คีตกวีชาวฝรั่งเศสในศตวรรษที่ 18 ฮาร์ปซิคอร์ด - เครื่องดนตรี - ประวัติศาสตร์ ภาพถ่าย วีดิทัศน์ รายงานประวัติความเป็นมาของวิทยาศาสตร์

สถาบันดนตรีแห่งรัฐโอเดสซาตั้งชื่อตาม เอ.วี. เนจดาโนวา

บทคัดย่อในหัวข้อ:

"นักฮาร์ปซิคอร์ดชาวฝรั่งเศส"

นักเรียนรายย่อยที่ 1

คณะนักร้องประสานเสียง

ความเชี่ยวชาญ “ร้องเพลงเดี่ยว”

เบสซารับ อันโตนินา.

ครู: Polevoy O.G.

โอเดสซา 2011

แผนนามธรรม

การแนะนำ

เกี่ยวกับฮาร์ปซิคอร์ด

เส้นทางต่อไปของโรงเรียนนักฮาร์ปซิคอร์ดชาวฝรั่งเศส

จุดสุดยอดของโรงเรียนฮาร์ปซิคอร์ดฝรั่งเศส

นักฮาร์ปซิคอร์ด - ผู้ร่วมสมัยของ F. Couperin

Jean-Philippe Rameau (ฝรั่งเศส: Jean-Philippe Rameau; 25/09/1683, Dijon - 12/09/1764, ปารีส)

บทสรุป

บรรณานุกรม

การแนะนำ

การก่อตัวของรูปแบบของดนตรีคลาเวียร์ดำเนินไปโดยการผสมผสานและการเอาชนะประเพณีของดนตรีออร์แกนและพิตอย่างค่อยเป็นค่อยไป การเกิดขึ้นของเพลงคลาวิคอร์ดหรือฮาร์ปซิคอร์ดที่ง่ายที่สุดควรเกิดขึ้นตั้งแต่ศตวรรษที่ 13-16 แต่ดนตรีคีย์บอร์ดยังไม่ได้รับความสำคัญอย่างอิสระนักดนตรีไม่ได้คิดถึงเทคนิคพิเศษสำหรับการแสดงหรือการแต่งเพลง รูปแบบของดนตรีคลาเวียร์เช่นนี้ไม่ได้รับการยอมรับจากคนรุ่นเดียวกันจนกระทั่งอย่างน้อยก็ในช่วงไตรมาสสุดท้ายของศตวรรษที่ 16 ดนตรี Clavier ได้รับอิสรภาพในฐานะงานศิลปะทางโลกล้วนๆ หากแสดงให้เห็นร่องรอยของการเชื่อมโยงกับประเภทของออร์แกนก็แสดงออกมาเฉพาะในรูปแบบขนาดใหญ่ (จินตนาการ, ทอกกาตัส) ซึ่งในช่วงศตวรรษที่ 17 ไม่ได้เป็นพื้นฐานของละครเพลงคลาเวียร์ ดนตรีพิตได้รับการสืบทอดโดยตรงจากฮาร์ปซิคอร์ด ซึ่งในหลายประเทศได้ค่อยๆ เปลี่ยนลูตจากการใช้ภายในประเทศ

Clavier (เยอรมัน: Klavier) เป็นชื่อทั่วไปของเครื่องดนตรีประเภทเครื่องสายในคริสต์ศตวรรษที่ 17-18 เปียโนประเภทหลักที่บาคยังคงติดต่ออยู่เป็นที่รู้จักในศตวรรษที่ 16: ฮาร์ปซิคอร์ด (เมื่อตีกุญแจ สายก็สัมผัสด้วยปากกา) และคลาวิคอร์ด (สายถูกตีด้วยโลหะแทนเจนต์จากแบบเดียวกัน) เป่า). คุณลักษณะของการผลิตเสียง (หยิกหรือเป่า) เหล่านี้กำหนดความแตกต่างที่สำคัญในด้านเสียงต่ำ ความแรง และระยะเวลาของเสียงของเครื่องดนตรีเหล่านี้ ฮาร์ปซิคอร์ดมีเสียงที่แรงกว่าแต่กะทันหัน และมักใช้เล่นในคอนเสิร์ตและเล่นร่วมกับวงออเคสตรามากกว่า ที่บ้านพวกเขามักจะใช้คลาวิคอร์ดซึ่งเป็นเครื่องดนตรีขนาดเล็กที่มีเสียงอ่อน แต่ยังคงยาวนาน

ก่อนที่โรงเรียนนักเล่นฮาร์ปซิคอร์ดที่สร้างสรรค์ขนาดใหญ่และมีอิทธิพลมายาวนานจะถือกำเนิดขึ้นในฝรั่งเศส ลักษณะเฉพาะของดนตรีสำหรับนักเปียโนปรากฏตัวครั้งแรกในงานศิลปะของนักเล่นฮาร์ปซิคอร์ดชาวอังกฤษในช่วงปลายศตวรรษที่ 16 และต้นศตวรรษที่ 17 (วิลเลียม เบิร์ด, จอห์น บูล, โทมัส มอร์ลีย์, ออร์ลันโด กิบบอนส์) สิ่งนี้เกิดขึ้นในยุคของเช็คสเปียร์ ในช่วงรุ่งเรืองของวรรณคดีมนุษยนิยมในอังกฤษ ในช่วงเวลาแห่งชัยชนะของศิลปะฆราวาส เมื่อถึงเวลาของเพอร์เซลล์ โรงเรียนสร้างสรรค์แห่งอังกฤษเริ่มมีปฏิสัมพันธ์กับเทรนด์สร้างสรรค์อื่นๆ ที่พัฒนาขึ้นในยุโรปตะวันตก

ตั้งแต่กลางศตวรรษที่ 17 ความสำคัญของโรงเรียนนักฮาร์ปซิคอร์ดชาวฝรั่งเศสเติบโตขึ้นซึ่งต่อมาได้มาถึงเบื้องหน้าในการพัฒนาศิลปะดนตรีสาขานี้ ผู้ก่อตั้งคือ Jacques Chambonnière ประวัติศาสตร์ยาวนานเกือบร้อยปี จบลงด้วยผลงานของ J.F. Rameau และรุ่นน้องของเขา เมื่อถึงปลายศตวรรษที่ 17 ความสำเร็จของนักประพันธ์ฮาร์ปซิคอร์ดในประเทศอื่นๆ ของยุโรปตะวันตกก็เห็นได้ชัดเจน

โรงเรียนของนักฮาร์ปซิคอร์ดชาวฝรั่งเศสมีชื่อแทน L. Marchand, J.F. Dandrieu, F. Dazhenkura, L. - C. Daquin, Louis Couperin ผู้แต่งเหล่านี้ประสบความสำเร็จมากที่สุดในภาพอภิบาลอันงดงาม ("The Cuckoo" และ "Swallow" โดย Daken; "Bird Cry" โดย Dandrieu) สำนักฮาร์ปซิคอร์ดของฝรั่งเศสถึงจุดสูงสุดในผลงานของอัจฉริยะสองคน ได้แก่ François Couperin (1668-1733) และ Jean Philippe Rameau ร่วมสมัยรุ่นน้องของเขา (1685-1764)

ในช่วงแรกของการพัฒนา ดนตรีฮาร์ปซิคอร์ดของฝรั่งเศสมีความสัมพันธ์ใกล้ชิดกับประเพณีของนักลูเตนนิสต์ชาวฝรั่งเศส ซึ่งในเวลานั้นได้บรรลุถึงความสมบูรณ์แบบของการเรียบเรียง ความละเอียดอ่อน และสไตล์ที่มีความซับซ้อน ดนตรีลูทในช่วงกลางศตวรรษที่ 17 ไม่ได้เป็นเพียงศิลปะพื้นบ้านในฝรั่งเศสเท่านั้น คีตกวีลูเทนิสต์ที่ยิ่งใหญ่ที่สุดในยุคนั้นแสดงในร้านเสริมสวยของชนชั้นสูง ได้รับอิทธิพลจากดนตรีของบัลเล่ต์ในราชสำนัก ทำให้การเต้นรำของพวกเขามีสไตล์มากกว่าตัวละครในชีวิตประจำวัน และพยายามทำให้พวกเขาแสดงออกทางอารมณ์ใหม่ๆ

เกี่ยวกับฮาร์ปซิคอร์ด

ฮาร์ปซิคอร์ด (clavicembalo ของอิตาลี) เป็นเครื่องดนตรีประเภทสายที่ดึงออกมาด้วยคีย์บอร์ด เชือกที่อยู่ในนั้นกระตุกด้วยลิ้นที่ทำจากขนนก (ตอนนี้ทำจากพลาสติก) การกล่าวถึงเครื่องดนตรีประเภทฮาร์ปซิคอร์ดที่เก่าแก่ที่สุดปรากฏใน Decameron โดย Giovanni Boccaccio ซึ่งตีพิมพ์ในปี 1354 เช่นเดียวกับแหล่งที่มาในปี 1397 จากปาดัว (อิตาลี) ภาพแรกสุดที่รู้จักอยู่บนแท่นบูชาในเมือง Minden (1425) ซึ่งเป็นภาพแรก คำอธิบายพร้อมภาพวาดประกอบทำให้ Henri Arnaud de Zwolle ในปี 1436 ในฐานะเครื่องดนตรีเดี่ยว ฮาร์ปซิคอร์ดยังคงใช้อยู่จนถึงปลายศตวรรษที่ 18 เป็นเวลานานกว่าเล็กน้อยที่ใช้ในการแสดงเบสแบบดิจิทัลเพื่อประกอบการบรรยายในโอเปร่า ประมาณปี ค.ศ. 1810 แทบไม่ได้ใช้เลย การฟื้นตัวของวัฒนธรรมการเล่นฮาร์ปซิคอร์ดเริ่มขึ้นในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 19 - 20 ผู้ริเริ่มการฟื้นฟูเครื่องดนตรีคือ A. Dolmech เขาสร้างฮาร์ปซิคอร์ดตัวแรกในปี พ.ศ. 2439 ในลอนดอน และไม่นานก็ได้เปิดเวิร์คช็อปในบอสตัน ปารีส และเฮเซิลเมียร์

ฮาร์ปซิคอร์ดมีรูปร่างเป็นรูปสามเหลี่ยมมุมฉาก สายของมันวางในแนวนอนขนานกับปุ่ม ในการลงทะเบียนนั่นคือเปลี่ยนความแรงและเสียงของเสียงโดยใช้สวิตช์มือและเท้า การเพิ่มและลดระดับเสียงของฮาร์ปซิคอร์ดอย่างราบรื่นนั้นเป็นไปไม่ได้ ในศตวรรษที่ 15 ระยะของฮาร์ปซิคอร์ดอยู่ที่ 3 อ็อกเทฟ (ในอ็อกเทฟล่างมีโน้ตสีบางส่วนหายไป) ในศตวรรษที่ 16 ขยายเป็น 4 อ็อกเทฟ (C - c) ในศตวรรษที่ 18 - เป็น 5 อ็อกเทฟ (F - f) ฮาร์ปซิคอร์ดมีหลายพันธุ์ในประเทศต่างๆ เครื่องดนตรีรูปปีกขนาดใหญ่เรียกว่าฮาร์ปซิคอร์ดในฝรั่งเศส กลาวิเซมบาโลในอิตาลี และฟลุเกิลในเยอรมนี เครื่องดนตรีรูปสี่เหลี่ยมผืนผ้าขนาดเล็กเรียกว่าเอพิเนต์ในฝรั่งเศส พิเนต์ในอิตาลี และเวอร์จิเนลในอังกฤษ

ฮาร์ปซิคอร์ดแห่งศตวรรษที่ 15 ยังไม่รอด ดูจากภาพแล้ว เครื่องดนตรีเหล่านี้เป็นเครื่องดนตรีสั้นและมีน้ำหนักมาก ฮาร์ปซิคอร์ดในศตวรรษที่ 16 ที่ยังมีชีวิตอยู่ส่วนใหญ่ผลิตในอิตาลี โดยมีเวนิสเป็นศูนย์กลางการผลิตหลัก การโจมตีฮาร์ปซิคอร์ดเหล่านี้ชัดเจนกว่าและเสียงที่คมชัดกว่าเครื่องดนตรีเฟลมิชรุ่นหลังๆ ฮาร์ปซิคอร์ดได้รับการปรับปรุงอย่างต่อเนื่อง และมีความพยายามที่จะกระจายเสียงของมันในทุกวิถีทางที่เป็นไปได้ ในศตวรรษที่ 17 Rückers ปรมาจารย์ชาวดัตช์ผู้มีชื่อเสียงได้ผลิตฮาร์ปซิคอร์ดสำหรับคอนเสิร์ตซึ่งมีเสียงที่หนักแน่น ฮาร์ปซิคอร์ดของพวกเขามีสายยาวและหนักกว่าเครื่องดนตรีของอิตาลี ฮาร์ปซิคอร์ดที่มีคู่มือสองเล่มมักถูกสร้างขึ้น สิ่งนี้ทำให้เกิดจุดแข็งของเสียงที่แตกต่างกัน (คีย์บอร์ด forte และคีย์บอร์ดเปียโน) และเป็นโอกาสที่ดีในการถ่ายทอดเสียงที่ผสมกัน นอกจากนี้ยังใช้เอฟเฟกต์ของ "การลงทะเบียน" พิเศษบนฮาร์ปซิคอร์ด: การกดปุ่มหรือสายเปิดใช้งานคันโยกที่ทำจากวัสดุต่าง ๆ หรือสายที่หุ้มด้วยกระดาษหนัง บางครั้งมีการเพิ่มคู่มือฉบับที่สามด้วยเสียงต่ำ "ลูต" (เพื่อให้ได้มาสายจะถูกบุด้วยหนังเล็กน้อยหรือสักหลาดโดยใช้กลไกพิเศษ) สวิตช์บันทึกเท้าและเข่าปรากฏขึ้นในช่วงปลายทศวรรษที่ 1750 ด้วยการรวมวิธีการทั้งหมดนี้เข้าด้วยกัน จึงเป็นไปได้ที่จะบรรลุการไล่ระดับของเสียง การเปลี่ยนแปลงของเสียงต่ำ และความดังที่เพิ่มขึ้นบางส่วน แต่ผลกระทบของการเพิ่มขึ้นและการลดลงต่อฮาร์ปซิคอร์ดนั้นไม่สามารถบรรลุได้โดยสิ้นเชิง

ผู้แต่งดนตรีฮาร์ปซิคอร์ด: François Couperin, Louis Couperin, Louis Marchand, Jean-Philippe Rameau, Johann Sebastian Bach, Johann Pachelbel, Dietrich Buxtehude, Girolamo Frescobaldi, Johann Jacob Froberger, George Frideric Handel, Josse Boutmi, Jean-Joseph Boutmi, William เบิร์ด, เฮนรี่ เพอร์เซลล์, โยฮันน์ อดัม ไรเนคเก, โดมินิโก สการ์ลัตติ, อเลสซานโดร สการ์ลัตติ, มัทเธียส เวคมันน์, โดมินิโก ซิโปลี และคนอื่นๆ

นักฮาร์ปซิคอร์ดที่มีชื่อเสียง: Andrei Volkonsky, Gustav Leonhardt, Wanda Landowska, Robert Hill

คีย์บอร์ดเพลงฮาร์ปซิคอร์ดฝรั่งเศส

ผู้ก่อตั้งโรงเรียนนักฮาร์ปซิคอร์ดชาวฝรั่งเศส

ฌาคส์ แชมเปียน เดอ ชองบอนนีแยร์ (ฌาคส์ แชมเปี้ยน เดอ ชองบอนนีแยร์; 1601 - ก่อนวันที่ 4 พฤษภาคม 1672)

Jacques Champion de Chambonnières เป็นที่รู้จักในฐานะนักเล่นฮาร์ปซิคอร์ดและออร์แกนที่ยอดเยี่ยม นักแต่งเพลงที่มีพรสวรรค์ และเป็นครูที่ประสบความสำเร็จ เขายังเป็นนักเต้นที่ยอดเยี่ยมและมีส่วนร่วมในการแสดงบัลเล่ต์อีกด้วย เกิดที่ปารีส. เขามาจากตระกูลนักดนตรีที่สืบทอดมา ที่โด่งดังที่สุดคือคุณปู่ของเขา โทมัสแชมเปี้ยน (ชื่อเล่นมิตู) พ่อของเขา Jacques Champion ซึ่งเป็นนักเล่นออร์แกนและนักเล่นฮาร์ปซิคอร์ด ทำหน้าที่เป็นนักเล่นฮาร์ปซิคอร์ดในราชสำนักของพระเจ้าหลุยส์ที่ 13 ในเดือนกันยายน ค.ศ. 1611 Chambonnière ได้รับสัญญาว่าจะดำรงตำแหน่งในราชสำนักในอนาคตของบิดา ตั้งแต่ปี 1640 เขารับราชการในศาล (นัก epinetist - ตามชื่อของฮาร์ปซิคอร์ดตัวเล็ก) เขาไม่ได้ดำรงตำแหน่งนี้เป็นเวลานานเนื่องจากพระเจ้าหลุยส์ที่ 13 สิ้นพระชนม์ในปี 1643 และภรรยาของเขา ราชินีมารีเดเมดิซี ซึ่งกลายมาเป็นผู้สำเร็จราชการแทนพระองค์ของพระเจ้าหลุยส์ที่ 14 ในวัยเยาว์ก็มีนักดนตรีของเธอเอง แต่เขากลายเป็นครูของกษัตริย์หนุ่ม เขามีอาชีพที่ยอดเยี่ยมในราชสำนักฝรั่งเศส แต่เมื่อถึงบั้นปลายชีวิตเขาก็ไม่ได้รับความนิยม ตกตำแหน่ง และเสียชีวิตด้วยความยากจน

กิจกรรมของ Jacques Chambonnière ไม่ได้จำกัดอยู่เพียงหน้าที่ในศาลเท่านั้น ในปี 1641 เขาได้จัดคอนเสิร์ตแบบเสียค่าใช้จ่ายหลายชุด

ตั้งแต่กลางศตวรรษที่ 17 ความเป็นอันดับหนึ่งในการพัฒนาดนตรีคีย์บอร์ดส่งต่อจากนักบริสุทธิ์ชาวอังกฤษไปจนถึงนักฮาร์ปซิคอร์ดชาวฝรั่งเศส เป็นเวลานานเกือบหนึ่งศตวรรษที่โรงเรียนแห่งนี้มีอิทธิพลมากที่สุดในยุโรปตะวันตก ถือเป็นบรรพบุรุษของมัน ฌาค ชองบอนนีแยร์เป็นที่รู้จักในฐานะนักเล่นออร์แกนและฮาร์ปซิคอร์ดที่ยอดเยี่ยม เป็นครูและนักแต่งเพลงที่มีพรสวรรค์

คอนเสิร์ตดนตรีฮาร์ปซิคอร์ดในฝรั่งเศสมักจัดขึ้นในห้องโถงและพระราชวังของชนชั้นสูง หลังจากพูดคุยหรือเต้นรำเบาๆ สภาพแวดล้อมดังกล่าวไม่เอื้อต่องานศิลปะเชิงลึกและจริงจัง ในดนตรี ความซับซ้อนที่สง่างาม ความประณีต ความเบา และไหวพริบเป็นสิ่งที่มีคุณค่า ในขณะเดียวกันก็นิยมเล่นละครขนาดเล็ก - แบบย่อส่วน “ไม่มีอะไรยาว น่าเบื่อ หรือจริงจังเกินไป”- นี่เป็นกฎหมายที่ไม่ได้เขียนไว้ซึ่งนักประพันธ์เพลงในราชสำนักฝรั่งเศสควรปฏิบัติตาม ไม่น่าแปลกใจที่นักเล่นฮาร์ปซิคอร์ดชาวฝรั่งเศสแทบจะไม่หันไปใช้รูปแบบขนาดใหญ่และวงจรการเปลี่ยนแปลง - พวกเขามุ่งความสนใจไปที่ ห้องสวีทประกอบด้วยการเต้นรำและรายการย่อส่วน

ห้องสวีทของนักฮาร์ปซิคอร์ดชาวฝรั่งเศสตรงกันข้ามกับห้องสวีทของเยอรมันที่ประกอบด้วยการเต้นรำโดยเฉพาะ ถูกสร้างขึ้นอย่างอิสระมากขึ้น พวกเขาไม่ค่อยพึ่งพาลำดับที่เข้มงวดของ alemand - courante - sarabande - gigue การเรียบเรียงอาจเป็นอะไรก็ได้ บางครั้งก็คาดไม่ถึง และบทละครส่วนใหญ่มีชื่อบทกวีที่เผยให้เห็นความตั้งใจของผู้แต่ง

โรงเรียนของนักฮาร์ปซิคอร์ดชาวฝรั่งเศสมีชื่อแทน L. Marchand, J.F. แดนดริเยอ, F. Dazhenkura, L.-C. ดาควิน, หลุยส์ คูเปริน. ผู้แต่งเหล่านี้ประสบความสำเร็จมากที่สุดในภาพอภิบาลอันงดงาม (“Cuckoo” และ “Swallow” โดย Daken; “Bird Cry” โดย Dandrieu)

โรงเรียนฮาร์ปซิคอร์ดของฝรั่งเศสถึงจุดสูงสุดในผลงานของอัจฉริยะสองคน - ฟรองซัวส์ คูเปแปง(1668–1733) และรุ่นน้องของเขา ฌอง ฟิลิปป์ ราโม (1685–1764).

ผู้ร่วมสมัยเรียกฟรองซัวส์ คูเปแปงว่า “ฟรองซัวส์มหาราช” ไม่มีนักฮาร์ปซิคอร์ดคนใดสามารถแข่งขันกับเขาในเรื่องความนิยมได้ เขาเกิดในครอบครัวนักดนตรีที่สืบทอดมาและใช้เวลาเกือบทั้งชีวิตในปารีสและแวร์ซายส์ในตำแหน่งนักเล่นออร์แกนในราชสำนักและเป็นครูสอนดนตรีให้กับราชโองการ ผู้แต่งทำงานในหลายประเภท (ยกเว้นละคร) ส่วนที่มีค่าที่สุดของมรดกทางความคิดสร้างสรรค์ของเขาคือห้องฮาร์ปซิคอร์ด 27 ห้อง (ประมาณ 250 ชิ้นในสี่คอลเลกชัน) Couperin เป็นผู้สร้างห้องชุดแบบฝรั่งเศสซึ่งแตกต่างจากรุ่นเยอรมันและประกอบด้วยชิ้นส่วนโปรแกรมเป็นหลัก ในหมู่พวกเขามีภาพร่างของธรรมชาติ ("ผีเสื้อ", "ผึ้ง", "กก") และฉากประเภท - รูปภาพของชีวิตในชนบท ("ผู้เก็บเกี่ยว", "คนเก็บองุ่น", "ผู้ถัก"); แต่โดยเฉพาะภาพดนตรีมากมาย เหล่านี้เป็นภาพของผู้หญิงในสังคมและเด็กสาวธรรมดา ๆ – นิรนาม ("ผู้เป็นที่รัก", "ผู้เดียว") หรือระบุไว้ในชื่อบทละคร ("เจ้าหญิงแมรี่", "มานอน", "ซิสเตอร์โมนิกา") บ่อยครั้งที่ Couperin วาดภาพไม่ใช่บุคคลใดบุคคลหนึ่ง แต่เป็นตัวละครมนุษย์ ("ทำงานหนัก", "สนุกสนาน", "ดอกไม้ทะเล", "งี่เง่า") หรือแม้แต่พยายามแสดงตัวละครประจำชาติต่างๆ ("ผู้หญิงสเปน", "ผู้หญิงฝรั่งเศส") งานจำลองของ Couperin หลายชิ้นมีความใกล้เคียงกับการเต้นรำยอดนิยมในยุคนั้น เช่น เสียงระฆังและมินูเอต

รูปแบบที่โปรดปรานของเพชรประดับของ Couperon คือ รอนโด

ตามที่ระบุไว้แล้ว ดนตรีของนักฮาร์ปซิคอร์ดมีต้นกำเนิดในสภาพแวดล้อมของชนชั้นสูงและมีจุดมุ่งหมายเพื่อมัน มันสอดคล้องกับจิตวิญญาณของวัฒนธรรมชนชั้นสูง ดังนั้นความสง่างามภายนอกในการออกแบบวัสดุเฉพาะเรื่อง การตกแต่งที่อุดมสมบูรณ์ ซึ่งแสดงถึงองค์ประกอบที่มีลักษณะเฉพาะที่สุดของสไตล์ชนชั้นสูง การตกแต่งที่หลากหลายแยกไม่ออกจากงานฮาร์ปซิคอร์ดจนถึงเบโธเฟนยุคแรกๆ

ดนตรีฮาร์ปซิคอร์ด ราโมลักษณะที่ตรงกันข้ามกับประเพณีของห้องประเภทนี้คือจังหวะขนาดใหญ่ เขาไม่มีแนวโน้มที่จะมีรายละเอียดปลีกย่อย ดนตรีของเขาโดดเด่นด้วยลักษณะที่สดใสใคร ๆ ก็สามารถสัมผัสได้ถึงลายมือของนักแต่งเพลงละครที่เกิด (“ Chicken”, “ Savages”, “ Cyclopes”)

นอกเหนือจากผลงานฮาร์ปซิคอร์ดที่น่าทึ่งของเขาแล้ว Rameau ยังเขียน "โศกนาฏกรรมโคลงสั้น ๆ" หลายเรื่องรวมถึง "Treatise on Harmony" (1722) ที่เป็นนวัตกรรมใหม่ซึ่งทำให้เขามีชื่อเสียงในฐานะนักทฤษฎีดนตรีคนสำคัญ

การพัฒนาเพลงจากคีย์บอร์ดภาษาอิตาลีมีความเกี่ยวข้องกับชื่อ โดเมนิโก้ สการ์ลัตติ.

