ไม่มีประเทศใดในโลกที่มอบให้แก่มนุษยชาติแก่นักประพันธ์เพลงผู้ยิ่งใหญ่ได้มากเท่าเยอรมนี ความคิดดั้งเดิมเกี่ยวกับชาวเยอรมันในฐานะคนที่มีเหตุผลและอวดดีที่สุดกำลังพังทลายลงจากความสามารถทางดนตรีมากมาย (เช่นเดียวกับบทกวี) นักแต่งเพลงชาวเยอรมัน Bach, Handel, Beethoven, Brahms, Mendelssohn, Schumann, Arf, Wagner - นี่ไม่ใช่รายชื่อนักดนตรีที่มีพรสวรรค์ที่สมบูรณ์ซึ่งสร้างผลงานทางดนตรีชิ้นเอกที่น่าทึ่งในแนวเพลงและสไตล์ต่างๆ
นักแต่งเพลงชาวเยอรมัน Johann Sebastian Bach และ Johann Georg Handel ทั้งคู่เกิดในปี 1685 ได้วางรากฐานของดนตรีคลาสสิกและนำเยอรมนีไปสู่แถวหน้าของโลกดนตรีซึ่งก่อนหน้านี้ถูกครอบงำโดยชาวอิตาลี อัจฉริยะที่ยังไม่เข้าใจและยอมรับอย่างถ่องแท้โดยคนรุ่นราวคราวเดียวกันได้วางรากฐานอันทรงพลังที่ทำให้ดนตรีแนวคลาสสิกทั้งหมดเติบโตขึ้นในเวลาต่อมา
J.Haydn, W.A.Mozart และ L.Beethoven ผู้ยิ่งใหญ่คือตัวแทนที่ฉลาดที่สุดของโรงเรียนคลาสสิกเวียนนา ซึ่งเป็นทิศทางดนตรีที่พัฒนาขึ้นในช่วงปลายศตวรรษที่ 18 - ต้นศตวรรษที่ 19 ชื่อของ "เวียนนาคลาสสิก" สื่อถึงการมีส่วนร่วมของนักแต่งเพลงชาวออสเตรีย เช่น Haydn และ Mozart หลังจากนั้นไม่นาน Ludwig van Beethoven นักแต่งเพลงชาวเยอรมันก็เข้าร่วมกับพวกเขา (ประวัติศาสตร์ของรัฐใกล้เคียงเหล่านี้เชื่อมโยงกันอย่างแยกไม่ออก)
ชาวเยอรมันผู้ยิ่งใหญ่ที่เสียชีวิตด้วยความยากจนและความเหงาได้รับความรุ่งโรจน์มานับศตวรรษสำหรับตัวเขาเองและประเทศของเขา นักแต่งเพลงโรแมนติกชาวเยอรมัน (Schumann, Schubert, Brahms และคนอื่น ๆ ) รวมถึงนักแต่งเพลงชาวเยอรมันสมัยใหม่เช่น Paul Hindemith ซึ่งห่างไกลจากความคลาสสิกในงานของพวกเขา แต่ถึงกระนั้นก็ตระหนักถึงอิทธิพลมหาศาลของ Beethoven ที่มีต่อผลงานของพวกเขา
ลุดวิก ฟาน เบโธเฟน
Beethoven เกิดที่กรุงบอนน์ในปี พ.ศ. 2313 ในครอบครัวของนักดนตรีที่ยากจนและดื่มหนัก แม้จะติดยาเสพติด แต่พ่อก็สามารถแยกแยะพรสวรรค์ของลูกชายคนโตและเริ่มสอนดนตรีให้เขาด้วยตัวเอง เขาใฝ่ฝันที่จะทำให้ลุดวิกเป็นโมซาร์ทคนที่สอง (พ่อของโมสาร์ทประสบความสำเร็จในการแสดง "ลูกปาฏิหาริย์" ของเขาให้สาธารณชนได้เห็นตั้งแต่อายุ 6 ขวบ) แม้จะมีการปฏิบัติอย่างโหดร้ายกับพ่อของเขาซึ่งบังคับให้ลูกชายเรียนหนังสือทั้งวัน แต่เบโธเฟนก็ตกหลุมรักดนตรีอย่างหลงใหลเมื่ออายุได้เก้าขวบเขาก็ "โตเร็วกว่า" เขาในการแสดงด้วยซ้ำและเมื่ออายุสิบเอ็ดปีเขาก็กลายเป็นผู้ช่วยนักเล่นออร์แกนในศาล .
เมื่ออายุ 22 ปี Beethoven ออกจากบอนน์และไปที่เวียนนา ซึ่งเขาได้เรียนรู้บทเรียนจากเกจิ Haydn ด้วยตัวเอง ในเมืองหลวงของออสเตรียซึ่งในเวลานั้นเป็นศูนย์กลางของชีวิตทางดนตรีของโลก Beethoven ได้รับชื่อเสียงอย่างรวดเร็วในฐานะนักเปียโนที่เก่งกาจ แต่ผลงานของนักแต่งเพลงที่เต็มไปด้วยอารมณ์และบทละครที่เข้มข้นไม่ได้รับการชื่นชมจากสาธารณชนชาวเวียนนาเสมอไป เบโธเฟนในฐานะบุคคลไม่ค่อย "สะดวก" สำหรับคนรอบข้างเขา - เขาอาจเป็นคนรุนแรงและหยาบคายหรือร่าเริงอย่างไร้การควบคุมหรือมืดมนและมืดมน คุณสมบัติเหล่านี้ไม่ได้มีส่วนช่วยให้ Beethoven ประสบความสำเร็จในสังคมเขาถูกมองว่าเป็นคนที่มีพรสวรรค์
โศกนาฏกรรมในชีวิตของเบโธเฟนคืออาการหูหนวก ความเจ็บป่วยทำให้ชีวิตของเขาโดดเดี่ยวและโดดเดี่ยวมากขึ้น มันเป็นเรื่องเจ็บปวดสำหรับนักแต่งเพลงที่ต้องสร้างสรรค์ผลงานอันยอดเยี่ยมของเขาแต่ไม่เคยได้ยินการแสดงเหล่านั้นเลย ความหูหนวกไม่ได้ทำลายปรมาจารย์ที่มีความมุ่งมั่น แต่เขายังคงสร้างต่อไป เนื่องจากหูหนวกสนิทแล้ว เบโธเฟนเองก็แสดงซิมโฟนีหมายเลข 9 ที่ยอดเยี่ยมของเขาด้วยเพลง "Ode to Joy" อันโด่งดังด้วยคำพูดของชิลเลอร์ พลังและการมองโลกในแง่ดีของเพลงนี้ โดยเฉพาะอย่างยิ่งในสถานการณ์ที่น่าเศร้าในชีวิตของผู้แต่ง ยังคงสร้างความประหลาดใจให้กับจินตนาการ
