Aleksander Ostrovski loomingut on vaevalt võimalik lühidalt kirjeldada, kuna see inimene jättis kirjanduse arengusse suure panuse.
Ta kirjutas paljudest asjadest, kuid kõige rohkem on kirjandusloost meelde jäänud kui hea näitekirjanik.
Loovuse populaarsus ja tunnused
Populaarsus A.N. Ostrovskile toodi teos "Meie inimesed – asume elama." Pärast selle avaldamist hindasid tema tööd paljud tolleaegsed kirjanikud.
See andis kindlustunde ja inspiratsiooni Aleksandr Nikolajevitšile endale.
Pärast nii edukat debüüti kirjutas ta palju teoseid, mis mängisid tema loomingus olulist rolli. Nende hulgas on järgmised:
- "Mets"
- "Talendid ja austajad"
- "Kaasavara".
Kõiki tema näidendeid võib nimetada psühholoogilisteks draamadeks, sest selleks, et mõista, millest kirjanik kirjutas, tuleb tema loomingusse põhjalikult süveneda. Tema näidendite tegelased olid mitmekülgsed isiksused, kellest igaüks aru ei saanud. Ostrovski käsitles oma töödes riigi väärtuste kokkuvarisemist.
Igal tema näidendil on realistlik lõpp, autor ei püüdnud kõike positiivse lõpuga lõpetada, nagu paljudele kirjanikele, oli ka tema jaoks olulisem näidata oma teostes tõelist, mitte väljamõeldud elu. Ostrovski püüdis oma teostes kajastada vene rahva elu ja pealegi ei kaunistanud ta seda üldse - vaid kirjutas, mida enda ümber nägi.
Tema teoste süžeedeks olid ka lapsepõlvemälestused. Tema loomingu eripäraks võib nimetada asjaolu, et tema teoseid ei tsenseeritud täielikult, kuid vaatamata sellele jäid need populaarseks. Võib-olla oli tema populaarsuse põhjuseks see, et näitekirjanik püüdis Venemaad lugejatele esitleda sellisena, nagu see on. Rahvus ja realism on peamised kriteeriumid, millest Ostrovski oma teoste kirjutamisel kinni pidas.
Töö viimastel aastatel
A.N. Loovusega tegeles Ostrovski eriti oma elu viimastel aastatel, just siis kirjutas ta oma loomingu jaoks kõige olulisemad draamad ja komöödiad. Kõik need on kirjutatud põhjusega, peamiselt kirjeldavad tema teosed naiste traagilist saatust, kes peavad oma probleemidega üksi hakkama saama. Ostrovski oli jumalast pärit näitekirjanik, näib, et tal õnnestus kirjutada väga lihtsalt, mõtted ise tulid talle pähe. Aga ta kirjutas ka selliseid töid, kus tuli vaeva näha.
Viimastes töödes töötas dramaturg välja uusi teksti esitamise ja ekspressiivsuse meetodeid – mis sai tema loomingus omanäoliseks. Tšehhov hindas kõrgelt tema kirjutamisstiili, mis Aleksander Nikolajevitši jaoks pole kiita. Ta püüdis oma töös näidata tegelaste sisemist võitlust.
Ostrovski kirjutas teatrile. See on tema kingituse eripära. Tema loodud kujundid ja elupildid on mõeldud lavale. Seetõttu on Ostrovski tegelaste kõne nii tähtis, seetõttu kõlavad tema teosed nii eredalt. Pole ime, et Innokenty Annensky nimetas teda realistlikuks kuuljaks. Laval lavale panemata jäid tema teosed justkui lõpetamata, mistõttu võttis Ostrovski oma näidendite keelustamist teatritsensuuriga nii kõvasti. Komöödia "Meie inimesed – asume elama" lubati teatris lavastada alles kümme aastat pärast seda, kui Pogodin jõudis selle ajakirjas avaldada.
Varjamatu rahulolutundega kirjutas A. N. Ostrovski 3. novembril 1878 oma sõbrale, Aleksandrinski teatri kunstnikule A. F. Burdinile: "Kaasavara" tunnistati üksmeelselt kõigist minu töödest parimaks. Ostrovski elas "Kaasavarale", kohati ainult temale, oma neljakümnendale asjale, juhtis "oma tähelepanu ja jõudu", soovides teda kõige põhjalikumalt "lõpetada". Septembris 1878 kirjutas ta ühele oma tuttavale: „Ma töötan oma näidendi kallal täie jõuga; see ei näe halb välja." Juba päev pärast esilinastust, 12. novembril, võis Ostrovski teada saada ja kahtlemata sai ka Russkije Vedomostilt teada, kuidas tal õnnestus "väsitada ära kogu publik kuni kõige naiivsemate vaatajateni välja". Sest tema – publik – on selgelt "välja kasvanud" nendest prillidest, mida ta talle pakub. 1970. aastatel muutusid Ostrovski suhted kriitikute, teatrite ja publikuga üha keerulisemaks. Viiekümnendate lõpus ja kuuekümnendate alguses võidetud universaalset tunnustust nautinud periood asendus teisega, mis erinevates dramaturgi poole jahenemise ringkondades üha enam kasvas.