งานเชิงโปรแกรมคืองานที่มีโครงเรื่องเฉพาะ - “โปรแกรม” ซึ่งมักจำกัดอยู่เพียงชื่อเดียว แต่อาจมีคำอธิบายโดยละเอียด

อาจเป็นไปได้ว่ารูปลักษณ์ของการตกแต่งมีความเกี่ยวข้องกับความไม่สมบูรณ์ของฮาร์ปซิคอร์ดซึ่งเสียงที่หายไปทันทีและเสียงไหลรินหรือ gruppetto สามารถชดเชยการขาดนี้ได้บางส่วนทำให้เสียงของเสียงอ้างอิงยาวนานขึ้น

ในยุโรปตะวันตก (โดยเฉพาะภาษาอิตาลี-สเปน) รูปหลายเหลี่ยม กระทะ ดนตรีของยุคกลางตอนปลายและยุคเรอเนซองส์ (โมเท็ต มาดริกัล ฯลฯ) ในรูปแบบด้นสด องค์ประกอบจะดำเนินการ ในงานศิลปะ เทคนิคจิ๋วได้รับการพัฒนาอย่างมาก เธอยังรวบรวมองค์ประกอบพื้นผิวรายการหนึ่งด้วย พื้นฐานของเครื่องดนตรีโบราณดังกล่าว แนวต่างๆ เช่น โหมโรง, ไรเซอร์คาร์, ทอคคาต้า, แฟนตาซี แผนก สูตรเล็กๆ น้อยๆ ค่อยๆ เกิดขึ้นจากการแสดงดนตรีฟรีที่หลากหลาย โดยเฉพาะอย่างยิ่งที่ส่วนท้ายของท่อนเสียงไพเราะ การก่อสร้าง (ในข้อ) ประมาณเที่ยงวัน ศตวรรษที่ 15 ในตัวเขา. องค์กร กราฟิกแรกปรากฏในแท็บ ไอคอนสำหรับบันทึกการตกแต่ง เคเซอร์ ศตวรรษที่ 16 มีการใช้อย่างแพร่หลาย-ในด้านต่างๆ ตัวแปรและการเชื่อมต่อ - mordent, trill, gruppetto ซึ่งยังคงอยู่ในกลุ่มหลัก สถาบัน ตกแต่ง เห็นได้ชัดว่าพวกมันถูกสร้างขึ้นจากการฝึกปฏิบัติเครื่องดนตรี ผลงาน.

ตั้งแต่ครึ่งหลัง ศตวรรษที่ 16 ฟรี O. พัฒนา ch. อ๊าก ในอิตาลีโดยเฉพาะในรูปแบบทำนองอันเป็นเอกลักษณ์ ความร่ำรวยของกระทะเดี่ยว ดนตรีเช่นเดียวกับไวโอลินซึ่งมีแนวโน้มที่จะมีคุณธรรม ดนตรี. สมัยนั้นเล่นไวโอลิน ไวบราโต ซึ่งให้การแสดงออกถึงเสียงที่ขยายออกไป ยังไม่พบการใช้อย่างแพร่หลายในดนตรี และการตกแต่งท่วงทำนองอย่างเข้มข้นก็เข้ามาแทนที่ เมลิซมาติค เครื่องราชอิสริยาภรณ์ (เครื่องประดับ อุปกรณ์ตกแต่ง) ได้รับการพัฒนาเป็นพิเศษในงานศิลปะฝรั่งเศส นักลูเทนและนักฮาร์ปซิคอร์ดในศตวรรษที่ 17 และ 18 ซึ่งมีลักษณะเฉพาะจากการพึ่งพาการเต้นรำ ประเภทที่มีสไตล์ที่ละเอียดอ่อน ในฝรั่งเศส ดนตรีมีความเชื่อมโยงอย่างใกล้ชิดระหว่างเครื่องดนตรี ข้อตกลงกับกระทะฆราวาส เนื้อเพลง (ที่เรียกว่า airs de cour) ซึ่งเต็มไปด้วยการเต้นรำ พลาสติก. ภาษาอังกฤษ นักร้องเพลงพรหมจารี (ปลายศตวรรษที่ 16) มักจะชอบแนวเพลงและรูปแบบต่างๆ การพัฒนาในด้าน O. พวกเขามุ่งสู่เทคโนโลยีจิ๋วมากขึ้น มีศีลธรรมน้อย ไอคอนที่ใช้โดยสาวพรหมจารีไม่สามารถถอดรหัสได้อย่างถูกต้อง ในประเทศออสเตรีย-เยอรมัน ศิลปะการเล่นคีย์บอร์ดซึ่งเริ่มพัฒนาอย่างเข้มข้นตั้งแต่ระดับกลาง ศตวรรษที่ 17 จนถึงและรวมถึง J. S. Bach ความโน้มเอียงที่มีต่อชาวอิตาลีขัดแย้งกันในรูปแบบที่แตกต่างกัน ตัวจิ๋วและฝรั่งเศส ในแง่ร้าย สไตล์ ในฝรั่งเศส นักดนตรีแห่งศตวรรษที่ 17-18 กลายเป็นธรรมเนียมที่จะต้องนำคอลเลกชันละครมารวมกับโต๊ะตกแต่ง โต๊ะที่มีจำนวนมากที่สุด (มีเมลิสมาส 29 แบบ) นำหน้าด้วยคอลเลกชั่นฮาร์ปซิคอร์ดของ J. A. d'Anglebert (1689) แม้ว่าตารางดังกล่าวจะมีความแตกต่างเล็กน้อย แต่ก็กลายเป็นแคตตาล็อกเครื่องประดับที่ใช้กันทั่วไป โดยเฉพาะในตารางก่อนหน้า "Clavier Book for Wilhelm Friedemann Bach" ของ Bach (1720) ซึ่งยืมมาจาก d'Anglebert มาก

ชาวฝรั่งเศสย้ายออกจากเสื้อผ้าเสรีไปสู่การตกแต่งที่มีการควบคุม นักฮาร์ปซิคอร์ดได้รับมอบหมายให้ดูแลออร์ค ดนตรีโดย เจ.บี. ลัลลี่ อย่างไรก็ตามชาวฝรั่งเศส กฎระเบียบของเครื่องประดับไม่ได้เข้มงวดนัก เนื่องจากแม้แต่ตารางที่มีรายละเอียดมากที่สุดก็ระบุการตีความที่แน่นอนสำหรับกรณีการใช้งานทั่วไปเท่านั้น การเบี่ยงเบนเล็กน้อยเป็นที่ยอมรับได้เพื่อให้เหมาะกับลักษณะเฉพาะของดนตรี ผ้า ขึ้นอยู่กับศิลปะและรสนิยมของนักแสดงและในสิ่งพิมพ์ที่มีการถอดเสียงเป็นลายลักษณ์อักษร - เกี่ยวกับโวหาร ความรู้ หลักการ และรสนิยมของบรรณาธิการ การเบี่ยงเบนที่คล้ายกันเป็นสิ่งที่หลีกเลี่ยงไม่ได้เมื่อแสดงละครโดยผู้ทรงคุณวุฒิชาวฝรั่งเศส การแสดงฮาร์ปซิคอร์ดของ P. Couperin ซึ่งยืนกรานเรียกร้องให้มีการนำกฎของเขาไปใช้อย่างถูกต้องในการถอดรหัสการตกแต่ง ฟรานซ์. เป็นเรื่องปกติที่นักฮาร์ปซิคอร์ดจะใช้การตกแต่งแบบจิ๋วภายใต้การควบคุมของเผด็จการ ซึ่งพวกเขาเขียนไว้โดยเฉพาะในรูปแบบต่างๆ ใช้เวลา

เคคอน คริสต์ศตวรรษที่ 17 เมื่อชาวฝรั่งเศส นักเล่นฮาร์ปซิคอร์ดกลายเป็นนักชิมในสาขาของตน โดยมีเครื่องประดับ เช่น โน้ตที่ไหลรินและเกรซ พร้อมด้วยทำนอง ฟังก์ชั่นเริ่มแสดงความสามัคคีใหม่ ฟังก์ชั่นการสร้างและความคมชัดความไม่ลงรอยกันของจังหวะลงของบาร์ J. S. Bach เช่นเดียวกับ D. Scarlatti มักจะเขียนการตกแต่งที่ไม่สอดคล้องกันในส่วนหลัก ข้อความดนตรี (ดูตัวอย่างส่วนที่ 2 ของคอนแชร์โตภาษาอิตาลี) สิ่งนี้ทำให้ I. A. Sheibe เชื่อว่าการทำเช่นนี้ทำให้ Bach กีดกันงานของเขา “ความงดงามแห่งความกลมกลืน” เพราะนักประพันธ์เพลงในสมัยนั้นนิยมเขียนออกมาตกแต่งทั้งหมดด้วยไอคอนหรือโน้ตเล็กๆ ดังนั้น ในภาพกราฟิก การบันทึกแสดงให้เห็นฮาร์โมนิคอย่างชัดเจน ไพเราะเป็นพื้นฐาน คอร์ด

F. Couperin ได้ขัดเกลาภาษาฝรั่งเศส สไตล์ฮาร์ปซิคอร์ดถึงจุดสูงสุด ในละครสำหรับผู้ใหญ่ของ J. F. Rameau มีการเปิดเผยความปรารถนาที่จะก้าวข้ามขีดจำกัดของการไตร่ตรองในห้อง เพื่อเสริมสร้างพลวัตที่มีประสิทธิภาพของการพัฒนา เพื่อนำไปใช้ในดนตรี การเขียนด้วยลายเส้นตกแต่งที่กว้างขึ้น โดยเฉพาะในรูปแบบของความสามัคคีในพื้นหลัง ตัวเลข ด้วยเหตุนี้จึงมีแนวโน้มที่จะใช้การตกแต่งในระดับปานกลางมากขึ้นใน Rameau และในภาษาฝรั่งเศสรุ่นหลัง นักเล่นฮาร์ปซิคอร์ด เป็นต้น ที่ เจ. ดูฟลาย. อย่างไรก็ตามในไตรมาสที่ 3 ศตวรรษที่ 18 O. มาถึงจุดสูงสุดใหม่ในผลงานที่เกี่ยวข้องกับกระแสอารมณ์อ่อนไหว ตัวแทนที่สดใสของงานศิลปะชิ้นนี้ แนวทางดนตรีจัดทำโดย F. E. Bach ผู้เขียนบทความเรื่อง "ประสบการณ์ในวิธีที่ถูกต้องในการเล่น Clavier" ซึ่งเขาให้ความสนใจกับ O.

การออกดอกอย่างสูงของเวียนนาคลาสสิกนิยมตามมาด้วยสุนทรียภาพใหม่ อุดมคตินำไปสู่การใช้ O ที่เข้มงวดและปานกลางมากขึ้นอย่างไรก็ตามยังคงมีบทบาทสำคัญในงานของ J. Haydn, W. A. ​​​​Mozart และ L. Beethoven รุ่นเยาว์ ฟรีโอยังคงอยู่ในยุโรป ดนตรี ในด้านความแปรผัน อัจฉริยะผู้เข้มข้น จังหวะและกระทะ ลูกคอ. หลังสะท้อนให้เห็นในความโรแมนติก เอฟพี เพลงครึ่งแรก. ศตวรรษที่ 19 (โดยเฉพาะในรูปแบบดั้งเดิมใน F. Chopin) ในเวลาเดียวกัน เสียงที่ไม่สอดคล้องกันของเมลิสมาสก็ทำให้เกิดเสียงพยัญชนะ โดยเฉพาะอย่างยิ่ง กระแสน้ำรินเริ่มเริ่มต้นขึ้น ไม่ใช่กับตัวช่วย แต่กับตัวหลัก เสียงซึ่งมักมีจังหวะเป็นจังหวะ มีความสามัคคีมาก และมีจังหวะ ความนุ่มนวลของ O. ตรงกันข้ามกับความไม่สอดคล้องกันของคอร์ดที่เพิ่มขึ้น ลักษณะของนักประพันธ์เพลงโรแมนติกคือการพัฒนาฮาร์โมนิกอย่างที่ไม่เคยมีมาก่อน พื้นหลังเป็นรูปเป็นร่างใน FP เพลงที่มีโทนสีกว้าง การใช้การถีบเช่นเดียวกับรูปแกะสลักหลากสีสัน ใบแจ้งหนี้ใน orc คะแนน ในครึ่งหลัง ศตวรรษที่ 19 ค่าของ O. ลดลง ในศตวรรษที่ 20 บทบาทของ O. อิสระเพิ่มขึ้นอีกครั้งเนื่องจากการเสริมสร้างความเข้มแข็งของการแสดงด้นสด เริ่มขึ้นในบางพื้นที่ของดนตรี ความคิดสร้างสรรค์ เช่น ในดนตรีแจ๊ส มีระเบียบวิธีและทฤษฎีมากมาย วรรณกรรมเกี่ยวกับปัญหาของ O. มันถูกสร้างขึ้นจากความพยายามอย่างไม่รู้จักเหน็ดเหนื่อยในการชี้แจงปรากฏการณ์ของ O. อย่างมากโดย "ต่อต้าน" สิ่งนี้ในการแสดงด้นสด ธรรมชาติ. สิ่งที่ผู้เขียนผลงานนำเสนอในฐานะกฎการถอดรหัสที่เข้มงวดและครอบคลุมกลับเป็นเพียงคำแนะนำเพียงบางส่วนเท่านั้น

การแนะนำ

บทที่ 1 เงื่อนไขเบื้องต้นเพื่อความเจริญรุ่งเรืองของดนตรีของนักฮาร์ปซิคอร์ดชาวฝรั่งเศส

1 เครื่องดนตรีคีย์บอร์ดแห่งศตวรรษที่ 18

2 คุณสมบัติของสไตล์โรโคโคในดนตรีและความคิดสร้างสรรค์ในรูปแบบอื่น ๆ

บทที่สอง ภาพดนตรีของนักฮาร์ปซิคอร์ดชาวฝรั่งเศส

1 ดนตรีฮาร์ปซิคอร์ดโดย J.F. ราโม

ฮาร์ปซิคอร์ด 2 เพลงโดย F. Couperin

บทสรุป

บรรณานุกรม

การแนะนำ

โรงเรียนฮาร์ปซิคอร์ดของฝรั่งเศสถึงจุดสูงสุดในผลงานของอัจฉริยะสองคน ได้แก่ Francois Couperin และ Jean Philippe Rameau รุ่นน้องของเขา

François Couperin เป็นนักแต่งเพลง นักฮาร์ปซิคอร์ด และนักออร์แกนชาวฝรั่งเศส จากราชวงศ์ที่เทียบได้กับราชวงศ์บาคของเยอรมันเนื่องจากมีนักดนตรีหลายชั่วอายุคนในครอบครัวของเขา Couperin ได้รับฉายาว่า "Coupetin ผู้ยิ่งใหญ่" ส่วนหนึ่งเนื่องมาจากอารมณ์ขันและอีกส่วนหนึ่งเนื่องมาจากตัวละครของเขา ผลงานของเขาคือจุดสุดยอดของศิลปะฮาร์ปซิคอร์ดของฝรั่งเศส ดนตรีของ Couperin โดดเด่นด้วยความสร้างสรรค์อันไพเราะ ความสง่างาม และรายละเอียดที่แม่นยำ

Jean Philippe Rameau เป็นนักแต่งเพลงและนักทฤษฎีดนตรีชาวฝรั่งเศส ด้วยการใช้ความสำเร็จของวัฒนธรรมดนตรีฝรั่งเศสและอิตาลี เขาได้ปรับเปลี่ยนสไตล์ของโอเปร่าคลาสสิกอย่างมีนัยสำคัญ และเตรียมการปฏิรูปโอเปร่าของ K. V. Gluck เขาเขียนบทโศกนาฏกรรมโคลงสั้น ๆ "Hippolytus and Arisia", "Castor and Pollux", โอเปร่าบัลเล่ต์ "Gallant India", ฮาร์ปซิคอร์ดและอื่น ๆ งานทางทฤษฎีของเขาเป็นขั้นตอนสำคัญในการพัฒนาหลักคำสอนเรื่องความสามัคคี

วัตถุประสงค์ของงานหลักสูตรนี้คือเพื่อศึกษาเนื้อหาเกี่ยวกับชีวิตและผลงานของนักฮาร์ปซิคอร์ดผู้ยิ่งใหญ่สองคน และเพื่อระบุลักษณะเฉพาะของงานของพวกเขา

) ศึกษาวรรณกรรมในหัวข้อที่กำหนด

) พิจารณาคุณสมบัติหลักของสไตล์โรโคโค

) เพื่อระบุคุณลักษณะของผลงานของนักฮาร์ปซิคอร์ดชาวฝรั่งเศสผู้ยิ่งใหญ่ - F. Couperin และ J.F. ราโม.

งานนี้มีความเกี่ยวข้องในยุคของเราเนื่องจาก Rameau และ Couperin ได้มีส่วนสนับสนุนดนตรีคลาสสิกระดับโลกเป็นพิเศษ

1.1 เครื่องดนตรีคีย์บอร์ดแห่งศตวรรษที่ 18

เมื่อถึงศตวรรษที่ 17 กลไกของเครื่องดนตรีประเภทคีย์บอร์ด เช่น คลาวิคอร์ดและฮาร์ปซิคอร์ด เป็นที่รู้จักกันดี ในคลาวิคอร์ด เสียงจะเกิดขึ้นโดยใช้หมุดโลหะแบน (แทนเจนต์) และในฮาร์ปซิคอร์ดโดยใช้ขนอีกา (ปิ๊ก)

Clavichords เป็นเครื่องมือที่เงียบเกินไปสำหรับการแสดงขนาดใหญ่ และฮาร์ปซิคอร์ดก็ให้เสียงที่ดังพอสมควร แต่แสดงท่าทางของโน้ตแต่ละตัวได้เพียงเล็กน้อย

ผู้ผลิตฮาร์ปซิคอร์ดที่สำคัญที่สุดในศตวรรษที่ 18 คือตระกูลชูดิสและตระกูลเคิร์กแมน เครื่องดนตรีของพวกเขามีลำตัวเป็นไม้โอ๊คบุด้วยไม้อัด และโดดเด่นด้วยเสียงที่หนักแน่นพร้อมเสียงร้องที่หนักแน่น ในเยอรมนีช่วงศตวรรษที่ 18 ศูนย์กลางการผลิตฮาร์ปซิคอร์ดหลักคือฮัมบูร์ก ในบรรดาเครื่องที่ผลิตในเมืองนี้ มีเครื่องดนตรีที่มีทะเบียนสองถึงสิบหก และคู่มือสามฉบับ แบบจำลองฮาร์ปซิคอร์ดที่ยาวผิดปกติได้รับการออกแบบโดย J. D. Duelken ปรมาจารย์ชาวดัตช์ชั้นนำแห่งศตวรรษที่ 18 ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 18<#"justify">เป็นเวลาหลายปีมาแล้วที่ฮาร์ปซิคอร์ดเป็นเครื่องดนตรีที่ได้รับความนิยมมากที่สุดในหลายประเทศทั่วโลก ตั้งแต่ศตวรรษที่ 16 ถึงศตวรรษที่ 18 ฮาร์ปซิคอร์ดยังคงได้รับความนิยม แม้กระทั่งหลังจากการประดิษฐ์เปียโนซึ่งเล่นง่ายและสะดวกยิ่งขึ้น นักดนตรีก็ยังคงใช้ฮาร์ปซิคอร์ดต่อไป นักดนตรีใช้เวลาประมาณร้อยปีในการลืมฮาร์ปซิคอร์ดและเปลี่ยนมาใช้เปียโน

ตั้งแต่กลางศตวรรษที่ 18 ฮาร์ปซิคอร์ดเริ่มสูญเสียความนิยมและในไม่ช้าก็หายไปจากเวทีคอนเสิร์ตฮอลล์โดยสิ้นเชิง เฉพาะในช่วงกลางศตวรรษที่ 19 นักดนตรีเท่านั้นที่จำได้ และปัจจุบันโรงเรียนดนตรีหลายแห่งได้เริ่มฝึกนักแสดงที่เล่นฮาร์ปซิคอร์ด

2 คุณสมบัติของสไตล์โรโคโคในดนตรีและความคิดสร้างสรรค์ในรูปแบบอื่น ๆ

Rococo เป็นรูปแบบศิลปะที่มีต้นกำเนิดในประเทศฝรั่งเศส<#"justify">การเกิดขึ้นของสไตล์โรโคโคเกิดจากการเปลี่ยนแปลงทางปรัชญา รสนิยม และชีวิตในราชสำนัก รากฐานทางอุดมการณ์ของสไตล์นี้คือความเยาว์วัยและความงามชั่วนิรันดร์ ความสง่างามและความเศร้าโศก การหลีกหนีจากความเป็นจริง ความปรารถนาที่จะซ่อนตัวจากความเป็นจริงในชนบทอันงดงาม และความสุขในชนบท สไตล์โรโกโกมีต้นกำเนิดในฝรั่งเศสและแพร่กระจายไปยังประเทศอื่นๆ เช่น อิตาลี เยอรมนี รัสเซีย สาธารณรัฐเช็ก และอื่นๆ สิ่งนี้ใช้กับการวาดภาพและงานศิลปะรูปแบบอื่น ๆ

ภาพวาดโรโกโกปรากฏชัดเจนที่สุดในฝรั่งเศสและอิตาลี แทนที่จะเป็นสีตัดกันและสีสดใส ในภาพวาดมีช่วงสีที่แตกต่างกัน สีพาสเทลอ่อน ชมพู น้ำเงิน ม่วง หัวข้อนี้ถูกครอบงำโดยศิษยาภิบาล<#"justify">บทที่สอง ภาพดนตรีของนักฮาร์ปซิคอร์ดชาวฝรั่งเศส

2.1 ดนตรีฮาร์ปซิคอร์ดโดย J. Rameau

Rameau เกิดและเติบโตท่ามกลางนักดนตรีมืออาชีพในศูนย์กลางดนตรีโบราณแห่งหนึ่งของฝรั่งเศส - เมือง Dijon ในครอบครัวของนักออร์แกน ไม่ทราบวันเกิดของเขา แต่เขารับบัพติศมาเมื่อวันที่ 25 กันยายน ค.ศ. 1683 เมืองหลวงของเบอร์กันดีมีชื่อเสียงมายาวนานในฐานะศูนย์กลางดนตรีฝรั่งเศสที่เก่าแก่ที่สุดแห่งหนึ่ง ฌอง ราโม ผู้เป็นพ่อดำรงตำแหน่งออร์แกนที่นั่นในอาสนวิหารน็อทร์-ดาม เดอ ดีฌง และเห็นได้ชัดว่าเป็นผู้ให้คำปรึกษาด้านดนตรีคนแรกของหนึ่งในนักประพันธ์เพลงที่ยิ่งใหญ่ที่สุดคนหนึ่งในฝรั่งเศส ในช่วงเวลาอันห่างไกลนั้น การศึกษาดนตรีที่บ้านหยั่งรากลึกเกือบทุกที่ในฐานะประเพณีที่ไม่สั่นคลอน และในทางกลับกัน การพัฒนาทางศิลปะของชายหนุ่มในโรงเรียนดนตรีดูเหมือนจะเป็นข้อยกเว้นที่หายากมาก Young Rameau เริ่มคุ้นเคยกับมนุษยศาสตร์ที่วิทยาลัยนิกายเยซูอิต ซึ่งเขาเข้าเรียนมาสี่ปี ข้อมูลที่ได้รับการยืนยันจากเอกสารสารคดีเกี่ยวกับช่วงปีแรก ๆ ของ Jean Philippe นั้นหายาก เป็นที่ทราบกันดีอยู่แล้วว่าเมื่ออายุได้ 18 ปีตามความคิดริเริ่มของพ่อเขาไปอิตาลีเพื่อการศึกษาด้านดนตรีโดยไม่ต้องไปไกลกว่ามิลาน

