บทคัดย่อ: หัวข้อ: รูปแบบวงจร การบรรยายในสาขาวิชา “การวิเคราะห์ผลงานดนตรี” โมดูล รากฐานด้านสุนทรียภาพและระเบียบวิธีของการวิเคราะห์งานดนตรี หมวดศิลปะดนตรีเป็นรูปแบบหนึ่งของจิตสำนึกทางสังคม ทำงานอะไร

รูปแบบวงจรคือรูปแบบที่ประกอบด้วยหลายส่วน มักจะเป็นอิสระในส่วนใจความและเชิงโครงสร้าง โดยคั่นด้วยการหยุดชั่วคราวแบบไม่มีการควบคุมซึ่งขัดขวางการไหลของเวลาดนตรี (เส้นแท่งคู่ที่มีเส้นขวา "หนา") รูปแบบวงจรทั้งหมดรวบรวมเนื้อหาที่หลากหลายและหลากหลายมากขึ้น ซึ่งรวมเป็นหนึ่งเดียวด้วยแนวคิดทางศิลปะ

รูปแบบวงจรบางรูปแบบในรูปแบบทั่วไปที่สุดรวมเอาแนวคิดโลกทัศน์ไว้ ตัวอย่างเช่น มวลเป็นแบบทฤษฎีเป็นศูนย์กลาง และต่อมาวงจรโซนาตา-ซิมโฟนิกเป็นแบบมานุษยวิทยาเป็นศูนย์กลาง

หลักการพื้นฐานของการจัดรูปแบบวงจรคือ CONTRAST ซึ่งเป็นการแสดงออกซึ่งแปรผันตามประวัติศาสตร์และส่งผลต่อวิธีการแสดงออกทางดนตรีที่แตกต่างกัน

รูปแบบวงจรเริ่มแพร่หลายในยุคบาโรก (ปลายศตวรรษที่ 16 - ครึ่งแรกของศตวรรษที่ 18) มีความหลากหลายมาก: วงจรสองส่วนพร้อมความทรงจำ, คอนแชร์ตีโกรสซี, คอนแชร์โตสำหรับเครื่องดนตรีเดี่ยวและวงออเคสตรา, ห้องสวีท, พาร์ติทัส, โซนาตาเดี่ยวและวงดนตรี

ต้นกำเนิดของรูปแบบวงจรหลายรูปแบบอยู่ในการแสดงโอเปราโอเปร่าสองประเภทในศตวรรษที่ 17 ที่เรียกว่าภาษาฝรั่งเศส (Lully) และภาษาอิตาลี (A. Stradella, A. Scarlatti) โดยใช้ความแตกต่างของจังหวะที่เป็นมาตรฐาน ในการทาบทามของฝรั่งเศส สิ่งที่สำคัญที่สุดคืออัตราส่วนของท่อนที่ช้าในช่วงแรก (ที่มีลักษณะเคร่งขรึมและน่าสมเพช) และจังหวะโพลีโฟนิกที่รวดเร็ว (โดยปกติจะเป็นความทรงจำ) บางครั้งลงท้ายด้วย Adagio สั้น ๆ (บางครั้งก็ขึ้นอยู่กับเนื้อหาของท่อนแรก ). ความสัมพันธ์ของจังหวะประเภทนี้ เมื่อทำซ้ำๆ จะกลายเป็นเรื่องปกติสำหรับโซนาตาทั้งมวลและคอนแชร์ตีกรอสซี ซึ่งโดยปกติจะประกอบด้วย 4 การเคลื่อนไหว ในคอนแชร์ติโกรสซีของ Corelli, Vivaldi และ Handel หน้าที่ของบทนำแสดงออกมาอย่างชัดเจนในการเคลื่อนไหวช่วงแรก การพัฒนาไม่เพียงแต่เนื่องจากจังหวะที่ช้าและความยาวค่อนข้างสั้น แต่ยังเนื่องมาจากการเปิดกว้างของฮาร์โมนิคในบางครั้งอีกด้วย

คอนเสิร์ต Brandenburg Concertos ทั้ง 6 รายการของ J.S. มีความโดดเด่น Bach (1721) ซึ่งส่วนแรกทั้งหมดไม่เพียงแต่เขียนอย่างรวดเร็วเท่านั้น แต่ยังเป็นส่วนที่ได้รับการพัฒนาและขยายออกไปมากที่สุด เพื่อกำหนดการพัฒนาต่อไปของวงจร ฟังก์ชันของส่วนแรกนี้ (มีความแตกต่างในรูปแบบภายใน) คาดการณ์การทำงานของส่วนที่ 1 ในวงจรโซนาตา-ซิมโฟนิกภายหลัง

อิทธิพลของความสัมพันธ์จังหวะประเภทนี้ค่อนข้างจะสังเกตเห็นได้น้อยในห้องสวีทและพาร์ติต้าที่อยู่ใกล้ๆ ในอัตราส่วนของการเต้นรำ "บังคับ" มีความแตกต่างระหว่างจังหวะและจังหวะที่ทำซ้ำและเข้มข้นขึ้น: อัลเลมันด์สองจังหวะที่ช้าปานกลางถูกแทนที่ด้วยเสียงระฆังสามจังหวะที่เร็วปานกลาง ซาราบันเดสามจังหวะที่ช้ามากจะถูกแทนที่ด้วยเสียงมาก gige ที่รวดเร็ว (โดยปกติจะเป็นหกจังหวะสิบสองจังหวะรวมสองและสามจังหวะ) อย่างไรก็ตาม รอบเหล่านี้ค่อนข้างจะฟรีสำหรับจำนวนชิ้นส่วน บ่อยครั้งที่มีการเคลื่อนไหวเกริ่นนำ (โหมโรง, โหมโรงและความทรงจำ, แฟนตาซี, ซินโฟนี) และระหว่าง sarabande และ gigue มีสิ่งที่เรียกว่า "แทรก" การเต้นรำสมัยใหม่มากขึ้น (gavotte, minuet, bourre, rigaudon, lur, musette) และ อาเรียส บ่อยครั้งที่มีการเต้นรำสองแบบแทรก (โดยเฉพาะอย่างยิ่งสำหรับ minuets และ gavottes) ในตอนท้ายของวินาทีมีคำสั่งให้ทำซ้ำครั้งแรก บาคเก็บการเต้นรำที่ "บังคับ" ทั้งหมดไว้ในห้องสวีทของเขา นักแต่งเพลงคนอื่นปฏิบัติต่อพวกเขาอย่างอิสระมากขึ้น รวมถึงเพียงหนึ่งหรือสองคนเท่านั้น

ในพาร์ติทัสซึ่งมักจะคงการเต้นรำ "บังคับ" ทั้งหมดไว้ ช่วงประเภทของตัวเลขที่แทรกจะกว้างกว่ามาก เช่น rondo, capriccio, burlesque

โดยหลักการแล้ว ในห้องสวีท (แถว) การเต้นรำจะเท่ากัน ไม่มีความหลากหลายในการใช้งาน อย่างไรก็ตาม คุณลักษณะบางอย่างกำลังเริ่มปรากฏให้เห็น ดังนั้นซาราแบนด์จึงกลายเป็นศูนย์กลางของโคลงสั้น ๆ ของห้องชุด มันแตกต่างอย่างมากจากรถต้นแบบในชีวิตประจำวันที่เคร่งขรึม รุนแรง ครุ่นคิด และเคร่งขรึม ด้วยความอ่อนโยน ความซับซ้อน ความสง่างาม และเสียงในโทนเสียงระดับกลางถึงสูง บ่อยครั้งที่มันเป็น sarabands ที่มีคู่ประดับซึ่งช่วยเสริมการทำงานของมันในฐานะศูนย์กลางโคลงสั้น ๆ ในจิ๊ก (ต้นกำเนิดที่ "ธรรมดาที่สุด" - การเต้นรำของกะลาสีเรือชาวอังกฤษ) จังหวะที่เร็วที่สุดด้วยพลังงานลักษณะมวลและโพลีโฟนีที่แอคทีฟฟังก์ชันของฉากสุดท้ายจึงถูกสร้างขึ้น

ความสัมพันธ์จังหวะของ ITALIAN OVERTURE ซึ่งประกอบด้วยสามส่วน (สุดขีด - เร็ว โพลีโฟนิก กลาง - ช้า ไพเราะ) เปลี่ยนเป็นวงจรคอนแชร์โตสามส่วนสำหรับเครื่องดนตรีเดี่ยว (บ่อยครั้งน้อยกว่าสำหรับศิลปินเดี่ยวสองหรือสามคน) พร้อมวงออเคสตรา . แม้จะมีการเปลี่ยนแปลงรูปแบบ แต่วงจรคอนเสิร์ตสามส่วนยังคงมีเสถียรภาพในโครงร่างทั่วไปตั้งแต่ศตวรรษที่ 17 จนถึงยุคโรแมนติก ลักษณะที่กระฉับกระเฉงและแข่งขันกันของการเคลื่อนไหวช่วงแรกนั้นใกล้เคียงกับโซนาตาอัลเลโกรคลาสสิกอย่างมากอย่างไม่ต้องสงสัย

สถานที่พิเศษถูกครอบครองโดยวงจรสองส่วนที่มีความทรงจำซึ่งความแตกต่างพื้นฐานอยู่ในการคิดทางดนตรีประเภทต่าง ๆ: ฟรีมากขึ้นด้นสดบางครั้งก็เป็นโฮโมโฟนิกมากขึ้นในส่วนแรก (โหมโรง, ทอคคาต้า, จินตนาการ) และจัดระเบียบอย่างมีเหตุผลมากขึ้น ความทรงจำ ความสัมพันธ์ของจังหวะมีความหลากหลายมากและท้าทายการพิมพ์แบบ

การก่อตัวของวงจรโซนาต้า - ซิมโฟนิกได้รับอิทธิพลอย่างมีนัยสำคัญจากส่วนแรกของคอนเสิร์ตสำหรับเครื่องดนตรีเดี่ยวและวงออเคสตรา (ซิมโฟนีโซนาต้า Allegri ในอนาคต), โคลงสั้น ๆ ของห้องสวีท (ต้นแบบของซิมโฟนิก Andanti), กิ๊กที่กระตือรือร้นและกระตือรือร้น (ต้นแบบของตอนจบ) ในระดับหนึ่ง ซิมโฟนียังเผยให้เห็นอิทธิพลของคอนแชร์ติกรอสซีด้วยการเคลื่อนไหวเริ่มแรกอย่างช้าๆ ซิมโฟนีคลาสสิกของเวียนนาหลายเพลงเริ่มต้นด้วยการแนะนำอย่างช้าๆ โดยมีความยาวต่างกันออกไป (โดยเฉพาะ Haydn) อิทธิพลของห้องสวีทยังปรากฏชัดต่อหน้ามินูเอตก่อนตอนจบ แต่แนวคิดที่สำคัญและคำจำกัดความการทำงานของชิ้นส่วนในวงจรโซนาตา-ซิมโฟนิกนั้นแตกต่างกัน เนื้อหาของชุดซึ่งถูกกำหนดให้เป็น DIVERSITY OF UNITY ในวงจรโซนาต้า-ซิมโฟนิกสามารถกำหนดเป็น UNITY OF DIVERSITY ส่วนต่างๆ ของวงจรโซนาตา-ซิมโฟนิกมีการประสานการทำงานกันอย่างเข้มงวดมากขึ้น บทบาทประเภทและความหมายของแต่ละส่วนสะท้อนถึงแง่มุมหลักของการดำรงอยู่ของมนุษย์: การกระทำ (Homo agens) การใคร่ครวญ การไตร่ตรอง (Homo sapiens) การพักผ่อน การเล่น (Homo ludens) มนุษย์ในสังคม (Homo communis)

วงจรซิมโฟนิกมีโปรไฟล์จังหวะปิดตามหลักการของ JUMP WITH FILLING ความขัดแย้งทางความหมายระหว่าง Allegri ของการเคลื่อนไหวครั้งแรกและ Andanti ไม่เพียงแต่เน้นที่ความสัมพันธ์ของจังหวะที่คมชัดเท่านั้น แต่ยังรวมถึงความแตกต่างทางโทนเสียงตามกฎด้วย

วงซิมโฟนิกและแชมเบอร์ก่อนเบโธเฟนมีความแตกต่างกันอย่างเห็นได้ชัด เนื่องจากวิธีการแสดง (วงออเคสตรา) ซิมโฟนีจึงถือเป็น "การประชาสัมพันธ์" ในลักษณะเดียวกับการแสดงละครเสมอ งานหอการค้ามีความโดดเด่นด้วยความหลากหลายและเสรีภาพที่มากขึ้น ซึ่งทำให้พวกเขาใกล้ชิดกับประเภทวรรณกรรมเชิงบรรยายมากขึ้น (แน่นอนว่ามีเงื่อนไข) ไปสู่ ​​"ความใกล้ชิด" และบทกวีส่วนตัวที่มากขึ้น ควอเต็ตมีความใกล้เคียงกับซิมโฟนีมากที่สุด วงดนตรีอื่นๆ (ทรีออส, ควินเต็ตที่มีการเรียบเรียงเพลงต่างกัน) มีไม่มากนัก และมักจะใกล้กับห้องสวีทที่มีอิสระมากกว่า เช่นเดียวกับดนตรีแนวต่างๆ เซเรเนด และดนตรีออเคสตราแนวอื่นๆ

เปียโนและโซนาต้าทั้งมวลมักจะมีการเคลื่อนไหว 2-3 จังหวะ ในการเคลื่อนไหวช่วงแรก รูปแบบของโซนาตาเป็นเรื่องธรรมดาที่สุด (มักจะอยู่ในซิมโฟนีเสมอ) แต่ก็พบรูปแบบอื่นๆ เช่นกัน (เช่น สามส่วนที่ซับซ้อน, รูปแบบต่างๆ, rondo ใน Haydn และ Mozart, รูปแบบต่างๆ ใน ​​Beethoven เป็นต้น)

ส่วนหลักของการเคลื่อนไหวช่วงแรกของซิมโฟนีจะอยู่ในจังหวะอัลเลโกรเสมอ ในโซนาตาแชมเบอร์ การกำหนดจังหวะของ Allegro ก็เป็นเรื่องปกติเช่นกัน แต่ก็พบการกำหนดจังหวะตามสบายมากกว่าเช่นกัน ในโซนาตาโซนาตาเดี่ยวและแชมเบอร์ ไม่ใช่เรื่องแปลกที่จะรวมบทบาทแนวดนตรีที่เน้นประโยชน์ใช้สอยเข้าไว้ด้วยกันในการเคลื่อนไหวเดียว (เช่น โคลงสั้น ๆ และการเต้นรำ การเต้นรำ และตอนจบ) ในแง่ของเนื้อหา วงจรเหล่านี้มีความหลากหลายมากขึ้น โดยกลายเป็น "ห้องทดลอง" สำหรับการพัฒนาวงจรต่อไป ตัวอย่างเช่น แนวเพลง Scherzo ปรากฏเป็นครั้งแรกในโซนาตาเปียโนของ Haydn ต่อมา Scherzo จะกลายเป็นส่วนหนึ่งของวงจรโซนาต้า - ซิมโฟนิกที่เต็มเปี่ยมซึ่งเกือบจะเข้ามาแทนที่มินูเอต Scherzo รวบรวมองค์ประกอบความหมายที่กว้างขึ้นของการเล่น (ตั้งแต่ความสนุกสนานในชีวิตประจำวันไปจนถึงการเล่นของพลังแห่งจักรวาล อย่างเช่นใน Ninth Symphony ของ Beethoven เป็นต้น) หาก Haydn และ Mozart ไม่มีโซนาตาแบบสี่จังหวะ โซนาตาเปียโนยุคแรกของ Beethoven จะใช้ความสัมพันธ์ของจังหวะและแนวเพลงตามแบบฉบับของซิมโฟนี

ในการพัฒนาทางประวัติศาสตร์เพิ่มเติมของวงจรโซนาต้า - ซิมโฟนิก (เริ่มต้นด้วยเบโธเฟน) "การแตกแขนง" เกิดขึ้น (โดยมี "ราก" ร่วมกัน) เป็นสาขา "ดั้งเดิม" ซึ่งจะอัปเดตเนื้อหาจากภายในและมีความรุนแรงมากขึ้น "เป็นนวัตกรรม" ". ใน "แบบดั้งเดิม" ภาพโคลงสั้น ๆ และมหากาพย์มีความเข้มแข็งมักมีการแนะนำรายละเอียดประเภท (โรแมนติก, เพลงวอลทซ์, ความสง่างาม ฯลฯ ) แต่จำนวนชิ้นส่วนและบทบาทเชิงความหมายแบบดั้งเดิมยังคงอยู่ เนื่องจากเนื้อหาใหม่ (โคลงสั้น ๆ มหากาพย์) ส่วนแรกจึงสูญเสียจังหวะอย่างรวดเร็วโดยยังคงรักษาความเข้มข้นของขั้นตอนที่เปิดเผยและความสำคัญของส่วนที่กำหนดวงจรทั้งหมด ดังนั้น เชอร์โซจึงกลายเป็นส่วนที่สอง โดยเปลี่ยนความแตกต่างโดยทั่วไปให้ลึกลงไปในวงจร ระหว่างส่วนที่ช้า (ส่วนตัวที่สุด) และตอนจบของมวลที่เร็ว ซึ่งทำให้การพัฒนาของวงจรมีความทะเยอทะยานมากขึ้น (ความสัมพันธ์ระหว่างมินูเอตและ ฉากสุดท้ายซึ่งมักจะเต้นก็มีมิติเดียวมากกว่า ทำให้ลดความสนใจของผู้ฟัง)