Teatritsensuur oli karmim kui kirjandustsensuur. See pole juhus. Sisuliselt on teatrikunst demokraatlik, see on otsesem kui kirjandus, on suunatud laiemale avalikkusele. Ostrovski kirjutas oma märkuses draamakunsti olukorrast Venemaal praegusel ajal (1881), et „dramaatiline luule on rahvale lähedasem kui teised kirjandusharud. Kõik teised teosed on kirjutatud haritud inimestele, draamad ja komöödiad aga kogu rahvale; draamakirjanikud peavad seda alati meeles pidama, nad peavad olema selged ja tugevad. Selline lähedus rahvale ei halvenda draamaluulet vähimalgi määral, vaid vastupidi, kahekordistab selle tugevust ega lase muutuda labaseks ja väiklaseks. Ostrovski räägib oma "Märkuses" sellest, kuidas Venemaa teatripublik pärast 1861. aastat laienes. Ostrovski kirjutab uuele, kunstis kogenemata vaatajale, Ostrovski kirjutab: „Peen kirjandus on tema jaoks ikka igav ja arusaamatu, muusika ka, ainult teater pakub talle täielikku naudingut, seal kogeb ta nagu laps kõike, mis laval toimub, tunneb heale kaasa ja tunneb selgelt ära kurja." "Värske" publiku jaoks kirjutas Ostrovski: "vajalik on tugev draama, mastaapne komöödia, trotslik, avameelne, valju naeru, kuumad, siirad tunded."
Just teatril, mille juured on Ostrovski sõnul rahvasaates, on võime otseselt ja tugevalt mõjutada inimeste hinge. Kaks ja pool aastakümmet hiljem kirjutab Alexander Blok luulest rääkides, et selle olemus seisneb peamistes, “kõndivates” tõdedes, oskuses need lugeja südamesse edastada, mis teatril on:
Minge edasi, leinad!
Näitlejad, valdage seda käsitööd,
Käivast tõest
Kõik tundsid end haigena ja kergena!
("Balagan", 1906)
Suur tähtsus, mida Ostrovski omistas teatrile, tema mõtted teatrikunstist, teatri positsioonist Venemaal, näitlejate saatusest - kõik see kajastus tema näidendites. Kaasaegsed tajusid Ostrovskit Gogoli dramaatilise kunsti järglasena. Kuid tema näidendite uudsus märgiti kohe ära. Juba 1851. aastal tõi noor kriitik Boriss Almazov artiklis “Unenägu komöödia puhul” välja Ostrovski ja Gogoli erinevused. Ostrovski originaalsus ei seisnenud ainult selles, et ta ei kujutanud mitte ainult rõhujaid, vaid ka nende ohvreid, mitte ainult selles, et nagu I. Annensky kirjutas, oli Gogol peamiselt „visuaalse” ja Ostrovski „kuulmise” luuletaja. ” muljeid.
Ostrovski originaalsus, uudsus avaldus ka elumaterjali valikus, pildi teemas - ta valdas reaalsuse uusi kihte. Ta oli Kolumbus, mitte ainult Zamoskvorechie avastaja, keda ainult meie ei näe, kelle hääli me Ostrovski teostes ei kuule! Innokenty Annensky kirjutas: „... See on helipiltide virtuoos: kaupmehed, rändurid, vabrikutöölised ja ladina keele õpetajad, tatarlased, mustlased, näitlejad ja seksitöötajad, baarid, ametnikud ja pisibürokraadid – Ostrovsky andis tohutu galerii. tüüpilistest kõnedest ...” Näitlejad, teatrikeskkond - ka uus elumaterjal, mida Ostrovski valdas - kõik teatriga seonduv tundus talle väga oluline.
Ostrovski enda elus mängis teater tohutut rolli. Ta osales oma näidendite lavastuses, töötas näitlejatega, oli paljudega sõber, pidas kirjavahetust. Ta nägi palju vaeva näitlejate õiguste kaitsmisega, püüdes luua Venemaal teatrikooli, oma repertuaari. Maly teatri kunstnik N.V. Rykalova meenutas: Ostrovskist sai trupiga paremini tuttavaks saanud meie oma mees. Rühm armastas teda väga. Aleksander Nikolajevitš oli kõigi vastu ebatavaliselt südamlik ja viisakas. Tol ajal valitsenud pärisorjarežiimi ajal, kui ülemused ütlesid kunstnikule “sina”, kui suurem osa trupist oli pärisorjadest, tundus Ostrovski kohtlemine kõigile mingisugune ilmutus. Tavaliselt lavastas Aleksandr Nikolajevitš oma näidendeid ise ... Ostrovski kogus trupi ja luges talle näidendit. Ta oskas märkimisväärselt hästi lugeda. Kõik tegelased väljusid temast otsekui elus ... Ostrovski tundis hästi teatri sisemist, publiku pilgu eest varjatud, lavatagust elu. Alates metsast "(1871) arendab Ostrovski teatritemaatikat, loob näitlejapilte, kujutab nende saatust - sellele näidendile järgneb "17. sajandi koomik" (1873), "Talendid ja austajad" (1881) , "Süüdi ilma süüta" (1883).