ตั้งแต่ปี 1985 เพลง Ode to Joy ของ Beethoven ซึ่งเรียบเรียงโดย Herbert von Karajan ได้รับการยอมรับว่าเป็นเพลงสรรเสริญพระบารมีอย่างเป็นทางการของสหภาพยุโรป เขียนเกี่ยวกับเพลงนี้: “มนุษยชาติทั้งหมดกางแขนออกสู่ท้องฟ้า... พุ่งเข้าหาความสุขและกดมันลงบนหน้าอก”
Richard Wagner มีอิทธิพลสำคัญต่อการพัฒนาไม่เพียง แต่ดนตรีของประเพณียุโรปเท่านั้น แต่ยังรวมถึงวัฒนธรรมศิลปะโลกโดยรวมด้วย วากเนอร์ไม่ได้รับการศึกษาด้านดนตรีอย่างเป็นระบบและในการพัฒนาของเขาในฐานะปรมาจารย์ด้านดนตรีนั้นมีระดับที่เด็ดขาดสำหรับตัวเขาเอง ความสนใจของผู้แต่งซึ่งมุ่งเน้นไปที่แนวโอเปร่าโดยสิ้นเชิงนั้นเกิดขึ้นค่อนข้างเร็ว
วากเนอร์มองว่างานศิลปะของเขาเป็นการสังเคราะห์และเป็นช่องทางในการแสดงออกถึงแนวคิดทางปรัชญาในระดับที่สูงกว่านักประพันธ์ชาวยุโรปทุกคนในศตวรรษที่ 19 สาระสำคัญของมันถูกแสดงออกมาในรูปแบบของคำพังเพยในข้อความต่อไปนี้จากบทความของ Wagner เรื่อง "งานศิลปะแห่งอนาคต": "เช่นเดียวกับที่บุคคลจะไม่ได้รับการปลดปล่อยจนกว่าเขาจะยอมรับความผูกพันที่เชื่อมโยงเขากับธรรมชาติอย่างสนุกสนานดังนั้นศิลปะจะ ไม่เป็นอิสระจนต้องละอายใจในการเชื่อมโยงกับชีวิต” จากแนวคิดนี้ทำให้เกิดแนวคิดพื้นฐานสองประการ คือ ศิลปะควรสร้างขึ้นโดยชุมชนของคนและเป็นของชุมชนนี้ รูปแบบสูงสุดของศิลปะคือละครเพลง ซึ่งเข้าใจว่าเป็นเอกภาพอินทรีย์ของคำและเสียง แนวคิดแรกถูกรวบรวมไว้ในไบรอยท์ ซึ่งเป็นครั้งแรกที่โรงละครโอเปร่าเริ่มได้รับการปฏิบัติเหมือนเป็นวิหารแห่งศิลปะ ไม่ใช่สถานบันเทิง ศูนย์รวมของแนวคิดที่สองคือโอเปร่ารูปแบบใหม่ "ละครเพลง" ที่สร้างโดยวากเนอร์ มันเป็นการสร้างสรรค์ที่กลายเป็นเป้าหมายของชีวิตสร้างสรรค์ของวากเนอร์ องค์ประกอบบางส่วนรวมอยู่ในโอเปร่ายุคแรกของนักแต่งเพลงในช่วงทศวรรษที่ 1840 - "The Flying Dutchman", "Tannhäuser" และ "Lohengrin"
ทฤษฎีละครเพลงได้รวบรวมไว้ในบทความของสวิสของวากเนอร์ (“ โอเปร่าและการละคร”, “ศิลปะและการปฏิวัติ”, “ดนตรีและการละคร”, “งานศิลปะแห่งอนาคต”) และในทางปฏิบัติ - ในโอเปร่าในภายหลังของเขา: “ Tristan และ Isolde” ", tetralogy "The Ring of the Nibelung" และความลึกลับ "Parsifal" ตามที่วากเนอร์กล่าวไว้ ละครเพลงเป็นผลงานที่ตระหนักถึงแนวคิดโรแมนติกของการสังเคราะห์ศิลปะ (ดนตรีและละคร) ซึ่งเป็นการแสดงออกของการเขียนโปรแกรมในโอเปร่า เพื่อดำเนินการตามแผนนี้ วากเนอร์ละทิ้งประเพณีของรูปแบบโอเปร่าที่มีอยู่ในเวลานั้น - ส่วนใหญ่เป็นภาษาอิตาลีและฝรั่งเศส เขาวิพากษ์วิจารณ์คนแรกว่าเกินพอดี คนที่สองเพราะความเอิกเกริกของมัน เขาวิพากษ์วิจารณ์ผลงานของตัวแทนชั้นนำของโอเปร่าคลาสสิกอย่างดุเดือด (Rossini, Meyerbeer, Verdi, Aubert) โดยเรียกดนตรีของพวกเขาว่า พยายามที่จะทำให้โอเปร่าเข้าใกล้ชีวิตมากขึ้นเขาเกิดแนวคิดในการพัฒนาละครแบบ end-to-end - ตั้งแต่ต้นจนจบไม่เพียง แต่การแสดงเดียวเท่านั้น แต่ยังรวมถึงงานทั้งหมดและแม้กระทั่งวงจรของงาน (ทั้งสี่โอเปร่า ของวงแหวนนิเบลุง)
ในโอเปร่าคลาสสิกของแวร์ดีและรอสซินี ตัวเลขแต่ละเพลง (อาเรีย, ร้องคู่, วงดนตรีพร้อมนักร้องประสานเสียง) แบ่งการเคลื่อนไหวทางดนตรีเดี่ยวออกเป็นชิ้น ๆ วากเนอร์ละทิ้งพวกเขาอย่างสิ้นเชิงโดยหันไปหาฉากที่ร้องและไพเราะซึ่งไหลเข้าหากัน และแทนที่เพลงร้องและการร้องคู่ด้วยบทพูดและบทพูดที่น่าทึ่ง วากเนอร์แทนที่การทาบทามด้วยโหมโรง - การแนะนำดนตรีสั้น ๆ สำหรับแต่ละการกระทำซึ่งเชื่อมโยงกับการกระทำในระดับความหมายอย่างแยกไม่ออก ยิ่งไปกว่านั้น เริ่มต้นจากโอเปร่า Lohengrin การแสดงโหมโรงเหล่านี้ไม่ได้แสดงก่อนที่ม่านจะเปิด แต่เมื่อเวทีเปิดแล้ว การกระทำภายนอกในโอเปร่าในเวลาต่อมาของวากเนอร์ (โดยเฉพาะใน Tristan และ Isolde) ลดลงเหลือน้อยที่สุด มันถูกถ่ายโอนไปยังด้านจิตวิทยาไปยังพื้นที่ของความรู้สึกของตัวละคร วากเนอร์เชื่อว่าคำนี้ไม่สามารถแสดงความลึกและความหมายของประสบการณ์ภายในได้อย่างเต็มที่ดังนั้นจึงเป็นวงออเคสตราไม่ใช่ส่วนของเสียงร้องที่มีบทบาทสำคัญในละครเพลง อย่างหลังเป็นผู้ใต้บังคับบัญชาของการเรียบเรียงโดยสิ้นเชิงและวากเนอร์ถือว่าเป็นหนึ่งในเครื่องดนตรีของวงซิมโฟนีออร์เคสตรา ในขณะเดียวกัน ส่วนร้องในละครเพลงก็เป็นตัวแทนเทียบเท่ากับสุนทรพจน์ในละคร แทบไม่มีความไพเราะหรือความร่าเริงอยู่ในนั้นเลย เนื่องจากลักษณะเฉพาะของเสียงร้องในดนตรีโอเปร่าของวากเนอร์ (ความยาวพิเศษ, ข้อกำหนดบังคับของทักษะการแสดงละคร, การแสวงหาผลประโยชน์จากการลงทะเบียนเสียงสุดโต่งอย่างไร้ความปราณี), แบบแผนใหม่ของเสียงร้องเพลงจึงถูกสร้างขึ้นในการฝึกซ้อมการแสดงเดี่ยว - วากเนอร์เทเนอร์, วากเนอร์โซปราโน
