ในวันที่ 26 พฤศจิกายน 2014 นิทรรศการผลงานใหม่โดยศิลปิน Yuri Vakulenko จะเปิดในแกลเลอรี Mystetska Zbirka
ในซีรีส์ใหม่ "Mysterious Night Hem" ยูริ Vakulenko รวบรวมบรรยากาศโรแมนติกของเคียฟเก่า ศิลปินเลือกมุมที่คนในท้องถิ่นรู้จักเท่านั้น จากใต้พู่กันของเขาปรากฏ Podolsk "Morekhodka" ซึ่งเป็นราชวงศ์สีทองในลานบ้านบน Yaroslavskaya หรือทางเข้า "สีน้ำเงิน" บน Yurkovskaya บนผืนผ้าใบของ Vakulenko อาคารร้างที่มีหลุมดำอ้าปากค้างกลับมามีชีวิตชีวาอีกครั้ง
ชายเสื้อของ Yuri Vakulenko - ในความเป็นจริง - แตกและโทรม แต่ผ่านรอยแตก ลำธารฝน และรอยย่น สีสดใสก็ทะลุผ่านได้ - สีน้ำเงินเข้ม มรกต น้ำเงินอ่อน หรือทอง ความลับของโปโดลถูกเปิดเผยต่อศิลปินเมื่อผู้คนกลับบ้าน แสงไฟสว่างขึ้น และรถรางคันสุดท้ายดังขึ้น... จากนั้นในความเงียบงันของค่ำคืน ถนนและบ้านเรือนของโปโดลสค์บอกเล่าเรื่องราวหนึ่งพันหนึ่งเรื่องราวจากหลายชั่วอายุคน ของชาวเมืองเคียฟ
ยูริ วาคูเลนโก: “เมื่อไม่นานมานี้ ฉันตั้งรกรากอยู่ที่โปดอล ในบ้านที่มีประวัติยาวนานกว่าร้อยปี วันแล้ววันเล่า เมื่อกลับบ้าน ฉันได้เรียนรู้ความลับของโปโดลโบราณมากขึ้นเรื่อยๆ บางครั้งฉันก็ออกไปที่ถนนตอนดึกและมองเข้าไปในสถานที่ที่มืดมนและลึกลับที่สุด ค้นพบบ้านเก่าที่มีชีวิตชีวาในเวลากลางคืนและเปล่งประกายด้วยแสงภายใน แทนที่อาคารใหม่ที่ไม่ชัดเจนและไร้ใบหน้าจากแผนที่และสลายไปในความมืด ”
เกี่ยวกับผู้เขียน: Yuriy Vakulenko เป็นจิตรกรและผู้เชี่ยวชาญด้านโบราณวัตถุชาวยูเครน ตั้งแต่ปี 2547 - ผู้อำนวยการพิพิธภัณฑ์ศิลปะรัสเซียแห่งชาติ เขาศึกษาที่สถาบันศิลปะเคียฟซึ่งเขาสำเร็จการศึกษาระดับปริญญาสาขาศิลปินบูรณะ เขาทำงานที่ศูนย์ฟื้นฟูและตรวจสอบเขตอนุรักษ์ธรรมชาติเคียฟ-เปเชอร์สค์ ซึ่งเขาดำรงตำแหน่งผู้อำนวยการในปี 2538 ในปี 1988 เขาได้ก่อตั้งสมาคมศิลปะ "39.2°" ตั้งแต่ปี 1990 เป็นต้นมา มีการจัดนิทรรศการส่วนตัวในยูเครน อิตาลี ฮังการี และสเปน ภาพวาดเหล่านี้อยู่ในคอลเลกชันพิพิธภัณฑ์ของเขตสงวนเคียฟ-เปเชอร์สค์ พิพิธภัณฑ์ศิลปะรัสเซียแห่งชาติ และในคอลเลกชันส่วนตัว ผลงานดังกล่าวจัดแสดงในการประมูลของ MacDougall และ Corners สมาชิกที่สอดคล้องกันของสถาบันวิทยาศาสตร์และศิลปะ Petrovsky ในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กรองศาสตราจารย์ภาควิชาความเชี่ยวชาญที่ Academy of Culture ผู้ทำงานด้านวัฒนธรรมที่ได้รับเกียรติ
จันทร์ - อาทิตย์: เวลา 11.00 น. - 18.00 น
เข้าชมฟรี
แกลเลอรี่ “Mystetska Collection”
เคียฟ, เซนต์. Tereshchenkovskaya วัย 13 ปี ทางเข้าลานโค้งที่ 2
โทร.: +380501364737, +380442341427
[ป้องกันอีเมล]/www.artzbirka.com
