Разнообразието зае важно място в масовата култура на Русия и събитията от последните десетилетия показват, че разнообразието, като най-популярната форма на изкуство, играе важна роля в обществения живот, превръщайки се в популярно средство за изразяване на културни потребности и ценностни ориентации. на различни слоеве на обществото. С оглед на факта, че вариететното изкуство е една от най-социално отзивчивите и мобилни форми на изкуството, изучаването на този феномен ще помогне за по-доброто разбиране на духовните процеси, протичащи в обществото.
В началото на миналия век грамофонният бизнес в Русия набира сила - броят на фабриките и заводите, произвеждащи плочи, расте, качеството им се подобрява, а репертоарът се разширява. Всъщност се появяваше нова индустрия, за разлика от която и да е от познатите индустрии. Тя тясно преплита проблеми от технически и творчески, търговски и правен характер. Композитори, поети, певци, оркестри и хорове, куплетисти и разказвачи участваха в записа на плочи, организиран от грамофонни дилъри. Студиата с атмосферата си приличаха на задкулисието на театър с всички театрални атрибути. На известни певци - горди и непревземаеми, знаещи собствената си стойност - бяха предложени договори с любезността, присъща на всеки предприемач-предприемач, който очаква успех сред публиката и добра колекция. Звезди от втора величина и полугладни гост-изпълнители бяха посрещнати по различен начин. Край мундщука кипяха страсти и се плетаха интриги – такава беше грешната страна на грамофонния бизнес.
Събирането на записи започна да става модерно: в домовете на богатите граждани имаше библиотеки със стотици или повече номера.
Най-често срещаният термин, появил се много преди появата на понятието вариететно изкуство, е „вариетено шоу“, но не като наименование на концертна институция, а като обозначение за цяла разновидност на изкуството. Ако се обърнем към историята на възникването на концепцията за "вариете шоу", тогава нейният произход може да се намери в програмите на развлекателни номера, показвани в кафенета и ресторанти в индустриалните райони на Англия в края на 18 век. Самата дума "разнообразие" на френски означава разнообразие, разнообразие. Този термин започва да обединява всички художествени развлекателни форми. Наистина, изпълненията на артисти на панаири, в музикални зали, в концертни кафенета, в кабаретни театри се характеризират с разнообразие, въпреки че, както ще бъде възможно да се установи в резултат на по-нататъшен анализ, това изобщо не е основното и отличително характеристика в тази област на изкуството.
В началото на 20-ти век в Русия се откриват всички видове театри на малки форми и на този фон започва да се използва друга концепция - сцена, която означава забавни концертни представления на открити площи. Днес като общо понятие, което обединява всички разновидности на изкуството от лесно възприемани жанрове, трябва да се приеме понятието „естрадно изкуство“ (или съкратено вариететно изкуство), което се използва в родното изкуство от сто години.
Още през първото десетилетие на XX век. терминът "вариетет" започва да трепти в пресата, не само в общоприетия тогава смисъл - "скеле, възвишение, например за музика", но и широко, включително всички актьори, писатели, поети, идващи на това "скеле". ". На страниците на авторитетното списание „Златно руно” за 1908 г. е публикувана статия „Разнообразие”. Неговият автор проницателно видя антиномията, която възниква пред всеки, който излиза на сцената:
а) сцената е необходима за развитието и поддържането на способностите и за формирането на личността на художника;
б) вариететното изкуство е пагубно и за двете.
Авторът вижда „вредност” в желанието на актьорите за успех на всяка цена, привеждане в съответствие с вкусовете на масовата публика, превръщането на изкуството в средство за обогатяване, източник на житейски благословии. Всъщност подобни явления са присъщи и на съвременната поп музика, така че в нашата работа въвеждаме такова понятие като „вариетет“, тоест свирене „за публиката“, желанието да привлечем вниманието на зрителя на всяка цена, което , при липсата на истински талант, вкус и чувство за мярка сред изпълнителите, често води до пагубността, за която говори авторът на горната статия. Имаше и други статии, които разглеждаха сцената като феномен на нова градска култура. В края на краищата именно през този период зависимостта на човека от природните условия (предимно от смяната на сезоните) постепенно отслабва в града, което доведе до забравата на календарния и обредния фолклор, до изместване на времето на празниците, тяхното десемантизация и деритуализация, до преминаването им във формата на „церемониална“, според П.Г. Богатирев, до решаващ превес на глаголните форми над неглаголните. През същите години (1980-1890) в Русия се заражда масовата култура, която от своя страна възпроизвежда много от родовите свойства на традиционния фолклор, които се характеризират със социалното и адаптивно значение на произведенията, тяхното преобладаващо анонимност, доминиране на стереотипа в поетиката им; вторични сюжетни мотивации в повествователните текстове и др. Масовата култура обаче рязко се различава от традиционния фолклор по своята идеологическа „полицентричност”, повишена способност за тематична и естетическа интернационализация на своите продукти и за „поточното” й възпроизвеждане във формата на идентични копия, немислими за устното творчество.
Като цяло в Русия градският етап от края на 19 - началото на 20 век се характеризира със зависимост от аудиторията, към която е ориентиран. Съответно и спектърът от вариететни форми – от „салонни“ до най-„демократични“ – е изключително широк и се различават както по характера на „сцената“, така и по вида на изпълнителите, да не говорим за репертоара. И все пак можем да заключим, че терминът „естрада“ в началото на 20-ти век все още се използва чисто функционално: като „естратен репертоар“, или „естрадно пеене“ и т.н., тоест не само като дефиниция на платформа, където се развива действието, но и като елемент от музикално развлекателен спектакъл.
В резултат на възникналата след октомври необходимост от национализиране на „всякакъв вид сцена” и малки частни предприятия, много единични актьори, както и малки, често семейни групи и т.н., концепцията за сцена се утвърди като обозначаването на отделен чл. В продължение на десетилетия в Съветска Русия, а след това и в СССР, ще се развиват и променят системи за управление на това изкуство, ще се създават различни асоциации, сложни многоетапни форми на независимо подчинение. В съветската естетика въпросът за независимостта на поп арт остава дискусионен. Различни видове решения, компаниите регулираха разнообразната практика. „Борбата“ срещу сатирата, руската и циганската романтика, джаза, рока, степа и др. изкуствено изправи линията на развитие на вариетета, повлия на еволюцията на жанровете и съдбата на отделните артисти.
В Голямата съветска енциклопедия за 1934 г. е публикувана статия, посветена на факта, че сцената е поле на малките форми на изкуството, но в същото време въпросът за жанровата композиция на сцената по никакъв начин не се разглежда. Така се обръща внимание не толкова на естетическото, колкото на морфологичното съдържание на този термин. Тези формулировки не са случайни, те отразяват картината на търсенията от 30-те и 40-те години, когато обхватът на сцената се разширява почти безгранично. През тези години, както пише Е. Гершуни, „поп артът направи заявка за равенство с „голямото” изкуство…”. На първо място, това се дължи на появата в Съветска Русия на предшественика на модерното изкуство, PR - социалната технология на масовия контрол. Всъщност артистът (обикновено местен синдикален активист) пое под идеологически контрол не само празниците, но и ежедневието. Разбира се, нито един празник не мина без поп концерт. Трябва да се отбележи, че самият масов артист в ежедневието като правило имаше разнообразие. В крайна сметка той винаги трябва да бъде в светлината на прожекторите, да забавлява и забавлява публиката.
В процеса на развитие на съветското изкуство съдържанието на термина "разнообразие" продължи да се променя. Появява се понятието вариететно изкуство, което се определя като „форма на изкуството, която обединява т.нар. малки форми на драматургия, драматично и вокално изкуство, музика, хореография, цирк.
Руската звукозаписна индустрия започва да се развива през 1901 г. Всъщност това не беше изцяло руска, а по-скоро френска индустрия в Русия: компанията Pate Marconi отвори свой клон в Русия и започна да щампова записи. Точно както в Европа първият записан певец е Енрике Карузо, в Русия световноизвестният оперен певец Фьодор Шаляпин също става първият. И първите руски записи, както и в Европа, бяха с класическа музика.
Музикалната картина на предреволюционна Русия беше пълна. Академичната музика и поп музиката съжителстваха органично в едно и също културно пространство, където поп музиката се развива в общия мейнстрийм на романтичните текстове (отразяващи нейното разнообразие и еволюция) и танцовата култура на своето време. Специално място заемат фолклорната част на сцената - хор Пятницки, изпълнители на народни песни - Л. Долина, епосите - Кривополенова и Прозоровская. След поражението на първата революция (1905 г.) популярни са песните за затвор, каторга и изгнание. В жанра на актуален куплет и музикална пародия артистите се изявяваха в различни роли: "фрак" - за модна публика, "бапки" - за селяни, "художници от разкъсан жанр" - за дъното на града. Популярните танцови ритми проникват в съзнанието на хората с подаване на салонни и градски духови оркестри, специализирани в изпълнението на танцова музика. В салони и ателиета се учеха танго, фокстрот, шими, две стъпки. Първите изпълнения на А. Вертински в жанра на музикални и поетични разкази датират от 1915 година.
