การแนะนำ

ชะตากรรมของดนตรีอังกฤษกลายเป็นเรื่องที่ซับซ้อนและขัดแย้งกัน ตั้งแต่ศตวรรษที่ 15 จนถึงปลายศตวรรษที่ 17 ในช่วงเวลาแห่งการก่อตัวและความเจริญรุ่งเรืองของประเพณีดนตรีคลาสสิกของอังกฤษ การพัฒนาก็ดำเนินไปอย่างต่อเนื่อง กระบวนการนี้ดำเนินไปอย่างเข้มข้นเนื่องจากการพึ่งพาคติชนซึ่งกำหนดไว้เร็วกว่าสำนักแต่งเพลงอื่นๆ ตลอดจนเนื่องจากการก่อตัวและการอนุรักษ์แนวเพลงที่มีเอกลักษณ์เฉพาะตัวระดับชาติ (เพลงสรรเสริญพระบารมี หน้ากาก และละครกึ่งโอเปร่า) ดนตรีอังกฤษโบราณเป็นแรงกระตุ้นที่สำคัญต่อศิลปะยุโรป รวมทั้งพหูพจน์ หลักการพัฒนาเชิงอุปมาอุปไมยแบบแปรผัน และชุดออเคสตรา ในเวลาเดียวกัน เธอก็หักเหสิ่งเร้าที่มาจากภายนอกด้วยวิธีดั้งเดิม

ในศตวรรษที่ 17 มีเหตุการณ์ต่างๆ เกิดขึ้นซึ่งกระทบกระเทือนอย่างรุนแรงต่อวัฒนธรรมดนตรีอังกฤษ นี่คือประการแรกลัทธิเคร่งครัดซึ่งก่อตั้งขึ้นระหว่างการปฏิวัติในปี ค.ศ. 1640-1660 ด้วยความปรารถนาอันแรงกล้าที่จะยกเลิกคุณค่าทางจิตวิญญาณก่อนหน้านี้และประเภทและรูปแบบของวัฒนธรรมทางโลกโบราณและประการที่สองการฟื้นฟูสถาบันกษัตริย์ (1660) ซึ่งเปลี่ยนทิศทางวัฒนธรรมทั่วไปของประเทศไปอย่างมากเสริมสร้างอิทธิพลภายนอก (จากฝรั่งเศส)

น่าประหลาดใจที่ปรากฏการณ์ต่างๆ เกิดขึ้นพร้อมกับอาการที่เห็นได้ชัดของวิกฤต ซึ่งบ่งบอกถึงความเจริญรุ่งเรืองของศิลปะดนตรีที่สูงขึ้น ในช่วงเวลาที่ยากลำบากสำหรับดนตรีอังกฤษ Henry Purcell (1659-1695) ปรากฏตัวซึ่งผลงานของเขาถือเป็นความรุ่งเรืองของโรงเรียนนักแต่งเพลงแห่งชาติแม้ว่าพวกเขาจะไม่ส่งผลกระทบโดยตรงต่องานของคนรุ่นต่อ ๆ ไปก็ตาม George Frideric Handel (1685-1759) ซึ่งทำงานในอังกฤษ พร้อมด้วย oratorios ของเขาได้กำหนดความเป็นอันดับหนึ่งของประเพณีการร้องเพลงประสานเสียงในขอบเขตของแนวเพลงอังกฤษ ซึ่งส่งผลโดยตรงต่อการพัฒนาต่อไป ในช่วงเวลาเดียวกัน "The Beggar's Opera" โดย Gay และ Pepusch (1728) ซึ่งเป็นลักษณะเชิงล้อเลียนซึ่งเป็นพยานถึงการมาถึงของยุคแห่งจุดเปลี่ยนทางวัฒนธรรม ได้กลายเป็นบรรพบุรุษของตัวอย่างมากมายของโอเปร่าเพลงบัลลาด

มันเป็นหนึ่งในจุดสูงสุดของศิลปะการแสดงละครในอังกฤษและในขณะเดียวกันก็เป็นหลักฐานของการโค่นล้มศิลปะดนตรี - แม่นยำยิ่งขึ้นคือการเคลื่อนไหวของ "พลังงานที่สร้างวัฒนธรรม" (A. Schweitzer) - จากมืออาชีพไปจนถึงทรงกลมสมัครเล่น .

ประเพณีทางดนตรีประกอบด้วยปัจจัยหลายประการ เช่น การเรียบเรียง การแสดง และวิถีชีวิตทางดนตรี ภายใต้การควบคุมโดยแนวทางทางอุดมการณ์ สุนทรียศาสตร์ และศิลปะทั่วไป ปัจจัยเหล่านี้ไม่ได้ทำหน้าที่ในความสามัคคีที่ประสานกันเสมอไป บ่อยครั้ง ปฏิสัมพันธ์ของสิ่งเหล่านี้จะหยุดชะงักภายใต้เงื่อนไขทางประวัติศาสตร์บางประการ ซึ่งสามารถยืนยันได้ในระยะเวลาร้อยปีตั้งแต่ประมาณกลางคริสต์ศตวรรษที่ 18 ถึงกลางคริสต์ศตวรรษที่ 19 ในประเทศอังกฤษ

ดนตรีแห่งอังกฤษ

การแสดงระดับสูง การหยั่งรากลึกและแพร่หลายในชีวิตประจำวันของการทำดนตรีในรูปแบบต่างๆ - เครื่องดนตรี วงดนตรีร้อง และการร้องประสานเสียง - จากนั้นสร้างดินที่ดีสำหรับชีวิตคอนเสิร์ตขนาดใหญ่ที่สดใสในลอนดอน ซึ่งดึงดูดนักดนตรีจากทวีปให้มาที่ เมืองหลวงของจักรวรรดิ: โชแปง, แบร์ลิออซ, ไชคอฟสกี, กลาซูนอฟ... นักดนตรีชาวเยอรมันพาสายลมอันสดชื่นแห่งความทันสมัยไปด้วย ซึ่งถนนสู่เกาะอังกฤษเปิดกว้างตั้งแต่สมัยราชวงศ์ฮันโนเวอร์เรียน (ตั้งแต่ปี 1714 ถึง 1901) - ให้เราจำเช่น คอนเสิร์ตประจำสัปดาห์ของ Bach - Abel และคอนเสิร์ตของ Haydn - Zalomon . ดังนั้นอังกฤษจึงมีส่วนร่วมในกระบวนการสร้างซิมโฟนียุคก่อนคลาสสิกและคลาสสิกอย่างเข้มข้น แต่ไม่ได้มีส่วนสนับสนุนอย่างสร้างสรรค์ โดยทั่วไปในเวลานั้นสาขาความคิดสร้างสรรค์ระดับชาติในประเภทของโอเปร่าและซิมโฟนีที่เกี่ยวข้องกับทวีปยังไม่ได้รับการพัฒนา ในประเภทอื่น ๆ (เช่น oratorio) บางครั้งช่องทางก็ตื้นเขิน ยุคนี้เป็นช่วงที่ทำให้อังกฤษได้รับชื่อ "ประเทศที่ไม่มีดนตรี" ที่ไม่น่าเชื่อถือในขณะนี้

เป็นเรื่องที่ขัดแย้งกันที่ "ยุคแห่งความเงียบงัน" เกิดขึ้นในยุคที่เรียกว่ายุควิคตอเรียน - ช่วงเวลาแห่งรัชสมัยของสมเด็จพระราชินีวิกตอเรีย (ตั้งแต่ปี พ.ศ. 2380 ถึง พ.ศ. 2444) รัฐอยู่ในจุดสุดยอดของความเข้มแข็งและรัศมีภาพ อำนาจอาณานิคมที่ทรงอำนาจซึ่งก็คือ “โรงปฏิบัติงานของโลก” ทำให้ประเทศของตนมีความรู้สึกมั่นใจในตนเองและเชื่อมั่นว่า “ถูกกำหนดให้ยึดครองที่หนึ่งของโลกไปจนสิ้นยุคสมัย” (เจ. อัลดริดจ์) ยุควิคตอเรียนเป็นยุครุ่งเรืองของวัฒนธรรมอังกฤษทุกด้าน ไม่ว่าจะเป็นร้อยแก้วและกวีนิพนธ์ การละครและการละคร จิตรกรรมและสถาปัตยกรรม และสุดท้ายคือสุนทรียภาพ - และเป็นช่วงเวลาของการเสื่อมถอยอย่างเห็นได้ชัดในสาขาการประพันธ์

ในเวลาเดียวกันตั้งแต่กลางศตวรรษที่ 19 เมื่อวิกฤตของโรงเรียนการแต่งเพลงแห่งชาติชัดเจนแล้วแรงกระตุ้นของการขึ้นเริ่มสะสมซึ่งปรากฏชัดเจนในกลางศตวรรษที่ 19 และประจักษ์อย่างชัดเจน ในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 19 และ 20