โดยพื้นฐานแล้ว มีผู้ปฏิบัติงานพิพิธภัณฑ์อยู่ในศิลปินทุกคน ปิกัสโซยังพูดถึงเรื่องนี้โดยเปรียบเทียบตัวเองกับ "นักสะสมที่รวบรวมคอลเลกชั่นสำหรับตัวเองและวาดภาพที่คนอื่นชอบ นี่คือจุดเริ่มต้นที่ฉันเริ่มต้น และจากนั้นก็มีสิ่งใหม่ๆ เกิดขึ้น” ปาโบลผู้ยิ่งใหญ่กล่าว
Vakulenko ในฐานะผู้ดูแลสิ่งของมีค่าในพิพิธภัณฑ์ มีเหตุผลทุกประการที่จะเห็นด้วยกับคำกล่าวนี้ ยิ่งไปกว่านั้น การเป็นผู้ฟื้นฟูมาตรฐานสูงสุดด้วย โดยใช้เวลาทั้งชีวิตศึกษาและทำความเข้าใจจากภายในสู่ส่วนลึกของผลงานอันยิ่งใหญ่ของปรมาจารย์ผู้ยิ่งใหญ่ เขาเหมือนไม่มีใครรู้จักชีวิต "ความลับ" ภายในของ ภาพวาดโบราณ: สิ่งที่พวกเขาพูดถึงและสิ่งที่พวกเขาเงียบ, อะไรทำให้พวกเขาป่วยและสิ่งที่ซ่อนอยู่หลังกระจกและ craquelure ที่ผ่านเข้าไปไม่ได้ เมื่อกลับมาสู่แหล่งที่มาที่ไม่สิ้นสุดเหล่านี้ครั้งแล้วครั้งเล่า Yuri Vakulenko ยังคงพูดคุยกับพวกเขาบนผืนผ้าใบของเขาเองอย่างเป็นธรรมชาติในฐานะศิลปินที่พยายามไขปริศนาที่ยังไม่แก้มาจนบัดนี้
“ทารก” สำหรับยูริ วาคูเลนโกเป็นวัตถุที่อุดมสมบูรณ์เป็นพิเศษสำหรับการ “เปิดเผย” ดังที่คุณทราบ "Infantes" อันโด่งดังของ Velazquez คนหนึ่งอาศัยอยู่ในเคียฟและแม้แต่ประตูถัดไปซึ่งหมายถึงการประชุมอย่างต่อเนื่องการแลกเปลี่ยนพลังงานการจ้องมองของผู้เชี่ยวชาญ “ ยิ่งฉันมองมากเท่าไรก็ยิ่งสังเกตเห็นว่าเด็กหญิงตัวเล็ก ๆ คนนี้ถูกซ่อนไว้มากแค่ไหนซึ่งหมั้นหมายตั้งแต่แรกเกิดและถูกกำหนดให้เป็น "กรงทองคำ" ตลอดชีวิต Vakulenko กล่าว “นางเฝ้าดูพวกเรามาเป็นเวลากว่าสามร้อยปีแล้ว แต่งกายด้วยชุดเกราะอันหรูหรา เด็กสูงวัยผู้มีจิตใจโศกเศร้า สายตาของนางทั้งตื่นเต้นเร้าใจและไม่หยุดพัก” หลังจาก Velazquez วิญญาณของ Infanta Margarita ก็หลอกหลอนผู้คนมากมาย หนึ่งในนั้นคือ Picasso, Dali และ Miro ในวรรณคดี - ไวลด์ ในบทกวี - Antokolsky มีบทกลอนที่ฉุนเฉียว:
“แล้วหลายศตวรรษผ่านไป หนึ่ง. อีกอันและอันที่สาม
และมองผ่านตาของเธอในขณะที่เขาสั่งเธอ
อินฟานตาเป็นเด็กผู้หญิงในภาพที่มีเมฆมาก
ด้านหน้าของเธอคือพิพิธภัณฑ์ลูฟร์ที่ถูกทิ้งร้าง ห้องโถงพิพิธภัณฑ์ผมสีเทา”
กล่าวอีกนัยหนึ่งคือ Yuri Vakulenko ได้เข้าร่วมบริษัทที่คู่ควรในศตวรรษที่ 21 ในปัจจุบัน Vakulenko มีทารกหลายตัวและมีระยะห่างระหว่างพวกเขามาก - พวกมันเป็นเหมือนช่วงของชีวิตที่มีชีวิต “อย่ากลัวที่จะไปไกลเกินไป เพราะความจริงนั้นอยู่ไกลออกไปเสมอ” Marcel Proust กล่าว วาคูเลนโกไม่กลัว เขาบุกรุกดินแดนประวัติศาสตร์อย่างกล้าหาญ พูดคุยกับ Velazquez ผู้ชาญฉลาด และดูเหมือนว่าเขามีอะไรจะพูด
Yuriy Vakulenko เป็นจิตรกรและศิลปินกราฟิกชาวยูเครน
ในปี 1977 เขาสำเร็จการศึกษาจากวิทยาลัยศิลปะบากู อาซิมา อาซิมซาเด.