Näitlejate positsioon teatris, nende edu sõltus sellest, kas nad meeldisid linnas tooni andvatele jõukatele vaatajatele või mitte. Elati ju provintsitrupid peamiselt kohalike patroonide annetustest, kes tundsid end teatris meistritena ja võisid oma tingimusi dikteerida. Paljud näitlejannad elasid jõukate fännide kallitest kingitustest. Oma au hellitanud näitlejannal oli raske. "Talendid ja austajad" kujutab Ostrovski sellist elusituatsiooni. Sasha Negina ema Domna Panteleevna kurdab: "Minu Sasha pole õnnelik! Ta hoiab ennast väga hoolikalt, noh, avalikkuse vahel pole sellist dispositsiooni: ei mingeid erilisi kingitusi, ei midagi muud nagu teised, mis ... kui ... ".
Nina Smelskaja, kes võtab meelsasti vastu jõukate fännide patrooni, muutudes sisuliselt hoitud naiseks, elab palju paremini, tunneb end teatris palju enesekindlamalt kui andekas Negina. Kuid vaatamata raskele elule, ebaõnnele ja pahameelele säilitavad paljud inimesed, kes on oma elu lavale, teatrile pühendanud, oma hinges lahkuse ja õilsuse Ostrovski kuvandil. Esiteks on need traagikad, kes laval peavad elama kõrgete kirgede maailmas. Muidugi pole õilsus ja vaimne suuremeelsus omane mitte ainult traagikutele. Ostrovski näitab, et tõeline talent, huvitamatu armastus kunsti ja teatri vastu tõstab inimesi. Need on Narokov, Negina, Kruchinina.
Vararomantilistes lugudes väljendas Maksim Gorki oma ellusuhtumist ja inimestesse, ajastuvaadet. Paljude nende lugude kangelased on nn trampid. Kirjanik kujutab neid julgete, tugeva südamega inimestena. Nende jaoks on peamine vabadus, millest trampijad, nagu meie kõik, omal moel aru saavad. Nad unistavad kirglikult mingist erilisest elust, mis on kaugel tavalisest. Kuid nad ei leia teda, nii et nad lähevad hulkuma, joovad liiga palju, sooritavad enesetapu. Ühte neist inimestest on kujutatud loos "Chelkash". Chelkash - "vana mürgitatud hunt, havanlastele hästi tuntud, paadunud joodik ja l
Feti luules on armastuse tunne põimitud vastuoludest: see pole ainult rõõm, vaid ka piin ja kannatus. Fetovi "armastuse lauludes" annab luuletaja end nii täielikult armastustundele, joovastusele armastatud naise ilust, et see toob iseenesest õnne, milles isegi kurvad kogemused on suur õndsus. Maailma olemasolu sügavustest kasvab armastus, millest on saanud Feti inspiratsiooni teema. Luuletaja hinge sisemine sfäär on armastus. Oma luuletustesse pani ta armastustunde erinevaid varjundeid: mitte ainult säravat armastust, imetlevat ilu, imetlust, naudingut, vastastikkuse õnne, vaid ka
19. sajandi 90. aastate lõpus hämmastas lugejat uue kirjaniku M. Gorki kolme esseede ja lugude köide ilmumine. "Suur ja originaalne talent" – selline oli üldine hinnang uue kirjaniku ja tema raamatute kohta. Ühiskonna kasvav rahulolematus ja otsustavate muutuste ootus tõid kaasa romantiliste kalduvuste kasvu kirjanduses. Need tendentsid kajastusid eriti selgelt noore Gorki loomingus, sellistes lugudes nagu "Chelkash", "Vana naine Izergil", "Makar Chudra", revolutsioonilistes lauludes. Nende lugude kangelasteks on inimesed "päike veres", tugevad, uhked, ilusad. Need kangelased on Gorki unistus
Rohkem kui sada aastat tagasi toimusid ühes väikeses provintsilinnas Taanis - Funeni saarel Odenses erakordsed sündmused. Odense vaiksed, veidi unised tänavad täitusid ühtäkki muusikahelidega. Käsitööliste rongkäik tõrvikute ja plakatitega marssis mööda eredalt valgustatud vanast raekojast, tervitades pikka sinisilmset meest, kes seisis akna juures. Kelle auks Odense elanikud 1869. aasta septembris oma tule süütasid? See oli Hans Christian Andersen, kes valiti vahetult enne seda oma kodulinna aukodanikuks. Andersenit austades laulsid tema kaasmaalased mehe ja kirjaniku kangelastegu,
Seoses Ostrovski tegevuse 35. aastapäevaga kirjutas Gontšarov talle: „Ehitasite üksi hoone, mille alusele panite Fonvizini, Gribojedovi, Gogoli nurgakivid. Aga alles pärast teid saame meie, venelased, uhkusega öelda: "Meil on oma, vene rahvusteater." Ausalt öeldes tuleks seda nimetada Ostrovski teatriks.