ขบวนการร้องประสานเสียง ทั้งมือสมัครเล่นและมืออาชีพ ขยายตัวและเติบโต ประเพณีร้องเพลงประสานเสียงถือเป็นของชาติอย่างแท้จริง ปรมาจารย์ชาวอังกฤษสาบานว่าจะจงรักภักดีต่อเธอ: Hubert Parry (1848-1918), Edward Elgar (1857-1934), Frederick Dilius (1862-1934), Gustav Holst (1874-1934), Ralph Vaughan Williams (1872-1958)

ขบวนการคติชนวิทยาแบบคู่ขนานพัฒนาขึ้น บุคคลสำคัญคือ เซซิล เจ. ชาร์ป (พ.ศ. 2402-2467) ประกอบด้วยทิศทางทางวิทยาศาสตร์ (การรวบรวมภาคสนาม ความเข้าใจเชิงทฤษฎี) และแนวทางปฏิบัติ (การแนะนำโรงเรียนและชีวิตประจำวัน) สิ่งนี้มาพร้อมกับการประเมินใหม่อย่างมีวิจารณญาณเกี่ยวกับการหลอมรวมแนวเพลงพื้นบ้านของร้านบันเทิงและการแทรกซึมของเนื้อหาพื้นบ้านเข้าสู่ความคิดสร้างสรรค์ของนักแต่งเพลง การเคลื่อนไหวของคติชนทุกด้านเหล่านี้มีปฏิสัมพันธ์กัน - เสริมซึ่งกันและกันและบางครั้งก็ขัดแย้งกันเอง

จนถึงกลางศตวรรษที่ 19 อาจดูแปลกเมื่อมองแวบแรก เพลงภาษาอังกฤษเองก็ไม่ค่อยพบในคอลเลกชั่น - บ่อยน้อยกว่าเพลงจากสกอตแลนด์ เวลส์ และโดยเฉพาะไอร์แลนด์ ราล์ฟ วอห์น วิลเลียมส์ เขียนไว้ในเรียงความเบื้องต้นของหนังสือของนักโฟล์ควิทยาที่ยิ่งใหญ่ที่สุดของประเทศอย่าง Cecil Sharp เรื่อง “English Folk Song” ว่า “เรารู้มาจนบัดนี้จากแหล่งข้อมูลที่เชื่อถือได้แล้วว่าดนตรีโฟล์คนั้น “แย่หรือไอริช”

การเคลื่อนไหวเพื่อการฟื้นฟูดนตรีโบราณ - Purcell, Bach, นักมาดริกาลิสต์ชาวอังกฤษ และนักบริสุทธิ์ - มีส่วนกระตุ้นให้เกิดความสนใจอย่างลึกซึ้งต่อนักแสดง ผู้ผลิตเครื่องดนตรี และนักวิทยาศาสตร์ (เช่น A. Dolmetsch และครอบครัวของเขา) รวมถึงนักแต่งเพลงใน

“ยุคทอง” ของโรงเรียนวิชาชีพอังกฤษ มรดกแห่งศตวรรษที่ 15-17 ซึ่งมีชีวิตชีวาจากการฝึกฝนการแสดง ยกระดับด้วยการคิดเชิงวิพากษ์ ปรากฏเป็นพลังที่สร้างแรงบันดาลใจของงานฝีมือดั้งเดิมของชาติ

แนวโน้มที่ระบุไว้ในตอนแรกแทบจะสังเกตไม่เห็นค่อย ๆ ได้รับพลังและพุ่งเข้าหากันระเบิดดินเมื่อปลายศตวรรษที่ 19 การรวมกันของพวกเขาถือเป็นจุดเริ่มต้นของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาทางดนตรีใหม่ในอังกฤษ หลังจากหยุดพักไปนาน ประเทศนี้ได้เข้าสู่วัฒนธรรมดนตรีของยุโรป ไม่ใช่ในฐานะบุคคลที่สร้างสรรค์ส่วนบุคคล แต่เป็นโรงเรียนระดับชาติ มาถึงตอนนี้ ทวีปกำลังพูดถึงนักประพันธ์เพลงชาวอังกฤษ Brahms ทำนายอนาคตที่น่าสนใจสำหรับดนตรีอังกฤษ R. Strauss สนับสนุนสิ่งนี้ในตัวของ E. Elgar ความรุนแรงของวิวัฒนาการในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 19 และ 20 นั้นยิ่งใหญ่มาก

ประเพณีของลัทธิยวนใจออสโตร - เยอรมันพบดินอุดมสมบูรณ์ในอังกฤษมายาวนาน อิทธิพลที่กำหนดตามประวัติศาสตร์นี้ ซึ่งได้รับการสนับสนุนจากระบบการศึกษาด้านดนตรีและแนวปฏิบัติในการปรับปรุงนักแต่งเพลงรุ่นเยาว์ในเมืองต่างๆ ของเยอรมนี สะท้อนให้เห็นในรูปแบบ (โดยเฉพาะใน Parry, Standford, Elgar) นักดนตรีชาวอังกฤษเข้าใจว่าการยืนยันอัตลักษณ์ประจำชาติสันนิษฐานว่าจะได้รับการปลดปล่อยจากอิทธิพลอันทรงพลังดังกล่าว อย่างไรก็ตาม กระบวนการนี้ช้าและยากในการสร้างสรรค์ ซึ่งต่างจากการประกาศ เนื่องจากแนวเพลงชั้นนำเอง รวมถึงแนวแนวความคิด เช่น ซิมโฟนีหรือบทกวีไพเราะ ถือว่าต้องอาศัยประสบการณ์ที่ประสบผลสำเร็จของโรงเรียนออสโตร-เยอรมัน ดังนั้นขอบเขตของอิทธิพลของเยอรมันและระดับของการเอาชนะจึงเป็นเกณฑ์สำหรับเอกลักษณ์ประจำชาติและความสำคัญของงานของนักแต่งเพลง ตัวอย่างเช่น การประเมินที่บ่งบอกโดยนักวิจารณ์ชาวอังกฤษคนหนึ่ง: “ในขณะที่ดนตรีของแพร์รีและสแตนฟอร์ดพูดภาษาเยอรมันด้วยสำเนียงอังกฤษและไอริช... ดนตรีของเอลการ์พูดภาษาอังกฤษด้วยสำเนียงเยอรมัน”

ในช่วงเปลี่ยนศตวรรษ ในอังกฤษและทั่วทั้งยุโรป มีความปรารถนาที่จะสร้างภาษาดนตรีที่สอดคล้องกับสุนทรียภาพสมัยใหม่ “คำใหม่” มาจากฝรั่งเศส ความสนใจในภาคตะวันออกที่เกิดขึ้นในหมู่นักดนตรีชาวอังกฤษทำให้พวกเขาให้ความสนใจกับความสำเร็จของอิมเพรสชั่นนิสม์ของฝรั่งเศส สิ่งนี้เห็นได้ชัดเจนเป็นพิเศษในผลงานของ Cyril Scott (1879-1970), Grenville Bantock (1868-1946) และ Gustav Holst จริงอยู่ในโลกแห่งภาพและอารมณ์แบบตะวันออกใน Scott และ Bantock ไม่ส่งผลกระทบต่อรากฐานของการคิดของนักแต่งเพลง ภาพลักษณ์ของพวกเขาเกี่ยวกับตะวันออกนั้นเป็นเรื่องปกติ และในรูปลักษณ์ของมัน การตรวจจับลักษณะดั้งเดิมหลายอย่างก็ไม่ใช่เรื่องยาก

การดำเนินการตามธีมนี้ในผลงานของ Holst ผู้สนใจวัฒนธรรมอินเดีย มาถึงระดับที่แตกต่างออกไป เขาพยายามค้นหาความสัมพันธ์ทางจิตวิญญาณที่ลึกซึ้งยิ่งขึ้นระหว่างวัฒนธรรมตะวันตกและตะวันออก ซึ่งโดยทั่วไปเป็นลักษณะเฉพาะของศิลปะแห่งศตวรรษที่ 20 และเขาได้ทำตามความปรารถนานี้ในแบบของเขาเอง ซึ่งไม่สอดคล้องกับสิ่งที่ Debussy ร่วมสมัยที่มีอายุมากกว่าของเขากำลังทำอยู่ ในเวลาเดียวกันการค้นพบอิมเพรสชั่นนิสต์ที่เกี่ยวข้องกับแนวคิดใหม่เกี่ยวกับพื้นที่ดนตรีเสียงต่ำพลวัตพร้อมทัศนคติใหม่ต่อเสียงได้เข้าสู่จานสีแห่งการแสดงออกที่ใช้โดยนักแต่งเพลงในอังกฤษ - บ้านเกิดของ “ภูมิทัศน์และท่าจอดเรือ” (C. Nodier)