ในปี 1986 เขาสำเร็จการศึกษาจากสถาบันศิลปะแห่งรัฐเคียฟ (NAOMA) ด้วยปริญญาสาขาศิลปินบูรณะ
ผู้ก่อตั้งสมาคมศิลปะ “39.2°” (1988)
ผู้ปฏิบัติงานด้านวัฒนธรรมผู้มีเกียรติรองศาสตราจารย์ภาควิชาสอบของสถาบันการจัดการบุคลากรด้านวัฒนธรรมและศิลปะแห่งชาติสมาชิกเต็มของสถาบันวิทยาศาสตร์และศิลปะ Petrovsky ในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก (2550) สมาชิกของสมาคมพิพิธภัณฑ์นานาชาติ ผู้เชี่ยวชาญด้านโบราณวัตถุชั้นนำ
ผู้อำนวยการทั่วไปของพิพิธภัณฑ์ศิลปะรัสเซียแห่งชาติเคียฟ
ภาพถ่ายโดย Yulia Naumova
ผู้อำนวยการแกลเลอรี "Triptych ART" Tatyana Savchenko และศิลปิน Yuri Vakulenko
ในวันที่ 21 พฤษภาคม แกลเลอรี Soviart เปิดนิทรรศการส่วนตัวของศิลปิน Yuri Vakulenko “Dotiki” นำเสนอโปรเจ็กต์สามโปรเจ็กต์ของศิลปิน ได้แก่ "Dotiki", "Vibration Quadrum" และ "Colored Cities"
โปรเจ็กต์ "Dotiki" เป็นชุดผลงานสัมผัสที่ศิลปินดำเนินการสนทนาโดยตรงกับผืนผ้าใบ เช่นเดียวกับเด็กที่เริ่มค้นพบความเป็นจริงด้วยการสัมผัสและสัมผัสทุกสิ่งที่เขาสนใจอย่างหุนหันพลันแล่น ศิลปินได้สัมผัสกับโลกแห่งภาพเป็นครั้งแรกโดยเชิงประจักษ์ - โดยการสัมผัสพื้นผิวของผืนผ้าใบด้วยมือของเขา เขาสัมผัสได้ถึง "ทดสอบ" พื้นผิวการทำงานของผืนผ้าใบด้วยฝ่ามือ โดยทิ้งรอยประทับสีของมือไว้บนฝ่ามือ และได้รับความประทับใจครั้งแรกจากการสัมผัสนี้ ซึ่งเป็นแรงกระตุ้นที่สร้างสรรค์ที่สดใหม่ จากนั้นจิตรกรหยิบแปรงขึ้นมาเพื่อทำให้เปียกโชกด้วยความหมายและความแตกต่างที่มีสีสันและให้ความสมบูรณ์ในการพิมพ์เป็นรูปเป็นร่าง เป็นผลให้ "Dotiki" กลายเป็นองค์ประกอบทอฉลุที่มีห่วงโค้งโค้งงอที่สลับซับซ้อนชวนให้นึกถึงลวดลายและเส้นบนฝ่ามือมนุษย์
ผืนผ้าใบขนาดใหญ่สี่ผืนที่มีรอยมือของปรมาจารย์หลายลาย - สีขาวบนสีขาว, สีฟ้าบนสีน้ำเงิน, สีแดงบนสีแดงและสีดำบนสีดำ - เป็นส่วนที่สร้างจังหวะกลางของทั้งโปรเจ็กต์ รอบๆ ศูนย์กลางแห่งนี้ มีการจัดแสดงภาพจำลอง อารมณ์ สี พื้นผิว และขนาดต่างๆ ไว้อย่างสับสนวุ่นวาย สิ่งที่น่าสนใจคือผลงานบางส่วนเขียนด้วยภาพพิมพ์ เช่น คำเชิญเข้าร่วมนิทรรศการศิลปะ ดูเหมือนว่าศิลปินจะ "ลอง" พื้นผิวต่างๆ ด้วยการสัมผัส รวมถึงพื้นผิวที่ถูกสร้างขึ้นและอัดแน่นไปด้วยข้อมูลที่อยู่ตรงหน้าเขา
โครงการ "Vibration Quadrum" ของ Vakulenko ได้รับการนำเสนอต่อสาธารณชนแล้วที่ "Mystetskyi Arsenal" เมื่อปีที่แล้วและนิทรรศการส่วนตัวครั้งก่อนของศิลปิน "Contemplation" ในปีนี้ ศิลปินกำลังจัดแสดงผลงานอันมีค่าใหม่สองชิ้นจากซีรีส์นี้ - สีขาวบนสีขาวและสีทองบนสีเทา ในความรู้ทางศิลปะของโลก ศิลปินใช้วิธีการต่าง ๆ รวมถึงลัทธิซูพรีมาติสต์ ความงามอันเข้มงวดและความกลมกลืนของจัตุรัสซึ่งร้องครั้งแรกโดย Kazimir Malevich ก็ดึงดูด Vakulenko เช่นกัน แต่ในการตีความของเขา สี่เหลี่ยมนั้นมีหลายสีและสั่นสะเทือน พวกเขารวมคณิตศาสตร์เยือกแข็งของสัดส่วนที่ชัดเจนและพลังงานแห่งการสั่นสะเทือนของสีและเส้น ท้ายที่สุดแล้ว การสั่นสะเทือนถือเป็นพื้นฐานในการแสดงตัวตนของชีวิตเช่นนี้ นอกจากนี้จัตุรัส Vakulenko ยังมีความหมายที่ซ่อนอยู่ซึ่งมองเห็นได้ด้วยตาภายใต้แสงอัลตราไวโอเลตเท่านั้น
มีการนำเสนอผลงานหลายชิ้นจากซีรีส์ "Colored Cities" ที่สร้างโดยศิลปินในช่วงหลายปีที่ผ่านมาในนิทรรศการสำหรับวันเกิดของ Kyiv เพื่อเป็นการแสดงความเคารพต่อเมืองอันเป็นที่รักและเป็นบ้านเกิดของเขา ผลงานชิ้นแรกจากซีรีส์นี้ "Green City" เขียนโดยเขาในช่วงต้นทศวรรษ 90 และสองชิ้นสุดท้ายถูกสร้างขึ้นเมื่อไม่นานมานี้ แม้จะมีระยะห่างอย่างมากระหว่างผลงานที่นำเสนอ แต่ก็รวมกันเป็นหนึ่งเดียวด้วยการตีความเชิงสัญลักษณ์ทั่วไปของธีมของเมือง คุณจะไม่เห็นผู้คนในเมือง Vakulenko คุณจะไม่รู้จักรูปทรงที่คุ้นเคยหรือโครงสร้างทางสถาปัตยกรรมที่มีชื่อเสียงในเมืองเหล่านั้น มันดูเหมือน “รอยประทับ” สีของจิตวิญญาณหรือลักษณะของเมืองในสภาวะและอารมณ์ที่แตกต่างกัน “เมืองนี้เป็นสิ่งมีชีวิต” ยูริ วาคูเลนโกกล่าว “มันเปลี่ยนอารมณ์และสีสันหลายครั้งต่อวัน คน ๆ หนึ่งเปลี่ยนการแสดงออกทางสีหน้าของเขาอย่างไร”