ในซิมโฟนีคลาสสิก การเคลื่อนไหวช่วงแรกเป็นรูปแบบที่จำเพาะได้มากที่สุดในแง่ของรูปแบบ (รูปแบบโซนาตาและความหลากหลายของรูปแบบต่างๆ ของการเคลื่อนไหวช่วงแรกๆ ของแชมเบอร์โซนาตาที่หลากหลายมากขึ้นดังที่ได้กล่าวไว้ข้างต้น) ใน minuets และ scherzos รูปแบบสามส่วนที่ซับซ้อนมีอำนาจเหนือกว่าอย่างเด็ดขาด (แน่นอน ไม่ใช่โดยไม่มีข้อยกเว้น) การเคลื่อนไหวที่ช้าที่สุด (รูปแบบที่เรียบง่ายและซับซ้อน รูปแบบต่างๆ รอนโด โซนาตาในทุกรูปแบบ) และตอนจบ (โซนาต้าที่มีรูปแบบ รูปแบบต่างๆ รอนโด รอนโดโซนาตา บางครั้งการเคลื่อนไหวสามแบบที่ซับซ้อน) มีความโดดเด่นด้วยรูปแบบที่หลากหลายที่สุด

ในดนตรีฝรั่งเศสในศตวรรษที่ 19 ซิมโฟนีสามการเคลื่อนไหวประเภทหนึ่งได้รับการพัฒนา โดยการเคลื่อนไหวที่สองผสมผสานการทำงานของเพลงช้า (ส่วนนอก) และการเต้นรำ-scherzo (กลาง) นั่นคือซิมโฟนีของ David, Lalo, Franck, Bizet

ในสาขา "นวัตกรรม" (จำเป็นต้องระลึกถึงความเหมือนกันของ "ราก" อีกครั้ง) การเปลี่ยนแปลงภายนอกจะสังเกตเห็นได้ชัดเจนยิ่งขึ้น สิ่งเหล่านี้มักเกิดขึ้นภายใต้อิทธิพลของการเขียนโปรแกรม (ซิมโฟนี Sixth Symphony ของ Beethoven, "Fantastic", "Harold in Italy", ซิมโฟนี "Mourning and Triumphal" ของ Berlioz), การเรียบเรียงและแนวคิดในการแสดงที่ไม่ธรรมดา (ซิมโฟนีที่เก้าของ Beethoven, ซิมโฟนีที่สอง, สาม, สี่ของ Mahler) . อาจมีท่อน "สองเท่า" เรียงกันเป็นแถวหรือสมมาตร (ซิมโฟนีของมาห์เลอร์, ซิมโฟนีที่สามของไชคอฟสกี, ซิมโฟนีที่สองของ Scriabin, ซิมโฟนีของโชสตาโควิชบางรายการ) การสังเคราะห์แนวเพลงที่แตกต่างกัน (ซิมโฟนี-แคนตาตา, ซิมโฟนี-คอนเสิร์ต)

ในช่วงกลางศตวรรษที่ 19 วงจรโซนาตา-ซิมโฟนิกได้รับความสำคัญของประเภทที่มีแนวความคิดมากที่สุด ทำให้เกิดความเคารพในตัวเอง ซึ่งนำไปสู่การลดลงในเชิงปริมาณในวงจรโซนาต้า-ซิมโฟนิก แต่มีอีกเหตุผลหนึ่งที่เกี่ยวข้องกับสุนทรียภาพโรแมนติกซึ่งพยายามจะจับภาพความเป็นเอกลักษณ์ของทุกช่วงเวลา อย่างไรก็ตาม ความเก่งกาจของการเป็นสามารถรวบรวมได้ด้วยรูปแบบวงจรเท่านั้น ฟังก์ชั่นนี้ได้รับการเติมเต็มโดยชุดใหม่ซึ่งโดดเด่นด้วยความยืดหยุ่นและอิสระเป็นพิเศษ (แต่ไม่ใช่อนาธิปไตย) จับความแตกต่างในความหลากหลายของการแสดงออก บ่อยครั้งที่ห้องสวีทถูกสร้างขึ้นจากดนตรีแนวอื่น ๆ (สำหรับการแสดงละคร โอเปร่าและบัลเล่ต์ และต่อมาก็อิงจากดนตรีสำหรับภาพยนตร์) ห้องสวีทใหม่มีความหลากหลายในการเรียบเรียงการแสดง (ออเคสตรา เดี่ยว วงดนตรี) และอาจเป็นแบบเป็นโปรแกรมหรือไม่ใช่แบบเป็นโปรแกรมก็ได้ ชุดใหม่เริ่มแพร่หลายในดนตรีของศตวรรษที่ 19 และ 20 คำว่า "ห้องชุด" ไม่สามารถใช้ในชื่อได้ ("Butterfly", "Carnival", Kreisleriana, Fantastic Pieces, Vienna Carnival, Album for Youth และผลงานอื่นๆ โดย Schumann, Tchaikovsky's Seasons, รูปภาพจากนิทรรศการโดย Mussorgsky) ผลงานย่อส่วนหลายชิ้น (โหมโรง, มาซูร์คัส, น็อคเทิร์น, เอทูเดส) มีความคล้ายคลึงกับชุดใหม่เป็นหลัก

ห้องสวีทใหม่หันไปทางสองเสา - วงจรของย่อส่วนและซิมโฟนี (ทั้งห้อง Grieg ตั้งแต่ดนตรีไปจนถึงละครของ Ibsen Peer Gynt, Scheherazade และ Antar โดย Rimsky-Korsakov เป็นต้น)

การจัดระเบียบที่ใกล้เคียงกับชุดใหม่คือวงจรเสียง ทั้ง “พล็อต” (“The Beautiful Miller's Wife” โดย Schubert, “The Love and Life of a Woman” โดย Schumann) และเรื่องทั่วไป (“Winter Reise” โดย Schubert, “ The Love of a Poet” โดย Schumann) รวมถึงวงจรการร้องประสานเสียงและบทแคนตาตัสบางส่วน

บ่อยครั้งในดนตรีบาโรก เช่นเดียวกับดนตรีคลาสสิกและเพลงต่อมา ไม่สามารถระบุจำนวนท่อนได้เสมอไป เนื่องจากทิศทางของเวที Attacca ซึ่งเกิดขึ้นค่อนข้างบ่อยไม่ขัดขวางการไหลของเวลาทางดนตรีในการรับรู้ นอกจากนี้ บ่อยครั้งมักเกิดขึ้นที่ดนตรีที่เป็นอิสระตามธีมและในรูปแบบส่วนใหญ่ จะถูกแบ่งด้วยท่อนบาร์เล็กๆ สองท่อน (Sinphony จาก Partita ของ Bach ใน C minor, Sonata ของ Mozart สำหรับไวโอลินและเปียโนใน A minor /K-402 /, Fantasia ใน C minor /K -457/, Sonatas สำหรับเชลโลและเปียโนของ Beethoven op.69, op.102 no.1 และผลงานอื่นๆ อีกมากมายของผู้แต่งหลายคน) ซึ่งนำไปสู่การก่อตัวของแบบฟอร์มส่วนบุคคล (ฟรี) พวกเขาสามารถเรียกว่าคอนทราสต์คอมโพสิต (คำศัพท์ของ V.V. Protopopov) หรือวงจรต่อเนื่อง

อนุญาตให้แสดงแต่ละส่วนจากงานแบบวนรอบได้ แต่วงจรโดยรวมนั้นรวมเป็นหนึ่งเดียวโดยแนวคิดทางศิลปะ การนำไปปฏิบัติซึ่งดำเนินการโดยวิธีการทางดนตรี

ความสามัคคีสามารถแสดงออกมาในลักษณะทั่วไป: ผ่านจังหวะ, การม้วนเสียงเป็นรูปเป็นร่างของชิ้นส่วน, หลักการฮาร์มอนิกที่คล้ายกัน, แผนผังโทนเสียง, โครงสร้าง, การจัดระเบียบจังหวะเมโทร, การเชื่อมต่อน้ำเสียงในทุกส่วนและโดยเฉพาะอย่างยิ่งในส่วนที่รุนแรง ความสามัคคีประเภทนี้เป็นดนตรีทั่วไป ได้รับการพัฒนาในรูปแบบวัฏจักรของบาร็อคและเป็นเงื่อนไขที่จำเป็นสำหรับประโยชน์ทางศิลปะของรูปแบบวัฏจักรในทุกยุคสมัย

แต่ความสามัคคีของวัฏจักรสามารถบรรลุได้อย่างชัดเจนและเฉพาะเจาะจงมากขึ้น: ด้วยความช่วยเหลือของธีมดนตรีที่ตัดขวาง การรำลึกถึง หรือบ่อยครั้งมากที่เป็นผู้ก่อกวน ความสามัคคีประเภทนี้เกิดขึ้นในกระบวนการพัฒนาและความซับซ้อนของรูปแบบของดนตรีบรรเลง ปรากฏครั้งแรกในเบโธเฟน (ในซิมโฟนีที่ห้า, เก้า, โซนาตาและควอเตตบางเพลง) ในอีกด้านหนึ่ง หลักการเฉพาะเรื่องของความสามัคคี (อธิบายโดยละเอียดโดย M.K. Mikhailov ในบทความ“ เกี่ยวกับการรวมใจความของวงจรโซนาต้า - ซิมโฟนิก” // คำถามเกี่ยวกับทฤษฎีและสุนทรียศาสตร์ของดนตรี: ฉบับที่ 2 - M.: S.K. , 1963) เกิดขึ้นในฐานะ "การควบแน่น" ซึ่งเป็นความเข้มข้นของการเชื่อมต่อน้ำเสียง ในทางกลับกัน เราสามารถตรวจจับอิทธิพลของดนตรีโปรแกรมและส่วนหนึ่งคือเพลงประกอบของละครโอเปร่า

หลักการเฉพาะเรื่องของความสามัคคีในระดับหนึ่งละเมิดคุณลักษณะของรูปแบบวงจรเช่นความเป็นอิสระของใจความของส่วนต่าง ๆ โดยไม่ส่งผลกระทบต่อความเป็นอิสระของการสร้างแบบฟอร์ม (ตามกฎแล้วการถ่ายโอนธีมจะเกิดขึ้นในส่วนของแบบฟอร์มที่ไม่ได้รับการควบคุม - ในการแนะนำ และโคดาสเป็นหลัก) ในการพัฒนาประวัติศาสตร์เพิ่มเติม หลักการเฉพาะเรื่องของความสามัคคีได้ขยายไปสู่แนวคิดแบบหักล้าง ซึ่งการก่อตัวของแต่ละส่วนโดยตรงขึ้นอยู่กับแนวคิดเชิงเปรียบเทียบ เนื้อหา และองค์ประกอบของวัฏจักรโดยทั่วไป ลักษณะเฉพาะของส่วนก่อนหน้านี้มีอิทธิพลอย่างแข็งขันต่อการก่อตัวของส่วนที่ตามมาการมีส่วนร่วมในส่วนหลัก (เช่นในการพัฒนา) หรือทำให้เกิดการมอดูเลตในรูปแบบการเปลี่ยนแปลงของแบบแผน

วรรณกรรมหลัก:

1. เบอร์คอฟ VS. รูปแบบโซนาตาและโครงสร้างของวงจรโซนาตา-ซิมโฟนิก อ.: นักแต่งเพลงชาวโซเวียต, 2504

2. Bobrovsky V.P. พื้นฐานการทำงานของรูปแบบดนตรี อ.: มูซิก้า, 2521.

3. มาเซล แอล.เอ. โครงสร้างของผลงานดนตรี อ.: มูซิก้า, 2522.

4. มาเซล แอล.เอ., ซึคเคอร์แมน วี.เอ. วิเคราะห์ผลงานทางดนตรี อ.: มูซิก้า, 2510.

5. โซโคลอฟ โอ.วี. ระบบสัณฐานวิทยาของดนตรีและแนวเพลง นิซนี นอฟโกรอด, 1994.

6. สโปโซบิน ไอ.วี. แบบฟอร์มดนตรี อ.: GMI, 1956.

7. โคโลโปวา V.N. รูปแบบของผลงานดนตรี เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก: Lan, 1999.

วรรณกรรมเพิ่มเติม:

1. Asafiev B.V. รูปแบบดนตรีเป็นกระบวนการ ล.: ดนตรี, 2514.

2. Aranovsky M.G. ภารกิจไพเราะ L.: นักแต่งเพลงชาวโซเวียต, 1979.

3. แคทส์ ปริญญาตรี ในการกำหนดขอบเขตของวงจรการเปลี่ยนแปลง // ดนตรีโซเวียต – พ.ศ. 2517. ลำดับที่ 2.

4. Kohoutek Ts. เทคนิคการแต่งเพลงในดนตรีแห่งศตวรรษที่ยี่สิบ ม., 1976.

5. เมดูเชฟสกี้ วี.วี. ว่าด้วยกฎเกณฑ์และวิถีทางของอิทธิพลทางศิลปะของดนตรี อ.: มูซิก้า, 2519.

6. เมดูเชฟสกี้ วี.วี. เกี่ยวกับดนตรีสากล องค์ประกอบและการละคร / S.S. Skrebkov: บทความและบันทึกความทรงจำ อ.: นักแต่งเพลงชาวโซเวียต, 2522.

7. มิคาอิลอฟ เอ็ม.เค. ว่าด้วยการรวมใจความของวงจรโซนาต้า-ซิมโฟนิก // คำถามเกี่ยวกับทฤษฎีและสุนทรียศาสตร์ของดนตรี ฉบับที่ 2. ม.: นักแต่งเพลงชาวโซเวียต, 2506

8. นาเซย์คินสกี้ อี.วี. ตรรกะของการประพันธ์ดนตรี อ.: มูซิกา, 1982.

9. โปรโตโปปอฟ วี.วี. กระบวนการแปรผันในรูปแบบดนตรี อ.: มูซิก้า, 2510.

10. จังหวะ. พื้นที่และเวลาในวรรณคดีและศิลปะ เสาร์ บทความ - L.: Nauka, 1974.

11. โซโคลอฟ โอ.วี. เกี่ยวกับหลักการพื้นฐานสองประการของการพัฒนาดนตรี // เกี่ยวกับดนตรี. ปัญหาการวิเคราะห์ – อ.: นักแต่งเพลงชาวโซเวียต, 1974.

12. ไฟน์เบิร์ก อี.แอล. ศิลปะกับความรู้// คำถามเชิงปรัชญา. พ.ศ. 2510 ลำดับที่ 7.

13. โคโลโปวา V.N. ปัญหาจังหวะในผลงานของนักประพันธ์เพลงแห่งศตวรรษที่ 20 อ.: มูซิก้า, 1980.

14. โคโลโปวา วี.เอ็น. จังหวะแห่งชาติรัสเซีย อ.: นักแต่งเพลงชาวโซเวียต, 2525

15. Hristov D. รากฐานทางทฤษฎีของทำนอง อ.: มูซิก้า, 1980.

16. ซึคเกอร์แมน วี.เอ. วิเคราะห์ผลงานทางดนตรี หลักการทั่วไปของการสร้างรูปร่าง แบบฟอร์มง่ายๆ อ.: มูซิก้า, 1980.

17. ซึคเกอร์แมน วี.เอ. วิเคราะห์ผลงานทางดนตรี รูปร่างที่ซับซ้อน อ.: มูซิก้า, 1983.

18. ซึคเคอร์แมน วี.เอ. วิเคราะห์ผลงานทางดนตรี แบบฟอร์มการเปลี่ยนแปลง อ.: มูซิก้า, 2517.

19. ซึคเคอร์แมน วี.เอ. วิเคราะห์ผลงานทางดนตรี Rondo ในการพัฒนาทางประวัติศาสตร์ ตอนที่ 1, 2. ม.: Muzyka, 1988.