Ostrovski rolli vene teatri ja draama arengus võib võrrelda olulisusega, mis Shakespeare oli inglise kultuurile ja Molière prantsuse keelele. Ostrovski muutis vene teatri repertuaari olemust, võttis kokku kõik enne teda tehtu ja avas dramaturgiale uusi teid. Tema mõju teatrikunstile oli erakordselt suur. See kehtib eriti Moskva Maly teatri kohta, mida traditsiooniliselt kutsutakse ka Ostrovski majaks. Tänu suure näitekirjaniku arvukatele näidenditele, kes kinnitasid laval realismi traditsioone, arenes rahvuslik näitlejakool edasi. Terve galaktika tähelepanuväärseid vene näitlejaid Ostrovski näidendite ainetel suutis ilmekalt näidata oma ainulaadset annet, kinnitada vene teatrikunsti originaalsust.
Ostrovski dramaturgia keskmes on probleem, mis on läbinud kogu vene klassikalise kirjanduse: inimese konflikt talle vastanduvate ebasoodsate elutingimustega, kurjuse mitmekülgsed jõud; indiviidi õiguse vabale ja igakülgsele arengule kinnitamine. Suure näitekirjaniku näidendite lugejate ja vaatajate ees avaneb lai panoraam Venemaa elust. See on sisuliselt terve ajaloolise ajastu elu ja tavade entsüklopeedia. Kaupmehed, ametnikud, mõisnikud, talupojad, kindralid, näitlejad, kaupmehed, kosjasobitajad, ärimehed, üliõpilased – mitusada Ostrovski loodud näitlejat andsid täieliku ettekujutuse 40-80ndate Venemaa tegelikkusest. kogu selle keerukuses, mitmekesisuses ja ebajärjekindluses.
Ostrovski, kes lõi terve galerii imelistest naisepiltidest, jätkas juba vene klassikas määratletud õilsat traditsiooni. Näitekirjanik tõstab esile tugevaid terviklikke loomusi, mis mitmel juhul osutuvad moraalselt kõrgemaks kui nõrk, ebakindel kangelane. Need on Katerina ("Äikesetorm"), Nadja ("Õpilane"), Kruchinina ("Süüta süüdi"), Natalia ("Tööleib") ja teised.
Mõeldes vene draamakunsti originaalsusele, selle demokraatlikule alusele, kirjutas Ostrovski: „Rahvakirjanikud tahavad proovida kätt värske publikuga, kelle närvid pole eriti painduvad, mis nõuab tugevat draamat, suurt komöödiat, mis põhjustab avameelset, valju naeru. , kuumad, siirad tunded, elavad ja tugevad karakterid. Sisuliselt on see Ostrovski enda loominguliste põhimõtete tunnusjoon.
"Äikesetormi" autori dramaturgiat eristab žanriline mitmekesisus, traagilise ja koomilise, argise ja groteskse, farsilise ja lüürilise elemendi kombinatsioon. Tema näidendeid on mõnikord raske ühele konkreetsele žanrile omistada. Ta ei kirjutanud niivõrd draamat ega komöödiat, kuivõrd Dobroljubovi tabava määratluse kohaselt "elunäidendeid". Tema teoste tegevus toimub sageli laial eluruumil. Elukära ja jutt puhkesid tegutsema, kujunesid üheks sündmuste ulatuse määravaks teguriks. Perekonfliktid arenevad sotsiaalseteks. materjali saidilt
Näitekirjaniku oskus avaldub sotsiaalsete ja psühholoogiliste tunnuste täpsuses, dialoogikunstis, tabavas, elavas rahvakõnes. Tegelaste keel muutub tema jaoks üheks peamiseks kujundi loomise vahendiks, realistliku tüpiseerimise vahendiks.
Suulise rahvakunsti suur tundja Ostrovski kasutas laialdaselt folklooritraditsioone, rahvatarkuste rikkaimat varakambrit. Laul võib asendada tema monoloogi, vanasõna või ütlust ja saada näidendi pealkirjaks.
Ostrovski loominguline kogemus avaldas tohutut mõju vene draama ja teatrikunsti edasisele arengule. Moskva Kunstiteatri asutajad V. I. Nemirovitš-Dantšenko ja K. S. Stanislavski püüdsid luua "rahvateatri, millel on ligikaudu samad ülesanded ja samad plaanid, millest Ostrovski unistas". Tšehhovi ja Gorki dramaatiline uuendus oleks olnud võimatu ilma nende tähelepanuväärse eelkäija parimate traditsioonide valdamiseta.
Kas te ei leidnud seda, mida otsisite? Kasutage otsingut
Sellel lehel on materjalid teemadel:
- Essee Ostpovski elust, selle tähtsusest vene teatri arengus
- Ostrovski artiklid teatrist
- Ostrovski teatri kokkuvõte
Kogu A.N. loominguline elu. Ostrovski oli lahutamatult seotud Vene teatriga ja tema teened Venemaa lavale on tõeliselt mõõtmatud. Tal oli oma elu lõpul igati põhjust öelda: "... Vene draamateatris on ainult üks mina. Mina olen kõik: akadeemia, filantroop ja kaitse. Lisaks ... sai minust juht lavakunstist."