วากเนอร์ให้ความสำคัญเป็นพิเศษกับการเรียบเรียงดนตรีและในวงกว้างมากขึ้นคือการประสานเสียง วงออเคสตราของวากเนอร์เปรียบได้กับคณะนักร้องประสานเสียงโบราณซึ่งให้ความเห็นเกี่ยวกับสิ่งที่เกิดขึ้นและถ่ายทอดความหมายที่ "ซ่อนเร้น" ในการปฏิรูปวงออเคสตรา ผู้แต่งได้สร้างวงทูบาสี่วง แนะนำเบสทูบา ทรอมโบนคอนทราเบส ขยายกลุ่มเครื่องสาย และใช้พิณหกตัว ในประวัติศาสตร์ทั้งหมดของโอเปร่าก่อนวากเนอร์ ไม่ใช่ผู้แต่งคนเดียวที่ใช้วงออเคสตราขนาดนี้ (เช่น "The Ring of the Nibelung" ดำเนินการโดยวงออเคสตราสี่ชิ้นที่มีแตรแปดเขา) นวัตกรรมของวากเนอร์ในด้านความสามัคคีก็เป็นที่ยอมรับกันโดยทั่วไปเช่นกัน เขาขยายโทนเสียงที่เขาได้รับมาจากคลาสสิกของเวียนนาและโรแมนติกในยุคแรกๆ อย่างมาก โดยเพิ่มความเข้มข้นของสีและการปรับเปลี่ยนกิริยาช่วย ด้วยการทำให้การเชื่อมต่อที่ชัดเจนระหว่างศูนย์กลาง (โทนิค) และบริเวณรอบนอกอ่อนลง (ตรงไปตรงมาในหมู่คลาสสิก) จงใจหลีกเลี่ยงการแก้ไขโดยตรงของความไม่สอดคล้องกันไปสู่ความสอดคล้อง เขาได้ถ่ายทอดความตึงเครียด พลวัต และความต่อเนื่องให้กับการพัฒนามอดูเลชั่น จุดเด่นของความสามัคคีของ Wagnerian ถือเป็น "คอร์ด Tristan" (ตั้งแต่โหมโรงไปจนถึงโอเปร่า "Tristan และ Isolde") และบทเพลงแห่งโชคชะตาจาก "The Ring of the Nibelungs" วากเนอร์ได้แนะนำระบบเพลงประกอบที่พัฒนาแล้ว ดนตรีประกอบแต่ละเพลง (ลักษณะทางดนตรีขนาดสั้น) เป็นการสื่อถึงบางสิ่งบางอย่าง เช่น ตัวละครเฉพาะหรือสิ่งมีชีวิต (เช่น เพลงประกอบของแม่น้ำไรน์ใน “Das Rheingold”) วัตถุที่มักทำหน้าที่เป็นสัญลักษณ์ (แหวน ดาบ และทองคำใน “The Ring” เครื่องดื่มแห่งความรักใน "Tristan และ Isolde" สถานที่แห่งการกระทำ (เพลงประกอบของจอกใน "Lohengrin" และ Valhalla ใน "Das Rheingold") และแม้แต่แนวคิดที่เป็นนามธรรม (เพลงประกอบของโชคชะตาและโชคชะตามากมายในวงจร "The Ring" ของ Nibelung" ความปรารถนา การจ้องมองด้วยความรักใน "Tristan และ Isolde")
ระบบเพลงประกอบของ Wagnerian ได้รับการพัฒนาที่สมบูรณ์แบบที่สุดใน "The Ring" - สะสมจากโอเปร่าหนึ่งไปอีกโอเปร่าผสมผสานกันทุกครั้งที่ได้รับตัวเลือกการพัฒนาใหม่เพลงประกอบทั้งหมดของวงจรนี้เป็นผลให้รวมตัวกันและมีปฏิสัมพันธ์ในละครเพลงที่ซับซ้อน เนื้อร้องของโอเปร่าเรื่องสุดท้าย "Twilight of the Gods" การทำความเข้าใจดนตรีในฐานะที่เป็นตัวตนของการเคลื่อนไหวอย่างต่อเนื่องและการพัฒนาความรู้สึกทำให้วากเนอร์มีแนวคิดที่จะรวมเพลงประกอบเหล่านี้ให้เป็นกระแสเดียวของการพัฒนาซิมโฟนิกให้เป็น "ทำนองที่ไม่มีที่สิ้นสุด" (unendliche Melodie) การขาดการสนับสนุนยาชูกำลัง (ตลอดโอเปร่า "Tristan และ Isolde") ความไม่สมบูรณ์ของแต่ละธีม (ในวงจรทั้งหมด "Ring of the Nibelung" ยกเว้นการเดินขบวนศพในโอเปร่า "Twilight of the Gods" ”) มีส่วนทำให้อารมณ์เพิ่มขึ้นอย่างต่อเนื่องซึ่งไม่ได้รับการแก้ปัญหาซึ่งทำให้ผู้ฟังสงสัยอยู่ตลอดเวลา (เช่นเดียวกับในละครโอเปร่าเรื่อง Tristan and Isolde และ Lohengrin) A. F. Losev ให้นิยามพื้นฐานทางปรัชญาและสุนทรียภาพของงานของ Wagner ว่าเป็น "สัญลักษณ์ลึกลับ"