Разцветът на руската сцена се случи на фона на безпрецедентен растеж на ново средство за "масова информация", като грамофонни плочи. Между 1900 и 1907 г. са продадени 500 000 грамофона, а годишният тираж на плочите достига 20 милиона. Наред с леката музика имаха и много класика (Шаляпин, Карузо).
Популярните хорове на Д.Агренев-Славянски, И.Юхов и др., изпълнили песни в "руски стил" ("Слънце изгрява и залязва", "Ухар търговец" и др.) се състезават със солистите изпълнители. Оркестри. се състезаваха с руски хорове балалайци, хорнисти, арфисти.
През 10-те години слава придобиват първите истински фолклорни изпълнители, като ансамбъла на М. Пятницки. Артисти с „интимния” стил на френски шансониери се появяват в театри и кабаета в Санкт Петербург и Москва (А. Вертински). В края на 19 век има ясно разделение на песента на "Philharmonic" (класически романс) и всъщност "Variety" (цигански романс, стари романси, песни за настроение). В началото на 20-ти век масовите песни, които се пеят на политически събирания и демонстрации, стават широко разпространени. Тази песен е предназначена за няколко десетилетия да се превърне в водеща разновидност на съветската поп песен.
След 1917 г. ситуацията започва да се променя. Идеологическата държава е явление, което все още не е напълно разбрано и не е напълно проучено. Революцията беше духовно основана на идея, която беше насадена насилствено в обществото, лишавайки хората от правото на избор, правейки този избор вместо тях. Но човек е така устроен, че съзнанието му, въпреки всичко, се съпротивлява на това, което му се налага, дори и от най-добри намерения. Държавата реши, че „има нужда“ от класиката, „има нужда“ от съветска песен, „има нужда“ от фолклор. И несъзнателно дори шедьоврите на класическата музика започват да се възприемат като част от държавната идеологическа машина, насочена към неутрализиране на индивида, разтваряне на отделно „аз“ в монолитно „ние“.
Поп музиката у нас е най-малко идейната част от музикалния процес. Неволно тя се превърна в единствения изход за съветския народ, нещо като глътка свобода. Тази музика в съзнанието на обикновен човек не носеше нищо поучително, привличащо към естествените чувства, не потискане, не морализаторство, а просто общуване с човек на неговия език.
Корените на сцената се връщат в далечното минало, проследени в изкуството на Египет, Гърция, Рим; елементите му присъстват в изпълненията на странстващи комици-буфони (Русия), шпилмани (Германия), жонгльори (Франция), денди (Полша), маскарабози (Централна Азия) и др.
Сатирата върху градския живот и обичаи, остри шеги на политически теми, критично отношение към властта, куплети, комични скечове, вицове, игри, клоунска пантомима, жонглиране, музикална ексцентричност са началото на бъдещите поп жанрове, които се раждат в шума на карнавала и обществени забавления.
Баркърс, който с помощта на шеги, остроумии, забавни куплети продаваше всякакъв продукт по площадите и пазарите, по-късно се превърнаха в предшественици на артиста. Всичко това беше от масивен и разбираем характер, което беше задължително условие за съществуването на всички поп жанрове. Всички средновековни карнавални артисти не са играли представления.
В Русия произходът на поп жанровете се прояви в шута, забавлението и масовото творчество на фолклорните фестивали. Техни представители са рауски дядовци-шегаджии с незаменима брада, които забавляваха и канеха публиката от горната площадка на будката-рауси, магданоз, раешници, водачи на „учени” мечки, актьори-буфади, играещи „скечове” и „репризи” ” сред тълпата, свиреща на тръби, арфа, сополи и забавляваща хората.
Естрадното изкуство се характеризира с такива качества като откритост, лаконичност, импровизация, празничност, оригиналност, забавление.
Развивайки се като изкуство на празничния отдих, поп музиката винаги се е стремяла към необичайност и разнообразие. Самото усещане за празничност се създаде благодарение на външните забавления, играта на светлината, смяната на живописната природа, промяната на формата на сцената и т.н. Въпреки факта, че разнообразието от форми и жанрове е характерно за сцената, тя може да бъде разделена на три групи:
Концертната сцена (наричана по-рано „дивертисмент“) съчетава всички видове изпълнения в вариететни концерти;
Театрална сцена (камерни представления на театър на миниатюрите, кабаретни театри, кафе-театри или мащабно концертно ревю, музикална зала, с голям изпълнителски състав и първокласна сценична техника);
Празнична сцена (фолклорни празници, празници на стадиони, изпълнени със спортни и концертни номера, както и балове, карнавали, маскаради, фестивали и др.).
Има и тези:
3. 1. ВАРИЕТНИ ТЕАТРИ
3.1.1.МУЗИКАЛНИ ЗАЛИ
Ако основата на вариететното представление е завършен номер, тогава прегледът, като всяко драматично действие, изискваше подчиняване на всичко, което се случва на сцената, на сюжета. Това, като правило, не беше органично комбинирано и доведе до отслабване на един от компонентите на презентацията: или изпълнението, или героите, или сюжета. Това се случи по време на продукцията на "Чудесата на 20-ти век" - пиесата се разпадна на множество независими, слабо свързани епизоди. Успех сред публиката имаха само балетният ансамбъл и няколкото първокласни естрадни и циркови представления. Балетният ансамбъл в постановката на Голейзовски изпълни три номера: „Хей, да вървим!”, „Москва под дъжда” и „30 английски момичета”. Особено грандиозно беше изпълнението на „Змията“. Сред цирковите номера най-добри бяха: Теа Алба и "Австралийските дървосекачи" Джаксън и Лорър. Алба едновременно пишеше различни думи с тебешир на две дъски с дясната и лявата си ръка. Дървосекачите в края на надпреварата сечеха две дебели трупи. Отличен баланс номер на жицата показа германецът Строди. Той изпълняваше салта на тел. От съветските художници, както винаги, голям успех имаха Смирнов-Соколски и песните В. Глебова и М. Дарская. Сред цирковите номера номерът на Зоя и Марта Кох се открояваше на два успоредни проводника.
През септември 1928 г. се състоя откриването на Ленинградската музикална зала.
3. 1.2 ТЕАТЪР НА МИНИАТЮРИТЕ - театрална група, която работи предимно върху малки форми: малки пиеси, етюди, етюди, опери, оперети наред с вариететни номера (монози, куплети, пародии, танци, песни). В репертоара преобладават хумор, сатира, ирония, не са изключени и текстове. Трупата е малка, театърът на един актьор, двама актьори е възможен. Изпълненията, лаконични по дизайн, са предназначени за сравнително малка публика, представляват един вид мозаечно платно.
3. 1.3. ГОВОРЕЩИ ЖАНРОВЕ на сцената – символ на жанрове, свързани предимно със словото: забавник, интерлюдия, скеч, етюд, разказ, монолог, фейлетон, микроминиатюра (инсцениран анекдот), буриме.
Entertainer - артистът може да бъде сдвоен, единичен, масов. Разговорен жанр, изграден по законите на "единството и борбата на противоположностите", тоест преходът от количество към качество според сатиричния принцип.
Естратен монолог – може да бъде сатиричен, лиричен, хумористичен.
Интерлюдия е комична сцена или музикално парче с игриво съдържание, което се изпълнява като самостоятелен номер.
Скечът е малка сцена, в която интригата се развива бързо, където най-простият сюжет е изграден върху неочаквани забавни, остри ситуации, завои, които позволяват да възникнат цяла поредица от абсурди в хода на действието, но където всичко обикновено завършва с щастлив развръзка. 1-2 актьори (но не повече от трима).
Миниатюрата е най-популярният разговорен жанр в поп музиката. На сцената днес популярен анекдот (непубликуван, непечатан - от гръцки) е кратка актуална устна история с неочакван остроумен край.
Игра на думи е шега, базирана на комичното използване на подобни звучащи, но различно звучащи думи, за да се играе на звуковото сходство на еквивалентни думи или комбинации.
Репризата е най-разпространеният кратък разговорен жанр.
Куплетите са една от най-разбираемите и популярни разновидности на разговорния жанр. Куплетистът се стреми да осмие това или онова явление и да изрази отношението си към него. Трябва да има чувство за хумор
Музикалните и разговорните жанрове включват куплет, песен, шансонет, музикален фейлетон.