กลับไปข้างหน้า

ความสนใจ! การแสดงตัวอย่างสไลด์มีวัตถุประสงค์เพื่อให้ข้อมูลเท่านั้น และอาจไม่ได้แสดงถึงคุณลักษณะทั้งหมดของการนำเสนอ หากสนใจงานนี้กรุณาดาวน์โหลดฉบับเต็ม

ประเภทบทเรียน:บทเรียนในการศึกษาและการรวมความรู้เบื้องต้นและวิธีการทำกิจกรรมใหม่ (การจัดกิจกรรมของนักเรียนในด้านการรับรู้ ความเข้าใจ และการท่องจำความรู้เบื้องต้นและวิธีการทำกิจกรรม)

เป้าหมายการสอน:สร้างเงื่อนไขสำหรับการทำความเข้าใจและทำความเข้าใจบล็อกข้อมูลใหม่เกี่ยวกับรูปแบบดนตรีแบบวนซ้ำนำไปใช้ในสถานการณ์ทางการศึกษาใหม่ตรวจสอบระดับการดูดซึมของระบบความรู้และทักษะ

เป้าหมายเนื้อหา:

เกี่ยวกับการศึกษา:

• แนะนำให้นักเรียนรู้จักตัวอย่างดนตรีรูปแบบวงจรโดยใช้ตัวอย่างคอนเสิร์ตบรรเลง
• แนะนำนักเรียนให้รู้จักกับลักษณะของรูปแบบของคอนเสิร์ตบรรเลงตามลักษณะของสไตล์ดนตรีของ A. Schnittke
• พัฒนาทักษะ ความสามารถ และความรู้ใหม่ๆ เกี่ยวกับละครเพลงในคอนเสิร์ต
• รวบรวมความรู้เกี่ยวกับแนวคิด: โพลีสไตลิส, สไตไลซ์
• แนะนำนักเรียนเกี่ยวกับเทคนิคการเรียบเรียงที่ช่วยให้พวกเขาสามารถผสมผสานอดีตและปัจจุบันในงานดนตรีได้

พัฒนาการ:

• สามารถสร้างการเชื่อมโยงที่เป็นไปได้ทั้งหมดระหว่างงานกับปรากฏการณ์ทางศิลปะและชีวิต (การเชื่อมต่อเมตาหัวข้อ: รูปแบบวงจรในดนตรี, ภาพต่อกันในงานศิลปะสมัยใหม่);
• บนพื้นฐานของการเชื่อมโยงทั้งหมดนี้ พัฒนาทัศนคติของคุณต่องานนี้ผ่านศูนย์รวมที่สร้างสรรค์และมีประสิทธิผล
• ความสามารถในการระบุความเชื่อมโยงระหว่างผลงานปัจจุบันและอดีต ลักษณะของดนตรีโบราณในงานสมัยใหม่
• สามารถระบุความเชื่อมโยงระหว่างผลงานวัฒนธรรมดนตรี วิจิตรศิลป์ และภาพยนตร์
• พัฒนาความสามารถของเด็กในการแยกแยะเสียงของเครื่องดนตรีเดี่ยวและวงออเคสตราด้วยหูความสัมพันธ์ของพวกเขา
• ดำเนินการสร้างประสบการณ์การฟังในกระบวนการทำความคุ้นเคยกับผลงานดนตรีบรรเลง

เกี่ยวกับการศึกษา:

• เพื่อปลูกฝังความรักและความเคารพต่อมรดกทางดนตรีของนักแต่งเพลงชาวรัสเซียและประเพณีดนตรีคลาสสิกของอิตาลีและเยอรมัน
• ส่งเสริมให้นักเรียนเคารพประเพณีของอดีต ชาติ หรือประวัติศาสตร์อย่างรอบคอบ และรอบคอบ
• พัฒนาทักษะการสื่อสาร ฝึกหลักการเรียนรู้ผ่านความร่วมมือ (กิจกรรมสร้างสรรค์เป็นคู่)
• เพื่อพัฒนาความสามารถในการตระหนักรู้ในตนเองและการตัดสินใจในตนเองผ่านกิจกรรมที่สร้างสรรค์และมีประสิทธิผล
• การสร้างเงื่อนไขในการให้นักเรียนแต่ละคนมีส่วนร่วมในกระบวนการรับรู้เชิงรุกโดยคำนึงถึงคุณสมบัติทางจิตวิทยาและส่วนบุคคลของนักเรียน
• เพิ่มแรงจูงใจในการเรียนรู้ผ่านการมีส่วนร่วมในกระบวนการสร้างสรรค์เดียว (การทำงานเชิงสร้างสรรค์)

วิธีการ:การค้นหาบางส่วน การสืบพันธุ์ วิธีเมตาหัวข้อ

การสนับสนุนข้อมูลและระเบียบวิธี:คอมพิวเตอร์ส่วนบุคคล, เครื่องฉายมัลติมีเดีย, ไวท์บอร์ดแบบโต้ตอบ, สื่อการสอน เรียบเรียงโดย E. D. Kritskaya

ซอฟต์แวร์ที่ใช้: Power Point, Internet Explorer, Media Player Classic

วิธีการทางเทคนิค:บันทึก "ค่ำคืนผ่านไป" ในเนื้อเพลง R. Rozhdestvensky ดนตรี A. Rybnikova, “Concerto Grosso” โดย A. Schnittke (การเคลื่อนไหวที่ 5, rondo), “Chaconne” โดย I. Bach, ตัดตอนมาจากภาพยนตร์เรื่อง “Youths in the Universe” ของ Richard Viktorov, การนำเสนอเกี่ยวกับรูปแบบวงจรและคอนเสิร์ต, การนำเสนอวิดีโอสำหรับ เพลงของ Rybnikov สไลด์พร้อมการจำลองของ P. Filonov "Head", I. Levitan "Lake Rus", Alfred Sisley "Lonely Path", Niccolo Poussin "Landscape with Two Nymphs"

ความสามารถที่ใช้:ความหมายเชิงคุณค่า วัฒนธรรมทั่วไป การศึกษาและความรู้ความเข้าใจ การปรับปรุงตนเอง การค้นหา

ประเภทและรูปแบบของการควบคุม:แก้ไขคำตอบด้วยวาจาของนักเรียน สังเกตกระบวนการสร้างสรรค์ขณะทำงานเป็นคู่

ปัญหาบทเรียน:ระบุความขัดแย้งของดนตรีสมัยใหม่ผ่านความเชื่อมโยงระหว่างปรากฏการณ์แห่งชีวิตและปรากฏการณ์ทางศิลปะ ตลอดจนสร้างความเชื่อมโยงระหว่างยุคสมัยทางประวัติศาสตร์ต่างๆ

ผลลัพธ์ที่คาดการณ์:

• สามารถรับรู้ด้วยหูและเข้าใจโครงสร้างของดนตรีรูปแบบวงจร
• ความสามารถในการเข้าใจเหตุผลในการดึงดูดนักประพันธ์เพลงยุคใหม่ให้หันมาสนใจดนตรีคลาสสิกในอดีตผ่านรูปแบบคอนเสิร์ตสมัยใหม่

เพิ่มความรู้ความคิดสร้างสรรค์:

• ความสามารถในการรวบรวมการรับรู้เกี่ยวกับงานดนตรีผ่านรูปแบบพลาสติก (การสร้างแบบจำลองการสร้างองค์ประกอบเดียวในภาพองค์รวม - ภาพตัดปะ)
• ความสามารถในการมีส่วนร่วมในการแสดงร่วมกันองค์ประกอบของด้นสดและความคิดสร้างสรรค์
• ทำความรู้จักกับผลงานดนตรี ศิลปกรรม ภาพยนตร์นอกรายการที่กำหนด

เหตุผล

บทเรียนนี้เป็นส่วนหนึ่งของครึ่งปีหลัง "คุณลักษณะของละครของแชมเบอร์และดนตรีไพเราะ" ด้วยความคุ้นเคยกับงานศิลปะสไตล์และยุคสมัยที่แตกต่างกัน วัยรุ่นจึงมีโอกาสได้พูดคุยกับคนรอบข้างและกับผู้คนในอดีตอันไกลโพ้น (ราวกับได้ไปเยี่ยมเยียนช่วงเวลาที่แตกต่างกัน) ดังนั้น นักเรียนจึงมีโอกาสที่จะสร้างการเชื่อมโยงระหว่างโลกรอบตัวพวกเขากับรูปลักษณ์ของผลงานที่สะท้อนถึงสิ่งที่เกิดขึ้นในโลกนี้ (ธรรมชาติของวิชาเมตาดาต้าของวัตถุทางศิลปะ) นี่เป็นบทเรียนเรื่องการรักษาสุขภาพอีกเวอร์ชันหนึ่งด้วย ซึ่งเป็นผลมาจากการค้นหาวิธีแก้ปัญหาผ่านความคิดสร้างสรรค์ การสร้างภาพลักษณ์ที่เป็นอิสระจากสิ่งที่ได้ยิน (การฟังเพลงคลาสสิกอย่างจริงจัง - การสร้างส่วนหนึ่งของภาพต่อกัน)

เวลาจัดงาน:นักเรียนเข้าห้องเรียนเพื่อฟังเพลงของ A. Rybnikov วิดีโอการนำเสนอหมายเลข 1 สำหรับเพลงอยู่บนหน้าจอ (การดื่มด่ำกับเสียง) แผ่นอัลบั้มถูกติดไว้ล่วงหน้าบนโต๊ะ วางกล่องพลาสติก สไลด์หมายเลข 1

โครงสร้างบทเรียนและเนื้อหา

ส่วนหนึ่งของบทเรียนเวลา	เนื้อหาของกิจกรรม	หมายเหตุ
1. ส่วนเบื้องต้น	การตรวจสอบความพร้อมของนักเรียนสำหรับบทเรียน สไลด์หมายเลข 2	ภาพวิดีโอหยุดลง เราระบุหัวข้อของบทเรียน เป้าหมาย และวัตถุประสงค์
2. ขั้นตอนการอัพเดตความรู้. ส่วนเตรียมการ.	ครู:“คุณคิดว่าผู้แต่งเพลงที่คุณได้ยินเมื่อเข้ามาในออฟฟิศจินตนาการถึงโลกทั้งใบรอบตัวพวกเขาอย่างไร” (เราเตือนเด็ก ๆ ว่าผู้แต่งเพลงคือ A. Rybnikov และคำที่เขียนโดย R. Rozhdestvensky) “เพลงนี้แต่งขึ้นเมื่อไหร่ เมื่อไหร่? ทำไมคุณถึงตัดสินใจเช่นนั้น? แสดงแนวคิดหลักที่ผู้เขียนวางไว้” นักเรียนพิจารณาว่าเพลงนี้อาจจะถูกสร้างขึ้นในศตวรรษที่ 20 ในยามสงบ เนื่องจากผู้แต่งได้ต่อยอดจากแนวคิดเรื่องโลกที่กลมกลืนเป็นอันหนึ่งอันเดียวกัน (ชัดเจนจากคำว่า "ฉันจะยึดโลกใบใหญ่นี้" ) เมื่อมีคนฝันถึงการบินอวกาศเกี่ยวกับการสำรวจอวกาศของดวงดาว	เรื่องราวของครูจะมาพร้อมกับสไลด์โชว์
	ครูความเห็น: “การสร้างภาพยนตร์ในปี 1975 ช่วงเวลาที่มนุษย์ได้ขึ้นสู่อวกาศครั้งแรก สไลด์หมายเลข 3 ดังนั้นลักษณะของเพลง - ไพเราะ - อารมณ์โคลงสั้น ๆ ลักษณะตัวละครของรัสเซีย - โรแมนติกความฝันความสามารถในการเอาชนะความยากลำบากเขียนในรูปแบบของเพลงวอลทซ์ (แนวโรแมนติก) บุคคลแรกที่ก้าวเข้าสู่อวกาศคือนักบินอวกาศโซเวียต Alexei Leonov สไลด์หมายเลข 4 เขาไม่เพียงแต่รู้สึกว่าโลกของเราเล็กแค่ไหน แต่ยังตระหนักถึงความรับผิดชอบของแต่ละคนต่อชะตากรรมของโลกด้วย มาดูโลกของเราอีกครั้ง แต่ผ่านสายตาของศิลปินจากยุคต่างๆ เท่านั้น”	“ค่ำคืนผ่านไปแล้ว” (วิดีโอต่อเนื่องจากภาพยนตร์) วิดีโอลำดับที่ 2 จาก<Приложения №1>
	คุณจะเลือกภาพไหนสำหรับเพลงนี้? ทำไมสไลด์หมายเลข 5,6,7 นักเรียน: “การเลือกนี้เกิดขึ้นเพราะมนุษย์และโลกมีความสามัคคีเป็นหนึ่งเดียวกัน” ครู: “ถูกต้อง แต่ทั้งศตวรรษที่ 19 และศตวรรษที่ 20 ในแง่อื่นขัดแย้งกันและไม่เป็นมิตรนัก ศตวรรษที่ 20 เต็มไปด้วยหายนะทางสังคมกลียุคครั้งที่ 8 และในขณะเดียวกันก็เป็นศตวรรษแห่งการปรับโครงสร้างจิตสำนึกของมนุษย์ที่เกี่ยวข้องกับการค้นพบมากมายในสาขาวิทยาศาสตร์และเทคโนโลยีสไลด์หมายเลข 9,10,11 เหตุการณ์ทั้งหมดเหล่านี้นำไปสู่การเปลี่ยนแปลงในโลกทัศน์ซึ่งประการแรกแสดงให้เห็นในการสูญเสียมุมมองที่กลมกลืนของโลกในอดีต Alfred Schnittke Slide No. 12. (1934 - 1998) อาศัยอยู่ในโลกที่ขัดแย้งกันนี้และเมื่อเขาต้องการถ่ายทอดความคิดเกี่ยวกับความสัมพันธ์ระหว่างโลกกับมนุษย์ (มนุษย์มีความมุ่งมั่นตั้งใจโลกคือ ชั่วร้าย ไม่เป็นมิตร เขายังคงหันไปใช้รูปแบบคอนแชร์โตกรอสโซ (XVII – XVIII ศตวรรษ) เรารู้จักคอนแชร์โตของอันโตนิโอ วิวัลดี หมายเลข 6<Приложения №1> เหตุใดนักประพันธ์สมัยใหม่จึงหันไปหาแนวเพลงโบราณเช่นนี้” นักเรียน: “ผู้แต่งต้องการบรรยายถึงคำสารภาพของมนุษย์ในยุคปัจจุบันที่ซึมซับประสบการณ์มานานหลายศตวรรษ มนุษย์เป็นส่วนหนึ่งของโลกและวัฒนธรรมของมนุษย์ พวกเขาไม่สามารถแยกออกจากกัน พวกเขาเป็นหนึ่งเดียวกันแม้ว่าจะขัดแย้งกันก็ตาม กันและกัน."	เราแสดงสไลด์ที่มีการทำซ้ำของ P. Filonov "Head", I. Levitan "Lake Rus", Alfred Sisley "Lonely Path", Niccolo Poussin "Landscape with Two Nymphs" นักเรียนเลือกระหว่าง "Lake Rus" หรือ "Lonely Path" ของ Sisley เนื่องจากมีคาแรคเตอร์ อารมณ์ และเทคนิคการแสดงคล้ายคลึงกัน
	ครู:"คุณถูก. แต่ปรากฎว่าดนตรีก็มีรูปแบบที่แต่ละท่อนประกอบกันเป็นชิ้นที่ใหญ่ขึ้น สิ่งเหล่านี้เป็นส่วนหนึ่งของแผนเดียวของผู้แต่งและไม่สามารถแยกออกจากกันได้ มารำลึกถึงผลงานดังกล่าวด้วยกัน เหล่านี้คือ: โซนาต้า, ซิมโฟนี, สวีท, คอนแชร์โต” และไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่ภาษาดนตรีในคอนเสิร์ตของ Schnittke สะท้อนทำนองเพลง "Chaconne" ของ J. Bach มันมีเสียงของไวโอลิน เหมือนกับเสียงของบุคคล พร้อมด้วยภารกิจ ความสงสัย และแรงบันดาลใจทั้งหมดของเขา เขาถาม แล้วก็โทร แล้วก็ให้เหตุผล...สไลด์หมายเลข 14 ลองฟังข้อความที่ตัดตอนมาจากผลงานของนักแต่งเพลงชาวเยอรมันผู้ยิ่งใหญ่ #4 จาก<Приложения №1>	สไลด์หมายเลข 13
	ครู:“มาจำไว้ว่าแนวเพลงคอนแชร์โต้ กรอสโซ่ ถูกสร้างขึ้นมาได้อย่างไร” นักเรียนเล่าว่า: “ นี่คือประเภทเครื่องดนตรีที่มีพื้นฐานมาจากการสลับและการต่อต้านของเสียงของนักแสดงทั้งหมดและกลุ่มศิลปินเดี่ยว (คอนแชร์โต้ของอิตาลีตามตัวอักษร - ข้อตกลงจากภาษาละตินคอนแชร์โต - แข่งขัน) นี่คือรูปแบบดนตรีที่เป็นวัฏจักร CYCLIC FORMS รูปแบบดนตรีที่ประกอบด้วยส่วนที่ค่อนข้างอิสระหลายส่วน ซึ่งเมื่อรวมกันแล้วเผยให้เห็นแนวคิดทางศิลปะเพียงหนึ่งเดียว” ครู: “ถูกต้อง. รูปแบบดังกล่าวก็มีอยู่ในวิจิตรศิลป์เช่นกัน ศิลปินยังพยายามที่จะแสดงความเผชิญหน้าระหว่างโลกกับมนุษย์ แต่เป็นเพียงสีเท่านั้น ในโลกสมัยใหม่ หลายคนสนใจที่จะสร้างภาพต่อกัน คุณรู้ไหมว่านี่คืออะไร?” นักเรียนตอบโดยสมมติว่าภาพต่อกันเป็นภาพที่สร้างขึ้นจากส่วนต่างๆ ที่รวมเป็นหนึ่งเดียวกันด้วยแนวคิดเดียวกัน ครู: “เรามาทำความเข้าใจและทำความเข้าใจแนวคิดนี้โดยละเอียดกันดีกว่า” สไลด์หมายเลข 16	หลังจากฟังแล้ว นักเรียนจะได้รับรูปภาพสไลด์หมายเลข 15 อีกครั้ง และพวกเขาเลือกการทำสำเนาในรูปแบบของภาพต่อกัน อธิบายการเลือกของพวกเขากับความขัดแย้งของศตวรรษใหม่ ความขัดแย้งในดนตรี: การต่อต้านของเสียงไวโอลินเดี่ยว ( เหมือนเสียงของคนคนเดียว) และวงออเคสตราทั้งหมด (เสียงของคนทั้งโลก) กำลังเล่นข้อความที่ตัดตอนมาจาก Rondo 5 - ตอนที่ 1 #5 จาก<Приложения №1>
3. การฟังเพลง. เสร็จสิ้นภารกิจสร้างสรรค์	ครู:“เรามาลองรวมโลกแห่งดนตรีและโลกแห่งวิจิตรศิลป์เข้าด้วยกัน เนื่องจากบุคคลหนึ่งมีปฏิสัมพันธ์กับโลกรอบตัวเขาอยู่ตลอดเวลา ขณะนี้ ขณะฟังเพลงของ Schnittke คุณได้รับเชิญให้สร้างภาพต่อกัน คุณจะแบ่งแผ่นงานออกเป็นสองส่วน และด้วยความช่วยเหลือของการสร้างแบบจำลอง คนหนึ่งจะรวบรวมสถานะของบุคคลไว้ในส่วนแรกของแผ่นงาน และอีกส่วนจะถ่ายทอดถึงส่วนที่สองของแผ่นงาน ทัศนคติของโลกโดยรอบต่อบุคคล สไลด์หมายเลข 17, 18 เพลงของ Schnittke จะบอกคุณว่าการเผชิญหน้าระหว่างโลกและมนุษย์จะจบลงอย่างไร อย่าลืมว่าผลงานทั้งหมดของคุณซึ่งเป็นส่วนหนึ่งของโลกใบเดียวจะถูกรวมเข้าด้วยกันเป็นภาพต่อกันทั่วไป และจำไว้ว่าแต่ละสีสื่อถึงอารมณ์ ความคิด อารมณ์ของบุคคล” สไลด์หมายเลข 19 ตัดตอน #5 จาก<Приложения №1>	หลังจากครูกล่าวแนะนำตัวแล้ว เด็กๆ ก็เริ่มทำงาน เราเตือนคุณถึงตารางสำหรับจำแนกสีและความสอดคล้องกับอารมณ์ของบุคคล<Приложение 2>.
4. วิเคราะห์เพลง	ครูขอให้ทำงานสร้างสรรค์ให้เสร็จเซ็นชื่อลงบนกระดาษแผ่นเล็กที่วางอยู่บนโต๊ะ หนุ่มๆ แสดงความคิดในการทำงานเป็นลายลักษณ์อักษรและตอบคำถาม สไลด์หมายเลข 20 เราสังเกตถึงลักษณะเฉพาะของดนตรีของ Schnittke ซึ่งเป็นการผสมผสานระหว่างอดีตและปัจจุบัน (polystylistics) คอนแชร์โตกรอสโซรูปแบบโบราณช่วยให้ผู้แต่งถ่ายทอดความสัมพันธ์ระหว่างโลกสมัยใหม่และมนุษย์ที่เปลี่ยนแปลงอย่างรวดเร็ว (ความขัดแย้งและในขณะเดียวกันก็ความสามัคคี) ทั้งหมดนี้เป็นเรื่องปกติและ สำหรับยุคบาโรกในระหว่างที่ฟอร์มคอนเสิร์ตเกิดขึ้น ในคอนเสิร์ตความสัมพันธ์ระหว่างศิลปินเดี่ยวและวงออเคสตราอยู่ภายใต้ลำดับที่สูงกว่าซึ่งเป็นแนวคิดเดียว เราทำซ้ำรูปแบบที่เป็นวงจรในดนตรี เราวาดความคล้ายคลึงในทัศนศิลป์ (ภาพต่อกัน) ในโรงภาพยนตร์ (หลักการของการตัดต่อภาพยนตร์ การเปลี่ยนแปลงเฟรมในวิดีโอบ่อยครั้ง)
5. ขั้นตอนสุดท้าย. บรรทัดล่าง	นักเรียนเปรียบเทียบภาพศิลปะในงานของพวกเขากับดนตรีของ Schnittke และ Bach บทสรุป: ในยุคของเรา มีโอกาสใหม่ๆ เกิดขึ้นเพื่อรวบรวมหัวข้อเรื่องสงครามและสันติภาพ ชีวิตและความตาย ความรักและความเกลียดชัง การนำสไตล์ต่างๆ มาใช้ในงานดนตรี (สมัยใหม่และโบราณ) ช่วยเพิ่มความเข้าใจเกี่ยวกับความสามัคคีของโลกและวัฒนธรรมของมนุษย์
6. การประเมินผลงานนักศึกษา	มีการประเมินคำตอบด้วยวาจาและงานสร้างสรรค์รวมถึงความสามารถในการทำงานเป็นคู่
7. การบ้าน.	ทำซ้ำแนวคิดของ "รูปแบบวงจร", "คอนแชร์โตกรอสโซ" "ภาพปะติด". “บาโรก”, “โพลีสไตลิสต์” เขียนคำจำกัดความของแนวคิด "คอนเสิร์ตบรรเลง" ของคุณ ค้นหาคำจำกัดความบนเว็บไซต์ศิลปะ เปรียบเทียบคำจำกัดความของคุณและคำจำกัดความทางวิทยาศาสตร์ จำไว้ สไลด์หมายเลข 21 หากต้องการ นักเรียนสามารถทำงานสร้างสรรค์โดยรวบรวมความสัมพันธ์ระหว่างมนุษย์กับโลกในรูปวาดได้<Приложениe №4>	พวกเขาทำความสะอาดที่ทำงานแล้วออกไปร้องเพลง “The Night Has Passed” (ลำดับวิดีโอจากภาพยนตร์) ลำดับวิดีโอ #2 จาก<Приложения №1>
การสะท้อน.	ผลงานส่วนบุคคลของนักเรียนจะถูกรวมเป็นภาพต่อกันเดียวในช่วงเวลานอกหลักสูตร และงานนิทรรศการจะถูกสร้างขึ้นพร้อมความคิดเห็นและคำอธิบายประกอบจากนักเรียน เรารวบรวมความรู้เกี่ยวกับรูปแบบวงจรในดนตรี วิจิตรศิลป์ และภาพยนตร์<Приложение №3>