Ostrovski osales aktiivselt oma näidendite lavastamisel, töötas näitlejatega, oli paljudega neist sõber ja pidas nendega kirjavahetust. Ta nägi palju vaeva näitlejate moraali kaitsmisega, püüdes luua Venemaal teatrikooli, oma repertuaari.
1865. aastal organiseeris Ostrovski Moskvas kunstiringi, mille eesmärk oli kaitsta kunstnike, eriti provintside huve, ja edendada nende haridust. 1874. aastal asutas ta Draamakirjanike ja Ooperiheliloojate Seltsi. Ta koostas valitsusele märgukirjad etenduskunstide arengu kohta (1881), lavastas Moskva Maly teatris ja Peterburi Aleksandrinski teatris, vastutas Moskva teatrite repertuaari eest (1886), oli lavakunsti juhataja. teatrikool (1886). Ta "ehitas" terve "vene teatri hoone", mis koosnes 47 originaalnäidendist. "Te tõite kirjandusele kingituseks terve raamatukogu kunstiteoseid," kirjutas I. A. Gontšarov Ostrovskile, "te lõite lava jaoks oma erilise maailma. meie, venelased, võime uhkusega öelda: meil on oma Vene rahvusteater."
Ostrovski looming moodustas Vene teatri ajaloos terve epohhi. Peaaegu kõik tema näidendid tema eluajal lavastati Maly teatris, need kasvatasid üles mitu põlvkonda kunstnikke, kellest kasvasid suurepärased Vene lavameistrid. Ostrovski näidendid on mänginud Maly teatri ajaloos nii märkimisväärset rolli, et seda nimetatakse uhkelt Ostrovski majaks.
Ostrovski lavastas oma näidendid tavaliselt ise. Ta tundis hästi teatri sisemist, publiku pilgu eest varjatud lavatagust elu. Dramaturgi teadmised näitlejaelust avaldus selgelt näidendites „Mets“ (1871), „17. sajandi koomik“ (1873), „Talendid ja austajad“ (1881), „Süüta süüdlased“ (1883).
Neis teostes astuvad meie ette erineva rolliga provintsinäitlejate elutüübid. Need on tragöödikud, koomikud, "esimesed armastajad". Kuid olenemata rollist pole näitlejate elu reeglina kerge. Nende saatust oma näidendites kujutades püüdis Ostrovski näidata, kui raske on peene hinge ja andega inimesel elada ebaõiglases hingetuse ja teadmatuse maailmas. Samal ajal võisid Ostrovski kujus näitlejad osutuda peaaegu kerjusteks, nagu Neschastlivtsev ja Schastlivtsev Lesis; alandatud ja purjuspäi inimliku välimuse kaotanud, nagu Robinson "Kaasavaras", nagu Shmaga filmis "Süüdi", nagu Erast Gromilov "Talendid ja austajad".
Komöödias "Mets" paljastas Ostrovski Venemaa provintsiteatri näitlejate ande ja näitas samal ajal nende alandavat positsiooni, mis on määratud hulkumisele ja igapäevase leiva otsinguil ekslemisele. Kui nad kohtuvad, pole Schastlivtsevil ja Neschastlivtsevil sentigi raha ega näpuotsaga tubakat. Tõsi, Neschastvittsevil on omatehtud seljakotis mõned riided. Tal oli isegi frakk, kuid rolli mängimiseks pidi ta selle Chişinăus "Hamleti kostüümi vastu" vahetama. Kostüüm oli näitleja jaoks väga oluline, kuid vajaliku garderoobi saamiseks oli vaja palju raha ...
Ostrovski näitab, et provintsi näitleja on sotsiaalse redeli madalal pulgal. Ühiskonnas valitseb eelarvamus näitleja elukutse suhtes. Gurmõžskaja, saades teada, et tema vennapoeg Neschastlivtsev ja tema kamraad Šastlivtsev on näitlejad, teatab üleolevalt: "Homme hommikul neid siin ei ole. Mul ei ole selliste härrasmeeste jaoks hotelli ega kõrtsi." Kui kohalikele võimudele näitleja käitumine ei meeldi või kui tal pole dokumente, kiusatakse teda taga ja võidakse isegi linnast välja saata. Arkadi Schastlivtsevi "viskasid kasakad piitsadega linnast kolm korda... nelja miili kaugusele". Korratuse, igaveste eksirännakute tõttu näitlejad joovad. Tavernide külastamine on nende ainus viis reaalsusest eemalduda, vähemalt mõneks ajaks mured unustada. Schastlivtsev ütleb: "... Oleme temaga võrdsed, mõlemad näitlejad, tema on Neschastlivtsev, mina olen Šastlivtsev ja me oleme mõlemad joodikud," ja teatab siis bravuurikalt: "Me oleme vaba, kõndiv rahvas - me hindame kõrtsi. kõige rohkem." Kuid see Arkaška Schastlivtsevi puhmik on vaid mask, mis varjab väljakannatamatut valu sotsiaalse alanduse eest.