ในเวลานั้น ดนตรีอิตาลีดึงดูดความสนใจของทุกคนทั้งจากการกำเนิดของละครเพลงฝรั่งเศสแนวใหม่ (The Queen's Comic Ballet จัดแสดงโดยการมีส่วนร่วมของชาวอิตาลี) และเนื่องจากนโยบายสนับสนุนอิตาลีที่ดำเนินโดยกษัตริย์แห่ง ราชวงศ์วาลัวส์ ในช่วงทศวรรษที่ 1700 มีการอภิปรายทางทฤษฎีเกี่ยวกับดนตรีอิตาลีและฝรั่งเศสระหว่าง Abbé Raguenet ชาวอิตาเลียนและ Gallomaniac Lecerf de la Vieville ไม่กี่เดือนต่อมา Rameau กลับไปฝรั่งเศสซึ่งเขาแสดงบทบาทที่เรียบง่ายมากในฐานะนักไวโอลินที่เล่นในคณะนักแสดงตลกนักเดินทางซึ่งเป็นคนเดียวกับที่พรรณนาด้วยความแม่นยำและบทกวีที่น่าทึ่งในผลงานของ Antoine Watteau นี่เป็นช่วงเวลาที่สำคัญมากในชีวิตของศิลปิน เขาเริ่มมีส่วนร่วมในโรงละครพื้นบ้าน โอเปร่า และบัลเล่ต์ บางทีในช่วงหลายปีที่ผ่านมา ภาพอันไพเราะของฮาร์ปซิคอร์ดบางชิ้นของเขาอาจปรากฏขึ้นในพื้นผิวไวโอลิน

ตั้งแต่ปี 1702 Rameau ได้แสดงในบทบาทใหม่ - นักออร์แกนในโบสถ์ของเมืองต่างจังหวัด - Avignon, Clermont-Ferrand ซึ่งเป็นที่เขียนบทเพลงแรกของเขา - "Medea" และ "Impatience" ในปี 1705 เขาปรากฏตัวครั้งแรกในเมืองหลวงซึ่งเขาเล่นในโบสถ์เล็ก ๆ สองแห่ง; ในปี 1706 - ตีพิมพ์สมุดบันทึกชิ้นแรกเกี่ยวกับฮาร์ปซิคอร์ดของเขา Musical Paris ต้อนรับผู้มาใหม่อย่างไม่แยแสหากไม่เย็นชาแม้จะมีความงามที่น่าทึ่งและมากมายนับไม่ถ้วนซึ่งชุดแรกใน A minor ของฮาร์ปซิคอร์ดของเขาเปล่งประกายและเปล่งประกายอย่างแท้จริง (ด้วยโหมโรงที่มีชื่อเสียงโดยไม่มีเส้นแท่ง)

ในตอนต้นของยุคปารีสที่สอง Rameau เริ่มต้นเส้นทางของละครเพลง ทุกสิ่งในชีวิตเป็นเรื่องยากสำหรับเขาและเส้นทางนี้กลับกลายเป็นเรื่องยุ่งยาก ในปี 1727 เพื่อค้นหาบทเพลงเขาหันไปหาเดอลามอตต์ผู้โด่งดังซ้ำแล้วซ้ำเล่า จดหมายฉบับหนึ่งของ Rameau ถึงนักประพันธ์คนนี้เป็นการนำเสนอทฤษฎีสุนทรียศาสตร์และโอเปร่าของเขาที่คลาสสิกอย่างแท้จริง อย่างไรก็ตาม ความชื่นชอบของ Royal Opera ซึ่งนักเรียนของ Lully เสียจนเกินกว่าจะวัดไม่ได้ไม่ได้พิจารณาว่าจำเป็นต้องตอบสนองต่อข้อความเหล่านี้ด้วยซ้ำ ราโมยังคงแต่งเพลงต่อไป หลังจากวินาที สมุดบันทึกชิ้นที่สามที่มีฮาร์ปซิคอร์ดและแคนทาตาใหม่ก็ปรากฏขึ้น - "Aquilon และ Oritia" และ "The Faithful Shepherd" ในปี 1732 ซึ่งเป็นปีที่ Joseph Haydn เกิดเมื่อ François Couperin ใช้ชีวิตในวันสุดท้ายของเขาและ Voltaire เขียนว่า "Zaire" - ในปีเดียวกันนั้น Rameau ก็ปรากฏตัวในร้านเสริมสวยของผู้ใจบุญผู้มีอำนาจในขณะนั้นซึ่งเป็นเกษตรกรภาษีทั่วไป Alexandre la Pupliniere ที่นี่เขาได้พบกับนักประพันธ์บทเพลงคนแรกของเขา Abbot Pellegrin และได้พบกับกวีและนักเขียนบทละครที่ยิ่งใหญ่ที่สุดของฝรั่งเศสในขณะนั้น ซึ่งก็คือ François Marie Arouet-Voltaire นักโทษแห่ง Bastille เมื่อวานนี้

ความคุ้นเคยนี้กลายเป็นการทำงานร่วมกันระหว่างศิลปินที่โดดเด่นสองคนซึ่งมีความสำคัญในการชี้นำที่สำคัญที่สุดสำหรับ Rameau: ผู้แต่งเป็นหนี้เขามากสำหรับการเปลี่ยนแปลงของเขาให้กลายเป็นบุคคลทางดนตรีที่ใหญ่ที่สุดของลัทธิคลาสสิกก่อนการปฏิวัติของศตวรรษที่ 18

การร่วมมือกับวอลแตร์มีอิทธิพลอย่างเด็ดขาดต่อราโม โดยมีส่วนทำให้เกิดสุนทรียภาพ มุมมองต่อละคร การแสดงละคร แนวเพลง และสไตล์การบรรยายของเขา อย่างที่ใครๆ ก็สามารถต้านทานได้ ซึ่งขยายไปถึงชาวฝรั่งเศสอย่างไม่อาจต้านทานได้ เพลงของวันนี้

องค์ประกอบของ Rameau คือการเต้นรำซึ่งเขายังคงรักษาคุณลักษณะของความกล้าหาญไว้ได้แนะนำอารมณ์ไหวพริบและน้ำเสียงที่เป็นจังหวะของเพลงพื้นบ้านซึ่งได้ยินในวัยเยาว์บนเวทีงานแสดงสินค้า ในตอนแรกพวกเขาฟังดูฉุนเฉียวและบางครั้งก็ดูท้าทายในการเล่นฮาร์ปซิคอร์ดของเขา และจากนั้นพวกเขาก็เข้าไปในโรงละครโอเปร่า ปรากฏตัวต่อหน้าสาธารณชนในชุดออเคสตราชุดใหม่

การเล่นฮาร์ปซิคอร์ดของเขาดำเนินการโดยผู้เชี่ยวชาญเกือบทั้งหมดของยุโรป และตระกูลขุนนางชั้นสูงที่สุดของฝรั่งเศสก็โต้แย้งกันเองถึงสิทธิในการสอนลูก ๆ จากเขา มันเป็นอาชีพที่ยอดเยี่ยม

ดนตรีฮาร์ปซิคอร์ดของ Rameau มีเอกลักษณ์เฉพาะด้วยสัมผัสที่สำคัญ ซึ่งตรงกันข้ามกับประเพณีของประเภทแชมเบอร์ เขาไม่มีแนวโน้มที่จะมีรายละเอียดปลีกย่อย ดนตรีของเขาโดดเด่นด้วยลักษณะที่สดใสใคร ๆ ก็สามารถสัมผัสได้ถึงลายมือของนักแต่งเพลงละครที่เกิด (“ Chicken”, “ Savages”, “ Cyclopes”)

นอกเหนือจากผลงานฮาร์ปซิคอร์ดที่น่าทึ่งของเขาแล้ว Rameau ยังเขียน "โศกนาฏกรรมโคลงสั้น ๆ" หลายเรื่องรวมถึง "Treatise on Harmony" ที่เป็นนวัตกรรมใหม่ซึ่งทำให้เขามีชื่อเสียงในฐานะนักทฤษฎีดนตรีคนสำคัญ

ด้วยความเกี่ยวข้องกับโรงละครตั้งแต่อายุยังน้อยการเขียนเพลงเพื่อการแสดงที่ยุติธรรม Rameau เริ่มทำงานโอเปร่าสายมากเมื่ออายุได้ห้าสิบปีแล้ว บทประพันธ์เรื่องแรก "แซมซั่น" ซึ่งอิงจากบทเพลงของวอลแตร์ ไม่ได้ชมเวทีเนื่องจากมีโครงเรื่องของพระคัมภีร์

พื้นที่สำคัญของความคิดสร้างสรรค์ของ Rameau คือดนตรีฮาร์ปซิคอร์ด ผู้แต่งเป็นนักแสดงด้นสดที่โดดเด่น ในปี 1706, 1722 และประมาณปี 1728 มีการตีพิมพ์ห้องสวีท 5 ห้องซึ่งมีการเต้นรำ (allemande, courante, minuet, sarabande, gigue) สลับกับผลงานที่มีลักษณะเฉพาะซึ่งมีชื่อที่แสดงออก: "การร้องเรียนอย่างอ่อนโยน", "การสนทนาของ Muses", "Savages ” , “ลมกรด” และผลงานอื่นๆ

บทละครที่ดีที่สุดของเขาโดดเด่นด้วยจิตวิญญาณอันสูงส่ง - "Bird Calling", "Peasant Woman", ความเร่าร้อนที่ตื่นเต้น - "Gypsy", "Princess" และการผสมผสานระหว่างอารมณ์ขันและความเศร้าโศกอย่างลึกซึ้ง - "Chicken", "Hromusha" ผลงานชิ้นเอกของ Rameau คือ Gavotte และ Variations ซึ่งรูปแบบการเต้นรำที่ประณีตจะค่อยๆ รุนแรงขึ้น ละครเรื่องนี้สะท้อนให้เห็นถึงการเคลื่อนไหวทางจิตวิญญาณในยุคนั้น ตั้งแต่บทกวีอันประณีตของการเฉลิมฉลองอันกล้าหาญในภาพวาดของ Watteau ไปจนถึงภาพวาดคลาสสิกที่ปฏิวัติวงการของ David นอกเหนือจากห้องสวีทเดี่ยวแล้ว Rameau ยังเขียนคอนแชร์โตฮาร์ปซิคอร์ด 11 ตัวพร้อมด้วยวงดนตรีแชมเบอร์

Rameau กลายเป็นที่รู้จักในหมู่คนรุ่นราวคราวเดียวกันตั้งแต่แรกในฐานะนักทฤษฎีดนตรี และต่อมาในฐานะนักแต่งเพลง ในฐานะผู้เชี่ยวชาญด้านความงาม เขาได้ปกป้องทฤษฎีชั้นนำในยุคของเขา ซึ่งก็คือทฤษฎีศิลปะที่เลียนแบบธรรมชาติ การสำรวจกฎแห่งความสามัคคี เขาเริ่มต้นจากความเข้าใจเชิงวัตถุเกี่ยวกับเสียงและความรู้สึกทางเสียง (ขนาดธรรมชาติเป็นปรากฏการณ์ของโลกทางกายภาพ) เขาเรียกร้องให้นักดนตรีทดสอบและทำความเข้าใจประสบการณ์ในทางปฏิบัติโดยใช้เหตุผลและสติปัญญา ในทางทฤษฎี Rameau ได้สรุปและยืนยันโครงสร้างเทอร์เชียน การผกผันของคอร์ด แนะนำแนวคิดของ "ศูนย์กลางฮาร์มอนิก" (โทนิค) ฟังก์ชันเด่นและโดยเฉพาะอย่างยิ่งฟังก์ชันรอง

ฮาร์ปซิคอร์ด 2 เพลงโดย F. Couperin

François Couperin เกิดเมื่อวันที่ 10 พฤศจิกายน ค.ศ. 1668 ในปารีส ในครอบครัวนักดนตรีที่สืบทอดมาจาก Charles Couperin นักออร์แกนในโบสถ์ ความสามารถของเขาแสดงออกมาตั้งแต่เนิ่นๆ ครูคนแรกคือพ่อของเขา จากนั้นบทเรียนดนตรีก็ดำเนินต่อไปภายใต้การแนะนำของออร์แกน J. Tomlen ในปี ค.ศ. 1685 François Couperin เข้ารับตำแหน่งนักเล่นออร์แกนที่โบสถ์ Saint-Gervais ซึ่งปู่ของเขา Louis Couperin และพ่อของเขาเคยทำงานมาก่อน ตั้งแต่ปี 1693 เป็นต้นมา François Couperin ก็เริ่มกิจกรรมของเขาที่ราชสำนัก - ในฐานะครู จากนั้นเป็นนักดนตรีออร์แกนของโบสถ์ในราชสำนัก และนักดนตรีประจำห้อง (นักฮาร์ปซิคอร์ด)

ความรับผิดชอบของเขามีหลากหลาย: เขาแสดงเป็นนักฮาร์ปซิคอร์ดและนักเล่นออร์แกน แต่งเพลงสำหรับคอนเสิร์ตและโบสถ์ นักร้องร่วมกับและให้บทเรียนดนตรีแก่สมาชิกของราชวงศ์ ในเวลาเดียวกัน เขาไม่ละทิ้งบทเรียนส่วนตัวและยังคงรักษาตำแหน่งของเขาในฐานะออร์แกนในโบสถ์แซงต์แชร์เวส์ แม้ว่าชีวิตและชื่อเสียงมรณกรรมของ Couperin ส่วนใหญ่จะสัมพันธ์กับข้อดีของเขาในฐานะนักแต่งเพลง - นักฮาร์ปซิคอร์ด แต่เขาเขียนผลงานมากมายสำหรับวงดนตรีแชมเบอร์ (คอนเสิร์ต, โซนาตาทั้งสาม) และในบรรดาผลงานทางจิตวิญญาณของเขามีมวลอวัยวะสองชิ้น motets และสิ่งที่เรียกว่า " ล eçons des Ténèbres" (" การอ่านหนังสือตอนกลางคืน") ชีวิตของ Couperin เกือบทั้งหมดถูกใช้ไปในเมืองหลวงของฝรั่งเศสหรือในแวร์ซายส์ รายละเอียดชีวประวัติน้อยมากเกี่ยวกับเขาได้รับการเก็บรักษาไว้

สไตล์ดนตรีของเขาพัฒนาขึ้นตามประเพณีของโรงเรียนนักฮาร์ปซิคอร์ดในฝรั่งเศสเป็นหลัก ตามที่ได้รับการยืนยันอย่างสมบูรณ์จากเนื้อหาในบทความของเขาเรื่อง "ศิลปะแห่งการเล่นฮาร์ปซิคอร์ด" ในเวลาเดียวกันในงานของ Couperin ฮาร์ปซิคอร์ดของฝรั่งเศสมีวุฒิภาวะในระดับสูง: เผยให้เห็นความเป็นไปได้ทางศิลปะเกือบทั้งหมดที่เกิดขึ้นในโรงเรียนสร้างสรรค์แห่งนี้ได้ดีที่สุด หาก Jean Philippe Rameau ไปไกลกว่า Couperin ในแง่นี้แสดงว่าเขาได้เริ่มแก้ไขประเพณีฮาร์ปซิคอร์ดบางส่วนแล้ว - ทั้งในแง่เป็นรูปเป็นร่างและการเรียบเรียง

โดยรวมแล้ว Couperin ได้เขียนฮาร์ปซิคอร์ดมากกว่า 250 ชิ้น โดยมีข้อยกเว้นบางประการ สิ่งเหล่านี้รวมอยู่ในคอลเลกชันของปี 1713, 1717, 1722 และ 1730 บทละครเหล่านี้โดดเด่นด้วยความสามัคคีและความสมบูรณ์ของรูปแบบทางศิลปะที่น่าทึ่ง เป็นการยากที่จะสัมผัสได้ว่าวิวัฒนาการเชิงสร้างสรรค์อันยาวนานของนักแต่งเพลงนั้นแสดงออกมาอย่างไร เป็นเพียงว่าในช่วงหลายปีที่ผ่านมารูปแบบการนำเสนอมีความเข้มงวดมากขึ้นเล็กน้อย บทพูดก็ขยายใหญ่ขึ้นเล็กน้อย การแสดงความกล้าหาญเริ่มสังเกตเห็นได้น้อยลง และการพึ่งพาการเต้นรำโดยตรงลดลง

ในผลงานยุคแรกๆ ของ Couperin การเต้นรำบางอย่าง (ที่มีการกำหนด: allemande, courante, sarabande, gigue, gavotte, minuet, canary, paspier, rigaudon) บางครั้งมีคำบรรยายแบบเป็นโปรแกรมเป็นเรื่องปกติมากกว่า เมื่อเวลาผ่านไปมีน้อยลง แต่จนถึงไม่กี่ปีที่ผ่านมาผู้แต่งได้พบกับ allemande, sarabande, minuet, gavotte ไม่ต้องพูดถึงท่าเต้นในท่อนโปรแกรมโดยไม่มีการกำหนดการเต้นรำแบบใดแบบหนึ่ง (รวมถึงการเต้นรำแบบดั้งเดิมของห้องสวีท) โดยเฉพาะอย่างยิ่งกับหลักการเต้นรำในองค์ประกอบของละครเล็ก ๆ ของเขา Couperin ไม่ได้รวมพวกเขาเข้ากับห้องสวีท เขาเรียกการตีข่าวของละครหลายเรื่อง (จากสี่ถึงยี่สิบสี่) ว่า "ลำดับ" นั่นคือการสืบทอดซีรีส์ สิ่งนี้ไม่ได้เน้นย้ำถึงโครงสร้างทั่วไปของทั้งหมด แต่แต่ละครั้งจะมีการเล่นสลับกันอย่างอิสระจำนวน 5, 6, 7, 8, 9, 10 (น้อยกว่านั้น) โดยไม่มีฟังก์ชันที่มั่นคงของชิ้นส่วน สี่คอลเลกชันประกอบด้วย "แถว" ดังกล่าว 27 แถว โดยหลักการแล้วในแต่ละส่วนไม่มีส่วนหลักหรือส่วนรองไม่มีการเปรียบเทียบที่ตัดกันบังคับ แต่เป็นการสลับของเพชรประดับที่ปรากฏอย่างแม่นยำเหมือนพวงมาลัยซึ่งสามารถปรับให้กว้างขึ้นและเรียบง่ายยิ่งขึ้น - ขึ้นอยู่กับแผนของผู้แต่ง ในเวลาเดียวกัน ไม่มีอะไรควรจะน่าเบื่อในซีรีส์แสงนี้ที่ประกอบด้วยรูปภาพที่สง่างาม น่าหลงใหล ตลก มีไหวพริบ สุกใส สีสันสดใส มีลักษณะเฉพาะ แม้แต่ภาพแนวตั้งหรือประเภทต่างๆ ดังนั้นบทละครในแต่ละออร์เดอร์จึงได้รับการคัดเลือกด้วยความคล่องตัวที่ไม่เป็นการรบกวน แต่ไม่ละเมิดความกลมกลืนทางศิลปะทั่วไปที่ต้องการจากรสนิยมที่ดี (ซึ่ง Couperin ให้ความสำคัญเหนือสิ่งอื่นใด) แน่นอนว่ามีวิธีแก้ไขปัญหาเฉพาะบุคคลมากมายที่นี่ ซึ่งท้ายที่สุดแล้วคือหลักการสำคัญขององค์ประกอบดังกล่าว

บทละครนั้นมีลักษณะที่สอดคล้องกันของภาพเดียว ดังเช่นที่เคยเป็นมาก่อนในหมู่นักเล่นฮาร์ปซิคอร์ด ไม่ว่าจะเป็นลักษณะที่กำหนดรูปลักษณ์ (โดยปกติจะเป็นของผู้หญิง) ไม่ว่าจะเป็นภาพร่าง (“บทละครที่ระบุ”) ซึ่งเป็นปรากฏการณ์ทางธรรมชาติเชิงกวี , ประเภท , การแสดงออกของอารมณ์บางอย่าง , ตัวละครในตำนาน , ฉากหรือสถานการณ์ที่ได้รับแรงบันดาลใจจากโรงละครโอเปร่าและบัลเล่ต์อย่างชัดเจน และทุกที่ที่ดนตรีของ Couperin ไพเราะ เต็มไปด้วยการตกแต่ง บางครั้งก็เป็นจังหวะอย่างแปลกประหลาด เปลี่ยนแปลงได้ บางครั้งก็เต้นได้มากกว่า รูปร่างเพรียวบาง; แสดงออกแต่ไม่มีเสน่หา ถ้าสง่างามก็ไม่มีสิ่งที่น่าสมเพชมากนัก ถ้าอ่อนโยนก็ไม่มีความไวมากนัก ถ้าร่าเริงและมีชีวิตชีวาก็ไม่มีพลังธาตุ ถ้าเธอรวบรวมภาพที่โศกเศร้าหรือ "มืดมน" ก็ด้วยความยับยั้งชั่งใจอันสูงส่ง

ผู้แต่งยืนยันว่าเขานึกถึงดนตรีของเขาในเชิงอุปมาเสมอ แม้แต่ในการถ่ายภาพบุคคลก็ตาม เพื่อให้สอดคล้องกับบรรทัดฐานด้านสุนทรียภาพในยุคนั้นและโดยเฉพาะอย่างยิ่งสภาพแวดล้อมที่ Couperin ทำงาน รูปภาพของเขา - "ภาพบุคคล" ในองศาที่แตกต่างกัน ผสมผสานความแม่นยำที่แท้จริงเข้ากับแบบแผน และยิ่งตำแหน่งทางสังคมของ "ภาพ" สูงเท่าไรศิลปินก็ยิ่งผูกพันกับสิ่งนี้มากขึ้นเท่านั้น

ปัจจุบัน มีบุคลิกเฉพาะเจาะจงมากมายซึ่งมีชื่อปรากฏอยู่ในชื่อบทละครของคูเปริน เหล่านี้ส่วนใหญ่เป็นภรรยาหรือลูกสาวของขุนนางหรือนักดนตรี (G. Garnier, A. Forcret, J.B. Marais) ซึ่งผู้แต่งสื่อสารด้วย

งานเขียนดนตรีของ Couperin ได้รับการพัฒนาอย่างมากในทุกรายละเอียดและมีสไตล์อย่างน่าประหลาดใจ ด้วยข้อจำกัดและแบบแผนด้านสุนทรียภาพบางประการ เขาจึงค้นพบโอกาสที่หลากหลาย แม้กระทั่งสุดขีดในการแสดงออกบนฮาร์ปซิคอร์ด “ตัวฮาร์ปซิคอร์ดนั้นเป็นเครื่องดนตรีที่ยอดเยี่ยม เหมาะเป็นอย่างยิ่งในช่วงของมัน แต่เนื่องจากฮาร์ปซิคอร์ดไม่สามารถเพิ่มหรือลดความแรงของเสียงได้ ฉันจึงรู้สึกขอบคุณผู้ที่สามารถสร้างสรรค์ผลงานทางศิลปะและรสนิยมอันสมบูรณ์แบบอย่างไร้ขีดจำกัดได้เสมอ มันแสดงออก นี่คือสิ่งที่บรรพบุรุษรุ่นก่อนของฉันพยายามทำมา ไม่ต้องพูดถึงองค์ประกอบที่ยอดเยี่ยมในบทละครของพวกเขา ฉันพยายามปรับปรุงการค้นพบของพวกเขา” Couperin เขียนด้วยเหตุผลที่ดีในคำนำของคอลเลกชันชิ้นแรกของฮาร์ปซิคอร์ด

