การพัฒนาระเบียบวิธีโดย Dorchenkova E. A. "การทำงานกับเครื่องดนตรีพื้นบ้านรัสเซียแบบผสมผสาน" ทิศทางหลักในการพัฒนาวงออเคสตราและวงดนตรีพื้นบ้าน การทำงานร่วมกับวงดนตรีผสม

แนวโน้มสมัยใหม่ในด้านการแสดงเครื่องดนตรีพื้นบ้านของรัสเซียมีความเกี่ยวข้องกับการพัฒนาอย่างเข้มข้นของการทำดนตรีทั้งมวลโดยการทำงานของวงดนตรีประเภทต่าง ๆ ในสมาคมฟิลฮาร์โมนิกและวังแห่งวัฒนธรรมในสถาบันการศึกษาต่างๆ นี่แสดงถึงความจำเป็นในการฝึกอบรมแบบกำหนดเป้าหมายของผู้นำวงดนตรีที่เกี่ยวข้องในแผนกและคณะเครื่องดนตรีพื้นบ้านของโรงเรียนดนตรีและมหาวิทยาลัยในประเทศ

อย่างไรก็ตาม ตามกฎแล้วการศึกษาของผู้เล่นทั้งมวลในการปฏิบัติงานด้านการศึกษานั้นเกี่ยวข้องกับข้อ จำกัด บางประการ โดยปกติครูจะได้รับมอบหมายให้เป็นผู้นำวงดนตรีที่เป็นเนื้อเดียวกัน: ผู้เล่นหีบเพลง - วงดนตรีหีบเพลง, domrists หรือผู้เล่น balalaika - วงดนตรีของเครื่องดนตรีพื้นบ้านที่ดึงออกมา องค์ประกอบประเภทนี้แพร่หลายในการแสดงระดับมืออาชีพ ก็เพียงพอแล้วที่จะระลึกถึงวงดนตรีที่มีชื่อเสียงเช่นผู้เล่นหีบเพลงทั้งสามคน A. Kuznetsov, Y. Popkov, A. Danilov, คู่ของผู้เล่นหีบเพลง A. Shalaev - N. Krylov, ผู้เล่นหีบเพลงทั้งสามคนของ Ural, Kyiv Philharmonic Quartet , วงดนตรี Skaz เป็นต้น

ไม่ต้องสงสัยเลยว่าการทำงานกับวงดนตรีที่เป็นเนื้อเดียวกัน - การร้องคู่, ทริโอ, วงบายัน, ทริโอ, วงดอมราและควินเท็ต, บัลไลก้าพร้อมเพรียงกัน ฯลฯ - เป็นสิ่งสำคัญมาก อย่างไรก็ตามข้อ จำกัด ที่อธิบายไว้ในกิจกรรมของครูในโรงเรียนและมหาวิทยาลัยขัดขวางการฝึกอบรมผู้เชี่ยวชาญรุ่นเยาว์อย่างเต็มที่เพราะในความเป็นจริงผู้สำเร็จการศึกษาจากโรงเรียนดนตรีมักเผชิญกับความจำเป็นในการเป็นผู้นำวงดนตรีผสม ส่วนใหญ่มักประกอบด้วยเครื่องสายและหีบเพลงปุ่ม ชั้นเรียนที่มีกลุ่มดังกล่าวควรกลายเป็นส่วนหนึ่งของกระบวนการศึกษา

เมื่อเริ่มทำงานครูสมัยใหม่ต้องเผชิญกับความยากลำบากที่หลีกเลี่ยงไม่ได้: ประการแรกด้วยการขาดแคลนวรรณกรรมด้านระเบียบวิธีอย่างเฉียบพลันที่อุทิศให้กับวงดนตรีพื้นบ้านรัสเซียแบบผสม ประการที่สอง คอลเลกชันละครมีจำนวนจำกัด รวมถึงผลงานต้นฉบับที่น่าสนใจซึ่งทดสอบโดยการฝึกซ้อมคอนเสิร์ต การถอดเสียง การถอดเสียง และคำนึงถึงระดับการฝึกอบรมต่างๆ และแนวทางการสร้างสรรค์ของการเรียบเรียงเหล่านี้ วรรณกรรมด้านระเบียบวิธีที่ได้รับการตีพิมพ์ส่วนใหญ่ส่งถึงกลุ่มคณะที่มีประวัติทางวิชาการ - โดยมีส่วนร่วมของเครื่องดนตรีเปียโนโค้งคำนับ เนื้อหาของสิ่งพิมพ์ดังกล่าวจำเป็นต้องมีการปรับเปลี่ยนที่สำคัญโดยคำนึงถึงลักษณะเฉพาะของการทำดนตรีทั้งมวล (ดูตัวอย่าง)

บทความนี้จะอธิบายหลักการพื้นฐานของการทำงานกับเครื่องดนตรีพื้นบ้านรัสเซียจำนวนหนึ่ง ในเวลาเดียวกัน เคล็ดลับและคำแนะนำที่เป็นประโยชน์หลายประการที่แสดงด้านล่างยังนำไปใช้กับวงดนตรีผสมประเภทอื่นๆ ได้ด้วย

ปัญหาหลักที่ได้รับการแก้ไขในกระบวนการทำงานร่วมกับกลุ่มเหล่านี้คือการกำหนดอัตราส่วนเสียงต่ำ ปริมาตรไดนามิก และเส้นสายของเครื่องสายและหีบเพลงปุ่มที่เหมาะสมที่สุด (ขึ้นอยู่กับความแตกต่างระหว่างแหล่งกำเนิดเสียง วิธีการผลิตเสียง และสภาพแวดล้อมทางเสียงที่แตกต่างกัน) .

เสียงเครื่องดนตรีเป็นหนึ่งในวิธีแสดงออกที่โดดเด่นที่สุดในคลังแสงของวงดนตรีผสม จากความสัมพันธ์ระหว่างเสียงร้องที่หลากหลายที่เกิดขึ้นในระหว่างขั้นตอนการแสดง เราสามารถแยกแยะคุณลักษณะที่เป็นอิสระของเครื่องดนตรี (เสียงร้องบริสุทธิ์) และการผสมผสานที่เกิดขึ้นเมื่อเสียงเข้าด้วยกัน (เสียงเพลงผสม) กลองที่สะอาดมักจะใช้เมื่อเครื่องดนตรีตัวใดตัวหนึ่งได้รับการกำหนดให้เป็นโซโลอันไพเราะ

ต้องเน้นย้ำว่าเสียงของเครื่องดนตรีใดๆ ก็ตามประกอบด้วยเสียง "ภายใน" หลายเสียง สำหรับสาย เราควรคำนึงถึง "จานสี" ของเสียงต่ำของแต่ละสาย ซึ่งเปลี่ยนแปลงไปขึ้นอยู่กับ tessitura (หมายถึงลักษณะเสียงของบางส่วนของสาย) ความคลาดเคลื่อนของเสียงต่ำ ณ จุดสัมผัสต่างๆ กับสาย ( ปิ๊กหรือนิ้ว) ลักษณะเฉพาะของวัสดุที่ใช้ทำปิ๊ก (ไนลอน หนัง พลาสติก ฯลฯ) รวมถึงศักยภาพที่สอดคล้องกันสำหรับเทคนิคการแสดงที่หลากหลาย หีบเพลงของปุ่มมีความแตกต่างกันของเสียง ความสัมพันธ์ระหว่างคีย์บอร์ดด้านขวาและซ้าย การเปลี่ยนแปลงของเสียงโดยใช้แรงกดในระดับหนึ่งในห้องสูบลม และวิธีการเปิดวาล์วที่แตกต่างกัน รวมถึงการเปลี่ยนแปลงระดับเสียง

เพื่อเน้นเสียงต่ำของหนึ่งในเครื่องสาย - สมาชิกของวงดนตรี - ขอแนะนำให้ใช้ชุดการลงทะเบียนซึ่งมีอยู่ในหีบเพลงแบบปุ่มหลายจังหวะที่ทันสมัยพร้อมเลือก การผสมผสานเสียงของหีบเพลงแบบปุ่มกับเครื่องดนตรีที่มาพร้อมกันนั้นมั่นใจได้ด้วยระบบบันทึกเสียงแบบเสียงเดียวและสองเสียง “การเน้น” โทนเสียงของหีบเพลงขึ้นอยู่กับลักษณะของพื้นผิวนั้นได้รับการอำนวยความสะดวกโดยการผสมผสานโพลีโฟนิกของรีจิสเตอร์ซึ่งในชุดที่มีสายจะช่วยให้เสียงบรรเทาที่จำเป็น

การพัฒนาระเบียบวิธี “ลักษณะผลงานของครู-นักดนตรีที่มีวงดนตรีลูกผสมหลากหลายวัย

(ดึงและดีดเครื่องดนตรีพื้นบ้าน เสียงร้อง เครื่องดนตรีโค้ง) ในสถานศึกษาเพิ่มเติม”

การพัฒนานี้อาจน่าสนใจและเป็นประโยชน์สำหรับครูการศึกษาเพิ่มเติม ผู้อำนวยการวงดนตรีเมื่อจัดกลุ่มศิลปะ

ดาวน์โหลด:

ดูตัวอย่าง:

สถาบันการศึกษาที่ไม่ได้มาตรฐานงบประมาณของรัฐ

“วังแห่งความคิดสร้างสรรค์ของเยาวชนเมืองเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก”

ศูนย์กลางเมืองเพื่อการพัฒนาการศึกษาต่อ

หลักสูตรทบทวนความรู้

การพัฒนาระเบียบวิธี

“ลักษณะการทำงานของครู-นักดนตรีด้วย

วงดนตรีผสมจากหลากหลายวัย

(ดึงและดีดเครื่องดนตรีพื้นบ้าน

เสียงร้อง, เครื่องดนตรีโค้งคำนับ)

ในสถานศึกษาเพิ่มเติม”

เอกิโมวา เอเลน่า วลาดีมีรอฟนา

วลาดิมีโรวา วาเลนตินา อเล็กเซเยฟนา

ครูการศึกษาเพิ่มเติม

งบประมาณของรัฐ

สถาบันการศึกษาเพิ่มเติม

วังแห่งความคิดสร้างสรรค์ของเด็ก

เขตเปโตรกราดสกี้

เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก

2015-2016

	หมายเหตุอธิบาย

	การเลือกละคร
	กำลังสร้างคะแนน

	ตัวอย่างการแต่งเพลงประสานเสียงสำหรับวงดนตรีผสมที่มีอายุต่างกัน
	บทสรุป
	บรรณานุกรม