แม้จะมีความแตกต่างด้านโวหารของแต่ละบุคคล แต่นักประพันธ์เพลงชาวอังกฤษในยุคนั้นก็รวมกันเป็นหนึ่งด้วยความปรารถนาที่จะเสริมสร้างรากฐานของดนตรีพื้นบ้าน การค้นพบนิทานพื้นบ้านของชาวนาและความคิดสร้างสรรค์ของปรมาจารย์ของโรงเรียน Old English ในฐานะแหล่งข้อมูลสองแหล่งที่เกี่ยวข้องกันเป็นของ G. Holst และ R. Vaughan-Williams การหันมาใช้มรดกแห่ง "ยุคทอง" ของศิลปะอังกฤษเป็นวิธีเดียวที่เป็นไปได้ในการฟื้นฟูประเพณีของชาติ คติชนวิทยาและปรมาจารย์ผู้เก่าแก่สร้างความเชื่อมโยงกับวัฒนธรรมดนตรียุโรปสมัยใหม่ - ปฏิสัมพันธ์ของกระแสเหล่านี้ในงานศิลปะของ Holst และ Vaughan Williams นำมาซึ่งการต่ออายุดนตรีอังกฤษแห่งศตวรรษที่ 20 ที่รอคอยมานาน แก่นเรื่อง โครงเรื่อง และภาพของร้อยแก้ว กวีนิพนธ์ และบทละครของอังกฤษ เป็นส่วนสนับสนุนสำคัญในการสถาปนาอุดมคติของชาติ สำหรับนักดนตรี เพลงบัลลาดในชนบทของ Robert Burns และบทกวีที่ไร้พระเจ้าของ John Milton ความงดงามของอภิบาลของ Robert Herrick และบทกวีของ John Donne ที่อุดมไปด้วยความตึงเครียดอันเร่าร้อน ได้รับเสียงที่ทันสมัย วิลเลียม เบลค ถูกค้นพบอีกครั้ง ความเข้าใจที่ลึกซึ้งยิ่งขึ้นเกี่ยวกับวัฒนธรรมของชาติกลายเป็นปัจจัยที่สำคัญที่สุดในการก่อตั้งและความเจริญรุ่งเรืองของโรงเรียนการประพันธ์เพลงภาษาอังกฤษในศตวรรษที่ 20 และการก่อตัวของอุดมคติทางสุนทรียศาสตร์ของนักประพันธ์เพลง

ตัวแทนหลักคนแรกของการฟื้นฟูดนตรีอังกฤษครั้งใหม่คือ Hubert Parry (1848-1918) และ Charles Stanford (1852-1924) นักแต่งเพลง นักวิทยาศาสตร์ นักแสดง นักดนตรี และครู พวกเขาเช่นเดียวกับผู้ก่อตั้งโรงเรียนระดับชาติหลายแห่ง เป็นบุคคลที่โดดเด่นซึ่งมีผลงานหลากหลายแง่มุมที่มีจุดมุ่งหมายอย่างไม่เห็นแก่ตัวเพื่อสร้างโรงเรียนการแต่งเพลงแห่งชาติแห่งใหม่ที่สามารถฟื้นฟูประเพณีของดนตรีอังกฤษในอดีตอันรุ่งโรจน์ . กิจกรรมทางสังคมและความคิดสร้างสรรค์ของพวกเขาเองเป็นตัวอย่างที่ดีแก่คนรุ่นเดียวกันและสำหรับนักแต่งเพลงชาวอังกฤษรุ่นต่อไป

การก่อตั้งโรงเรียนสอนแต่งเพลงภาษาอังกฤษแห่งใหม่เกิดขึ้นในช่วงรัชสมัยอันยาวนานของสมเด็จพระราชินีวิกตอเรีย (พ.ศ. 2380-2444) ในยุคนี้ วัฒนธรรมอังกฤษในด้านต่างๆ ได้รับการพัฒนาอย่างเต็มที่ ประเพณีวรรณกรรมระดับชาติขนาดใหญ่นั้นอุดมสมบูรณ์และมีผลเป็นพิเศษ หาก Parry และ Stanford มีความเชื่อมโยงอย่างใกล้ชิดกับช่วงเวลาโปรโต - เรเนสซองส์ของยุคที่อยู่ระหว่างการพิจารณา ชื่อของ Elgar จะเปิดช่วงเวลาสร้างสรรค์ที่แท้จริงของการฟื้นฟูครั้งใหม่

เช่นเดียวกับผู้ร่วมสมัย โรงเรียนการแต่งเพลงภาษาอังกฤษ ต้องเผชิญกับปัญหาของแนวโรแมนติกทางดนตรีของยุโรปเป็นอันดับแรก และโดยธรรมชาติแล้ว งานศิลปะของวากเนอร์ก็กลายเป็นจุดสนใจของพวกเขา อิทธิพลอันทรงพลังของดนตรีของวากเนอร์ในอังกฤษสามารถเปรียบเทียบได้กับอิทธิพลของเขาในฝรั่งเศสในตอนนั้นหรือกับอิทธิพลของฮันเดลในอังกฤษในศตวรรษที่ 18 เท่านั้น

ในช่วงเปลี่ยนศตวรรษ นักประพันธ์เพลงชาวอังกฤษได้พยายามอย่างต่อเนื่องที่จะหลุดพ้นจากอิทธิพลของประเพณีคลาสสิกโรแมนติกของเยอรมัน ซึ่งหยั่งรากลึกในดินแดนอังกฤษ ขอให้เราจำไว้ว่า Parry ต้องการสร้าง - ซึ่งตรงข้ามกับของ Mendelssohn - - ออร์โทริโอเชิงปรัชญาที่หลากหลายระดับชาติ ความสำเร็จที่สำคัญคือผลงานไตรภาคของเอลการ์เรื่อง The Spirit of England (1917)

นักแต่งเพลงตัวจริงคนแรกที่อังกฤษผลิตนับตั้งแต่เพอร์เซลล์มีชื่อว่า Edward Elgar (1857-1934) เขามีความเกี่ยวข้องอย่างใกล้ชิดกับวัฒนธรรมดนตรีประจำจังหวัดของอังกฤษ ในช่วงเริ่มต้นของชีวิตเชิงสร้างสรรค์ เขาทำหน้าที่เป็นนักแต่งเพลงและผู้เรียบเรียงให้กับวงออเคสตราของวูสเตอร์ซึ่งเป็นบ้านเกิดของเขา และยังเขียนบทให้กับนักดนตรีในเบอร์มิงแฮม และทำงานให้กับสมาคมนักร้องประสานเสียงในท้องถิ่น เพลงประสานเสียงและบทร้องประสานเสียงในยุคแรกๆ ของเขาสอดคล้องกับประเพณีการร้องประสานเสียงของอังกฤษที่ยิ่งใหญ่ซึ่งเกิดขึ้นในยุค 80 และ 90 ศตวรรษที่สิบเก้า - นั่นคือตอนที่ Elgar สร้างผลงานการร้องประสานเสียงในยุคแรก ๆ ของเขาจนถึงช่วงไคลแม็กซ์ บทประพันธ์ของ Elgar เรื่อง The Dream of Gerontius (1900) ซึ่งสร้างชื่อเสียงให้กับดนตรีอังกฤษในทวีปนี้ เป็นความสำเร็จครั้งสำคัญสำหรับผู้แต่ง โดยแทนที่เพลง Elijah ของ Mendelssohn และกลายเป็นบทประพันธ์ที่ได้รับความนิยมเป็นอันดับสองของสาธารณชนชาวอังกฤษ รองจาก Handel's Messiahs

ความสำคัญของ Elgar ในประวัติศาสตร์ดนตรีอังกฤษถูกกำหนดโดยผลงานสองชิ้นเป็นหลัก: oratorio "The Dream of Gerontius" (1900 บนบทกวีของ J. Newman) และ "Variations on a Mysterious Theme" ไพเราะ ("Enigma" - รูปแบบต่างๆ (ปริศนา (lat.) - ปริศนา ), พ.ศ. 2442) ซึ่งกลายเป็นจุดสุดยอดของแนวโรแมนติกทางดนตรีของอังกฤษ oratorio“ The Dream of Gerontius” ไม่เพียงสรุปการพัฒนาที่ยาวนานของแนวเพลง cantata-oratorio ในผลงานของ Elgar เอง (4 oratorios, 4 cantatas, 2 บทกวี) แต่ในหลาย ๆ ด้านเส้นทางก่อนหน้าทั้งหมดของดนตรีประสานเสียงภาษาอังกฤษ . คุณลักษณะที่สำคัญอีกประการหนึ่งของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาแห่งชาติก็สะท้อนให้เห็นใน oratorio - ความสนใจในนิทานพื้นบ้าน ไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่หลังจากฟัง "The Dream of Gerontius" อาร์. สเตราส์เสนอคำอวยพร "เพื่อความเจริญรุ่งเรืองและความสำเร็จของเอ็ดเวิร์ด เอลการ์ ปรมาจารย์ของโรงเรียนนักประพันธ์เพลงชาวอังกฤษรุ่นก้าวหน้ารุ่นเยาว์" ซึ่งแตกต่างจาก Enigma oratorio รูปแบบต่างๆวางรากฐานของซิมโฟนีแห่งชาติซึ่งก่อนที่ Elgar จะเป็นพื้นที่ที่เปราะบางที่สุดของวัฒนธรรมดนตรีอังกฤษ “ความแปรผันของปริศนาบ่งชี้ว่าในตัวของเอลการ์ ประเทศนี้ได้พบนักแต่งเพลงออเคสตราในระดับแรก” นักวิจัยชาวอังกฤษคนหนึ่งเขียน “ความลึกลับ” ของรูปแบบต่างๆ ก็คือชื่อของเพื่อนของนักแต่งเพลงนั้นถูกเข้ารหัสไว้ และธีมทางดนตรีของวัฏจักรนั้นก็ถูกซ่อนไว้ไม่ให้ใครเห็น (ทั้งหมดนี้ชวนให้นึกถึง "สฟิงซ์" จาก "Carnival" ของ R. Schumann) เอลการ์ยังเขียนซิมโฟนีภาษาอังกฤษชุดแรก (1908)