ความมีชีวิตของรูปแบบบทกลอน "Glinka" พิสูจน์ได้จากการใช้โดยนักประพันธ์เพลงโซเวียต ในเวลาเดียวกันเทคนิคการพัฒนาและวิธีการแสดงออก (โดยเฉพาะภาษาฮาร์มอนิก) ได้รับการอัปเดต แต่ประเภทของรูปแบบนั้นยังคงอยู่: ส่วนเริ่มต้นของ "Little Cantata" ("Maiden Ditties") จากโอเปร่าของ Shchedrin เรื่อง "Not Only Love" ”

ใน รูปแบบข้อตัวแปร ส่วนเสียงร้องเป็นส่วนแรกที่จะเปลี่ยนแปลง

ลักษณะเด่นของการเปลี่ยนแปลง: รูปแบบที่เกี่ยวข้องกับการเปลี่ยนแปลงทำนองทำให้เกิดการเปลี่ยนแปลงในเชิงโครงสร้างและขนาดใหญ่ แต่ยังคงรักษาความสามัคคีที่เป็นรูปเป็นร่างและแนวเพลง ผลที่ตามมาก็คือความเท่าเทียมกันสัมพัทธ์ของตัวแปรและธีม ในขณะที่การเปลี่ยนแปลงเป็นปรากฏการณ์รองที่มาจากอนุพันธ์ของธีม

การรวมกันของความชัดเจน โครงสร้างที่ชัดเจน ความสามารถในการเปลี่ยนแปลงต่างๆ และความสามารถในการติดตามข้อความทำให้รูปแบบบทกวีรูปแบบหนึ่งในรูปแบบเพลงร้องที่ใช้บ่อยที่สุด แบบฟอร์มนี้มีส่วนสำคัญในการแต่งเพลงของชูเบิร์ตและมาห์เลอร์ ในบรรดานักแต่งเพลงชาวโซเวียต G. Sviridov เต็มใจหันไปหา: คอรัส "เพลงเกิดมาได้อย่างไร", "ในดินแดนนั้น" จาก "บทกวีในความทรงจำของ S. Yesenin" ตัวอย่างอื่นๆ ได้แก่ “Gretchen at the Spinning Wheel” โดย Schubert, “Polina’s Romance” จาก “The Queen of Spades” โดย Tchaikovsky

ผ่านแบบฟอร์ม

รูปแบบการตัดขวางเกิดขึ้นจากความต้องการดนตรีเพื่อติดตามการพัฒนาของโครงเรื่อง มีการใช้ความเป็นไปได้ด้านภาพของดนตรีและความสามารถในการปรับปรุงด้านอารมณ์ของข้อความมากกว่าในรูปแบบอื่นๆ ไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่นักแต่งเพลงเหล่านั้นให้ความสนใจอย่างมากกับแบบฟอร์มนี้ซึ่งมีความไวต่อเฉดสีที่ละเอียดอ่อนที่สุดของภาพข้อความและข้อความย่อยทางจิตวิทยา - Schubert, Mussorgsky เพลงของ Liszt ส่วนใหญ่เขียนในรูปแบบผ่าน แบบฟอร์มนี้ครอบครองพื้นที่ขนาดใหญ่ในดนตรีของปลายศตวรรษที่ 19 - ต้นศตวรรษที่ 20 โดยเฉพาะอย่างยิ่งในประเภทของ "บทกวีพร้อมดนตรี" ซึ่งแพร่หลายในผลงานของ Wolf ในดนตรีรัสเซีย - โดย Medtner, Prokofiev, Gnessin, Cherepnin ส่วนหนึ่งโดย Rachmaninov และเสียงร้องในข้อความร้อยแก้ว (“ The Ugly Duckling” โดย Prokofiev)

แบบฟอร์มตั้งแต่ต้นจนจบจะขึ้นอยู่กับหลักการของการอัปเดตเนื้อหาดนตรีอย่างต่อเนื่องตามเนื้อหาของข้อความ อย่างไรก็ตาม ผู้แต่งพยายามที่จะแนะนำปัจจัยที่รวมดนตรีเข้าด้วยกันให้เป็นรูปแบบที่ตัดกัน เพื่อจุดประสงค์นี้ หลักการของการแก้แค้น การปิดการแก้แค้น การละเว้นจากต้นทางถึงปลายทาง ("คอร์ดใบไม้" แห่งความตายใน "เพลงกล่อมเด็ก" ของ Mussorgsky และการขับร้อง "bayushka, byu, bye") การเชื่อมโยงน้ำเสียงและใจความของส่วนต่าง ๆ ของ มีการใช้รูปแบบและการจัดเรียงวรรณยุกต์

ตัวอย่างของรูปแบบการตัดขวาง: “The Forest King” โดย Schubert, คอรัส “The Stars Are Fading” โดย Kalinikov

หัวข้อที่ 14 รูปแบบวงจร: ชุด, วงจรโซนาต้า - ซิมโฟนิก

ห้องสวีท

โซนาต้า

วงจร เป็นรูปแบบที่ประกอบด้วยส่วนที่ตัดกันหลายส่วนที่แยกจากกัน เป็นอิสระในรูปแบบ แต่เชื่อมโยงกันด้วยแนวคิดทางศิลปะเดียว

คุณสมบัติหลักของรูปแบบวงจร:

♦ การมีอยู่หลายส่วน (ตั้งแต่ 2 ถึง 10)

♦ ความเป็นอิสระของรูปแบบของแต่ละส่วน

♦ การแยกชิ้นส่วน (ส่วนหนึ่งสามารถทำได้แยกกัน)

♦ ความคมชัดของจังหวะ

♦ ความแตกต่างในตัวละคร

♦ ชุมชนวรรณยุกต์:

ก) โทนเสียงเดียวของทุกส่วน

b) การสร้างการบรรเลงวรรณยุกต์ (วงจรโซนาต้า - ซิมโฟนิก)

c) เน้นศูนย์วรรณยุกต์ (โทนสีเด่น)

♦ แนวคิดทั่วไป:

ก) นักแสดงหนึ่งกลุ่ม

b) ทรงกลมประเภทหนึ่ง

c) ชุมชนเฉพาะเรื่อง

ง) โปรแกรม

รูปแบบวงจร ได้แก่ เสียงร้อง เครื่องดนตรี และเวที

เสียงร้อง(เสียงร้อง-เครื่องดนตรี) แบ่งเป็น แคนทาทา-ปราศรัย(คันตาตา โอราทอริโอ มิสซา บังสุกุล กิเลสตัณหา) และ ห้องเสียง(วงจรเสียง)

รอบเวที: โอเปร่าและบัลเล่ต์

ลูปเครื่องดนตรี

รูปแบบไซคลิกมีสองประเภทหลัก: วงจรโซนาตา-ซิมโฟนิก ความเป็นอิสระของส่วนต่างๆ ของวงจรถูกกำหนดโดยข้อเท็จจริงที่ว่าสามารถแสดงแยกกันได้ (การเต้นรำในห้องสวีท ส่วนของโซนาตาหรือซิมโฟนี)

ห้องสวีท (แถว ลำดับ) – งานวงจรที่ประกอบด้วยส่วนอิสระของการเต้นรำหรือลักษณะประเภท ซึ่งตัดกันในลักษณะตัวละครและจังหวะ การสลับชิ้นส่วนในห้องชุดไม่ได้เข้มงวด และไม่ได้ควบคุมจำนวนชิ้นส่วนเหล่านั้น บ่อยครั้งทุกส่วนเขียนด้วยคีย์เดียวกัน

ห้องสวีทนี้มีหลายประเภทที่ได้รับมอบหมายในอดีต ในที่สุดห้องสวีทโบราณ (บาโรก) ก็ถูกสร้างขึ้นในช่วงกลางศตวรรษที่ 17 – ครึ่งแรกของศตวรรษที่ 18 ในผลงานของนักประพันธ์เพลงของโรงเรียนระดับชาติต่างๆ: Froberger, Handel, Corelli, Couperin, Rameau ฯลฯ ในประเทศต่าง ๆ มันถูกเรียกแตกต่างกัน: ในเยอรมนี - partita ในอังกฤษ - บทเรียนในฝรั่งเศส - การทาบทามในอิตาลี - sonata da กล้องบัลเล่ต์

สำหรับห้องสวีทของศตวรรษที่ 17 และชุมชนการเต้นรำเฉพาะเรื่องก่อนหน้านี้เป็นเรื่องปกติ แต่ในศตวรรษที่ 18 มันค่อนข้างหายาก (ไม่ใช่ในบาค แต่สามารถพบได้ในฮันเดล) ห้องเต้นรำมีมาตั้งแต่กลางศตวรรษที่ 17 สูญเสียลักษณะการใช้งานไปและในศตวรรษที่ 18 รูปแบบของพวกเขามีความซับซ้อนมากขึ้น แม้ว่ารูปแบบขนาดเล็กจะมีอิทธิพลเหนือกว่า (รูปแบบที่เรียบง่าย 2 และ 3 ส่วน รูปแบบคอมโพสิต โซนาตาเก่า คอนแชร์โต และคอนทราสต์คอมโพสิต)

พื้นฐานของห้องชุดโบราณของศตวรรษที่ 17-18 ประกอบด้วยการเต้นรำ 4 แบบ: allemande, courante, sarabande และ gigue. วงจรนี้เปรียบเทียบการเต้นรำช้าๆ อย่างสงบกับการเต้นรำที่มีชีวิตชีวาและรวดเร็วสองครั้ง:

1) allemande – จังหวะปานกลาง-ช้า

2) เสียงระฆัง - เร็วปานกลาง

3) sarabande – ช้ามาก

4) จิ๊ก – เร็วมาก

อัลเลมันเด – การเต้นรำแบบกลมเรียบสองจังหวะ (ลายเซ็นเวลา 4/4) ที่มีจังหวะปานกลาง มีต้นกำเนิดจากเยอรมัน เริ่มต้นเป็นจังหวะ (จนถึงศตวรรษที่ 17) ด้วยระยะเวลาหนึ่งในแปดหรือสิบหก ในแง่ของจำนวนเสียง อัลเลมันด์มักมี 4 เสียง โดยมีเสียงสะท้อนและการเลียนแบบมากมาย ในขณะเดียวกัน การพัฒนาโพลีโฟนิกก็ทำให้ความสามารถในการเต้นของจังหวะราบรื่นขึ้น รูปแบบของอัลเลมองด์เป็นแบบโบราณ มีสองส่วน (ส่วนที่ 2 เป็นส่วนที่กลับกันของส่วนที่ 1)

คุรันตา − การเต้นรำสามจังหวะ (3/4 หรือ 3/2) ที่มีต้นกำเนิดจากฝรั่งเศส ก้าวอยู่ในระดับปานกลางหรือเร็ว จังหวะทั่วไป ร่วมกับอัลเลมันด์ในเบื้องต้น ศตวรรษที่สิบแปด couranta หลุดออกจากการใช้งานและทำหน้าที่เป็นวัตถุแห่งสไตล์ (Bach) ตามจำนวนเสียง เสียงระฆังมักจะมีสองเสียง แบบฟอร์มเป็นแบบสองส่วนที่เรียบง่าย (ในตอนท้ายมีการบรรเลง)