และอีกหนึ่ง "ไฮไลท์" จากมรดกทางความคิดสร้างสรรค์ของศิลปินจะจัดแสดงที่ Soviart “ ภาพเหมือนที่มีพลังของหญิงสาวที่รู้จักกันดี” การตีความของผู้เขียนเกี่ยวกับภาพของ Mona Lisa ผู้ยิ่งใหญ่ของ Leonardo ถูกสร้างขึ้นโดยศิลปินเมื่อเกือบ 20 ปีที่แล้ว เมื่อปีที่แล้วงานนี้ได้รับการจัดแสดงที่ปารีสอย่างประสบความสำเร็จ และในปีนี้จะเป็นนิทรรศการส่วนตัวของศิลปินในเคียฟ
Yuri Vakulenko เป็นศิลปินบูรณะซ่อมแซมโดยอาชีพและเป็นผู้เชี่ยวชาญด้านการวาดภาพโดยปรมาจารย์และวัตถุโบราณ โดยเป็นหัวหน้าพิพิธภัณฑ์ศิลปะรัสเซียแห่งชาติในเมืองหลวงมาเป็นเวลา 10 ปี ตามข้อมูลของ Vakulenko คอลเลกชั่นของพิพิธภัณฑ์ที่เขาดูแลนั้นเป็นแห่งที่สามในพื้นที่หลังโซเวียต รองจากแกลเลอรี Tretyakov และพิพิธภัณฑ์รัสเซียในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก เขาเรียกตัวเองว่าเป็นผู้รักษาของหายากผลงานล้ำค่าและพิพิธภัณฑ์แห่งนี้เป็นบ้านพิพิธภัณฑ์เพราะในอาคารนี้มีคฤหาสน์ของตระกูล Tereshchenko ซึ่งจัดสรรห้องโถงเพียงสองห้องเท่านั้นสำหรับแกลเลอรี สำนักงานที่มีภาพวาดแขวนก็มีลักษณะคล้ายกับห้องโถงของพิพิธภัณฑ์ โดยที่ Yuri Vakulenko ได้แบ่งปันกับ Capital เกี่ยวกับคุณลักษณะของห้องครัวภายในของพิพิธภัณฑ์ แนวโน้มของสาขา และบอกว่าลูกค้าช่วยเหลืออย่างไร
— เป็นไปได้หรือไม่ที่จะประเมินคอลเลกชันของพิพิธภัณฑ์เป็นธนบัตร? มีผลงานเด่นอะไรบ้าง?
- สิ่งนี้ค่อนข้างไม่ถูกต้อง ในแง่ของเงิน ผลงานจะได้รับการประเมินตามวัตถุประสงค์ไม่มากก็น้อยในการประมูล แต่ผลงานในระดับเดียวกับของเรานั้นไม่ปรากฏในการประมูล พิพิธภัณฑ์มีภาพวาดที่มีมูลค่า 10 ล้านยูโรหรือ 50 ล้านยูโร ในกรณีนี้งานศิลปะสามารถเรียกได้ว่าไม่มีค่าซึ่งมีราคาแพงมาก แม้ว่าภาพวาดจะเป็นของสะสมของพิพิธภัณฑ์ที่มีชื่อเสียง แต่ต้นทุนของงานก็เพิ่มขึ้นตามลำดับความสำคัญ อย่างไรก็ตามเป็นไปไม่ได้ที่จะเป็นเจ้าของ - เป็นทรัพย์สินของรัฐ และสิ่งของใด ๆ ที่ออกจากพิพิธภัณฑ์อย่างผิดกฎหมายจะถูกจัดอยู่ในรายการที่ต้องการ ผลงานประมาณ 600 ชิ้นจากพิพิธภัณฑ์ของเราถูกชาวเยอรมันยึดเอาไปในช่วงสงครามและยังไม่มีร่องรอยใด ๆ เลย จากนั้นผลงานหลักก็ถูกอพยพออกไป ซึ่งส่วนใหญ่แล้วไอคอนและงานศิลปะจากช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 ก็หายไป จากการจัดแสดงกว่า 13,000 ชิ้น ปัจจุบันมีประมาณ 5,000 ชิ้นที่ถือเป็นไข่มุกแห่งคอลเลกชั่นนี้ สิ่งที่มีค่าที่สุดคือผลงานของศิลปินในระดับแรก - Shishkin (ผลงานสำคัญห้าชิ้น, มงกุฎแห่งผลงานของเขา), Vrubel, Aivazovsky, Vereshchagin, Vasnetsov, Repin
— จากจำนวน 13,000 ชิ้นนี้ มีเพียง 900 ชิ้นเท่านั้นที่สามารถชมได้ในห้องโถงของพิพิธภัณฑ์ คุณจะตัดสินใจได้อย่างไรว่าจะแสดงอะไรต่อสาธารณชนทั่วไป?
“พิพิธภัณฑ์ของเรามีอายุ 92 ปีแล้ว นิทรรศการถาวรมีการตกผลึกมานานหลายทศวรรษ ด้วยการเปลี่ยนแปลงเล็กน้อย (15‑20 %) มันยังคงมีเสถียรภาพ เรากำลังเพิ่มจำนวนการแสดงผ่านนิทรรศการชั่วคราวและเปลี่ยนแปลงนิทรรศการบางส่วน โดยแสดงนิทรรศการปีละ 2-3 พันรายการ ตัวอย่างเช่น กราฟิกไม่สามารถแสดงได้นานกว่าสามเดือน โดยจะต้อง "พักผ่อน" นอกจากนี้เรายังจัดนิทรรศการเพิ่มเติมในห้องโถงโดยตรง ในปีนี้ เนื่องในโอกาสครบรอบ 170 ปีของ Repin เราจะเสริมความแข็งแกร่งให้กับห้องโถงของเขาด้วยผลงานชิ้นเอกของเขาเอง นิทรรศการไอคอนยังคงไม่เปลี่ยนแปลง - คอลเลกชันเล็กๆ แต่มีคุณค่าของเรา
— คุณอาจกำลังติดตามสถานการณ์ในตลาดศิลปะโลก แนวโน้มปัจจุบันในกลุ่มศิลปะรัสเซียมีอะไรบ้าง?