ผลงานของ Elgar เป็นหนึ่งในปรากฏการณ์ที่โดดเด่นของแนวโรแมนติกทางดนตรี เป็นการสังเคราะห์อิทธิพลระดับชาติและยุโรปตะวันตก โดยส่วนใหญ่ได้รับอิทธิพลจากออสโตร-เยอรมัน โดยมีลักษณะของทิศทางโคลงสั้น ๆ จิตวิทยา และมหากาพย์ ผู้แต่งใช้ระบบเพลงประกอบอย่างกว้างขวาง ซึ่งรู้สึกถึงอิทธิพลของ R. Wagner และ R. Strauss อย่างชัดเจน

การสถาปนาตำแหน่งใหม่ในดนตรีอังกฤษเกิดขึ้นในช่วงเวลาแห่งจุดเปลี่ยนในชีวิตฝ่ายวิญญาณของบริเตนใหญ่ นั่นเป็นช่วงเวลาหลายปีแห่งการทดลองและการเปลี่ยนแปลงครั้งใหญ่ สงครามโลกครั้งที่หนึ่งบังคับให้ศิลปินหลายคนในประเทศนี้ซึ่งถือว่าเป็นฐานที่มั่นของการขัดขืนไม่ได้ในยุโรปต้องตอบสนองต่อความขัดแย้งของความเป็นจริงโดยรอบในระดับที่ไม่เคยมีมาก่อน ดนตรีอังกฤษหลังสงครามถูกครอบงำโดยความต้องการที่แรงเหวี่ยงในการมองโลกด้วยมุมมองที่กว้างไกล คนรุ่นใหม่เข้ามาสัมผัสกับการค้นหานวัตกรรมของปรมาจารย์ชาวยุโรปอย่างเด็ดขาด - Stravinsky, Schoenberg ต้นกำเนิดของ "Facade" โดยวิลเลียม วอลตัน (1902-1983) เป็นแนวคิดเชิงเรียบเรียงที่ดึงมาจาก "Pierrot Lunaaire" ของ Schoenberg แต่พื้นฐานของสไตล์งานคือการต่อต้านลัทธิโรแมนติกที่ประกาศโดย Stravinsky และ "Six" ของฝรั่งเศส Constant Lambert (พ.ศ. 2448-2494) ทำให้เพื่อนร่วมชาติของเขาประหลาดใจด้วยการเริ่มทำงานประเภทบัลเล่ต์ตั้งแต่ก้าวแรกบนเส้นทางสร้างสรรค์ของเขา ซึ่งประเพณีดังกล่าวถูกขัดจังหวะในอังกฤษในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 18 ในความเป็นจริงมันเป็นเรื่องธรรมดาที่ผู้แต่งจะสนใจแนวเพลงนี้ซึ่งในยุโรปในช่วงทศวรรษที่ 20 ของศตวรรษที่ 20 ได้กลายเป็นสัญลักษณ์ของการแสวงหาศิลปะสมัยใหม่ โรมิโอและจูเลียตบัลเล่ต์ของแลมเบิร์ต (1925) เป็นการตอบสนองต่อ Pulcinella ของ Stravinsky ในเวลาเดียวกันกับผลงานอื่น ๆ ของเขา - Elegiac Blues สำหรับวงออเคสตราขนาดเล็ก (1927) - Lambert ตอบสนองต่อดนตรีแจ๊สที่ทำให้ชาวยุโรปประหลาดใจ Alan Bush (1900-1995) เชื่อมโยงกิจกรรมของเขาเข้ากับตำแหน่งที่สร้างสรรค์ของ Eisler และขบวนการแรงงาน เขาไม่เพียงแต่นำแนวคิดทางสังคม การเมือง และปรัชญาที่สอดคล้องกันมาใช้เท่านั้น แต่ยังพัฒนาเทคนิคการเรียบเรียงของเขาด้วย โดยอาศัยประสบการณ์ของ New Vienna School อย่างมีประสิทธิผล หักเหโดยไอส์เลอร์

ในช่วงครึ่งแรกของทศวรรษที่ 30 การเปลี่ยนแปลงของนักประพันธ์เพลงรุ่นต่อรุ่นซึ่งเกิดขึ้นในทศวรรษที่ผ่านมาได้ถูกตัดสินในที่สุด ในปี 1934 อังกฤษสูญเสียปรมาจารย์สำคัญสามคน ได้แก่ Elgar, Dilius, Holst ในจำนวนนี้มีเพียง Holst เท่านั้นที่ทำงานอย่างแข็งขันจนถึงวันสุดท้ายของเขา หลังจากเงียบหายไปนานนับทศวรรษ Elgar กลับมามีชีวิตอีกครั้งด้วยความคิดสร้างสรรค์ในช่วงต้นทศวรรษที่ 30 เท่านั้น ในเวลาเดียวกัน Dilius ซึ่งอาศัยอยู่ในฝรั่งเศสมีอาการป่วยหนักและตาบอด เขาได้รับแรงบันดาลใจจากความสำเร็จอย่างไม่คาดคิดของดนตรีของเขาในบ้านเกิดของเขาในลอนดอน ซึ่งเป็นสถานที่จัดงานเทศกาลของนักประพันธ์ของเขาในปี 1929 และกระแสความนิยม ความเข้มแข็งที่เขากำหนดผลงานล่าสุดของเขา

ในช่วงปลายยุค 30 คนรุ่นใหม่กำลังเข้าสู่ยุคแห่งการเติบโตอย่างสร้างสรรค์ เวลาของการทดลองถูกทิ้งไว้ข้างหลัง ความสนใจหลักถูกกำหนด ความคิดสร้างสรรค์พุ่งเข้าสู่กระแสหลักของประเพณีที่จัดตั้งขึ้น ความเชี่ยวชาญและความเข้มงวดที่เกี่ยวข้องกับความคิดของตัวเองปรากฏขึ้น ดังนั้น วิลเลียม วอลตันจึงเขียนบทประพันธ์โอราทอริโอในพระคัมภีร์ไบเบิลที่ยิ่งใหญ่ (“Belshazzar’s Feast”, 1931) และตามด้วยผลงานออเคสตราขนาดใหญ่ (First Symphony, 1934; Violin Concerto, 1939) Michael Tippett (เกิด พ.ศ. 2448) ปฏิเสธผลงานก่อนหน้านี้ของเขา เขาประกาศผลงานใหม่ในประเภทแชมเบอร์ (First Piano Sonata, 1937) และผลงานวงออเคสตราคอนเสิร์ต (Concerto สำหรับวงออเคสตราเครื่องสายคู่, 1939; Fantasia ในธีมโดย Handel สำหรับเปียโนและวงออเคสตรา, 1941) จุดเริ่มต้นของการเดินทางที่สร้างสรรค์ของเขา ครั้งแรก จุดสุดยอดคือ oratorio "เด็ก" ในยุคของเรา (1941) ในช่วงหลายปีที่ผ่านมา Lambert (หน้ากาก "The Last Will and Testament of Summer" สำหรับศิลปินเดี่ยว, นักร้องประสานเสียงและวงออเคสตรา, 1936), Berkeley (First Symphony, 1940), Bush (First Symphony, 1940) กำลังทำงานในการแต่งเพลงขนาดใหญ่ใน ปีเหล่านั้น

ในบรรดาบุคคลที่มีศิลปะที่สดใสและสร้างสรรค์ซึ่งโรงเรียนนักแต่งเพลงชาวอังกฤษแห่งศตวรรษที่ 20 ร่ำรวย Benjamin Britten มีความโดดเด่น เขาคือผู้ถูกกำหนดให้พบว่างานของเขามีปฏิสัมพันธ์ที่กลมกลืนกันของแนวโน้มหลายทิศทาง (และสำหรับนักแต่งเพลงชาวอังกฤษรุ่นก่อนหน้าซึ่งเกือบจะแยกจากกันไม่ได้) ในงานของเขาซึ่งเป็นศูนย์รวมของแนวคิดเรื่องความทันสมัยและการนำความคิดริเริ่มของศิลปะแห่งชาติไปใช้