กุญแจสำคัญในการทำความเข้าใจแนวคิดเกี่ยวกับภววิทยาของวากเนอร์คือ tetralogy "The Ring of the Nibelung" และโอเปร่า "Tristan and Isolde" ประการแรก ความฝันของวากเนอร์เกี่ยวกับความเป็นสากลทางดนตรีได้รับการเติมเต็มอย่างสมบูรณ์ใน The Ring “ใน The Ring ทฤษฎีนี้ถูกรวบรวมผ่านการใช้เพลงประกอบ เมื่อทุกความคิดและทุกภาพบทกวีได้รับการจัดระเบียบโดยเฉพาะในทันทีด้วยความช่วยเหลือจากแนวคิดทางดนตรี” Losev เขียน นอกจากนี้ “The Ring” ยังสะท้อนความหลงใหลในแนวคิดของโชเปนเฮาเออร์ได้อย่างเต็มที่ อย่างไรก็ตาม เราต้องจำไว้ว่าเราเริ่มคุ้นเคยกับพวกเขาเมื่อข้อความของเตตราโลจีพร้อมและเริ่มดำเนินการด้านดนตรี เช่นเดียวกับ Schopenhauer วากเนอร์สัมผัสได้ถึงความผิดปกติและแม้กระทั่งความไร้ความหมายของพื้นฐานของจักรวาล ความหมายเดียวของการดำรงอยู่นั้นเชื่อกันว่าคือการละทิ้งเจตจำนงสากลนี้ และดำดิ่งลงสู่ก้นบึ้งของสติปัญญาและความเกียจคร้านอันบริสุทธิ์ เพื่อค้นหาความสุขทางสุนทรีย์ที่แท้จริงในดนตรี อย่างไรก็ตาม วากเนอร์ซึ่งแตกต่างจากโชเปนเฮาเออร์ เชื่อว่าโลกเป็นไปได้และแม้กระทั่งถูกกำหนดไว้ล่วงหน้าว่าผู้คนจะไม่มีชีวิตอยู่ในนามของการแสวงหาทองคำอย่างต่อเนื่องอีกต่อไป ซึ่งในตำนานของวากเนอร์เป็นสัญลักษณ์ของเจตจำนงของโลก ไม่มีใครรู้แน่ชัดเกี่ยวกับโลกนี้ แต่ไม่ต้องสงสัยเลยว่าโลกนี้จะเกิดขึ้นหลังจากภัยพิบัติระดับโลก แก่นของภัยพิบัติระดับโลกมีความสำคัญมากสำหรับภววิทยาของ "The Ring" และเห็นได้ชัดว่าเป็นการคิดใหม่เกี่ยวกับการปฏิวัติซึ่งไม่เข้าใจว่าเป็นการเปลี่ยนแปลงในระบบสังคมอีกต่อไป แต่เป็นการกระทำทางจักรวาลวิทยาที่เปลี่ยนแปลงไปอย่างมาก แก่นแท้ของจักรวาล
สำหรับ “Tristan and Isolde” แนวคิดที่อยู่ในนั้นได้รับอิทธิพลอย่างมากจากความหลงใหลในพุทธศาสนาในช่วงสั้นๆ และในขณะเดียวกันก็เรื่องราวความรักอันน่าทึ่งของ Mathilde Wesendonck ที่นี่เป็นการผสมผสานระหว่างธรรมชาติของมนุษย์ที่ถูกแบ่งแยกซึ่งวากเนอร์มองหามานานได้เกิดขึ้น การเชื่อมต่อนี้เกิดขึ้นกับการจากไปของ Tristan และ Isolde ไปสู่การลืมเลือน คิดว่าเป็นการหลอมรวมพุทธศาสนาอย่างสมบูรณ์กับโลกนิรันดร์และไม่เสื่อมสลาย ตามความเห็นของ Losev มันช่วยแก้ไขความขัดแย้งระหว่างวัตถุและวัตถุซึ่งเป็นรากฐานของวัฒนธรรมยุโรป สิ่งที่สำคัญที่สุดคือธีมของความรักและความตาย ซึ่งสำหรับวากเนอร์มีความเชื่อมโยงกันอย่างแยกไม่ออก ความรักมีอยู่ในมนุษย์ พิชิตเขาอย่างสมบูรณ์ เช่นเดียวกับความตายเป็นจุดจบของชีวิตเขาอย่างหลีกเลี่ยงไม่ได้ ในแง่นี้จึงควรเข้าใจยารักของวากเนอร์ “ อิสรภาพ ความสุข ความสุข ความตาย และการลิขิตชะตากรรม - นี่คือสิ่งที่ยาแห่งความรักเป็น ซึ่งวากเนอร์บรรยายได้อย่างยอดเยี่ยมมาก” Losev เขียน การปฏิรูปโอเปร่าของวากเนอร์ส่งผลกระทบอย่างมีนัยสำคัญต่อดนตรีของยุโรปและรัสเซีย ถือเป็นเวทีสูงสุดของลัทธิโรแมนติกทางดนตรี และในขณะเดียวกันก็วางรากฐานสำหรับขบวนการสมัยใหม่ในอนาคต การผสมผสานสุนทรียภาพทางโอเปร่าของ Wagnerian ทั้งทางตรงและทางอ้อม (โดยเฉพาะอย่างยิ่งนวัตกรรมละครเพลงแบบ "ตัดขวาง") ถือเป็นส่วนสำคัญของผลงานโอเปร่าที่ตามมา การใช้ระบบเพลงประกอบในโอเปร่าหลังจากที่วากเนอร์กลายเป็นเรื่องที่ไม่สำคัญและเป็นสากล อิทธิพลของภาษาดนตรีที่เป็นนวัตกรรมของวากเนอร์มีความสำคัญไม่น้อยโดยเฉพาะอย่างยิ่งความกลมกลืนของเขาซึ่งผู้แต่งได้แก้ไขหลักการของโทนเสียง "เก่า" (ก่อนหน้านี้ถือว่าไม่สั่นคลอน)
ในบรรดานักดนตรีชาวรัสเซีย A. N. Serov เพื่อนของ Wagner เป็นผู้เชี่ยวชาญและผู้สนับสนุน Wagner N. A. Rimsky-Korsakov ผู้ซึ่งวิพากษ์วิจารณ์ Wagner ต่อสาธารณะยังคงประสบ (โดยเฉพาะในงานช่วงหลังของเขา) อิทธิพลของ Wagner ในเรื่องความสามัคคี การเขียนออเคสตรา และการแสดงละครเพลง บทความอันทรงคุณค่าเกี่ยวกับวากเนอร์ถูกทิ้งไว้โดยนักวิจารณ์เพลงชาวรัสเซียผู้โด่งดัง G. A. Laroche โดยทั่วไปแล้ว "Wagnerian" ให้ความรู้สึกโดยตรงในผลงานของนักประพันธ์เพลง "โปรตะวันตก" ของรัสเซียในศตวรรษที่ 19 (เช่น A. G. Rubinstein) มากกว่าในผลงานของตัวแทนของโรงเรียนแห่งชาติ อิทธิพลของวากเนอร์ (ดนตรีและสุนทรียศาสตร์) ได้รับการบันทึกไว้ในรัสเซียและในทศวรรษแรกของศตวรรษที่ 20 ในผลงานของ A. N. Scriabin ทางตะวันตก ศูนย์กลางของลัทธิวากเนอร์กลายเป็นสิ่งที่เรียกว่าโรงเรียนไวมาร์ (ชื่อตัวเองว่าโรงเรียนภาษาเยอรมันใหม่) ซึ่งพัฒนาขึ้นโดยมี F. Liszt ในเมืองไวมาร์ ตัวแทนของมัน (P. Cornelius, G. von Bülow, I. Raff ฯลฯ ) สนับสนุน Wagner ประการแรกด้วยความปรารถนาที่จะขยายขอบเขตของการแสดงออกทางดนตรี (ความสามัคคี การเขียนออเคสตรา ละครโอเปร่า)