— ผลงานของศิลปินชั้นหนึ่งประสบความสำเร็จอย่างยั่งยืน ยกเว้นบางทีสำหรับ Vrubel ซึ่งแม้จะมีผลผลิตมากมาย แต่ก็ไม่ค่อยมีใครมาประมูล ผลงานลำดับแรกทันทีที่ปรากฏขึ้นจงหายไป วิกฤติไม่ได้ส่งผลกระทบต่อราคา โดยมีต้นทุนวัดเป็นล้านและเพิ่มขึ้น 10-20 % ต่อปี เมื่อเร็ว ๆ นี้ส่วนของผลงานของศิลปินในช่วงทศวรรษที่ 1940-1960 เช่น Sergei Shishko, Nikolai Glushchenko รวมถึงนักเขียนร่วมสมัยได้รับความเดือดร้อน จนถึงปี 2550 พวกเขาสนใจอย่างมากทั้งในยูเครนและในลอนดอนและนิวยอร์กราคางานเพิ่มขึ้น แต่ตอนนี้พวกเขาไม่เป็นที่ต้องการ เนื่องจากผู้ซื้อหลักคือนักสะสมชาวรัสเซียและยูเครนซึ่งยังไม่พร้อมที่จะใช้จ่ายเงินในขณะนี้ ท้ายที่สุดแล้ว การสะสมต้องอาศัยความสงบ ความเงียบ และความมั่นคง
— มีการตรวจสอบผลงานของสะสมในพิพิธภัณฑ์หรือไม่?
— ตามกฎแล้วภาพวาดจะจบลงที่พิพิธภัณฑ์จากแหล่งที่มีชื่อเสียง เราศึกษาผลงานบางชิ้นและดำเนินการระบุแหล่งที่มาอีกครั้ง หากเราไม่แน่ใจเกี่ยวกับผลงานของศิลปิน เราไม่ได้ทำการตรวจสอบทางเทคโนโลยีเนื่องจากไม่มีความเป็นไปได้ดังกล่าว - เป็นเพียงการวิจัยทางวิทยาศาสตร์เท่านั้น คอลเลกชันของพิพิธภัณฑ์ทั้งหมดมีผลงานที่แตกต่างกัน และไม่สามารถพูดได้ว่าทั้งหมดเป็นผลงานต้นฉบับ ตัวอย่างเช่น David Sigalov นักสะสมชื่อดังมอบผลงานประมาณ 400 ชิ้นให้เราและมีเพียงหนึ่งในสามเท่านั้นที่เป็นต้นฉบับที่แท้จริง แต่พิพิธภัณฑ์เก็บทุกอย่างไว้ อย่างไรก็ตาม กองทุนหลักประกอบด้วยนิทรรศการที่มีการระบุแหล่งที่มาที่ชัดเจน และลักษณะที่จำเป็นทั้งหมดของความสำคัญของพิพิธภัณฑ์
– ผลงานมีสภาพอย่างไร? พวกเขาต้องการการฟื้นฟูหรือไม่?
— เรามีสถานะการสะสมที่มั่นคงมาก ในความทรงจำของฉันตลอด 10 ปีที่ผ่านมา ไม่มีงานใดที่ได้รับการบูรณะให้อยู่ในสภาพทรุดโทรม พิพิธภัณฑ์มีทีมงานบูรณะที่ตรวจสอบผลงานเป็นระยะๆ เชื่อกันว่างานนี้อาจต้องมีการบูรณะทุกๆ ห้าปี เรานำผลงานบางส่วนจากคอลเลกชันมาในรูปแบบนิทรรศการ: เราทำซ้ำผลงานเหล่านั้นด้วยพื้นฐานใหม่ ลบการเสียรูปออกเพื่อให้สามารถแสดงได้ - ในนิทรรศการใหม่หรือในนิทรรศการที่ได้รับการปรับปรุง
- ตั้งแต่ปี พ.ศ. 2552 พิพิธภัณฑ์มีสาขาคือ Chocolate House ทำไมคุณไม่นำผลงานจากคอลเลกชันที่นั่นมาแสดงล่ะ?
“ในขณะนี้ ไม่มีเงื่อนไขด้านความปลอดภัยที่จำเป็นในการแสดงนิทรรศการถาวรจากคอลเลกชัน หากเรามีแนวรักษาความปลอดภัย 7 จุดในพิพิธภัณฑ์ ก็มีเพียง 3 จุดเท่านั้นยังไม่พอ เราสืบทอดบ้านช็อกโกแลตมาเป็นแกลเลอรีศิลปะสำหรับเด็ก แต่ปัจจุบันยังไม่มีระเบียบทางสังคมสำหรับทิศทางนี้ ดังนั้นเราจึงจัดรูปแบบใหม่ให้เป็นศูนย์ศิลปะ - เราจัดนิทรรศการ คอนเสิร์ต ค่อยๆ ยกระดับและเปลี่ยนอุดมการณ์ แต่ทิศทางของเด็กยังคงเป็นสิ่งสำคัญ เราต้องการสร้างศูนย์การศึกษา วัฒนธรรม และศิลปะที่ทันสมัยและอนุรักษ์นิยม เพื่อขยายห้องบรรยายและกิจกรรมคอนเสิร์ต เนื่องจากกลุ่มสร้างสรรค์จำนวนมากไม่มีสถานที่สำหรับการแสดงเป็นของตัวเอง สิ่งสำคัญคือพวกเขารู้เรื่องนี้แล้ว ในช่วงเวลาที่ดี มีผู้เยี่ยมชม Chocolate House ประมาณ 11,000 คนต่อปี
— งบประมาณและค่าใช้จ่ายหลักของพิพิธภัณฑ์คือเท่าไร?