ซาราบันเด − การเต้นรำสามจังหวะ (3/4 หรือ 3/2) ที่มีต้นกำเนิดจากภาษาสเปน ปราศจากจังหวะเริ่มต้น รูปแบบจังหวะทั่วไป:

เป็นจังหวะ - . การเปลี่ยนฮาร์โมนีจะเน้นย้ำถึงประเภทจังหวะพื้นฐาน ซาราแบนด์ถูกครอบงำด้วยโครงสร้างคอร์ด (พื้นผิวแบบโฮโมโฟนิก-ฮาร์โมนิก) แบบฟอร์มมีแนวโน้มที่จะเป็นสามส่วน (การทำซ้ำจะเด่นชัดกว่า)

ซิก้า − การเต้นรำสามจังหวะเร็ว (3/8, 6/8, 9/8, 12/8, 12/16) ที่มีต้นกำเนิดจากภาษาอังกฤษ มีความล่าช้าเกิดขึ้นบ่อยครั้ง มักมีการพัฒนาความทรงจำรวมถึงการกลับรายการธีมในส่วนที่ 2 ตามจำนวนเสียง - สองหรือสามเสียง แบบฟอร์มเป็นแบบสามส่วนที่เรียบง่าย

นอกเหนือจากการเต้นรำหลักแล้ว ยังมีการแสดงเพิ่มเติมในชุดอีกด้วย:

1) การเต้นรำบางอย่างมีคู่ (ตัวแปร) ซึ่งเป็นรูปแบบประดับ

2) ก่อนที่อัลเลมันด์จะมีโหมโรง (คำนำ, การทาบทาม, ทอกกาตา, แฟนตาซี, ซินโฟเนีย); การเล่นดังกล่าวอาจเป็นวงจรสองหรือสามส่วนขนาดเล็ก

3) ภายในห้องสวีท (โดยปกติจะอยู่ระหว่าง sarabande และ gigue) มีการเต้นรำอื่น ๆ - minuet, gavotte, bourrée, passier, rondo, burlesque, scherzo, capriccio หรือชิ้น (aria)

ท่ามกลางรูปแบบวงจรอื่นๆ โซนาตาและคอนแชร์โตเริ่มแพร่หลายในยุคบาโรก

31/03/2556 เวลา 12:30 น. บล็อก

ตั๋วสำหรับวรรณกรรมดนตรี

วงจรโซนาต้า-ซิมโฟนิก แบบฟอร์มโซนาต้า นิทรรศการ

วงจรโซนาต้า-ซิมโฟนิก ("โซนาต้า" - "เสียง", "ซิมโฟนี" - "ความสอดคล้อง") - นี่เป็นรูปแบบดนตรีที่มีหลายส่วนที่ซับซ้อนมาก ผู้แต่งเขียนในรูปแบบนี้ซิมโฟนี โซนาตา คอนเสิร์ต และวงดนตรีบรรเลง (ทรีโอ ควอร์เตต ควินเท็ต และอื่นๆ) วงจรโซนาต้า - ซิมโฟนิกคลาสสิกได้รับการพัฒนาในผลงานของนักแต่งเพลงโรงเรียนเวียนนา: J. Haydn, W. A. ​​Mozart และ L. van Beethoven

แต่ละส่วนของวงจรโซนาต้า-ซิมโฟนิกได้รับการกำหนดลักษณะ จังหวะ และโทนเสียงที่แน่นอน ทุกส่วนมีบทบาทในวงจรและมีบทบาทบางอย่างในวงจรนั้น ตามการจำแนกประเภทของนักดนตรี Aranovsky , 1 ส่วน - นี่คือ "ผู้แสดง"ส่วนที่ 2 – “คนคิด”ส่วนที่ 3 – “ผู้ชายเล่น”ส่วนที่ 4 – "ผู้ชายในสังคม".

โดยปกติ อย่างน้อยหนึ่งส่วน วงจรโซนาต้า - ซิมโฟนิก (ส่วนใหญ่มักเป็นวงจรแรก) เขียนไว้แบบฟอร์มโซนาต้า . แบบฟอร์มนี้ตรงบริเวณสถานที่พิเศษในบรรดารูปแบบดนตรีเรียกว่ารูปแบบดนตรีสูงสุดเฉพาะรูปแบบโซนาต้าเท่านั้นที่ทำให้ผู้แต่งมีโอกาสสะท้อนปรากฏการณ์ชีวิตที่ซับซ้อนแบบฟอร์มโซนาต้า มักจะถูกเปรียบเทียบกับละคร - งานวรรณกรรมที่ตั้งใจจะจัดแสดงในโรงละคร แอ็คชั่นในละครดำเนินไปดังนี้:

พล็อต– ทำความรู้จักกับตัวละครหลัก

การพัฒนาพล็อต– เหตุการณ์บางอย่างที่บังคับให้ฮีโร่ต้องกระทำ กระทำการ และด้วยเหตุนี้ จึงเปิดเผยแก่นแท้ของพวกเขา

ข้อไขเค้าความเรื่อง- ผลลัพธ์, ผลลัพธ์ที่การกระทำเกิดขึ้น

ในทางกลับกันรูปแบบโซนาต้าประกอบด้วยสามส่วนขนาดใหญ่ : นิทรรศการ (จากภาษาละติน - "การนำเสนอ") - แสดงหัวข้อหลักการพัฒนา (การเปลี่ยนแปลง การพัฒนาธีมนิทรรศการ)ตอบโต้ ( การกลับมาของธีมหลักของนิทรรศการ แต่มีการเปลี่ยนแปลงที่จำเป็น)

พื้นที่ใช้งานของแบบฟอร์มโซนาต้า:

ส่วนแรก (หรือรอบชิงชนะเลิศ) ของซิมโฟนี โซนาตา คอนแชร์โต ควอร์เตต;

การทาบทามและบทไพเราะของแต่ละบุคคล

งานร้อง (โดยปกติจะเป็นนักร้องประสานเสียง) เป็นกรณีที่ค่อนข้างหายาก

นิทรรศการ แสดงถึงรูปภาพหลักสองภาพ ซึ่งมักจะตัดกัน:ฝ่ายหลัก (แพทย์ทั่วไป) และ ชุดด้านข้าง (พีพี ). เสริมด้วยฝ่ายช่วยเหลือสองฝ่าย:เครื่องผูก (เอสวีพี) และ สุดท้าย (เงินเดือน ). โครงสร้างนิทรรศการที่สมบูรณ์มีลักษณะดังนี้:

G P sv.p P P zp

พรรคหลัก- นี่คือภาพหลักของรูปแบบโซนาต้า (ผู้ชายหรือละคร) และเขียนตามกฎในคีย์หลัก

การเชื่อมโยงฝ่าย- นี่คือการเปลี่ยนจากคีย์ของส่วนหลักไปเป็นคีย์ของส่วนรอง

ชุดด้านข้าง(ภาพลักษณ์ของผู้หญิงที่สง่างาม) - ตรงกันข้ามกับภาพหลักและมักจะเขียนด้วยคีย์ของผู้มีอำนาจเหนือกว่า (วีระดับระดับ) หากคีย์หลักของรูปแบบโซนาต้าเป็นคีย์หลักหรืออยู่ในคีย์คู่ขนาน (สามระดับระดับ) หากคีย์หลักเป็นคีย์รอง

เกมสุดท้าย(ลักษณะการเคลื่อนไหวของธีม) ทำให้การแสดงสมบูรณ์และสร้างโทนเสียงของส่วนด้านข้าง (สิ่งนี้ไม่ได้เกิดขึ้นเสมอไปโดยเฉพาะในวงจรโซนาต้า - ซิมโฟนิกของครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19)

ตามกฎแล้วฝ่ายที่เชื่อมต่อและฝ่ายสุดท้ายไม่เป็นอิสระและสร้างขึ้นจากเนื้อหาของฝ่ายหลักหรือฝ่ายด้านข้างและไม่ค่อยมีส่วนร่วมในการพัฒนาเพิ่มเติม อย่างไรก็ตาม รูปแบบคลาสสิกนี้มักถูกละเมิดโดยผู้แต่งเองเพื่อประโยชน์ของเนื้อหาที่พวกเขาใส่ลงในรูปแบบโซนาต้าที่กำหนด สำหรับนักแต่งเพลง มันไม่ได้เป็นเพียงชุดของวรรณยุกต์และรูปแบบนาฬิกาเท่านั้น แต่ยังเป็นสิ่งมีชีวิตที่ปฏิบัติตามกฎของมันเอง ยูโมสาร์ท, ตัวอย่างเช่นค่อนข้างบ่อยสารยึดเกาะและชุดสุดท้าย มีเอกลักษณ์ทางดนตรีเป็นของตัวเองและมีส่วนร่วมในการพัฒนาเพิ่มเติม (การพัฒนา) และแทนที่จะเขียนธีมหลักและรองเพียงอันเดียวพวกเขาเขียนธีมต่างๆ มากมายในทำนองและเนื้อสัมผัส สิ่งนี้เกิดขึ้นได้ด้วยความสามารถทางดนตรีของ Mozart และความจริงที่ว่าผู้แต่งถือว่าธีมทั้งหมดเป็นผู้เข้าร่วมละครหรือละคร การกระทำ (ดู: โซนาตาหมายเลข 11, บีแฟลตเมเจอร์ และโซนาตาหมายเลข 14, ซีไมเนอร์)

การพัฒนา ถือว่า สถานการณ์ใด ๆ รูปแบบมาตรฐานตามที่ GP และ PP เท่านั้นที่ควรมีส่วนร่วมในการพัฒนานั้นไม่ได้นำไปใช้เสมอไปเนื่องจากงานทางศิลปะมักจะเกินข้อกำหนดด้านกฎระเบียบ ขึ้นอยู่กับแนวคิดของโซนาต้าและการเคลื่อนไหวนี้ ต่อไปนี้เป็นไปได้ตัวเลือกการพัฒนา:

การเปลี่ยนแปลงของ GP และ PP;

การพัฒนา SV และ SR

การเกิดขึ้นของหัวข้อใหม่

การผสมผสานโพลีโฟนิกของธีม

รูปแบบการเคลื่อนไหวทั่วไป

การเปลี่ยนแปลงธีม อาจเป็นดังนี้:1. การเปลี่ยนกรณีของหัวข้อ 2. ทำนองและดนตรีประกอบเปลี่ยนไป 3. การเปลี่ยนแปลงโทนเสียงในธีม 4. การเปลี่ยนแปลงพื้นผิวของหัวข้อ (การเปลี่ยนแปลงการสนับสนุน); 5. หลักการเปลี่ยนแปลง ลำดับ และแรงจูงใจของการพัฒนา

ตัวเลือกการพัฒนาที่ง่ายที่สุดมีอยู่ในโซนาตาไฮเดน (เช่น ใน Sonata No. 37 “Children’s” ขบวนการที่ 1 หรืองานหลังที่เลียนแบบสไตล์คลาสสิก -โปรโคเฟียฟ ซิมโฟนีหมายเลข 1 “คลาสสิก” ). ยู โมสาร์ท และ เบโธเฟน ตามกฎแล้วตัวเลือกการพัฒนาที่ซับซ้อนมากขึ้นซึ่งเกี่ยวข้องกับเนื้อหาละครหรือละครของรูปแบบโซนาต้า (ดู:โมสาร์ท, โซนาตาสหมายเลข 14, 18; เบโธเฟน โซนาตาหมายเลข 1, 2, 21) การพัฒนาในหมู่นักประพันธ์เพลงเหล่านี้มักเริ่มต้นด้วยการอธิบายและอาจใช้ความพยายามน้อยลงในการพัฒนาเนื้อหา นอกจากนี้ยังเกิดขึ้นที่มีบทบาทสำคัญในการพัฒนารูปแบบโซนาต้าการแนะนำ, ซึ่งเหมือนกับผู้กำกับที่ควบคุมการพัฒนาในรูปแบบ (ดูไฮเดน, ซิมโฟนีหมายเลข 103 “พร้อมลูกคอกลอง”; เบโธเฟน ซิมโฟนีหมายเลข 5, C minor, โซนาตาหมายเลข 8, “Pathetique”; ชูเบิร์ต, ซิมโฟนีหมายเลข 8 บีไมเนอร์ 1 การเคลื่อนไหว) รูปแบบการพัฒนารูปแบบที่หลากหลายในการพัฒนาสามารถพบได้ในโซนาตาของศตวรรษที่ 20 (ดูโปรโคเฟียฟ โซนาต้าหมายเลข 2 การเคลื่อนไหวสุดขั้ว มายาสคอฟสกี้ โซนาต้าหมายเลข 2, บีไมเนอร์; เมดท์เนอร์, โซนาต้าแฟนตาซี)

บรรเลงอีกครั้ง ควรส่งคืนลำดับหัวข้อก่อนหน้าโดยมีความแตกต่างที่ PP ควรอยู่ในคีย์หลัก และไม่ได้อยู่ในลำดับที่โดดเด่น เช่นเดียวกับใน exposition อย่างไรก็ตาม ยังมีความเบี่ยงเบนค่อนข้างมากจากมาตรฐานนี้: การพัฒนามักจะดำเนินต่อไปในรูปแบบการตอบโต้หรือปรากฏว่า "อยู่ที่จุดสูงสุดของการพัฒนา" (ดู:ไชคอฟสกี้ ซิมโฟนีหมายเลข 4 1 การเคลื่อนไหว) โซนาตาบางตัวไม่ได้จบการพัฒนาด้วยการบรรเลงใหม่ แต่ยังมีท่อนสุดท้ายเพิ่มเติม - โคดา

รหัส – ส่วนเพิ่มเติมที่ทำให้เกิดเสียงหลังจากการบรรเลงเกี่ยวข้องกับการเพิ่มหรือขยายโครงสร้างของรูปแบบโซนาต้า อาจมีรูปแบบการเคลื่อนไหวทั่วไปหรือแก่นเรื่องที่มีความสำคัญเป็นอันดับแรก (ดู:เบโธเฟน โซนาต้าหมายเลข 8 1 การเคลื่อนไหว รหัสระบุ GP; บราห์มส์ แรปโซดีในบีไมเนอร์ ในโค้ดมี PP ที่ได้รับการดัดแปลงซึ่งทำงานในเสียงเบสโมสาร์ท, โซนาต้าหมายเลข 14 1 การเคลื่อนไหว รหัสถูกครอบงำโดย GPU)

เมื่อวิเคราะห์รูปแบบโซนาต้า สิ่งสำคัญไม่เพียงแต่จะต้องค้นหาชิ้นส่วนอย่างถูกต้องและกำหนดโทนเสียงเท่านั้น แต่ยังต้องพยายามเข้าใจรูปแบบการปรากฏตัวของเพลงนี้และระบุแนวคิดของการโต้ตอบระหว่าง "ฮีโร่" ของละครปัจจุบันด้วย

งาน: วิเคราะห์1 การเคลื่อนไหวของโมสาร์ทโซนาตาส (หมายเลข 14 หรือหมายเลข 18 – ตัวเลือก) ระบุขอบเขตของส่วนต่าง ๆ ของรูปแบบโซนาต้า (นิทรรศการ, การพัฒนา, การบรรเลง), ค้นหาขอบเขตของธีม, กำหนดโทนเสียง, วิธีการพัฒนาในการพัฒนาและการมีอยู่ของธีมนิทรรศการที่นั่น, พิจารณาว่ามีหรือไม่มีโคดาและของมัน บทบาทในส่วนที่กำหนดของโซนาต้าแบบทดสอบ: ค้นหางานพูดเกี่ยวกับลักษณะของเพลงที่กำลังเล่น (แนะนำให้รู้ส่วนที่จะเล่นในขณะนี้) ตั้งชื่อหลักการในการพัฒนาธีมหลักการนี้ใช้ไม่ได้เสมอไป: บ่อยครั้งที่ผู้สร้างรูปแบบโซนาต้าละเมิดกฎที่กำหนดไว้เพราะว่า ความคิดสร้างสรรค์มักไม่เข้ากับแผนการใช้โทนเสียงที่กำหนดตามประเพณี (ดู: Mozart, Sonata No. 16, F major; Beethoven, Sonata No. 1 และอื่น ๆ อีกมากมาย)

ความคิดเห็น: 0

31/03/2013 เวลา 12:28 น. บล็อก

ตั๋วสำหรับวรรณกรรมดนตรี แบบฟอร์ม รูปแบบวงจรต่อ

รูปแบบการจัดระเบียบดนตรีที่ซับซ้อนมากขึ้นได้แก่แบบฟอร์มวงจร วงจร (แปลจากภาษากรีกว่า "วงกลม") เกิดขึ้นในชีวิตประจำวันเช่นกัน นี่คือการเปลี่ยนแปลงของกลางวันและกลางคืน ฤดูกาล สถานการณ์ที่ซ้ำซาก และอื่นๆ อีกมากมาย

วงจรดนตรี เป็นงานขนาดใหญ่หลายส่วนโดยจัดเรียงชิ้นส่วนตามลำดับที่แน่นอน มีรอบสองประเภท: ชุดและโซนาต้าซิมโฟนิก

