrandt Harmenszoon van Rijn (1606-1669) to słynny holenderski malarz i rytownik, uważany za największego i najsłynniejszego artystę na świecie. Autor około 600 obrazów, 300 rycin i 2 tysięcy rysunków. Cechą charakterystyczną jest mistrzowska gra efektami świetlnymi i głębokimi cieniami. Najbardziej znanym dziełem Rembrandta jest czterometrowy obraz „Nocna straż”, napisany w 1642 roku i obecnie przechowywany w Państwowym Muzeum w Amsterdamie.

Artyści to ludzie, którzy potrafią publicznie przemawiać do społeczeństwa językiem wizualnych obrazów i form. Wydaje się jednak, że ich popularność i popyt wcale nie zależą od talentu. Kto był najsłynniejszym artystą w historii?

Edouarda Maneta (1832-1883)

Edouard Manet był jednym z twórców impresjonizmu. Jego droga twórcza, jak przystało na drogę prawdziwego artysty, nie była najłatwiejsza – obrazy wywoływały kontrowersje i skandale, w latach 60. XIX wieku wystawiał w tzw. „Salonie Odrzuconych”. Była to alternatywna wystawa dla artystów, którzy nie zostali przyjęci na oficjalny Salon Paryski.

Taki los spotkał obraz Olimpii, który zszokował opinię publiczną. Pisali, że bohaterka płótna patrzy na widza z takim wyzwaniem i trzyma lewą rękę w taki sposób, jakby w tej dłoni znajdował się portfel, a sama bohaterka nie przejmuje się tym, co o niej myślą. Obraz uznano za zbyt płaski, jego fabuła była wulgarna, a bohaterkę porównywano nawet do… samicy goryla. Kto by pomyślał, że po półtora stuleciu obraz ten stanie się jednym z najbardziej rozpoznawalnych na świecie!

Kazimierz Malewicz (1879-1935)

Co dziwne, najsłynniejszego rosyjskiego artystę można nazwać Kazimierzem Malewiczem. Pomimo tego, że rosyjska szkoła malarstwa nadała sztuce dziesiątki nazw – Repin, Aiwazowski, Wierieszczagin i wielu innych – w pamięci masowej publiczności pozostał człowiek, który był raczej dekonstruktorem malarstwa klasycznego niż następcą jego tradycji .

Kazimierz Malewicz był twórcą suprematyzmu – a zatem w pewnym sensie ojcem całej sztuki współczesnej. Jego podręcznikowa praca „Czarny kwadrat” została wystawiona w 1915 roku i stała się programem. Ale Malewicz nie jest jedynym słynącym z Czarnego kwadratu: pracował jako scenograf w groteskowych przedstawieniach Meyerholda, prowadził pracownię artystyczną w Witebsku, gdzie zaczął pracować inny wielki artysta, Marc Chagall.

Vincent van Gogh (1853-1890)

Świat zna postimpresjonistę Vincenta van Gogha jako osobę szaloną i głęboko nieszczęśliwą, która jednocześnie pozostawiła po sobie bogate dziedzictwo kulturowe. Aktywnie pracował nieco ponad 10 lat, ale w tym czasie udało mu się namalować ponad dwa tysiące płócien. Długotrwałą walkę z depresją przerwały jasne okresy, w drugiej połowie lat osiemdziesiątych XIX wieku Van Gogh przeniósł się do Paryża i znalazł tam jedyne potrzebne mu krąg towarzyski - wśród podobnie myślących artystów.

Opinia publiczna nie była jednak entuzjastycznie nastawiona do obrazów Van Gogha, obrazy nie zostały sprzedane. Artysta ostatnie lata życia spędził w Arles na południu Francji, gdzie miał nadzieję stworzyć wspólnotę artystów. Plan niestety pozostał niezrealizowany. Zaburzenia psychiczne postępowały i pewnego dnia po kłótni Van Gogh zaatakował brzytwą przyjaciela, który przyszedł z wizytą. Przyjaciel, artysta Paul Gauguin, oddał przyjaciela do zakładu dla obłąkanych. Tam Van Gogh zakończył swoje dni - zastrzelił się rok po uwięzieniu.

Warto zauważyć, że w tym okresie powstały być może najsłynniejsze dzieła Van Gogha - „Pole pszenicy z wronami”, „Gwiaździsta noc” i inne. Ale prawdziwa sława przyszła do artysty po jego śmierci – pod koniec lat 90. XIX wieku. Teraz jego prace uważane są za jedne z najdroższych na świecie.

Edvarda Muncha (1863-1944)

Norweski ekspresjonista Edvard Munch potrafił namalować tylko jeden obraz, ale i wtedy przeszedł do historii malarstwa. Jego najbardziej rozpoznawalnym dziełem jest straszny „Krzyk”, powstały w latach 1893–1910. Co ciekawe, istnieją cztery różne autorskie wersje Krzyku. W 2012 roku obraz został sprzedany na aukcji za rekordową wówczas kwotę 120 milionów dolarów.

„Krzyk” został napisany po tym, jak pewnego wieczoru Munch wracał do domu drogą i odwrócił się – czerwony zachód słońca, który zobaczył, zdumiał go. Droga, którą Munch wrócił, przebiegała obok rzeźni i szpitala dla psychicznie chorych, w którym przetrzymywana była siostra artysty.

Współcześni pisali, że jęki pacjentów i krzyki zabijanych zwierząt były nie do zniesienia. Uważa się, że Krzyk stał się swoistą przepowiednią dla sztuki XX wieku, przesiąkniętej motywami samotności, rozpaczy i egzystencjalnego koszmaru.

Hieronim Bosch (1450-1516)

Jednym z głównych artystów renesansu w Europie Północnej jest Hieronim Bosch. Sposób jego pisania jest z pewnością rozpoznawalny, mimo że z całego korpusu obrazów zachowało się zaledwie kilkanaście. Była to prawdziwa sztuka renesansu, wieloaspektowa, pełna symboli i aluzji. Do współczesnych Boscha jego obrazy mówiły znacznie więcej niż do ludzi XXI wieku, gdyż obficie sięgał on po średniowieczne motywy biblijne i folklorystyczne.

Nie trzeba być krytykiem sztuki, żeby zrozumieć, że mamy przed sobą obraz Boscha. Na przykład najsłynniejsze dzieło Boscha, tryptyk Ogród rozkoszy ziemskich, zawiera wiele szczegółów: przedstawia siedem grzechów głównych powtórzonych wielokrotnie, szczegółowo opowiada o piekielnych mękach, jakie czekają grzeszników (po prawej stronie), a na po lewej stronie Liść ukazuje upadek Adama i Ewy. Niezwykłość postaci, duża ilość drobnych detali i specyficzna wyobraźnia artysty nie pozostawiają wątpliwości, kto jest autorem płótna.

Andy Warhol (1928-1987)

Każdy zasługuje na swoje 15 minut sławy – powiedział żartowniś i postmodernista Andy Warhol. Jego własna sława okazała się jednak trwalsza. Być może ta wszechstronna osoba stała się symbolem kierunku pop-artu. To jego autorstwo należy do najbardziej rozpoznawalnych dzieł drugiej połowy XX wieku (nie licząc oczywiście „prawdziwych” artystów).

Andy Warhol stworzył dziesiątki dzieł i był jednym z głównych tragistów kultury lat sześćdziesiątych. Jednak w masowej świadomości niemal na pewno pozostanie autorem obrazów z reprodukcjami identycznych przedmiotów – w jednym przypadku takim przedmiotem była puszka zupy pomidorowej w puszkach, a w drugim symbol seksu lat 50. symbol seksistowskiej ery Hollywood Marilyn Monroe.

Salvador Dali (1904-1989)

Surrealista Salvador Dali był także genialnym menadżerem i specjalistą od PR. Promował to, co obecnie nazywa się „marką osobistą”, na długo przed ukuciem tego terminu. Wszyscy pamiętają jego niezwykłe wąsy, szalony wygląd i liczne skandaliczne wybryki – dla których warto chociaż spacerować z mrówkojadem na smyczy.