— โดยทั่วไปงบประมาณประมาณ 4 ล้าน UAH เหล่านี้คือสาธารณูปโภค (ประมาณ 1 ล้าน UAH) ความปลอดภัย (มากกว่า 700,000 UAH) และเงินเดือนสำหรับพนักงาน 100 คน สินค้าที่ได้รับการคุ้มครองเหล่านี้ได้รับเงินสนับสนุนจากรัฐ แม้ว่าเราจะได้จัดสรรเงินทุนของเราเองบางส่วนเพื่อชำระค่าใช้จ่ายแล้ว เนื่องจากไม่เช่นนั้นเครื่องทำความร้อนของเราอาจไม่สามารถเปิดได้ มีเหตุการณ์เช่นนี้เกิดขึ้นแล้วในปี 2012: เราถูกปิดก่อนกำหนดสองสัปดาห์เนื่องจากหนี้สิน พนักงาน และผู้มาเยี่ยมค้าง
— อะไรคือสิ่งที่สำคัญที่สุดที่คุณต้องการเงินสำหรับวันนี้?
— เราจำเป็นต้องซ่อมแซมอาคารพิพิธภัณฑ์ - หลังคากระจกเก่าที่อยู่เหนือ Shishkin Hall และมีไอน้ำสะสมอยู่ ต้องใช้ประมาณ 1 ล้าน UAH นอกจากนี้ในบ้านช็อกโกแลตยังจำเป็นต้องสร้างหลังคาและฐานรากซึ่งต้องใช้เงินประมาณ 5 ล้าน UAH นอกจากนี้ต้องใช้เงินเพื่อติดตั้งระบบเตือนภัย - ประมาณ 700,000 UAH และด้วยค่าใช้จ่ายของเราเอง เมื่อคำนึงถึงความเป็นจริงในปัจจุบัน เราต้องการจัดเตรียมสถานที่เก็บระเบิดที่มีป้อมปราการให้กับพิพิธภัณฑ์
— การเข้าร่วมพิพิธภัณฑ์เป็นอย่างไรบ้าง และสถานการณ์ในประเทศมีผลกระทบอย่างไร?
— พิพิธภัณฑ์ทั้งหมดพบว่าจำนวนผู้เข้าชมลดลงถึง 50% ปีที่แล้วเรามีแขก 70,000 คน ในขณะนี้เรามีผู้ชื่นชอบงานศิลปะประมาณ 42,000 คนแล้ว ในช่วงฤดูร้อนมีคนมากกว่าปกติ - สถานการณ์เริ่มคงที่เล็กน้อย และเราได้เปิดนิทรรศการ "In a Single Space" พวกเขาไม่ได้ปิดแม้ในฤดูหนาว ยกเว้นสองสามวันที่รถไฟใต้ดินปิด ตัวอย่างเช่นในปีที่ประสบความสำเร็จเมื่อมีการจัดนิทรรศการครบรอบของ Aivazovsky มีผู้เยี่ยมชมพิพิธภัณฑ์ถึง 100,000 คน อย่างไรก็ตาม สำหรับพิพิธภัณฑ์ของเราที่ตั้งอยู่ในอาคารเก่า มีการจำกัดจำนวนผู้เข้าชม - เราไม่สามารถอนุญาตให้มีมากกว่า 120,000 คน
— ขณะนี้พิพิธภัณฑ์กำลังจัดแสดงภาพวาดของ Anatoly Krivolap มีอะไรอีกในแผนของคุณสำหรับปีนี้?
— เมื่อวันที่ 30 กันยายน โปรเจ็กต์ที่น่าสนใจของศิลปินที่มีแนวเสียดสีที่ไม่เหมือนใคร Vladislav Shereshevsky เปิดตัวซึ่งมีผลงานอยู่ในคอลเลกชันของเราด้วย ในเดือนพฤศจิกายน เรากำลังเตรียมนิทรรศการสำหรับวันครบรอบของ Lermontov ซึ่งเราจะนำเสนอภาพวาดของ Shishkin เรื่อง "In the Wild North" ซึ่งเป็นภาพประกอบของบทกวีของกวี
UAH 4 ล้านเป็นงบประมาณประจำปีโดยเฉลี่ยของพิพิธภัณฑ์ศิลปะรัสเซียแห่งชาติเคียฟ
— งบประมาณในการจัดนิทรรศการพิพิธภัณฑ์ควรเป็นเท่าใดจึงจะประสบความสำเร็จ
— เราทำโปรเจ็กต์ส่วนตัวที่ดี “สองศตวรรษ” ด้วยการออกอัลบั้ม งบประมาณอยู่ที่ประมาณ 100,000 ดอลลาร์ นี่เป็นจำนวนมากด้วยซ้ำ โดยเฉลี่ยแล้ว 50-70,000 UAH ก็เพียงพอแล้วในการเตรียมโครงการพิพิธภัณฑ์คุณภาพสูง
— การเข้าร่วมโครงการระดับนานาชาติเป็นประโยชน์ต่อพิพิธภัณฑ์หรือไม่?