เมื่อเปรียบเทียบกับรุ่นก่อน Couperin ใช้ความสามารถของฮาร์ปซิคอร์ดในวงกว้างมากขึ้น จัดการเสียงก้องได้อย่างอิสระมากขึ้นตลอดช่วงเสียงทั้งหมด และคู่มือเครื่องดนตรีขนาดใหญ่สองชุด (ชิ้นส่วน "crois" ได้รับการออกแบบมาเป็นพิเศษสำหรับพวกเขา) อี๊", นั่นคือด้วยการผสมข้าม) พัฒนาเนื้อสัมผัสของฮาร์ปซิคอร์ดอย่างครอบคลุม เปิดใช้งานเสียงนำ (โดยมีความสำคัญในการกำหนดโครงสร้างโฮโมโฟนิก) ปรับปรุงไดนามิกโดยรวมภายในงาน และให้ความสำคัญกับการตกแต่งอย่างใกล้ชิด ด้วยเหตุนี้เนื้อผ้าทางดนตรีในผลงานของเขาจึงดูประณีตและโปร่งใสในเวลาเดียวกัน บางครั้งก็ประดับประดาอย่างวิจิตรบรรจง เต็มไปด้วยจังหวะน้ำเสียงที่ไพเราะที่สุด บางครั้งก็เต็มไปด้วยการเคลื่อนไหวเบา ๆ ด้วยความเรียบง่ายของเส้นสายทั่วไป สิ่งที่ยากที่สุดคือการลดการเขียนฮาร์ปซิคอร์ดของเขาให้เหลือประเภทหรือบรรทัดฐานใดๆ เสน่ห์หลักของที่นี่คือความคล่องตัวการเกิดขึ้นของการประพันธ์ดนตรีที่หลากหลายซึ่งกำหนดโดยความแตกต่างที่เป็นรูปเป็นร่าง มันอยู่บนฮาร์ปซิคอร์ดซึ่งไม่มีวิธีการแบบไดนามิกของเปียโนในอนาคต (มันไม่อนุญาตให้เสียงยืดเยื้อเพื่อให้ได้เอฟเฟกต์ที่เพิ่มขึ้นและลดลงเพื่อทำให้สีของเสียงมีความหลากหลายอย่างลึกซึ้ง) ซึ่งมีรายละเอียดมากที่สุด เครื่องประดับ การพัฒนาเนื้อสัมผัสแบบ “ลาเซย์” มีความสำคัญอย่างยิ่ง ซึ่งดำเนินการโดย Couperin

สถานที่พิเศษในงานของ Couperin ถูกครอบครองโดย Passacaglia ใน B minor ซึ่งรวมอยู่ใน ordre VIII - อาจเป็นงานที่ลึกที่สุดและเต็มไปด้วยจิตวิญญาณที่สุดในบรรดาผลงานฮาร์ปซิคอร์ดของเขา มีความหลากหลาย (174 บาร์) มีองค์ประกอบที่ชัดเจนมาก เป็นเพลง rondo ที่มีแปดท่อน ธีมของ rondo นั้นสวยงาม - เข้มงวด, ยับยั้ง, คอร์ด, บนเบสที่มีสีจากน้อยไปมาก: แปดบาร์จากสี่บาร์ที่เหมือนกันสองอัน:

การวัดผล ความหนักเบา และลักษณะรองเหล่านี้ได้รับการเน้นย้ำแบบฮาร์โมนิกเป็นพิเศษ การแสดงเสียงร้องที่นุ่มนวลช่วยให้ได้ความคมชัดของฮาร์โมนิคอย่างสงบ และการเปลี่ยนสีที่ละเอียดอ่อน โดยที่เงาสะท้อนในทำนองจะกลับไปสู่เสียงไพเราะรอง ลักษณะทั่วไปของเสียงจะคงอยู่ - จริงจังและจะรุนแรงหากไม่ใช่เพราะการปรับฮาร์โมนิคแบบอ่อนเหล่านี้ โคลงสั้น ๆ ไม่ได้ลบความรู้สึกที่เกิดจากธีมที่โดดเด่นทั้งหมด พวกเขาเผยให้เห็นความมั่งคั่งอันน่าทึ่งของจินตนาการของผู้แต่ง - ในขณะที่ยังคงรักษาความสมบูรณ์ทางศิลปะของบทละคร

ความซับซ้อนอันละเอียดอ่อนของบทละครหลายเรื่องของ Couperin นั้นขัดแย้งกันในแบบของตัวเองกับบทละครเพียงไม่กี่เรื่องของเขา แต่ก็ยังเห็นได้ชัดเจนและยังคงเห็นได้ชัดเจนโดยเป็นรูปเป็นร่างของหลักการที่กล้าหาญ การลุกฮือของกองกำลังติดอาวุธ และชัยชนะที่ได้รับชัยชนะ ในบทละคร "Triumph" และ "Trophy" ความกล้าหาญนี้ไม่เพียงแสดงออกมาในรูปแบบที่เรียบง่ายและวิจิตรงดงามเท่านั้น แต่ยังแสดงออกถึงโครงสร้างน้ำเสียงทั่วไปด้วย (การประโคม สัญญาณ)

ความสามารถของ Couperin ในการดึงผลงานทางศิลปะที่หลากหลายจากระบบที่มีเทคนิคการนำเสนอที่คล้ายกันหรือเกี่ยวข้องกันนั้นน่าทึ่งมาก ตัวอย่างเช่นที่แปลกประหลาดมากคือแนวโน้มของเขาที่จะนำทำนองในระดับต่ำราวกับว่าเทเนอร์ลงทะเบียนตลอดการเล่นทั้งหมด (หรือเกือบทั้งหมด) ซึ่งเราได้พบแล้วใน "การไว้ทุกข์เล็ก ๆ น้อย ๆ " ขนาดเล็กและยัง - ในการเล่นอย่างสมบูรณ์ วิธีที่แตกต่าง - ใน rondo ขนาดใหญ่ "อุปสรรคลึกลับ" ในกรณีอื่นๆ สีทะเบียนดังกล่าวใช้เพื่อแสดงความเป็นชายตามธรรมชาติ (“ซิลวานาส”) หรือถ่ายทอดเสียงคำรามของคลื่น ทำให้เขาสัมผัสบรรยากาศบทกวีพิเศษ (“คลื่น”) สิ่งเหล่านี้กลายเป็นสิ่งจำเป็นแม้จะเป็นศูนย์รวมของภาพลักษณ์ของผู้หญิงที่แตกต่างกันมากก็ตาม อันสุดท้ายน่าประหลาดใจเป็นพิเศษ อย่างไรก็ตามภาพลักษณ์ที่นุ่มนวลบริสุทธิ์ค่อนข้างแยกจากความหลงใหลของ "แองเจลิกา" และภาพลักษณ์ที่ละเอียดอ่อนและไม่แน่นอนของ "เย้ายวนใจ" และเนื้อเพลงที่ยอดเยี่ยมเหมือน "สัมผัส" - ด้วยความแตกต่างทั้งหมดในวิธีการที่เลือก ของการแสดงออก - ได้รับการแรเงาอย่างสมบูรณ์แบบด้วยสีที่ลึกกว่าปกติ:

ประการแรกผู้แต่งเกี่ยวข้องกับการสังเกตฮาร์ปซิคอร์ดเทคนิคการนำเสนอลักษณะเฉพาะของเครื่องดนตรีนี้ ตามกฎแล้ว สิ่งที่เป็นไปได้บนไวโอลิน ในโซนาตาไวโอลิน ควรจำกัดอยู่ในดนตรีฮาร์ปซิคอร์ด เขาพบว่า “ถ้ามันเป็นไปไม่ได้ที่จะขยายเสียงบนฮาร์ปซิคอร์ด และหากการทำซ้ำของเสียงเดียวกันไม่เหมาะกับมันมากนัก มันก็มีข้อดี - ความแม่นยำ ความชัดเจน ความสุกใส และระยะ”

ผู้ร่วมสมัยของ Couperin คือนักประพันธ์ฮาร์ปซิคอร์ดชาวฝรั่งเศส Louis Marchand, G. Le, J. F. Dandrieu และคนอื่นๆ อีกหลายคน งานศิลปะของพวกเขาพัฒนาไปในทิศทางเดียวกันกับโรงเรียนสร้างสรรค์โดยเน้นการแสดงละครขนาดเล็ก โดยมีความสนใจในการเต้นรำแบบดั้งเดิมและแบบใหม่ และถึงแม้ว่าพวกเขาแต่ละคนจะมีความสำเร็จเป็นของตัวเองไปพร้อมกัน แต่งานของ Couperin ก็แสดงเวลาด้วยความสมบูรณ์ที่ยิ่งใหญ่ที่สุดอย่างไม่ต้องสงสัยซึ่งมีให้สำหรับฮาร์ปซิคอร์ดในการหักเหของฝรั่งเศสโดยเฉพาะ

บรรณานุกรม

Couperin Rameau นักฮาร์ปซิคอร์ดชาวฝรั่งเศส

1. Livanova T. ประวัติศาสตร์ดนตรียุโรปตะวันตกจนถึงปี 1789 เล่มที่ 1 มอสโก 2526 696 หน้า

2.Rozenschild K.K. ดนตรีในฝรั่งเศสในช่วงศตวรรษที่ 17 - ต้นศตวรรษที่ 18 มอสโก, 2522. 168 น.

ลิวาโนวา ที.เอ็น. ดนตรียุโรปตะวันตกในศตวรรษที่ 17-18 ท่ามกลางศิลปะ มอสโก, 2520, 528 หน้า

สถาบันดนตรีแห่งรัฐโอเดสซาตั้งชื่อตาม เอ.วี. เนจดาโนวา

บทคัดย่อในหัวข้อ:

"นักฮาร์ปซิคอร์ดชาวฝรั่งเศส"

นักเรียนรายย่อยที่ 1

คณะนักร้องประสานเสียง

ความเชี่ยวชาญ “ร้องเพลงเดี่ยว”

เบสซารับ อันโตนินา.

ครู: Polevoy O.G.

โอเดสซา 2011

แผนนามธรรม

• การแนะนำ
• เกี่ยวกับฮาร์ปซิคอร์ด
• ฌอง-ฟิลิปป์ รามอย (เกิด)ฌอง- ฟิลิปป์ ราโม; 25/09/1683 ดิฌง - 12/09/1764 ปารีส)
• บทสรุป
• บรรณานุกรม

การแนะนำ

การก่อตัวของรูปแบบของดนตรีคลาเวียร์ดำเนินไปโดยการผสมผสานและการเอาชนะประเพณีของดนตรีออร์แกนและพิตอย่างค่อยเป็นค่อยไป การเกิดขึ้นของเพลงคลาวิคอร์ดหรือฮาร์ปซิคอร์ดที่ง่ายที่สุดควรเกิดขึ้นตั้งแต่ศตวรรษที่ 13-16 แต่ดนตรีคีย์บอร์ดยังไม่ได้รับความสำคัญอย่างอิสระนักดนตรีไม่ได้คิดถึงเทคนิคพิเศษสำหรับการแสดงหรือการแต่งเพลง รูปแบบของดนตรีคลาเวียร์เช่นนี้ไม่ได้รับการยอมรับจากคนรุ่นเดียวกันจนกระทั่งอย่างน้อยก็ในช่วงไตรมาสสุดท้ายของศตวรรษที่ 16 ดนตรี Clavier ได้รับอิสรภาพในฐานะงานศิลปะทางโลกล้วนๆ หากแสดงให้เห็นร่องรอยของการเชื่อมโยงกับประเภทของออร์แกนก็แสดงออกมาเฉพาะในรูปแบบขนาดใหญ่ (จินตนาการ, ทอกกาตัส) ซึ่งในช่วงศตวรรษที่ 17 ไม่ได้เป็นพื้นฐานของละครเพลงคลาเวียร์ ดนตรีพิตได้รับการสืบทอดโดยตรงจากฮาร์ปซิคอร์ด ซึ่งในหลายประเทศได้ค่อยๆ เปลี่ยนลูตจากการใช้ภายในประเทศ

Clavier (เยอรมัน: Klavier) เป็นชื่อทั่วไปของเครื่องดนตรีประเภทเครื่องสายในคริสต์ศตวรรษที่ 17-18 เปียโนประเภทหลักที่บาคยังคงติดต่ออยู่เป็นที่รู้จักในศตวรรษที่ 16: ฮาร์ปซิคอร์ด (เมื่อตีกุญแจ สายก็สัมผัสด้วยปากกา) และคลาวิคอร์ด (สายถูกตีด้วยโลหะแทนเจนต์จากแบบเดียวกัน) เป่า). คุณลักษณะของการผลิตเสียง (หยิกหรือเป่า) เหล่านี้กำหนดความแตกต่างที่สำคัญในด้านเสียงต่ำ ความแรง และระยะเวลาของเสียงของเครื่องดนตรีเหล่านี้ ฮาร์ปซิคอร์ดมีเสียงที่แรงกว่าแต่กะทันหัน และมักใช้เล่นในคอนเสิร์ตและเล่นร่วมกับวงออเคสตรามากกว่า ที่บ้านพวกเขามักจะใช้คลาวิคอร์ดซึ่งเป็นเครื่องดนตรีขนาดเล็กที่มีเสียงอ่อน แต่ยังคงยาวนาน

ก่อนที่โรงเรียนนักเล่นฮาร์ปซิคอร์ดที่สร้างสรรค์ขนาดใหญ่และมีอิทธิพลมายาวนานจะถือกำเนิดขึ้นในฝรั่งเศส ลักษณะเฉพาะของดนตรีสำหรับนักเปียโนปรากฏตัวครั้งแรกในงานศิลปะของนักเล่นฮาร์ปซิคอร์ดชาวอังกฤษในช่วงปลายศตวรรษที่ 16 และต้นศตวรรษที่ 17 (วิลเลียม เบิร์ด, จอห์น บูล, โทมัส มอร์ลีย์, ออร์ลันโด กิบบอนส์) สิ่งนี้เกิดขึ้นในยุคของเช็คสเปียร์ ในช่วงรุ่งเรืองของวรรณคดีมนุษยนิยมในอังกฤษ ในช่วงเวลาแห่งชัยชนะของศิลปะฆราวาส เมื่อถึงเวลาของเพอร์เซลล์ โรงเรียนสร้างสรรค์แห่งอังกฤษเริ่มมีปฏิสัมพันธ์กับเทรนด์สร้างสรรค์อื่นๆ ที่พัฒนาขึ้นในยุโรปตะวันตก

ตั้งแต่กลางศตวรรษที่ 17 ความสำคัญของโรงเรียนนักฮาร์ปซิคอร์ดชาวฝรั่งเศสเติบโตขึ้นซึ่งต่อมาได้มาถึงเบื้องหน้าในการพัฒนาศิลปะดนตรีสาขานี้ ผู้ก่อตั้งคือ Jacques Chambonnière ประวัติศาสตร์ยาวนานเกือบร้อยปี จบลงด้วยผลงานของ J.F. Rameau และรุ่นน้องของเขา เมื่อถึงปลายศตวรรษที่ 17 ความสำเร็จของนักประพันธ์ฮาร์ปซิคอร์ดในประเทศอื่นๆ ของยุโรปตะวันตกก็เห็นได้ชัดเจน

โรงเรียนของนักฮาร์ปซิคอร์ดชาวฝรั่งเศสมีชื่อแทน L. Marchand, J.F. Dandrieu, F. Dazhenkura, L. - C. Daquin, Louis Couperin ผู้แต่งเหล่านี้ประสบความสำเร็จมากที่สุดในภาพอภิบาลอันงดงาม ("The Cuckoo" และ "Swallow" โดย Daken; "Bird Cry" โดย Dandrieu) สำนักฮาร์ปซิคอร์ดของฝรั่งเศสถึงจุดสูงสุดในผลงานของอัจฉริยะสองคน ได้แก่ François Couperin (1668-1733) และ Jean Philippe Rameau ร่วมสมัยรุ่นน้องของเขา (1685-1764)

ในช่วงแรกของการพัฒนา ดนตรีฮาร์ปซิคอร์ดของฝรั่งเศสมีความสัมพันธ์ใกล้ชิดกับประเพณีของนักลูเตนนิสต์ชาวฝรั่งเศส ซึ่งในเวลานั้นได้บรรลุถึงความสมบูรณ์แบบของการเรียบเรียง ความละเอียดอ่อน และสไตล์ที่มีความซับซ้อน ดนตรีลูทในช่วงกลางศตวรรษที่ 17 ไม่ได้เป็นเพียงศิลปะพื้นบ้านในฝรั่งเศสเท่านั้น คีตกวีลูเทนิสต์ที่ยิ่งใหญ่ที่สุดในยุคนั้นแสดงในร้านเสริมสวยของชนชั้นสูง ได้รับอิทธิพลจากดนตรีของบัลเล่ต์ในราชสำนัก ทำให้การเต้นรำของพวกเขามีสไตล์มากกว่าตัวละครในชีวิตประจำวัน และพยายามทำให้พวกเขาแสดงออกทางอารมณ์ใหม่ๆ

เกี่ยวกับฮาร์ปซิคอร์ด

ฮาร์ปซิคอร์ด (clavicembalo ของอิตาลี) เป็นเครื่องดนตรีประเภทสายที่ดึงออกมาด้วยคีย์บอร์ด เชือกที่อยู่ในนั้นกระตุกด้วยลิ้นที่ทำจากขนนก (ตอนนี้ทำจากพลาสติก) การกล่าวถึงเครื่องดนตรีประเภทฮาร์ปซิคอร์ดที่เก่าแก่ที่สุดปรากฏใน Decameron โดย Giovanni Boccaccio ซึ่งตีพิมพ์ในปี 1354 เช่นเดียวกับแหล่งที่มาในปี 1397 จากปาดัว (อิตาลี) ภาพแรกสุดที่รู้จักอยู่บนแท่นบูชาในเมือง Minden (1425) ซึ่งเป็นภาพแรก คำอธิบายพร้อมภาพวาดประกอบทำให้ Henri Arnaud de Zwolle ในปี 1436 ในฐานะเครื่องดนตรีเดี่ยว ฮาร์ปซิคอร์ดยังคงใช้อยู่จนถึงปลายศตวรรษที่ 18 เป็นเวลานานกว่าเล็กน้อยที่ใช้ในการแสดงเบสแบบดิจิทัลเพื่อประกอบการบรรยายในโอเปร่า ประมาณปี ค.ศ. 1810 แทบไม่ได้ใช้เลย การฟื้นตัวของวัฒนธรรมการเล่นฮาร์ปซิคอร์ดเริ่มขึ้นในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 19 - 20 ผู้ริเริ่มการฟื้นฟูเครื่องดนตรีคือ A. Dolmech เขาสร้างฮาร์ปซิคอร์ดตัวแรกในปี พ.ศ. 2439 ในลอนดอน และไม่นานก็ได้เปิดเวิร์คช็อปในบอสตัน ปารีส และเฮเซิลเมียร์

ฮาร์ปซิคอร์ดมีรูปร่างเป็นรูปสามเหลี่ยมมุมฉาก สายของมันวางในแนวนอนขนานกับปุ่ม ในการลงทะเบียนนั่นคือเปลี่ยนความแรงและเสียงของเสียงโดยใช้สวิตช์มือและเท้า การเพิ่มและลดระดับเสียงของฮาร์ปซิคอร์ดอย่างราบรื่นนั้นเป็นไปไม่ได้ ในศตวรรษที่ 15 ระยะของฮาร์ปซิคอร์ดอยู่ที่ 3 อ็อกเทฟ (ในอ็อกเทฟล่างมีโน้ตสีบางส่วนหายไป) ในศตวรรษที่ 16 ขยายเป็น 4 อ็อกเทฟ (C - c""") ในศตวรรษที่ 18 - เป็น 5 อ็อกเทฟ (F" - f"") ฮาร์ปซิคอร์ดมีหลายพันธุ์ในประเทศต่าง ๆ เครื่องดนตรีรูปปีกขนาดใหญ่ ในฝรั่งเศสเรียกว่าฮาร์ปซิคอร์ด, clavicembalo ในอิตาลี, flugel ในเยอรมนี เครื่องดนตรีทรงสี่เหลี่ยมขนาดเล็กเรียกว่า epinet ในฝรั่งเศส, พิณในอิตาลี, virginel ในอังกฤษ

ฮาร์ปซิคอร์ดแห่งศตวรรษที่ 15 ยังไม่รอด ดูจากภาพแล้ว เครื่องดนตรีเหล่านี้เป็นเครื่องดนตรีสั้นและมีน้ำหนักมาก ฮาร์ปซิคอร์ดในศตวรรษที่ 16 ที่ยังมีชีวิตอยู่ส่วนใหญ่ผลิตในอิตาลี โดยมีเวนิสเป็นศูนย์กลางการผลิตหลัก การโจมตีฮาร์ปซิคอร์ดเหล่านี้ชัดเจนกว่าและเสียงที่คมชัดกว่าเครื่องดนตรีเฟลมิชรุ่นหลังๆ ฮาร์ปซิคอร์ดได้รับการปรับปรุงอย่างต่อเนื่อง และมีความพยายามที่จะกระจายเสียงของมันในทุกวิถีทางที่เป็นไปได้ ในศตวรรษที่ 17 Rückers ปรมาจารย์ชาวดัตช์ผู้มีชื่อเสียงได้ผลิตฮาร์ปซิคอร์ดสำหรับคอนเสิร์ตซึ่งมีเสียงที่หนักแน่น ฮาร์ปซิคอร์ดของพวกเขามีสายยาวและหนักกว่าเครื่องดนตรีของอิตาลี ฮาร์ปซิคอร์ดที่มีคู่มือสองเล่มมักถูกสร้างขึ้น สิ่งนี้ทำให้เกิดจุดแข็งของเสียงที่แตกต่างกัน (คีย์บอร์ด forte และคีย์บอร์ดเปียโน) และเป็นโอกาสที่ดีในการถ่ายทอดเสียงที่ผสมกัน นอกจากนี้ยังใช้เอฟเฟกต์ของ "การลงทะเบียน" พิเศษบนฮาร์ปซิคอร์ด: การกดปุ่มหรือสายเปิดใช้งานคันโยกที่ทำจากวัสดุต่าง ๆ หรือสายที่หุ้มด้วยกระดาษหนัง บางครั้งมีการเพิ่มคู่มือฉบับที่สามด้วยเสียงต่ำ "ลูต" (เพื่อให้ได้มาสายจะถูกบุด้วยหนังเล็กน้อยหรือสักหลาดโดยใช้กลไกพิเศษ) สวิตช์บันทึกเท้าและเข่าปรากฏขึ้นในช่วงปลายทศวรรษที่ 1750 ด้วยการรวมวิธีการทั้งหมดนี้เข้าด้วยกัน จึงเป็นไปได้ที่จะบรรลุการไล่ระดับของเสียง การเปลี่ยนแปลงของเสียงต่ำ และความดังที่เพิ่มขึ้นบางส่วน แต่ผลกระทบของการเพิ่มขึ้นและการลดลงต่อฮาร์ปซิคอร์ดนั้นไม่สามารถบรรลุได้โดยสิ้นเชิง

ผู้แต่งดนตรีฮาร์ปซิคอร์ด: François Couperin, Louis Couperin, Louis Marchand, Jean-Philippe Rameau, Johann Sebastian Bach, Johann Pachelbel, Dietrich Buxtehude, Girolamo Frescobaldi, Johann Jacob Froberger, George Frideric Handel, Josse Boutmi, Jean-Joseph Boutmi, William เบิร์ด, เฮนรี่ เพอร์เซลล์, โยฮันน์ อดัม ไรเนคเก, โดมินิโก สการ์ลัตติ, อเลสซานโดร สการ์ลัตติ, มัทเธียส เวคมันน์, โดมินิโก ซิโปลี และคนอื่นๆ

นักฮาร์ปซิคอร์ดที่มีชื่อเสียง: Andrei Volkonsky, Gustav Leonhardt, Wanda Landowska, Robert Hill