Една често срещана на сцената пародия може да бъде "разговорна", вокална, музикална, танцова. Едно време рецитации, мелодекламации, литературни монтажи, „Художествен прочит“ се присъединяват към речевите жанрове.
Невъзможно е да се даде точно фиксиран списък на речевите жанрове: неочаквани синтези на думата с музика, танц, оригинални жанрове (трансформация, вентрология и др.) пораждат нови жанрови образувания. Практиката на живо непрекъснато доставя всякакви разновидности, не случайно на старите плакати беше обичайно да се добавя „в неговия жанр“ към името на актьор.
Всеки от горните речеви жанрове има свои собствени характеристики, своя история, структура. Развитието на обществото, социалните условия диктуват появата на един или друг жанр на преден план. Всъщност само артистът, роден в кабарето, може да се счита за „вариететен” жанр. Останалото идваше от сепарето, театъра, от страниците на хумористични и сатирични списания. Речевите жанрове, за разлика от други, склонни към овладяване на чужди иновации, развивани в съответствие с националната традиция, в тясна връзка с театъра, с хумористичната литература.
Развитието на речевите жанрове е свързано с нивото на литературата. Зад актьора стои авторът, който „умира” в изпълнителя. И все пак присъщата стойност на актьорската игра не намалява значението на автора, който до голяма степен определя успеха на представлението. Авторите често ставаха самите художници. Традициите на И. Горбунов са подхванати от естрадни разказвачи - Смирнов-Соколски, Афонин, Набатов и др. създават свой собствен репертоар. Актьори, които нямат литературен талант, се обръщат за помощ към автори, които пишат въз основа на устно изпълнение, като се вземат предвид маската на изпълнителя. Тези автори, като правило, остават "безименни". Дълги години в пресата се дискутира въпросът дали произведение, написано за изпълнение на сцената, може да се счита за литература. В началото на 80-те години на миналия век са създадени Всесъюзната, а след това и Всеруската асоциация на авторите на естрадата, което спомогна за легитимирането на този вид литературна дейност. "Анонимността" на автора е в миналото, освен това самите автори се качиха на сцената. В края на 70-те години излиза програмата „Зад кулисите на смеха“, съставена според вида на концерта, но изключително от изпълненията на поп автори. Ако в предишни години само отделни писатели (Аверченко, Ардов, Ласкин) измисляха свои собствени програми, сега това явление стана широко разпространено. Феноменът на М. Жванецки допринесе много за успеха. Започвайки през 60-те години като автор на Ленинградския театър на миниатюрите, той, заобикаляйки цензурата, започва да чете своите кратки монолози и диалози на закрити вечери в Домовете на творческата интелигенция, които, подобно на песните на Висоцки, се разпространяват в цялата страна. .
3. ДЖАЗ НА СТОЙКАТА
Терминът "джаз" обикновено се разбира като: 1) вид музикално изкуство, основано на импровизация и специална ритмична интензивност, 2) оркестри и ансамбли, които изпълняват тази музика. Термините "джаз банда", "джаз ансамбъл" също се използват за обозначаване на групи (понякога се посочват броят на изпълнителите - джаз трио, джаз квартет, джаз оркестър, биг бенд).
4. ПЕСЕН НА СТОЙКАТА
Вокална (вокално-инструментална) миниатюра, широко използвана в концертната практика. На сцената често се решава като сценична "игрова" миниатюра с помощта на пластика, костюм, светлина, мизансцени ("песен театър"); От голямо значение е личността, особеностите на таланта и уменията на изпълнителя, който в някои случаи става "съавтор" на композитора.
Жанровете и формите на песента са разнообразни: романс, балада, народна песен, куплет, песен, шансонет и др.; разнообразни са и методите на изпълнение: соло, ансамбъл (дуети, хорове, уок-инстр. ансамбли).
Сред поп музикантите има и група композитори. Те са Антонов, Пугачева, Газманов, Лоза, Кузмин, Добринин, Корнелюк и др.
Много стилове, маниери и тенденции съжителстват - от сантиментален кич и градска романтика до пънк рок и рап. Така днешната песен е многоцветно и многостилово пано, което включва десетки посоки, от домашни фолклорни имитации до инокулации на афро-американска, европейска и азиатска култура.
5. ТАНЦУВАЙТЕ НА СТОЙКАТА
Това е кратък танцов номер, самостоятелен или групов, представен в групови вариететни концерти, вариететни шоу програми, музикални зали, театри на миниатюри; съпровожда и допълва програмата на вокалистите, номера на оригинални и дори речеви жанрове. Формира се на базата на народни, ежедневни (бални) танци, класически балет, съвременни танци, спортна гимнастика, акробатика, на кръстосването на различни чужди влияния и национални традиции. Естеството на танцовата пластичност е продиктувано от съвременните ритми, формирани под влиянието на сродни изкуства: музика, театър, живопис, цирк, пантомима.
Първоначално народните танци бяха включени в представленията на столичните трупи. Репертоарът включваше театрални дивертисменти от селския, градския и военния бит, вокални и танцови сюити от руски народни песни и танци.
През 90-те години танцът на сцената рязко се поляризира, сякаш се връща към ситуацията от 20-те години на миналия век. Танцовите групи, занимаващи се с шоубизнес, като Erotic Dance и други, залагат на еротиката - изпълненията в нощните клубове диктуват свои собствени закони.
6. КУКЛИ НА СТОЙКАТА
От древни времена хората в Русия ценят занаятите, обичат играчките и уважават забавната игра с кукла. Петрушка се справяше с войник, полицай, свещеник и дори със самата смърт, храбро размахваше тояга, слагаше на място онези, които народът не харесваше, събаряше злото, утвърждаваше морала на хората.
Петрушечниците се скитаха сами, понякога заедно: кукловод и музикант, самите те композираха пиеси, самите те бяха актьори, самите режисьори - опитваха се да запазят движенията на куклите, мизансцените, куклените трикове. Кукловодите бяха преследвани.
Имаше и други зрелища, в които играха кукли. По пътищата на Русия можеха да се срещнат микробуси, натоварени с кукли на конци - кукли. А понякога и кутии с прорези вътре, по които куклите се преместват отдолу. Такива кутии се наричаха рождественски сцени. Кукловодите овладяха изкуството на имитацията. Те обичаха да изобразяват певци, копирани акробати, гимнастички, клоуни.
7. ПАРОДИЯ НА СТОЙКАТА
Това е номер или представление, основано на иронична имитация (имитация) както на индивидуалния маниер, стил, характерни черти и стереотипи на оригинала, така и на цели течения и жанрове в изкуството. Амплитудата на комикса: от остро сатирична (унизителна) до хумористична (приятелска карикатура) - се определя от отношението на пародиста към оригинала. Пародията има своите корени в древното изкуство, в Русия отдавна присъства в игрите на шута, фарсовите изпълнения.
8. МАЛКИ ТЕАТРИ
Създаване в Русия на кабаретни театри "Прилепът", "Криво огледало" и др.
И „Кривото огледало“, и „Прилепът“ бяха професионално силни актьорски групи, чието ниво на театрална култура несъмнено беше по-високо, отколкото в много миниатюрни театри (Петровски се открояваше повече от другите от Москва, режисьорът беше Д. Г. Гутман, Мамоновски, който култивирано декадентско изкуство, където Александър Вертински дебютира по време на Първата световна война, Николски - художникът и режисьор А. П. Петровски. Сред Санкт Петербург - Троицки А. М. Фокина - режисьор В. Р. В. О. Топорков, по-късно художник на художествения театър, успешно се изявява като аниматор.
4. Музикални жанрове на сцената. Основни принципи, техники и режисура.
Има различни жанрове:
1 Латиноамериканска музика
Латиноамериканската музика (испански musica latinoamericana) е обобщено наименование за музикалните стилове и жанрове на латиноамериканските страни, както и музиката на хора от тези страни, които живеят компактно в други щати и образуват големи латиноамерикански общности (например в САЩ). В разговорната реч често се използва съкратеното наименование „латинска музика“ (испански musica latina).
Латиноамериканската музика, чиято роля в ежедневния живот на Латинска Америка е много висока, е сливане на много музикални култури, но се основава на три компонента: испанска (или португалска), африканска и индийска музикални култури. По правило латиноамериканските песни се изпълняват на испански или португалски, по-рядко на френски. Латиноамериканските изпълнители, живеещи в САЩ, обикновено са двуезични и често използват английски текстове.
Испанската и португалската музика не принадлежат към латиноамериканската, но са тясно свързани с последната чрез голям брой връзки; освен това влиянието на испанската и португалската музика върху Латинска Америка е взаимно.