Vaatamata raskele elule, raskustele ja pahameelele säilitavad paljud Melpomene ministrid oma hinges lahkuse ja õilsuse. "Metsas" lõi Ostrovski üllase näitleja - tragöödia Neschastlivtsevi - kõige eredama kuvandi. Ta kujutas "elavat" inimest, raske saatusega, kurva elulooga. Näitleja joob ohtralt, kuid kogu näidendi jooksul ta muutub, paljastuvad tema olemuse parimad jooned. Sunnides Vosmibratovit Gurmõžskajale raha tagastama, korraldab Nesšastlivtsev etenduse, esitab võltstellimusi. Praegu mängib ta sellise jõuga, sellise usuga, et kurja saab karistada, et saavutab tõelise eluedu: Vosmibratov annab raha. Seejärel, andes Aksjušale oma viimase raha, korraldades tema õnne, Neschastlivtsev enam ei mängi. Tema teod ei ole teatraalne žest, vaid tõeliselt üllas tegu. Ja kui ta lavastuse lõpus lausub Karl Mohri kuulsa monoloogi F. Schilleri "Röövlitest", muutuvad Schilleri kangelase sõnad sisuliselt tema enda vihase kõne jätkuks. Märkus, mille Neschastlivtsev Gurmõžskajale ja kogu tema seltskonnale heidab: "Me oleme kunstnikud, õilsad kunstnikud ja koomikud olete teie," peitub tõsiasjas, et tema arvates on kunst ja elu lahutamatult seotud ning näitleja mitte. teeskleja, mitte silmakirjatseja, tema kunst põhineb ehtsatel tunnetel ja kogemustel.
Poeetilises komöödias "17. sajandi koomik" pöördus näitekirjanik rahvusmaastiku ajaloo alguslehekülgedele. Andekas koomik Yakov Kochetov kardab kunstnikuks saada. Mitte ainult tema, vaid ka tema isa on kindlad, et see on taunitav amet, et puhmik on patt, millest hullemat ei saagi olla, sest sellised olid 17. sajandi Moskva inimeste eelehituslikud ideed. Kuid Ostrovski vastandas härrasmeeste tagakiusajaid ja nende "tegusid" Petriini-eelsel ajastul teatriarmastajate ja -huvilistega. Dramaturg näitas lavaesinemiste erilist rolli vene kirjanduse arengus ja sõnastas komöödia eesmärgi teoses "... näidata tigedat ja kurja naljakaks, muutes selle naeruväärseks. ... Inimeste õpetamine moraali kujutamise kaudu."
Draamas "Talendid ja austajad" näitas Ostrovski, kui raske on teatrile kirglikult pühendunud näitlejanna saatus, kellel on tohutu lavaanne. Näitleja positsioon teatris, tema edu sõltub sellest, kas ta meeldib jõukatele vaatajatele, kes hoiavad kogu linna enda käes. Provintsiteatrid eksisteerisid ju peamiselt kohalike patroonide annetustest, kes tundsid end teatris meistritena ja dikteerisid näitlejatele oma tingimused. Alexandra Negina filmist "Talendid ja austajad" keeldub osalemast telgitagustes intriigides ega vastamast oma jõukate austajate kapriisidele: prints Dulebov, ametnik Bakin ja teised. Negina ei saa ega taha olla rahul vähenõudliku Nina Smelskaja kerge eduga, kes võtab meelsasti vastu rikaste austajate patrooni, muutudes tegelikult hoitud naiseks. Prints Dulebov, kes oli Negina keeldumisest solvunud, otsustas ta rikkuda, rebides maha kasuetenduse ja sõna otseses mõttes ellu jäädes teatrist. Teatrist lahkuminek, ilma milleta ta ei suuda oma olemasolu ette kujutada, tähendab Negina jaoks rahulolu viletsa eluga armsa, kuid vaese õpilase Petja Meluzoviga. Tal on vaid üks väljapääs: minna teise austaja, jõuka mõisniku Velikatovi ülalpidamiseks, kes lubab oma teatris rolle ja kõlavat edu. Ta nimetab oma väidet Alexandra talendile ja hingele tulihingeliseks armastuseks, kuid sisuliselt on tegemist avameelse tehinguga suurkiskja ja abitu ohvri vahel. Mida Knurov "Kaasavaras" tegema ei pidanud, seda tegi Velikatov. Larisa Ogudaloval õnnestus end surma hinnaga kuldsetest kettidest vabastada, Negina pani need ketid endale külge, sest ei kujuta elu ilma kunstita ette.
Ostrovski heidab ette seda kangelannat, kellel osutus vähem vaimset kaasavara kui Larisal. Kuid samal ajal rääkis ta meile südamevaluga näitlejanna dramaatilisest saatusest, mis põhjustas tema osalemise ja kaastunde. Pole ime, nagu märkis E. Kholodov, tema nimi on sama, mis Ostrovskil endal – Aleksandra Nikolajevna.
Draamas Süüdi süütu pöördub Ostrovski taas teatriteema poole, kuigi selle probleemid on palju laiemad: kõneleb elust ilma jäänud inimeste saatusest. Draama keskmes on silmapaistev näitlejanna Kruchinina, kelle etenduste järel teater sõna otseses mõttes "lahkub aplausi käest". Tema kuvand annab põhjust mõelda, mis määrab kunsti olulisuse ja suuruse. Esiteks usub Ostrovski, et see on tohutu elukogemus, puuduse, piinade ja kannatuste kool, mille tema kangelanna juhtus läbi elama.