หมายเหตุอธิบาย

พัฒนาการของวัฒนธรรมดนตรีโลกที่มีมายาวนานนับศตวรรษเป็นเครื่องยืนยันว่าการแสดง ไม่ว่าจะเป็นเครื่องดนตรีหรือเสียงร้อง เป็นสิ่งที่คิดไม่ถึงหากปราศจากการสร้างดนตรีทั้งมวล

รูปแบบที่มีประสิทธิภาพและเป็นที่นิยมในการแนะนำให้เด็กๆ รู้จักกับศิลปะดนตรีคือ การทำดนตรีทั้งมวล ซึ่งเปิดโอกาสให้นักเรียนแต่ละคนได้แสดงความสามารถในการสร้างสรรค์ดนตรีร่วมกันตามความสามารถและระดับการฝึกฝนของพวกเขา การศึกษาวรรณกรรมเกี่ยวกับวงดนตรีและการเรียนรู้ทักษะการเล่นร่วมกันเป็นส่วนสำคัญของระบบการให้ความรู้แก่นักดนตรีรุ่นเยาว์ การเล่นดนตรีทั้งมวลได้รับความต้องการและความเกี่ยวข้องโดยเฉพาะในยุคปัจจุบัน หลักฐานนี้คือการแข่งขันจำนวนมาก เทศกาลที่อุทิศให้กับการแสดงของวงดนตรีโดยเฉพาะ และสิ่งพิมพ์แผ่นโน้ตเพลง ซึ่งรวมถึงการเรียบเรียงผลงานยอดนิยมมากมายสำหรับละครคลาสสิกและสมัยใหม่สำหรับการเรียบเรียงวงดนตรีต่างๆ

การพัฒนานี้อาจน่าสนใจและเป็นประโยชน์สำหรับครูการศึกษาเพิ่มเติมและผู้นำทั้งมวลเมื่อจัดกลุ่มศิลปะ

การพัฒนาวิธีการนี้นำเสนอประสบการณ์ในการจัดกิจกรรมของวงดนตรีผสมวัยผสม "เมษายน" ของ Palace of Children's Creativity ของเขต Petrograd ทีมงานเกิดจากแนวคิดของครูการศึกษาเพิ่มเติม -เชื่อมต่อกลุ่มเครื่องดนตรีต่าง ๆ ที่มีเสียงต่ำของเครื่องดนตรีพื้นบ้านและวงซิมโฟนีออเคสตร้า

ทีมของเราไม่ได้มาตรฐานในองค์ประกอบซึ่งรวมถึงนักเรียนทุกวัยที่เรียนในโปรแกรมการศึกษาทั่วไปเพิ่มเติมต่อไปนี้:

"วงดนตรีพื้นบ้าน";
“ การรวมกลุ่มของผู้เล่นหีบเพลงปุ่มและหีบเพลง”;
“ เรียนรู้การเล่นไวโอลิน”;
"วงดนตรีประสานเสียง"

วัตถุประสงค์ การจัดกลุ่มดนตรีผสมหลายวัยเป็นการพัฒนากิจกรรมทางสังคมและความคิดสร้างสรรค์ของนักเรียนผ่านการรวมไว้ในกระบวนการดนตรีร่วมกัน

งาน:

เกี่ยวกับการศึกษา:

การพัฒนาทักษะการสื่อสารในทีมทุกวัย

ส่งเสริมความรู้สึกเป็นหุ้นส่วน

ปลูกฝังความอดทนให้กับนักแสดงเครื่องดนตรีประเภทอื่น แนวเพลง และสไตล์ดนตรี

ส่งเสริมวัฒนธรรมการแสดงดนตรี

การบำรุงเลี้ยงวัฒนธรรมของพฤติกรรมบนเวที

ปลูกฝังการรับรู้ทางอารมณ์และการแสดงผลงานดนตรี

การพัฒนา:

การพัฒนาความสามารถในการวิเคราะห์ของนักเรียน (ความสามารถในการฟังและวิเคราะห์ผลงานของตนเองตลอดจนผลงานของกลุ่มอื่น ๆ )

การพัฒนาหูทางดนตรี ความจำ และความรู้สึกด้านจังหวะของนักเรียน

การพัฒนาแนวทางสร้างสรรค์ในการแสดงผลงานดนตรี

พัฒนาการประสานมือและร่างกาย

เกี่ยวกับการศึกษา:

ความรู้เบื้องต้นเกี่ยวกับเครื่องสาย เครื่องดนตรีประเภทโค้ง เครื่องดนตรีพื้นบ้านและกก

การพัฒนาทักษะการแสดงวงดนตรีในนักเรียน

การพัฒนาทักษะการอ่านสายตา

การพัฒนาทักษะการแสดงบนเวที

ศึกษาความรู้ทางดนตรีและทฤษฎีดนตรีเบื้องต้น

ทุกคนที่มีอายุตั้งแต่ 6 ถึง 18 ปีจะได้รับการยอมรับให้เข้าร่วมทีมสร้างสรรค์ของโปรแกรมการศึกษา ในบทเรียนแรกจะมีการจัดออดิชั่นโดยเปิดเผยความสามารถทางดนตรีของเด็ก ๆ และมอบหมายให้กลุ่มเครื่องดนตรีขึ้นอยู่กับความสามารถของพวกเขา

เงื่อนไขในการจัดวงดนตรีผสมและลักษณะงานซ้อม

เงื่อนไขหลักในการจัดทีมสร้างสรรค์ดังกล่าวคือชุมชนของครูการศึกษาเพิ่มเติมที่มุ่งค้นหาแนวคิดใหม่ ๆ

ขั้นตอนสำคัญในการดำเนินกิจกรรมให้ประสบความสำเร็จคือการวางแผนงาน ครูคิดทบทวนแผนงานสำหรับสมาคมเด็กแต่ละแห่ง และมองหาจุดติดต่อทั่วไป มีการร่างแผนคอนเสิร์ตและการแข่งขันประจำปี

ช่องทางการติดต่อ:

รายการทั่วไป
การฝึกซ้อมทั่วไป
การแสดงร่วมกัน

การทำงานเริ่มต้นภายในแต่ละการเชื่อมโยงกับการเรียนรู้เนื้อหาดนตรีในบทเรียนเดี่ยวหรือการฝึกซ้อมในกลุ่มย่อย

นักดนตรีมีบทบาทสำคัญในขั้นตอนนี้ซึ่งช่วยให้เข้าใจงานดนตรีได้อย่างสมบูรณ์ นักเรียนเรียนรู้ที่จะฟังส่วนของตนเองในเสียงทั้งหมดของงานทันที เช่นเดียวกับการได้ยินส่วนต่างๆ ของเสียงอื่นๆ ด้วย นอกเหนือจากการศึกษาเนื้อหาทางดนตรีและจังหวะแล้ว งานยังเริ่มต้นจากภาพลักษณ์และลักษณะของดนตรีด้วย ฝ่ายต่างๆ ส่วนใหญ่จะได้รับการฝึกฝนอย่างช้าๆ เพื่อเอาชนะปัญหาทางเทคนิค

ในชั้นเรียนที่ไม่มีนักดนตรีก่อนอื่นสถานที่เหล่านั้นในส่วนที่ก่อให้เกิดความยากลำบากมากที่สุดจะถูกระบุ - เทคนิค, ไพเราะ, จังหวะและงานจะทำแยกกันในสถานที่ที่ยากลำบากเพื่อให้ได้การดำเนินการที่ชัดเจนและถูกต้องด้วยจังหวะการใช้นิ้ว และไดนามิก

หลังจากที่เด็กๆ เล่นโน้ตดนตรีได้คล่องแล้ว การซ้อมดนตรีจะเริ่มขึ้นในแต่ละกลุ่ม ความยากลำบากเกิดขึ้นในการแสดงเสียงเดียวหรือหลายเสียงพร้อมกันหากมีการแบ่งแยกในเครื่องดนตรีประเภทเดียว ในขั้นตอนนี้ งานกำลังดำเนินการเกี่ยวกับจังหวะทั่วไป ไดนามิก การค้นหาวิธีการแสดงออก รวมถึงการทำงานเกี่ยวกับเนื้อหาที่เป็นรูปเป็นร่างและอารมณ์ของงาน

และขั้นตอนต่อไปของการทำงานเพื่อเตรียมพร้อมสำหรับการแสดงคือการซ้อมรวมซึ่งมีการรวมเครื่องดนตรีทุกกลุ่มเข้าด้วยกัน มีการใช้แนวทางที่แตกต่าง ความแปรปรวนของการรวมเครื่องดนตรีต่าง ๆ:

ดอมรา – บาลาไลกา – เครื่องดนตรีพื้นบ้านกก
ไวโอลิน - ร้อง
ไวโอลิน – เสียงร้อง – ลิ้นพื้นบ้านและเครื่องดนตรีดีด ฯลฯ

เมื่อทำงานกับเด็กๆ เด็กแต่ละคนจะใช้แนวทางแบบรายบุคคล โดยแต่ละคนมีบทบาทของตนในวงดนตรี ขึ้นอยู่กับระดับทักษะการแสดงที่ทำได้ ในระหว่างการซ้อมจะให้ความสนใจเป็นพิเศษกับการทำงานด้านภาพลักษณ์และรูปแบบของผลงาน นักเรียนต้องเผชิญกับงานที่ยากลำบากในการนำเสนอบทบาทของพวกเขาอย่างกลมกลืนในเสียงโดยรวมของวงดนตรีหลายจังหวะ โดยได้ยินท่วงทำนองที่ร้องในเสียงที่แตกต่างกัน

การเลือกละคร

ครูจะเลือกรายการที่เหมาะสมสำหรับโปรแกรมการศึกษาทั่วไป ทั้งนี้ขึ้นอยู่กับข้อกำหนดสำหรับโปรแกรมคอนเสิร์ตและการแข่งขัน การแสดงคอนเสิร์ตแบบครบวงจรได้รับการคัดเลือกร่วมกันโดยครูทุกคนโดยพิจารณาจากความสามารถในการแสดงของนักเรียน

ละครที่ดีและมีคุณภาพสูงเป็นพื้นฐานของกิจกรรมสร้างสรรค์ของกลุ่มศิลปะใด ๆ มันกระตุ้นการเติบโตของทักษะการแสดงและศิลปะของสมาชิกทั้งมวลและในขณะเดียวกันก็มีส่วนช่วยในการพัฒนารสนิยมทางศิลปะของนักแสดง เช่นเดียวกับประชาชน ควรคัดเลือกผลงานที่มีคุณค่าทางศิลปะอย่างรอบคอบ ผสมผสานเนื้อหาที่น่าสนใจเข้ากับรูปแบบที่สมบูรณ์แบบ พร้อมวิธีการแสดงออกที่แปลกใหม่และหลากหลายซึ่งสามารถดึงดูดผู้ฟังได้อย่างแท้จริงและเผยให้เห็นความสามารถทางศิลปะของนักแสดง