Jednocześnie Salvador Dali pozostaje jednym z głównych artystów swojej epoki. Wybierając między dwoma Hiszpanami w naszej ocenie (Dali i Pablo Picasso), redaktorzy strony zdecydowali się jednak na pierwszego - obrazy Salvadora Dali odgrywają znacznie większą rolę w kulturze popularnej; dla przeciętnego człowieka określenia „Trwałość pamięci” czy „Przeczucie wojny domowej” mówią więcej niż „Guernica” czy „Portret Dory Maar”.

Michał Anioł Buonarroti (1475-1564)

Michał Anioł był malarzem, rzeźbiarzem i architektem. Jego osobowość w pełni odzwierciedlała to, co powszechnie nazywa się „naturą renesansu”. Jedno z jego najsłynniejszych dzieł rzeźbiarskich – posąg Dawida – często używane jest jako ilustracja samego słowa „renesans” jako odzwierciedlenie poglądów i osiągnięć umiejętności i myśli tamtych czasów.

Fresk Stworzenie Adama to jeden z najbardziej rozpoznawalnych obrazów wszechczasów. Oprócz oczywistego znaczenia kulturowego, obraz ten odegrał rolę w kulturze popularnej XXI wieku: to, co tylko internetowi dowcipnisie wkładają w wyciągniętą dłoń Adama: od pilota po miecz świetlny Jedi.

Leonardo Da Vinci (1452-1519)

Bez wątpienia najbardziej znanym artystą na świecie jest Włoch Leonardo da Vinci. Jednocześnie on sam nie preferował żadnej dziedziny działalności i uważał się za naukowca, inżyniera, rzeźbiarza… - jednym słowem za człowieka renesansu, podobnie jak jego współczesny i kolega Michał Anioł.

Wiadomo, że Leonardo długo pracował nad obrazami, często odkładając je „na później” i w ogóle najwyraźniej traktował malarstwo jako inny rodzaj twórczości, nie wyróżniając go zbytnio od innych. Dlatego do nas dotarła stosunkowo niewielka liczba jego obrazów. Nie sposób nie wspomnieć podręcznika „La Gioconda”, a także „Damy z gronostajem”, „Madonny Litta” - i oczywiście fresku „Ostatnia wieczerza” w klasztorze Santa Maria delle Grazie w Mediolanie .

Nic dziwnego, że znani artyści często przyciągają naśladowców – zarówno tych, którzy chcą dotknąć chwały geniuszy, jak i tych, którzy chcą na tym zarobić. Zapraszamy do lektury o najsłynniejszych fałszerzach obrazów w historii.
Subskrybuj nasz kanał w Yandex.Zen

„Gracze w karty”

Autor

Paula Cezanne’a

Kraj Francja
Lata życia 1839–1906
Styl postimpresjonizm

Artysta urodził się na południu Francji w małym miasteczku Aix-en-Provence, ale malować zaczął w Paryżu. Prawdziwy sukces przyszedł mu po indywidualnej wystawie zorganizowanej przez kolekcjonera Ambroise’a Vollarda. W 1886 roku, na 20 lat przed wyjazdem, przeniósł się na obrzeża rodzinnego miasta. Młodzi artyści nazywali wycieczki do niego „pielgrzymką do Aix”.

130x97cm
1895
cena
250 milionów dolarów
sprzedany w 2012
na aukcji prywatnej

Twórczość Cezanne’a jest łatwa do zrozumienia. Jedyną zasadą artysty było bezpośrednie przeniesienie tematu lub fabuły na płótno, dzięki czemu jego obrazy nie wywołują dezorientacji widza. Cezanne połączył w swojej sztuce dwie główne tradycje francuskie: klasycyzm i romantyzm. Za pomocą kolorowej faktury nadał formie przedmiotów niesamowitą plastyczność.

Seria pięciu obrazów „Gracze w karty” powstała w latach 1890-1895. Ich fabuła jest taka sama – kilka osób z zapałem gra w pokera. Prace różnią się jedynie liczbą graczy i wielkością płótna.

Cztery obrazy znajdują się w muzeach Europy i Ameryki (Musée d'Orsay, Metropolitan Museum of Art, Barnes Foundation i Courtauld Institute of Art), a piąty do niedawna był ozdobą prywatnej kolekcji artysty Grecki miliarder, armator George Embirikos. Tuż przed śmiercią, zimą 2011 roku, zdecydował się wystawić go na sprzedaż. Potencjalnymi nabywcami „darmowych” dzieł Cezanne’a byli handlarz dziełami sztuki William Aquavella i światowej sławy właściciel galerii Larry Gagosian, którzy zaoferowali za nie około 220 milionów dolarów. W rezultacie obraz za 250 milionów trafił do rodziny królewskiej arabskiego państwa Katar.W lutym 2012 roku sfinalizowano największą w historii malarstwa transakcję na dzieła sztuki. O sprawie poinformowała Vanity Fair dziennikarka Alexandra Pierce. Dowiedziała się o cenie obrazu i nazwisku nowego właściciela, po czym informacja przedostała się do mediów na całym świecie.

W 2010 roku w Katarze otwarto Arabskie Muzeum Sztuki Nowoczesnej i Katarskie Muzeum Narodowe. Teraz ich zbiory się powiększają. Być może w tym celu szejk nabył piątą wersję Graczy w karty.

Najbardziejdrogie zdjęciena świecie

Właściciel
Szejk Hamad
bin Khalifa al-Thani

Dynastia al-Thani rządzi Katarem od ponad 130 lat. Około pół wieku temu odkryto tu ogromne złoża ropy i gazu, co natychmiast uczyniło Katar jednym z najbogatszych regionów świata. Dzięki eksportowi węglowodorów ten niewielki kraj odnotował największy PKB na mieszkańca. Szejk Hamad bin Khalifa al-Thani objął władzę w 1995 r., gdy jego ojciec przebywał w Szwajcarii, przy wsparciu członków rodziny. Zdaniem ekspertów zasługą obecnego władcy jest jasna strategia rozwoju kraju, kreowanie pomyślnego wizerunku państwa. Katar ma teraz konstytucję i premiera, a kobiety uzyskały prawo do głosowania w wyborach parlamentarnych. Nawiasem mówiąc, to emir Kataru założył kanał informacyjny Al Jazeera. Władze państwa arabskiego przywiązują dużą wagę do kultury.

2

"Numer 5"

Autor

Jacksona Pollocka

Kraj USA
Lata życia 1912–1956
Styl abstrakcyjny ekspresjonizm

Jack the Sprinkler – taki przydomek nadano Pollockowi przez amerykańską publiczność ze względu na jego specjalną technikę malarską. Artysta porzucił pędzel i sztalugę, na rzecz rozlewania farby na powierzchnię płótna lub płyty pilśniowej podczas ciągłego ruchu wokół nich i wewnątrz nich. Od najmłodszych lat pasjonował się filozofią Jiddu Krishnamurtiego, której głównym przesłaniem jest to, że prawda objawia się podczas swobodnego „wylania”.

122x244cm
1948
cena
140 milionów dolarów
sprzedany w 2006 roku
na aukcji Sotheby's

Wartość pracy Pollocka nie leży w wyniku, ale w procesie. Autor nieprzypadkowo nazwał swoją twórczość „malowaniem akcji”. Jego lekką ręką stał się głównym atutem Ameryki. Jackson Pollock mieszał farbę z piaskiem, potłuczonym szkłem i pisał kawałkiem tektury, szpachelką, nożem i łopatą. Artysta był tak popularny, że w latach pięćdziesiątych XX wieku w ZSRR znaleźli się nawet naśladowcy. Obraz „Numer 5” uznawany jest za jeden z najdziwniejszych i najdroższych na świecie. Jeden z założycieli DreamWorks, David Geffen, kupił go do prywatnej kolekcji, a w 2006 roku sprzedał w Sotheby’s za 140 milionów dolarów meksykańskiemu kolekcjonerowi Davidowi Martinezowi. Jednak wkrótce kancelaria prawnicza wydała w imieniu swojego klienta komunikat prasowy, w którym stwierdziła, że ​​David Martinez nie jest właścicielem obrazu. Jedno jest pewne: meksykański finansista rzeczywiście w ostatnim czasie kolekcjonował dzieła sztuki współczesnej. Jest mało prawdopodobne, aby przeoczył tak „dużą rybę”, jak „Numer 5” Pollocka.