วงจรสวีท ห้องชุดแรกปรากฏในยุค Cยุคกลาง และประกอบด้วยสองจังหวะและตัวละครที่ตัดกันการเต้นรำ – ช้าและสง่างามปาวาน (การเต้นรำที่มีต้นกำเนิดจากภาษาสเปน - อิตาลี) และการเคลื่อนไหวภาษาอิตาลี - ฝรั่งเศสคนเก่ง หลักการของการสลับการเต้นรำที่ตัดกันในจังหวะและตัวละครเป็นพื้นฐานโมเดลห้องสวีทคลาสสิก เกิดขึ้นตามยุคสมัยพิสดารผู้ใหญ่ (กลาง ที่สิบแปด ศตวรรษ). สี่เต้นรำ ในสมัยของบาค ชิ้นส่วนหลักของชุด (ซึ่งเป็นชิ้นหลัก) ถือว่าล้าสมัยไปแล้วและมีจุดประสงค์เพื่อการฟังเท่านั้น สลับกับสมัยใหม่ในยุคบาโรกเต้นรำ (gavotte, bourre, paspier, rigaudon ฯลฯ) และไม่เต้นรำ (การทาบทาม, อาเรีย, ทอคคาต้า, แฟนตาซี, การเปลี่ยนแปลง ฯลฯ ) ตัวเลข

บังคับเต้นรำของห้องชุด มีคุณสมบัติลักษณะดังต่อไปนี้:

อัลเลมันเด(แปลว่า “ภาษาเยอรมัน”) การเต้นรำเป็นขบวนที่มีจังหวะช้าหรือปานกลางในขนาด C ลักษณะเฉพาะคือเริ่มจากจังหวะ

คุรันตา– การเต้นรำแบบฝรั่งเศส (แปลจากภาษาฝรั่งเศสแปลว่า "ไหล", "วิ่ง") จังหวะการเต้นอยู่ในระดับปานกลาง-เร็วแบบสามจังหวะ

ซาราบันเด- การเต้นรำแบบสเปนโบราณ ดนตรีของซาราแบนด์มีลักษณะที่เคร่งครัดและมืดมน แสดงด้วยจังหวะช้าๆ ในสามจังหวะ สำหรับ J.S. Bach ตามกฎแล้ว saraband คือศูนย์กลางโคลงสั้น ๆ และปรัชญาของห้องชุด

ซิก้า- การเต้นรำแบบไอริชโบราณ ดนตรีมีลักษณะเป็นจังหวะที่รวดเร็วและการเคลื่อนไหวแบบแฝดในหน่วยเมตรโน้ตที่ 6 และ 12 ที่แปด มีการแสดงการเต้นรำร่วมกับไวโอลินโบราณซึ่งมีชื่อเล่นว่า"จิก้า", ซึ่งหมายความว่า "เเฮม" . คำนี้กลายเป็นชื่อของการเต้นรำ

ห้องสวีทสไตล์บาโรกที่มีชื่อเสียง: เจ.เอส.บัค ห้องฝรั่งเศสและอังกฤษ, 6 Partitas, ห้องออร์เคสตรา (โจ๊ก); จี.เอฟ. ฮันเดล. ชุดฮาร์ปซิคอร์ดหมายเลข 7, G minor, ดนตรีสำหรับพลุรอยัล, ดนตรีบนน้ำ

ในครึ่งหลังสิบเก้าศตวรรษเกิดขึ้น ชนิดพิเศษชุดจากเศษโอเปร่า บัลเล่ต์หรือดนตรีเพื่อการแสดง (ซม.: ไชคอฟสกี้ ห้องสวีทสำหรับบัลเล่ต์ "The Nutcracker", "Sleeping Beauty";โปรโคเฟียฟ , ห้องสำหรับโอเปร่า "The Gambler", "Love for 3 Oranges" ฯลฯ ) และในศตวรรษที่ยี่สิบ -จากคะแนนภาพยนตร์ ( โชสตาโควิช , ชุดสำหรับภาพยนตร์ “เหลือบ”, “เคาน์เตอร์”;ทารีเวอร์ดิฟ , ชุดสำหรับภาพยนตร์เรื่อง “17 Moments of Spring” และอื่นๆ อีกมากมาย).

วงจรโซนาต้า-ซิมโฟนิก – รูปแบบการจัดระเบียบดนตรีที่ซับซ้อนที่สุดเทียบได้กับขนาดและละครของนวนิยาย รุ่นคลาสสิกของวงจรประเภทนี้ถูกนำเสนอในงานเวียนนาคลาสสิก (J. Haydn, W. A. ​​Mozart, L. Beethoven) และมีสิ่งต่อไปนี้ลักษณะตัวละคร:

โซนาต้า (จากภาษาละติน – “ถึงเสียง”)– งานแบบวนรอบ (โดยปกติจะมี 3 ส่วน) ซึ่งมีการเขียนหนึ่งส่วนขึ้นไปแบบฟอร์มโซนาต้า, สมมุติว่ามีอยู่นิทรรศการ (เริ่มดำเนินการ)การพัฒนา (การพัฒนา ) การทำซ้ำ (การทำซ้ำของเนื้อหานิทรรศการ) รหัส ( ส่วนสุดท้าย สรุปการพัฒนา).

ซิมโฟนี (จากภาษากรีก - "ความสอดคล้อง")- งานแบบวนรอบ (โดยปกติจะมี 4 ส่วน) ซึ่งมีการเขียนหนึ่งส่วนขึ้นไปแบบฟอร์มโซนาต้า ชิ้นส่วนถูกจัดเรียงดังนี้:

งาน: 1. กำหนดรูปร่าง วีโหมโรง op.11, no.10. อ. สเครบิน และอธิบายว่าทำไมการขยายตัวของโครงสร้างจึงเกิดขึ้น (เตรียมไว้). 2. กำหนดรูปร่าง (แสดงขอบเขตทั้งหมด) และโทนสีBarcarolle จาก "The Seasons" โดย P. Tchaikovsky ( ในการสอบ) แบบทดสอบ: ตั้งชื่อแบบฟอร์มในเรียงความที่เสนอ (ที่นิยมมากที่สุด) ห้องสวีท(จากภาษาฝรั่งเศส - "แถว", "ลำดับ", "สตริง")
ตามการจำแนกประเภท อารานอฟสกี้บางส่วนของซิมโฟนีมีความหมายดังต่อไปนี้: 1 ส่วน - "นักแสดง", 2 ชั่วโมง - "Reflecting Man", 3 ชั่วโมง - "Playing Man", 4 ชั่วโมง - "ผู้ชายในสังคม"

ความคิดเห็น: 0

31/03/2556 เวลา 12:22 บล็อก

ตั๋วสำหรับวรรณกรรมดนตรี แบบฟอร์ม

รูปแบบของผลงานดนตรี

จากส่วนประกอบที่เล็กที่สุดของแบบฟอร์มไปจนถึงแบบฟอร์มที่ซับซ้อน

โลกทั้งโลกที่เราเห็นมีขอบเขตและรูปร่างที่ชัดเจน แม้แต่สิ่งที่เราเรียกอย่างดูหมิ่นคำว่า "อสัณฐาน" ก็มีพิกัดเชิงพื้นที่บางอย่างเช่นกัน แทบจะเป็นไปไม่ได้เลยที่จะจินตนาการถึงบางสิ่งที่ไร้รูปแบบอย่างแท้จริงในด้านดนตรี, เช่นเดียวกับใน สุนทรพจน์(และในข้อใด ศิลปะอีกรูปแบบหนึ่ง) แบบฟอร์มมีความจำเป็นเพียงสำหรับการแสดงออกที่ชัดเจนของความคิดและอารมณ์บางอย่างบ่อยครั้งที่ผู้คนมีความคิดเห็นที่ผิดว่าผู้แต่งสร้างขึ้นด้วยความตั้งใจและแรงบันดาลใจ "ในการบินอย่างอิสระ" โดยไม่ได้รับคำแนะนำจากกรอบหรือกฎเกณฑ์ใดๆ นี่ไม่เป็นความจริงอย่างแน่นอนไชคอฟสกี้ กล่าวว่า “แรงบันดาลใจคือแขกที่ไม่ชอบไปเยี่ยมคนเกียจคร้าน” และ Pyotr Ilyich เองก็เป็นตัวอย่างที่ดีของการปฏิบัติตามกฎนี้: ทุกวันผู้แต่งแต่งเพลงอย่างต่อเนื่องบางครั้งก็ "บีบ" เพลงออกจากตัวเขาเองเพราะเขากลัวที่จะลืมวิธีการเขียน ความจริงข้อนี้ดูเหลือเชื่อเมื่อพิจารณาจากจำนวนผลงานที่ไชคอฟสกีสร้างขึ้น และเป็นเรื่องยากมากที่จะเชื่อในความพยายามใด ๆ เมื่อฟัง "Seasons" อันโด่งดังที่เขียนโดยผู้แต่งโดยไม่ต้องปรารถนาอะไรมากตามคำร้องขอให้ตีพิมพ์นิตยสารเป็นระยะ

อีกตัวอย่างหนึ่งของการอยู่ใต้บังคับบัญชาของดนตรีที่ไพเราะต่อกฎเกณฑ์ที่เข้มงวดของรูปแบบคืองานโพลีโฟนิกเจ.เอส.บัค (“The Well-Tempered Clavier”, “Musical Offer”, “The Art of Fugue” และอื่นๆ อีกมากมาย) ซึ่งขอบเขตของความคิดทางดนตรีถูกคำนวณด้วยความแม่นยำทางคณิตศาสตร์โมสาร์ท ผู้สร้างผลงานจำนวนมากโดยแทบไม่มีร่างใด ๆ อาศัยกฎแห่งความกลมกลืนและรูปแบบคลาสสิกที่กำหนดไว้ ตัวอย่างจึงสามารถต่อยอดได้แต่ประเด็นไม่ใช่ปริมาณ ตัวอย่างเหล่านี้ช่วยให้เราแน่ใจได้ว่าเพลงชิ้นใดก็ได้ ต้องใช้กฎแห่งรูปแบบบางอย่าง

ก่อตั้งตามประเพณี ฟอร์มชัดเจน ดีรับรู้ในการได้ยินทำให้เข้าใจงานเข้าถึงได้มากขึ้น. ตรงกันข้ามเมื่องานมีรูปแบบที่แปลกตามากทำให้ยากต่อการรับรู้ทำงานจนถึงขั้นปฏิเสธและไม่ยอมรับโดยสิ้นเชิง(เช่น เพลงและวงจรเสียงร้องมุสซอร์กสกี้ ,ซิมโฟนี มาห์เลอร์,ภาพต่อกัน ดี. เคจ ผลงานบางส่วนของนักเขียนร่วมสมัย) อย่างไรก็ตาม เมื่อเวลาผ่านไป แบบฟอร์มเหล่านี้ก็จะพบคำอธิบายและเข้าใจได้ง่ายขึ้น สัมภาระเกี่ยวกับหูของมนุษย์ XXฉันศตวรรษไม่สามารถเทียบได้กับการรับรู้ของคน Xฉันศตวรรษที่ X และสมัยโบราณมากขึ้น ดังนั้นสำหรับคนสมัยใหม่ ดนตรีของ Mussorgsky ซึ่งครั้งหนึ่งดูเหมือน "แย่มาก" และ "ป่าเถื่อน" ดูเหมือนจะไม่เป็นเช่นนั้น

สรุปข้อโต้แย้งข้างต้นมาสรุปกัน ดังนั้น,

แบบฟอร์มดนตรีจำเป็นสำหรับ:

สร้างขอบเขตที่ชัดเจนสำหรับความคิดและอารมณ์ทางดนตรี

อำนวยความสะดวกในการรับรู้งาน

การจัดโครงสร้างขนาดใหญ่ (ชุด, โซนาต้า, โอเปร่า, บัลเล่ต์)

ตอนนี้เรามาดูแนวคิดกันรูปแบบดนตรี และส่วนประกอบของมันส่วนประกอบ

แบบฟอร์มดนตรี - นี่คือลำดับส่วนและส่วนต่างๆ ในงานดนตรี

โครงสร้างที่เล็กที่สุดในสุนทรพจน์ทางดนตรีคือแรงจูงใจ (จากภาษาละติน -“ ฉันเคลื่อนไหว”) นี่คือชื่อของการเปลี่ยนท่วงทำนองที่ไพเราะและน่าจดจำที่สุด ขนาดของแรงจูงใจอาจแตกต่างกัน - จากหนึ่งหรือสองเสียงไปจนถึงทั้งแท่ง (ดู:ชูเบิร์ต , “ภรรยามิลเลอร์คนสวย” ฉบับที่ 7 “ความไม่อดทน” – ส่วนซ้ายมือ; ลำดับที่ 3. "หยุด!" - ขนาดของแม่ลายเริ่มต้นบาค, "เอช.ที.เค." เล่มที่ 1 Fugue ใน C minor)

โครงสร้างทางดนตรีที่ใหญ่กว่าซึ่งมีแรงจูงใจหลายประการเรียกว่า -วลี (ในภาษากรีก - "การแสดงออก") เป็นเวลานานที่ระยะเวลาของวลีสัมพันธ์กับการหายใจด้วยเสียงเพลง และมีเพียงการพัฒนาดนตรีบรรเลงเท่านั้นที่ทำให้แนวคิดนี้กว้างขึ้น (ชูเบิร์ต, "ภรรยามิลเลอร์คนสวย" ลำดับที่ 1 "ไปตามถนนกันเถอะ!"; หมายเลข 12. “ หยุดชั่วคราว” - แรงจูงใจรวมกันเป็นวลี)

วลีจะรวมกันเป็นข้อเสนอ . ขนาดข้อเสนอมาตรฐาน –4 บาร์. ข้อเสนอกำลังจะสิ้นสุดจังหวะ (จากภาษาละติน "ฉันจบ") - ละครเพลงรอบสุดท้าย Cadence แต่งเพลงให้สมบูรณ์ ส่วนหนึ่งหรือโครงสร้างที่แยกจากกัน มีหลายจังหวะที่แตกต่างกันออกไปเนื้อหาการทำงาน (ท, ส, ดี, วี).

จากข้อเสนอที่ได้รวบรวมไว้ระยะเวลา . ระยะเวลา - นี่คือรูปแบบดนตรีอิสระที่เล็กที่สุด สมบูรณ์ที่สุด ตามกฎแล้วช่วงหนึ่งประกอบด้วย 2 ประโยคที่มีจังหวะต่างกัน แยกแยะระหว่างช่วงเวลาซ้ำแล้วซ้ำเล่าและ ไม่ซ้ำ อาคาร, สี่เหลี่ยม (8 แท่ง) และ ไม่ใช่สี่เหลี่ยมจัตุรัส (จาก 5 แท่ง) เล็ก (8 ตัน) และ ใหญ่ (16 ตัน) บางครั้งช่วงก็มีท่อนเพิ่มเติมที่ฟังดูเหมือนเพลงตามหลัง ซึ่งอาจเรียกว่าส่วนดังกล่าวก็ได้ ขึ้นอยู่กับตำแหน่งของจังหวะส่วนที่เพิ่มเข้าไป หรือ การขยาย .

ระยะเวลา เป็นหนึ่งในรูปแบบหลักในเสียงร้อง ดนตรี การเรียบเรียงท่อนหรือท่อนคอรัส ที่ง่ายที่สุดรูปแบบเสียง, โดยที่ดนตรียังคงเดิมแต่คำเปลี่ยนก็คือแบบฟอร์มคู่ ความเรียบง่ายของมันอธิบายการใช้งานอย่างแพร่หลาย ไม่มีผู้แต่งคนเดียวที่สร้างเพลงร้องที่จะไม่เขียนเพลงในรูปแบบกลอน (ดูเพลงและโรแมนติกชูเบิร์ต, โมซาร์ท, กลินกา, ไชคอฟสกี, รัชมานินอฟ และนักแต่งเพลงอื่นๆ)

แบบฟอร์มส่วนเดียว (A) เป็นรูปแบบดนตรีที่เรียบง่ายประกอบด้วยช่วงหนึ่ง รูปแบบนี้มักพบในรูปแบบย่อส่วนโดยนักประพันธ์โรแมนติกที่พยายามจับภาพช่วงเวลาชั่วขณะ (ตัวอย่างที่ชัดเจนคือ Preludesโชแปง ) หรือในเพลงสำหรับเด็กเพื่อให้เข้าถึงการแสดงได้มากขึ้นแผนภาพแบบฟอร์ม: กหรือ ก

ก ก 1 ก ข

แบบฟอร์มสองส่วน ( เอบี ) - รูปแบบดนตรีง่ายๆ ประกอบด้วยสองช่วง บ่อยครั้งที่ช่วงที่สองถูกสร้างขึ้นจากวัสดุของช่วงแรก (เช่น การก่อสร้างซ้ำ - ดูบทนำบางส่วนสไครบิน ) แต่มีผลงานที่มีช่วงเวลาต่างกัน (เพลงของ Lyubava จากตอนที่ 2 “Sadko”ริมสกี-คอร์ซาคอฟ ; เพลงของ Rosina จาก 2d "ช่างตัดผมแห่งเซบียา"รอสซินี ). แผนภาพแบบฟอร์ม: เอ1หรือ เอ วี.