— ขึ้นอยู่กับองค์ประกอบทางการเงิน ใช่ เราได้รับค่าลิขสิทธิ์ โดยเฉพาะอย่างยิ่งค่าลิขสิทธิ์ต่างประเทศรายการหนึ่งถูกใช้สำหรับการตีพิมพ์ Kyiv-Vrubel จากมุมมองของการทำให้เป็นที่นิยมสิ่งนี้ให้ผลเพียงเล็กน้อย แต่แทบไม่มีผลกระทบใด ๆ ต่อการยอมรับในต่างประเทศและการเข้าร่วมที่บ้าน เราทำงานร่วมกับสถาบันในรัสเซียเป็นหลัก แม้ว่าเมื่อเร็วๆ นี้ จะเกิดปัญหาในการส่งคืนนิทรรศการก็ตาม ด้วยเหตุนี้ หลังจากนิทรรศการของ Shishkin ที่ Tretyakov Gallery เราไม่ได้เข้าร่วมในนิทรรศการอีกสองรายการถัดไป นอกจากนี้เรายังทำงานร่วมกับพันธมิตรชาวตะวันตก ได้แก่ ฟินแลนด์ ซึ่งเป็นสถานที่วางแผนจัดนิทรรศการของ Shishkin และประเทศแถบบอลติก โดยทั่วไปโครงการต่างประเทศจะใช้เวลาค่อนข้างนานในการเตรียมการ—สองถึงสามปี
— คุณมีคอลเลกชันงานศิลปะส่วนตัวหรือไม่?
— ตอนที่ฉันยังทำงานอยู่ที่เคียฟ เปเชอร์สค์ ลาฟรา ฉันได้รวบรวมคอลเลกชั่นเล็กๆ น้อยๆ ที่มีลักษณะอันศักดิ์สิทธิ์ ซึ่งเป็นไอคอนส่วนตัวของนักบุญจอร์จผู้มีชัย เมื่อรู้จุดอ่อนเล็กๆ น้อยๆ ของฉัน เพื่อนจึงมักจะมอบให้ฉัน ไอคอนโปรดของฉันแขวนอยู่ในห้องทำงานของฉัน - จอร์จคนนี้ย้ายไปกับฉันจากออฟฟิศหนึ่งไปอีกออฟฟิศหนึ่ง ฉันสังเกตเห็นไอคอนในร้านขายของเก่าโดยไม่คาดคิดจึงบอกเพื่อนของฉัน และโดยไม่คาดคิดพวกเขามอบให้ฉันในวันเกิดปีที่ 40 ของฉัน ไอคอนของรัสเซียในช่วงต้นศตวรรษที่ 19 นี้มีต้นฉบับโดยที่จอร์จเป็นภาพครึ่งตัว ในขณะที่โดยปกติแล้วเขาจะทาสีเต็มความสูงหรือบนหลังม้า นี่คือเครื่องรางของฉัน อย่างไรก็ตาม ไอคอนนี้ใช้เพื่ออุทิศโบสถ์เซนต์จอร์จใกล้กับสถานีรถไฟเคียฟสกี้ ลูกๆ ที่โตแล้วของฉันยังมีส่วนร่วมในการจัดการงานศิลปะ จัดประมูล สื่อสารกับศิลปินร่วมสมัย และสะสมผลงานของพวกเขา รวมไปถึงผลงานของศิลปินชาวยูเครนในช่วงปี 1960-1970
Yuriy Vakulenko เป็นจิตรกรและผู้เชี่ยวชาญด้านโบราณวัตถุชาวยูเครน ตั้งแต่ปี 2547 - ผู้อำนวยการพิพิธภัณฑ์ศิลปะรัสเซียแห่งชาติ เขาศึกษาที่สถาบันศิลปะเคียฟ (ปัจจุบันคือสถาบันวิจิตรศิลป์และสถาปัตยกรรมแห่งชาติ) ซึ่งเขาสำเร็จการศึกษาระดับปริญญาสาขาศิลปินบูรณะ เขาทำงานที่ศูนย์ฟื้นฟูและตรวจสอบเขตอนุรักษ์ธรรมชาติเคียฟ-เปเชอร์สค์ ซึ่งเขาดำรงตำแหน่งผู้อำนวยการในปี 2538 ในปี 2531 เขาได้ก่อตั้งสมาคมศิลปะ "39.2°" ตั้งแต่ปี 1990 เป็นต้นมา มีการจัดนิทรรศการส่วนตัวในยูเครน อิตาลี ฮังการี และสเปน ภาพวาดเหล่านี้อยู่ในคอลเลกชันพิพิธภัณฑ์ของเขตสงวนเคียฟ-เปเชอร์สค์ พิพิธภัณฑ์ศิลปะรัสเซียแห่งชาติ และในคอลเลกชันส่วนตัว ผลงานดังกล่าวจัดแสดงในการประมูลของ MacDougall และ Corners สมาชิกที่สอดคล้องกันของสถาบันวิทยาศาสตร์และศิลปะ Petrovsky ในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กรองศาสตราจารย์ของภาควิชาความเชี่ยวชาญของ Academy of Culture ผู้ปฏิบัติงานด้านวัฒนธรรมที่ได้รับเกียรติ
ในยัลตาในแกลเลอรี Pocherk นิทรรศการของศิลปินไครเมีย Nikolai Muravsky และจิตรกร Kyiv Yuri Vakulenko เปิด "Immersion in Beauty"
โดยทั่วไปผู้เขียนทั้งสองนำเสนอผลงาน 20 ชิ้นที่พวกเขาสร้างขึ้นเมื่อเร็ว ๆ นี้ต่อผู้ชม ตามที่ผู้จัดนิทรรศการเพื่อนและคนที่มีใจเดียวกันในชีวิต Yuri Vakulenko และ Nikolai Muravsky สานต่อ "บทสนทนาทางจิตวิญญาณ" ในโครงการร่วมกัน