3

„Kobieta III”

Autor

Willema de Kooninga

Kraj USA
Lata życia 1904–1997
Styl abstrakcyjny ekspresjonizm

Pochodzący z Holandii, w 1926 roku wyemigrował do Stanów Zjednoczonych. W 1948 roku odbyła się osobista wystawa artysty. Krytycy sztuki docenili złożone, nerwowe czarno-białe kompozycje, uznając w ich autorze wielkiego artystę modernistycznego. Przez większą część życia cierpiał na alkoholizm, jednak radość tworzenia nowej sztuki wyczuwalna jest w każdym dziele. De Kooninga wyróżnia impulsywność malarstwa, szerokie pociągnięcia, dlatego czasami obraz nie mieści się w granicach płótna.

121x171cm
1953
cena
137 milionów dolarów
sprzedany w 2006 roku
na aukcji prywatnej

W latach pięćdziesiątych na obrazach de Kooninga pojawiają się kobiety o pustych oczach, masywnych piersiach i brzydkich rysach. „Kobieta III” była ostatnią pracą z tego cyklu biorącą udział w aukcji.

Od lat 70. obraz przechowywany jest w Muzeum Sztuki Nowoczesnej w Teheranie, jednak po wprowadzeniu w kraju surowych zasad moralnych próbowano się go pozbyć. W 1994 roku dzieło wywieziono z Iranu, a 12 lat później jego właściciel David Geffen (ten sam producent, który sprzedał „Numer 5” Jacksona Pollocka) sprzedał obraz milionerowi Stephenowi Cohenowi za 137,5 miliona dolarów. Co ciekawe, w ciągu jednego roku Geffen zaczął sprzedawać swoją kolekcję obrazów. Wywołało to wiele plotek: na przykład, że producent zdecydował się kupić „Los Angeles Times”.

Na jednym z forów artystycznych pojawiła się opinia o podobieństwie „Kobiety III” do obrazu Leonarda da Vinci „Dama z gronostajem”. Za zębatym uśmiechem i bezkształtną postacią bohaterki koneser malarstwa dostrzegł wdzięk osoby królewskiej krwi. Świadczy o tym także słabo wyśledzona korona wieńcząca głowę kobiety.

4

„Portret AdeliBloch-Bauer I”

Autor

Gustava Klimta

Kraj Austria
Lata życia 1862–1918
Styl nowoczesny

Gustav Klimt urodził się w rodzinie rytownika i był drugim z siedmiorga dzieci. Trzej synowie Ernesta Klimta zostali artystami, a dopiero Gustav zasłynął na całym świecie. Większość dzieciństwa spędził w biedzie. Po śmierci ojca był odpowiedzialny za całą rodzinę. W tym czasie Klimt rozwinął swój styl. Przed jego obrazami każdy widz zamarza: pod cienkimi pociągnięciami złota wyraźnie widać szczery erotyzm.

138x136cm
1907
cena
135 milionów dolarów
sprzedany w 2006 roku
na aukcji Sotheby's

Losy obrazu, zwanego „austriacką Moną Lisą”, z łatwością mogłyby stać się podstawą bestsellera. Dzieło artysty stało się przyczyną konfliktu całego państwa i jednej starszej kobiety.

Tak więc „Portret Adele Bloch-Bauer I” przedstawia arystokratę, żonę Ferdynanda Blocha. Jej ostatnią wolą było przeniesienie obrazu do Austriackiej Galerii Państwowej. Bloch jednak w testamencie anulował darowiznę, a obraz został wywłaszczony przez hitlerowców. Później galeria ledwo wykupiła Złotą Adele, ale wtedy pojawiła się dziedziczka – Maria Altman, siostrzenica Ferdynanda Blocha.

W 2005 roku rozpoczął się głośny proces „Marii Altman przeciwko Republice Austrii”, w wyniku którego obraz „wyjechał” z nią do Los Angeles. Austria podjęła bezprecedensowe kroki: wynegocjowano pożyczki, ludność przekazała pieniądze na zakup portretu. Dobro nigdy nie zwyciężyło zła: Altman podniósł cenę do 300 milionów dolarów. W chwili procesu miała 79 lat, a do historii zapisała się jako osoba, która zmieniła wolę Blocha-Bauera na korzyść osobistych interesów. Obraz kupił Ronald Lauder, właściciel New Gallery w Nowym Jorku, gdzie znajduje się do dziś. Nie dla Austrii, dla niego Altman obniżył cenę do 135 milionów dolarów.

5

"Krzyk"

Autor

Edvard Munch

Kraj Norwegia
Lata życia 1863–1944
Styl ekspresjonizm

Pierwszy obraz Muncha, który zasłynął na całym świecie, „Chora dziewczyna” (istnieje w pięciu egzemplarzach) poświęcony jest siostrze artysty, która w wieku 15 lat zmarła na gruźlicę. Muncha zawsze interesował temat śmierci i samotności. W Niemczech jego ciężkie, maniakalne malarstwo wywołało nawet skandal. Jednak pomimo przygnębiających fabuł jego obrazy mają szczególny magnetyzm. Weź przynajmniej „Krzyk”.

73,5 x 91 cm
1895
cena
119,992 mln dolarów
sprzedane w 2012
na aukcji Sotheby's

Pełna nazwa obrazu to Der Schrei der Natur (w tłumaczeniu z języka niemieckiego „krzyk natury”). Twarz człowieka lub kosmity wyraża rozpacz i panikę – widz doświadcza tych samych emocji, patrząc na zdjęcie. Jedno z kluczowych dzieł ekspresjonizmu ostrzega przed tematami, które stały się ostre w sztuce XX wieku. Według jednej wersji artysta stworzył go pod wpływem zaburzenia psychicznego, na które cierpiał przez całe życie.

Obraz został dwukrotnie skradziony z różnych muzeów, ale został zwrócony. Nieznacznie uszkodzony po kradzieży Krzyk został odrestaurowany i był gotowy do ponownego pokazania w Muzeum Muncha w 2008 roku. Dla przedstawicieli popkultury praca stała się źródłem inspiracji: Andy Warhol stworzył serię jej rycin-kopii, a maska ​​z filmu „Krzyk” została wykonana na obraz i podobieństwo bohatera obrazu.

Dla jednej fabuły Munch napisał cztery wersje dzieła: ta znajdująca się w kolekcji prywatnej wykonana jest w pastelach. Norweski miliarder Petter Olsen wystawił go na aukcję 2 maja 2012 r. Kupującym został Leon Black, który za „Krzyk” nie szczędził rekordowej kwoty. Założyciel Apollo Advisors, L.P. i Lion Advisors, L.P. znany z zamiłowania do sztuki. Black jest patronem Dartmouth College, Muzeum Sztuki Nowoczesnej, Lincoln Art Center i Metropolitan Museum of Art. Posiada największą kolekcję obrazów artystów współczesnych i mistrzów klasycyzmu minionych wieków.

6

„Akt na tle popiersia i zielonych liści”

Autor

Pablo Picasso

Kraj Hiszpania, Francja
Lata życia 1881–1973
Styl kubizm

Z pochodzenia jest Hiszpanem, ale duchem i miejscem zamieszkania jest prawdziwym Francuzem. Picasso otworzył własne studio artystyczne w Barcelonie, gdy miał zaledwie 16 lat. Następnie udał się do Paryża i spędził tam większość swojego życia. Dlatego w jego nazwisku znajduje się podwójny akcent. Styl wymyślony przez Picassa opiera się na zaprzeczeniu poglądowi, że na obraz przedstawiony na płótnie można patrzeć tylko pod jednym kątem.

130x162cm
1932
cena
106,482 mln dolarów
sprzedany w 2010
na aukcji Christie

Podczas swojej pracy w Rzymie artysta poznał tancerkę Olgę Khokhlovą, która wkrótce została jego żoną. Położył kres włóczęgostwu, przeprowadził się z nią do luksusowego mieszkania. Do tego czasu uznanie znalazło bohatera, ale małżeństwo zostało zniszczone. Jeden z najdroższych obrazów świata powstał niemal przez przypadek – z wielkiej miłości, która jak zawsze u Picassa była krótkotrwała. W 1927 roku zainteresował się młodą Marią Teresą Walter (ona miała 17 lat, on 45). W tajemnicy przed żoną wyjechał z kochanką do miasteczka pod Paryżem, gdzie namalował portret przedstawiający Marię Teresę na obrazie Dafne. Obraz został zakupiony przez nowojorskiego handlarza Paula Rosenberga i sprzedany w 1951 roku Sidneyowi F. Brody'emu. Brodyowie pokazali obraz światu tylko raz i tylko dlatego, że artysta miał 80 lat. Po śmierci męża pani Brody w marcu 2010 roku wystawiła dzieło na aukcję w Christie's. W ciągu sześciu dekad cena wzrosła ponad 5000 razy! Nieznany kolekcjoner kupił go za 106,5 miliona dolarów. W 2011 roku w Wielkiej Brytanii odbyła się „wystawa jednego malarstwa”, gdzie ujrzała światło dzienne po raz drugi, lecz nazwisko właściciela nadal nie jest znane.