Kogu Kruchinina elu väljaspool lava on "lein ja pisarad". See naine teadis kõike: õpetaja rasket tööd, lähedase reetmist ja lahkuminekut, lapse kaotust, rasket haigust, üksindust. Teiseks on see vaimne õilsus, sümpaatne süda, usk headusesse ja austus inimese vastu ning kolmandaks kunsti kõrgete ülesannete teadvustamine: Krutšinina toob vaatajani kõrge tõe, õigluse ja vabaduse ideed. Oma sõnaga lavalt püüab ta "põletada inimeste südameid". Ja koos haruldase loomupärase ande ja ühise kultuuriga võimaldab see kõik saada selleks, kelleks on saanud näidendi kangelanna – universaalseks iidoliks, kelle "hiilgus kõmistab". Kruchinina kingib oma vaatajatele kauniga kokkupuutumise õnne. Ja seepärast annab talle isikliku õnne ka dramaturg ise finaalis: kadunud poja, puudustkannatava näitleja Neznamovi leidmine.
A. N. Ostrovski teene enne Venemaa lava on tõesti mõõtmatu. Tema näidendid teatrist ja näitlejatest, mis peegeldavad täpselt 19. sajandi 70. ja 80. aastate Vene tegelikkuse olusid, sisaldavad mõtteid kunstist, mis on aktuaalsed ka tänapäeval. Need on mõtted andekate inimeste raskest, kohati traagilisest saatusest, kes end laval realiseerides põletavad end täielikult ära; mõtteid loovuse õnnest, täielikust pühendumisest, kunsti kõrgest missioonist, headuse ja inimlikkuse kinnitamisest.
Dramaturg ise väljendas end, paljastas oma hinge oma loodud näidendites, võib-olla eriti ausalt öeldes teatri- ja näitlejate näidendites, milles ta näitas väga veenvalt, et isegi Venemaa sügavustes, provintsides võib kohata andekaid, huvitatuid. inimesed, kes on võimelised elama kõrgeimate huvide järgi. Nendes näidendites on palju kooskõlas sellega, mida kirjutas B. Pasternak oma imelises luuletuses "Oh, kui ma vaid teaks, et see juhtub ...":
Kui rida dikteerib tunde
See saadab lavale orja,
Ja siin see kunst lõpeb.
Ja muld ja saatus hingavad.
Koosseis
Näitekirjanik peaaegu ei pannud oma loomingusse poliitilisi ja filosoofilisi probleeme, näoilmeid ja žeste, mängides nende kostüümide ja igapäevase keskkonna detailidega. Koomiliste efektide suurendamiseks tutvustas näitekirjanik süžeesse tavaliselt alaealisi inimesi - sugulasi, teenijaid, harjumusi, juhuslikke möödujaid - ja igapäevaelu kõrvalolusid. Sellised on näiteks Hlõnovi saatjaskond ja vuntsidega härrasmees filmis "Kuum süda" või Apollo Murzavetski oma Tamerlane'iga komöödias "Hundid ja lambad" või näitleja Šastlivtsev Nesšastlivtsevi ja Paratov filmides "Mets ja kaasavara" jne. Näitekirjanik, nagu varemgi, püüdis tegelaste tegelasi paljastada mitte ainult sündmuste käigus, vaid mitte vähemal määral nende igapäevaste dialoogide - "karakteroloogiliste" dialoogide - iseärasuste kaudu, mida ta esteetiliselt valdas raamatus "Tema inimesed .. .".
Seega tegutseb Ostrovski uuel loovuse perioodil väljakujunenud meistrina, kellel on terviklik draamakunsti süsteem. Tema kuulsus, sotsiaalsed ja teatrilised sidemed kasvavad ja muutuvad keerukamaks. Just uuel perioodil loodud näidendite rohkus tulenes ajakirjade ja teatrite üha suurenevast nõudlusest Ostrovski näidendite järele. Nende aastate jooksul ei töötanud näitekirjanik mitte ainult ise väsimatult, vaid leidis endas jõudu aidata vähem andekaid ja algajaid kirjanikke ning mõnikord koos nendega nende töös aktiivselt osaleda. Nii kirjutati loomingulises koostöös Ostrovskiga hulk N. Solovjovi näidendeid (parimad neist on “Belugini abielu” ja “Metsik naine”), aga ka P. Nevežin.
Osales pidevalt oma näidendite lavastamisel Moskva Maly ja Peterburi Aleksandria teatrite lavadel, teadis Ostrovski hästi teatriasjade seisu, mis kuulus peamiselt bürokraatliku riigiaparaadi jurisdiktsiooni alla, ja oli kibedasti teadlik nende räigusest. puudused. Ta nägi, et ta ei kujutanud õilsat ja kodanlikku intelligentsi selle ideoloogilises otsingus, nagu seda tegid Herzen, Turgenev ja osaliselt Gontšarov. Oma näidendites näitas ta tavaliste kaupmeeste klassi esindajate, bürokraatia, aadli esindajate igapäevast seltskondlikku elu, elu, kus isiklikud, eriti armastuse konfliktid väljendusid perekondlike, rahaliste, varaliste huvide kokkupõrkes.