หลักการที่สำคัญที่สุด (และง่ายที่สุด) ในการสร้างรูปแบบดนตรี เป็น การทำซ้ำ ความนิยมเป็นพิเศษเกิดจากสาเหตุหลายประการ:

การทำซ้ำช่วยให้เราสามารถคืนความคิดทางดนตรีและให้โอกาสเราฟังได้ดีขึ้นเพื่อชื่นชมรายละเอียดทางศิลปะที่ไม่มีใครสังเกตเห็นก่อนหน้านี้

การทำซ้ำช่วยในการแบ่งแบบฟอร์มออกเป็นส่วน ๆ โดยคั่นระหว่างกันอย่างชัดเจน

การทำซ้ำเนื้อหาดนตรีหลังจากนำเสนอเนื้อหาใหม่จะทำให้แบบฟอร์มมีความสมบูรณ์โดยยืนยันความเป็นอันดับหนึ่งของภาพต้นฉบับ

ดังนั้นรูปแบบที่มีพื้นฐานจากการทำซ้ำจึงแพร่หลายอย่างมากในดนตรีในหลายรูปแบบ และที่ง่ายที่สุดคือรูปแบบไตรภาคี ( เอบีเอ ) , ประกอบด้วยสามช่วง โดยที่

ก - แสดงถึงการนำเสนอเนื้อหาทางดนตรี

ใน - การพัฒนาธีมก หรือวัสดุที่ตัดกันใหม่เอ - การทำซ้ำ การทำซ้ำทุกประการ หรือการแก้ไขของส่วนใดส่วนหนึ่งก .

หากการบรรเลงซ้ำท่อนแรกทุกประการ มักจะไม่ได้เขียนด้วยโน้ตด้วยซ้ำ แต่ถูกกำหนดไว้: เล่นตั้งแต่ต้นจนถึงคำว่า "จบ"(ในภาษาอิตาลี: ดาคาโป้อัลดี).

แบบฟอร์มสามส่วน (เช่นเดียวกับก่อนหน้านี้ทั้งหมด) เกิดขึ้นเรียบง่าย และซับซ้อน . ต่างจากรูปแบบไตรภาคีธรรมดาซึ่งแต่ละส่วนเขียนในรูปแบบมหัพภาค ในรูปแบบไตรภาคีที่ซับซ้อน ส่วนต่างๆ ไม่ใช่คาบ แต่เป็นรูปแบบสองส่วนหรือไตรภาคีธรรมดา ตัวอย่างเช่น:

เอ บี เอ

ก ข ก ข ก

แบบไตรภาคีคือหนึ่งในหลักการที่ได้รับความนิยมมากที่สุด การก่อสร้างงานดนตรี ผลงานที่เขียนในรูปแบบสามส่วนที่เรียบง่ายสามารถพบได้ในละครของนักดนตรีทุกคน ได้แก่ ละคร การเต้นรำ การเดินขบวน ความรัก งานสำหรับวงออเคสตรา ท่อนหรือและหมวดบทความสำคัญ มีตัวอย่างแบบฟอร์ม 3 ส่วนที่เรียบง่ายและซับซ้อนจำนวนมากอยู่ในผลงานพี.ไอ. ไชคอฟสกี. นอกจากเครื่องดนตรีอิสระจาก"อัลบั้มเด็ก", "ซีซั่นส์" และผลงานอื่นๆ รูปแบบ 3 ส่วนที่ชื่นชอบของผู้แต่งมักจะเรียบเรียง GP และ PP ในรูปแบบซิมโฟนี (ดู.4และ ซิมโฟนีที่ 6 ).

บนหลักการ การทำซ้ำ ยังขึ้นอยู่กับรูปแบบที่ซับซ้อนมากขึ้น ซึ่งมีรากฐานมาจากประเพณีการร้องเพลงและการเต้นรำพื้นบ้านของฝรั่งเศส มันเกี่ยวกับรูปแบบรอนโด้ ( แปลจากภาษาฝรั่งเศสแปลว่า "วงกลม เต้นรำรอบ เพลงเต้นรำวงกลม"). ดนตรีของการเต้นรำแบบกลมสลับกันระหว่างนักร้องประสานเสียงคงที่และไม่เปลี่ยนแปลงกับนักร้องที่เปลี่ยนแปลง จากการสลับกันนี้ รูปร่างรอนโด้ก็เกิดขึ้น

เช่นเดียวกับการขับร้องของเพลงพื้นบ้าน rondo มีเนื้อหาที่วนซ้ำ - สิ่งนี้กลั้น. การละเว้น (ในภาษาฝรั่งเศส - “คอรัส”) ควรเสียงอย่างน้อย 3 ครั้ง และอาจมีรูปแบบง่ายๆ ก็ได้ เช่น มหัพภาค สองส่วน หรือสามส่วน

ระหว่างการทำซ้ำบทเพลงจะได้ยินโครงสร้างทางดนตรีต่าง ๆ ซึ่งเรียกว่าตอน . ดังนั้น,รอนโด เป็นรูปแบบที่มีพื้นฐานมาจากการสลับบทกับตอน .

เอ บี เอ เอส เอ

งดตอน งดตอน งด

รูปแบบ rondo ใช้กันอย่างแพร่หลายในดนตรีบรรเลงและเสียงร้อง:ชิ้นส่วนเครื่องมือ( โมสาร์ท, การเดินขบวนของชาวตุรกีจากเปียโนโซนาต้าใน A Major, No. 11, Aria “The Frisky Boy” ของ Figaro จากโอเปร่า “The Marriage of Figaro”;เบโธเฟน “Für Eliza”, “Rage over a Lost Penny” และอื่นๆ อีกมากมาย)ความรักและเพลง( กลินกา “ เพลงที่ผ่านไป”;ดาร์โกมีซสกี้ "The Old Corporal"), คณะนักร้องประสานเสียง, โอเปร่า (กลินกา Rondo Antonida จาก "Ivan Susanin", Rondo Farlaf จาก "Ruslan และ Lyudmila")ส่วนสุดท้ายของรูปแบบขนาดใหญ่ - โซนาตาและซิมโฟนี(เช่น ซิมโฟนีมาห์เลอร์ ) รวมทั้งทั้งหมดด้วยฉากโอเปร่าหรือบัลเล่ต์(ดู "เดอะนัทแคร็กเกอร์"ไชคอฟสกี, "ความรักของสามส้ม" โปรโคเฟียฟ ) สามารถจัดเป็นรูปแบบรอนโด้ได้ บ่อยครั้งที่มีการใช้รูปแบบ rondo ในละครนักฮาร์ปซิคอร์ดชาวฝรั่งเศส ( ดาเกน "นกกาเหว่า", ราโม แทมบูรีน "ไก่" คูเปริน "กังหันลมน้อย", "ซิสเตอร์โมนิก้า" และละครอื่นๆ อีกมากมาย)

รูปแบบต่างๆ (จากภาษาละติน "การเปลี่ยนแปลงความหลากหลาย") เป็นรูปแบบดนตรีที่ประกอบด้วยธีมและการซ้ำซ้อนที่แก้ไข

เอ เอ 1 ก 2 ก 3 ก 4 …

รูปแบบต่างๆ

เรื่อง อาจแต่งโดยผู้แต่งเอง ยืมมาจากดนตรีพื้นบ้าน หรือจากผลงานของผู้แต่งคนอื่น เขียนในรูปแบบง่ายๆ: ในรูปแบบของจุด, สองส่วน, สามส่วน ธีมนี้ถูกทำซ้ำโดยมีการเปลี่ยนแปลงในโหมด โทนเสียง จังหวะ จังหวะ ฯลฯ ในแต่ละรูปแบบ องค์ประกอบของคำพูดทางดนตรีสามารถเปลี่ยนแปลงได้ตั้งแต่หนึ่งถึงหลายองค์ประกอบ (ขึ้นอยู่กับยุคและสไตล์ของผู้แต่ง)

ประเภทของการเปลี่ยนแปลงขึ้นอยู่กับยังไง และแข็งแกร่งแค่ไหน หัวข้อเปลี่ยนไปประเภทของรูปแบบ:

1.เปิดการเปลี่ยนแปลง เบสคงที่ ( บาสโซ ออสตินาโต ) หรือรูปแบบโบราณ เป็นที่รู้จักกลับเข้ามาเจ้าพระยาศตวรรษในยุโรป การเต้นรำที่ทันสมัยในตอนนั้นพาสคาเกลีย และชาคอนน์ ถูกเขียนขึ้นในรูปแบบโดยอาศัยการซ้ำกันของธีมในเบส โดยมีเพียงเสียงบนเท่านั้นที่แปรผัน (ซม.: จี.เพอร์เซลล์ , เสียงร้องของโด้จากโอเปร่าเรื่อง "Dido and Aeneas") เทคนิคบาสโซออสตินาโตไม่ได้เป็นสมบัติของดนตรีโบราณเท่านั้น - ในศตวรรษที่ 20 เนื่องจากความสนใจในดนตรีโบราณเพิ่มมากขึ้น เทคนิคนี้จึงได้ค้นพบชีวิตใหม่ เราพบตัวอย่างที่น่าสนใจของการใช้ Basso ostinato ในงาน Drauhgtmans Contractไมเคิล ไนแมน (ธีมเบสเล่นโดยออร์แกนโดยมีฉากหลังเป็น "เสียงสั่น" ของสาย ส่วนตรงจุดของ "ส่วนสีทอง" ฮาร์ปซิคอร์ดเชื่อมต่อกับเครื่องดนตรีเหล่านี้ ทำให้เกิดเสียงที่เย็นชาและน่าขนลุกด้วยเสียงร้องแบบเมทัลลิก)

2.เปิดการเปลี่ยนแปลง ทำนองไม่เปลี่ยนแปลง ( โซปราโน ออสตินาโต ) ใกล้เคียงกับดนตรีพื้นบ้านมากที่สุด ทำนองซ้ำไม่เปลี่ยนแปลง แต่ดนตรีประกอบจะแตกต่างกันไป รูปแบบประเภทนี้ถูกนำมาใช้ในดนตรีคลาสสิกของรัสเซียมิกลินกา , นั่นเป็นสาเหตุที่บางครั้งพวกเขาถูกเรียก“กลินก้า” (ดู: “Ruslan และ Lyudmila”: เพลงบายัน, คณะนักร้องประสานเสียงเปอร์เซีย;ราเวล, "โบเลโร";โชสตาโควิช ตอนบุกจาก Symphony No. 7.)

ในดนตรีคลาสสิกของยุโรปตะวันตกที่สิบแปดและครึ่งแรกสิบเก้าสร้างขึ้น 3เข้มงวด (ไม้ประดับ) รูปแบบต่างๆ , สร้างโดยศิลปินคลาสสิกชาวเวียนนา (J. Haydn, W. Mozart, L. Beethoven)

กฎเกณฑ์ที่เข้มงวด รูปแบบต่างๆ: 1. การรักษาโหมด มิเตอร์ รูปทรงทั่วไปของธีมและพื้นฐานการทำงาน2. การเปลี่ยนแปลง (การตกแต่ง ภาวะแทรกซ้อน) ของดนตรีประกอบ3. รูปแบบกลางรูปแบบหนึ่ง (โดยปกติจะเป็นรูปแบบที่ 3) เขียนด้วยชื่อรองหรือหลักที่มีชื่อเดียวกัน (ดู:โมสาร์ท, โซนาต้าหมายเลข 11, 1 ชั่วโมง;เบโธเฟน โซนาต้าหมายเลข 2, 2 ชั่วโมง, โซนาต้าหมายเลข 8, 2 ชั่วโมง และอื่น ๆ.).

เทคนิคที่ผู้แต่งใช้ในรูปแบบต่างๆมีความเกี่ยวข้องกับความนิยมXVII- ที่สิบแปดศตวรรษศิลปะแห่งการแสดงด้นสด นักแสดงฝีมือดีแต่ละคนที่แสดงในคอนเสิร์ต จะต้องจินตนาการถึงหัวข้อที่เสนอโดยผู้ชม (ทำนองของเพลงยอดนิยมหรือเพลงโอเปร่า) ประเพณีของรูปแบบดั้งเดิมที่หลากหลายไม่รู้จบยังคงมีอยู่จนถึงทุกวันนี้ดนตรีแจส.

4.ฟรี หรือรูปแบบโรแมนติก ปรากฏตัวในครึ่งหลังสิบเก้าศตวรรษ. ในกรณีนี้ แต่ละรูปแบบแทบจะแยกจากกัน และการเชื่อมต่อกับธีมยังอ่อนแอมาก ตัวอย่างที่ชัดเจนของรูปแบบดังกล่าวในหลากหลายได้ถูกนำเสนอในผลงานของอาร์. ชูมันน์ : เหล่านี้คือวงจรเปียโน "Carnival", "Butterfly", "Symphonic Etudes" และผลงานอื่น ๆ นักเปียโนอัจฉริยะผู้เก่งกาจได้ทิ้งธีมที่ยืมมาไว้หลายรูปแบบF.รายการ (การถอดเสียงเพลงของ Schubert, ธีมของ Mozart, Haydn, Beethoven, ธีมจากโอเปร่าของอิตาลีและธีมของพวกเขาเอง)

พบได้ในเพลงรูปแบบสำหรับสองคน , และบางเวลาในสามหัวข้อ ซึ่งแตกต่างกันไปสลับกัน เรียกว่ารูปแบบต่างๆ ในสองธีมสองเท่า:

เอ บี เอ 1 ใน 1 ก 2 ใน 2 ก 3 ใน 3 … หรือเอ เอ 1 ก 2 ก 3 ...บีบี 1 ใน 2 ใน 3 …

รุ่นที่ 1 รุ่นที่ 2 รุ่นที่ 1 รุ่นที่ 2

ธีม ธีม ธีม ธีม

ตัวอย่างของรูปแบบคู่:กลินกา "คามารินสกายา";เบโธเฟน Symphony No. 5, 2 ชั่วโมง, Sonata No. 8, “Pathetique”, 2 ตอน, Symphony No. 9, 4 ชั่วโมง

เรียกว่ารูปแบบต่างๆ ในสามธีมสามเท่า .

รูปแบบต่างๆ อาจเป็นผลงานอิสระ (ธีมที่มีรูปแบบต่างๆ) หรือเป็นส่วนหนึ่งของรูปแบบที่ใหญ่กว่าอื่นๆ

ตั๋วสำหรับวรรณกรรมดนตรี องค์ประกอบของสุนทรพจน์ทางดนตรี

องค์ประกอบของสุนทรพจน์ทางดนตรี

ตั้งแต่วันที่อารยธรรมโบราณ(กรีกโบราณ อียิปต์ สุเมเรียน ฯลฯ) มนุษยชาติอาศัยอยู่3 ระบบพิกัดที่สำคัญที่สุด , การให้ข้อมูลเกี่ยวกับโลกภายนอก นี้ตัวอักษร ตัวเลข และบันทึกย่อ ด้วยความช่วยเหลือของเสียงบางอย่างและโหมดบางอย่าง คนโบราณปลูกฝังความรู้สึกและความคิดอันสูงส่งให้กับลูกศิษย์และปรับปรุงพัฒนาการทางร่างกายของพวกเขา นักคิดชาวกรีกพีทาโกรัส คิดดนตรี คลื่นเสียง หนึ่งในพลังสร้างสรรค์ที่สำคัญที่สุดบนพื้นฐานที่นักคิดสร้างทฤษฎีขึ้นมาความกลมกลืนของทรงกลม โดยการวัดระยะห่างระหว่างดาวเคราะห์โดยใช้อัตราส่วนช่วงเวลา อยู่ในใจของชาวกรีกและชนชาติที่ใกล้ชิดดนตรีและคณิตศาสตร์มีความเชื่อมโยงกันอย่างแยกไม่ออก ดนตรีประกอบพิธีกรรมหลายประเภท (เคร่งขรึมและโศกเศร้า) ผู้คนเป็นหนึ่งเดียวกันระหว่างแรงงานและสงคราม และช่วยรักษาโรคภัยไข้เจ็บ

ในศตวรรษที่ 21 ดนตรีได้สูญเสียหน้าที่ไปหลายอย่าง โดยส่วนใหญ่กลายเป็นทรัพย์สินความบันเทิงเบื้องหลังของมวลชน ผู้คนเกือบจะสูญเสียความสามารถในการเข้าใจและนำทางได้ดีในพิกัดที่ 3 ซึ่งเข้าถึงได้จากอารยธรรมโบราณ - ในบันทึกย่อ มีเพียงไม่กี่เปอร์เซ็นต์ของผู้ที่ได้รับการฝึกฝนเป็นพิเศษด้านดนตรีเท่านั้นที่มีความเข้าใจข้อมูลที่ซ่อนอยู่ในโน้ตดนตรีในระดับที่แตกต่างกันไป ในขณะเดียวกัน การพัฒนาทางวิทยาศาสตร์ทั้งในและต่างประเทศจำนวนมากได้รับการยืนยันแล้วคุณค่าของการเรียนดนตรีเพื่อการพัฒนาความสามัคคีของบุคคล:

การเรียนดนตรี (โดยเฉพาะการเล่นเครื่องดนตรีตั้งแต่หนึ่งชิ้นขึ้นไป) พัฒนาไปอย่างกลมกลืนสมองทั้งสองซีก ในขณะที่วิทยาศาสตร์ที่แน่นอนส่งผลต่อด้านซ้ายเท่านั้น

คนที่มีสมองที่พัฒนาอย่างกลมกลืนก็สามารถยอมรับได้วิธีแก้ปัญหาที่ไม่ได้มาตรฐานในสถานการณ์ที่ยากลำบาก

ชั้นเรียนดนตรีนำไปสู่การศึกษาสาขาวิชาที่เกี่ยวข้อง เช่น วรรณคดี วิจิตรศิลป์ การละคร ฯลฯ ซึ่งช่วยได้การพัฒนามนุษย์ที่หลากหลาย

ดนตรีให้โอกาสแก่บุคคลตระหนักถึงศักยภาพของคุณอย่างสร้างสรรค์ ทำความรู้จักกับเพื่อนใหม่ที่มีความสนใจทางดนตรี

ดนตรีปรับแต่ง การรับรู้ของโลกเพิ่มความรู้สึกและ ปรีชา.