Въпреки факта, че латиноамериканската музика е изключително разнородна и има свои собствени характеристики във всяка страна от Латинска Америка, стилистично тя може да бъде разделена на няколко основни регионални стила:
* Андска музика;
* Централноамериканска музика;
* Карибска музика;
* Аржентинска музика;
* Мексиканска музика;
* бразилска музика.
Трябва обаче да се има предвид, че подобно разделение е много произволно и границите на тези музикални стилове са много размити.
Блус (английски блус от сините дяволи) е музикален жанр, който стана широко разпространен през 20-те години на XX век. Това е едно от постиженията на афроамериканската култура. Тя се формира от такива етнически музикални течения на афроамериканското общество като "работна песен" (англ. work song), "spirituals" (англ. spirituals) и холера (англ. Holler). В много отношения той повлия на съвременната популярна музика, особено на такива жанрове като „поп“ (английска поп музика), „джаз“ (английски джаз), „рок енд рол“ (английски rock’n’roll). Преобладаващата форма на 4/4 блус, където първите 4 такта често се изпълняват на тонична хармония, по 2 на субдоминанта и тоника и по 2 на доминанта и тоника. Това редуване е известно още като блус прогресия. Често се използва ритъмът на осми тройки с пауза – т. нар. разбъркване. Характерна особеност на блуса са "сините нотки". Често музиката е изградена според структурата „въпрос-отговор“, изразена както в лиричното съдържание на композицията, така и в музикалното съдържание, често изградено върху диалога на инструментите помежду си. Блусът е импровизационна форма на музикален жанр, където композициите често използват само основната поддържаща "рамка", която се бие от солови инструменти. Изконната блус тема е изградена върху чувствения социален компонент от живота на афроамериканското население, неговите трудности и препятствия, които възникват по пътя на всеки чернокож.
Джазът е форма на музикално изкуство, която възниква в края на 19-ти и началото на 20-ти век в Съединените щати в резултат на синтеза на африканската и европейската култури и впоследствие получава широко разпространение. Характерни особености на музикалния език на джаза първоначално бяха импровизацията, полиритъмът, базиран на синкопирани ритми, и уникален набор от техники за изпълнение на ритмична текстура - суинг. По-нататъшното развитие на джаза се дължи на развитието на нови ритмични и хармонични модели от джаз музиканти и композитори.
Кънтри съчетава две разновидности на американския фолклор - музиката на белите заселници, заселили се в Новия свят през 17-18 век и каубойските балади от Дивия Запад. Тази музика има силно наследство от елизабетински мадригали, ирландска и шотландска народна музика. Основните музикални инструменти на този стил са китара, банджо и цигулка.
„The Little Old Log Cabin in the Lane“ е първата „документирана“ кънтри песен, написана през 1871 г. от Уил Хейс от Кентъки. 53 години по-късно Фидин Джон Карсън записва тази композиция на плоча. През октомври 1925 г. започва радиопрограмата Grand Ole Opry, която и до днес излъчва на живо концерти на кънтри звезди.
Държавата като музикална индустрия започва да набира скорост в края на 40-те години. благодарение на успеха на Ханк Уилямс (1923-53), който не само създаде образа на кънтри изпълнител за няколко поколения напред, но и очерта типичните за жанра теми - трагична любов, самота и трудностите на трудовия живот. По това време вече имаше различни стилове в кънтри музиката: уестърн суинг, който взе принципите на аранжиране от Диксиленд - тук кралят на жанра беше Боб Уилс и неговите Texas Playboys; блуграс, доминиран от основателя Бил Монро; стилът на музиканти като Ханк Уилямс тогава се нарича hillbilly. В средата на 1950 г. кънтри, заедно с елементи от други жанрове (госпел, ритъм енд блус) ражда рокендрола. Граничният жанр веднага се появи - рокабили - именно от него започнаха кариерата си такива певци като Елвис Пресли, Карл Пъркинс и Джони Кеш - не случайно всички те записаха в едно и също студио в Мемфис Sun Records. Благодарение на успеха на Gunfighter Ballads and Trail Songs (1959) на Марти Робинс, кънтри и уестърн жанрът се отличава, доминиран от сцени от живота на Дивия Запад.
Шансон (фр. chanson - „песен“) - жанр вокална музика; Думата се използва в два значения:
2) френска поп песен в стил кабаре (наклонена на руски).
Блатна?Аз песен (криминален фолклор, блатняк) е песенен жанр, който възпява бита и обичаите на престъпната среда, първоначално предназначена за средата на затворници и хора, близки до подземния свят. Той произхожда от Руската империя и става широко разпространен в Съветския съюз, а впоследствие и в страните от ОНД. С течение на времето в жанра на криминалната музика започват да се пишат песни, които излизат извън рамките на криминалната тема, но запазват характерните й черти (мелодия, жаргон, разказ, мироглед). От 90-те години на миналия век криминална песен в руската музикална индустрия се предлага на пазара под името "Руски шансон" (вж. радиостанцията и едноименните награди).
Романсът в музиката е вокална композиция, написана върху кратко стихотворение с лирично съдържание, предимно любовно.
Авторската песен или бардовата музика е песенен жанр, възникнал в средата на 20-ти век в СССР. Жанрът се разраства през 1950-те и 1960-те години. от любителското изкуство, независимо от културната политика на съветските власти, и бързо постигна широка популярност. Основният акцент е върху поезията на текста.
6 Електронна музика
Електронната музика (от англ. Electronic music, разговорно също „електроника“) е широк музикален жанр, който се отнася до музика, създадена с помощта на електронни музикални инструменти. Въпреки че първите електронни инструменти се появяват в началото на 20-ти век, електронната музика като жанр се развива през втората половина на 20-ти век и включва десетки разновидности в началото на 21-ви век.
7 Рок музика
Рок музиката (англ. Rock music) е обобщено наименование за редица области на популярната музика. Думата "рок" - да се люлее - в този случай обозначава ритмичните усещания, характерни за тези посоки, свързани с определена форма на движение, по аналогия с "ролка", "усукване", "люлка", "клатене" и т.н. Знаците на рок музиката, тъй като използването на електрически музикални инструменти, творческата самодостатъчност (за рок музикантите е характерно да изпълняват композиции по собствена композиция) са второстепенни и често подвеждащи. Поради тази причина се оспорва принадлежността на някои стилове музика към рока. Рокът също е особен субкултурен феномен; субкултури като модове, хипита, пънки, метали, готи, емо са неразривно свързани с определени жанрове рок музика.
Рок музиката има голям брой посоки: от леки жанрове като танцувал рок енд рол, поп рок, бритпоп до брутални и агресивни жанрове - дет метъл и хардкор. Съдържанието на песните варира от светло и спокойно до мрачно, дълбоко и философско. Често рок музиката се противопоставя на поп музиката и т.нар. "поп", въпреки че няма ясна граница между понятията "рок" и "поп", а много музикални феномени балансират на ръба между тях.
Произходът на рок музиката се крие в блуса, от който произлизат първите рок жанрове – рокендрол и рокабили. Първите поджанрове на рок музиката възникват в тясна връзка с народната и поп музиката от онова време - преди всичко фолк, кънтри, скифъл, мюзик хол. По време на неговото съществуване са правени опити за комбиниране на рок музиката с почти всички възможни видове музика - с академична музика (арт рок, появява се в края на 60-те), джаз (джаз рок, появява се в края на 60-те - началото на 70-те), латино музика (латински рок, появява се в края на 60-те), индийска музика (рага рок, появява се в средата на 60-те). През 60-те и 70-те години се появяват почти всички основни поджанрове на рок музиката, най-важните от които, освен изброените, са хард рок, пънк рок, рок авангард. В края на 70-те и началото на 80-те години се появяват такива жанрове на рок музиката като пост-пънк, нова вълна, алтернативен рок (въпреки че ранните представители на тази посока се появяват още в края на 60-те), хардкор (основен поджанр на пънк рока), като както и брутални метъл поджанрове – дет метъл, блек метъл. През 90-те години широко се развиват жанровете гръндж (появява се в средата на 80-те), бритпоп (появява се в средата на 60-те), алтернативен метъл (появява се в края на 80-те).
Основните центрове за възникване и развитие на рок музиката са САЩ и Западна Европа (особено Великобритания). Повечето от текстовете са на английски. Въпреки това, въпреки че, като правило, с известно закъснение, националната рок музика се появява в почти всички страни. Рускоезичната рок музика (т.нар. руски рок) се появява в СССР още през 60-те и 70-те години на миналия век. и достига своя връх през 80-те години на миналия век, като продължава да се развива през 1990-те.