นักแต่งเพลงชาวตะวันตกที่ได้รับอิทธิพลจากวากเนอร์ ได้แก่ Anton Bruckner, Hugo Wolf, Claude Debussy, Gustav Mahler, Richard Strauss, Béla Bartok, Karol Szymanowski และ Arnold Schoenberg (ในงานแรกของเขา) ปฏิกิริยาต่อลัทธิวากเนอร์คือแนวโน้ม "ต่อต้านวากเนอร์" ซึ่งต่อต้านตัวเองซึ่งเป็นตัวแทนที่ใหญ่ที่สุดคือนักแต่งเพลงโยฮันเนสบราห์มส์และนักดนตรี E. Hanslick นักดนตรีผู้ปกป้องความสมบูรณ์และความพอเพียงของดนตรี การตัดการเชื่อมต่อจาก "สิ่งเร้า" ดนตรีภายนอกภายนอก
ในรัสเซีย ความรู้สึกต่อต้านวากเนอร์เป็นลักษณะของกลุ่มนักแต่งเพลงระดับชาติ โดยหลักๆ คือ M. P. Mussorgsky และ A. P. Borodin ทัศนคติต่อวากเนอร์ในหมู่ผู้ที่ไม่ใช่นักดนตรี (ซึ่งประเมินดนตรีของวากเนอร์ไม่มากเท่ากับข้อความที่เป็นข้อขัดแย้งและสิ่งพิมพ์ "สุนทรีย์" ของเขา) นั้นคลุมเครือ ดังนั้น Friedrich Nietzsche จึงเขียนไว้ในบทความของเขาเรื่อง "The Wagner Incident":
“วากเนอร์ยังเป็นนักดนตรีหรือเปล่า? ไม่ว่าในกรณีใด เขาเป็นมากกว่าสิ่งอื่นใด... สถานที่ของเขาอยู่ในพื้นที่อื่นและไม่ได้อยู่ในประวัติศาสตร์ดนตรี: เขาไม่ควรสับสนกับตัวแทนที่ยิ่งใหญ่ที่แท้จริง วากเนอร์และเบโธเฟนเป็นการดูหมิ่นศาสนา...” ตามคำกล่าวของโธมัส มานน์ วากเนอร์ “มองเห็นความลึกลับอันศักดิ์สิทธิ์ในงานศิลปะ เป็นยาครอบจักรวาลที่ป้องกันความเจ็บป่วยทั้งหมดของสังคม...”
ผลงานทางดนตรีของวากเนอร์ในศตวรรษที่ 20-21 ยังคงแสดงสดบนเวทีโอเปร่าที่มีชื่อเสียงที่สุด ไม่เพียงแต่ในเยอรมนีเท่านั้น แต่ทั่วโลก (ยกเว้นอิสราเอล)วากเนอร์เขียนเรื่อง The Ring of the Nibelung ด้วยความหวังว่าจะมีโรงละครที่สามารถจัดละครมหากาพย์ทั้งหมดและถ่ายทอดแนวคิดให้กับผู้ฟังได้ อย่างไรก็ตาม ผู้ร่วมสมัยสามารถชื่นชมความจำเป็นทางจิตวิญญาณของมันได้ และมหากาพย์ก็พบหนทางสู่ผู้ชม บทบาทของ “วงแหวน” ในการก่อตัวของจิตวิญญาณของชาติเยอรมันไม่สามารถประเมินได้สูงเกินไป ในช่วงกลางศตวรรษที่ 19 เมื่อมีการเขียน The Ring of the Nibelung ประเทศชาติยังคงแตกแยก ชาวเยอรมันจดจำความอัปยศอดสูของการรณรงค์นโปเลียนและสนธิสัญญาเวียนนา เมื่อเร็ว ๆ นี้การปฏิวัติดังสนั่นเขย่าบัลลังก์ของกษัตริย์ Appanage - เมื่อวากเนอร์ออกจากโลกเยอรมนีก็รวมเป็นหนึ่งแล้วกลายเป็นอาณาจักรผู้ถือและจุดสนใจของวัฒนธรรมเยอรมันทั้งหมด “แหวนแห่งไนเบลุง” และงานของวากเนอร์โดยรวม แม้ว่าจะไม่เพียงแต่เพื่อชาวเยอรมันและสำหรับแนวคิดของชาวเยอรมันในการระดมแรงกระตุ้นที่บังคับให้นักการเมือง ปัญญาชน ทหาร และสังคมทั้งหมดรวมตัวกัน
ในปี พ.ศ. 2407 หลังจากได้รับความโปรดปรานจากกษัตริย์บาวาเรียลุดวิกที่ 2 ผู้ชำระหนี้และสนับสนุนเขาต่อไป เขาก็ย้ายไปมิวนิกที่ซึ่งเขาเขียนโอเปร่าการ์ตูนเรื่อง Die Meistersinger of Nuremberg และสองส่วนสุดท้ายของ Ring of the Nibelungs : ซิกฟรีดและทไวไลท์แห่งเหล่าทวยเทพ ในปี พ.ศ. 2415 ได้มีการวางศิลาฤกษ์สำหรับ Festival House ในเมืองไบรอยท์ ซึ่งเปิดทำการในปี พ.ศ. 2419 โดยที่งานเปิดตัวภาพยนตร์ Tetralogy เรื่อง The Ring of the Nibelung จัดขึ้นในวันที่ 13-17 สิงหาคม พ.ศ. 2419 ในปีพ.ศ. 2425 โอเปร่าลึกลับ Parsifal จัดแสดงที่เมืองไบรอยท์ ในปีเดียวกันนั้นเอง วากเนอร์เดินทางไปเวนิสด้วยเหตุผลด้านสุขภาพ ซึ่งเขาเสียชีวิตในปี พ.ศ. 2426 ด้วยอาการหัวใจวาย วากเนอร์ถูกฝังอยู่ที่เมืองไบรอยท์