คีย์บอร์ดเพลงฮาร์ปซิคอร์ดฝรั่งเศส

ผู้ก่อตั้งโรงเรียนนักฮาร์ปซิคอร์ดชาวฝรั่งเศส

ฌาคส์ แชมป์ เดอ ชองบอนนีแยร์ (ฌาคส์ แชมป์ เดอ ดอกแชมบอนนีเรส ; 1601 - ก่อน 4 อาจ 1672 )

Jacques Champion de Chambonnières เป็นที่รู้จักในฐานะนักเล่นฮาร์ปซิคอร์ดและออร์แกนที่ยอดเยี่ยม นักแต่งเพลงที่มีพรสวรรค์ และเป็นครูที่ประสบความสำเร็จ เขายังเป็นนักเต้นที่ยอดเยี่ยมและมีส่วนร่วมในการแสดงบัลเล่ต์อีกด้วย เกิดที่ปารีส. เขามาจากตระกูลนักดนตรีที่สืบทอดมา ที่โด่งดังที่สุดคือคุณปู่ของเขา โทมัสแชมเปี้ยน (ชื่อเล่นมิตู) พ่อของเขา Jacques Champion ซึ่งเป็นนักเล่นออร์แกนและนักเล่นฮาร์ปซิคอร์ด ทำหน้าที่เป็นนักเล่นฮาร์ปซิคอร์ดในราชสำนักของพระเจ้าหลุยส์ที่ 13 ในเดือนกันยายน ค.ศ. 1611 Chambonnière ได้รับสัญญาว่าจะดำรงตำแหน่งในราชสำนักในอนาคตของบิดา ตั้งแต่ปี 1640 เขารับราชการในศาล (นัก epinetist - ตามชื่อของฮาร์ปซิคอร์ดตัวเล็ก) เขาไม่ได้ดำรงตำแหน่งนี้เป็นเวลานานเนื่องจากพระเจ้าหลุยส์ที่ 13 สิ้นพระชนม์ในปี 1643 และภรรยาของเขา ราชินีมารีเดเมดิซี ซึ่งกลายมาเป็นผู้สำเร็จราชการแทนพระองค์ของพระเจ้าหลุยส์ที่ 14 ในวัยเยาว์ก็มีนักดนตรีของเธอเอง แต่เขากลายเป็นครูของกษัตริย์หนุ่ม เขามีอาชีพที่ยอดเยี่ยมในราชสำนักฝรั่งเศส แต่เมื่อถึงบั้นปลายชีวิตเขาก็ไม่ได้รับความนิยม ตกตำแหน่ง และเสียชีวิตด้วยความยากจน

กิจกรรมของ Jacques Chambonnière ไม่ได้จำกัดอยู่เพียงหน้าที่ในศาลเท่านั้น ในปี 1641 เขาได้จัดคอนเสิร์ตแบบเสียค่าใช้จ่ายชื่อ "Assemblee des Honnestes Curieux" (Assembly of the Truly Curious) ซึ่งจัดขึ้นที่บ้านของเขา สัปดาห์ละสองครั้ง โดยมีนักดนตรีประจำและศิลปินรับเชิญประมาณสิบคน บางทีนี่อาจเป็นหนึ่งในคอนเสิร์ตประเภทนี้ครั้งแรกๆ เนื่องจากก่อนหน้านั้นการแสดงทั้งหมดแสดงถึงการสนับสนุนของกษัตริย์ โบสถ์ หรือขุนนางรายใหญ่

ชิ้นฮาร์ปซิคอร์ดของ Chambonnière มีพื้นฐานมาจากการเต้นรำ - เสียงระฆัง (โดยเฉพาะอย่างยิ่งผู้แต่งมีหลายเพลง), อัลเลม็องด์, ซาราบันเดส, กีเก, ปาวาเนส, กัลลิอาร์ด, คีรีบูน, มินูเอต์ ในช่วงหลายปีที่ผ่านมาซึ่งเป็นช่วงที่กิจกรรมของผู้ก่อตั้งโรงเรียนนักฮาร์ปซิคอร์ดชาวฝรั่งเศส Jacques Champion de Chambonnières และผู้ติดตามของเขา Louis Couperin เริ่มต้นขึ้น นักลูเทนิสต์ที่ใหญ่ที่สุด Denis Gautier (ประมาณปี 1600-1672) มีชื่อเสียงในปารีส โดยสร้างสรรค์ผลงานมากมายสำหรับเครื่องดนตรีของเขา . การเปรียบเทียบดนตรีลูตของ Gautier กับฮาร์ปซิคอร์ดของ Chambonnière ช่วยให้เราค้นพบความคล้ายคลึงกันมากมายในงานศิลปะของทั้งสอง: พื้นฐานแนวเพลง การเลือกการเต้นรำ แนวโน้มของรายการ ธรรมชาติของภาพที่เกิดขึ้นใหม่ ลีลาท่าทาง สไตล์ที่เข้มงวดและสง่างามของ Chambonnière ถูกสร้างขึ้นบนพื้นฐานของประเพณีของดนตรีลูตของฝรั่งเศส ซึ่งมี Germaine Pinel และ Ennemond เป็นตัวแทนด้วย

จากละครนี้เองที่เมื่อเวลาผ่านไปมีห้องชุดบางประเภทเกิดขึ้น ซึ่งเป็นลักษณะของโรงเรียนบางแห่งและส่วนใหญ่เป็นนักแต่งเพลงชาวเยอรมัน การเลือกเพลงอัลเลม็องด์ เสียงระฆัง ซาราบันเดส และกิกเป็นส่วนหลักของชุดนี้ ส่วนหนึ่งจัดทำขึ้นโดยผลงานของคีตกวีชาวฝรั่งเศสในการเต้นรำเหล่านี้ การคัดเลือกดำเนินการโดย Froberger จากนั้นโดย Pachelbel และสุดท้ายโดยแนวปฏิบัติที่สร้างสรรค์ของ เป็น. บาค (ห้องสวีทฝรั่งเศส) บทละครของ Chambonnière ไม่มีรูปแบบเป็นชุดใดๆ ซึ่งไม่ปกติสำหรับนักฮาร์ปซิคอร์ดชาวฝรั่งเศส Chambonnière จัดสไตล์การนำเสนอการเต้นรำ สิ่งนี้เห็นได้ชัดเจนกว่าในเพลงอัลเลม็องด์ของเขาซึ่งอยู่ห่างไกลจากการเต้นได้ค่อนข้างโพลีโฟนิกและเป็นส่วนเล็ก ๆ ที่มีลักษณะสงบและมีน้ำใจเป็นส่วนใหญ่ เสียงระฆังยังคงรักษารูปลักษณ์บัลเล่ต์เอาไว้ ซาราบันเดสบางครั้งค่อนข้างครุ่นคิด บางครั้งก็โคลงสั้น ๆ มากกว่า โดยมีความโดดเด่นในด้านการแสดงทำนองอันไพเราะ (ซึ่งต่อมาจะกลายเป็นประเพณีสำหรับซาราแบนด์ทั้งบนเวทีและในดนตรีบรรเลง) คำบรรยายของรายการในการเต้นรำของ Chambonnière หลายเพลงส่งเสริมให้เกิดความสัมพันธ์ที่งดงาม โดยเฉพาะบัลเล่ต์: พาเวน "Conversation of the Bots", ซาราบันเด "Young Zephyrs", "Solemn Sarabande" โดดเด่นด้วยความสม่ำเสมอของการเคลื่อนไหวและจังหวะที่กำหนด ผู้แต่งเต็มใจหันไปใช้การเปลี่ยนแปลง โดยสร้างสองเท่าหลังการเต้นรำ

ในแง่ของโครงสร้างทางดนตรีโดยทั่วไป บทละครของ Chambonnière มีแนวโน้มไปทางโฮโมโฟนี ความคล่องตัวของเสียงทั้งหมดไม่ได้ปิดบังพื้นฐานฮาร์โมนิกของเสียงทั้งหมด พื้นผิวยังคงเบาและโปร่งใส Chambonnière เป็นหนึ่งในนักฮาร์ปซิคอร์ดกลุ่มแรกๆ ที่แนะนำการตกแต่งทำนองเพลง - ทริลล์, โน้ตเกรซ, มอร์เดนท์, กรุปเปตโต ลักษณะเฉพาะอย่างหนึ่งของดนตรีของเขาคือแนวทำนองที่กว้างและชัดเจน แต่ภายใต้พื้นผิวเมโลดิกที่น่ารื่นรมย์นั้นยังมีความซับซ้อนและจุดแตกต่างของโพลีโฟนิกอยู่อย่างมาก นักแต่งเพลงในงานของเขาได้สรุปถึงลักษณะของการตกแต่งซึ่งในไม่ช้าจะได้รับพลังสากลในหมู่นักฮาร์ปซิคอร์ดชาวฝรั่งเศสและจะถือเป็นคุณสมบัติที่โดดเด่นประการหนึ่งของสไตล์ของพวกเขา จริงอยู่ เมื่อเปรียบเทียบกับดนตรีของ François Couperin การตกแต่งของ Chambonnière ไม่ได้รับการขัดเกลาและไม่มากมายนัก: ไม่มีการตกแต่งมากเกินไปและเน้นไปที่เสียงบน จากเทคนิคการตกแต่งที่หลากหลาย ผู้แต่งได้เลือกเทคนิคที่ล้อมรอบเสียงฮาร์มอนิก (foreshlag, grupetto, trill) เพื่อรองรับทำนอง ด้วยเหตุนี้ การเคลื่อนไหวที่เป็นลักษณะเฉพาะของการเต้นรำจึงค่อนข้างเห็นได้ชัดเจนในเสียงระฆังและซาราแบนด์

นอกเหนือจากงานดนตรีของเขาแล้ว Jacques Champion de Chambonnière ยังมีส่วนร่วมในการสอน และสไตล์อันยอดเยี่ยมของเขามีอิทธิพลสำคัญต่อการพัฒนาโรงเรียนฮาร์ปซิคอร์ดของฝรั่งเศสในเวลาต่อมา รวมไปถึงนักประพันธ์เพลงต่างชาติ เช่น Johann Jacob Froberger ในบรรดานักเรียนของเขา ได้แก่ Jacques Hardelle, Nicolas Lebesgue และ Jean-Henri d'Anglebert แต่การมีส่วนร่วมของเขาในการสร้างราชวงศ์ดนตรีของ Couperins มีความสำคัญเป็นพิเศษ ในปี 1650/51 พี่น้อง Couperin - Charles, Francois และ Louis ได้มอบ คอนเสิร์ตส่วนตัวเล็ก ๆ ที่ที่ดิน Chambonnières ในวันชื่อเจ้าของ การเล่นและดนตรีของพวกเขา (ผู้แต่งคือหลุยส์ ลูกศิษย์ในอนาคตของเขาและเป็นตัวแทนคนแรกที่มีชื่อเสียงของราชวงศ์ดนตรี Couperin) สร้างความประทับใจให้กับ Chambonnière มากจนเขาเริ่มสนับสนุนพวกเขาและในไม่ช้า ทั้งสามเริ่มอาชีพการงานในปารีส

ในช่วงต้นทศวรรษ 1650 อาชีพของเขาเติบโตขึ้น เขาแต่งดนตรี เต้นบัลเล่ต์ต่อไป ออกทัวร์ และสอนนักเรียน ซึ่งในจำนวนนี้คือกษัตริย์หลุยส์ที่ 14 ในวัยเยาว์ ความสูญเสียร้ายแรงครั้งแรกเกิดขึ้นในปี 1657 อันเป็นผลมาจากการฟ้องร้องกับภรรยาของเขา ที่ดินและที่ดินของเขาถูกขายไป ในปีเดียวกันนั้นเองอันเป็นผลมาจากแผนการในวังกษัตริย์จึงถอดเขาออกจากตำแหน่งครูสอนฮาร์ปซิคอร์ด ฝ่ายตรงข้ามของเขาซึ่งเขาเรียกว่า "กลุ่มผู้ต่ำต้อยและปีศาจ" พยายามติดตั้ง Louis Couperin แทนเขา แต่นักเรียนปฏิเสธที่จะรับตำแหน่งด้วยความภักดีต่อเพื่อนและผู้มีพระคุณของเขา ตำแหน่งของเขาในศาลเริ่มไม่มั่นคงมากขึ้น เงินเดือนของเขาลดลง จนกระทั่งในปี 1662 ในที่สุดเขาก็ออกจากตำแหน่ง ความโชคร้ายหลายประการของ Chambonnière เกิดจากการแต่งตั้ง Jean-Baptiste Lully เป็นผู้นำนักดนตรีในราชสำนัก โดยหลักการแล้วการลาออกของเขานั้นมีวัตถุประสงค์ - Chambonnière ไม่สามารถตอบสนองข้อกำหนดใหม่ได้และแสดงดนตรีสไตล์ใหม่ด้วยบาสโซต่อเนื่อง หลังจากเกษียณ Chambonnière ยังคงเล่นดนตรีและแต่งเพลงต่อไป ในปี 1670 เขาได้ตีพิมพ์ผลงานสำหรับฮาร์ปซิคอร์ดเพียงสองเล่มเท่านั้น ผลงานที่เหลือยังคงเป็นต้นฉบับ

เนื่องจากขาดแหล่งที่มา จึงไม่ค่อยมีใครรู้จักดนตรีฮาร์ปซิคอร์ดของฝรั่งเศสในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 17 และ Jacques Chambonnière ถือเป็นนักแต่งเพลงหลักเพียงคนเดียวในยุคนี้ที่มีผลงานที่ยังหลงเหลืออยู่จำนวนมาก โดยรวมแล้ว มรดกของเขามีผลงานมากกว่า 150 ชิ้น เกือบทั้งหมดเป็นงานเต้นรำ (อัลเลมองด์, ระฆัง, ซาราบานเดส, กิ๊ก, ชาคอนเนส, ปาวาเนส, แกลลิอาร์ด และอื่นๆ) ผลงานประมาณเจ็ดสิบชิ้นได้รับการตีพิมพ์โดยนักแต่งเพลงเองในปี 1670 ใน Pieces for the Harpsichord สองเล่ม (Les piece de clavessin) ผลงานที่เหลือจะถูกเก็บรักษาไว้ในแหล่งต้นฉบับซึ่งส่วนใหญ่ค้นพบในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 20 เท่านั้น นอกจากนี้ยังมีบทละครหลายเรื่อง ซึ่งผู้ประพันธ์อาจเป็นของ Chambonnière

Louis Couperin (ฝรั่งเศส: Louis Couperin; แคลิฟอร์เนีย ค.ศ. 1626, Chaumes-en-Brie - 29 สิงหาคม 1661, ปารีส)

Louis Couperin เป็นลูกชายคนโตของ Charles Couperin นักออร์แกนของโบสถ์แห่งหนึ่งใน Brie; น้องชายสองคนของเขา - Charles และ Francois - กลายเป็นนักดนตรีด้วย ประมาณปี 1650 Jacques Chambonnière กำลังเดินทางผ่านบรี Couperins รุ่นเยาว์จัดคอนเสิร์ตเพื่อเป็นเกียรติแก่แขกคนสำคัญโดยแสดงผลงานที่เขียนโดย Louis; Chambonnière รู้สึกประทับใจมากจนในไม่ช้าเขาก็พาชายหนุ่มไปที่ปารีสและอุปถัมภ์เขาด้วย ในปี ค.ศ. 1651 หลุยส์อาศัยอยู่ที่ปารีสแล้วและมีพี่น้องติดตามเขาไป ในปี ค.ศ. 1653 หลุยส์ได้รับตำแหน่งนักเล่นออร์แกนของโบสถ์แซงต์แชร์เวส์ และต่อมาได้รับตำแหน่งนักพนันในศาล อาชีพของนักแต่งเพลงหนุ่มประสบความสำเร็จอย่างมาก ในช่วงกลางทศวรรษที่ 1650 เขาถูกขอให้เปลี่ยน Chambonnière และเป็นนักเล่นฮาร์ปซิคอร์ดของกษัตริย์ แต่หลุยส์ปฏิเสธด้วยความเคารพต่อเพื่อนและอดีตอาจารย์ของเขา เขายังคงทำงานในแซงต์แชร์เวส์และในราชสำนักของพระเจ้าหลุยส์ที่ 14 และอาจทำงานให้กับตระกูลขุนนางในเมอดอน ในปี 1661 เมื่ออายุ 35 ปี Louis Couperin เสียชีวิต; ไม่ทราบสาเหตุของการเสียชีวิต

Louis Couperin เป็นนักดนตรีอเนกประสงค์: นักฮาร์ปซิคอร์ด นักออร์แกน ไวโอลิน และนักไวโอลิน เขายังเล่นในวงออเคสตราระหว่างการผลิตบัลเล่ต์ของ Lully ด้วยตำแหน่งออร์แกน เขาเขียนผลงานสำหรับออร์แกน วงดนตรีบรรเลง และสำหรับไวโอลิน แต่ผลงานส่วนใหญ่ของเขาที่ทำให้เขามีชื่อเสียงนั้นถูกสร้างขึ้นสำหรับฮาร์ปซิคอร์ด ซึ่งแตกต่างจากนักประพันธ์เพลงคนอื่นๆ ในศตวรรษที่ 17 ซึ่งในรูปแบบของผลงานของพวกเขาไม่ว่าจะสืบต่อจากประเพณีออร์แกนหรือผสมพันธุ์กับศิลปะคลาเวียร์ Louis Couperin ยังคงเป็นนักเล่นฮาร์ปซิคอร์ดด้วยตัวเอง

Couperin ไม่มีเวลาเผยแพร่ผลงานของเขา เพลงของเขาถูกเก็บรักษาไว้ในต้นฉบับเท่านั้น การเรียบเรียงฮาร์ปซิคอร์ดส่วนใหญ่ของเขาคือการเต้น ซึ่งทั้งสองอย่างเป็นเรื่องธรรมดาในยุคนั้น (อัลเลมันเดส ซาราบันเดส ระฆัง กิเก) และรูปแบบที่หายากมากขึ้น (แบรนเลส โวลตาส ฯลฯ) ผลงานเหล่านี้ถือเป็นก้าวต่อไปในการพัฒนารูปแบบที่ Chambonnière กำหนดไว้ สิ่งที่โดดเด่นในดนตรีฮาร์ปซิคอร์ดของ Couperin คือ Chaconnes และ Passacaglias ของเขา และโดยเฉพาะอย่างยิ่งบทโหมโรงที่เหนือกาลเวลาของเขา ซึ่ง Couperin ได้คิดวิธีการจดบันทึกแบบดั้งเดิมขึ้นมา (โน้ตทั้งหมดหรือเกือบทั้งหมดเขียนเป็นโน้ตทั้งหมด และการใช้ถ้อยคำและลักษณะอื่น ๆ ของการแสดงคือ ถ่ายทอดด้วยลายเส้นอันงดงามมากมาย) ในทำนองเดียวกัน Couperin มุ่งความสนใจไปที่วิธีแก้ปัญหาที่ไม่สำคัญ และยังได้รับอิทธิพลจาก Johann Jakob Froberger อีกด้วย Louis Couperin ส่วนใหญ่มาจากการเต้นรำที่มีลักษณะเฉพาะแบบเดียวกันซึ่งเป็นพื้นฐานของผลงานของ Chambonnières และ Gautier แต่ในขณะเดียวกัน เขาก็มุ่งมั่นที่จะแนะนำความเป็นปัจเจกบุคคลหรือการระบายสีพิเศษในการเต้นรำ ("Minuet จาก Poitou", "Basque Braille") เพื่อนำหน้าการเต้นรำแบบอิสระโดยไม่มีการโหมโรงเลย (โดยปกติจะไม่มีข้อบ่งชี้ เมตรและจังหวะ) แม้จะเปรียบเทียบอย่างชัดเจนกับการเต้นรำกับท่อนที่ตัดกัน - ที่เรียกว่า "Tombeau" นั่นคือคำจารึก "หลุมฝังศพ" (จำลองมาจากนักลูเทนิสต์) ดังนั้นบริบทของดนตรีเต้นรำส่วนใหญ่ซึ่งไม่ได้รับภาระทางอารมณ์จึงรวมถึงจุดเริ่มต้นที่แตกต่างไปจากเดิมอย่างสิ้นเชิง - เกือบจะน่าเศร้า นอกจากนี้ Louis Couperin ยังสร้างสรรค์ผลงานอื่นๆ ที่ไม่ใช่งานเต้นรำ โดยระบุว่าเป็น "พาสตูเรล" หรือ "ในจิตวิญญาณของพีดมอนเตส" สิ่งที่น่าสนใจสำหรับเขาคือ chaconnes ที่มีชื่อเสียงในขณะนั้น (หรือ chaconnes ในสไตล์ฝรั่งเศส) ซึ่งรูปแบบดั้งเดิมของเบสที่ถืออยู่นั้นผสมผสานกับลักษณะของ rondo

ดนตรีออร์แกนของ Couperin ยังคงไม่เป็นที่รู้จักมาเป็นเวลาหลายร้อยปี และถูกค้นพบในช่วงทศวรรษ 1950 เท่านั้น และการตีพิมพ์ก็ล่าช้าไปอีกหลายทศวรรษ มรดกทางออร์แกนของผู้แต่งประกอบด้วยผลงานประมาณ 70 ชิ้น ส่วนใหญ่เป็นเพลงรำลึก (มักเรียกว่า "จินตนาการ") และการเรียบเรียงเพลงสวดในโบสถ์ คุณสมบัติหลักอย่างหนึ่งคือความพยายามที่จะหลบหนีจากความเข้มงวดด้านโพลีโฟนิกของนักออร์แกนชาวฝรั่งเศสรุ่นก่อนๆ (Titeluza, Raquet ฯลฯ) และการลงทะเบียนที่เขียนไว้ในบันทึกย่อ ลักษณะทั้งสองต่อมากลายเป็นลักษณะเฉพาะของโรงเรียนออร์แกนฝรั่งเศสทั้งหมดในเวลาต่อมา เช่นเดียวกันอาจกล่าวได้เกี่ยวกับการเปลี่ยนท่วงทำนองในดนตรีออร์แกนของ Couperin โดยเฉพาะอย่างยิ่งการกระโดดออคเทฟในเสียงเบส5

เส้นทางต่อไปของโรงเรียนนักฮาร์ปซิคอร์ดชาวฝรั่งเศส

เส้นทางต่อไปของโรงเรียนนักฮาร์ปซิคอร์ดในฝรั่งเศส (ซึ่งต่อมานำไปสู่ ​​​​François Couperin the Great) มีความเกี่ยวข้องกับชื่อของ d'Anglebert และ Lebesgue ที่กล่าวถึงแล้ว เช่นเดียวกับ Louis Marchand, Gaspard le Roux และนักแต่งเพลงคนอื่นอีกจำนวนหนึ่งที่ ก้าวจากศตวรรษที่ 17 ถึงศตวรรษที่ 18 ความพยายามสร้างสรรค์ของพวกเขาก่อให้เกิดชุดซึ่งอย่างไรก็ตามแม้ตอนนี้ยังไม่มีรูปแบบที่มั่นคง แม้ว่าส่วนเริ่มต้นของมันคือ allemande และเสียงระฆังใน d'Anglebert และ Lebesgue แล้วเกือบทุกเพลง การเต้นรำสามารถติดตามได้และจบลงด้วยการเต้นรำแบบ Gavotte และ Minuet (การเต้นรำแบบใหม่ที่ทันสมัย) จากนั้นก็มี Galliard และ Passacaglia โบราณที่ติดตาม Gigue โรงเรียนในฝรั่งเศสมีแนวโน้มที่จะจัดซีรีส์การแสดงคอนเสิร์ตแบบย่อส่วนฟรีมากกว่าการตกผลึกของห้องชุดบางประเภทพร้อมการเต้นรำประกอบ อย่างไรก็ตาม ในระดับทั่วยุโรป ดนตรีสำหรับคลาเวียร์ยังคงมีความเกี่ยวข้องในศตวรรษที่ 17 โดยหลักๆ กับแนวเพลงสวีท ไม่ว่าเพลงนั้นจะเข้าใจในประเทศต่างๆ และจากผู้แต่งที่แตกต่างกันอย่างไรก็ตาม ซึ่งหมายความว่างานแต่ละชิ้นตามกฎแล้วยังคงมีขนาดเล็ก คงอยู่ในการเคลื่อนไหวเดียว มีลักษณะเฉพาะในแบบของตัวเอง (อย่างน้อยก็ในแง่ของลักษณะท่าเต้น) และในศิลปะดนตรีมีความปรารถนาที่จะมีความหลากหลายเพิ่มมากขึ้น เพื่อการเปรียบเทียบ แม้กระทั่ง ความคมชัดที่เป็นไปได้ของภาพ ในตอนแรกรูขุมขนแสดงออกมาอย่างน้อยก็ในการสลับชุด