นักร้องนำวงดนตรีบริทเทน

ในปี 1904 นักวิจารณ์ชาวเยอรมัน Oscar Adolf Hermann Schmitz ตีพิมพ์หนังสือเกี่ยวกับบริเตนใหญ่ โดยเรียกมัน (ทั้งหนังสือและประเทศนั้นเอง) ว่า "The Land Without Music" (Das Land Ohne Musik) บางทีเขาอาจจะพูดถูก หลังจากฮันเดลเสียชีวิตในปี พ.ศ. 2302 สหราชอาณาจักรมีส่วนช่วยในการพัฒนาดนตรีคลาสสิกเพียงเล็กน้อย จริงอยู่ที่ชมิทซ์ประณามในเวลาที่ผิด: ศตวรรษที่ 20 ได้เห็นการฟื้นฟูดนตรีอังกฤษซึ่งแสดงออกมาในรูปแบบของรูปแบบประจำชาติใหม่ ยุคนี้ยังทำให้นักประพันธ์เพลงชาวอังกฤษผู้ยิ่งใหญ่ทั้งสี่คนทั่วโลก

เอ็ดเวิร์ด เอลการ์

เขาไม่ได้ศึกษาศิลปะการเรียบเรียงอย่างเป็นทางการที่ใดเลย แต่ได้รับการจัดการจากวาทยากรวอร์สเตอร์ผู้เจียมเนื้อเจียมตัวและหัวหน้าวงดนตรีของโรงพยาบาลจิตเวชวูสเตอร์ จนกลายเป็นนักแต่งเพลงชาวอังกฤษคนแรกในรอบสองร้อยปีที่ได้รับการยอมรับในระดับนานาชาติ ผลงานดนตรีออเคสตราหลักชิ้นแรกของเขา "Variations on a Mysterious Theme" (Enigma Variations, 1899) ทำให้เขามีชื่อเสียง - ลึกลับเพราะแต่ละเพลงจากทั้งหมด 14 เพลงเขียนด้วยธีมเฉพาะที่ไม่มีใครเคยได้ยินมาก่อน ความยิ่งใหญ่ของ Elgar (หรือภาษาอังกฤษของเขา อย่างที่บางคนพูด) อยู่ที่การใช้ธีมท่วงทำนองที่ไพเราะที่สื่อถึงอารมณ์แห่งความเศร้าโศก ผลงานที่ดีที่สุดของเขาเรียกว่า oratorio "The Dream of Gerontius" (1900) และการเดินขบวนครั้งแรกของเขาจากวงจร "Solemn and Ceremonial Marches" (Pomp and Circumstance March No. 1, 1901) หรือที่เรียกว่า "The Land of Hope" และ ความรุ่งโรจน์” สร้างความพึงพอใจให้กับผู้ฟังใน "คอนเสิร์ตเดินเล่น" ประจำปีอย่างสม่ำเสมอ

กุสตาฟ โฮลสท์

ชาวสวีเดนที่เกิดในอังกฤษ Holst เป็นนักแต่งเพลงที่ยอดเยี่ยมเป็นพิเศษ ปรมาจารย์ด้านการเรียบเรียงดนตรี ผลงานของเขาดึงเอาประเพณีที่หลากหลาย เช่น เพลงโฟล์คและเพลงมาดริกัลของอังกฤษ เวทย์มนต์ฮินดู และลัทธิเปรี้ยวจี๊ดของ Stravinsky และ Schoenberg นอกจากนี้ เขายังสนใจเรื่องโหราศาสตร์ด้วย และการศึกษาของเรื่องนี้ได้เป็นแรงบันดาลใจให้โฮลสต์สร้างสรรค์ผลงานที่โด่งดังที่สุดของเขา (แม้ว่าจะไม่ใช่ผลงานที่ดีที่สุดก็ตาม) ซึ่งเป็นชุดซิมโฟนิกที่มีการเคลื่อนไหว 7 จังหวะ "The Planets" (1914-1916)

ราล์ฟ วอห์น วิลเลียมส์

Ralph Vaughan Williams ถือเป็นนักแต่งเพลงชาวอังกฤษที่เก่งที่สุด เขาปฏิเสธอิทธิพลจากต่างประเทศ โดยผสมผสานดนตรีเข้ากับอารมณ์และจังหวะของคติชนแห่งชาติและผลงานของนักประพันธ์เพลงชาวอังกฤษในศตวรรษที่ 16 ท่วงทำนองอันไพเราะและเศร้าทำให้นึกถึงภาพชีวิตในชนบท Stravinsky ยังตั้งข้อสังเกตอีกว่าการฟัง Pastoral Symphony (1921) ของเขาเป็นเหมือน "การมองดูวัวเป็นเวลานาน" และเป็นที่ยอมรับว่าเขาใส่มันอย่างอ่อนโยนเมื่อเปรียบเทียบกับนักแต่งเพลง Elizabeth Lutyens ซึ่งเรียกว่า "Pastoral Symphony" " เพลงเพื่อวัว" วอห์น วิลเลียมส์ เป็นที่รู้จักกันดีในฐานะผู้ประพันธ์ A Sea Symphony (1910), A London Symphony (1913) และความโรแมนติกอันน่ารื่นรมย์สำหรับไวโอลินและวงออเคสตรา The Lark Ascending (1914)

เบนจามิน บริทเทน

Britten เคยเป็นและยังคงเป็นนักแต่งเพลงชาวอังกฤษผู้ยิ่งใหญ่คนสุดท้ายจนถึงทุกวันนี้ ทักษะและความเฉลียวฉลาดของเขา โดยเฉพาะอย่างยิ่งในฐานะนักแต่งเพลง ทำให้เขาได้รับการยอมรับในระดับนานาชาติเทียบได้กับของ Elgar ผลงานที่ดีที่สุดของเขา ได้แก่ โอเปร่า Peter Grimes (1945) งานออเคสตรา The Young Person's Guide to the Orchestra ในปี 1946 และงานออเคสตราและนักร้องประสานเสียงหลัก War Requiem (War Requiem, 1961) พร้อมเนื้อร้องโดย Wilfred Owen Britten ไม่ใช่ เป็นแฟนตัวยงของลักษณะ "อนุรักษนิยมแบบอังกฤษ" ของนักประพันธ์เพลงรุ่นก่อนแม้ว่าเขาจะเรียบเรียงเพลงพื้นบ้านให้กับคู่หูของเขาคือ Peter Pears อายุก็ตาม ในช่วงชีวิตของเขา Britten เป็นที่รู้จักในนามคนรักร่วมเพศและรักสงบแม้ว่าจะมีเพียงไม่กี่คนที่รู้เกี่ยวกับเขา ความหลงใหลแม้จะไร้เดียงสาสำหรับเด็กชายอายุสิบสามปี

บี. บริทเทนเป็นหนึ่งในนักประพันธ์เพลงที่สำคัญที่สุดแห่งศตวรรษที่ 20 ผลงานของเขานำเสนอได้เกือบทุกแนวดนตรี ตั้งแต่ท่อนเปียโน งานร้อง ไปจนถึงโอเปร่า

เขาฟื้นคืนชีพดนตรีอังกฤษ ซึ่งหลังจากการเสียชีวิตของฮันเดล ไม่มีนักแต่งเพลงที่มีความสูงขนาดนั้นมาเกือบสองร้อยปีแล้ว

ชีวประวัติ

ช่วงเริ่มต้นของความคิดสร้างสรรค์

เอ็ดเวิร์ด เบนจามิน บริทเทนนักแต่งเพลง วาทยกร และนักเปียโนชาวอังกฤษ , เกิดในปี 1913 ในเมืองโลเวสทอฟต์ (ซัฟฟอล์ก) ในครอบครัวทันตแพทย์ ความสามารถทางดนตรีของเขาแสดงออกมาตั้งแต่เนิ่นๆ เมื่ออายุ 6 ขวบเขาเริ่มแต่งเพลงแล้ว ครูสอนเปียโนคนแรกของเขาคือแม่ของเขา จากนั้นเด็กชายก็เรียนเล่นวิโอลา

ราชวิทยาลัยดนตรี

ที่ Royal College of Music ในลอนดอน เขาเข้าเรียนเปียโนและเรียนการแต่งเพลงด้วย ผลงานในช่วงแรกของเขาดึงดูดความสนใจของโลกแห่งดนตรีในทันที ได้แก่ "Hymn to the Virgin" และการร้องประสานเสียงรูปแบบต่างๆ "A Child is Born" บริทเทนได้รับเชิญให้เข้าร่วมบริษัทภาพยนตร์สารคดีที่เขาร่วมงานมาเป็นเวลา 5 ปี เขาถือว่าช่วงเวลานี้เป็นโรงเรียนที่ดี ซึ่งเขาต้องเรียนรู้มากมายและเขียน แม้ว่าแรงบันดาลใจจะจากไปและเหลือเพียงการทำงานอย่างมีสติเท่านั้น