กำลังสร้างคะแนน

เครื่องมือวัดที่ทำมาอย่างดีเป็นหนึ่งในปัจจัยชี้ขาดสำหรับการแสดงของวงดนตรีที่ประสบความสำเร็จ เพื่อรวบรวมคะแนนอย่างมีประสิทธิภาพ เราได้ศึกษาคุณสมบัติของเครื่องดนตรีแต่ละกลุ่ม: ระยะการทำงานของเครื่องดนตรี ความสามารถไดนามิก คุณสมบัติเสียงต่ำ และความสามารถของสาย ขึ้นอยู่กับตัวละคร เนื้อสัมผัส จังหวะ และไดนามิกของงาน เราแบ่งฟังก์ชันและนำเสนอเนื้อหาตามคุณภาพเฉพาะของเครื่องดนตรีและลักษณะการเล่นของเครื่องดนตรีแต่ละชิ้น

ลักษณะของเครื่องดนตรี

วงดนตรีของเราประกอบด้วยกลุ่มเครื่องดนตรีดังต่อไปนี้: ดอมรา บาลาไลกา หีบเพลง หีบเพลงปุ่ม ไวโอลิน และเสียงร้อง

แต่ละกลุ่มและเครื่องดนตรีแต่ละชิ้นมีจานสีที่สดใสของแต่ละบุคคล ซึ่งใช้ในการแสดงท่วงทำนอง เสียงสะท้อน ข้อความ และในการผสมกับเครื่องดนตรีอื่นๆ ให้เราพิจารณาลักษณะโดยย่อของเครื่องดนตรีหลักของกลุ่มของเรา

ระยะการทำงานมาตรฐานของไวโอลินอยู่ที่ ""อ็อกเทฟเล็กถึง"» อ็อกเทฟที่สี่ .

โทนเสียงไวโอลิน - หนาในระดับต่ำ นุ่มและอ่อนโยน– ปานกลางและเบาเงางาม– ในด้านบน เนื่องจากความใกล้ชิดของเสียงกับเสียงของมนุษย์และความสามารถในการสร้างผลกระทบทางอารมณ์ที่รุนแรงต่อผู้ฟัง ไวโอลินจึงเป็นเครื่องดนตรีที่เหมาะสมที่สุดสำหรับการเล่นแนวทำนอง เธอยังสามารถทำหน้าที่ประกอบในวงดนตรีได้ด้วย เนื่องจากเสียงของไวโอลินมีความสว่างมาก จึงมักใช้เสียงพิซซิกาโตร่วมกับท่อนโซโลของกลุ่มโดมราสและบาลาไลกา หรือท่อนประกอบจะดำเนินการในไดนามิกที่เงียบกว่าของกลุ่มโซโล ความคล้ายคลึงกันของเสียงต่ำของเครื่องดนตรีกับเสียงต่ำทำให้เกิดเสียงที่กลมกลืนกับส่วนของเสียงร้อง เมื่อคำนึงถึงคุณลักษณะนี้ ไวโอลินสามารถเล่นเสียงสนับสนุนหรือเสียงใดเสียงหนึ่งในงานร้องแบบโพลีโฟนิกได้

เมื่ออายุ 10-12 ปี เสียงร้องของเด็กเริ่มแบ่งออกเป็นเสียงแหลม (มีช่วงตั้งแต่โน้ต “C” ของตัวแรกถึง “A” ของอ็อกเทฟที่สอง แบบเคลื่อนที่ เสียงดัง) และอัลโต (เสียงต่ำและน้อยกว่า เสียงมือถือมากกว่าเสียงแหลม มีตั้งแต่โน้ต G เล็กไปจนถึง G ของอ็อกเทฟที่สอง)

ดอมรามีขนาดเล็ก ช่วงของดอมราขนาดเล็กมีตั้งแต่ “E” ของออคเทฟแรกไปจนถึง “A” ของออคเทฟที่สาม สร้าง - มิ, ลา, อีกครั้ง เครื่องมือนี้ไม่มีการขนย้าย ค่าลงทะเบียนต่ำ – นุ่ม ชุ่มฉ่ำ เทคนิคการเล่นหลักคือ “ลูกคอ” จังหวะ “staccato” จะดำเนินการโดยใช้จังหวะ “P” ลงหรือจังหวะ “V” ขึ้น Pizzicato เป็นเทคนิคการเล่นด้วยการบีบ (นิ้วนางหรือนิ้วหัวแม่มือ) ดอมราขนาดเล็กมีความดังที่สม่ำเสมอและสดใสตลอดทั้งช่วง ในรีจิสเตอร์ต่ำและกลางของดอมราขนาดเล็ก ท่วงทำนองที่ไพเราะของธรรมชาติจะฟังดูชัดเจน พรีมา บาลาไลกา มีตั้งแต่ “E” ของอ็อกเทฟแรก จนถึง “D” ของอ็อกเทฟที่สาม ในระดับเสียงต่ำ เครื่องดนตรีจะฟังดูอู้อี้มากกว่าเสียงในระดับเสียงกลาง บาลาไลกามีความสามารถที่ยอดเยี่ยมในการแสดงท่วงทำนองที่ไพเราะด้วยโน้ตคู่และสามโดยใช้เทคนิคต่อไปนี้: แสนยานุภาพ พิซซิกาโต วิบราโต

ในวงดนตรีของเรา ท่อน domra และ balalaika ทำหน้าที่ทั้งฟังก์ชั่นทำนอง (เทคนิคพื้นฐาน: จังหวะลงและขึ้น, พิซซิกาโต, ฮาร์โมนิกส์) และฟังก์ชั่นดนตรีประกอบ เมื่อพิจารณาว่าดอมราและบาลาไลกามีความดังน้อยกว่าเครื่องดนตรีกลุ่มอื่นในวงดนตรีของเรา เมื่อเล่นท่อนโซโล พวกเขาจะต้องได้รับการเน้นแบบไดนามิก

อัลโตบาลาไลกา เช่นเดียวกับดอมรา อัลโต จะถูกย้ายลงหนึ่งอ็อกเทฟ ช่วงของบาลาไลกามีตั้งแต่โน้ต "E" ของอ็อกเทฟเล็กไปจนถึง "C" ของอ็อกเทฟที่สอง และดอมราจากโน้ต "E" ของอ็อกเทฟเล็กถึง "A" ของอ็อกเทฟที่สอง อัลโต บาลาไลกา จะแสดงเป็นดนตรีประกอบเป็นหลัก เสียงต่ำและกลางของอัลโต บาลาไลกา มักใช้กันมากที่สุด อัลโต ดอมรามีเสียงที่นุ่มนวลและหนักแน่นในจังหวะต่ำ ในงานของเรา เราให้ส่วนของอัลโต บาลาไลกาที่มีลักษณะเป็นเสียงย่อย ซึ่งเป็นการแสดงรูปแบบฮาร์มอนิกประเภทต่างๆ ในโน้ตตัวเดียว

หีบเพลงและหีบเพลงปุ่มชดเชยการไม่มีเครื่องดนตรีพื้นบ้านที่ใช้ลมในวงซิมโฟนีออร์เคสตรา เราใช้คีย์บอร์ดด้านขวาของเครื่องดนตรี ซึ่งมีช่วงตั้งแต่ "G" ของอ็อกเทฟหลักไปจนถึง "E" ของอ็อกเทฟที่สี่ นอกจากนี้เรายังมักใช้เครื่องดนตรีเหล่านี้เป็นเครื่องประกอบและทำหน้าที่เหมือนเปียโน

บทสรุป

การพัฒนาวิธีการนี้นำเสนอประสบการณ์ในการจัดกิจกรรมของวงดนตรีผสมวัยผสม "เมษายน" ของ Palace of Children's Creativity ของเขต Petrograd

วงดนตรีร้องและเครื่องดนตรี "เมษายน" มีอยู่ใน Palace of Children's Creativity เมื่อเร็ว ๆ นี้ (น้อยกว่า 5 ปี) แต่ผลงานที่ทำโดยครูและนักเรียนได้ปรากฏแล้ว: ประกาศนียบัตรและรางวัลในการแข่งขัน (ดูภาคผนวก 3) ประสบการณ์ของเรายังสนใจผู้กำกับคนอื่นๆ ของกลุ่มศิลปะที่แสดงความพร้อมที่จะร่วมงานกับวงดนตรีของเรา ผลลัพธ์ที่ได้คือการแสดงร่วมกันในคอนเสิร์ต การแข่งขัน และเทศกาลต่างๆ ร่วมกับวงดนตรีและคณะนักร้องประสานเสียงต่างๆ

ในระหว่างกระบวนการเรียนรู้ ตามโปรแกรมการศึกษาทั่วไปเพิ่มเติม เด็ก ๆ จะได้เรียนรู้ทักษะการแสดงดนตรีในทางปฏิบัติ ดนตรีอ่านสายตา เรียนรู้การเล่นเป็นกลุ่ม และฟังเพลงกันเป็นกลุ่ม

วิธีการสอนเกมในกลุ่มผสมนั้นรวมถึงวิธีการสอนเด็กแต่ละคนโดยคำนึงถึงความสามารถลักษณะนิสัยสุขภาพกายและนำเสนอในรูปแบบที่ขี้เล่น เราเชิญชวนเด็กๆ ให้แสดงมุมมอง ค้นหาภาพทางศิลปะ และเป็นผลให้พัฒนาความคิดสร้างสรรค์ จินตนาการ ความคิดสร้างสรรค์ ความทรงจำ ความสนใจ เพิ่มคำศัพท์เกี่ยวกับคำศัพท์ทางดนตรี และพัฒนาทักษะทางดนตรีและการแสดง สมาชิกของกลุ่มได้รับการสอนให้รับผิดชอบในการแสดงต่อหน้านักดนตรีคนอื่น ๆ พัฒนาหูด้านดนตรีและคุ้นเคยกับเครื่องดนตรีอย่างใกล้ชิด เมื่อทำงานร่วมกับวงดนตรี ครูจะต้องคำนึงถึงกระบวนการศึกษาด้วย เช่น สอนให้เด็กๆ เคารพซึ่งกันและกัน ปลูกฝังความรู้สึกของการร่วมกัน ความสนิทสนมกัน การช่วยเหลือซึ่งกันและกัน และด้วยเหตุนี้จึงมีส่วนช่วยในการพัฒนาบุคลิกภาพของเด็กแต่ละคน