ฌอง อองรี ง "แองเกิลเบิร์ต ( ด"แองเกิลเบิร์ต ; อาจจะ, 1628, ปารีส - 23 IV 1691, ที่นั่น หรือ ) - นักแต่งเพลงชาวฝรั่งเศส นักฮาร์ปซิคอร์ด นักออร์แกน ลูกศิษย์ของ J. Chambonnière. ในปี ค.ศ. 1664-1674 นักฮาร์ปซิคอร์ดประจำราชสำนักของพระเจ้าหลุยส์ที่ 14 (ตำแหน่งนี้สืบทอดโดยลูกชายคนโตของเขา Jean Baptiste Henri d'Anglebert) อองรีเขียนผลงานสำหรับฮาร์ปซิคอร์ดและออร์แกนโดยโดดเด่นด้วยเทคนิคโพลีโฟนิกที่สมบูรณ์แบบ ฮาร์ปซิคอร์ด ("60 Pieces de clavecin", P., 1689) รวมถึงการเรียบเรียงต้นฉบับของเขา (รวมถึง 22 รูปแบบในทำนองของภาษาสเปน "Folia") การเรียบเรียงเพลงและการเต้นรำมากมายจากโอเปร่าของ J.B. Lully เช่นเดียวกับ การพัฒนาทางทฤษฎี (“หลักการดนตรีประกอบ”, เครื่องประดับตารางถอดเสียง)

เลเบสก์ ( เลบิก ) นิโคลา แอนทอน - ( 1631, ลียง - 06 .0 7 .1 702, ปารีส ) - นักแต่งเพลงและออร์แกนชาวฝรั่งเศส เขาทำหน้าที่เป็นนักเล่นออร์แกนของโบสถ์ในปารีส ผู้เขียนฮาร์ปซิคอร์ด (2 คอลเลกชันในปี 1677) และชุดออร์แกน (3 คอลเลกชัน) ซึ่งเลียนแบบ F. Couperin เขาใช้ดนตรีเต้นรำในยุคนั้นอย่างกว้างขวาง: gavotte, minuet, bourre, rondo, passacaglia ฯลฯ เขาเขียน สมุดบันทึกหลายชิ้นสำหรับอวัยวะและ fp และ 2-3 แก้ว “แอร์” ด้วยความต่อเนื่อง

หลุยส์ มาร์ชองด์ ( หลุยส์ มาร์ชองด์ ; 02 .0 2 .1 669, ลียง - 17 .0 2 .1 732, ปารีส ) - นักฮาร์ปซิคอร์ด นักออร์แกน และนักแต่งเพลงชาวฝรั่งเศส (ตัวแทนโรงเรียนแวร์ซายส์) เกิดมาในครอบครัวนักออแกนิก ตั้งแต่ปี 1684 เขาดำรงตำแหน่งนักออร์แกนในโบสถ์ในเมือง Nevers และตั้งแต่ปี 1698 - ในปารีส เขาเป็นออร์แกนของอาสนวิหารในเมืองต่างๆ ของฝรั่งเศส รวมถึงโบสถ์ฟรานซิสกันกอร์เดอลิเยร์แห่งปารีส ในปี ค.ศ. 1689 เขาตั้งรกรากอยู่ในปารีส โดยทำหน้าที่เป็นนักเล่นออร์แกนประจำศาลในปี ค.ศ. 1708-1714 ในโบสถ์หลวงแห่งแวร์ซายส์ เขาเป็นหนึ่งในนักออร์แกนชาวฝรั่งเศสที่เก่งที่สุดในยุคนั้น เขามีชื่อเสียงในฐานะนักฮาร์ปซิคอร์ดและอาจารย์ที่เก่งกาจ เขาทัวร์คอนเสิร์ตเป็นเวลาสามปีในเยอรมนี (พ.ศ. 2256-2260) ในปี พ.ศ. 2260 เขาหลีกเลี่ยงการแข่งขันกับ I.S. Bach ซึ่งควรจะจัดขึ้นที่เมืองเดรสเดน ในบรรดาลูกศิษย์ของเขาคือ Louis-Claude Daquin (1694 - 1772) ผู้แต่งผลงานด้านฮาร์ปซิคอร์ด ออร์แกน ฉิ่ง และดนตรีในโบสถ์ ส่วนที่สำคัญที่สุดในมรดกการประพันธ์เพลงของ Marchand คือผลงานออร์แกนและชุดคีย์บอร์ดในยุคแรกของเขา ผู้แต่งผลงานฮาร์ปซิคอร์ดสองเล่มและชุดออร์แกน นอกจากนี้เขายังเขียนโอเปร่า "Pyramus and Thisbe", บทร้องหลายบท (บทเพลง "Halcyon"), บทร้องขนาดเล็ก และบทความเกี่ยวกับการเรียบเรียง ในปี 1702-1703 มีการตีพิมพ์คอลเลกชันละครเพลงของ Marchand สองชุดในปารีส ในงานประพันธ์เพลงของเขา เขาคาดหวังถึงเทคนิคบางอย่าง (ภาษาฮาร์โมนิกที่สดใส จังหวะที่ชัดเจน การเปลี่ยนทำนองที่หนักแน่น) ได้รับการพัฒนาในภายหลังโดย J.F. ราโม.6

จุดสุดยอดของโรงเรียนฮาร์ปซิคอร์ดฝรั่งเศส

ฟรองซัวส์ คูเปริน ( ศ . ฟรองซัวส์ คูเปริน ; 10 พฤศจิกายน 1668, ปารีส - 11 กันยายน 1733, ที่นั่น หรือ )

โรงเรียนฮาร์ปซิคอร์ดของฝรั่งเศสถึงจุดสูงสุดในผลงานของอัจฉริยะสองคนคือ François Couperin) และ Jean Philippe Rameau รุ่นน้องของเขา ).

Francois Couperin เป็นนักประพันธ์ฮาร์ปซิคอร์ดที่มีชื่อเสียงและใหญ่ที่สุดในโรงเรียนภาษาฝรั่งเศส เกิดมาในตระกูลนักดนตรีโดยกำเนิดของ Charles Couperin นักออร์แกนในโบสถ์ ครูคนแรกของเขาคือพ่อของเขา จากนั้นบทเรียนดนตรีก็ดำเนินต่อไปภายใต้การแนะนำของออร์แกน J. Tomlin ในปี ค.ศ. 1685 François Couperin เข้ารับตำแหน่งนักเล่นออร์แกนที่โบสถ์ Saint-Gervais ซึ่งปู่ของเขา Louis Couperin และพ่อของเขาเคยทำงานมาก่อน ตั้งแต่ปี 1693 เป็นต้นมา François Couperin ก็เริ่มกิจกรรมของเขาที่ราชสำนัก - ในฐานะครู จากนั้นเป็นนักดนตรีออร์แกนของโบสถ์ในราชสำนัก และนักดนตรีประจำห้อง (นักฮาร์ปซิคอร์ด) ชื่อเสียงของเขาในฐานะนักออร์แกนไม่ได้ด้อยไปกว่าชื่อเสียงของเขาในฐานะนักเล่นฮาร์ปซิคอร์ด หน้าที่ของ Couperin ที่ศาลมีความหลากหลายมาก - เขาแสดงเป็นศิลปินเดี่ยว แต่งเพลงสำหรับคอนเสิร์ตในศาลและในช่วงวันหยุดของโบสถ์ ร่วมกับนักร้องและให้บทเรียนฮาร์ปซิคอร์ดแก่ Dauphin และสมาชิกคนอื่น ๆ ในราชวงศ์ ในเวลาเดียวกันเขาไม่ละทิ้งบทเรียนส่วนตัวและยังคงดำรงตำแหน่งนักออร์แกนในโบสถ์ Saint-Gervais (St. Gervasius) ในกรุงปารีส - ตำแหน่งที่เขาดำรงอยู่จนกระทั่งเสียชีวิต ตำแหน่งนักดนตรีในราชวงศ์กำหนดข้อ จำกัด บางประการ - และด้วยเหตุนี้ชีวิตของ Couperin เกือบทั้งหมดจึงถูกใช้ไปในปารีสหรือแวร์ซายส์และเห็นได้ชัดว่าไม่ได้ร่ำรวยจากกิจกรรมภายนอก ในปี 1730 เขาเกษียณอายุ โดยส่งต่อตำแหน่งให้กับลูกสาวของเขา Margaret Antoinette

ผลงานหลักของ Couperin เขียนขึ้นสำหรับฮาร์ปซิคอร์ด - มากกว่า 250 ชิ้นประเภทต่างๆ ซึ่งผู้เขียนให้ชื่อโปรแกรม: "Butterfly", "Reapers", "Loyalty", "Windmills" ฯลฯ รูปแบบของงานเหล่านี้มีความโดดเด่น ด้วยความเบา ความสง่างาม และการแสดงออก และพวกเขาได้รับชื่อเสียงมหาศาลอย่างรวดเร็วไม่เพียงแต่ในฝรั่งเศสเท่านั้น แต่ยังรวมถึงในต่างประเทศด้วย ในฐานะปรมาจารย์การเล่นฮาร์ปซิคอร์ดที่ไม่มีใครเทียบได้ เขาได้รับรางวัลจากผู้ร่วมสมัยในชื่อ "Le Grand" - "The Great"

โดยรวมแล้ว Couperin ประพันธ์ฮาร์ปซิคอร์ดมากกว่า 250 ชิ้น รวมกันเป็นห้องสวีท 27 ห้อง เมื่อรวมกันแล้ว นับเป็นคอลเลกชันขนาดใหญ่สี่ชุด ซึ่งตีพิมพ์ในปี 1713, 1716 (1717?), 1722 และ 1730 ตามลำดับ ห้องชุดของ Couperin ถูกเรียกว่า "Les Ordres" ซึ่งหมายถึง "แถวลำดับ" พวกเขาสลับบทละครที่มีลักษณะหลากหลายที่สุด ภาพย่อส่วนใหญ่มีคำบรรยายแบบเป็นโปรแกรม มีฉากประเภทต่างๆ ภาพร่างของธรรมชาติ และฉากเสียดสี ความปรารถนาที่จะถ่ายทอดรูปลักษณ์ทางจิตลักษณะนิสัยหรือสภาพร่างกายในรูปแบบเสียง

แม้ว่าชื่อเสียงของ Couperin ส่วนใหญ่จะเกี่ยวข้องกับข้อดีของเขาในฐานะนักแต่งเพลงฮาร์ปซิคอร์ด แต่เขาเขียนผลงานมากมายสำหรับวงดนตรีแชมเบอร์ (คอนเสิร์ต, โซนาตาทั้งสาม) และในบรรดาผลงานทางจิตวิญญาณของเขามีมวลอวัยวะสองชิ้นงานสำหรับออร์แกน motets และสิ่งที่เรียกว่า " Lecons des Tenebres" "("การอ่านตอนกลางคืน")

Couperin ยังเป็นผู้เขียนผลงานทางทฤษฎีหลายชิ้นและบทความเรื่อง "ศิลปะแห่งการเล่นฮาร์ปซิคอร์ด" บทความนี้ประกอบด้วยคำแนะนำด้านระเบียบวิธีที่สำคัญที่สุดจำนวนหนึ่งเกี่ยวกับเทคนิคการเล่น การใช้นิ้ว และยังเน้นย้ำถึงบทบาทพิเศษของการตกแต่งแบบ Melismatic

ในงานของเขา Couperin ผสมผสานอิทธิพลของฝรั่งเศสและอิตาลีได้อย่างยอดเยี่ยมและถือว่า Jean Baptiste Lully และ Arcangelo Corelli เป็นครูและรุ่นก่อนของเขา Couperin ได้แสดงความเคารพต่อนักดนตรีที่ได้รับความเคารพเป็นพิเศษเหล่านี้ในคอนเสิร์ตบรรเลง 7 ตอนที่ 7 “Parnassus หรือ Apotheosis of Corelli” (“Le Parnasse ou l” apotheose de Corelli”, (1724) และ “The Apotheosis of Lully” (ชื่อเต็ม - “คอนเสิร์ตบรรเลง- apotheosis ที่อุทิศให้กับความทรงจำอมตะของ Monsieur de Lully ที่ไม่มีใครเทียบได้” ("คอนเสิร์ตเครื่องดนตรี sous le titre d" apotheosis compos a la mmoire immortelle de l "monsieur de Lully ที่ไม่มีใครเทียบได้", 1725))

Couperin เขียนเพลงและผลงานศักดิ์สิทธิ์มากมาย (ทั้งเสียงร้องและออร์แกน) แต่ชื่อเสียงของเขาได้รับจากผลงานเครื่องดนตรีทางโลก โดยเฉพาะเพลงสำหรับฮาร์ปซิคอร์ดและโซนาตาทั้งสาม (ประเภทที่ได้รับความนิยมในฝรั่งเศสต้องขอบคุณ Couperin) ในบรรดาผลงานของประเภทเครื่องดนตรีแชมเบอร์ Royal Concertos ซึ่งเขียนในปี 1714-1715 สำหรับ Louis XIV (ตีพิมพ์ในปี 1722) และโซนาตาทั้งสามของ Nation ปรากฏในปี 1726 โดดเด่น อย่างไรก็ตาม Couperin หันไปแต่งเพลงโซนาตาทั้งสาม ภายใต้ความประทับใจในบทเพลงของคอเรลลี ตามตัวอย่างของชาวอิตาลีผู้ยิ่งใหญ่ Couperin ได้แต่งโซนาตาหนึ่งบท และในขณะที่เขาเขียนว่า "โดยรู้ถึงความโลภของฝรั่งเศสสำหรับนวนิยายต่างประเทศทั้งหมด" เขาส่งต่อมันเป็นผลงานของ "นักประพันธ์ชาวอิตาลี Cuperino" ผู้ชมชอบโซนาต้า สิ่งนี้ทำให้ผู้แต่งมีความมั่นใจ และเขายังคงทำเพลงโซนาตาทั้งสามซึ่งเป็นแนวเพลงใหม่ของฝรั่งเศส ซึ่งได้รับความนิยมที่นี่ด้วยผลงานของ Couperin

คอนเสิร์ต Instrumental Apotheosis Concert อันโด่งดังที่อุทิศให้กับความทรงจำอันเป็นอมตะของ Monsieur de Lully (1725) ผู้ไม่มีใครเทียบได้ แสดงให้เห็นในสองแง่มุม ที่นี่ Couperin รวบรวมแนวคิดของเขาในการผสมผสานสไตล์ของ A. Corelli ซึ่งเขาชื่นชมผลงานและผู้ที่เขาอุทิศโซนาต้า Parnassus สามคนขนาดใหญ่หรือ Apotheosis ของ Corelli (1724) เข้ากับสไตล์ของ J.B. ลุลลี่. กล่าวอีกนัยหนึ่ง Couperin พยายามผสมผสานท่วงทำนองที่มีอยู่ในสไตล์อิตาลีกับสไตล์ฝรั่งเศส (ทั้งสองสไตล์นี้แข่งขันกันในยุคนั้น) และในอีกด้านหนึ่งเพื่อให้การเล่าเรื่องของเขา อักขระทางโปรแกรม แนวโน้มทั้งสองนี้มีอยู่ในผลงานที่ดีที่สุดของ Couperin นั่นคือชุดฮาร์ปซิคอร์ด ซึ่งผู้แต่งเรียกว่า Les Ordres ("แถว", "ลำดับ") และตีพิมพ์ในสมุดบันทึกสี่เล่ม (1713, 1717, 1722 และ 1730) ในทางโวหาร บทละครเหล่านี้ เช่นเดียวกับผลงานในห้องแสดงอื่นๆ ของ Couperin แสดงให้เห็นถึงการผสมผสานระหว่างการเขียนแบบตรงกันข้ามและแบบโฮโมโฟนิก (ฮาร์โมนิก) พวกเขาโดดเด่นด้วยความสมบูรณ์ของการตกแต่งและเมลิสมาสที่อุดมสมบูรณ์

ผู้แต่งทำงานในหลายประเภท (ยกเว้นละคร) ส่วนที่มีค่าที่สุดของมรดกทางความคิดสร้างสรรค์ของเขาคือห้องฮาร์ปซิคอร์ด 27 ห้อง (ประมาณ 250 ชิ้นในสี่คอลเลกชัน) Couperin เป็นผู้สร้างห้องชุดแบบฝรั่งเศสซึ่งแตกต่างจากรุ่นเยอรมันและประกอบด้วยชิ้นส่วนโปรแกรมเป็นหลัก ในหมู่พวกเขามีภาพร่างของธรรมชาติ ("ผีเสื้อ", "ผึ้ง", "กก") และฉากประเภท - รูปภาพของชีวิตในชนบท ("Reapers", "ผู้เก็บองุ่น", "ผู้ถัก"); แต่โดยเฉพาะภาพดนตรีมากมาย นี่คือภาพของผู้หญิงในสังคมและเด็กสาวธรรมดา ๆ - นิรนาม ("Beloved", "The Only One") หรือระบุไว้ในชื่อบทละคร ("Princess Mary", "Manon", "Sister Monica") บ่อยครั้งที่ Couperin วาดภาพไม่ใช่บุคคลใดบุคคลหนึ่ง แต่เป็นตัวละครมนุษย์ ("ทำงานหนัก", "สนุก", "ดอกไม้ทะเล", "ขี้งก") หรือแม้แต่พยายามแสดงตัวละครประจำชาติต่างๆ ("ผู้หญิงสเปน", "ผู้หญิงฝรั่งเศส") งานจำลองของ Couperin หลายชิ้นมีความใกล้เคียงกับการเต้นรำยอดนิยมในยุคนั้น เช่น เสียงระฆังและมินูเอต รูปแบบที่โปรดปรานของเพชรประดับของ Couperon คือ rondo

ในเวลาเดียวกัน Couperin กลายเป็นหนึ่งในนักแต่งเพลงไม่กี่คนในยุคนั้นที่ไม่ได้หันไปหาแนวโอเปร่าและไม่ได้แต่งผลงานให้กับคณะนักร้องประสานเสียง โมเท็ตของผู้แต่ง ต่างจากโมเท็ตนักร้องประสานเสียงในศตวรรษที่ 17 เป็นเพลงศักดิ์สิทธิ์สำหรับเสียงเดียวพร้อมดนตรีบรรเลง

นักฮาร์ปซิคอร์ด - ผู้ร่วมสมัยของ F. Couperin

ผู้ร่วมสมัยของ F. Couperin คือนักแต่งเพลงและนักฮาร์ปซิคอร์ดชาวฝรั่งเศส Louis Marchand (1669-1732), G. Le Roux (1660-1717), J.F. แดนดริเยอ (1682-1738) และคนอื่นๆ งานศิลปะของพวกเขาพัฒนาไปในทิศทางเดียวกันกับโรงเรียนสร้างสรรค์โดยเน้นการแสดงละครขนาดเล็ก โดยมีความสนใจในการเต้นรำแบบดั้งเดิมและแบบใหม่ และถึงแม้ว่าพวกเขาแต่ละคนจะมีความสำเร็จเป็นของตัวเองไปพร้อมกัน แต่งานของ Couperin ก็แสดงเวลาด้วยความสมบูรณ์ที่ยิ่งใหญ่ที่สุดอย่างไม่ต้องสงสัยซึ่งมีให้สำหรับฮาร์ปซิคอร์ดในการหักเหของฝรั่งเศสโดยเฉพาะ

แดนดริเยอ ( แดนดริเยอ, ง"แอนดริเยอ ) ฌอง ฟรองซัวส์ ( 1682, ปารีส - 17 ฉัน 1738, ที่นั่น หรือ ) - ภาษาฝรั่งเศส นักฮาร์ปซิคอร์ด นักออร์แกน และนักแต่งเพลง น่าจะเป็นนักเรียนของเจ.บี. โมโร เขาทำหน้าที่เป็นนักออร์แกนในโบสถ์ Saint-Merri และ Saint-Barthélemy ในปารีส และตั้งแต่ปี 1721 ก็อยู่ในเขตตำบลด้วย โบสถ์ ในบรรดาผลงานของ D.: "Book of Trio Sonatas" (1705), 3 คอลเลกชันชิ้นส่วนสำหรับฮาร์ปซิคอร์ด (1724, 1728 และ 1734), "Book of Pieces for Organ" (ed. 1739), 2 คอลเลกชันของ trio sonatas และ โซนาตาสำหรับไวโอลินกับ Basso continuo ข้อเสนอ ฯลฯ เขียนว่า "Manual of Accompaniment on the Harpsichord" (1716)

ดาเกน ( ดาควิน, ดี"อาควิน ) หลุยส์ คลอดด์ ( 4 ปกเกล้าเจ้าอยู่หัว 1694, ปารีส - 15 วี 1772, ที่นั่น หรือ ) - ภาษาฝรั่งเศส นักแต่งเพลง นักออร์แกน นักฮาร์ปซิคอร์ด ผู้สืบทอดของ F. Rabelais เขาแสดงความคิดของเขาตั้งแต่เนิ่นๆ พรสวรรค์ (ตอนอายุ 6 ขวบเขาเล่นฮาร์ปซิคอร์ดต่อหน้าพระเจ้าหลุยส์ที่ 14) เขาเรียนร่วมกับ N. Vernier (ผู้แต่งเพลง) และ Louis Marchand (ออร์แกนและฮาร์ปซิคอร์ด) ตั้งแต่อายุ 12 ปี นักออร์แกนของโบสถ์ Petit Saint-Antoine ตั้งแต่ปี ค.ศ. 1715 คริสตจักรก็รับใช้ นักออร์แกน หลังจากการแข่งขันเล่นออร์แกนในโบสถ์เซนต์ปอลในปี ค.ศ. 1727 โดยเอาชนะเจ.เอฟ. ราโมได้รับตำแหน่งออร์แกนของโบสถ์แห่งนี้ จากปี 1739 นักออร์แกนของ Royal Chapel จากปี 1755 - ของมหาวิหาร Notre Dame ในปารีส ผลงานของ Daken เขียนในสไตล์ Rococo เป็นหลัก โดยมีคุณลักษณะโดยธรรมชาติของสไตล์ความกล้าหาญอันประณีตและการตกแต่งมากมาย สิ่งสำคัญในดนตรีของเขาคือความหมายของทำนอง ผลงานที่ดีที่สุดของเขามีความโดดเด่นด้วยประเภทที่เป็นรูปเป็นร่างและจิตวิทยาเชิงโคลงสั้น ๆ Daken เป็นผู้แต่งผลงานสำหรับฮาร์ปซิคอร์ด (คอลเลกชันที่ 1 - "Premier livre de pièces de clavecin", 1735 - รวมถึง "Cuckoo" ขนาดเล็กที่มีชื่อเสียงซึ่งเก็บรักษาไว้ในละครของนักเปียโนสมัยใหม่), เพลงคริสต์มาสสำหรับออร์แกนและฮาร์ปซิคอร์ด (1757 ) ซึ่งเขาปลูกฝังเทคนิคของการแปรผันเป็นรูปเป็นร่าง การเขียนแบบโฮโมโฟนิกที่โปร่งใส รวมถึงการเปลี่ยนสีธีมของเสียง เขียนบทเพลง (ตีพิมพ์เฉพาะ "Rose", 1762); ต้นฉบับประกอบด้วยบทเพลงที่มีวงซิมโฟนีออร์เคสตรา "Circe" ตามคำพูดของ J.J. Rousseau, motets, ความหลากหลาย, fugues และ trios, 2 มวลชน, Te Deum และผลงานอื่นๆ อีกมากมายในประเภทต่างๆ

Jean-Philippe Rameau (ฝรั่งเศส: Jean-Philippe Rameau; 25/09/1683, Dijon - 12/09/1764, ปารีส)