Kuid Ostrovski ideoloogilisel ja kunstilisel teadlikkusel nendest vene elu aspektidest oli sügav rahvuslik ja ajalooline tähendus. Nende inimeste igapäevaste suhete kaudu, kes olid elu peremehed ja peremehed, ilmnes nende üldine sotsiaalne seisund. Nii nagu Tšernõševski tabava märkuse kohaselt oli noore liberaali, Turgenevi loo "Asja" kangelase argpükslik käitumine kohtingul tüdrukuga kogu õilsa liberalismi, selle poliitilise nõrkuse "haigussümptomiks", nii ka Kaupmeeste, ametnike ja aadlike igapäevane türannia ja röövellik käitumine oli sümptomiks kohutavamast haigusest nende täielikust suutmatusest anda oma tegevusele vähemalt mingil määral üleriigilist progressiivset tähtsust.
See oli reformieelsel perioodil üsna loomulik ja loomulik. Siis oli Voltovide, Võšnevskite ja Ulanbekovide türannia, ülbus, röövellikkus pärisorjuse "pimeda kuningriigi" ilming, mis oli juba määratud lammutamisele. Ja Dobroljubov osutas õigesti, et kuigi Ostrovski komöödia "ei saa anda võtit paljude selles kujutatud kibedate nähtuste selgitamiseks", "võib see siiski kergesti viia paljude analoogsete selle eluga seotud kaalutlusteni, mida see otseselt ei puuduta". Ja kriitik seletas seda asjaoluga, et Ostrovski aretatud pisivägilaste "tüübid" "sisaldavad harva mitte ainult ainult kauplevaid või bürokraatlikke, vaid ka üleriigilisi (s.o üleriigilisi) jooni". Ehk siis Ostrovski näidendid 1840.–1860. paljastas kaudselt kõik autokraatlik-feodaalsüsteemi "pimedad kuningriigid".
Reformijärgsetel aastakümnetel olukord muutus. Siis "pööras kõik pea peale" ja Vene elu uus, kodanlik süsteem hakkas tasapisi "sobima". et võtta osa võitlusest pärisorjuse "tumeda kuningriigi" jäänuste ja kogu autokraatliku maaomaniku hävitamise eest. süsteem.
Ligi kakskümmend Ostrovski uut kaasaegseteemalist näidendit andsid sellele saatuslikule küsimusele selge eitava vastuse. Näitekirjanik kujutas nagu varemgi eraeluliste sotsiaalsete, majapidamis-, pere- ja varasuhete maailma. Nende arengu üldistes tendentsides polnud talle kõik selge ja tema "lüüra" tegi selles suhtes kohati mitte päris, "õigeid hääli". Kuid üldiselt sisaldasid Ostrovski näidendid teatud objektiivset suunitlust. Nad paljastasid üldise ostu-müügi õhkkonnas nii vana despotismi "tumeda kuningriigi" jäänused kui ka äsja esile kerkiva kodanliku röövelliku "tumeda kuningriigi", rahahüpe, kõigi moraalsete väärtuste hävitamise. Need näitasid, et Venemaa ärimehed ja töösturid ei suuda tõusta rahvusliku arengu huvide realiseerimisele, et mõned neist, nagu Hlynov ja Ahhov, on võimelised nautima ainult jämedaid naudinguid, teised, nagu Knurov ja Berkutov, suudavad. ainult allutama kõike ümbritsevat oma röövellikele, “hundi” huvidele ning kolmandate isikute, nagu Vasilkov või Frol Pribytkov, jaoks katavad kasumihuvid vaid välise sündsuse ja väga kitsaste kultuuriliste nõudmistega. Ostrovski näidendid joonistasid lisaks autori plaanidele ja kavatsustele objektiivselt välja ka teatud rahvusliku arengu väljavaade – autokraatliku pärisorjuste despotismi vana "pimeda kuningriigi" jäänuste vältimatu hävitamise väljavaade, mitte ainult ilma orjade osaluseta. kodanlus mitte ainult üle pea, vaid koos omaenda röövelliku "pimeda kuningriigi" hävitamisega
Ostrovski igapäevanäidendites kujutatud tegelikkus oli eluvorm, millel puudus üleriigiline progressiivne sisu ja seetõttu ilmnes kergesti sisemine koomiline ebaühtlus. Ostrovski pühendas selle avalikustamisele oma silmapaistva dramaatilise ande. Toetudes Gogoli realistlike komöödiate ja lugude traditsioonile, ehitades selle uuesti üles vastavalt 1840. aastate "loomuliku koolkonna" püstitatud ja Belinsky ja Herzeni sõnastatud uutele esteetilistele nõudmistele, jälgis Ostrovski sotsiaalse ja igapäevaelu koomilist ebaühtlust. Vene ühiskonna valitsevad kihid, süvenevad "maailma üksikasjadesse", vaatavad niidi järel "igapäevasuhete võrgu". See oli Ostrovski loodud uue dramaatilise stiili peamine saavutus.