ในช่วงเวลานี้ เขายังทำงานด้านวิทยุด้วย เขาแต่งเพลงสำหรับรายการวิทยุ จากนั้นก็เริ่มกิจกรรมคอนเสิร์ต

สมัยสงครามโลกครั้งที่สอง

ในช่วงทศวรรษที่ 1930 เขาเป็นนักแต่งเพลงที่มีผลงานโด่งดังไปทั่วโลก: เพลงของเขาได้ยินในอิตาลี สเปน ออสเตรีย และสหรัฐอเมริกา แต่สงครามโลกครั้งที่สองเริ่มต้นขึ้น และ Britten ออกจากอังกฤษไปที่สหรัฐอเมริกาและแคนาดา นักแต่งเพลงกลับบ้านเกิดในปี พ.ศ. 2485 การแสดงของเขาทั่วประเทศเริ่มขึ้นทันที: ในหมู่บ้านเล็ก ๆ หลุมหลบภัยโรงพยาบาลและแม้แต่ในเรือนจำ และเมื่อสงครามสิ้นสุดลง เขาได้เยือนเยอรมนี เบลเยียม ฮอลแลนด์ สวิตเซอร์แลนด์ และประเทศสแกนดิเนเวียทันทีพร้อมคอนเสิร์ต

ความคิดสร้างสรรค์หลังสงคราม

ในปี 1948 เขาได้จัดเทศกาลดนตรีนานาชาติประจำปีในเมือง Aldborough ซึ่งเขาตั้งรกรากอยู่ ซึ่งเขาทุ่มเทเวลา ความพยายาม และเงินทองไปมาก ในเทศกาลแรกในปี พ.ศ. 2491 มีการแสดงบทเพลง "นักบุญนิโคลัส" ของเขา

ในช่วงต้นทศวรรษ 1950 บริทเตนเข้าร่วมในกิจกรรมขององค์กรนักดนตรี - ผู้สนับสนุนสันติภาพ เขียนโอเปร่า และในปี 1956 เดินทางไปอินเดีย ศรีลังกา อินโดนีเซีย และญี่ปุ่น ความประทับใจจากทริปนี้สะท้อนออกมาเป็นโน้ตเพลงบัลเลต์เรื่อง Prince of the Pagodas มหกรรมเทพนิยายนี้กลายเป็นบัลเล่ต์ "ยิ่งใหญ่" ระดับชาติครั้งแรก ก่อนหน้านั้น มีเพียงบัลเล่ต์การแสดงเดียวเท่านั้นที่มีอยู่ในอังกฤษ หลังจากนั้น Britten ก็กลับมาดูโอเปร่าเรื่องโปรดของเขาอีกครั้ง: Noah's Ark ปรากฏตัวในปี 1958 และ A Midsummer Night's Dream ปรากฏตัวในปี 1960

ในปี 1961 Britten ได้สร้าง "War Requiem" ซึ่งกลายเป็นอนุสรณ์สถานแก่เหยื่อของสงคราม มันถูกเขียนขึ้นสำหรับพิธีอุทิศของอาสนวิหารในเมืองโคเวนทรี ซึ่งถูกทำลายอย่างสิ้นเชิงจากการทิ้งระเบิดของเยอรมัน “ War Requiem” แสดงครั้งแรกในปี 1962 ความสำเร็จนั้นทำให้หูหนวก: “ Requiem” ขายได้ 200,000 แผ่นในช่วงสองเดือนแรกซึ่งบ่งบอกถึงความสำเร็จที่แท้จริงของงาน

ซากปรักหักพังของอาสนวิหารโคเวนทรี

ในเวลาเดียวกัน Britten ได้เขียนผลงานแนวใหม่: อุปรากรอุปรากร จากเรื่องราวของญี่ปุ่น “Curlew River” เขียนขึ้นในปี 1964 “The Cave Act” (1966) สร้างจากตอนหนึ่งจากพันธสัญญาเดิม และ “The Prodigal Son” (1968) สร้างจากอุปมาพระกิตติคุณ บริทเทนเขียนบท "บทเพลงแห่งความเมตตา" เนื่องในวาระครบรอบ 100 ปีการสถาปนาสภากาชาด โดยบทบทนี้มีพื้นฐานมาจากคำอุปมาเรื่องชาวสะมาเรียผู้ใจดี มีการแสดงอย่างเคร่งขรึมที่เจนีวาเมื่อวันที่ 1 กันยายน พ.ศ. 2506

บริทเต็นและรัสเซีย

เมื่อได้ยิน M. Rostropovich เล่นเป็นครั้งแรกในลอนดอน Britten ตัดสินใจเขียนเพลงโซนาต้าให้เขาในห้าการเคลื่อนไหว ซึ่งแต่ละการเคลื่อนไหวแสดงให้เห็นถึงทักษะพิเศษของนักเชลโล ในเดือนมีนาคม พ.ศ. 2506 มีการจัดเทศกาลดนตรีอังกฤษในกรุงมอสโกและเลนินกราดโดยที่บริทเตนเองและเอ็ม. รอสโทรโปวิชแสดงโซนาต้านี้ ในเวลาเดียวกัน โอเปร่าเรื่องเดียวของ Britten ได้แสดงเป็นครั้งแรกในรัสเซียโดย Small Troupe ของ Covent Garden Theatre ในปี 1964 Britten มาเยือนประเทศของเราอีกครั้งเขาได้สร้างความสัมพันธ์ฉันมิตรกับ D. Shostakovich, M. Rostropovich และ G. Vishnevskaya แม้แต่ Britten ก็เฉลิมฉลองปีใหม่ปี 1965 กับ Shostakovich ที่เดชาของเขา

M. Rostropovich และ B. Britten

ดนตรีของ Shostakovich มีอิทธิพลอย่างเห็นได้ชัดต่องานของ Britten เขาเขียนเชลโลคอนแชร์โตและอุทิศให้กับ Mstislav Rostropovich และบทเพลงที่สร้างจากบทกวีของพุชกินให้กับ Galina Vishnevskaya Shostakovich อุทิศซิมโฟนีที่สิบสี่ของเขาให้กับ Britten

ครั้งสุดท้ายที่ B. Britten ไปเยือนรัสเซียคือในปี 1971 D. Shostakovich เสียชีวิตในปี 1975 และ Britten เสียชีวิตในปี 1976

ผลงานของ B. Britten

Britten ถือเป็นผู้ก่อตั้งการฟื้นตัวของโอเปร่าในอังกฤษ การทำงานในแนวดนตรีที่หลากหลาย Britten ชอบโอเปร่าเป็นส่วนใหญ่ เขาสร้างโอเปร่าเรื่องแรกของเขาชื่อ Peter Grimes เสร็จในปี 1945 และผลงานการผลิตถือเป็นการฟื้นคืนชีพของโรงละครดนตรีแห่งชาติ บทละครโอเปร่ามีพื้นฐานมาจากเรื่องราวโศกนาฏกรรมของชาวประมง Peter Grimes ผู้ซึ่งถูกโชคชะตาหลอกหลอน ดนตรีโอเปร่าของเขามีสไตล์ที่หลากหลาย: เขาใช้สไตล์ของผู้แต่งหลายคนขึ้นอยู่กับเนื้อหาของฉาก: เขาวาดภาพของความเหงาและความสิ้นหวังในสไตล์ของ G. Mahler, A. Berg, D. Shostakovich; ฉากแนวสมจริงอยู่ในสไตล์ของ D. Verdi และทิวทัศน์ท้องทะเลอยู่ในสไตล์ของ C. Debussy และสไตล์ทั้งหมดนี้ผสมผสานกันอย่างชาญฉลาดด้วยสิ่งเดียว - สไตล์บริทเทนและรสชาติของอังกฤษ

นักแต่งเพลงใช้เวลาทั้งชีวิตในการเขียนโอเปร่า เขาสร้างแชมเบอร์โอเปร่า: “The Desecration of Lucretia” (1946), “Albert Herring” (1947) ที่สร้างจากเรื่องราวของ G. Maupassant ในช่วงปี 50-60 สร้างละครโอเปร่าเรื่อง “Billy Budd” (1951), “Gloriana” (1953), “The Turn of the Screw” (1954), “Noah's Ark” (1958), “A Midsummer Night's Dream” (1960) ที่สร้างจากภาพยนตร์ตลก ของ W. Shakespeare, แชมเบอร์โอเปร่า "Carlew River" (1964), โอเปร่า "Prodigal Son" (1968) อุทิศให้กับ Shostakovich และ "Death in Venice" (1970) โดย T. Mann