7

„Osiem Elvisów”

Autor

Andy’ego Warhole’a

Kraj USA
Lata życia 1928-1987
Styl
pop Art

„Seks i imprezy to jedyne miejsca, w których trzeba pojawić się osobiście” – powiedział kultowy artysta popowy, reżyser i jeden z założycieli magazynu Interview, projektant Andy Warhol. Współpracował z Vogue i Harper's Bazaar, projektował okładki płyt i projektował buty dla I.Miller. W latach 60. pojawiły się obrazy przedstawiające symbole Ameryki: zupę Campbella oraz Coca-Colę, Presleya i Monroe - co uczyniło go legendą.

358x208cm
1963
cena
100 milionów dolarów
sprzedany w 2008
na aukcji prywatnej

Lata 60. Warhola – tzw. era pop-artu w Ameryce. W 1962 roku pracował na Manhattanie w Factory Studio, gdzie gromadziła się cała bohema Nowego Jorku. Jego najbystrzejsi przedstawiciele: Mick Jagger, Bob Dylan, Truman Capote i inne znane osobistości na świecie. W tym samym czasie Warhol wypróbował technikę sitodruku - wielokrotne powtórzenia jednego obrazu. Tę metodę stosował także przy tworzeniu „Ośmiu Elvisów”: widz zdaje się widzieć klatki z filmu, w którym gwiazda ożywa. Jest tu wszystko, co tak bardzo kochał artysta: wizerunek publiczny, w którym wygrywają obie strony, srebrny kolor i przeczucie śmierci jako główne przesłanie.

Dziś na rynku światowym działa dwóch handlarzy dziełami sztuki promujących twórczość Warhola: Larry Gagosian i Alberto Mugrabi. Pierwsza z nich w 2008 roku wydała 200 milionów dolarów na zakup ponad 15 dzieł Warhola. Drugi kupuje i sprzedaje swoje obrazy jak kartki świąteczne, tylko droższe. Ale to nie oni, ale skromny francuski konsultant ds. sztuki Philippe Segalo pomógł rzymskiemu koneserowi sztuki Annibale Berlinghieri sprzedać Osiem Elvisów nieznanemu nabywcy za rekordową kwotę 100 milionów dolarów Warhola.

8

"Pomarańczowy,Czerwony żółty"

Autor

Marek Rothko

Kraj USA
Lata życia 1903–1970
Styl abstrakcyjny ekspresjonizm

Jeden z twórców kolorowego malarstwa polowego urodził się w Dźwińsku w Rosji (obecnie Dyneburg na Łotwie), w dużej rodzinie żydowskiego farmaceuty. W 1911 wyemigrowali do USA. Rothko studiował na wydziale artystycznym Uniwersytetu Yale, uzyskał stypendium, ale nastroje antysemickie zmusiły go do porzucenia studiów. Mimo wszystko krytycy sztuki byli idolami artysty, a muzea prześladowały go przez całe życie.

206x236cm
1961
cena
86,882 mln dolarów
sprzedany w 2012
na aukcji Christie

Pierwsze eksperymenty artystyczne Rothki miały charakter surrealistyczny, jednak z czasem uprościł fabułę do barwienia plam, pozbawiając je wszelkiej obiektywności. Początkowo miały one jasną barwę, w latach 60. wypełniły je brązy, fiolety, które po śmierci artysty zgęstniały, przechodząc w czerń. Mark Rothko przestrzegał przed doszukiwaniem się w swoich obrazach jakiegokolwiek sensu. Autor chciał powiedzieć dokładnie to, co powiedział: tylko kolor, który rozpuszcza się w powietrzu i nic więcej. Zalecał oglądanie prac z odległości 45 cm, tak aby widz został „wciągnięty” w kolor, jak w lejek. Uwaga: patrzenie zgodnie ze wszystkimi zasadami może doprowadzić do efektu medytacji, czyli stopniowo dochodzi do świadomości nieskończoności, całkowitego zanurzenia się w sobie, relaksu, oczyszczenia. Kolor na jego obrazach żyje, oddycha i ma silne oddziaływanie emocjonalne (czasami podobno uzdrawia). Artysta mówił: „Widz powinien płakać, patrząc na nie” – i rzeczywiście były takie przypadki. Według teorii Rothko w tym momencie ludzie przeżywają to samo duchowe doświadczenie, jakie on przeżył w procesie pracy nad obrazem. Jeśli udało Ci się to zrozumieć na tak subtelnym poziomie, nie dziw się, że te dzieła abstrakcjonizmu często porównywane są przez krytyków z ikonami.

Praca „Orange, Red, Yellow” wyraża istotę malarstwa Marka Rothko. Jego początkowy koszt na aukcji Christie's w Nowym Jorku to 35-45 milionów dolarów. Nieznany nabywca zaoferował cenę dwukrotnie wyższą od szacunkowej. Imię szczęśliwego posiadacza obrazu, jak to często bywa, nie zostało ujawnione.

9

"Tryptyk"

Autor

Franciszka Bacona

Kraj
Wielka Brytania
Lata życia 1909–1992
Styl ekspresjonizm

Przygody Francisa Bacona, pełnego imiennika, a w dodatku dalekiego potomka wielkiego filozofa, rozpoczęły się, gdy jego ojciec się go wyparł, nie mogąc zaakceptować homoseksualnych skłonności syna. Bacon udał się najpierw do Berlina, potem do Paryża, a potem jego ślady zacierały się w całej Europie. Już za jego życia jego prace wystawiane były w czołowych ośrodkach kulturalnych świata, m.in. w Muzeum Guggenheima i Galerii Trietiakowskiej.

147,5x198 cm (każdy)
1976
cena
86,2 mln dolarów
sprzedany w 2008
na aukcji Sotheby's

Prestiżowe muzea starały się posiadać obrazy Bacona, ale prymitywnej angielskiej publiczności nie spieszyło się z kupowaniem takich dzieł sztuki. Legendarna brytyjska premier Margaret Thatcher powiedziała o nim: „Człowiek, który maluje te przerażające obrazy”.

Za okres początkowy swojej twórczości sam artysta uważał okres powojenny. Wracając ze służby, ponownie zajął się malarstwem i stworzył główne arcydzieła. Przed udziałem „Tryptyku 1976” w aukcji najdroższym dziełem Bacona było „Studium do portretu papieża Innocentego X” (52,7 mln dolarów). W „Tryptyku 1976” artysta przedstawił mityczną fabułę prześladowania Orestesa przez furie. Oczywiście Orestes to sam Bacon, a wściekłości to jego męki. Przez ponad 30 lat obraz znajdował się w kolekcji prywatnej i nie brał udziału w wystawach. Fakt ten nadaje mu szczególną wartość i odpowiednio zwiększa koszt. Ale co to jest kilka milionów dla konesera sztuki, a nawet hojności po rosyjsku? Roman Abramowicz zaczął tworzyć swoją kolekcję w latach 90. XX wieku, na co duży wpływ miała jego dziewczyna Dasza Żukowa, która stała się modną właścicielką galerii we współczesnej Rosji. Według nieoficjalnych danych biznesmen jest właścicielem dzieł Alberto Giacomettiego i Pabla Picassa, zakupionych za kwoty przekraczające 100 milionów dolarów. W 2008 roku stał się właścicielem Tryptyku. Nawiasem mówiąc, w 2011 roku zakupiono kolejne cenne dzieło Bacona – „Trzy szkice do portretu Luciana Freuda”. Ukryte źródła podają, że kupującym ponownie został Roman Arkadiewicz.