8 Ска, рокстеди, реге
Ска е музикален стил, който възниква в Ямайка в края на 50-те години на миналия век. Появата на стила е свързана [източник не е посочен 99 дни] с появата на звукови инсталации (на английски „звукови системи“), които позволяват да танцуват направо на улицата.
Звуковите комплекти не са просто стерео високоговорители, а форма на улични дискотеки, с диджеи и техните мобилни стереосистеми, с нарастваща конкуренция между тези диджеи за най-добър звук, най-добър репертоар и т.н.
Стилът се характеризира с люлеещ се 2/4 ритъм, когато китарата свири на четните удари на барабани, а контрабасът или бас китарата подчертават нечетните. Мелодията се изпълнява от духови инструменти като тромпет, тромбон и саксофон. Сред мелодиите на ска можете да намерите джаз мелодии.
Rocksteady ("rock steady", "rocksteady") - музикален стил, съществувал в Ямайка и Англия през 60-те години на миналия век. В основата на стила са карибски ритми в 4/4, с повишено внимание към клавиатурите и китарите.
Реге (английски reggae, други изписвания - "реге" и "реге"), ямайска популярна музика, спомената за първи път от края на 60-те години на миналия век. Понякога се използва като общо име за цялата ямайска музика. Тя е тясно свързана с други ямайски жанрове – рокстеди, ска и др.
Dub (на английски dub) е музикален жанр, възникнал в началото на 70-те години на миналия век в Ямайка. Първоначално записите в този жанр бяха реге песни с (понякога частично) премахнати вокали. От средата на 70-те години на миналия век, дъбът се превърна в самостоятелен феномен, считан за експериментална и психеделична разновидност на реге. Музикалното и идеологическото развитие на даба роди технологията и културата на ремиксите, а също пряко или косвено повлияе на развитието на нова вълна и жанрове като хип-хоп, хаус, дръм енд бейс, трип-хоп, дъб-техно , дъбстеп и други..
Поп музиката (англ. Pop-music от Popular music) е направление на съвременната музика, вид съвременна масова култура.
Терминът "поп музика" има две значения. В широк смисъл това е всяка масова музика (включително рок, електроника, джаз, блус). В тесен смисъл - отделен жанр популярна музика, директно поп музика с определени характеристики.
Основните характеристики на поп музиката като жанр са простота, мелодичност, разчитане на вокали и ритъм с по-малко внимание към инструменталната част. Основната и практически единствена композиционна форма в поп музиката е песента. Текстовете на поп музиката обикновено са за лични чувства.
Поп музиката включва поджанрове като евро поп, латино, диско, електропоп, денс музика и други.
10 рап (хип-хоп)
Хип-хопът (английски хип-хоп) е културна тенденция, възникнала сред работническата класа в Ню Йорк на 12 ноември 1974 г. DJ Afrika Bambaataa е първият, който идентифицира пет стълба на хип-хоп културата: eMsiing (на английски MCing), DJing (английски DJing), разбиване, писане на графити и знания. Други елементи включват бийтбокс, хип хоп мода и жаргон.
Възникнал в Южен Бронкс през 80-те години на миналия век, хип-хопът става част от младежката култура в много страни по света. От края на 90-те години на миналия век, от уличен ъндърграунд с остра социална ориентация, хип-хопът постепенно се превръща в част от музикалната индустрия, а до средата на първото десетилетие на този век субкултурата става "модерна", " мейнстрийм". Въпреки това, много фигури в хип-хопа все още продължават неговата „основна линия“ - протест срещу неравенството и несправедливостта, противопоставяне на управляващите.
Известно е, че сценичната режисура се подразделя на режисура на естрадно изпълнение и на режисура на естрадното действие.
Методиката на работа върху вариететно изпълнение (концерт, преглед, шоу), като правило, не включва задачите за създаване на числата, от които се състои. Режисьорът съчетава готови номера със сюжетна линия, единна тема, изгражда проходно действие на спектакъла, организира темпо-ритмичната му структура, решава проблемите на музикалното, сценографското и светлинното оформление. Тоест той е изправен пред редица художествени и организационни проблеми, които изискват разрешаване в програмата като цяло и не са пряко свързани със самия естраден акт. Тази позиция се потвърждава от тезата на известния режисьор на вариететни спектакли И. Шароев, който пише, че „най-често режисьорът приема постановки от специалисти в различни жанрове, а след това създава от тях вариететна програма. Стаята има много независимост.”
Работата по вариететния акт изисква от режисьора да реши редица конкретни задачи, които не се сблъсква при постановката на голяма програма. Това е на първо място умението да се разкрива индивидуалността на твореца, да се изгражда драматургията на спектакъла, да се работи с реприза, трик, гег, да се познава и отчита естеството на специфичните изразни средства на производителност и много други.
Много методически постулати за създаване на представление се основават на общи фундаментални принципи, които съществуват в драмата, музикалния театър и цирка. Но тогава върху основата се изграждат напълно различни конструкции. В естрадната посока се забелязва значителна специфика, която преди всичко се определя от жанровата типология на вариететния акт.
На сцената режисьорът като творец постига в спектакъла крайната цел на всяко изкуство – създаването на художествен образ, който е творческата страна на професията. Но в процеса на постановка на номера има работа на специалист по технологията на изразните средства. Това се дължи на самото естество на някои жанрове: например повечето поджанрови разновидности от спортен и цирков вид изискват репетиционна и тренировъчна работа с треньор по спортни елементи, специални трикове; работата по вокален номер е невъзможна без уроци от учител по вокал; в хореографския жанр ролята на хореограф-повторител е съществена.
Понякога тези технически специалисти силно се наричат режисьори, въпреки че дейността им всъщност се ограничава само до изграждането на специален каскадьор или технически компонент на номера - няма значение дали става дума за акробатика, танц или пеене. Тук, говоренето за създаване на художествен образ може да бъде напрегнато. Когато водещите майстори на сцената (особено в оригиналните жанрове) споделят тайните на своето майсторство в печатни произведения, те описват основно техниката на трикове, акробатика, жонглиране и др.
Искам още веднъж да подчертая, че художествената структура на поп изпълнител е сложна, разнообразна и често конгломеративна. Затова поставянето на поп номер е една от най-трудните дейности на режисьора. „Да направиш добро представяне, дори и да отнеме само няколко минути, е много трудно. И ми се струва, че тези трудности се подценяват. Може би затова уважавам и ценя изкуството на онези, които понякога донякъде пренебрежително наричат артисти, отреждайки им не особено почетно място в неписаната скала на професиите. Тези думи на С. Юткевич още веднъж потвърждават важността на анализа на художествената структура на естрадно изпълнение с крайния резултат от изучаването на основите на методологията за неговото създаване, особено по отношение на режисьорската и постановка.
Заключение.
VARIETY ART (от френски estrade - платформа, възвишение) - синтетична форма на сценично изкуство, която съчетава малки форми на драма, комедия, музика, както и пеене, артистичност. четене, хореография, ексцентричност, пантомима, акробатика, жонглиране, илюзионизъм и др. Въпреки международния си характер, той запазва народни корени, които му придават особен национален колорит. Роден през Ренесанса на уличната сцена и започващ с клоунада, примитивни фарсове, буфонади, Е. и. в различните страни еволюира по различен начин, давайки предпочитание на един или друг жанр, един или друг образ-маска. В възникналите по-късно вариететни програми на салони, кръжоци и клубове, в кабини, музикални зали, кафенета, кабарета, миниатюрни театри и на запазените вариететни градински и паркови площадки, се забелязва весел хумор, остроумни пародии и карикатури, каустична комунална сатира. преобладават хипербола, буфонада, гротеска, закачлива ирония, искрени текстове, модни танцови и музикални ритми. Отделни номера на полифоничната пъстрота на дивертисмента често се държат заедно на сцената от артист или обикновен сюжет, а театри на един или двама актьори, ансамбли (балет, мюзикъл и др.) - с оригинален репертоар, собствена драматургия . Естрадното изкуство се фокусира върху най-широката публика и разчита преди всичко на уменията на изпълнителите, на тяхната техника на маскиране, умението да създават зрелищно забавление с кратки средства, ярък характер - по-често негативна комедия, отколкото положителна. Излагайки своите антигерои, той се обръща към метафорични черти и детайли, към странно преплитане на достоверност и карикатура, реално и фантастично, като по този начин допринася за създаването на атмосфера на отхвърляне на техните жизнени прототипи, противопоставяне на просперитета им в действителност. Актуалността е характерна за естрадното изкуство, съчетаването на забавление в най-добрите примери със сериозно съдържание, образователни функции, когато забавлението се допълва от разнообразна емоционална палитра, а понякога и социално-политически, граждански патос. В шоубизнеса, генериран от буржоазната масова култура, липсва последното качество. Почти всички оперативни „малки“, „леки“ разновидности, включително обикновените „скитове“, се характеризират с относително кратък живот, бързо изхабяване на маските, което зависи от изчерпването на актуалността на темата, прилагането на социалния ред, промяна в интересите и нуждите на публиката. Като един от най-мобилните видове изкуство, същевременно по-древни изкуства, вариететното изкуство е подложено на болестта на щамповането, намалявайки художествената и естетическата стойност на талантливите находки, до превръщането им в кич. Развитието е силно повлияно от такива "технически" изкуства като киното и особено телевизията, които често включват вариететни представления и концерти в програмите си. Благодарение на това традиционните форми и техники на поп музиката придобиват не само по-голям мащаб и разпространение, но и психологическа дълбочина (използване на близки планове, други визуални и изразни средства на екранното изкуство) и ярко забавление.