เพลงสำหรับเด็ก

บริทเทนยังเขียนบทเพลงสำหรับเด็ก และสร้างดนตรีเพื่อการศึกษาอีกด้วย ตัวอย่างเช่นในละครเรื่อง Let's Do an Opera (1949) เขาแนะนำให้ผู้ชมรู้จักกับขั้นตอนการแสดง ย้อนกลับไปในปี 1945 เขาเขียนบทดัดแปลงและความทรงจำในธีมของเพอร์เซลล์ "A Young Listener's Guide to the Orchestra" ซึ่งเขาแนะนำผู้ฟังให้รู้จักกับเสียงเครื่องดนตรีต่างๆ S. Prokofiev มีละครสำหรับเด็กที่คล้ายกัน - "Peter and the Wolf"

ในปี 1949 Britten ได้สร้างโอเปร่าสำหรับเด็กเรื่อง The Little Chimney Sweep และในปี 1958 โอเปร่า Noah's Ark

B. Britten แสดงมากมายในฐานะนักเปียโนและผู้ควบคุมวงโดยออกทัวร์รอบโลก

ไม่ว่าจะฟังดูน่าขันแค่ไหน เราต้องยอมรับความจริงของคำกล่าวที่ว่าอังกฤษเป็นประเทศที่คนทั่วไปชื่นชอบดนตรีมาก แต่ไม่มีนักดนตรี!

ปัญหานี้ยิ่งน่าสนใจมากขึ้นเพราะเรารู้ดีว่าวัฒนธรรมทางดนตรีของอังกฤษอยู่ในยุคของควีนอลิซาเบธสูงเพียงใด นักดนตรีและนักแต่งเพลงหายไปไหนในอังกฤษในศตวรรษที่ 18 และ 19?

การให้คำตอบแบบผิวเผินไม่ใช่เรื่องยาก บริเตนใหญ่มีส่วนร่วมในการค้าขายอาณานิคมที่ได้มาทำธุรกรรมทางการเงินขนาดยักษ์สร้างอุตสาหกรรมต่อสู้เพื่อรัฐธรรมนูญเล่นเกมหมากรุกบนกระดานขนาดใหญ่ของโลก - และเธอไม่มีเวลายุ่งกับดนตรี

คำตอบนั้นน่าดึงดูดใจแต่ไม่เป็นความจริง ท้ายที่สุดแล้วอังกฤษเดียวกันนี้ได้มอบกวีผู้ยิ่งใหญ่ให้กับมนุษยชาติ: Byron, Shelley, Burns, Coleridge, Browning, Crabbe, Keats, Tennyson แต่คุณสามารถตั้งชื่อทุกคนในรายการชื่อเสียงนี้ได้หรือไม่ พ่อค้าอังกฤษให้กำเนิดศิลปินที่ยอดเยี่ยม ได้แก่ โฮการ์ธ ตำรวจ และเทิร์นเนอร์ ขนาดของบทไม่อนุญาตให้เราระบุชื่อของปรมาจารย์ร้อยแก้วทั้งหมดในอังกฤษในศตวรรษที่ 18-19 ที่นี่ ให้เราพูดถึงเฉพาะ Defoe, Fielding, Sterne, Goldsmith, Walter Scott, Dickens, Thackeray, Stevenson, Meredith, Hardy, Lamb, Ruskin, Carlyle

ดังนั้นข้อโต้แย้งข้างต้นจึงไม่สามารถป้องกันได้ ปรากฎว่าพ่อค้าชาวอังกฤษยืนหยัดได้ดีที่สุดในด้านศิลปะทุกรูปแบบ ยกเว้นดนตรี

บางทีเราอาจเข้าใกล้ความจริงมากขึ้นหากเราดำเนินตามแนวทางความคิดของนักดนตรีก็อดดาร์ด ในหนังสือ "Music of Britain in Our Time" เขาเขียนว่า "ดนตรีอังกฤษดำรงชีวิตด้วยความชื่นชมต่อ Handel ก่อน จากนั้นจึงเพื่อ Haydn ในยุควิกตอเรียน ความชื่นชมนี้เปิดทางให้ความรักต่อ Mendelssohn และการยกย่องนี้ทำให้ผลงานของ Mendelssohn ไม่เพียงแต่ เกณฑ์ แต่เป็นเพียงแหล่งเพาะพันธุ์ดนตรีเท่านั้น ไม่มีองค์กร สมาคม หรือชั้นเรียนใดที่สนับสนุนดนตรีภาษาอังกฤษ”

แม้ว่าคำอธิบายนี้จะฟังดูค่อนข้างหยาบคายและไม่น่าเป็นไปได้ แต่หากคุณพิจารณาอย่างรอบคอบแล้ว ก็ถือว่าเป็นที่ยอมรับได้ ชนชั้นสูงของอังกฤษดังที่ทราบกันดีว่าเรียกร้องจากวาทยกรและนักร้องชาวอิตาลี นักเต้นชาวฝรั่งเศส นักแต่งเพลงชาวเยอรมัน ด้วยความหัวสูง แต่เพียงผู้เดียว เนื่องจากไม่ได้ถือว่าการฟังนักดนตรีเป็นสิ่งที่เป็นฆราวาสเพียงพอ เช่นเดียวกับที่ไม่ได้ไปสกอตแลนด์หรือไอร์แลนด์ แต่ไปอิตาลีหรือสเปน สู่ป่าแอฟริกา หรือสู่โลกแห่งฟยอร์ดน้ำแข็ง ดังนั้น ดนตรีประจำชาติของอังกฤษจะได้ยินก็ต่อเมื่อชนชั้นกระฎุมพีที่ได้รับชัยชนะและรุ่งโรจน์รู้สึกแข็งแกร่งพอที่จะไม่เลียนแบบ "สังคมชั้นสูง" ในด้านละคร ดนตรี และโอเปร่า แต่มุ่งไปที่ที่จิตใจ หัวใจ และรสนิยมของมัน แต่เหตุใดชนชั้นกระฎุมพีอังกฤษจึงสามารถหาวรรณกรรมและบทกวีได้ตามใจชอบ และเหตุใดจึงไม่เกิดเรื่องเช่นนี้ขึ้นกับดนตรี?

ใช่ เพราะชนชั้นกระฎุมพีที่เพิ่มขึ้นได้นำเอาอุดมคติของชาวพิวริตันติดตัวไปด้วย และด้วยความสยดสยองที่น่าสยดสยองปฏิเสธความยิ่งใหญ่ของเวทีโอเปร่า ราวกับเป็นปรากฏการณ์ที่เกิดจากการยุยงของมาร ศตวรรษที่ 19 ต้องมาพร้อมกับลัทธิเหตุผลนิยม การคิดอย่างอิสระมากขึ้น ห่างไกลจากศาสนามากขึ้น มีความเป็นโลกมากขึ้น และใครๆ ก็สามารถพูดได้ว่ามีทัศนคติต่อชีวิตแบบสังคมชั้นสูง เพื่อให้ชนชั้นกลางชาวอังกฤษหันไปหาดนตรี สำหรับยุคที่จะมาถึงซึ่งรับประกันได้ว่า สิทธิที่จะมีชีวิตที่เต็มไปด้วยการเต้นรำที่มีชีวิตชีวา เปล่งประกายด้วยเสียงหัวเราะร่าเริงในละครโอเปร่าของ Arthur Sullivan (1842-1900) เพื่อปลุกความเข้าใจในบทเพลงของ Hubert Parry (1848-1924) พวกเขาค้นพบ Edward Elgar ( (ค.ศ. 1857-1934) ผู้ที่ยังคงมองความสงสัยในประเพณีในพระคัมภีร์ได้มอบของขวัญแก่สาธารณชนชาวอังกฤษด้วยคำกล่าวมากมาย: "The Apostles", "The Light of Christ", "King Olaf", "Dreams of Gerontius" Elgar กำลังได้รับความนิยมและการยอมรับอยู่แล้ว เขาเป็นนักดนตรีในราชสำนักของกษัตริย์ เขาเพียงผู้เดียวเท่านั้นที่ได้รับรางวัลมากมายเท่าที่นักดนตรีชาวอังกฤษผู้มีชื่อเสียงในประวัติศาสตร์ดนตรีตั้งแต่ยุคเรอเนซองส์จนถึงปัจจุบันยังไม่ได้รับ

แต่อิทธิพลของดนตรีของทวีปยังคงแข็งแกร่ง จึงเดินตามรอยเท้าของเอลการ์ เฟรเดอริก เดลิอุส(พ.ศ. 2406-2477) การศึกษาในเมืองไลพ์ซิกและปารีสทำให้เขาเป็นอิสระจากอิทธิพลของ Mendelssohn ซึ่งเขาได้พบกับ Strindberg และ Gauguin และสิ่งที่อาจมีความหมายสำหรับเขามากกว่าการพบปะกับผู้คนที่ยิ่งใหญ่เหล่านี้คือการพบปะกับเมืองนี้เอง ริมฝั่งแม่น้ำแซน กับคนฝรั่งเศส มีปัญญาแบบกอลิค