นอกเหนือจากการพัฒนาทักษะด้านเสียงร้องและด้านเทคนิคแล้ว งานของทั้งมวลในงานเช่น "Toy" ของ V. Cosma และ "Song of Beautiful Things" ของ R. Rogers ยังช่วยปลูกฝังให้เด็ก ๆ รักดนตรีซึ่งในความคิดของเรา เป็นสิ่งสำคัญมากในการศึกษาของนักเรียน งานของทีมเกี่ยวกับผลงานดนตรีซึ่งมีเครื่องดนตรีหลากหลายชนิดนำไปสู่ "การเติบโต" ขนาดมหึมาของทีม

บรรณานุกรม

Kargin, A. S. ทำงานร่วมกับวงออเคสตราสมัครเล่นเครื่องดนตรีพื้นบ้านรัสเซีย // ฉบับที่สาม, Ed. T. Ershova, M.: “ดนตรี”, 1987. – 41 น.
Chulaki, M. I. เครื่องดนตรี Symphony Orchestra // ฉบับที่สาม, Ed. K. Kondakhchan, M.: “ดนตรี”, 1972
Lebedev, S. N. หนังสือภาษารัสเซียเกี่ยวกับ FINALE // เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก: "นักแต่งเพลง", 2546
Raeva, O. A. ปัญหาในการสร้างละครสำหรับวงดนตรีเครื่องดนตรีพื้นบ้านรัสเซีย การพัฒนาระเบียบวิธี, สาธารณรัฐไครเมีย, 2014

การซ้อมวงออเคสตราทั่วไปเป็นหนึ่งในรูปแบบหลักของงานด้านการศึกษาและความคิดสร้างสรรค์ของวงดนตรี การจัดวางนักแสดงเป็นสิ่งสำคัญสำหรับความสำเร็จในการทำงานของทีม เก้าอี้และคอนโซลดนตรีถูกจัดวางในลักษณะที่ผู้ควบคุมวงสามารถมองเห็นสมาชิกวงออเคสตราแต่ละคนได้ชัดเจนและมองเห็นได้
การซ้อมเริ่มต้นด้วยการปรับจูนเครื่องดนตรีอย่างระมัดระวัง โดยมักใช้กับเครื่องดนตรีชนิดเดียวกันเสมอ (หีบเพลงหรือโอโบ) การฝึกซ้อมใช้เวลาประมาณ 2-3 ชั่วโมง โดยจะมีการพักหลังจากทำงานทุกๆ 45-50 นาที

ความเร็วของการซ้อมเป็นสิ่งสำคัญ ขอแนะนำให้หลีกเลี่ยงการหยุดโดยไม่จำเป็น ซึ่งจะทำให้วงออเคสตราเปียกชื้นและทำให้สูญเสียความสนใจในเชิงสร้างสรรค์ในงาน การหยุดระหว่างการซ้อมควรเป็นสิ่งที่สมเหตุสมผลเสมอ เมื่อหยุดวงออเคสตราและรอความเงียบ ผู้ควบคุมวงพูดกับนักแสดง หลีกเลี่ยงการอธิบายที่ละเอียด พูดเป็นภาษาที่เข้าถึงได้และค่อนข้างกระตือรือร้น
การวิเคราะห์บทละครที่ยากและการพัฒนาชิ้นส่วนที่ซับซ้อนทางเทคนิคมักจะดำเนินการในช่วงครึ่งแรกของการซ้อม เป็นการดีกว่าที่จะจบบทเรียนด้วยการทำซ้ำเนื้อหาที่เสร็จแล้วซึ่งเป็นเพลงที่วงออเคสตราชื่นชอบเป็นพิเศษ การเตรียมงานตั้งแต่การรู้จักครั้งแรกไปจนถึงการแสดงต่อสาธารณะเป็นกระบวนการสร้างสรรค์ที่ซับซ้อนและเป็นหนึ่งเดียวซึ่งทุกขั้นตอนเชื่อมโยงกันอย่างใกล้ชิด
ผู้ควบคุมวงเริ่มทำงานก่อนที่การซ้อมจะเริ่มขึ้น ประการแรกเขาศึกษาคะแนนของงานอย่างละเอียดและลึกซึ้งและขอบเขตของประเด็นที่กำลังศึกษานั้นกว้างมาก รวมถึงการศึกษาชีวประวัติเชิงสร้างสรรค์ของนักแต่งเพลง เวลาที่สร้างสรรค์ ประวัติความเป็นมาของการสร้างสรรค์ผลงานชิ้นนี้ และประเพณีการแสดง

เป็นสิ่งสำคัญอย่างยิ่ง แม้จะเพิ่งรู้จักงานเป็นครั้งแรกก็ตาม ที่จะเข้าใจงานโดยรวม: การอ่านโน้ตที่เปียโนหรือการปรับโทนเสียงทางจิตใจ ในขณะเดียวกันก็มีการสร้างแนวคิดทั่วไปเกี่ยวกับภาพดนตรีขั้นพื้นฐาน โครงสร้าง และละครในการพัฒนาเนื้อหา ต่อไป จำเป็นต้องมีการวิเคราะห์ทางทฤษฎีแบบองค์รวมขององค์ประกอบที่สำคัญที่สุดของภาษาดนตรี ฮาร์โมนี่ ทำนอง จังหวะ จังหวะมิเตอร์ ไดนามิก และการใช้ถ้อยคำ จากการศึกษาที่ครอบคลุมและความเข้าใจเชิงทฤษฎีอย่างรอบคอบเกี่ยวกับคะแนน ผู้ควบคุมวงจะค่อยๆ พัฒนาแนวคิดเกี่ยวกับแผนการปฏิบัติงาน
เมื่อศึกษารายละเอียดทั้งหมดของคะแนนแล้วผู้ควบคุมวงก็เดินหน้าต่อไปเพื่อครอบคลุมงานโดยรวมอีกครั้ง แต่ในระดับใหม่ที่สูงขึ้นโดยรวมรายละเอียดทั้งหมดไว้ในการนำเสนอที่กลมกลืนกัน หลังจากที่ได้ร่างแนวคิดทางศิลปะที่ชัดเจนแล้วเท่านั้น เมื่อมีการวางแผนการแสดงที่ชัดเจนแล้ว จึงจะสามารถดำเนินการซ้อมกับวงออเคสตราต่อไปได้
ก่อนที่จะเริ่มการซ้อม ผู้ควบคุมวงจะต้องตรวจสอบการมีอยู่ของทุกส่วน ตรวจสอบคะแนน และชี้แจงตำแหน่งที่ถูกต้องของการอ้างอิงดิจิทัลและไดนามิก จำเป็นต้องคิดทบทวนจังหวะของแต่ละวงออเคสตราและชี้แจงในทุกเสียงโดยไม่มีข้อยกเว้น ระบุปัญหาทางเทคนิคทั้งหมดและร่างวิธีการเอาชนะโดยคำนึงถึงระดับการแสดงของนักดนตรี บางครั้งในเกมมีการนำเสนอที่ซับซ้อนในแต่ละตอน การกระโดดที่ไม่สะดวกสำหรับนักแสดง เทสซิทูร่าสูงเกินไป ฯลฯ ในกรณีนี้ จำเป็นต้องแก้ไขบทบรรณาธิการ แน่นอนว่าการแก้ไขดังกล่าวจะต้องกระทำอย่างระมัดระวัง โดยไม่ละเมิดเจตนาของผู้เขียนแต่อย่างใด

ประสบการณ์แสดงให้เห็นว่าการทำงานที่ประสบผลสำเร็จในการซ้อมนั้นเป็นไปไม่ได้หากไม่มีการวางแผนอย่างรอบคอบ ผลลัพธ์ของการเตรียมตนเองของผู้ควบคุมวงควรเป็น: การตีความงานที่กำหนดไว้, ส่วนที่แก้ไข, แผนการฝึกซ้อมที่ชัดเจน โดยทั่วไป แผนการฝึกซ้อมงานชิ้นหนึ่งจะมีขั้นตอนต่างๆ ดังต่อไปนี้: การเล่นงานชิ้นนั้นทั้งหมด (หากระดับทางเทคนิคของวงออเคสตราอนุญาต) งานในรายละเอียด และการตกแต่งชิ้นสุดท้ายในขั้นตอนสุดท้าย ลำดับของขั้นตอนเหล่านี้เช่นเดียวกับในงานก่อนการฝึกซ้อมของผู้ควบคุมวงเกี่ยวกับคะแนนตามมาจากหลักการ - จากทั่วไปไปสู่เฉพาะตามด้วยการกลับคืนสู่ทั่วไป

เมื่อเล่นท่อนหนึ่ง ผู้ควบคุมวงมีโอกาสที่จะดึงความสนใจของนักแสดงไปยังตอนของวงออเคสตราที่ยากลำบาก และโดยทั่วไปคือแนะนำวงออเคสตราให้รู้จักกับแนวคิดการแสดง ขณะเล่น จะมีประโยชน์ในการตั้งชื่อหมายเลข ซึ่งช่วยให้ผู้เรียบเรียงควบคุมส่วนต่างๆ ของตนได้ หากงานมีการเคลื่อนไหวที่สงบก็สามารถอ่านได้ตามจังหวะที่ผู้เขียนกำหนด ควรนำเสนอผลงานที่ซับซ้อนทางเทคนิคช้าลงเพื่อให้สมาชิกวงออเคสตราสามารถเข้าใจรายละเอียดแต่ละส่วนของงานได้ดียิ่งขึ้น ตั้งแต่เริ่มต้นจำเป็นต้องชี้ให้เห็นถึงการแสดงน้ำเสียงที่ผิดหรือการบิดเบือนของข้อความดนตรี ผู้ควบคุมวงที่รู้คะแนนดีจะไม่พลาดข้อผิดพลาดแม้แต่ข้อเดียวที่อาจปรากฏในบันทึกหรือเกิดขึ้นโดยไม่ได้ตั้งใจเนื่องจากความผิดของผู้เรียบเรียง การได้ยินความเท็จไม่ใช่เรื่องยากนักแต่เป็นการยากกว่าในการระบุว่ามีเครื่องดนตรีชนิดใด ยิ่งผู้ควบคุมวงจินตนาการถึงเสียงทั้งหมดของคะแนนได้ชัดเจนยิ่งขึ้น เขาจะตัดสินใจได้เร็วยิ่งขึ้นเท่านั้น ดังนั้น เขาจะเสียเวลาในการแก้ไขข้อผิดพลาดน้อยลง

หากมีปัญหาด้านออเคสตราเป็นชิ้นๆ จะเป็นประโยชน์ที่จะเริ่มการซ้อมที่นั่น โดยขอให้กลุ่มต่างๆ ทำการแสดงในส่วนที่ยาก จากนั้นจึงให้คำแนะนำที่จำเป็น หากชิ้นส่วนไม่ได้ผล ควรทำเครื่องหมายไว้เพื่อดูรายละเอียดเพิ่มเติม ในการซ้อมทั่วไป จำเป็นที่ทั้งทีมจะต้องมีส่วนร่วม และไม่ต้องทำงานเป็นเวลานานเพียงกลุ่มเดียว ผู้ควบคุมวงต้องมีความคิดที่ชัดเจนว่าอะไรจะเกิดขึ้นได้ในขั้นตอนของการทำงานนี้และอะไรจะสำเร็จได้หลังจากผ่านไประยะหนึ่งเท่านั้น