В системата на сценичните изкуства сцената днес твърдо заема отделно място, представлявайки самостоятелно явление на художествената култура. Популярността на вариететното изкуство сред най-широките и разнообразни зрителски слоеве го кара да отговаря на противоречивите естетически потребности на различни групи от населението по социален, възрастов, образователен и дори национален състав. Тази особеност на поп арта до голяма степен обяснява наличието на негативни аспекти в професионалните, естетическите и вкусовите качества на поп произведенията. Масовият характер на поп публиката в миналото и настоящето, нейната хетерогенност, необходимостта от съчетаване на развлекателни и образователни функции в поп арта, налага специфични изисквания към създателите на произведения на поп арта, налага им специална отговорност.
Сложността на изучаването на естрадните произведения, както и разработването на методически подходи за тяхното създаване, се дължи на факта, че като цяло това е конгломерат от различни изкуства. Той синтезира актьорско майсторство, инструментална музика, вокали, хореография, живопис (например жанра на "моменталния артист"). Спортът (акробатични и гимнастически номера) и науката са вклинени в този синтез на изкуствата (сред поп жанровете има математически номер - „машина за броене на живо“). Освен това има поп жанрове, базирани на каскадьорски компонент, който изисква проявление на уникалните способности и възможности на човек (например редица поп-циркови поджанрове, хипноза, психологически експерименти). Множеството на изразните средства, техните неочаквани и необичайни комбинации в различни синтетични форми на сцената много често са по-разнообразни, отколкото в други зрелищни изкуства.
Списък на използваната литература.
Бермонт Е. Състезание за сортове. //Театър. 1940, бр.2, с.75-78
Бирженюк Г.М., Бузене Л.В., Горбунова Н.А.
Кобер. Акцентът на програмата: Пер. с него. Л., 1928. С. 232-233; Станишевски Ю. Брой и култура на представянето му // SEC. 1965. бр.6.
Конников А. Естрадният свят. М., 1980 г.
Ожегов С. И. и Шведова Н. Ю. Обяснителен речник на руския език: 80 000 думи и фразеологични изрази
Розовски М. Режисьор на спектакъла. М., 1973 г.
Руска съветска сцена // Очерци по история. представител изд. док. дело, проф. Е.Уварова. В 3 Т. М., 1976, 1977, 1981.
Уварова Е. Естраден театър: миниатюри, рецензии, музикални зали (1917-1945). М., 1983; Аркадий Райкин. М., 1986.; Как да се забавляваме в руските столици. СПб., 2004.
Шароев И. Сценична режисура и масови изяви. М., 1986; Многостранен етап. М., 1995г.
Корените на сцената се връщат в далечното минало, проследени в изкуството на Египет, Гърция, Рим; елементите му присъстват в изпълненията на странстващи комици-буфони (Русия), шпилмани (Германия), жонгльори (Франция), денди (Полша), маскарабози (Централна Азия) и др.
Сатирата върху градския живот и обичаи, остри шеги на политически теми, критично отношение към властта, куплети, комични скечове, вицове, игри, клоунска пантомима, жонглиране, музикална ексцентричност са началото на бъдещите поп жанрове, които се раждат в шума на карнавала и обществени забавления.
Баркърс, който с помощта на шеги, остроумии, забавни куплети продаваше всякакъв продукт по площадите и пазарите, по-късно се превърнаха в предшественици на артиста. Всичко това беше от масивен и разбираем характер, което беше задължително условие за съществуването на всички поп жанрове. Всички средновековни карнавални артисти не са играли представления.
В Русия произходът на поп жанровете се прояви в шута, забавлението и масовото творчество на фолклорните фестивали. Техни представители са рауски дядовци-шегаджии с незаменима брада, които забавляваха и канеха публиката от горната площадка на будката-рауси, магданоз, раешници, водачи на „учени” мечки, актьори-сказове, играещи „скеч” и „реприза” “ сред тълпата, свиреща на тръби, арфа, сополи и забавляваща хората.
Естрадното изкуство се характеризира с такива качества като откритост, лаконичност, импровизация, празничност, оригиналност, забавление.
Развивайки се като изкуство на празничния отдих, поп музиката винаги се е стремяла към необичайност и разнообразие. Самото усещане за празничност се създаде благодарение на външните забавления, играта на светлината, смяната на живописната природа, промяната на формата на сцената и т.н. Въпреки факта, че разнообразието от форми и жанрове е характерно за сцената, тя може да бъде разделена на три групи:
- - концертна сцена (наричана преди "дивертисмент") съчетава всички видове изпълнения в вариететни концерти;
- - театрална сцена (камерни представления на театър на миниатюрите, кабаретни театри, кафе-театри или мащабно концертно ревю, мюзикхол, с многоброен изпълнителски състав и първокласна сценична техника);
- - празнична сцена (фолклорни празници, празници на стадиони, изпълнени със спортни и концертни номера, както и балове, карнавали, маскаради, фестивали и др.).
Има и тези:
- 1. Естрадни театри
- 2. Музикални зали
Ако основата на вариететното представление е завършен номер, тогава прегледът, като всяко драматично действие, изискваше подчиняване на всичко, което се случва на сцената, на сюжета. Това, като правило, не беше органично комбинирано и доведе до отслабване на един от компонентите на презентацията: или изпълнението, или героите, или сюжета. Това се случи по време на продукцията на "Чудесата на 20-ти век" - пиесата се разпадна на множество независими, слабо свързани епизоди. Успех сред публиката имаха само балетният ансамбъл и няколкото първокласни естрадни и циркови представления. Балетният ансамбъл на постановка на Голейзовски изпълни три номера: „Хей, да вървим!”, „Москва в дъжда” и „30 английски момичета”. Особено грандиозно беше изпълнението на "Змията". Сред цирковите номера най-добри бяха: Теа Алба и "Австралийските дървосекачи" Джаксън и Лорър. Алба едновременно пишеше различни думи с тебешир на две дъски с дясната и лявата си ръка. Дървосекачите в края на надпреварата сечеха две дебели трупи. Отличен баланс номер на жицата показа германецът Строди. Той изпълняваше салта на тел. От съветските художници, както винаги, голям успех имаха Смирнов-Соколски и песните В. Глебова и М. Дарская. Сред цирковите номера номерът на Зоя и Марта Кох се открояваше на два успоредни проводника.
През септември 1928 г. се състоя откриването на Ленинградската музикална зала.
- 3. Театър на миниатюрите - театрална група, която работи предимно върху малки форми: малки пиеси, етюди, етюди, опери, оперети наред с вариететни номера (монози, куплети, пародии, танци, песни). В репертоара преобладават хумор, сатира, ирония, не са изключени и текстове. Трупата е малка, театърът на един актьор, двама актьори е възможен. Изпълненията, лаконични по дизайн, са предназначени за сравнително малка публика, представляват един вид мозаечно платно.
- 4. Разговорни жанрове на сцената – символ на жанрове, свързани предимно със словото: забавник, интерлюдия, скеч, скеч, разказ, монолог, фейлетон, микроминиатюра (постановен анекдот), буриме.
Entertainer - артистът може да бъде сдвоен, единичен, масов. Разговорен жанр, изграден по законите на "единството и борбата на противоположностите", тоест преходът от количество към качество според сатиричния принцип.
Поп монологът може да бъде сатиричен, лиричен, хумористичен.
Интерлюдия е комична сцена или пиеса с хумористично съдържание, която се изпълнява като самостоятелен номер.
Скечът е малка сцена, в която интригата се развива бързо, където най-простият сюжет е изграден върху неочаквани забавни, остри ситуации, завои, позволяващи да възникнат цяла поредица от абсурди в хода на действието, но където всичко, като правило, завършва с щастлива развръзка. 1-2 актьори (но не повече от трима).