10

„Staw z liliami wodnymi”

Autor

Claude Monet

Kraj Francja
Lata życia 1840–1926
Styl impresjonizm

Artysta uznawany jest za twórcę impresjonizmu, który „opatentował” tę metodę w swoich płótnach. Pierwszym znaczącym dziełem był obraz „Śniadanie na trawie” (oryginalna wersja dzieła Edouarda Maneta). W młodości rysował karykatury, a prawdziwym malarstwem zajął się podczas podróży wzdłuż wybrzeża i w plenerze. W Paryżu prowadził bohemy i nie opuścił go nawet po odbyciu służby wojskowej.

210x100cm
1919
cena
80,5 miliona dolarów
sprzedany w 2008
na aukcji Christie

Oprócz tego, że Monet był wielkim artystą, z zapałem zajmował się także ogrodnictwem, uwielbiał dziką przyrodę i kwiaty. W jego pejzażach stan natury jest chwilowy, obiekty zdają się być rozmyte przez ruch powietrza. Wrażenie potęgują duże kreski, które z pewnej odległości stają się niewidoczne i łączą się w teksturowany, trójwymiarowy obraz. W malarstwie zmarłego Moneta szczególne miejsce zajmuje temat wody i zawartego w niej życia. W miejscowości Giverny artysta miał własny staw, w którym hodował lilie wodne z nasion specjalnie przywiezionych przez niego z Japonii. Kiedy zakwitły ich kwiaty, zaczął malować. Cykl Lilie wodne składa się z 60 prac, które artysta malował na przestrzeni prawie 30 lat, aż do swojej śmierci. Z wiekiem wzrok mu się pogorszył, ale nie przestał. W zależności od wiatru, pory roku i pogody widok stawu ciągle się zmieniał, a Monet chciał te zmiany uchwycić. Dzięki uważnej pracy dotarło do niego zrozumienie istoty natury. Część obrazów z tej serii znajduje się w czołowych galeriach świata: Narodowym Muzeum Sztuki Zachodniej (Tokio), Orangerie (Paryż). Wersja kolejnego „Stawu z liliami wodnymi” trafiła w ręce nieznanego nabywcy za rekordową kwotę.

11

Fałszywa Gwiazda T

Autor

Jaspera Johnsa

Kraj USA
Rok urodzenia 1930
Styl pop Art

W 1949 roku Jones wstąpił do szkoły projektowania w Nowym Jorku. Wraz z Jacksonem Pollockiem, Willemem de Kooningiem i innymi uznawany jest za jednego z głównych artystów XX wieku. W 2012 roku otrzymał Prezydencki Medal Wolności, najwyższe odznaczenie cywilne w Stanach Zjednoczonych.

137,2 x 170,8 cm
1959
cena
80 milionów dolarów
sprzedany w 2006 roku
na aukcji prywatnej

Podobnie jak Marcel Duchamp Jones pracował z realnymi obiektami, przedstawiając je na płótnie i w rzeźbie w pełnej zgodności z oryginałem. Do swoich prac wykorzystywał proste i zrozumiałe dla każdego przedmioty: butelkę piwa, flagę czy mapy. Na obrazie Falstartu nie ma wyraźnej kompozycji. Artysta zdaje się bawić z widzem, często „niewłaściwie” podpisując kolory w obrazie, wywracając do góry nogami samo pojęcie koloru: „Chciałem znaleźć taki sposób przedstawienia koloru, aby mógł on zostać określony przez jakiś inny metoda." Jego najbardziej wybuchowy i „niepewny” zdaniem krytyków obraz nabył nieznany nabywca.

12

„Siedzinagina kanapie"

Autor

Amedeo Modiglianiego

Kraj Włochy, Francja
Lata życia 1884–1920
Styl ekspresjonizm

Modigliani od dzieciństwa często chorował, w czasie gorączkowego delirium rozpoznał swoje przeznaczenie jako artysta. Studiował rysunek w Livorno, Florencji, Wenecji, a w 1906 wyjechał do Paryża, gdzie jego twórczość rozkwitła.

65x100cm
1917
cena
68,962 mln dolarów
sprzedany w 2010
na aukcji Sotheby's

W 1917 roku Modigliani poznał 19-letnią Jeanne Hebuterne, która została jego modelką, a później żoną. W 2004 roku jeden z jej portretów został sprzedany za 31,3 miliona dolarów, co stanowi ostatni rekord przed sprzedażą „Siedzącej aktu na sofie” w 2010 roku. Obraz został zakupiony przez nieznanego nabywcę za najwyższą w tej chwili cenę dla Modiglianiego. Aktywna sprzedaż dzieł rozpoczęła się dopiero po śmierci artysty. Zmarł w biedzie, cierpiąc na gruźlicę, a następnego dnia Jeanne Hebuterne, będąca w dziewiątym miesiącu ciąży, również popełniła samobójstwo.

13

„Orzeł na sośnie”

Autor

Qi Baishi

Kraj Chiny
Lata życia 1864–1957
Styl guohua

Zainteresowanie kaligrafią skłoniło Qi Baishi do malowania. W wieku 28 lat został uczniem artysty Hu Qingyuana. Ministerstwo Kultury Chin przyznało mu tytuł „Wielkiego Artysty Narodu Chińskiego”, w 1956 roku otrzymał Międzynarodową Nagrodę Pokojową.

10x26cm
1946
cena
65,4 miliona dolarów
sprzedany w 2011
na aukcji Strażnik Chin

Qi Baishi interesował się tymi przejawami otaczającego świata, do których wielu nie przywiązuje wagi, i na tym polega jego wielkość. Człowiek bez wykształcenia został profesorem i wybitnym twórcą w historii. Pablo Picasso powiedział o nim: „Boję się jechać do waszego kraju, bo w Chinach jest Qi Baishi”. Kompozycja „Orzeł na sośnie” uznawana jest za największe dzieło artysty. Oprócz płótna zawiera dwa zwoje hieroglificzne. Dla Chin kwota, za jaką zakupiono produkt, jest rekordowa – 425,5 mln juanów. Jedynie zwój starożytnego kaligrafa Huang Tingjiana został sprzedany za 436,8 miliona dolarów.

14

„1949-A-nr 1”

Autor

Clifforda Stilla

Kraj USA
Lata życia 1904–1980
Styl abstrakcyjny ekspresjonizm

W wieku 20 lat odwiedził Metropolitan Museum of Art w Nowym Jorku i przeżył rozczarowanie. Później zapisał się na kurs studenckiej ligi artystycznej, ale wyszedł 45 minut po rozpoczęciu zajęć – okazało się, że to „nie jego”. Pierwsza osobista wystawa wywołała rezonans, artysta odnalazł siebie, a wraz z nim uznanie

79x93cm
1949
cena
61,7 miliona dolarów
sprzedany w 2011
na aukcji Sotheby's

Wszystkie jego prace, czyli ponad 800 płócien i 1600 prac na papierze, wciąż są przekazywane amerykańskiemu miastu, gdzie zostanie otwarte muzeum nazwane jego imieniem. Denver stało się takim miastem, lecz jedynie budowa była dla władz kosztowna, a aby ją ukończyć, wystawiono na aukcję cztery prace. Prace Stilla raczej nie trafią już nigdy na aukcję, co z góry podniosło ich cenę. Obraz „1949-A-No.1” sprzedano za rekordową dla artysty kwotę, choć eksperci przewidywali sprzedaż maksymalnie na 25-35 milionów dolarów.

15

„Kompozycja suprematystyczna”

Autor

Kazimierz Malewicz

Kraj Rosja
Lata życia 1878–1935
Styl Suprematyzm

Malewicz studiował malarstwo w Kijowskiej Szkole Artystycznej, następnie w Moskiewskiej Akademii Sztuk Pięknych. W 1913 roku zaczął malować abstrakcyjne obrazy geometryczne w stylu, który nazwał suprematyzmem (od łac. „dominacja”).