จากการซ้อมครั้งแรก ความสนใจของผู้ควบคุมวงควรได้รับการชี้นำอย่างสม่ำเสมอตั้งแต่การรับรู้ด้านเทคนิคของการแสดงไปจนถึงงานศิลปะ ปัญหาทางเทคนิคทั้งหมดสามารถเอาชนะได้เร็วขึ้นหากนักแสดงเข้าใจถึงจุดประสงค์ทางศิลปะที่เขาต้องการเพื่อเอาชนะสิ่งเหล่านั้น งานซ้อมควรโน้มน้าวเขาว่าการแก้ปัญหาทางเทคนิคไม่ได้สิ้นสุดในตัวเอง แต่เป็นวิธีในการรวมเนื้อหาของงานให้สดใสและแสดงออก
การทำงานอย่างระมัดระวังในระหว่างการซ้อมควรคำนึงถึงทุกรูปแบบการแสดงออก เฉดสีแบบไดนามิกเป็นวิธีหนึ่งที่ช่วยเผยให้เห็นภาพลักษณ์ทางดนตรีของผลงาน จากการวิเคราะห์งานอย่างละเอียดโดยคำนึงถึงความต้องการของสไตล์นั้น ผู้ควบคุมวงจะพบความแตกต่างที่เหมาะสมที่เกิดจากเนื้อหาของเพลง ในเวลาเดียวกัน สิ่งสำคัญคือต้องกำหนดไคลแม็กซ์หลัก ซึ่งการพัฒนาก่อนหน้านี้ทั้งหมดมีแนวโน้มไปในทิศทางนั้น และไคลแม็กซ์รอง โดยเน้นช่วงเวลาของความตึงเครียดแบบไดนามิกในแต่ละส่วนและตอนต่างๆ

ตัวอย่างเช่น สำหรับวงออเคสตรา เป็นเรื่องยากที่ทราบกันดีในการแสดงขึ้นๆ ลงๆ ด้วยเสียงอันไพเราะ วงออเคสตราเต็มใจแสดงขึ้นเรื่อยๆ ซึ่งมักจะถึงจุดสูงสุดเร็วเกินไป และในทางกลับกัน เปียโนก็เร็วเกินไป คุณสามารถหลีกเลี่ยงสิ่งนี้ได้ เช่น ค่อยๆ เพิ่มขึ้น โดยปฏิบัติตามเทคนิคที่รู้จักกันดี: เริ่มการก่อตัวด้วยเสียงที่เงียบลง จากนั้นจึงค่อยๆ เพิ่มขึ้น ต้องจำไว้ว่าลักษณะและระดับความแข็งแกร่งของแต่ละความแตกต่างนั้นเป็นไปตามลักษณะของสไตล์งาน เป็นที่พึงปรารถนาที่การเปลี่ยนแปลงความแตกต่างเล็กน้อยจะสะท้อนให้เห็นในท่าทางของผู้ควบคุมวง ความกว้างและความเข้มข้นของท่าทางจะต้องได้รับการตรวจสอบ ชัดเจน และเข้าใจได้สำหรับสมาชิกวงออเคสตราในการซ้อมครั้งแรก
ผู้ควบคุมวงจำเป็นต้องคิดล่วงหน้าถึงรายละเอียดการใช้ถ้อยคำทั้งหมดของงานเพื่อถอดรหัสโครงสร้างของวลีดนตรีให้กับนักแสดงในระหว่างการซ้อม แม้แต่นักดนตรีที่มีประสบการณ์ก็รู้สึกดนตรีแตกต่างออกไป และหน้าที่ของผู้ควบคุมวงคือรวบรวมบุคลิกลักษณะที่แตกต่างกันและรวมเข้าด้วยกันเป็นแนวคิดเดียว
เมื่อซ้อมการใช้ถ้อยคำ คุณสามารถใช้วิธีต่างๆ ในการฝึกฝนได้ แค่ท่าทางยังไม่พอ การแยกวิเคราะห์วลีด้วยวาจามีประโยชน์มาก โดยระบุจุดอ้างอิง บ่อยครั้งคุณต้องแก้ปัญหา การทำเช่นนี้ไม่จำเป็นต้องมีเสียงที่ไพเราะและฝึกฝนมา แต่คุณต้องร้องเพลงอย่างชัดเจน บริสุทธิ์ และแสดงออก ผู้เล่นวงออร์เคสตราจะต้องแน่ใจว่าได้เสียงออร์เคสตราที่ยืดหยุ่นได้ก็ต่อเมื่อทุกคนมีความเข้าใจวลีนี้เหมือนกัน

การบรรลุการแสดงวงดนตรีที่ดีถือเป็นหนึ่งในงานที่ยากที่สุดในการทำงานร่วมกับวงออเคสตรา เป็นที่ทราบกันดีว่าการแสดงร่วมกันจำเป็นต้องมีความเข้าใจอย่างเดียวกันในจุดประสงค์ทางศิลปะของงาน ทั้งในแง่ของเนื้อหาและลักษณะทางโวหาร และในทุกสิ่งที่เกี่ยวข้องกับจังหวะ ไดนามิก และจังหวะ
ผู้ควบคุมวงจะต้องช่วยให้สมาชิกวงออเคสตราจินตนาการถึงบทบาทและความสำคัญของส่วนของตนในแต่ละตอนได้อย่างชัดเจน ขึ้นอยู่กับเนื้อสัมผัสของผลงาน บ่อยครั้งที่ผู้เล่นออร์เคสตรามือใหม่พยายามแสดงส่วนของตนเองให้ชัดเจนที่สุดเท่าที่จะเป็นไปได้ โดยผลักมันออกมามากเกินไป โดยไม่สนใจว่าสิ่งนี้จะส่งผลต่อเสียงโดยรวมอย่างไร ในทางกลับกัน มักมีกรณีของการแสดงที่ขี้อายเนื่องจากความกลัวที่ผิดพลาด เพื่อเอาชนะข้อบกพร่องเหล่านี้ จำเป็นสำหรับผู้เล่นออเคสตราที่จะมีความเข้าใจที่ชัดเจนเกี่ยวกับบทบาทของส่วนของตนในเนื้อร้องของดนตรีออเคสตราทั้งหมด ข้อผิดพลาดที่พบบ่อยพอสมควรคือการใช้เสียงของแผน "รอง" มากเกินไปซึ่งเกี่ยวข้องกับการสูญเสียสมดุลระหว่างเสียงนำและเสียงประกอบ อย่างไรก็ตาม ไม่มีใครสามารถตกลงกับความเข้าใจดั้งเดิมเกี่ยวกับมุมมองของเสียงได้ ซึ่งมาถึงความจริงที่ว่าเครื่องบินลำแรกควรเล่นเสียงดัง และเครื่องบินลำที่สองควรเล่นอย่างเงียบ ๆ เสียงของเครื่องบินทั้งสองลำเชื่อมต่อกันอยู่เสมอและช่องว่างที่มากเกินไปในความแข็งแกร่งของเสียงก้องนั้นไม่เป็นที่พึงปรารถนา ความสมดุลของเสียงต้องได้รับการควบคุมไม่เพียงแต่โดยผู้ควบคุมวงเท่านั้น แต่ยังต้องควบคุมโดยนักแสดงด้วย

ในการบรรลุประสิทธิภาพการทำงานของวงดนตรี ความถูกต้องและแม่นยำของจังหวะเป็นสิ่งสำคัญอย่างยิ่ง บางครั้งผู้ควบคุมวงมีอิสระในการเลือกจังหวะ: ไม่ได้ระบุจังหวะทั้งหมดไว้ในคะแนน และการเล่นด้วยจังหวะต่างๆ โดยเฉพาะกับเครื่องสาย เป็นการบิดเบือนธรรมชาติของการเขียนดนตรี เนื่องจากหัวหน้าวงออเคสตราพื้นบ้านต้องเชี่ยวชาญเครื่องดนตรีพื้นฐาน จึงจะเป็นประโยชน์สำหรับเขา ตัวเขาเอง หรือร่วมกับนักดนตรีของกลุ่ม ในการลองจังหวะหลายๆ แบบ ค้นหาจังหวะที่ถูกต้องที่สุดแล้วเสนอให้กับวงออเคสตรา ในช่วงเริ่มต้นจะมีประโยชน์สำหรับตัวนำในการทำงานเป็นชิ้น ๆ เพื่อให้ได้จังหวะเดียวกัน เส้นที่ทำเครื่องหมายไว้ในส่วนต่างๆ มักจะแสดงโดยนักแสดงออร์เคสตราธรรมดาที่สุด และหน้าที่ของผู้ควบคุมวงคือการทำให้ได้แสดงออกถึงเส้นสายอย่างต่อเนื่อง

ในทางปฏิบัติ ผู้ควบคุมวงจะต้องต่อสู้กับข้อบกพร่องด้านประสิทธิภาพที่พบบ่อยมากอย่างต่อเนื่อง: การเปลี่ยนแปลงในไดนามิกกระตุ้นให้นักแสดงที่ไม่มีประสบการณ์เบี่ยงเบนไปจากจังหวะ เมื่อเสียงดังขึ้น ตามกฎแล้ว จังหวะจะเร็วขึ้น และเมื่อมันลดลง มันก็จะช้าลง การละเมิดจังหวะที่ผิดกฎหมายแบบเดียวกันสามารถสังเกตได้เมื่อสลับวลีที่แตกต่างกันอย่างมากในลักษณะของดนตรีและเนื้อสัมผัส ผู้ควบคุมวงจะต้องปลูกฝังวินัยด้านจังหวะที่เหมาะสมในวงออเคสตราอย่างต่อเนื่อง ในงานซ้อมควรให้ความสนใจอย่างมากกับคุณภาพเสียง เนื่องจากผู้เล่นออเคสตราที่ไม่มีประสบการณ์มักไม่ทราบวิธีควบคุมตนเอง ผู้ควบคุมวงจะต้องตรวจสอบการผลิตเสียงที่ดีอย่างระมัดระวัง ซึ่งขึ้นอยู่กับมุมที่ถูกต้องของปิ๊กที่สัมพันธ์กับสาย (ตัวอย่างเช่น ในกลุ่มดอมรา เสียง "เปิด" ที่ไม่พึงประสงค์อาจปรากฏขึ้น) บ่อยครั้งที่เสียงที่มีคุณภาพต่ำก็เกิดขึ้นเนื่องจากการกดสายที่เบาจนทำให้ไม่สบายใจ ผู้เล่นวงออเคสตราบางคนเล่นด้วยเครื่องสั่นที่แย่และมีปัญหาในการเคลื่อนจากสายหนึ่งไปยังอีกสายในคานทิเลนา และหน้าที่ของผู้ควบคุมวงคือสอนผู้เล่นออเคสตราให้แยกแยะเสียงที่ดีจากเสียงที่ไม่ดี
เมื่อทำการแสดงวงดนตรี คุณต้องจำไว้ว่าถ้าเครื่องดนตรีที่นำทำนองนั้นฟังยาก คุณไม่ควรบังคับให้เล่นอย่างแรง นอกจากนี้ยังจะส่งผลให้เสียงมีคุณภาพต่ำอีกด้วย เป็นการดีกว่าที่จะเน้นเสียงเครื่องดนตรีที่ต้องการด้วยการปิดเสียงเครื่องดนตรีที่ครอบคลุมเสียงโซโล