ฌอง-ฟิลิปป์ ราโมม - นักแต่งเพลงและนักทฤษฎีดนตรีชาวฝรั่งเศสในยุคบาโรก ลูกชายของออแกนิก เขาเรียนที่โรงเรียนเยสุอิต เมื่ออายุ 18 ปี พ่อของเขาส่งเขาไปอิตาลีเพื่อพัฒนาการศึกษาด้านดนตรีในมิลาน เมื่อกลับมาเขาแสดงเป็นนักไวโอลินในวงออเคสตรามงต์เปลลิเยร์ ในปี 1702-1706 และ 1716-1723 เขารับหน้าที่เป็นนักออร์แกนที่อาสนวิหาร Clermont-Ferrand; ในปี 1706-1716 เขาทำงานในปารีสและลียง ตั้งแต่ปี 1723 จนถึงวาระสุดท้าย Rameau อาศัยอยู่ในปารีส โดยทำหน้าที่เป็นนักเล่นออร์แกนที่วิทยาลัยนิกายเยซูอิตและในโบสถ์ Saint-Croix de la Bretonrie (จนถึงปี 1740) เขาเขียนบทให้กับโรงละครในปารีส แต่งเพลงศักดิ์สิทธิ์และเพลงฆราวาส และตั้งแต่ปี 1745 ก็กลายเป็นนักแต่งเพลงในราชสำนัก

Rameau เป็นผู้แต่งผลงานฮาร์ปซิคอร์ดสามชุด (1706, 1724, 1727) และคอนเสิร์ตห้าครั้งสำหรับฮาร์ปซิคอร์ด ไวโอลิน และวิโอลาดากัมบา (1741) ในบรรดาสิ่งเหล่านั้นที่มีชื่อเสียงที่สุดคือ "แทมบูรีน", "ไก่", "โดฟีน", "ค้อน", "เสียงเรียกนก" ดนตรีฮาร์ปซิคอร์ดของ Rameau มีเอกลักษณ์เฉพาะด้วยสัมผัสที่สำคัญ ซึ่งตรงกันข้ามกับประเพณีของประเภทแชมเบอร์ เขาไม่มีแนวโน้มที่จะมีรายละเอียดปลีกย่อย ดนตรีของเขาโดดเด่นด้วยลักษณะที่สดใส และใครๆ ก็สัมผัสได้ถึงลายมือของนักแต่งเพลงที่เกิดในนั้น ชิ้นฮาร์ปซิคอร์ดของ Rameau เป็นสถานที่สำหรับการทดลองในด้านความกลมกลืน จังหวะ และเนื้อสัมผัส ตัวอย่างเช่น ชิ้น "Savages" และ "Cyclopes" เป็นผลงานที่สร้างสรรค์อย่างผิดปกติในแง่ของการพัฒนาระดับโทนเสียง และชิ้น "Enharmonic" เป็นหนึ่งในตัวอย่างแรกๆ ของการปรับเอนฮาร์โมนิกที่รู้จักในประวัติศาสตร์ดนตรี

หากงานของ Couperin คือจุดสุดยอดของโรงเรียนฮาร์ปซิคอร์ดของฝรั่งเศส Rameau ก็กลายเป็นจุดสุดยอด มรดกของเขาในประเภทนี้ประกอบด้วยบทละครเพียงหกสิบสองบทในหลาย ๆ ด้านซึ่งชวนให้นึกถึงรุ่นก่อนของเขา: ภาพบทกวีเดียวกัน - "Cheeping Birds", "การร้องเรียนที่อ่อนโยน", "The Venetian" (ภาพดนตรี), "การสนทนาของ Muses ”; รูปแบบสองส่วนที่เหมือนกัน รูปแบบเล็ก ๆ rondo และเสียงสองหรือสามเสียงตามปกติ และลูกไม้ของเมลิสมาส แต่ผลงานฮาร์ปซิคอร์ดของ Rameau นั้นแตกต่างไปจากมรดกของ Couperon หลายประการ François Couperin เป็นนักแต่งเพลงที่คิดเกี่ยวกับภาพฮาร์ปซิคอร์ดเป็นหลัก ในขณะเดียวกัน ในช่วงทศวรรษที่ 1930 ละครเพลงก็กลายเป็นองค์ประกอบของ Rameau บทละครฮาร์ปซิคอร์ดของเขามีกลิ่นอายของการแสดงละคร ("Cyclopes", "Savages", "Egyptian", "Tambourine", "The Simpletons of Solon") Gigues และ minuets จากชุดที่สองซึ่งเรียบเรียงโดยผู้เขียนรวมอยู่ในคะแนนของ Castor และ Pollux และ Margaret of Navarre กลองจากชุดเดียวกันถูกเล่นซ้ำในเพลงของบัลเล่ต์ "The Celebrations of Hebe" "The Solonsk simpletons" ปรากฏในองก์ที่สามของ Dardanius

ชุดฮาร์ปซิคอร์ดของ Rameau เป็นสิ่งที่แตกต่างในเชิงคุณภาพจากคำสั่งของ François Couperin ออร์เดรแบบเดิมซึ่งสามารถขยายออกไปได้อย่างไม่มีกำหนด ถูกปิดไว้เป็นวงกลมที่มีรูปย่อส่วนเล็กๆ ล้อมรอบชิ้นเหรียญที่อยู่ตรงกลาง ซึ่งมีความสำคัญเป็นรูปเป็นร่างมากที่สุด กว้าง เต็มไปด้วยเนื้อสัมผัส องค์ประกอบ การพัฒนา และใจความสำคัญ (บางครั้งราโมเขียนไว้ใน กุญแจอันเดียวกันยังสว่างกว่า "เหรียญตรา" ที่บังแดดด้วยซ้ำ Rameau ยังค้นหาและค้นหาองค์ประกอบที่เป็นเอกภาพของวงจร แกนกลางของวัฏจักร และสร้างความสมมาตร

ใจความของ Rameau - เป็นครั้งแรกในประวัติศาสตร์ดนตรีฝรั่งเศส - โดดเด่นด้วยความแตกต่างภายในที่น่าประทับใจ รูปภาพของเขาแสดงให้เห็นถึงความใกล้ชิดและการตอบสนองต่อปรากฏการณ์ในชีวิตจริงของผู้คนอย่างมาก การพัฒนาเฉพาะเรื่องของเขามีความหลากหลายและสมบูรณ์มากกว่านักดนตรีชาวฝรั่งเศสคนอื่นๆ ในช่วงต้นและกลางศตวรรษที่ 18 มันคือ Rameau ร่วมกับ Couperin ซึ่งเป็นหนึ่งในผู้ก่อตั้งโซนาตาฝรั่งเศสและแม้แต่ rondo sonata ("Cyclopes" จากห้องชุดใน d minor) สิ่งใหม่ที่เป็นลักษณะเฉพาะของ Rameau และมีเพียงเขาเท่านั้นคือความสัมพันธ์เฉพาะเรื่องที่ตัดกันที่เขาค้นพบเป็นครั้งแรก อย่างน้อยในฝรั่งเศส ในรูปแบบโซนาตา ในที่สุด พื้นผิวของ Rameau ซึ่งห่างไกลจากความสง่างามของอัญมณีของพื้นผิวของ Couperin นั้น มีความคล้ายคลึงกับฮาร์ปซิคอร์ดน้อยกว่ามาก และมุ่งไปที่ความดังของเสียง ไดนามิก และระยะของเปียโน การใช้นิ้วของ Rameau ยังเรียกร้องให้มีเปียโนแห่งอนาคต เทคนิคการใช้คีย์บอร์ดที่เกือบกระทบจังหวะและการวางมือของเขาซึ่งเกี่ยวข้องกับการปรับปรุงเทคนิคการวางนิ้วหัวแม่มือและการใช้งานบนคีย์สีดำ สมุดบันทึกชิ้นที่สองของฮาร์ปซิคอร์ดมี “วิธีการใหม่ของกลศาสตร์นิ้ว” ที่นี่ Rameau ปรากฏว่าเป็นผู้เชี่ยวชาญในมุมมองกลไกของศิลปะการเล่นฮาร์ปซิคอร์ดอย่างแท้จริง เคล็ดลับของความเก่งอยู่ที่กลไกของนิ้ว การพัฒนาและปรับปรุงผ่านการออกกำลังกายระบบกล้ามเนื้อเป็นหนทางสู่ศิลปะอย่างแท้จริงเท่านั้น สิ่งนี้ช่างห่างไกลจากหลักการของ Couperin ซึ่งเป็นอุดมคติของเขาในเรื่องการเล่นที่เบาและต่อเนื่อง ลื่นไหล และไม่สามารถขยับได้

Rameau ระบุถึงลักษณะประเภทของคอนเสิร์ตได้แม่นยำยิ่งขึ้น โดยเน้นความแตกต่างทั้งจาก "Concerts royaux" ของ Couperon และจากคอนเสิร์ตของโรงเรียนภาษาอิตาลี (Corelli, Vivaldi, Tartini): " Pieces de clavecin en concert" (“ Pieces for a ฮาร์ปซิคอร์ดคอนเสิร์ต”) ชื่อนี้บ่งบอกถึงองค์ประกอบของวงดนตรีที่แสดงผลงาน: ฮาร์ปซิคอร์ด 3 ตัว ไวโอลิน และฟลุต (ไวโอลินตัวที่สอง หรือไวโอลินตัวที่สอง หรือวิโอลา) นวัตกรรมคือบทบาทของฮาร์ปซิคอร์ด ซึ่งปรากฏ ณ ที่นี้ไม่ใช่ในฐานะนักดนตรีเบสโซต่อเนื่องหรือเสียงโพลีโฟนิกที่ตรงกันข้าม แต่เป็นเครื่องดนตรีเดี่ยวที่มีท่อนคอนแชร์โตอัจฉริยะที่ได้รับการพัฒนาอย่างกว้างขวาง คล้ายกับที่ I.S. บาคในคอนแชร์โตบรันเดนบูร์กครั้งที่ 5 และโซนาตาหกตัวสำหรับนักเป่าขลุ่ยและไวโอลิน ในแง่ของเนื้อหาที่เป็นรูปเป็นร่าง เนื้อหาใจความ และท่าทาง "คอนเสิร์ต" ประกอบด้วยการเต้นรำแบบแอร์เป็นหลัก โดดเด่นด้วยท่วงทำนองที่ร้องได้เป็นพิเศษ การแต่งเพลงที่นุ่มนวลในการแสดงออก และส่วนใหญ่คือเสียงแชมเบอร์ที่พอประมาณ การแสดงคอนเสิร์ตบริโอไม่ใช่เรื่องปกติสำหรับการแสดงเหล่านี้ “คุณภาพของคอนเสิร์ต” น่าจะเป็นผลมาจากกิจกรรมของเสียงเครื่องดนตรีทั้งหมดที่มีส่วนร่วมในการพัฒนาเนื้อหาเฉพาะเรื่องที่กลมกลืนและละเอียดอ่อน ถ้าเราตีความละครทั้งชุดเป็นวัฏจักรขนาดใหญ่หนึ่งรอบ ดังนั้นสิ่งที่เรามีอยู่ตรงหน้าเราไม่ใช่คำสั่งของ Couperin แต่เป็นชุดของ Rameau ที่มีลักษณะสถาปัตยกรรมแบบสมมาตรที่มีลักษณะเฉพาะ โดยทั่วไปแล้ว "คอนเสิร์ต" ของ Rameau มีลักษณะคล้ายคอนเสิร์ตน้อยที่สุด นอกจากนี้ยังเป็นห้องที่ใกล้ชิดและใกล้ชิดที่สุดในบรรดาผลงานสร้างสรรค์ทั้งหมดของเขา

มรดกของ Rameau ยังประกอบด้วยหนังสือหลายสิบเล่มและบทความเกี่ยวกับดนตรีและทฤษฎีอะคูสติกจำนวนหนึ่ง บทความเชิงนวัตกรรมเกี่ยวกับความสามัคคี (1722) ซึ่งทำให้เขามีชื่อเสียงในฐานะนักทฤษฎีดนตรีรายใหญ่ โมเท็ตหลายอันและแคนตาตาเดี่ยว ผลงานละครเวที 29 เรื่อง ได้แก่ โอเปร่า บัลเลต์โอเปร่า และงานอภิบาล ปัจจุบันการเล่นคีย์บอร์ดของเขามีชื่อเสียงมากที่สุด แต่กิจกรรมหลักของผู้แต่งคือโอเปร่า Rameau สร้างสไตล์โอเปร่าใหม่ผลงานชิ้นเอกซึ่งเป็นโศกนาฏกรรมโคลงสั้น ๆ ของเขา "Hippolytus and Arisia" (1733), "Castor and Pollux" (1737) โอเปร่า-บัลเล่ต์ “The Gallants of India” ได้รับการยอมรับว่าเป็นจุดสุดยอดของความคิดสร้างสรรค์ทางดนตรีและละครเวทีของ Rameau ประเภทของโอเปร่าของ Rameau คือภาษาฝรั่งเศส ไม่ใช่ภาษาอิตาลี การพัฒนาทางดนตรีจะไม่หยุดชะงัก การเปลี่ยนจากจำนวนเสียงร้องไปเป็นบทบรรยายจะราบรื่น ในละครโอเปร่าของ Rameau ความสามารถในการร้องไม่ได้เป็นศูนย์กลาง พวกเขามีการแสดงสลับฉากของวงออเคสตรามากมาย และให้ความสนใจอย่างมากกับส่วนของวงออเคสตรา การขับร้องประสานเสียงและฉากบัลเล่ต์แบบขยายก็เป็นสิ่งจำเป็นเช่นกัน ทำนองของ Rameau เป็นไปตามข้อความตลอดเวลา โดยหลักการแล้วเส้นเสียงในโอเปร่าของเขาใกล้เคียงกับการบรรยายมากกว่าคานติเลนา วิธีการแสดงออกหลักไม่ใช่ทำนอง แต่เป็นการใช้ความสามัคคีที่เข้มข้นและแสดงออก - นี่คือความคิดริเริ่มของสไตล์โอเปร่าของ Rameau

หลังจากการเสียชีวิตของ Rameau มรดกของเขาถูกบดบังมานานด้วยชื่อเสียงของ Gluck ในฐานะนักปฏิรูปละครเวทีโอเปร่า ตลอดศตวรรษที่ 19 Rameau ถูกลืมและแทบจะไม่ได้แสดงเลย (แม้ว่าดนตรีของเขาจะได้รับการศึกษาอย่างรอบคอบโดย Hector Berlioz และ Richard Wagner) เฉพาะช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ XIX-XX เท่านั้น ความสำคัญของ Rameau และดนตรีของเขาเริ่มเพิ่มมากขึ้น ปัจจุบันเขาได้รับการยอมรับว่าเป็นนักแต่งเพลงชาวฝรั่งเศสรายใหญ่ที่สุด ซึ่งเป็นบุคคลที่โดดเด่นที่สุดในยุคละครเพลงระหว่าง François Couperin และ Hector Berlioz

บทสรุป

ศตวรรษที่ 17 และต้นศตวรรษที่ 18 เป็นช่วงเวลาที่สำคัญและยอดเยี่ยมช่วงหนึ่งในประวัติศาสตร์ดนตรีฝรั่งเศส การพัฒนาศิลปะดนตรีตลอดระยะเวลาที่เกี่ยวข้องกับ "ระบอบเก่า" กำลังกลายเป็นเรื่องในอดีต ยุคของหลุยส์คนสุดท้าย ยุคของศิลปะคลาสสิกและโรโกโกกำลังจะสิ้นสุดลง รุ่งอรุณแห่งการตรัสรู้ก็สว่างขึ้น ในด้านหนึ่ง สไตล์ถูกแบ่งเขต; อีกด้านหนึ่งก็ซ้อนกันและรวมเข้าด้วยกัน ลักษณะของน้ำเสียงและโครงสร้างเป็นรูปเป็นร่างของดนตรีฝรั่งเศสมีการเปลี่ยนแปลงและหลากหลาย แต่กระแสนำที่ดำเนินไปในทิศทางของการปฏิวัติที่กำลังจะเกิดขึ้น กลับปรากฏชัดเจนอย่างไม่หยุดยั้ง "Gallant India" ของ Rameau ไม่มีอะไรมากไปกว่า "ดนตรีเสริม" ของ "Bougainville's Voyage" และเพลง "Old Seigneurs" ของ Couperin ก็ได้เต้น sarabande ของพวกเขาภายใต้คติประจำใจของ Ronsard: "ทุกสิ่งผ่านไปและทุกสิ่งจากไป ไม่มีวันหวนกลับ!" พลบค่ำกำลังรวมตัวกันที่ Bourbon France อำนาจของชนชั้นสูงที่ตกสู่ดินแดน สิทธิพิเศษทางชนชั้น รัฐและกฎหมายของมันก็สั่นคลอนอย่างเห็นได้ชัด ต่อต้านความก้าวหน้าทางความคิดและการกระทำของกองกำลังที่ก้าวหน้าและปฏิวัติและบุคคลที่เป็นตัวแทนของกองกำลังเหล่านี้อย่างชัดเจนที่สุด ความจริงสร้างความประทับใจอย่างมาก แต่ความรู้และการเผยแพร่ของความจริงนั้นวัดผลได้น้อยและรุนแรงจากพระราชอำนาจและสถาบันต่างๆ ของความจริง รุสโซถูกเนรเทศ วอลแตร์รู้ถึงความน่าสะพรึงกลัวของบาสตีย์ เฮลเวติอุสถูกบังคับให้ตีพิมพ์ในต่างประเทศ ลัทธิวัตถุนิยมครอบงำจิตใจที่ก้าวหน้าของสังคม แต่วิทยาศาสตร์ยังห่างไกลจากความเจริญรุ่งเรืองมากนัก เพราะมันรู้สึกถึงความรุนแรงของการลงโทษของรัฐและคริสตจักร นิกายโรมันคาทอลิกไม่ได้อยู่ใน "เศษซาก" แต่เป็นพลังทางอุดมการณ์ที่มีอิทธิพลและปฏิกิริยาโต้ตอบ แม้แต่นักปฏิวัติที่โดดเด่นก็ยังหนีไม่พ้นอิทธิพลของมัน: Robespierre, Saint-Just, Couthon เป็นผู้ไม่เชื่อ, ประณามลัทธิวัตถุนิยมและรูปปั้นครึ่งตัวของ Helvetius ก็ถูกโค่นล้มและแตกหักในที่สาธารณะในการประชุมของสโมสร Jacobin ซึ่งนำเสนอเป็นของขวัญจาก ภรรยาของหลุยส์ เดวิด

นักแต่งเพลงและนักแต่งเพลง จิตรกรและนักแสดงละคร นักฮาร์ปซิคอร์ด และกวีบทกวี - ทุกคนรู้สึกถึงพายุที่กำลังใกล้เข้ามา แยกตัวออกจากกัน และสิ่งที่ดีที่สุดในหมู่พวกเขาพบความกล้าหาญ มโนธรรม และความเข้มแข็งที่จะเผยให้เห็นแผลที่อ้าปากค้างของ "ระเบียบเก่า" และยินดีต้อนรับการมา การปฎิวัติ. "The Tricks of Scapin" ของ Molière, นิทานของ La Fontaine และ "Epitaph for a Lazy Man", B minor passacaglia ของ Couperin, "Alarm" ของ Gautier และ "Tomb" ของ Leclerc พร้อมด้วย "สัญญาทางสังคม" และ "Confession" ของ Rousseau พร้อมภาพวาดโดย Watteau และ David - นี่คืองานศิลปะที่ไม่เพียงบันทึกโศกนาฏกรรมของการสิ้นพระชนม์ของราชวงศ์ฝรั่งเศสเท่านั้น แต่ยังรวมถึงรุ่งอรุณของยุคใหม่ด้วย หากไม่มี François Couperin ก็จะไม่มี Johann Sebastian หรือ Bach หากไม่มีราโมก็จะไม่มีกลัค โมสาร์ท และเบโธเฟน

โรงเรียนนักเล่นฮาร์ปซิคอร์ดแห่งฝรั่งเศสมีความโดดเด่นในด้านความสมบูรณ์ของรูปแบบใหม่ ความแม่นยำในการเขียน และความสม่ำเสมอของวิวัฒนาการ ดนตรีของนักฮาร์ปซิคอร์ดมีต้นกำเนิดและมีจุดมุ่งหมายเพื่อสภาพแวดล้อมของชนชั้นสูง มันสอดคล้องกับจิตวิญญาณของวัฒนธรรมชนชั้นสูง ดังนั้นความสง่างามภายนอกในการออกแบบวัสดุเฉพาะเรื่อง การตกแต่งที่อุดมสมบูรณ์ ซึ่งแสดงถึงองค์ประกอบที่มีลักษณะเฉพาะที่สุดของสไตล์ชนชั้นสูง การตกแต่งที่หลากหลายแยกไม่ออกจากงานฮาร์ปซิคอร์ดจนถึงเบโธเฟนยุคแรกๆ ในดนตรี ความซับซ้อนที่สง่างาม ความประณีต ความเบา และไหวพริบเป็นสิ่งที่มีคุณค่า ในขณะเดียวกันก็นิยมเล่นละครขนาดเล็ก - แบบย่อส่วน นักฮาร์ปซิคอร์ดชาวฝรั่งเศสไม่ค่อยหันไปใช้รูปแบบขนาดใหญ่และวงจรการเปลี่ยนแปลง - พวกเขามุ่งไปที่ห้องชุดที่ประกอบด้วยการเต้นรำและรายการย่อส่วน

ห้องสวีทของนักฮาร์ปซิคอร์ดชาวฝรั่งเศสตรงกันข้ามกับห้องสวีทของเยอรมันที่ประกอบด้วยการเต้นรำโดยเฉพาะ ถูกสร้างขึ้นอย่างอิสระมากขึ้น พวกเขาไม่ค่อยพึ่งพาลำดับที่เข้มงวดของ alemande - courante - sarabande - gigue การเรียบเรียงอาจเป็นอะไรก็ได้ บางครั้งก็คาดไม่ถึง และบทละครส่วนใหญ่มีชื่อบทกวีที่เผยให้เห็นความตั้งใจของผู้แต่ง

บรรณานุกรม

1. http://ru. wikipedia.org/wiki/Harpsichord

2. http://ru. wikipedia.org/wiki/François_Couperin

3. http://ru. wikipedia.org/wiki/Jean-Philippe_Ramo

4. http://musike.ru/index php? รหัส=4

5. T. Livanova “ ประวัติศาสตร์ดนตรียุโรปตะวันตกจนถึงปี 1789: หนังสือเรียน” ใน 2 เล่ม ต.1 ม. ดนตรี พ.ศ. 2526

6. http://www.clasmusic.ru/index php/Zhak-Champion-de-Chambonyer.html

7. http://ru. wikipedia.org/wiki/%D8%E0%EC%E1%EE%ED%FC%E5%F0,_%C6%E0%EA

8. http://ru. wikipedia.org/wiki/คูเปริน,_หลุยส์

9. สารานุกรมดนตรี. - ม.: สารานุกรมโซเวียต, นักแต่งเพลงชาวโซเวียต เอ็ด ยู.วี. เคลดิช. พ.ศ. 2516-2525.