ตอนนี้เรามาดูแนวคิดของ "ดนตรี" และส่วนประกอบของมันกันดีกว่า

ดนตรี (จากภาษากรีก “รำพึง”)- ศิลปะที่สะท้อนความเป็นจริงและมีอิทธิพลต่อบุคคลโดยใช้เสียงที่จัดระเบียบ (ระดับเสียง ระยะเวลา ระดับเสียง และจังหวะ)

องค์ประกอบที่เป็นองค์ประกอบของดนตรีซึ่งแสดงถึงโครงสร้างอารมณ์แผนการความคิดบางอย่างเรียกว่าองค์ประกอบสุนทรพจน์ทางดนตรี (EMR) . ความเข้าใจบทบาทของ EMR แต่ละรายการ จำเป็นสำหรับ:

การรับรู้ด้วยความช่วยเหลือซึ่ง“อิฐ” คือการสร้างงานดนตรี

ความเข้าใจสไตล์ของแต่ละบุคคล นักแต่งเพลงทุกคน

ความสามารถในการวิเคราะห์แต่ละองค์ประกอบเพื่อสร้างภาพการพัฒนาทั้งหมดการคิดเชิงวิเคราะห์

การรวมความรู้และทักษะ ได้มาใน solfeggio วิชาพิเศษ เปียโน วรรณกรรมดนตรี

EMR รวมถึง:

สิ่งที่สำคัญอย่างยิ่งต่อการแสดงออกของทำนองก็คือทิศทางของมันเพิ่มขึ้น ความเคลื่อนไหว ทำนองมักเกี่ยวข้องกับความตึงเครียดที่เพิ่มขึ้นและจากมากไปน้อย – พร้อมการผ่อนคลาย (อิทธิพลของรูปแบบการหายใจและการทำงานของสายเสียง) แต่บางครั้งผู้แต่งใช้การเคลื่อนไหวลงเพื่อเพิ่มความวิตกกังวล ความตึงเครียด และในทางกลับกัน เพื่อให้บรรลุผลพิเศษ ทำนองมักจะเคลื่อนไหวบ่อยขึ้นหยัก: จังหวะขึ้นที่กว้างจะเต็มไปด้วยการเคลื่อนไหวลงอย่างต่อเนื่องอย่างราบรื่น ฯลฯ

พื้นผิว (จากภาษาละติน - “การทำ, การประมวลผล”) –ระบบการจัดทำนองและดนตรีประกอบ (โครงสร้างทางเทคนิคของความดังทางดนตรี) แยกแยะ3 ประเภทใบแจ้งหนี้: 1. โฮโมโฟนิก-ฮาร์โมนิก (ที่นิยมมากที่สุดโดยแบ่งโครงสร้างดนตรีออกเป็นทำนองและดนตรีประกอบซึ่งรู้จักกันมาตั้งแต่ศตวรรษที่ 18) 2.โพลีโฟนิค (หมายถึงทำนองเพลงชั้นนำหลายท่อน ไม่มีการแบ่งเป็นทำนองและดนตรีประกอบ รู้จักกันมาตั้งแต่ประมาณศตวรรษที่ 15) 3.ผสม (การรวมกันของพื้นผิวทั้งสองประเภท)

ดนตรีประกอบ (จากภาษาฝรั่งเศส) –ทำนองเพลง . การแบ่งโครงสร้างดนตรีออกเป็นทำนองและดนตรีประกอบเป็นลักษณะเฉพาะโฮโมโฟนิกฮาร์โมนิก ใบแจ้งหนี้ ซึ่งตรงข้ามกับโมโนโฟนิก คอร์ดหรือโพลีโฟนิก คลอทำหน้าที่การสนับสนุนฮาร์มอนิกของทำนอง (ความสามัคคี จากภาษากรีก “ ความกลมกลืนสัดส่วน” - ลำดับการทำงานของโทนเสียงต่างๆ ที่ประสานกัน) แยกแยะการนำเสนอประกอบสองประเภท: 1. คอร์ด และ 2.ที่โดดเด่น . ฟิกเกอร์ ในทางกลับกันก็มี3 ประเภท:

ฮาร์มอนิก (ความชุกของการพึ่งพาฟังก์ชันโทนเสียง -ศูนย์รับฝาก);

ไพเราะ (การนำเสนอฟังก์ชั่นไพเราะหรืออิสระ);

ผสม (การรวมกันของรูปแกะสลักทั้งสองประเภท);

หนุ่มน้อย (จากภาษากรีก "ความสามัคคีความสามัคคีระเบียบ") -ความสม่ำเสมอของเสียงดนตรีในระดับเสียง ในดนตรีคลาสสิก มักใช้สองโหมดหลัก -วิชาเอก และส่วนน้อย .

ทิมเบร – (จากภาษาฝรั่งเศส “การระบายสี”) –สีเสียง เสียงของเครื่องดนตรีมีเสียงที่เป็นเอกลักษณ์เฉพาะตัวเนื่องจากมีโครงสร้างพิเศษ เสียงต่ำแตกต่างกันไปและเสียงในคณะนักร้องประสานเสียง (ลงขึ้น):เบส - เทเนอร์ - อัลโต - โซปราโน

EMR แต่ละตัวมีอิทธิพลต่อธรรมชาติของภาพที่สร้างขึ้น ดังนั้นผู้แต่งจึงคำนึงถึงการเลือกองค์ประกอบเพื่อแสดงความคิดและความรู้สึกบางอย่างอยู่เสมอ และผู้ฟังสำหรับเพื่อให้เข้าใจถึงเจตนาสร้างสรรค์ของผู้แต่งอย่างเหมาะสม เราจะต้องเข้าใจ EMR ตัวอย่างการวิเคราะห์ภาพโดยใช้ EMR: โปรโคเฟียฟ. บัลเล่ต์ "โรมิโอและจูเลียต" จูเลียตเป็นเด็กผู้หญิง หมายเลขที่มีชื่อเสียงจากบัลเล่ต์ของ Prokofiev เป็นลักษณะแรกของภาพลักษณ์ของจูเลียต - หนุ่ม, จริงใจ, ไร้กังวล, เย้ายวน ภาพนี้สร้างขึ้นด้วยความรวดเร็วก้าว,บินท่วงทำนองประเภทเครื่องดนตรี (ระดับทำนองในการเคลื่อนไหวจากน้อยไปหามาก) เน้นความสง่างามและความสง่างามของจูเลียตเสียงต่ำสายและสัมผัสเบา ๆ (staccato) อารมณ์ของหญิงสาวเพิ่มขึ้นด้วยคีย์หลักทำให้ไม่สบายใจ (C เมเจอร์ที่มีคอร์ดคีย์แบบขยาย ได้แก่ A-flat, D-flat, E-flat major) สว่างพลวัต(เสริมด้วยสำเนียง) โฮโมโฟนิก - ฮาร์โมนิกเบาบางใบแจ้งหนี้ด้วยเสียงที่หายากคอร์ดยังมีจุดมุ่งหมายเพื่อสร้างความประทับใจในความเบาและหลบหลีกของจูเลียตงาน: 1. ค้นหาในงานที่นำเสนอ เล่นเครื่องดนตรี และบรรยายทำนอง ให้กำหนดประเภทคลอ และพื้นผิว . เตรียมไว้: ชูเบิร์ต. Serenade (เรียบเรียงโดย F. Liszt – คอลเลกชั่น “The Golden Lyre”) ในการสอบ: ชูเบิร์ต. "ภรรยามิลเลอร์คนสวย" ลำดับที่ 1 "ไปตามถนนกันเถอะ!". 2. อธิบายว่าอันไหนภาพ ช่วยสร้างอีเอ็มอาร์ ในงานที่นำเสนอ (จัดทำและไม่ได้จัดทำ)แบบทดสอบ: EMR ใดที่ช่วยสร้างภาพลักษณ์ให้กับจำนวนคำถามที่โดดเด่นที่สุดทำนองสามารถนำเสนอในช่วงเวลาหนึ่ง (สาม, หก) หรือคอร์ดได้ ขึ้นอยู่กับความตั้งใจทางศิลปะของผู้แต่ง ตามกฎแล้วท่วงทำนองดังกล่าวมีการแสดงออกมากกว่าเสียงเดียวแบบทดสอบสำหรับ EMR

1. บาค I.S.Toccata และ Fugue ใน D minor

2. บาค ไอ.เอส."เคลเวียร์อารมณ์ดี" เล่มที่ 1 โหมโรงและความทรงจำในซีเมเจอร์

3. วากเนอร์อาร์การขี่ของวาลคิรี

4. ริมสกี-คอร์ซาคอฟ เอ็น.เอ., เที่ยวบินของบัมเบิลบี

5. ริมสกี-คอร์ซาคอฟ เอ็น.เอ.ธีมของ Scheherizade

6. กริกอีสวีทตั้งแต่เพลงจนถึงละคร Peer Gynt ยามเช้า

แบบทดสอบรูปร่าง

1. ไชคอฟสกี้ พี.ไอ."อัลบั้มเด็ก" ครั้งที่ 5 เดือนมีนาคมของทหารไม้

2. กริก อี., "ขบวนแต่งงานใน Trollhaugen"

3. ชูเบิร์ต เอฟ."ภรรยามิลเลอร์คนสวย" ลำดับที่ 1 "ไปตามถนนกันเถอะ!".

4. โมสาร์ท วี.เอ.ซิมโฟนีหมายเลข 40 1 จังหวะ

5. โมสาร์ทที่ 5, เอ,Sonata No. 14, C minor, การเคลื่อนไหวที่ 1.

6. ฮันเดล จี, เอฟ,เพลงของ Almira จากโอเปร่า Rinaldo

แบบทดสอบสำหรับ "การแต่งงานของฟิกาโร"

1. โมสาร์ท วี.เอ."การแต่งงานของฟิกาโร"ทาบทาม GP

2. "การแต่งงานของฟิกาโร"1 วัน Aria “Frisky Boy” ของ Figaro (เป็นภาษารัสเซียหรืออิตาลี)

3. "การแต่งงานของฟิกาโร"1วัน เพลงคู่ของ Marcelina และ Suzanne (ในภาษารัสเซียหรืออิตาลี)

4. "การแต่งงานของฟิกาโร"1วัน เพลงของ Cherubino “ฉันบอกไม่ได้ ฉันอธิบายไม่ได้” (เป็นภาษาอิตาลีหรือรัสเซีย)

5. "การแต่งงานของฟิกาโร"4วัน Cavatina Barbarina “ฉันทำพินหาย” (เป็นภาษาอิตาลีหรือรัสเซีย)

รอบ วัฏจักรสามารถเรียกได้ว่าเป็นชุดของงานที่เชื่อมโยงถึงกัน (แต่ละงานอาจมีหรือไม่มีรูปแบบเป็นวัฏจักร) หรือรายการคอนเสิร์ต ในดนตรีที่ไม่ใช่เชิงวิชาการ (แจ๊ส ร็อค) อัลบั้มคอนเซ็ปต์และผลงานขนาดใหญ่แต่ละชิ้นอาจหันไปสู่รูปแบบวงจร

วงจร "โหมโรง - ความทรงจำ"

วัฏจักรสองตอน "โหมโรง-ความทรงจำ" เป็นที่รู้จักมาตั้งแต่สมัยบาโรก มันเกี่ยวข้องกับการทำงานของโหมโรงในฐานะการแนะนำบทนำสู่ความทรงจำแบบด้นสด

วัฏจักรของ Prelude-fugue สามารถรวมกันเป็นวัฏจักรที่ใหญ่ขึ้นได้ขึ้นอยู่กับหลักการที่เป็นทางการหรือเฉพาะเรื่อง ตัวอย่างที่มีชื่อเสียงที่สุดคือ "The Well-Tempered Clavier" โดย J. S. Bach ซึ่งสร้างขึ้นบนหลักการของการสลับการโต้ตอบแบบโทนเสียง ตัวอย่างจากดนตรีแห่งศตวรรษที่ 20 คือ "24 Preludes and Fugues" โดย D.D. Shostakovich

วงจรสวีท

ในศตวรรษที่ 20 ประเภทของห้องสวีทได้รับการคิดใหม่อย่างมีนัยสำคัญ มีการนำเทคนิคใหม่มาใช้ (เช่น ห้องสวีทออร์เคสตราโดเดคาโฟนิกของ A. Schoenberg และ A. Berg) เนื้อหาใหม่ได้รับการคุ้มครอง (เช่นใน P. Hindemith's ชุด "1922" การเต้นรำที่ทันสมัยในช่วงเวลาที่สอดคล้องกัน: ชิมมี, บอสตัน, แร็กไทม์)

ผลงานดนตรีที่ไม่ใช่เชิงวิชาการบางชิ้น (ส่วนใหญ่เป็นโปรเกรสซีฟร็อก) ก็มุ่งสู่รูปแบบชุดเช่นกัน ตัวอย่าง ได้แก่ "Lizard" จากอัลบั้มชื่อเดียวกันของวงร็อค King Crimson และ "Atom Heart Mother" จากอัลบั้มชื่อเดียวกันของ Pink Floyd อย่างไรก็ตาม การเรียบเรียงที่มุ่งไปสู่รูปแบบอิสระและมิกซ์มากกว่า (ในคำศัพท์ทางทฤษฎีดนตรีแบบดั้งเดิม) มักถูกเรียกว่า "ห้องร็อค"

วงจรโซนาต้า-ซิมโฟนิก

วงจรโซนาตา-ซิมโฟนิกประกอบด้วยแนวเพลงเชิงวิชาการที่เป็นนามธรรมที่สุด เช่น ซิมโฟนี โซนาตา คอนแชร์โต มันมีลักษณะโดย:

• สิ่งที่เป็นนามธรรมจากธรรมชาติของดนตรีประยุกต์ (แม้ว่าจะใช้วัสดุที่ประยุกต์เป็นวัสดุสำหรับส่วนใดส่วนหนึ่งก็ตาม)
• ความเป็นไปได้ของความแตกต่างเชิงเป็นรูปเป็นร่างและความหมายระหว่างแต่ละส่วน (ขึ้นอยู่กับการต่อต้านโดยตรง)
• การพัฒนาโทนเสียงที่ซับซ้อน
• ฟังก์ชั่นและรูปแบบที่กำหนดของแต่ละส่วน (ลักษณะของดนตรีโซนาต้า - ซิมโฟนิกบางประเภท)

โซนาตาคลาสสิกก่อตั้งขึ้นในช่วงศตวรรษที่ 18 และถึงจุดสุดยอดของการพัฒนาในเพลงคลาสสิกของเวียนนา และยังคงเป็นแนวเพลงที่มีชีวิต โดยมีข้อสงวนบางประการ ซิมโฟนีในฐานะแนวเพลงก่อตั้งขึ้นในกลางศตวรรษที่ 18 และยังถึงจุดสูงสุดของการพัฒนาในดนตรีคลาสสิกของเวียนนา และยังคงเป็นแนวเพลงที่มีชีวิตของดนตรีเชิงวิชาการ (ไม่ควรสับสนระหว่างรูปแบบซิมโฟนิกกับซิมโฟนิซึมซึ่งอาจเป็นลักษณะของงานที่ไม่เกี่ยวข้องกับแบบฟอร์มนี้ด้วย) ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 20 หลักการเพลงและหลักเดียวกลายเป็นลักษณะเฉพาะของผลงานหลายประเภทประเภทนี้ คอนแชร์โตเป็นงานวงจรโซนาตา-ซิมโฟนิกชนิดหนึ่ง ซึ่งโดดเด่นด้วยการต่อต้านของเสียงของวงดนตรีเต็มรูปแบบและแต่ละกลุ่มหรือศิลปินเดี่ยว ก่อรูปขึ้นในรูปแบบที่เป็นที่รู้จักในปัจจุบันในปลายศตวรรษที่ 18

รูปแบบฟรีและแบบผสม

งานดนตรีอาจประกอบด้วยส่วนที่รวมกันตามหลักการที่แตกต่างจากแนวเพลงที่ระบุไว้ และยังคงมีลักษณะเป็นวัฏจักรในระดับหนึ่งหรืออย่างอื่น เหล่านี้เป็นหลายประเภทของดนตรีศักดิ์สิทธิ์ประยุกต์ (มิสซา คอนเสิร์ตจิตวิญญาณ การเฝ้าตลอดทั้งคืน) บทเพลง วงจรเสียงร้องและการร้องประสานเสียง (โครงเรื่องและโคลงสั้น ๆ)

รอบใหญ่

แหล่งที่มา

• Zhdanova G.V.ซิมโฟนี // พจนานุกรมสารานุกรมดนตรี / ช. เอ็ด G.V. Keldysh. - ม.: สฟ. สารานุกรม, 1990. - หน้า 499. - 150,000 เล่ม- ไอ 5-85270-033-9.
• Neklyudov Yu. I.สวีท //