Миниатюрата е най-популярният разговорен жанр в поп музиката. На сцената днес популярен анекдот (непубликуван, непечатан - от гръцки) е кратка актуална устна история с неочакван остроумен край.
Игра на думи е шега, базирана на комичното използване на подобни звучащи, но различно звучащи думи, за да се играе на звуковото сходство на еквивалентни думи или комбинации.
Репризата е най-разпространеният кратък разговорен жанр.
Куплетите са една от най-разбираемите и популярни разновидности на разговорния жанр. Куплетистът се стреми да осмие това или онова явление и да изрази отношението си към него. Трябва да има чувство за хумор
Музикалните и разговорните жанрове включват куплет, песен, шансонет, музикален фейлетон.
Една често срещана на сцената пародия може да бъде "разговорна", вокална, музикална, танцова. Едно време рецитации, мелодекламации, литературни монтажи, „Художествен прочит“ се присъединяват към речевите жанрове.
Невъзможно е да се даде точно фиксиран списък на речевите жанрове: неочаквани синтези на думата с музика, танц, оригинални жанрове (трансформация, вентрология и др.) пораждат нови жанрови образувания. Практиката на живо непрекъснато доставя всякакви разновидности, не случайно на старите плакати беше обичайно да се добавя „в неговия жанр“ към името на актьор.
Всеки от горните речеви жанрове има свои собствени характеристики, своя история, структура. Развитието на обществото, социалните условия диктуват появата на един или друг жанр на преден план. Всъщност само артистът, роден в кабарето, може да се счита за „вариететен” жанр. Останалото идваше от сепарето, театъра, от страниците на хумористични и сатирични списания. Речевите жанрове, за разлика от други, склонни към овладяване на чужди иновации, развивани в съответствие с националната традиция, в тясна връзка с театъра, с хумористичната литература.
Развитието на речевите жанрове е свързано с нивото на литературата. Зад актьора стои авторът, който „умира” в изпълнителя. И все пак присъщата стойност на актьорската игра не намалява значението на автора, който до голяма степен определя успеха на представлението. Авторите често ставаха самите художници. Традициите на И. Горбунов са подхванати от естрадни разказвачи - Смирнов-Соколски, Афонин, Набатов и др. създават свой собствен репертоар. Актьори, които нямат литературен талант, се обръщат за помощ към автори, които пишат въз основа на устно изпълнение, като се вземат предвид маската на изпълнителя. Тези автори, като правило, остават "безименни". Дълги години в пресата се дискутира въпросът дали произведение, написано за изпълнение на сцената, може да се счита за литература. В началото на 80-те години на миналия век са създадени Всесъюзната, а след това и Всеруската асоциация на авторите на естрадата, което спомогна за легитимирането на този вид литературна дейност. "Анонимността" на автора е в миналото, освен това самите автори се качиха на сцената. В края на 70-те години излиза програмата „Зад кулисите на смеха“, съставена според вида на концерта, но изключително от изпълненията на поп автори. Ако в предишни години само отделни писатели (Аверченко, Ардов, Ласкин) измисляха свои собствени програми, сега това явление стана широко разпространено. Феноменът на М. Жванецки допринесе много за успеха. Започвайки през 60-те години като автор на Ленинградския театър на миниатюрите, той, заобикаляйки цензурата, започва да чете своите кратки монолози и диалози на закрити вечери в Домовете на творческата интелигенция, които, подобно на песните на Висоцки, се разпространяват в цялата страна. .
5. Джаз на сцената
Терминът "джаз" обикновено се разбира като: 1) вид музикално изкуство, основано на импровизация и специална ритмична интензивност, 2) оркестри и ансамбли, които изпълняват тази музика. Термините "джаз банда", "джаз ансамбъл" също се използват за обозначаване на групи (понякога се посочват броят на изпълнителите - джаз трио, джаз квартет, джаз оркестър, биг бенд).
6. Песен на сцената
Вокална (вокално-инструментална) миниатюра, широко използвана в концертната практика. На сцената често се решава като сценична "игрова" миниатюра с помощта на пластика, костюм, светлина, мизансцени ("песен театър"); От голямо значение е личността, особеностите на таланта и уменията на изпълнителя, който в някои случаи става "съавтор" на композитора.
Жанровете и формите на песента са разнообразни: романс, балада, народна песен, куплет, песен, шансонет и др.; разнообразни са и методите на изпълнение: соло, ансамбъл (дуети, хорове, уок-инстр. ансамбли).
Сред поп музикантите има и група композитори. Те са Антонов, Пугачева, Газманов, Лоза, Кузмин, Добринин, Корнелюк и др.
Много стилове, маниери и тенденции съжителстват - от сантиментален кич и градска романтика до пънк рок и рап. Така днешната песен е многоцветно и многостилово пано, което включва десетки посоки, от домашни фолклорни имитации до инокулации на афро-американска, европейска и азиатска култура.
7. Танцувайте на сцената
Това е кратък танцов номер, самостоятелен или групов, представен в групови вариететни концерти, вариететни шоу програми, музикални зали, театри на миниатюри; съпровожда и допълва програмата на вокалистите, номера на оригинални и дори речеви жанрове. Формира се на базата на народни, ежедневни (бални) танци, класически балет, съвременни танци, гимнастика, акробатика, на кръстосването на различни чужди влияния и национални традиции. Естеството на танцовата пластичност е продиктувано от съвременните ритми, формирани под влиянието на сродни изкуства: музика, театър, живопис, цирк, пантомима.
Първоначално народните танци бяха включени в представленията на столичните трупи. Репертоарът включваше театрални дивертисменти от селския, градския и военния бит, вокални и танцови сюити от руски народни песни и танци.
През 90-те години танцът на сцената рязко се поляризира, сякаш се връща към ситуацията от 20-те години на миналия век. Танцовите групи, занимаващи се с шоубизнес, като Erotic Dance и други, залагат на еротиката - изпълненията в нощните клубове диктуват свои собствени закони.
8. Кукли на сцената
От древни времена хората в Русия ценят занаятите, обичат играчките и уважават забавната игра с кукла. Петрушка се справяше с войник, полицай, свещеник и дори със самата смърт, храбро размахваше тояга, слагаше на място онези, които народът не харесваше, събаряше злото, утвърждаваше морала на хората.
Петрушечниците се скитаха сами, понякога заедно: кукловод и музикант, самите те композираха пиеси, самите те бяха актьори, самите режисьори - опитваха се да запазят движенията на куклите, мизансцените, куклените трикове. Кукловодите бяха преследвани.
Имаше и други зрелища, в които играха кукли. По пътищата на Русия можеха да се срещнат микробуси, натоварени с кукли на конци - кукли. А понякога и кутии с прорези вътре, по които куклите се преместват отдолу. Такива кутии се наричаха рождественски сцени. Кукловодите овладяха изкуството на имитацията. Те обичаха да изобразяват певци, копирани акробати, гимнастички, клоуни.
9. Пародия на сцената
Това е номер или представление, основано на иронична имитация (имитация) както на индивидуалния маниер, стил, характерни черти и стереотипи на оригинала, така и на цели течения и жанрове в изкуството. Амплитудата на комикса: от остро сатирична (унизителна) до хумористична (приятелска карикатура) - се определя от отношението на пародиста към оригинала. Пародията има своите корени в древното изкуство, в Русия отдавна присъства в игрите на шута, фарсовите изпълнения.
10. Театри на малките форми
Създаване в Русия на кабаретни театри "Прилепът", "Криво огледало" и др.
И „Кривото огледало“, и „Прилепът“ бяха професионално силни актьорски групи, чието ниво на театрална култура несъмнено беше по-високо, отколкото в много миниатюрни театри (Петровски се открояваше повече от другите от Москва, режисиран от Д. Г. Гутман, Мамоновски, култивиращ декадентство изкуство, където Александър Вертински прави своя дебют по време на Първата световна война, Николски - художник и режисьор А. П. Петровски. Сред Санкт Петербург - Троицки А. М. Фокина - режисьор В. Р. Рапопорт, където с песнички и как В. О. Топорков, по-късно художник на художествения театър , успешно се представя като артист.
Страница 1
Word "сцена" (
от латински слоеве
означава - настилка, платформа, хълм, платформа.
Най-точното определение на естрадно изкуство като изкуство, което съчетава различни жанрове, е дадено в речника на Д. Н. Ушаков: " сцена
Това е изкуството на малките форми, полето на зрелищните и музикални изпълнения на открита сцена. Неговата специфика се състои в лесното приспособяване към различни условия на публична демонстрация и кратка продължителност на действието, в художествено-изразителни средства, изкуство, което допринася за яркото идентифициране на творческата индивидуалност на изпълнителя, в актуалността, острата социално-политическа значимост на обхванати теми, в преобладаващи елементи на хумор, сатира, публицистика“ .