10. พจนานุกรมชีวประวัติโดยย่อของนักแต่งเพลงชาวต่างประเทศ เรียบเรียงโดย M.Yu. Mirkin, M.: นักแต่งเพลงชาวโซเวียต, 1968

11. Druskin M., ดนตรีคีย์บอร์ด, L., I960

12. http://www.tonnel.ru/? l=gzl&uid=800

13. http://www.classic-music.ru/couperin.html

14. http://belcanto.ru/couperin.html

15. http://ru. wikipedia.org/wiki/Ramo,_Jean-Philippe

16. ไบรอันต์เซวา วี.เอ็น. Jean Philippe Rameau และละครเพลงฝรั่งเศส ม., 1981

เอกสารที่คล้ายกัน

ข้อกำหนดเบื้องต้นสำหรับการเฟื่องฟูของดนตรีของนักฮาร์ปซิคอร์ดชาวฝรั่งเศส เครื่องดนตรีคีย์บอร์ดของศตวรรษที่ 18 คุณสมบัติของสไตล์โรโคโคในดนตรีและความคิดสร้างสรรค์ในรูปแบบอื่น ๆ ภาพดนตรีของนักฮาร์ปซิคอร์ดชาวฝรั่งเศส ดนตรีฮาร์ปซิคอร์ดโดย J.F. ราโม และ เอฟ. คูเปริน

งานหลักสูตรเพิ่มเมื่อ 06/12/2555


ลักษณะทั่วไปของการแสดง คำจำกัดความของดนตรีบนคีย์บอร์ดภาษาฝรั่งเศส เมโทรริธึม เมลิสเมติกส์ ไดนามิกส์ ข้อมูลเฉพาะของ การแสดงดนตรีจากคีย์บอร์ดภาษาฝรั่งเศสบนหีบเพลง การเปล่งเสียง กลศาสตร์และน้ำเสียง เทคนิคเมลิสมา

บทคัดย่อเพิ่มเมื่อ 02/08/2011


แนวคิดและประวัติความเป็นมาของดนตรี ขั้นตอนการพัฒนา ประเภทและสไตล์ของดนตรี ทฤษฎี "ภาษาศาสตร์" ต้นกำเนิดของดนตรี การก่อตัวของโรงเรียนนักแต่งเพลงชาวรัสเซีย ความสัมพันธ์ระหว่างนักดนตรีกับรัฐในสมัยโซเวียต การพัฒนาดนตรีในรัสเซีย

บทคัดย่อเพิ่มเมื่อ 21/09/2010


ความเป็นมาของดนตรีแนวร้อง การสร้างดนตรีระดับใหม่ สาระสำคัญของการแนะนำโอเปร่า ผสมผสานคำสอนของยุโรปเกี่ยวกับดนตรีเข้ากับจังหวะแอฟริกัน ทิศทางหลักของดนตรีแจ๊ส การใช้เครื่องมืออิเล็กทรอนิกส์ ความยากลำบากในการกำหนดสไตล์ดนตรี

บทคัดย่อเพิ่มเมื่อ 04/08/2014


โรงเรียนนักแต่งเพลงชาวรัสเซีย "คัดลอก" จาก Vivaldi โดย Bortnyansky มิคาอิล กลินกา ผู้ก่อตั้งดนตรีอาชีพชาวรัสเซีย อุทธรณ์ไปยังต้นกำเนิดของคนนอกรีตของ Igor Stravinsky อิทธิพลของดนตรีของ Dmitri Shostakovich ผลงานของเฟรเดริก โชแปง

บทคัดย่อ เพิ่มเมื่อ 11/07/2009


รากฐานทางทฤษฎีสำหรับการจัดองค์กรในการพัฒนารสนิยมทางดนตรีในนักเรียนชั้นประถมศึกษา มุมมองของนักวิทยาศาสตร์เกี่ยวกับปัญหาการพัฒนารสนิยมทางดนตรี ความคิดริเริ่มของสไตล์ดนตรีและทิศทาง ประวัติความเป็นมาของดนตรีเทคโน หลักสูตรระยะสั้นด้านดนตรีเฮาส์

วิทยานิพนธ์เพิ่มเมื่อ 21/04/2548


นักแต่งเพลงชาวต่างประเทศและรัสเซีย อิทธิพลของดนตรีที่มีต่อบุคคล อิทธิพลของดนตรีเยาวชนสมัยใหม่ต่อเยาวชน ต่อสภาวะทางอารมณ์ ร่างกาย และจิตวิญญาณ จะเกิดอะไรขึ้นในบริเวณที่มีการแตกของโรคจิตเภท เทรนด์วัยรุ่นยุคใหม่

ทดสอบเพิ่มเมื่อ 01/04/2014


ศิลปะที่สะท้อนความเป็นจริงในภาพศิลปะเสียง ความสัมพันธ์ระหว่างดนตรีและอายุ การกำหนดความสัมพันธ์ระหว่างตัวละครและดนตรี แนวเพลงหลัก ความเก่งกาจของดนตรีและความสำคัญของดนตรีในชีวิตมนุษย์ยุคใหม่

การนำเสนอเพิ่มเมื่อ 16/03/2017


ลักษณะอายุของเด็กวัยก่อนเรียนระดับสูงจากมุมมองของลักษณะการรับรู้และความเข้าใจทางดนตรีของพวกเขา วิธีการและเทคนิคที่ส่งเสริมการพัฒนาความสามารถของเด็กก่อนวัยเรียนในการฟังเพลง องค์ประกอบโครงสร้างของการรับรู้ทางดนตรี

งานหลักสูตร เพิ่มเมื่อ 28/04/2013


ดนตรีตาตาร์เป็นศิลปะพื้นบ้าน ส่วนใหญ่เป็นศิลปะการร้อง แสดงด้วยเพลงเสียงเดี่ยวของประเพณีปากเปล่า พื้นฐานกิริยาและขนาดของดนตรีพื้นบ้านตาตาร์ นักแต่งเพลงของภูมิภาคระดับการใช้งาน ผลงานของนักแต่งเพลง Chuganaev ในการพัฒนาเพลงพื้นบ้าน

ผู้ร่วมสมัยของ F. Couperin คือนักแต่งเพลงและนักฮาร์ปซิคอร์ดชาวฝรั่งเศส Louis Marchand (1669-1732), G. Le Roux (1660-1717), J.F. แดนดริเยอ (1682-1738) และคนอื่นๆ งานศิลปะของพวกเขาพัฒนาไปในทิศทางเดียวกันกับโรงเรียนสร้างสรรค์โดยเน้นการแสดงละครขนาดเล็ก โดยมีความสนใจในการเต้นรำแบบดั้งเดิมและแบบใหม่ และถึงแม้ว่าพวกเขาแต่ละคนจะมีความสำเร็จเป็นของตัวเองไปพร้อมกัน แต่งานของ Couperin ก็แสดงเวลาด้วยความสมบูรณ์ที่ยิ่งใหญ่ที่สุดอย่างไม่ต้องสงสัยซึ่งมีให้สำหรับฮาร์ปซิคอร์ดในการหักเหของฝรั่งเศสโดยเฉพาะ

Dandrieu, d "Andrieu) Jean Francois (1682, ปารีส - 17 I 1738, อ้างแล้ว) - ภาษาฝรั่งเศส นักฮาร์ปซิคอร์ด นักออร์แกน และนักแต่งเพลง น่าจะเป็นนักเรียนของเจ.บี. โมโร เขาทำหน้าที่เป็นนักออร์แกนในโบสถ์ Saint-Merri และ Saint-Barthélemy ในปารีส และตั้งแต่ปี 1721 ก็อยู่ในเขตตำบลด้วย โบสถ์ ในบรรดาผลงานของ D.: "Book of Trio Sonatas" (1705), 3 คอลเลกชันชิ้นส่วนสำหรับฮาร์ปซิคอร์ด (1724, 1728 และ 1734), "Book of Pieces for Organ" (ed. 1739), 2 คอลเลกชันของ trio sonatas และ โซนาตาสำหรับไวโอลินกับ Basso continuo ข้อเสนอ ฯลฯ เขียนว่า "Manual of Accompaniment on the Harpsichord" (1716)

Daquin (Daquin, d "Aquin) Louis Claude (4 VII 1694, ปารีส - 15 VI 1772, อ้างแล้ว) - ภาษาฝรั่งเศส นักแต่งเพลง นักออร์แกน นักฮาร์ปซิคอร์ด ผู้สืบทอดของ F. Rabelais เขาแสดงความคิดของเขาตั้งแต่เนิ่นๆ พรสวรรค์ (ตอนอายุ 6 ขวบเขาเล่นฮาร์ปซิคอร์ดต่อหน้าพระเจ้าหลุยส์ที่ 14) เขาเรียนร่วมกับ N. Vernier (ผู้แต่งเพลง) และ Louis Marchand (ออร์แกนและฮาร์ปซิคอร์ด) ตั้งแต่อายุ 12 ปี นักออร์แกนของโบสถ์ Petit Saint-Antoine ตั้งแต่ปี ค.ศ. 1715 คริสตจักรก็รับใช้ นักออร์แกน หลังจากการแข่งขันเล่นออร์แกนในโบสถ์เซนต์ปอลในปี ค.ศ. 1727 โดยเอาชนะเจ.เอฟ. ราโมได้รับตำแหน่งออร์แกนของโบสถ์แห่งนี้ จากปี 1739 นักออร์แกนของ Royal Chapel จากปี 1755 - ของมหาวิหาร Notre Dame ในปารีส ผลงานของ Daken เขียนในสไตล์ Rococo เป็นหลัก โดยมีคุณลักษณะโดยธรรมชาติของสไตล์ความกล้าหาญอันประณีตและการตกแต่งมากมาย สิ่งสำคัญในดนตรีของเขาคือความหมายของทำนอง ผลงานที่ดีที่สุดของเขามีความโดดเด่นด้วยประเภทที่เป็นรูปเป็นร่างและจิตวิทยาเชิงโคลงสั้น ๆ Daken เป็นผู้แต่งผลงานสำหรับฮาร์ปซิคอร์ด (คอลเลกชันที่ 1 - "Premier livre de pièces de clavecin", 1735 - รวมถึง "Cuckoo" ขนาดเล็กที่มีชื่อเสียงซึ่งเก็บรักษาไว้ในละครของนักเปียโนสมัยใหม่), เพลงคริสต์มาสสำหรับออร์แกนและฮาร์ปซิคอร์ด (1757 ) ซึ่งเขาปลูกฝังเทคนิคของการแปรผันเป็นรูปเป็นร่าง การเขียนแบบโฮโมโฟนิกที่โปร่งใส รวมถึงการเปลี่ยนสีธีมของเสียง เขียนบทเพลง (ตีพิมพ์เฉพาะ "Rose", 1762); ต้นฉบับประกอบด้วยบทเพลงที่มีวงซิมโฟนีออร์เคสตรา "Circe" ตามคำพูดของ J.J. Rousseau, motets, ความหลากหลาย, fugues และ trios, 2 มวลชน, Te Deum และผลงานอื่นๆ อีกมากมายในประเภทต่างๆ

Jean-Philippe Rameau (ฝรั่งเศส: Jean-Philippe Rameau; 25/09/1683, Dijon - 12/09/1764, ปารีส)

Jean-Philippe Ramaume เป็นนักแต่งเพลงและนักทฤษฎีดนตรีชาวฝรั่งเศสในยุคบาโรก ลูกชายของออแกนิก เขาเรียนที่โรงเรียนเยสุอิต เมื่ออายุ 18 ปี พ่อของเขาส่งเขาไปอิตาลีเพื่อพัฒนาการศึกษาด้านดนตรีในมิลาน เมื่อกลับมาเขาแสดงเป็นนักไวโอลินในวงออเคสตรามงต์เปลลิเยร์ ในปี 1702-1706 และ 1716-1723 เขารับหน้าที่เป็นนักออร์แกนที่อาสนวิหาร Clermont-Ferrand; ในปี 1706-1716 เขาทำงานในปารีสและลียง ตั้งแต่ปี 1723 จนถึงวาระสุดท้าย Rameau อาศัยอยู่ในปารีส โดยทำหน้าที่เป็นนักเล่นออร์แกนที่วิทยาลัยนิกายเยซูอิตและในโบสถ์ Saint-Croix de la Bretonrie (จนถึงปี 1740) เขาเขียนบทให้กับโรงละครในปารีส แต่งเพลงศักดิ์สิทธิ์และเพลงฆราวาส และตั้งแต่ปี 1745 ก็กลายเป็นนักแต่งเพลงในราชสำนัก

Rameau เป็นผู้แต่งผลงานฮาร์ปซิคอร์ดสามชุด (1706, 1724, 1727) และคอนเสิร์ตห้าครั้งสำหรับฮาร์ปซิคอร์ด ไวโอลิน และวิโอลาดากัมบา (1741) ในบรรดาสิ่งเหล่านั้นที่มีชื่อเสียงที่สุดคือ "แทมบูรีน", "ไก่", "โดฟีน", "ค้อน", "เสียงเรียกนก" ดนตรีฮาร์ปซิคอร์ดของ Rameau มีเอกลักษณ์เฉพาะด้วยสัมผัสที่สำคัญ ซึ่งตรงกันข้ามกับประเพณีของประเภทแชมเบอร์ เขาไม่มีแนวโน้มที่จะมีรายละเอียดปลีกย่อย ดนตรีของเขาโดดเด่นด้วยลักษณะที่สดใส และใครๆ ก็สัมผัสได้ถึงลายมือของนักแต่งเพลงที่เกิดในนั้น ชิ้นฮาร์ปซิคอร์ดของ Rameau เป็นสถานที่สำหรับการทดลองในด้านความกลมกลืน จังหวะ และเนื้อสัมผัส ตัวอย่างเช่น ชิ้น "Savages" และ "Cyclopes" เป็นผลงานที่สร้างสรรค์อย่างผิดปกติในแง่ของการพัฒนาระดับโทนเสียง และชิ้น "Enharmonic" เป็นหนึ่งในตัวอย่างแรกๆ ของการปรับเอนฮาร์โมนิกที่รู้จักในประวัติศาสตร์ดนตรี

หากงานของ Couperin คือจุดสุดยอดของโรงเรียนฮาร์ปซิคอร์ดของฝรั่งเศส Rameau ก็กลายเป็นจุดสุดยอด มรดกของเขาในประเภทนี้ประกอบด้วยบทละครเพียงหกสิบสองบทในหลาย ๆ ด้านซึ่งชวนให้นึกถึงรุ่นก่อนของเขา: ภาพบทกวีเดียวกัน - "Cheeping Birds", "การร้องเรียนที่อ่อนโยน", "The Venetian" (ภาพดนตรี), "การสนทนาของ Muses ”; รูปแบบสองส่วนที่เหมือนกัน รูปแบบเล็ก ๆ rondo และเสียงสองหรือสามเสียงตามปกติ และลูกไม้ของเมลิสมาส แต่ผลงานฮาร์ปซิคอร์ดของ Rameau นั้นแตกต่างไปจากมรดกของ Couperon หลายประการ François Couperin เป็นนักแต่งเพลงที่คิดเกี่ยวกับภาพฮาร์ปซิคอร์ดเป็นหลัก ในขณะเดียวกัน ในช่วงทศวรรษที่ 1930 ละครเพลงก็กลายเป็นองค์ประกอบของ Rameau บทละครฮาร์ปซิคอร์ดของเขามีกลิ่นอายของการแสดงละคร ("Cyclopes", "Savages", "Egyptian", "Tambourine", "The Simpletons of Solon") Gigues และ minuets จากชุดที่สองซึ่งเรียบเรียงโดยผู้เขียนรวมอยู่ในคะแนนของ Castor และ Pollux และ Margaret of Navarre กลองจากชุดเดียวกันถูกเล่นซ้ำในเพลงของบัลเล่ต์ "The Celebrations of Hebe" "The Solonsk simpletons" ปรากฏในองก์ที่สามของ Dardanius

ชุดฮาร์ปซิคอร์ดของ Rameau เป็นสิ่งที่แตกต่างในเชิงคุณภาพจากคำสั่งของ François Couperin ออร์เดรแบบเดิมซึ่งสามารถขยายออกไปได้อย่างไม่มีกำหนด ถูกปิดไว้เป็นวงกลมที่มีรูปย่อส่วนเล็กๆ ล้อมรอบชิ้นเหรียญที่อยู่ตรงกลาง ซึ่งมีความสำคัญเป็นรูปเป็นร่างมากที่สุด กว้าง เต็มไปด้วยเนื้อสัมผัส องค์ประกอบ การพัฒนา และใจความสำคัญ (บางครั้งราโมเขียนไว้ใน กุญแจอันเดียวกันยังสว่างกว่า "เหรียญตรา" ที่บังแดดด้วยซ้ำ Rameau ยังค้นหาและค้นหาองค์ประกอบที่เป็นเอกภาพของวงจร แกนกลางของวัฏจักร และสร้างความสมมาตร

ใจความของ Rameau - เป็นครั้งแรกในประวัติศาสตร์ดนตรีฝรั่งเศส - โดดเด่นด้วยความแตกต่างภายในที่น่าประทับใจ รูปภาพของเขาแสดงให้เห็นถึงความใกล้ชิดและการตอบสนองต่อปรากฏการณ์ในชีวิตจริงของผู้คนอย่างมาก การพัฒนาเฉพาะเรื่องของเขามีความหลากหลายและสมบูรณ์มากกว่านักดนตรีชาวฝรั่งเศสคนอื่นๆ ในช่วงต้นและกลางศตวรรษที่ 18 มันคือ Rameau ร่วมกับ Couperin ซึ่งเป็นหนึ่งในผู้ก่อตั้งโซนาตาฝรั่งเศสและแม้แต่ rondo sonata ("Cyclopes" จากห้องชุดใน d minor) สิ่งใหม่ที่เป็นลักษณะเฉพาะของ Rameau และมีเพียงเขาเท่านั้นคือความสัมพันธ์เฉพาะเรื่องที่ตัดกันที่เขาค้นพบเป็นครั้งแรก อย่างน้อยในฝรั่งเศส ในรูปแบบโซนาตา ในที่สุด พื้นผิวของ Rameau ซึ่งห่างไกลจากความสง่างามของอัญมณีของพื้นผิวของ Couperin นั้น มีความคล้ายคลึงกับฮาร์ปซิคอร์ดน้อยกว่ามาก และมุ่งไปที่ความดังของเสียง ไดนามิก และระยะของเปียโน การใช้นิ้วของ Rameau ยังเรียกร้องให้มีเปียโนแห่งอนาคต เทคนิคการใช้คีย์บอร์ดที่เกือบกระทบจังหวะและการวางมือของเขาซึ่งเกี่ยวข้องกับการปรับปรุงเทคนิคการวางนิ้วหัวแม่มือและการใช้งานบนคีย์สีดำ สมุดบันทึกชิ้นที่สองของฮาร์ปซิคอร์ดมี “วิธีการใหม่ของกลศาสตร์นิ้ว” ที่นี่ Rameau ปรากฏว่าเป็นผู้เชี่ยวชาญในมุมมองกลไกของศิลปะการเล่นฮาร์ปซิคอร์ดอย่างแท้จริง เคล็ดลับของความเก่งอยู่ที่กลไกของนิ้ว การพัฒนาและปรับปรุงผ่านการออกกำลังกายระบบกล้ามเนื้อเป็นหนทางสู่ศิลปะอย่างแท้จริงเท่านั้น สิ่งนี้ช่างห่างไกลจากหลักการของ Couperin ซึ่งเป็นอุดมคติของเขาในเรื่องการเล่นที่เบาและต่อเนื่อง ลื่นไหล และไม่สามารถขยับได้

Rameau ระบุถึงลักษณะประเภทของคอนเสิร์ตได้แม่นยำยิ่งขึ้น โดยเน้นความแตกต่างทั้งจาก "Concerts royaux" ของ Couperon และจากคอนเสิร์ตของโรงเรียนภาษาอิตาลี (Corelli, Vivaldi, Tartini): " Pieces de clavecin en concert" (“ Pieces for a ฮาร์ปซิคอร์ดคอนเสิร์ต”) ชื่อนี้บ่งบอกถึงองค์ประกอบของวงดนตรีที่แสดงผลงาน: ฮาร์ปซิคอร์ด 3 ตัว ไวโอลิน และฟลุต (ไวโอลินตัวที่สอง หรือไวโอลินตัวที่สอง หรือวิโอลา) นวัตกรรมคือบทบาทของฮาร์ปซิคอร์ด ซึ่งปรากฏ ณ ที่นี้ไม่ใช่ในฐานะนักดนตรีเบสโซต่อเนื่องหรือเสียงโพลีโฟนิกที่ตรงกันข้าม แต่เป็นเครื่องดนตรีเดี่ยวที่มีท่อนคอนแชร์โตอัจฉริยะที่ได้รับการพัฒนาอย่างกว้างขวาง คล้ายกับที่ I.S. บาคในคอนแชร์โตบรันเดนบูร์กครั้งที่ 5 และโซนาตาหกตัวสำหรับนักเป่าขลุ่ยและไวโอลิน ในแง่ของเนื้อหาที่เป็นรูปเป็นร่าง เนื้อหาใจความ และท่าทาง "คอนเสิร์ต" ประกอบด้วยการเต้นรำแบบแอร์เป็นหลัก โดดเด่นด้วยท่วงทำนองที่ร้องได้เป็นพิเศษ การแต่งเพลงที่นุ่มนวลในการแสดงออก และส่วนใหญ่คือเสียงแชมเบอร์ที่พอประมาณ การแสดงคอนเสิร์ตบริโอไม่ใช่เรื่องปกติสำหรับการแสดงเหล่านี้ “คุณภาพของคอนเสิร์ต” น่าจะเป็นผลมาจากกิจกรรมของเสียงเครื่องดนตรีทั้งหมดที่มีส่วนร่วมในการพัฒนาเนื้อหาเฉพาะเรื่องที่กลมกลืนและละเอียดอ่อน ถ้าเราตีความละครทั้งชุดเป็นวัฏจักรขนาดใหญ่หนึ่งรอบ ดังนั้นสิ่งที่เรามีอยู่ตรงหน้าเราไม่ใช่คำสั่งของ Couperin แต่เป็นชุดของ Rameau ที่มีลักษณะสถาปัตยกรรมแบบสมมาตรที่มีลักษณะเฉพาะ โดยทั่วไปแล้ว "คอนเสิร์ต" ของ Rameau มีลักษณะคล้ายคอนเสิร์ตน้อยที่สุด นอกจากนี้ยังเป็นห้องที่ใกล้ชิดและใกล้ชิดที่สุดในบรรดาผลงานสร้างสรรค์ทั้งหมดของเขา

มรดกของ Rameau ยังประกอบด้วยหนังสือหลายสิบเล่มและบทความเกี่ยวกับดนตรีและทฤษฎีอะคูสติกจำนวนหนึ่ง บทความเชิงนวัตกรรมเกี่ยวกับความสามัคคี (1722) ซึ่งทำให้เขามีชื่อเสียงในฐานะนักทฤษฎีดนตรีรายใหญ่ โมเท็ตหลายอันและแคนตาตาเดี่ยว ผลงานละครเวที 29 เรื่อง ได้แก่ โอเปร่า บัลเลต์โอเปร่า และงานอภิบาล ปัจจุบันการเล่นคีย์บอร์ดของเขามีชื่อเสียงมากที่สุด แต่กิจกรรมหลักของผู้แต่งคือโอเปร่า Rameau สร้างสไตล์โอเปร่าใหม่ผลงานชิ้นเอกซึ่งเป็นโศกนาฏกรรมโคลงสั้น ๆ ของเขา "Hippolytus and Arisia" (1733), "Castor and Pollux" (1737) โอเปร่า-บัลเล่ต์ “The Gallants of India” ได้รับการยอมรับว่าเป็นจุดสุดยอดของความคิดสร้างสรรค์ทางดนตรีและละครเวทีของ Rameau ประเภทของโอเปร่าของ Rameau คือภาษาฝรั่งเศส ไม่ใช่ภาษาอิตาลี การพัฒนาทางดนตรีจะไม่หยุดชะงัก การเปลี่ยนจากจำนวนเสียงร้องไปเป็นบทบรรยายจะราบรื่น ในละครโอเปร่าของ Rameau ความสามารถในการร้องไม่ได้เป็นศูนย์กลาง พวกเขามีการแสดงสลับฉากของวงออเคสตรามากมาย และให้ความสนใจอย่างมากกับส่วนของวงออเคสตรา การขับร้องประสานเสียงและฉากบัลเล่ต์แบบขยายก็เป็นสิ่งจำเป็นเช่นกัน ทำนองของ Rameau เป็นไปตามข้อความตลอดเวลา โดยหลักการแล้วเส้นเสียงในโอเปร่าของเขาใกล้เคียงกับการบรรยายมากกว่าคานติเลนา วิธีการแสดงออกหลักไม่ใช่ทำนอง แต่เป็นการใช้ความสามัคคีที่เข้มข้นและแสดงออก - นี่คือความคิดริเริ่มของสไตล์โอเปร่าของ Rameau

หลังจากการเสียชีวิตของ Rameau มรดกของเขาถูกบดบังมานานด้วยชื่อเสียงของ Gluck ในฐานะนักปฏิรูปละครเวทีโอเปร่า ตลอดศตวรรษที่ 19 Rameau ถูกลืมและแทบจะไม่ได้แสดงเลย (แม้ว่าดนตรีของเขาจะได้รับการศึกษาอย่างรอบคอบโดย Hector Berlioz และ Richard Wagner) เฉพาะช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ XIX-XX เท่านั้น ความสำคัญของ Rameau และดนตรีของเขาเริ่มเพิ่มมากขึ้น ปัจจุบันเขาได้รับการยอมรับว่าเป็นนักแต่งเพลงชาวฝรั่งเศสรายใหญ่ที่สุด ซึ่งเป็นบุคคลที่โดดเด่นที่สุดในยุคละครเพลงระหว่าง François Couperin และ Hector Berlioz