71x88,5cm
1916
cena
60 milionów dolarów
sprzedany w 2008
na aukcji Sotheby's

Obraz przechowywany był w muzeum miejskim w Amsterdamie przez około 50 lat, jednak po 17-letnim sporze z krewnymi Malewicza muzeum go oddało. Artysta namalował to dzieło w tym samym roku, w którym ukazał się Manifest suprematyzmu, dlatego Sotheby’s jeszcze przed aukcją ogłosił, że nie trafi ono do prywatnej kolekcji za mniej niż 60 milionów dolarów. I tak się stało. Lepiej spojrzeć na to z góry: postacie na płótnie przypominają widok ziemi z lotu ptaka. Nawiasem mówiąc, kilka lat wcześniej ci sami krewni wywłaszczyli z Muzeum MoMA kolejną „kompozycję suprematystyczną”, aby sprzedać ją w Phillips za 17 milionów dolarów.

16

„kąpiący się”

Autor

Paul Gauguin

Kraj Francja
Lata życia 1848–1903
Styl postimpresjonizm

Do siódmego roku życia artysta mieszkał w Peru, następnie wraz z rodziną wrócił do Francji, jednak wspomnienia z dzieciństwa nieustannie popychały go do podróży. We Francji zaczął malować, przyjaźnił się z Van Goghiem. Spędził z nim nawet kilka miesięcy w Arles, aż w czasie kłótni Van Gogh odciął mu ucho.

93,4 x 60,4 cm
1902
cena
55 milionów dolarów
sprzedany w 2005
na aukcji Sotheby's

W 1891 roku Gauguin zorganizował sprzedaż swoich obrazów, aby dochód wykorzystać na wyprawę w głąb wyspy Tahiti. Tworzył tam dzieła, w których można odczuć subtelną więź natury z człowiekiem. Gauguin mieszkał w chatce krytej strzechą, a na jego płótnach rozkwitał tropikalny raj. Jego żoną była 13-letnia Tahitianka Tehura, co nie przeszkodziło artyście w uprawianiu rozwiązłości. Zachorując na kiłę wyjechał do Francji. Jednak Gauguinowi było tam ciasno i wrócił na Tahiti. Okres ten nazywany jest „drugim Tahitianem” – wtedy powstał obraz „Kąpiący się”, jeden z najbardziej luksusowych w jego twórczości.

17

"Żonkile i obrus w kolorze niebieskim i różowym"

Autor

Henryk Matisse

Kraj Francja
Lata życia 1869–1954
Styl Fowizm

W 1889 roku Henri Matisse miał atak zapalenia wyrostka robaczkowego. Kiedy wyzdrowiał po operacji, matka kupiła mu farby. Najpierw z nudów Matisse kopiował kolorowe pocztówki, potem – dzieła wielkich malarzy, które widział w Luwrze, a na początku XX wieku wymyślił styl – fowizm.

65,2 x 81 cm
1911
cena
46,4 miliona dolarów
sprzedany w 2009
na aukcji Christie

Obraz „Żonkile i obrus w kolorze niebieskim i różowym” przez długi czas należał do Yvesa Saint Laurenta. Po śmierci projektanta cała jego kolekcja dzieł sztuki przeszła w ręce jego przyjaciela i kochanka Pierre'a Bergera, który postanowił wystawić ją na aukcję w Christie's. Perłą sprzedanej kolekcji był obraz „Żonkile i obrus w kolorze niebiesko-różowym”, namalowany na zwykłym obrusie zamiast na płótnie. Jako przykład fowizmu, jest on wypełniony energią koloru, kolory wydają się eksplodować i krzyczeć. Ze znanej serii obrazów obrusowych, dzieło to jako jedyne znajduje się dziś w zbiorach prywatnych.

18

„Śpiąca dziewczyna”

Autor

RoyZawietrzny

Chtenstein

Kraj USA
Lata życia 1923–1997
Styl pop Art

Artysta urodził się w Nowym Jorku, a po ukończeniu szkoły wyjechał do Ohio, gdzie uczęszczał na kursy plastyczne. W 1949 roku Liechtenstein uzyskał tytuł magistra sztuk pięknych. Zainteresowanie komiksem i umiejętność ironii uczyniły go artystą kultowym ubiegłego wieku.

91x91cm
1964
cena
44,882 mln dolarów
sprzedany w 2012
na aukcji Sotheby's

Pewnego razu guma do żucia wpadła w ręce Liechtensteinu. Przerysował obraz z wkładki na płótno i zasłynął. W tym wątku z jego biografii kryje się całe przesłanie pop-artu: konsumpcja jest nowym bogiem, a w opakowaniu po gumie do żucia jest nie mniej piękna niż w Mona Lisie. Jego obrazy przypominają komiksy i karykatury: Lichtenstein po prostu powiększył gotowy obraz, narysował rastry, zastosował sitodruk i sitodruk. Obraz „Śpiąca dziewczyna” przez prawie 50 lat należał do kolekcjonerów Beatrice i Philipa Gershów, których spadkobiercy sprzedali go na aukcji.

19

"Zwycięstwo. Boogie Woogie"

Autor

Pieta Mondriana

Kraj Holandia
Lata życia 1872–1944
Styl neoplastycyzm

Prawdziwe nazwisko – Cornelis – artysta zmienił na Mondrian po przeprowadzce do Paryża w 1912 roku. Wraz z artystą Theo van Doesburgiem założył ruch nowotworowy. Język programowania Piet nosi imię Mondriana.

27x127cm
1944
cena
40 milionów dolarów
sprzedany w 1998
na aukcji Sotheby's

Najbardziej „muzykalny” z artystów XX wieku utrzymywał się z akwarelowych martwych natur, choć zasłynął jako artysta nowotworowy. W latach czterdziestych XX wieku przeniósł się do Stanów Zjednoczonych i tam spędził resztę życia. Jazz i Nowy Jork - to go najbardziej zainspirowało! Obraz „Zwycięstwo. Najlepszym tego przykładem jest Boogie Woogie. „Markowe” zgrabne kwadraty uzyskano dzięki zastosowaniu taśmy klejącej – ulubionego materiału Mondriana. W Ameryce nazywano go „najsłynniejszym imigrantem”. W latach sześćdziesiątych Yves Saint Laurent wyprodukował słynne na całym świecie sukienki „Mondrian” z dużą kolorową kratą.

20

„Kompozycja nr 5”

Autor

BazyliaKandinsky'ego

Kraj Rosja
Lata życia 1866–1944
Styl awangarda

Artysta urodził się w Moskwie, a jego ojciec pochodził z Syberii. Po rewolucji próbował współpracować z władzami sowieckimi, ale szybko zdał sobie sprawę, że prawa proletariatu nie są dla niego stworzone i nie bez trudności wyemigrował do Niemiec.

275x190cm
1911
cena
40 milionów dolarów
sprzedany w 2007
na aukcji Sotheby's

Kandinsky jako jeden z pierwszych całkowicie porzucił malarstwo przedmiotowe, za co otrzymał tytuł geniusza. W czasie nazizmu w Niemczech jego obrazy uznano za „sztukę zdegenerowaną” i nie były nigdzie wystawiane. W 1939 roku Kandinsky przyjął obywatelstwo francuskie, w Paryżu swobodnie uczestniczył w procesie artystycznym. Jego obrazy „brzmią” jak fugi, dlatego wiele z nich nazywa się „kompozycjami” (pierwsza powstała w 1910 r., ostatnia w 1939 r.). „Kompozycja nr 5” to jedno z kluczowych dzieł tego gatunku: „Słowo „kompozycja” zabrzmiało dla mnie jak modlitwa” – stwierdził artysta. W przeciwieństwie do wielu naśladowców, planował to, co przedstawi na ogromnym płótnie, jakby pisał notatki.

21

„Studium kobiety w błękicie”

Autor

Fernand Léger

Kraj Francja
Lata życia 1881–1955
Styl kubizm-postimpresjonizm

Leger zdobył wykształcenie architektoniczne, a następnie był studentem Szkoły Sztuk Pięknych w Paryżu. Artysta uważał się za zwolennika Cezanne’a, był apologetą kubizmu, a w XX wieku odnosił sukcesy także jako rzeźbiarz.

96,5 x 129,5 cm
1912–1913
cena
39,2 miliona dolarów
sprzedany w 2008
na aukcji Sotheby's

David Normann, prezes Międzynarodowego Działu Impresjonizmu i Modernizmu Sotheby, uważa, że ​​ogromna kwota zapłacona za „Damę w błękicie” jest w pełni uzasadniona. Obraz należy do słynnej kolekcji Legera (artysta namalował trzy obrazy na jednej działce, ostatni z nich znajduje się dziś w rękach prywatnych – przyp. red.), a powierzchnia płótna zachowała się w pierwotnej formie. Sam autor przekazał to dzieło galerii Der Sturm, następnie trafiło ono do kolekcji Hermanna Langa, niemieckiego kolekcjonera modernizmu, a obecnie należy do nieznanego nabywcy.