Съветската енциклопедия определя поп музиката като произлизаща от френската естрада
форма на изкуство, която включва малки форми на драматично и вокално изкуство, музика, хореография, цирк, пантомима и др. В концертите - отделни готови номера, обединени от артист, сюжет. Като самостоятелно изкуство се формира в края на 19 век.
Има и такова определение за етап:
Сценична зона, постоянна или временна, за концертни изяви на артист.
Естрадното изкуство има своите корени в далечното минало, проследено в изкуството на Древен Египет и Древна Гърция. Въпреки че сцената взаимодейства тясно с други изкуства, като музика, драматичен театър, хореография, литература, кино, цирк, пантомима, тя е самостоятелна и специфична форма на изкуство. Основата на вариететното изкуство е - "Негово Величество числото" - както каза Н. Смирнов-Соколски1.
номер
Малко представление, от един или повече артисти, със собствен сюжет, кулминация и развръзка. Спецификата на представлението е пряката комуникация на артиста с публиката, от негово име или от името на героя.
В средновековното изкуство на скитащите художници, фарсовите театри в Германия, шута в Русия, театъра на маските в Италия и т.н. вече имаше пряк призив на художника към публиката, което позволи на последвалия да стане пряк участник в действието. Кратката продължителност на представлението (не повече от 15-20 минути) изисква максимална концентрация на изразни средства, сбитост и динамика. Естрадните изпълнения се класифицират според техните характеристики в четири групи. Първата група видове трябва да включва разговорни (или речеви) числа. След това идват музикални, пластично-хореографски, смесени, „оригинални” номера.
Изкуството на комедия del-arte (театър на маските) от 16-17 век е изградено върху открит контакт с публиката.
Изпълненията обикновено бяха импровизирани въз основа на типични сюжетни сцени. Музикалният звук като интерлюдии (вложки): песни, танци, инструментални или вокални номера - е пряк източник на поп номер.
Комичната опера и водевил се появяват през 18 век. Водевил беше завладяващо представление с музика и шеги. Техните главни герои - обикновените хора - винаги са побеждавали глупави и злобни аристократи.
И до средата на 19-ти век се ражда жанрът на оперетата (буквално малка опера): вид театрално изкуство, което съчетава вокална и инструментална музика, танци, балет, елементи на поп арт и диалози. Като самостоятелен жанр оперетата се появява във Франция през 1850г. „Бащата“ на френската оперета и на оперета като цяло беше Жак Офенбах(1819-1880). По-късно жанрът се развива в италианската "комедия на маските".
Разнообразието е тясно свързано с ежедневието, с фолклора, с традициите. Нещо повече, те се преосмислят, модернизират, „естрадизират“. Различни форми на поп творчество се използват като забавно забавление.
Танц на сцената - кратък танцов номер , соло или група, представена в групови вариететни концерти, вариететни шоу програми, музикални зали, театри на миниатюри, придружава и допълва програмата на вокалистите, номера са оригинални дори в речевите жанрове . Разви се на базата на народни, ежедневни (бални) танци, класически балет, съвременни танци, гимнастика, акробатика , за пресичане на всякакви чужди влияния и национални традиции. Естеството на танцовата пластичност е продиктувано от съвременните ритми, формирани под влиянието на сродни изкуства: музика, театър, живопис, цирк, пантомима.
Историята на развитието на танцовото направление може условно да се раздели на два етапа: периодът преди 20 век и периодът от време от 20 век до наши дни.
Освен средновековните странстващи артисти и техните изпълнения, дивертисментите могат да се считат и за родоначалници на съвременния вариететен танц. Това са сцени, които през XVII-XVIII са показвани между музикални действия или части от драматични представления. Оперните арии се изпълняваха в дивертисменти, зрителят можеше да види откъси от балети, да слуша народни песни и накрая да се наслади на танци. В Русия произходът на танцовата сцена се намира в изпълненията на танцьори в руски и цигански хорове, от средата на 19 век - на фолклорни фестивали. Краят на 19 век е белязан от групови концерти на сцените на градини, „воксали“ и кафенета.
Популярен танц от 19 век. - може може(френски канкан, от canard - патица), френски танц от алжирски произход, 2 такта, бързо темпо. Характерно па - изхвърляне на крака, скачане. Широко разпространен е от средата на 19 век, използван е широко в класическите оперети и вариетета. Можем да кажем, че с появата на канкан започва нова танцова ера. Консервната консерва произхожда от Париж около 1830 г. Това беше женски танц, изпълняван на сцената, придружен от високо хвърляне на краката. През 1860-те години в Санкт Петербург са открити много класове по танци, където танцуват предимно канкан.
Друг от популярните танци от 19-ти век е танцът на разходката на тортата.
Разходка с торта -(също cakewalk, cake walk; англ. cakewalk - ходене с торта) - популярен танц-марш с афро-американски произход от средата на 19 век. Характерни черти: бързо темпо, тактов размер - 2-такта, синкопиран ритъм, акорди, възпроизвеждащи звука на банджо, закачлив комедиен (често иронично-гротескен) склад. Рязко акцентираните ритми, типични за cake walk, по-късно формират основата на рагтайм, а две десетилетия по-късно определят стила на поп джаза. Cake walk беше част от хумористичните представления на северноамериканския театър на менестрелите от деветнадесети век, в които се изпълняваше на бърза, синкопирана музика в духа на по-късния рагтайм. През последните години на 19-ти век тортената разходка, отделена от сцената на менестрелите, получава широко разпространение в Европа под формата на салонен танц. поп танц хореограф драматургия
На сцената на менестрела разходката с тортата имаше специално символично значение. Това беше крайбрежна сцена, на която облечени негри денди, ръка за ръка със своите също толкова модерно облечени дами, възпроизвеждаха в комична форма тържествените неделни шествия на бели дами и господа. Възпроизвеждайки външния маниер на плантаторите, черните денди осмиваха тяхната глупава важност, умствена тъпота, самодоволно чувство за въображаемо превъзходство. Мотивът за скритата подигравка, съдържащ се в тортената разходка, намери специфично отражение в звуковата сфера.
Танцовата музика, чиято изразителност се основаваше предимно на ударни звуци и много по-сложен метро-ритъм, изигра значителна новаторска роля, откри нови пътища за развитието на съвременното музикално изкуство. Нови музикални принципи бяха въведени в психологията на най-широката публика, отначало само в САЩ, а след това и в Европа, противопоставяйки се на всичко, което се утвърждаваше от векове наред от европейските композитори. Музикалната форма на cake walk се среща в пиеси за пиано в салона и в поп номера за традиционна инструментална композиция, и в маршове за духов оркестър, а понякога и в балните танци от европейски произход. „Дори във валсовете се появи синкоп, за който Валдтойфел и Щраус никога не са мечтали“ (Блеш Р., Янис Х. Всички свиреха рагтайм). Жанрът на тортата е използван от много академични композитори (например Дебюси, Стравински и др.).
Иновативната тортена разходка беше не само музикално, но и по отношение на хореографията. Това се проявяваше в специални движения на краката, които изглеждаха „независими“ от тялото на танцьорката. Както при другите танци на театъра на менестрелите, тялото на изпълнителя остава в строго контролирано, балансирано състояние, ръцете му висят като безпомощни, безформени „парцали“. Цялата енергия на танцьора, цялото му феноменално умение и главозамайващо темпо бяха въплътени в движенията на краката. Прецизни синхронни акценти, произведени от петата на единия крак и пръстите на другия; един вид "чукане" тъпчене с дървени подметки; бягане напред на пети; безплатно, сякаш хаотично "разбъркване". Необичайното за традиционния балет съотношение на „безразличното тяло“ и „клатещите се“ крака подчертава хумористичния ефект на външното спокойствие, неотделим от образа на замръзнала маска.
Cake walk има огромно влияние върху танцовото изкуство от края на XIX - началото на XX век. Той роди редица танци, които изместиха полката, каре, кънтри танца и други популярни танци от близкото минало от културната употреба. Тези най-нови танци - гризли бар, зайче хаг, тексас томи, тарки тръс и др. се отличаваха със специален 2-такт, неотделим от cake walk, и характерния си "люлеещ" ефект. Тяхната еволюция завърши с добре познатите двустеп и фокстрот, които добиха най-широка популярност в цял свят и останаха в репертоара на домакинските танци дълги години.
Първоначалният разцвет на всички тези танци съвпада с кулминацията на популярността на рагтаймът и началото на "епохата на джаза".