Delius เขียนโอเปร่าต่อไปนี้: Koanga (1904), Rustic Romeo and Juliet (1907), Fennimore และ Gerda (1909)

Delius อาศัยอยู่ในสภาพแวดล้อมแบบฝรั่งเศสและถึงแม้จะปรารถนาเสรีภาพในการสร้างสรรค์อย่างน่านับถือ แต่ก็ไม่สามารถปลดปล่อยตัวเองจากอิทธิพลของดนตรีในทวีปได้อย่างสมบูรณ์

นักแต่งเพลงชาวอังกฤษคนแรกของศตวรรษที่ 19 คือ ราล์ฟ วอห์น วิลเลียมส์(พ.ศ. 2415) นักร้องแนวอังกฤษ ชาวอังกฤษ เชี่ยวชาญเพลงนิทานพื้นบ้านอังกฤษ เขาหันไปหากวีโบราณบานาเยนและนักแต่งเพลงแห่งศตวรรษที่ 16 เทลลิส เขาเขียนซิมโฟนีเกี่ยวกับทะเลและลอนดอน เขาวาดภาพดนตรีของราชวงศ์ทิวดอร์ แต่ส่วนใหญ่ก็ทำเสียงเพลงพื้นบ้านของอังกฤษได้อย่างง่ายดาย

ในค่ายนักแต่งเพลงชาวอังกฤษแห่งศตวรรษที่ 19 เขามีสถานที่พิเศษ ไม่เพียงเพราะเทคนิคที่ยอดเยี่ยม รสนิยมอันน่าทึ่ง และประสิทธิผลเท่านั้น แต่ยังเพราะเขามีคุณสมบัติที่มอบให้กับ Dickens หรือ Mark Twain เท่านั้น เขารู้วิธีที่จะ ยิ้มอย่างยอมจำนน ค่อนข้างแดกดัน ด้วยสายตาที่แคบ แต่ในแบบของมนุษย์ ดังที่นักเขียนผู้ยิ่งใหญ่ดังที่กล่าวข้างต้นทำ

เขาเขียนผลงานต่อไปนี้สำหรับละครเวที:

Lovely Shepherdesses, The Mountains (1922), Hugh the Rider (1924), Sir John in Love (1929), Service (1930), The Poisoned Kiss (1936), Sea Robbers (1937), Pilgrim's Success (1951)

นักดนตรีชาวอังกฤษที่มีนวัตกรรมร่วมสมัยของวอห์น-วิลเลียมส์ กำลังพยายามพัฒนาสไตล์ของโอเปร่าอังกฤษแบบใหม่ ไม่มีการขาดแคลนประเพณี: นักประพันธ์เพลงในยุคนี้ฟื้นประเพณีของโอเปร่า - บัลลาดโบราณ, ฟื้นคืนจิตวิญญาณของเกย์และเปปูชา: พวกเขาผสมผสานความรู้สึกประเสริฐกับการล้อเลียน, ความน่าสมเพชกับการประชด; แต่ที่สำคัญที่สุด กวีนิพนธ์ภาษาอังกฤษเป็นแรงบันดาลใจ - ขุมทรัพย์แห่งความงามของบทกวี โลกแห่งความคิด

ในบรรดานักประพันธ์เพลงชาวอังกฤษในช่วงปลายศตวรรษที่ 19 และต้นศตวรรษที่ 20 เราจะกล่าวถึงเฉพาะผู้ที่มีส่วนร่วมในการก่อตัวของดนตรีบนเวทีสมัยใหม่เท่านั้น

Arnold Bax (1883-1953) มีชื่อเสียงในฐานะนักเขียนบัลเล่ต์
William Walton (1902) ประสบความสำเร็จอย่างมากกับโอเปร่า Troilus และ Cressida (1954)
Arthur Bliss (1891) ดึงดูดความสนใจด้วยโอเปร่าของเขาเรื่อง The Olympians (1949) ที่สร้างจากบทเพลงของ Priestley
Eugene Goossens (พ.ศ. 2436-2506) ปรากฏตัวบนเวทีโอเปร่าอังกฤษร่วมกับ Judith (1929) และ Don Giovanni de Manara (1937)

แต่ผลงานของ Benjamin Britten นำความสำเร็จระดับโลกมาสู่โอเปร่าภาษาอังกฤษ

แนวคิดของ "นักแต่งเพลง" ปรากฏครั้งแรกในศตวรรษที่ 16 ในอิตาลี และตั้งแต่นั้นมาก็ใช้เพื่ออ้างถึงบุคคลที่แต่งเพลง

นักแต่งเพลงในศตวรรษที่ 19

ในศตวรรษที่ 19 โรงเรียนดนตรีเวียนนาเป็นตัวแทนจากนักแต่งเพลงที่โดดเด่นเช่น Franz Peter Schubert เขายังคงสืบสานประเพณีของยวนใจและมีอิทธิพลต่อนักแต่งเพลงทั้งรุ่น Schubert สร้างสรรค์นิยายโรแมนติกของชาวเยอรมันมากกว่า 600 เรื่อง ยกระดับแนวนี้ขึ้นไปอีกระดับ

ฟรานซ์ ปีเตอร์ ชูเบิร์ต

โยฮันน์ สเตราส์ ชาวออสเตรียอีกคน มีชื่อเสียงจากบทละครและการเต้นรำแบบดนตรีเบา ๆ เขาเป็นคนที่ทำให้เพลงวอลทซ์เป็นการเต้นรำที่ได้รับความนิยมมากที่สุดในเวียนนาที่ซึ่งยังคงมีลูกบอลอยู่ นอกจากนี้ มรดกของเขายังรวมถึงลายโพลกัส ควอดริล บัลเล่ต์ และโอเปเรตตา

โยฮันน์ สเตราส์

ตัวแทนที่โดดเด่นของดนตรีสมัยใหม่ในช่วงปลายศตวรรษที่ 19 คือ Richard Wagner ชาวเยอรมัน โอเปร่าของเขาไม่ได้สูญเสียความเกี่ยวข้องและความนิยมมาจนถึงทุกวันนี้

จูเซปเป้ แวร์ดี

วากเนอร์สามารถเปรียบเทียบได้กับบุคคลผู้สง่างามของนักแต่งเพลงชาวอิตาลี Giuseppe Verdi ซึ่งยังคงซื่อสัตย์ต่อประเพณีโอเปร่าและทำให้โอเปร่าของอิตาลีมีลมหายใจครั้งใหม่

ปีเตอร์ อิลิช ไชคอฟสกี

ในบรรดานักประพันธ์เพลงชาวรัสเซียในศตวรรษที่ 19 ชื่อของ Pyotr Ilyich Tchaikovsky นั้นโดดเด่น เขาโดดเด่นด้วยสไตล์ที่เป็นเอกลักษณ์ที่ผสมผสานประเพณีซิมโฟนิกของยุโรปเข้ากับมรดกรัสเซียของ Glinka

นักประพันธ์เพลงแห่งศตวรรษที่ 20

เซอร์เกย์ วาซิลีเยวิช ราห์มานินอฟ

Sergei Vasilievich Rachmaninov ได้รับการพิจารณาอย่างถูกต้องว่าเป็นหนึ่งในนักประพันธ์เพลงที่เก่งที่สุดในช่วงปลายศตวรรษที่ 19 และต้นศตวรรษที่ 20 สไตล์ดนตรีของเขามีพื้นฐานมาจากประเพณีแนวโรแมนติกและดำรงอยู่ควบคู่ไปกับการเคลื่อนไหวแนวหน้า มันเป็นเพราะบุคลิกลักษณะของเขาและการขาดความคล้ายคลึงที่ทำให้งานของเขาได้รับการชื่นชมอย่างสูงจากนักวิจารณ์ทั่วโลก

อิกอร์ เฟโดโรวิช สตราวินสกี

นักแต่งเพลงที่มีชื่อเสียงที่สุดคนที่สองของศตวรรษที่ 20 คือ Igor Fedorovich Stravinsky โดยกำเนิด ชาวรัสเซีย เขาอพยพไปฝรั่งเศสและสหรัฐอเมริกา ซึ่งเขาแสดงความสามารถอย่างเต็มที่ Stravinsky เป็นผู้ริเริ่มที่ไม่กลัวที่จะทดลองกับจังหวะและสไตล์ ผลงานของเขาแสดงให้เห็นถึงอิทธิพลของประเพณีรัสเซีย องค์ประกอบของการเคลื่อนไหวแนวหน้าต่างๆ และสไตล์เฉพาะตัวที่เป็นเอกลักษณ์ ซึ่งเขาเรียกว่า "ปิกัสโซในดนตรี"