“ การควบคู่ความคิดสร้างสรรค์ของปรมาจารย์สองคนนี้เมื่อมองแวบแรกดูเหมือนจะไม่คาดคิดและขัดแย้งกันด้วยซ้ำ: ท้ายที่สุดแล้วศิลปินมีตัวละครและเส้นทางสร้างสรรค์ที่แตกต่างกันโดยสิ้นเชิง พวกเขาทำงานในแนวเพลงที่แตกต่างกัน แต่ละคนมีสไตล์เฉพาะตัวที่สดใสและพิเศษ Nikolai Muravsky เป็นนักฝันและผู้มีความงดงามชาวยัลตา นักปรัชญา ชายผู้หมกมุ่นอยู่กับความคิดสร้างสรรค์และใช้ชีวิตตามมันเท่านั้น จิตรกรวาดภาพบุคคลที่ละเอียดอ่อนพร้อมเทคนิคที่ประณีตและเกือบจะเป็นเครื่องประดับ ปรมาจารย์ผู้รอบรู้และรอบรู้ซึ่งอธิบายรายละเอียดผืนผ้าใบของเขาให้ละเอียดที่สุด Yuri Vakulenko เป็นคนไฟแรงที่สามารถทำทุกอย่างและทุกที่: เป็นหัวหน้าพิพิธภัณฑ์ศิลปะรัสเซียในเมืองหลวง, มีส่วนร่วมในการตรวจสอบและบูรณะ, ส่องแสงในงานเลี้ยงรับรองของเมืองหลวงและแน่นอนในการเขียน - และ เขียนในขณะที่เขาใช้ชีวิต: ด้วยอารมณ์ สดใส และสร้างสรรค์ ฟังสัญชาตญาณของเขา และสร้างโลกใหม่ที่น่าอัศจรรย์บนผืนผ้าใบ” ผู้จัดงานอธิบาย
ตามที่นักวิจารณ์ศิลปะปรมาจารย์ที่แตกต่างกันสองคนบนแพลตฟอร์มสร้างสรรค์เดียวถูกรวมเข้าด้วยกันโดย "สุนทรียศาสตร์ความปรารถนาร่วมกันในความสามัคคีทางจิตวิญญาณอุดมคติอันสูงส่งการค้นหาความงามที่แท้จริงและบริสุทธิ์ไม่ถูกรบกวนโดยสิ่งใดหรือใครก็ตามโดยไม่มีความเท็จแม้แต่น้อย ปราศจากการผสมเงินและปราศจากรสชาติแห่งยุคเหยียดหยามของเรา”
“Yuri Vakulenko ค้นพบความกลมกลืนทางจิตวิญญาณในธรรมชาติของไครเมีย - พุ่มไม้ที่เบ่งบานอย่างสุขุมที่ตั้งอยู่ตามเส้นทางหลวง หรือในโครงร่างของภูเขาที่สะท้อนสีฟ้าของทะเลและท้องฟ้า ปรมาจารย์ยังพบแรงบันดาลใจในความงามเล็ก ๆ ของไครเมียซึ่งแทบจะมองไม่เห็นสำหรับทุกคนยกเว้นเขา: โคมไฟลึกลับวาดลวดลายสีบนต้นไซเปรสยัลตาและอ่าวเซวาสโทพอลหรือในน้ำพุที่ส่องประกายระยิบระยับพร้อมสาดน้ำในลานบ้านของวิลล่ายัลตาที่มีชื่อเสียง "เอเลน่า" น่าแปลกใจว่าผลงานทั้งหมดของ Vakulenko จากซีรีส์กราฟิกที่นำเสนอในนิทรรศการเป็นทิวทัศน์ยามเย็นหรือกลางคืน ในนั้นปรมาจารย์เล่นด้วยคอนทราสต์ของสีตั้งแต่ม่านสีน้ำเงิน - ดำแห่งความมืดไปจนถึงแสงสีแดงสดของเมืองใหญ่ซึ่งเป็นจานสีที่มีลักษณะเฉพาะสำหรับคืนฤดูร้อนของไครเมีย Nikolai Muravsky ในงานกราฟิกของเขายังแสดงความเคารพต่อความงามอันสุขุมของดอกไม้ไครเมีย อย่างไรก็ตาม ตัวละครหลักของซีรีส์กราฟิกของเขาคือร่างกายมนุษย์ Muravsky มองหาความสมบูรณ์แบบในสิ่งนี้ - ในส่วนโค้งที่แข็งแกร่งของลำตัวของผู้หญิงและโปรไฟล์ผู้ชายที่เกือบจะเป็นขนมผสมน้ำยา ศิลปินให้ความสำคัญกับผู้หญิงเปลือย แต่ภาพที่เขาสร้างขึ้นนั้นไม่หยาบคายหรือแสดงเรื่องเพศอย่างเปิดเผย กราฟิกของ Muravsky แสดงให้เห็นถึงความเป็นมืออาชีพสูงสุดของช่างเขียนแบบ เส้นสายมีความสง่างาม แม่นยำ และ “ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา” ในภาพร่างเกือบเอกรงค์ ปรมาจารย์จะสร้างความรู้สึกถึงความแตกต่างของสี อารมณ์ และองค์ประกอบที่ดีที่สุด ไม่มีอะไรฟุ่มเฟือยในตัวพวกเขา ไม่มีอะไรที่จะเบี่ยงเบนความสนใจจากสิ่งสำคัญ - "การเปิดเผย" ของจิตวิญญาณที่มุ่งมั่นเพื่อความกลมกลืนและความงาม” ผู้เชี่ยวชาญสรุป