บางครั้งมันเกิดขึ้นที่สมาชิกวงออเคสตราไม่เข้าใจคำแนะนำของผู้ควบคุมวงดนตรีในทันทีหรือไม่สามารถปฏิบัติตามข้อกำหนดของเขาได้เนื่องจากความซับซ้อนทางเทคนิค จากนั้นผู้ควบคุมวงเมื่อนึกถึงงานแสดงแล้วจะต้องพูดวลีดนตรีซ้ำหลาย ๆ ครั้งตามที่จำเป็น มิฉะนั้นสมาชิกวงออเคสตราจะรู้สึกว่าผู้ควบคุมวงไม่ตอบสนองต่อความจริงที่ว่าคุณภาพการแสดงยังคงเหมือนเดิม อย่างไรก็ตาม หากไม่สามารถเอาชนะความยากลำบากได้และจำเป็นต้องศึกษาส่วนนั้นอย่างอิสระ ผู้ควบคุมวงเมื่อได้รับคำแนะนำที่เหมาะสมแล้ว ก็ยังคงทำงานในส่วนถัดไปของชิ้นต่อไป ไม่จำเป็นต้องหยุดการดำเนินการเนื่องจากข้อผิดพลาดเล็กๆ น้อยๆ แบบสุ่มโดยนักแสดงแต่ละคน คุณสามารถใช้ท่าทางหรือคำพูดเพื่อดึงดูดความสนใจของนักแสดงและแก้ไขข้อผิดพลาดโดยไม่ต้องหยุดการเล่นวงออเคสตราทั้งหมด
ในการซ้อมซ้อม มีหลายครั้งที่แม้ว่าจะมีข้อบกพร่องในการแสดง แต่ก็ไม่แนะนำให้หยุด สถานการณ์ดังกล่าวเกิดขึ้น เช่น หากนักแสดงเหนื่อยแล้ว ผู้ควบคุมวงจะต้องรู้สึกถึงสถานะของวงออเคสตราและในกรณีเช่นนี้ให้เล่นดนตรีมากขึ้น: ให้โอกาสสมาชิกของวงดนตรีได้เพลิดเพลินกับดนตรีหรือในทางกลับกันบางครั้งก็คุ้มค่าที่จะหยุดการเล่นและให้ความบันเทิงกับวงออเคสตราด้วยเรื่องตลก เรื่องราวที่น่าสนใจเกี่ยวกับดนตรี ผู้แต่ง ฯลฯ
การซ้อม “ควรจัดโครงสร้างให้วงออเคสตราทุกกลุ่มเข้าร่วมงานโดยไม่หยุดพักนานเพื่อให้นักแสดงแต่ละคนพร้อมเข้าร่วมได้ทุกเมื่อ หากผู้กำกับอ้อยอิ่งทำงานแต่ละส่วนนานเกินไปก็จะทำให้หมดกำลังใจ ผู้เข้าร่วมคนอื่นๆ

หลังจากวิเคราะห์การเล่นและทำงานอย่างละเอียดในรายละเอียดแล้ว ขั้นตอนสุดท้ายก็มาถึง ประกอบด้วยการขัดเกลาและรวมรายละเอียดของแต่ละบุคคลให้เป็นหนึ่งเดียว นำองค์ประกอบไปสู่จังหวะสุดท้าย และพัฒนาความง่ายและความอิสระที่จำเป็นในการแสดง ความสำเร็จของการซ้อมส่วนใหญ่ขึ้นอยู่กับความสามารถของวาทยากรในการสื่อสารกับวงดนตรี การทำงานร่วมกับวงออเคสตราต้องอาศัยความซื่อสัตย์ ความอุตสาหะ ความเข้มงวด และความอดทน พฤติกรรมของผู้ควบคุมวงในระหว่างการซ้อมควรเป็นตัวอย่างให้กับนักแสดง - ควรเป็นคนฉลาด มีระเบียบ และรวบรวม เขาไม่ควรแสดงความรำคาญกังวลเมื่อมีบางอย่างไม่ได้ผลเป็นเวลานานในวงออเคสตราและยิ่งไปกว่านั้นคือทำให้ความภาคภูมิใจของผู้เข้าร่วมขุ่นเคือง หัวหน้าทีมจะต้องถูกต้องเสมอ เรียกร้องระหว่างการซ้อม และเรียบง่าย มีมนุษยธรรมในการสื่อสารนอกเวลาเรียน เป็นการเหมาะสมที่จะอ้างอิงคำพูดของวาทยากรชื่อดังอย่างบรูโน วอลเตอร์ ซึ่งพูดถึงลักษณะสำคัญของการปรากฏตัวของวาทยากรนี้: “ วาทยกรเองไม่ได้สร้างสรรค์ดนตรี แต่ทำโดยได้รับความช่วยเหลือจากผู้อื่นซึ่งเขาต้องสามารถกำกับผ่านท่าทาง คำพูด และอิทธิพลของบุคลิกภาพของเขาได้ ผลลัพธ์ขึ้นอยู่กับความสามารถของเขาในการเป็นผู้นำผู้คนเท่านั้น ความสามารถโดยกำเนิดมีบทบาทชี้ขาด - เรากำลังพูดถึงความสามารถในการยืนยันความตั้งใจของตนเอง อิทธิพลของความเป็นปัจเจกบุคคล - และลักษณะนี้ควรได้รับการพัฒนาผ่านการทำงานอย่างต่อเนื่องโดยใช้ประสบการณ์ในชีวิตประจำวัน บุคคลที่ไม่มีอำนาจซึ่งขาดพลังจิตไม่สามารถครอบครองตำแหน่งที่แข็งแกร่งได้แม้ว่าเขาจะมีความสามารถทางดนตรี ความสามารถ และความรู้ก็ตาม เขาจะสามารถแสดงตัวตนและความรู้สึกของเขาด้วยทักษะที่ยอดเยี่ยมบนเปียโน ไวโอลิน แต่เขาจะไม่เปลี่ยนวงออเคสตราให้เป็นเครื่องดนตรีที่เชื่อฟังเขา”

ทำงานร่วมกับวงดนตรีผสม

เครื่องดนตรีพื้นบ้านของรัสเซีย

เมื่อเริ่มทำงานครูสมัยใหม่ต้องเผชิญกับความยากลำบากที่หลีกเลี่ยงไม่ได้: ประการแรกด้วยการขาดแคลนวรรณกรรมด้านระเบียบวิธีอย่างเฉียบพลันที่อุทิศให้กับวงดนตรีพื้นบ้านรัสเซียแบบผสม ประการที่สอง คอลเลกชันละครมีจำนวนจำกัด รวมถึงผลงานต้นฉบับที่น่าสนใจซึ่งทดสอบโดยการฝึกซ้อมคอนเสิร์ต การถอดเสียง การถอดเสียง และคำนึงถึงระดับการฝึกอบรมต่างๆ และแนวทางการสร้างสรรค์ของการเรียบเรียงเหล่านี้ วรรณกรรมด้านระเบียบวิธีที่ได้รับการตีพิมพ์ส่วนใหญ่ส่งถึงกลุ่มคณะที่มีประวัติทางวิชาการ - โดยมีส่วนร่วมของเครื่องดนตรีเปียโนโค้งคำนับ เนื้อหาของสิ่งพิมพ์ดังกล่าวจำเป็นต้องมีการปรับเปลี่ยนอย่างมีนัยสำคัญโดยคำนึงถึงลักษณะเฉพาะของการทำดนตรีทั้งมวลพื้นบ้าน

การพัฒนานี้อธิบายถึงหลักการพื้นฐานของการทำงานกับเครื่องดนตรีพื้นบ้านรัสเซียทั้งมวล ในเวลาเดียวกัน เคล็ดลับและคำแนะนำที่เป็นประโยชน์หลายประการที่แสดงด้านล่างยังนำไปใช้กับวงดนตรีผสมประเภทอื่นๆ ได้ด้วย

เสียงเครื่องดนตรีเป็นหนึ่งในวิธีแสดงออกที่โดดเด่นที่สุดในคลังแสงของวงดนตรีผสม จากความสัมพันธ์ระหว่างเสียงร้องที่หลากหลายที่เกิดขึ้นในระหว่างขั้นตอนการแสดง เราสามารถแยกแยะคุณลักษณะที่เป็นอิสระของเครื่องดนตรี (เสียงร้องบริสุทธิ์) และการผสมผสานที่เกิดขึ้นเมื่อเสียงเข้าด้วยกัน (เสียงเพลงผสม) โดยปกติจะใช้โทนเสียงที่สะอาดเมื่อเครื่องดนตรีตัวใดตัวหนึ่งได้รับการกำหนดให้เป็นโซโลทำนองเพลง

ไม้ผสมเกิดขึ้นจากการนำไม้บริสุทธิ์มารวมกันและรวมกันได้หลายรูปแบบ

ลักษณะปริมาตร-ไดนามิกและเส้นของเครื่องดนตรีมีความสัมพันธ์อย่างใกล้ชิดกับเสียงต่ำ ในการเล่นดนตรีทั้งมวล ความสมดุลของปริมาตร-ไดนามิกเนื่องจากการใช้ทรัพยากรที่เหมาะสมอย่างมีเหตุผลและสมเหตุสมผล ความดัง “ความโล่ง” ของแต่ละท่อนจะพิจารณาจากองค์ประกอบของวงดนตรี ลักษณะเครื่องดนตรีและเทสซิทูราของท่อนอื่นๆ และการทำงานของเสียงแต่ละเสียงในการพัฒนาดนตรีตลอดท่อนนั้นๆ หลักการพื้นฐานของการแยกความแตกต่างของระดับเสียงที่สัมพันธ์กับวงดนตรีผสมสามารถกำหนดได้ดังนี้: ขีดจำกัดล่างคือน้ำเสียงคุณภาพสูงในสภาวะที่มีความดังที่เงียบมาก ขีดจำกัดบนคือเสียงที่อุดมไปด้วยเสียงและไม่มีเสียงแตกของ สตริง กล่าวอีกนัยหนึ่ง เมื่อใช้ความสามารถด้านความดัง-ไดนามิกของเครื่องดนตรี จะต้องระมัดระวังเพื่อไม่ให้สีของเครื่องดนตรีแต่ละชิ้นบิดเบี้ยวหรือหมดลง