ฮานส์ ลีโอ ฮาสเลอร์(รับบัพติศมา 26/10/1564 - 06/08/1612) - นักแต่งเพลงและออร์แกนชาวเยอรมันในยุคเรอเนซองส์ตอนปลายและยุคบาโรกตอนต้น หนึ่งในนักประพันธ์เพลงที่สำคัญที่สุดที่พัฒนาสไตล์อิตาลีในเยอรมนีเมื่อต้นศตวรรษที่ 17
โยฮันน์ ไฮน์ริช ไชเดมันน์(ราวปี ค.ศ. 1595 - 26 กันยายน ค.ศ. 1663) - นักออร์แกนและนักแต่งเพลงชาวเยอรมันในยุคบาโรก หนึ่งในผู้นำโรงเรียนสอนออร์แกนของเยอรมันเหนือ ผู้บุกเบิกที่สำคัญของ Dietrich Buxtehude และ J. S. Bach
ไฮน์ริช ชุทซ์(08.10.1585 - 06.11.1672) - นักแต่งเพลงและนักออร์แกนชาวเยอรมันผู้ยิ่งใหญ่แห่งยุคบาโรก ถือว่าเท่าเทียมกับเคลาดิโอ มอนเตแวร์ดี และโยฮันน์ เซบาสเตียน บาค เขาผสมผสานเทคนิคการต่อต้านเสียงและโมโนดิกแบบเวนิสเข้ากับดนตรีโปรเตสแตนต์ และยังสร้างอุปรากรเยอรมันเรื่องแรกด้วย
เฮียโรนีมุส ปราเอโทเรียส(08/10/1560 - 27/01/1629) - นักแต่งเพลงและนักออร์แกนชาวเยอรมันเหนือแห่งยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาตอนปลายและยุคบาโรกตอนต้น ชื่อของนักแต่งเพลงชื่อดัง Michael Praetorius แม้ว่าจะมีนักดนตรีที่โดดเด่นหลายคนในตระกูล Hieronymus Praetorius ในศตวรรษที่ 16 และ 17
โยฮันน์ อดัม ไรน์เคน(รับบัพติศมา 10 ธันวาคม 1643 - 24 พฤศจิกายน 1722) - นักแต่งเพลงและนักออร์แกนชาวดัตช์ - เยอรมันในยุคบาโรก หนึ่งในตัวแทนที่โดดเด่นของโรงเรียนเยอรมันเหนือซึ่งเป็นเพื่อนของ Dietrich Buxtehude มีอิทธิพลอย่างมากต่อโยฮันน์เซบาสเตียนบาคในวัยเยาว์
โยฮันน์ แฮร์มันน์ ไชน์(20/01/1586 - 19/11/1630) - นักแต่งเพลงและกวีชาวเยอรมันแห่งยุคบาโรกตอนต้น เขาเป็นหนึ่งในคนกลุ่มแรก ๆ ที่พัฒนาสไตล์อิตาเลียนที่เป็นนวัตกรรมในดนตรีเยอรมัน เขาได้รับการยกย่องว่าเป็นนักแต่งเพลงที่ประณีตและสง่างามในสมัยของเขา
โยฮันเนส นูเซียส (นุกซ์, นูซิส)(ประมาณ ค.ศ. 1556 - 25/03/1620) - นักแต่งเพลงและนักทฤษฎีดนตรีชาวเยอรมันแห่งยุคเรอเนซองส์ตอนปลายและบาโรกตอนต้น ห่างไกลจากศูนย์กลางกิจกรรมทางดนตรีที่สำคัญ เขาเป็นนักแต่งเพลงที่ประสบความสำเร็จในสไตล์ของนักแต่งเพลงชาวฝรั่งเศส-เฟลมิช ออร์แลนโด ดิ ลาสโซ รวบรวมงานทางวิทยาศาสตร์ที่มีอิทธิพลอย่างมากเกี่ยวกับการใช้วาทศิลป์ของอุปกรณ์เรียบเรียง
โยฮันน์ อุลริช ชไตเกิลเดอร์(22 มีนาคม พ.ศ. 2136 - 10 ตุลาคม พ.ศ. 2178) - นักแต่งเพลงและนักออร์แกนชาวเยอรมันใต้ในยุคบาโรก สมาชิกที่มีชื่อเสียงที่สุดของละครเพลงตระกูล Steigleder แห่งสตุ๊ตการ์ท ซึ่งรวมถึงอดัมพ่อของเขา (ค.ศ. 1561-1633) และคุณปู่ Utz (เสียชีวิตปี 1581) ซึ่งเป็นนักดนตรีในศาลและนักการทูต
โยฮันน์ ยาคอบ โฟรเบอร์เกอร์(รับบัพติศมา 19 พฤษภาคม 1616 - 7 พฤษภาคม 1667) - นักแต่งเพลงชาวเยอรมันในยุคบาโรก นักเล่นฮาร์ปซิคอร์ดและออร์แกนที่เชี่ยวชาญ หนึ่งในนักประพันธ์เพลงที่มีชื่อเสียงที่สุดในยุคนั้น เขามีส่วนช่วยอย่างมากในการพัฒนาละครเพลงของคีย์บอร์ด และสร้างตัวอย่างแรกของโปรแกรมเพลง ต้องขอบคุณการเดินทางหลายครั้งของเขา เขามีส่วนสนับสนุนอย่างมากในการแลกเปลี่ยนประเพณีทางดนตรีในเยอรมนี อิตาลี และฝรั่งเศส งานของเขาได้รับการศึกษาโดยนักดนตรีในศตวรรษที่ 18 รวมถึงนักแต่งเพลงเช่น Handel และ Bach และแม้แต่ Mozart และ Beethoven
นักแต่งเพลงชาวเยอรมันมีส่วนช่วยอย่างมากในการพัฒนาศิลปะดนตรีโลก ในจำนวนนี้มีผู้ที่เราเรียกว่าเป็นผู้ยิ่งใหญ่จำนวนมาก คนทั้งโลกกำลังฟังผลงานชิ้นเอกของพวกเขา ในโรงเรียนดนตรี ผลงานของหลายๆ คนรวมอยู่ในหลักสูตรด้วย
ดนตรีแห่งเยอรมนี
ความมั่งคั่งของดนตรีในประเทศนี้เริ่มขึ้นในศตวรรษที่ 18 จากนั้นนักประพันธ์ชาวเยอรมันผู้ยิ่งใหญ่เช่น Robert Schumann, Johann Sebastian Bach, Franz Schubert, Ludwig Van Beethoven ก็เริ่มสร้าง พวกเขาเป็นตัวแทนกลุ่มแรกของแนวโรแมนติก
นักประพันธ์เพลงผู้ยิ่งใหญ่ที่อาศัยอยู่ในออสเตรีย: Franz Liszt, Wolfgang Amadeus Mozart, Johann Strauss
ต่อมา Carl Orff, Richard Wagner และ Max Reger มีชื่อเสียง พวกเขาเขียนเพลงโดยเปลี่ยนไปสู่รากเหง้าของชาติ