22

„Scena uliczna. Berlin"

Autor

Ernsta LudwigaKirchnera

Kraj Niemcy
Lata życia 1880–1938
Styl ekspresjonizm

Dla niemieckiego ekspresjonizmu Kirchner stał się postacią przełomową. Władze lokalne oskarżyły go jednak o przynależność do „sztuki zdegenerowanej”, co tragicznie wpłynęło na losy jego obrazów i życie artysty, który w 1938 roku popełnił samobójstwo.

95x121cm
1913
cena
38,096 mln dolarów
sprzedany w 2006 roku
na aukcji Christie

Po przeprowadzce do Berlina Kirchner stworzył 11 szkiców scen ulicznych. Inspiracją dla niego był zgiełk i nerwowość wielkiego miasta. Na obrazie sprzedanym w 2006 roku w Nowym Jorku niepokój artysty jest szczególnie dotkliwy: ludzie na berlińskiej ulicy przypominają ptaki – pełne wdzięku i niebezpieczne. Była ostatnią pracą ze słynnej serii, sprzedaną na aukcji, reszta znajduje się w muzeach. W 1937 roku naziści brutalnie potraktowali Kirchnera: 639 jego dzieł zostało skonfiskowanych z niemieckich galerii, zniszczonych lub sprzedanych za granicę. Artysta nie mógł tego przeżyć.

23

"Spoczynkowytancerz"

Autor

Edgara Degasa

Kraj Francja
Lata życia 1834–1917
Styl impresjonizm

Historia Degasa jako artysty rozpoczęła się od tego, że pracował jako kopista w Luwrze. Marzył o zostaniu „sławnym i nieznanym” i ostatecznie mu się to udało. Pod koniec życia, głuchy i niewidomy, 80-letni Degas nadal uczęszczał na wystawy i aukcje.

64x59cm
1879
cena
37,043 mln dolarów
sprzedany w 2008
na aukcji Sotheby's

„Baleriny zawsze były dla mnie tylko pretekstem do przedstawiania tkanin i uchwycenia ruchu” – powiedziała Degas. Sceny z życia tancerzy wydają się być podglądane: dziewczyny nie pozują artyście, a po prostu stają się częścią atmosfery wychwytywanej przez wzrok Degasa. Resting Dancer został sprzedany w 1999 roku za 28 milionów dolarów, a niecałe 10 lat później został kupiony za 37 milionów dolarów – dziś jest to najdroższe dzieło artysty, jakie kiedykolwiek wystawiono na aukcji. Degas przywiązywał dużą wagę do ram, sam je projektował i zabraniał ich zmieniania. Zastanawiam się jaka rama jest zamontowana na sprzedawanym obrazie?

24

"Obraz"

Autor

Juana Miro

Kraj Hiszpania
Lata życia 1893–1983
Styl Sztuka abstrakcyjna

Podczas hiszpańskiej wojny domowej artysta stanął po stronie Republikanów. W 1937 roku uciekł przed faszystowską władzą do Paryża, gdzie wraz z rodziną żył w biedzie. W tym okresie Miro maluje obraz „Pomóż Hiszpanii!”, Zwracając uwagę całego świata na dominację faszyzmu.

89x115cm
1927
cena
36,824 mln dolarów
sprzedany w 2012
na aukcji Sotheby's

Druga nazwa obrazu to „Błękitna Gwiazda”. Artysta napisał ją w tym samym roku, kiedy oznajmił: „Chcę zabić malarstwo” i bezlitośnie kpił z płócien, drapiąc farbę gwoździami, przyklejając pióra do płótna, zasypując dzieło śmieciami. Jego celem było obalenie mitów o tajemnicy malarstwa, jednak poradziwszy sobie z tym, Miro stworzył własny mit – surrealistyczną abstrakcję. Jego „Malarstwo” nawiązuje do cyklu „obrazów-snów”. Na aukcji walczyło o niego czterech nabywców, jednak jedna rozmowa telefoniczna incognito rozstrzygnęła spór, a „Obraz” stał się najdroższym obrazem artysty.

25

"Niebieska róża"

Autor

Yvesa Kleina

Kraj Francja
Lata życia 1928–1962
Styl malarstwo monochromatyczne

Artysta urodził się w rodzinie malarzy, ale studiował języki orientalne, nawigację, rzemiosło złotnicze, buddyzm zen i wiele innych. Jego osobowość i bezczelne wybryki były wielokrotnie ciekawsze niż monochromatyczne obrazy.

153x199x16cm
1960
cena
36,779 mln dolarów
sprzedany w 2012 roku
na aukcji Christie’s

Pierwsza wystawa solidnych prac w kolorze żółtym, pomarańczowym i różowym nie wzbudziła zainteresowania opinii publicznej. Klein poczuł się urażony i następnym razem pokazał 11 identycznych płócien, pomalowanych ultramaryną zmieszaną ze specjalną żywicą syntetyczną. Nawet opatentował tę metodę. Kolor przeszedł do historii jako „International Klein Blue”. Artysta sprzedawał także pustkę, tworzył obrazy wystawiając papier na działanie deszczu, podpalając karton, wykonując odbitki ludzkiego ciała na płótnie. Jednym słowem eksperymentowałem jak mogłem. Do stworzenia "Błękitnej Róży" użyłam suchych pigmentów, żywic, kamyczków i naturalnej gąbki.

26

„Szukając Mojżesza”

Autor

Sir Lawrence'a Alma-Tadema

Kraj Wielka Brytania
Lata życia 1836–1912
Styl neoklasycyzm

Sam Sir Lawrence dodał do swojego nazwiska przedrostek „alma”, aby pojawiać się jako pierwsze w katalogach dzieł sztuki. W wiktoriańskiej Anglii jego obrazy cieszyły się takim zainteresowaniem, że artysta otrzymał tytuł szlachecki.

213,4 x 136,7 cm
1902
cena
35,922 mln dolarów
sprzedany w 2011
na aukcji Sotheby's

Głównym tematem twórczości Alma-Tadema była starożytność. Na obrazach starał się w najdrobniejszych szczegółach przedstawić epokę Cesarstwa Rzymskiego, w tym celu zaangażował się nawet w wykopaliska archeologiczne na Półwyspie Apenińskim, a w swoim londyńskim domu odtworzył historyczne wnętrza tamtych lat. Kolejnym źródłem inspiracji stały się dla niego opowieści mitologiczne. Artysta za życia cieszył się dużym zainteresowaniem, jednak po śmierci szybko o nim zapomniano. Teraz zainteresowanie odżywa, o czym świadczy cena obrazu „W poszukiwaniu Mojżesza”, siedmiokrotnie wyższa od szacunkowej przedsprzedaży.

27

„Portret śpiącego nagiego urzędnika”

Autor

Lucjan Freud

Kraj Niemcy,
Wielka Brytania
Lata życia 1922–2011
Styl malarstwo figuratywne

Artysta jest wnukiem Zygmunta Freuda, ojca psychoanalizy. Po ustanowieniu faszyzmu w Niemczech jego rodzina wyemigrowała do Wielkiej Brytanii. Prace Freuda znajdują się w Kolekcji Wallace'a w Londynie, gdzie żaden współczesny artysta nie wystawiał wcześniej.

219,1 x 151,4 cm
1995
cena
33,6 miliona dolarów
sprzedany w 2008
na aukcji Christie

Podczas gdy modni artyści XX wieku tworzyli pozytywne „kolorowe plamy na ścianie” i sprzedawali je za miliony, Freud malował niezwykle naturalistyczne obrazy i sprzedawał je za jeszcze więcej. „Uchwytuję płacz duszy i cierpienie więdnącego ciała” – powiedział. Krytycy uważają, że wszystko to jest „dziedzictwem” Zygmunta Freuda. Obrazy cieszyły się tak dużą popularnością i powodzeniem się sprzedawały, że eksperci mieli wątpliwości: czy mają właściwości hipnotyczne? Sprzedany na aukcji „Portret śpiącego nagiego urzędnika” według „The Sun” nabył koneser piękna i miliarder Roman Abramowicz.