อัตราส่วนเส้นเครื่องดนตรีในกระบวนการเล่นดนตรีด้วยกันอาจเป็นปัญหาที่ยากที่สุดในการแสดงทั้งมวล ความซับซ้อนนี้อธิบายได้จากการพัฒนาด้านทฤษฎีของเทคนิคเส้นสายในเทคนิคการดึงสายและหีบเพลงไม่เพียงพอ

จังหวะจำนวนมากที่ใช้ในการแสดงของวงดนตรีสามารถแบ่งออกเป็นสองกลุ่มใหญ่: "เทียบเท่า" (ที่เกี่ยวข้อง) และ "ซับซ้อน" (การรวมกันของจังหวะที่แตกต่างกันเพียงครั้งเดียว) ในกรณีที่ลักษณะของการนำเสนอสันนิษฐานว่าเป็นเสียงที่รวมกันเป็นหนึ่งเดียวของวงดนตรี ความคลาดเคลื่อนตามธรรมชาติที่เกิดจากลักษณะที่แตกต่างกันของการผลิตเสียงบนเครื่องดนตรีที่ดึงออกมาและหีบเพลงแบบปุ่มจะถูกทำให้เรียบให้มากที่สุดเท่าที่จะเป็นไปได้และทำให้เกิดเสียงเดียว "ตัวส่วน" ดังนั้นความยากที่ยิ่งใหญ่ที่สุดในวงดนตรีผสมคือการแสดงจังหวะที่ "เทียบเท่า"

อะไรมีส่วนทำให้เกิดความสามัคคีที่ระบุไว้ในรูปลักษณ์โดยรวมของจังหวะที่มีชื่อ? ประการแรก การศึกษาคุณสมบัติที่สำคัญที่สุดของการสร้างเสียงและการพัฒนาเสียง (การโจมตี การนำ การปล่อย) รวมถึงหลักการของการเชื่อมต่อกับเสียงถัดไป ขึ้นอยู่กับลักษณะเฉพาะของการผลิตเสียงที่มีอยู่ในเครื่องดนตรีเฉพาะ บนตัวทำให้เกิดเสียง (สาย แผ่นโลหะ) และวิธีการกระตุ้น (ด้วยนิ้วหรือตัวกลาง - ดึงออก แรงดันอากาศบนกกโลหะและการกดปุ่มบางปุ่ม - หีบเพลงปุ่ม) มีการสังเกตความแตกต่างในลักษณะบางอย่างที่เกี่ยวข้องกับแต่ละเฟสของเสียง

เสียงโจมตี. ในขั้นของเสียงนี้ เครื่องสายจะใช้เทคนิคการเล่นหลักสามประการ ได้แก่ การสั่น การถอนขน และการดีด พบความสอดคล้องต่อไปนี้ในวิธีการโจมตีระหว่างสายและปุ่มหีบเพลง:

การโจมตีที่นุ่มนวล: ลูกคอสำหรับสายนั้นเพียงพอที่จะยืดหยุ่นการจ่ายอากาศด้วยการกดปุ่มบนหีบเพลงพร้อมกัน
การโจมตีที่มั่นคง: การดึงสายสอดคล้องกับการขับเคลื่อนเบื้องต้นของเครื่องสูบลม ทำให้เกิดแรงกดดันในห้องสูบลม ด้วยการกดอย่างแหลมคม (กด) ของปุ่มบนหีบเพลงของปุ่ม การโจมตีอย่างหนัก: การตีสายหรือสายสัมพันธ์กับแรงดันเบื้องต้นในห้องสูบลมและการตีกุญแจบนปุ่มหีบเพลง

รักษาเสียง. ในระยะนี้ เครื่องสายจะมีเสียงสองประเภท: เสียงเสื่อม (หลังจากการโจมตีโดยการดีดหรือตี) และเสียงที่ยืดเยื้อ (ผ่านการสั่น) ที่ปุ่มหีบเพลง เสียงที่ค่อยๆ ลดลงนั้นสัมพันธ์กับไดนามิกของระดับเสียงที่ "ลดลง" (การผ่อนคลายของความดันในห้องสูบลม) ซึ่งถูกกำหนดโดยธรรมชาติและอัตราของการสลายตัวของเสียงในสาย ในส่วนของเสียงประเภทที่สอง การเปลี่ยนแปลงระดับเสียงไดนามิกสามารถทำได้ทั้งบนสายและหีบเพลงของปุ่ม

การถอดเสียง– ระยะที่ซับซ้อนที่สุด (ในแง่ของการประสานงานทั้งมวล) ต้องมีการวิเคราะห์เพิ่มเติมของระยะที่กล่าวมาข้างต้น ดังนั้น เมื่อโจมตีด้วยการดีดหรือตีโดยไม่มีลีด "หยิบ" (ลูกคอหรือสั่น) เสียงของสายจะถูกขัดจังหวะโดยการเอานิ้วของมือซ้ายออก (บางครั้งก็อู้อี้ด้วยมือขวา) บนปุ่มหีบเพลง เทคนิคที่ระบุนั้นสอดคล้องกับการถอนนิ้วพร้อมกับการหยุดเครื่องสูบลมในภายหลังเนื่องจากลักษณะของการถอด เมื่อโจมตีและนำเสียงเทรโมโล การปล่อยสายจะดำเนินการโดยการหยุดปิ๊กและถอดนิ้วไปพร้อมๆ กัน บนหีบเพลงแบบปุ่ม ผลลัพธ์เสียงที่เพียงพอจะเกิดขึ้นได้โดยการหยุดสูบลมและเอานิ้วออกจากคีย์พร้อมกัน

กับรวมเสียงมีบทบาทสำคัญในกระบวนการของน้ำเสียงรวมถึงการใช้ถ้อยคำทางดนตรี ขึ้นอยู่กับลักษณะของเพลง มีการใช้วิธีการเชื่อมต่อหลายวิธีตั้งแต่การแยกเสียงสูงสุดจนถึงการรวมเสียงที่รุนแรง ในเรื่องนี้ เป็นสิ่งสำคัญอย่างยิ่งในการทำงานทั้งมวลเพื่อให้บรรลุความบังเอิญ - "ความบังเอิญที่มีความแม่นยำสูงสุดในระยะเวลาที่น้อยที่สุด (เสียงหรือการหยุดชั่วคราว) สำหรับนักแสดงทุกคน" ความบังเอิญเกิดขึ้นเนื่องจากความเข้าใจและความรู้สึกร่วมกันของคู่ค้าเกี่ยวกับพารามิเตอร์จังหวะและเมตริก การเต้นเป็นจังหวะ การโจมตีและการปลดปล่อยของแต่ละเสียง การละเมิดความบังเอิญเพียงเล็กน้อยเมื่อเล่นด้วยกันจะทำลายความรู้สึกถึงความสามัคคีความสามัคคีทั้งมวล ในสถานการณ์เช่นนี้ การเลือกจังหวะที่เหมาะสมเป็นสิ่งสำคัญมากซึ่งอาจเปลี่ยนแปลงได้ระหว่างการทำงานชิ้นนี้ ในช่วงสุดท้ายของชั้นเรียนซ้อม ลักษณะจังหวะจะพิจารณาจากความสามารถของกลุ่ม (อุปกรณ์ทางเทคนิค ลักษณะเฉพาะของการผลิตเสียงส่วนบุคคล) และที่สำคัญที่สุด - โดยโครงสร้างที่เป็นรูปเป็นร่างของงาน

การดูแลให้ความสามัคคีในจังหวะของเสียงทั้งมวลได้รับการอำนวยความสะดวกโดยการสร้างการสนับสนุนด้านเมตริกสำหรับผู้เข้าร่วมทุกคน บทบาทของรากฐานที่สอดคล้องกันในวงดนตรีมักจะถูกกำหนดให้กับเบสบาลาไลกา - ดับเบิลเบสซึ่งเป็นลักษณะเสียงที่โดดเด่นเมื่อเทียบกับพื้นหลังของเสียงของเครื่องดนตรีอื่น ด้วยการเน้นจังหวะที่หนักแน่นของจังหวะ ผู้เล่นเบสบาลาไลกา-ดับเบิ้ลเบสจึงมีอิทธิพลอย่างแข็งขันต่อลักษณะทั่วไปของการเคลื่อนไหวทางดนตรีตามถ้อยคำของทำนอง

เพื่อให้บรรลุความซิงโครไนซ์ในการแสดงทั้งมวลสิ่งสำคัญคือต้องรู้สึกถึงความสามัคคีของการเต้นเป็นจังหวะซึ่งในอีกด้านหนึ่งทำให้เสียงมีความเป็นระเบียบที่จำเป็นและอีกด้านหนึ่งช่วยให้คุณหลีกเลี่ยงความคลาดเคลื่อนในชุดค่าผสมเล็ก ๆ ต่างๆ โดยเฉพาะอย่างยิ่ง เมื่อเบี่ยงเบนไปจากจังหวะที่กำหนด ขึ้นอยู่กับส่วนหลังตลอดจนโครงสร้างที่เป็นรูปเป็นร่างและอารมณ์ของการแต่งเพลงที่กำลังแสดงอยู่ มีการเลือกหน่วยการเต้นแบบเดียวกันสำหรับสมาชิกทุกคนในวงดนตรี โดยปกติแล้ว ในระยะเริ่มแรกของการเรียนรู้ชิ้นส่วนที่ซับซ้อนทางเทคนิค ระยะเวลาที่สั้นที่สุดจะถูกเลือกเป็นหน่วยของการเต้นเป็นจังหวะ ในอนาคตด้วยความเร่งของก้าวที่ใหญ่ขึ้น ขอแนะนำให้กลับสู่จังหวะที่ค่อนข้างช้าเป็นครั้งคราว และแน่นอนว่า ไปยังหน่วยจังหวะที่เหมาะสม