คีตกวีชาวเยอรมันที่มีชื่อเสียงแห่งศตวรรษที่ 20: Arnold Schoenberg, Paul Hindemith, Karlheinz Stockhausen
เจมส์ ลาสต์
James Last นักแต่งเพลงชาวเยอรมันชื่อดังเกิดที่เมืองเบรเมินในปี 1929 ชื่อจริงของเขาคือฮันส์ เขาทำงานในแนวดนตรีแจ๊ส เจมส์ปรากฏตัวครั้งแรกบนเวทีในปี พ.ศ. 2489 โดยเป็นส่วนหนึ่งของวง Bremen Radio Orchestra หลังจากผ่านไป 2 ปี เขาก็ได้สร้างวงดนตรีของตัวเองขึ้นซึ่งเขาเป็นผู้นำและแสดงด้วย ในช่วงทศวรรษที่ 50 ของศตวรรษที่ 20 Last ถือเป็นมือเบสแจ๊สที่ดีที่สุด ในปี 1964 เจมส์ได้สร้างวงออเคสตราของตัวเองขึ้นมา เขามีส่วนร่วมในการเรียบเรียงทำนองเพลงยอดนิยมในขณะนั้น นักแต่งเพลงออกอัลบั้มแรกของเขาในปี 2508 หลังจากนั้นมีอีก 50 อัลบั้ม ขายได้หลายล้านชุด สิบแปดแผ่นกลายเป็นแพลตตินัม 37 แผ่นกลายเป็นทองคำ James Last สร้างสรรค์ผลงานสำหรับนักเขียนและนักแสดงที่ทำงานในแนวดนตรีที่แตกต่างอย่างสิ้นเชิง ตั้งแต่ดนตรีโฟล์กไปจนถึงฮาร์ดร็อค ผู้แต่งเสียชีวิตในสหรัฐอเมริกาในเดือนมิถุนายน 2558
โยฮันน์ เซบาสเตียน บาค
คีตกวีชาวเยอรมันผู้ยิ่งใหญ่ในยุคบาโรก: Georg Böhm, Nikolaus Bruns, Dietrich Buxtehude, George Frideric Handel และคนอื่นๆ ผู้ที่อยู่บนสุดของรายชื่อนี้คือ โยฮันน์ เซบาสเตียน บาค เขาเป็นนักแต่งเพลง ครู และนักออร์แกนฝีมือเยี่ยม J.S. Bach เป็นผู้แต่งผลงานมากกว่าหนึ่งพันชิ้น เขาเขียนเพลงแนวต่างๆ ทุกสิ่งที่สำคัญในช่วงชีวิตของเขา ยกเว้นโอเปร่า พ่อของนักแต่งเพลงเป็นนักดนตรีเหมือนกับญาติและบรรพบุรุษคนอื่นๆ
Johann Sebastian ชอบดนตรีมาตั้งแต่เด็กและไม่เคยพลาดโอกาสในการเล่นดนตรี นักแต่งเพลงในอนาคตร้องเพลงในคณะนักร้องประสานเสียงเล่นฮาร์ปซิคอร์ดและออร์แกนและศึกษาผลงานของนักแต่งเพลง เมื่ออายุประมาณ 15 ปีเขาเขียนผลงานชิ้นแรกของเขา หลังจากสำเร็จการศึกษา ชายหนุ่มก็รับหน้าที่เป็นนักดนตรีประจำศาล จากนั้นก็เป็นนักออร์แกนในโบสถ์ Johann Sebastian Bach มีลูกเจ็ดคน โดยสองคนกลายเป็นนักแต่งเพลงชื่อดัง ภรรยาคนแรกของเขาเสียชีวิตและเขาก็แต่งงานใหม่อีกครั้ง ภรรยาคนที่สองของเขาเป็นนักร้องหนุ่มที่มีนักร้องโซปราโนที่งดงาม ในวัยชรา J. S. Bach ตาบอด แต่ยังคงแต่งเพลงต่อไป โน้ตถูกเขียนโดยลูกเขยของผู้แต่งภายใต้การเขียนตามคำบอก โยฮันน์ เซบาสเตียน ผู้ยิ่งใหญ่ถูกฝังอยู่ในเมืองไลพ์ซิก ในประเทศเยอรมนี ภาพลักษณ์ของเขาถูกทำให้เป็นอมตะในอนุสรณ์สถานจำนวนมาก
ลุดวิก ฟาน เบโธเฟน
นักแต่งเพลงชาวเยอรมันหลายคนสมัครพรรคพวกในโรงเรียนคลาสสิกเวียนนา บุคคลที่โดดเด่นที่สุดของพวกเขาคือลุดวิก ฟาน เบโธเฟน เขาเขียนดนตรีทุกประเภทที่มีอยู่ในสมัยที่เขาอาศัยอยู่ เขายังแต่งผลงานให้กับละครอีกด้วย L. Beethoven เป็นนักแต่งเพลงที่มีผลงานของนักดนตรีทุกคนในโลก ผลงานบรรเลงของ L. Beethoven ถือเป็นผลงานที่สำคัญที่สุด
นักแต่งเพลงเกิดเมื่อปี พ.ศ. 2313 เขาเป็นบุตรชายของนักร้องในโบสถ์ในศาล พ่อต้องการเลี้ยงดูลูกชายของเขาในฐานะ W. Mozart คนที่สองและสอนให้เขาเล่นเครื่องดนตรีหลายชิ้นในคราวเดียว เมื่ออายุ 8 ขวบ ลุดวิกปรากฏตัวครั้งแรกบนเวที ตรงกันข้ามกับความคาดหวังของพ่อ แอล. บีโธเฟนไม่ได้เป็นเด็กมหัศจรรย์เหมือนโวล์ฟกัง อะมาเดอุส โมสาร์ท เมื่อนักแต่งเพลงผู้ยิ่งใหญ่ในอนาคตอายุ 10 ขวบ พ่อของเขาหยุดสอนเขาด้วยตัวเอง และเด็กชายก็มีครูที่แท้จริง - นักแต่งเพลงและนักออร์แกน - K. G. Nefe ครูจำพรสวรรค์ของแอล. เบโธเฟนได้ทันที เขาสอนชายหนุ่มมากมายแนะนำให้เขารู้จักกับผลงานของนักประพันธ์เพลงผู้ยิ่งใหญ่ในยุคนั้น แอล. บีโธเฟนแสดงให้กับ W.A. Mozart และเขาชื่นชมความสามารถของเขาเป็นอย่างมาก โดยแสดงความมั่นใจว่าลุดวิกมีอนาคตที่ดีรออยู่ข้างหน้า และเขาจะทำให้โลกทั้งโลกพูดถึงตัวเขาเอง เมื่ออายุ 34 ปี ผู้แต่งเริ่มหูหนวก แต่ยังคงเขียนเพลงต่อไปเพราะเขามีความสามารถในการได้ยินภายในที่ดีเยี่ยม แอล. บีโธเฟนมีนักเรียน หนึ่งในนั้นคือ Carl Czerny นักแต่งเพลงชื่อดัง แอล. เบโธเฟนเสียชีวิตเมื่ออายุ 57 ปี
เคิร์ต ไวลล์