28

„Skrzypce i gitara”

Autor

Xjeden grys

Kraj Hiszpania
Lata życia 1887–1927
Styl kubizm

Urodzony w Madrycie, gdzie ukończył Szkołę Sztuki i Rzemiosła. W 1906 przeniósł się do Paryża i wszedł do kręgu najbardziej wpływowych artystów epoki: Picassa, Modiglianiego, Braque'a, Matisse'a, Legera, współpracował także z Siergiejem Diagilewem i jego trupą.

5x100cm
1913
cena
28,642 mln dolarów
sprzedany w 2010
na aukcji Christie

Gris, jak sam stwierdził, zajmował się „płaską, kolorową architekturą”. Jego obrazy są precyzyjnie przemyślane: nie pozostawił ani jednej przypadkowej kreski, co sprawia, że ​​twórczość związana jest z geometrią. Artysta stworzył własną wersję kubizmu, choć darzył wielkim szacunkiem Pabla Picassa, ojca założyciela tego ruchu. Następca zadedykował mu nawet swoje pierwsze dzieło kubistyczne, Tribute to Picasso. Obraz „Skrzypce i gitara” uznawany jest za wybitny w twórczości artysty. Już za życia Gris był znany, lubiany przez krytyków i krytyków sztuki. Jego prace znajdują się w największych muzeach świata i znajdują się w kolekcjach prywatnych.

29

"PortretPola Eluarda»

Autor

Salvador Dali

Kraj Hiszpania
Lata życia 1904–1989
Styl surrealizm

„Surrealizm to ja” – powiedział Dali, kiedy został wydalony z grupy surrealistów. Z biegiem czasu stał się najsłynniejszym artystą surrealistycznym. Prace Dali są wszędzie, nie tylko w galeriach. To on na przykład był pomysłodawcą opakowania Chupa-Chups.

25x33cm
1929
cena
20,6 miliona dolarów
sprzedany w 2011
na aukcji Sotheby's

W 1929 roku poeta Paul Eluard i jego rosyjska żona Gala przyjechali z wizytą do wielkiego prowokatora i awanturnika Dali. Spotkanie było początkiem historii miłosnej, która trwała ponad pół wieku. Właśnie podczas tej historycznej wizyty powstał obraz „Portret Paula Eluarda”. „Poczułem, że powierzono mi obowiązek uchwycenia twarzy poety, z którego Olimpu ukradłem jedną z muz” – powiedział artysta. Przed spotkaniem z Galą był dziewicą i był zniesmaczony myślą o uprawianiu seksu z kobietą. Trójkąt miłosny istniał aż do śmierci Eluarda, po czym stał się duetem Dali-Gala.

30

"Rocznica"

Autor

Marka Chagalla

Kraj Rosja, Francja
Lata życia 1887–1985
Styl awangarda

Moishe Segal urodził się w Witebsku, ale w 1910 roku wyemigrował do Paryża, zmienił nazwisko i zbliżył się do czołowych artystów awangardowych swojej epoki. W latach 30., kiedy naziści przejęli władzę, z pomocą amerykańskiego konsula wyjechał do Stanów Zjednoczonych. Do Francji powrócił dopiero w 1948 r.

80x103cm
1923
cena
14,85 miliona dolarów
sprzedany w 1990 r
na aukcji Sotheby’s

Obraz „Jubileusz” uznawany jest za jedno z najlepszych dzieł artysty. Ma wszystkie cechy jego twórczości: fizyczne prawa świata zostają wymazane, w scenerii drobnomieszczańskiego życia zachowany zostaje klimat baśni, a w centrum fabuły znajduje się miłość. Chagall nie czerpał ludzi z natury, a jedynie z pamięci lub fantazji. Obraz „Jubileusz” przedstawia samego artystę z żoną Belą. Obraz został sprzedany w 1990 roku i od tego czasu nie był licytowany. Co ciekawe, nowojorskie Muzeum Sztuki Nowoczesnej MoMA przechowuje dokładnie to samo, tylko pod nazwą „Urodziny”. Nawiasem mówiąc, zostało napisane wcześniej - w 1915 roku.

projekt przygotowany
Tatiana Palasowa
ocena skompilowana
według listy www.art-spb.ru
magazyn tmn nr 13 (maj-czerwiec 2013)

Artyści zawsze byli wysoko cenieni, bo mogli przekazać potomkom tych, których nie widzieli. Pomogli zyskać życie wieczne. W czasach nowożytnych, wraz z wynalezieniem aparatu, artyści nie stracili na wartości. W każdym zawodzie są wybitni przedstawiciele, których można nazwać najlepszymi. Na tym szczycie znajdują się najlepsi i najpopularniejsi artyści na świecie.

• 10 Izaak Lewitan

  Izaak Lewitan to znakomity artysta pochodzący z Imperium Rosyjskiego. Jego życie było dość trudne, podobnie jak droga, którą musiał pokonać, aby zostać artystą najwyższej klasy. Ale dzięki swojej pracy Lewitan dał światu dużą liczbę krajobrazów.

• 9 Augusta Renoira

  
  

  Ten francuski malarz, rzeźbiarz i grafik urodził się w 1919 roku w Limonge. Ten genialny artysta jest jednym z pierwszych impresjonistów, który odniósł sukces wśród bogatych mieszkańców Paryża, a jego liczne prace wystawiane są w wielu galeriach na całym świecie.

• 8. Claude Monet

  
  

  Claude Monet urodził się we Francji, w Paryżu, w 1926 roku. Jest jednym z najsłynniejszych malarzy na świecie, a także jednym z twórców impresjonizmu. Do dziś jego twórczość zachwyca ogromną liczbę osób.

• 7 Salvadora Dali

  
  

  Ten ekscentryczny artysta XX wieku od wielu lat nie daje spokoju naszym współczesnym. Jego obrazy zachwycają techniką, ale jeszcze bardziej uderzające jest to, co przedstawiał na swoich obrazach. Wielu przerażają i dezorientują, a wielu zachwycają. Pomimo swoich kontrowersyjnych dzieł można powiedzieć, że Salvador Dali to jeden z najsłynniejszych artystów na świecie.

• 6 Michał Anioł Buonarroti

  
  

  Michelangelo Buonarroti to jeden z najwybitniejszych artystów renesansu, znany na całym świecie. Jego życie było długie i pełne wydarzeń, a jego dzieła przetrwały wieki i dały mu życie wieczne. Jego nazwisko do dziś kojarzone jest z nazwiskiem największego artysty na świecie.

• 5 Rafaela Santi

  
  

  Raphael Santi jest znanym malarzem renesansu. Jego prace zadziwiają umysły wielu, a jego technika jest po prostu niepowtarzalna. Miał ogromną liczbę uczniów, ale żaden z nich nie mógł osiągnąć takiego sukcesu jak ich nauczyciel.

• 4 stycznia Wermeera

  
  

  Jan Vermeer to genialny holenderski artysta, którego portrety zachwycają dokładnością i oryginalnością. Już za życia zarabiał nieźle, tworząc portrety zamożnych klientów. A teraz jego obrazy są warte fortunę. Niestety nie przekazał swoich umiejętności nikomu, bo nie miał ani jednego ucznia.

• 3 Pabla Picassa

  
  

  Ten wybitny artysta jest znany bardzo wielu. I choć nie wszyscy rozumieją wartość jego obrazów, nie można zaprzeczyć, że wniósł on kolosalny wkład w rozwój sztuk pięknych, a jego obrazy przyniosły mu ogromną fortunę.

• 2 Vincenta van Gogha

  
  

  Ten holenderski artysta znany jest nie tylko ze swojej niezwykłej twórczości, ale także z zaburzeń psychicznych, które później doprowadziły do ​​​​jego samobójstwa. Niestety w życiu udało mu się sprzedać tylko jeden obraz, ale teraz jego prace są warte mnóstwo pieniędzy.

• 1 Leonardo da Vinci

  
  

  Ta wybitna osoba jest nie tylko znakomitym artystą, ale także naukowcem i wynalazcą. Był jednym z najwybitniejszych przedstawicieli swoich czasów. Jego obrazy znane są nawet osobom dalekim od sztuki. Jego twórczość wniosła ogromny wkład w rozwój społeczeństwa ludzkiego.