คีตกวีชาวเยอรมันหลายคนในศตวรรษที่ 20 ถือเป็นคลาสสิก ตัวอย่างเช่น เคิร์ต ไวลล์ เขาเกิดในปี 1900 ในประเทศเยอรมนี ผลงานที่โด่งดังที่สุดของเขาคือ The Threepenny Opera เค ไวล์เป็นบุตรชายของต้นเสียงในธรรมศาลา นักแต่งเพลงได้รับการศึกษาในเมืองไลพ์ซิก เขาแนะนำองค์ประกอบของดนตรีแจ๊สในผลงานของเขาหลายชิ้น Kurt Weill ร่วมมือกับนักเขียนบทละคร B. Brecht และเขียนเพลงสำหรับผลงานจำนวนมากจากบทละครของเขา ผู้แต่งยังแต่งละครเพลง 10 เรื่อง Kurt Weill เสียชีวิตในปี 1950 ในสหรัฐอเมริกา
ชูมันน์ โรเบิร์ต อเล็กซานเดอร์ นักแต่งเพลงชาวเยอรมัน
เกิดเมื่อวันที่ 8 มิถุนายน พ.ศ. 2353 ในเมืองซวิคเคาในตระกูลผู้จัดพิมพ์หนังสือ เขาเริ่มเรียนดนตรีเมื่ออายุเจ็ดขวบ
ในงานของเขาผู้แต่งให้ความสำคัญกับดนตรีเปียโนเป็นอย่างมาก ผลงานเปียโนของชูมันน์ส่วนใหญ่เป็นวงจรของชิ้นเล็ก ๆ ของแนวโคลงสั้น ๆ ดราม่าภาพและ "แนวตั้ง" ซึ่งเชื่อมโยงกันด้วยโครงเรื่องภายในและแนวจิตวิทยา นอกเหนือจากผลงานรูปแบบต่างๆ และประเภทโซนาต้าแล้ว ชูมันน์ยังมีวงจรเปียโนที่สร้างจากหลักการของชุดหรืออัลบั้มบทละคร: “Fantastic Passage”, “Children’s Scene”, “Album for Youth”
"Album for Youth" op.68 สร้างโดย Robert Schumann ในปี 1848 ประวัติความเป็นมาของการสร้างสรรค์มีความเชื่อมโยงอย่างใกล้ชิดกับประสบการณ์ทางดนตรีส่วนตัวของพ่อฉัน ในเดือนตุลาคม ชูมันน์เขียนถึงเพื่อนของเขา คาร์ล ไรเนค: “ฉันเขียนบทละครเรื่องแรกสำหรับวันเกิดของลูกสาวคนโต และจากนั้นก็เรื่องที่เหลือ” ชื่อดั้งเดิมของคอลเลกชันคือ "อัลบั้มคริสต์มาส" นอกเหนือจากเนื้อหาทางดนตรีแล้ว ต้นฉบับฉบับร่างยังมีคำแนะนำสำหรับนักดนตรีรุ่นเยาว์ ซึ่งเผยให้เห็นลัทธิทางศิลปะของชูมันน์ในรูปแบบคำพังเพยสั้นๆ เขาวางแผนที่จะวางไว้ระหว่างละคร แนวคิดนี้ไม่ได้ถูกนำมาใช้ เป็นครั้งแรกที่มีการตีพิมพ์คำพังเพยซึ่งจำนวนเพิ่มขึ้นจาก 31 เป็น 68 ในหนังสือพิมพ์ New Musical ในส่วนเสริมพิเศษชื่อ "กฎบ้านและชีวิตสำหรับนักดนตรี" จากนั้นจึงพิมพ์ซ้ำในภาคผนวกของฉบับพิมพ์ครั้งที่สอง ความสำเร็จของ "Album for Youth" ฉบับพิมพ์ครั้งแรกได้รับการอำนวยความสะดวกอย่างมากจากหน้าชื่อเรื่องซึ่งออกแบบโดยศิลปินชื่อดังชาวเยอรมันซึ่งเป็นศาสตราจารย์ที่ Dresden Academy of Arts Ludwig Richter ไฮน์ริช ริกเตอร์ ลูกชายของศิลปินเป็นนักเรียนแต่งเพลงของชูมันน์ในปี พ.ศ. 2391-49 ในความคิดของเขาชูมันน์ระบุบทละครที่สำคัญที่สุดสิบประการซึ่งตามคำอธิบายของเขาศิลปินได้สร้างบทความสั้นสำหรับหน้าปกของสิ่งพิมพ์ ละครเหล่านี้ ได้แก่ Vintage Time, The First Loss, The Merry Peasant, Round Dance, Spring Song, Song of the Reapers, Mignon, Knecht Ruprecht, Brave Rider และ Winter Time มีความเห็นในหมู่ครูผู้ร่วมสมัยของผู้แต่งว่า "อัลบั้ม" มีโครงสร้างที่ไร้เหตุผลและบทละครยากเกินไปที่เด็กจะแสดงได้ อันที่จริงบทละครไม่ได้จัดเรียงตามความยากที่เพิ่มขึ้นและความกว้างของความซับซ้อนก็สูงมาก แต่ให้เราจำไว้ว่าในสมัยของชูมันน์ในกลางศตวรรษที่ 19 ไม่มีการจัดระบบสื่อการเรียนรู้ นอกจากนี้ผู้เขียนไม่ได้มุ่งมั่นที่จะปฏิบัติตามหลักคำสอนของการสอนสมัยใหม่เลย ในช่วงเวลานี้ เป็นเรื่องปกติที่โรงเรียนต่างๆ จะเผยแพร่สื่อการเรียนเป็นเวลาหกถึงเจ็ดปีของการศึกษา ความสำคัญของอัลบั้มสำหรับการสอนเปียโนก็คือ R. Schumann เป็นผู้สร้างสไตล์เปียโนที่แปลกใหม่และล้ำลึก ซึ่งอาจเป็นสาเหตุว่าทำไมผลงานเหล่านี้จึงยากกว่าละครที่ครูใช้ในเวลานั้นมาก มีความคล้ายคลึงเกิดขึ้นกับ J.S. Bach ซึ่งเป็นผู้นำสมัยของเขาเช่นกันโดยสร้างผลงานสำหรับนักเรียนที่ยากกว่าระดับการเรียนรู้ที่ยอมรับโดยทั่วไปมาก เพื่อชื่นชมความแปลกใหม่ของเพลงนี้ ก็เพียงพอที่จะให้ความสนใจกับละครเพื่อการศึกษาที่ครูใช้ในขณะนั้น เหล่านี้ไม่เพียงแต่เป็นโรงเรียนสอนเปียโนยอดนิยมของครูที่เก่งที่สุดในยุคนั้นเท่านั้น แต่ยังรวมถึงผลงานของผู้ที่ออกจากโรงเรียนกลางคันอีกด้วย