เพื่อเป็นการอธิบาย เราจะยกตัวอย่างต่อไปนี้ – Scherzo ของ F. Mendelssohn (ตั้งแต่เพลงไปจนถึงภาพยนตร์ตลกของ W. Shakespeare เรื่อง “A Midsummer Night’s Dream”) หน่วยของการเต้นเป็นจังหวะที่จังหวะช้าๆ ที่นี่จะกลายเป็นระยะเวลาที่สิบหก ซึ่งมีส่วนช่วยในการวัดที่แปดและสิบหกได้อย่างแม่นยำ ในจังหวะเร็ว ฟังก์ชันที่คล้ายกันจะมอบให้กับโน้ตตัวที่สี่แบบประหรือตัวที่แปด

ให้เราพิจารณาส่วนหนึ่งจากส่วนเริ่มต้นของ "The Tale of the Quiet Don" โดย V. Semenov:

โดยใช้ระยะเวลาที่แปดเป็นหน่วยของการเต้นเป็นจังหวะ นักแสดงสามารถคำนวณครึ่งหนึ่งด้วยจุดในการวัดครั้งที่สองได้อย่างแม่นยำ ทำให้เกิดความซิงโครไนซ์ในการเคลื่อนไหวของโน้ตที่แปดและจุดสิ้นสุดของวลี Caesura ก่อนการเข้ามาของวงดนตรีทั้งหมดจะขัดขวางความต่อเนื่องของการเต้นเป็นจังหวะและป้องกันการเริ่มขบวนถัดไปอย่างมั่นใจพร้อมกัน ในกรณีนี้มันมาเพื่อช่วยเหลือ ท่าทางธรรมดา. เนื่องจากชิ้นส่วนเครื่องสายใช้เทคนิคการโจมตีโดยไม่ต้องแกว่งเบื้องต้น (เครื่องสาย tremolo) ผู้เล่นหีบเพลงจึงต้องแสดงการแนะนำวงดนตรี เมื่อคำนึงถึงการกำจัดครั้งก่อนและการมีอยู่ของ caesura ระหว่างสองวลี เขาซึ่งมีการเคลื่อนไหวร่างกายที่เห็นได้ชัดเจนเล็กน้อย บ่งบอกถึงผลที่ตามมาจากธรรมชาติของการก่อสร้างครั้งต่อไป

ในกระบวนการแสดงมีการเบี่ยงเบนจากจังหวะหลักบ่อยครั้ง - การชะลอตัว การเร่งความเร็ว รูบาโต. ประเด็นเหล่านี้จะต้องใช้ความพยายามอย่างหนักเพื่อให้บรรลุความเป็นธรรมชาติและความสม่ำเสมอในการกระทำของนักดนตรีโดยอาศัยความคาดหวังที่ชัดเจนของการเปลี่ยนแปลงจังหวะในอนาคต การเบี่ยงเบนแต่ละครั้งจะต้องมีเหตุผลเชิงตรรกะ ซึ่งเกี่ยวข้องกับการพัฒนาก่อนหน้านี้ และบังคับสำหรับนักแสดงทุกคน หากสมาชิกวงดนตรีคนใดยอมให้ตัวเองเบี่ยงเบนไปจากขีดจำกัดความเร่งที่กำหนดไว้ก่อนหน้านี้ (การชะลอตัว) สมาชิกวงดนตรีคนอื่นๆ จำเป็นต้องทำการปรับเปลี่ยนที่คล้ายกันเพื่อหลีกเลี่ยงความไม่ซิงโครนัสของการเต้นเป็นจังหวะ

ในสถานการณ์เช่นนี้ ภาษามือแบบเดิมๆ ยังเข้ามาช่วยเหลือนักดนตรีอีกด้วย ประการแรก จำเป็นต้องบรรลุความสอดคล้องสูงสุดของการกระทำในช่วงเวลาของการเริ่มต้นและสิ้นสุดของการก่อตัว ท่าทางที่มองเห็นและเข้าใจง่าย ได้แก่: สำหรับนักเล่นหีบเพลง - การเคลื่อนไหวของร่างกายและการหยุดการเคลื่อนไหวของระฆัง สำหรับผู้เล่นเครื่องสาย - การเคลื่อนไหวของมือขวาลง (ด้วยการแกว่งเบื้องต้น - "auftact" ซึ่งสอดคล้องกับธรรมชาติ ของตอนที่กำหนด) ที่จุดเริ่มต้นของเสียงและการเคลื่อนไหวขึ้นด้านบนเมื่อเสียงถูกลบออก ( การเคลื่อนไหวลงที่คล้ายกันไม่ได้มีส่วนช่วยในการซิงโครไนซ์ตอนจบเนื่องจากคู่ค้าจะมองเห็นด้วยสายตาที่มีปัญหาบางอย่าง)

ข้อกำหนดเบื้องต้นที่สำคัญสำหรับการทำงานเป็นทีมที่ประสบความสำเร็จคือ ที่พักผู้เข้าร่วม ในเวลาเดียวกัน ตำแหน่งที่สะดวกสบายสำหรับนักดนตรี การติดต่อทางภาพและเสียงระหว่างพวกเขา และที่สำคัญที่สุดคือความสมดุลของเสียงที่เป็นธรรมชาติของเครื่องดนตรีทั้งหมด (โดยคำนึงถึงความสามารถด้านระดับเสียง-ไดนามิกและลักษณะเฉพาะทางเสียงของห้องโถงที่กำหนด) จะต้อง มั่นใจได้ การวางตำแหน่งเครื่องดนตรีที่เหมาะสมที่สุดน่าจะเป็นดังนี้ (จากขวาไปซ้าย ในครึ่งวงกลม หันหน้าไปทางผู้ฟัง): ดอมราขนาดเล็ก อัลโตดอมรา หีบเพลงแบบปุ่ม บาลาไลกา-ดับเบิ้ลเบส และบาลาไลกา-พรีมา ด้วยการจัดเรียงนี้ เครื่องดนตรีโซโล ได้แก่ ดอมราขนาดเล็กและพรีมา บาลาไลกา จะอยู่ใกล้ผู้ฟังมากที่สุด ดับเบิลเบส บาลาไลกา และ อัลโต ดอมรา ถูกย้ายเข้าไปลึกลงไปในเวทีเล็กน้อย โดยวางอยู่บนเส้นเดียวกันหากเป็นไปได้ หีบเพลงที่มีระดับเสียงและไดนามิกที่เหนือกว่าสำหรับคู่หูนั้นถูกวางให้ห่างจากผู้ฟังมากยิ่งขึ้น

ในชุดเครื่องดนตรีพื้นบ้านของรัสเซียที่ผสมผสานกัน ขึ้นอยู่กับความตั้งใจของผู้ผลิตเครื่องดนตรี ส่วนใดส่วนหนึ่งอาจได้รับมอบหมายหน้าที่อย่างใดอย่างหนึ่งหรืออย่างอื่นก็ได้ ดังนั้นผู้เข้าร่วมแต่ละคนจะต้องมีความสามารถในการควบคุมองค์ประกอบพื้นฐานของการแสดงทั้งมวลที่แสดงออกทางศิลปะได้อย่างไม่มีที่ติ เรามาแสดงรายการส่วนประกอบเหล่านี้กัน:

ความสามารถในการริเริ่มในเวลาที่เหมาะสม เพื่อทำหน้าที่เป็นศิลปินเดี่ยวในขั้นตอนนี้ อย่างไรก็ตาม โดยไม่สูญเสียการเชื่อมโยงกับดนตรีประกอบ การรับรู้ลักษณะฮาร์มอนิก เนื้อสัมผัส และจังหวะของมันอย่างละเอียดอ่อน โดยกำหนดอัตราส่วนที่เหมาะสมของการไล่ระดับปริมาตร-ไดนามิกระหว่าง ทำนองและดนตรีประกอบ คุณภาพที่จำเป็นของผู้นำเสนอควรได้รับการยอมรับว่าเป็นความสามารถในการสร้างแรงบันดาลใจให้กับคู่ค้าด้วยความตั้งใจในการตีความ การตีความเชิงลึก และการตีความภาพดนตรีตามธรรมชาติ
มีทักษะในการถ่ายโอนทำนองเพลงแบบ "ปกปิด" ไปยังเครื่องดนตรีอื่น นักแสดงที่เข้าร่วมในตอนดังกล่าวจะต้องพยายามอย่างเต็มที่เพื่อความราบรื่นและมองไม่เห็นของ "การเคลื่อนไหว" ของเสียงไพเราะโดยปรับให้เข้ากับจิตใจตั้งแต่ต้นจนจบและรักษาความสามัคคีของตัวละครโครงสร้างที่เป็นรูปเป็นร่างและอารมณ์ของโครงสร้างหรือส่วนที่เกี่ยวข้อง
ฝึกฝนทักษะในการเปลี่ยนจากโซโลไปเป็นคลอและในทางกลับกันอย่างราบรื่น ปัญหาที่สำคัญในสถานการณ์เช่นนี้มักเกิดขึ้นเนื่องจากการเร่งรีบมากเกินไปของท่อนเพลงที่ไพเราะหรือ "สเกล" ที่เกินจริงของดนตรีประกอบ (ความล้มเหลวในการเต้นเป็นจังหวะ ความสม่ำเสมอของความแตกต่าง ฯลฯ )
ความสามารถในการแสดงดนตรีประกอบได้ครบถ้วนตามลักษณะของทำนองเพลง ดนตรีประกอบมักจะแบ่งออกเป็น ดนตรีประกอบแบบซับโวคอล แป้นเหยียบ และคอร์ด เสียงย่อยเติบโตจากเสียงนำ เสริมและแรเงา คันเหยียบทำหน้าที่เป็นพื้นหลังสำหรับเสียงที่แสดงออกและบรรเทาของทำนอง ในบางกรณีจะเชื่อมโยงเสียงหลังเข้ากับเสียงร้อง ในบางกรณีจะสร้างรสชาติที่จำเป็น การเล่นคอร์ดร่วมกับเบสจะทำหน้าที่เป็นรากฐานของฮาร์โมนิคและเป็นจังหวะ ดูเหมือนว่าสำคัญมากที่ดนตรีประกอบจะต้องโต้ตอบกับทำนองและเติมเต็มมันอย่างเป็นธรรมชาติ

ในกรณีของการนำเสนอดนตรีประกอบแบบโพลีโฟนิก ขอแนะนำให้กำหนดบทบาทและความสำคัญของเสียงแต่ละเสียงโดยสัมพันธ์กับเสียงอื่นๆ โดยกำหนดระดับระดับเสียง ไดนามิก และจังหวะที่จำเป็น ในกรณีนี้จำเป็นต้องทำให้เสียงขององค์ประกอบทั้งหมดของพื้นผิวทั้งมวลบรรเทาลง

เมื่อสร้างวงดนตรีผสม ครูต้องเผชิญกับปัญหา การก่อตัวของละครดั้งเดิม– หนึ่งในการแสดงหลักในการแสดงทั้งมวล อย่างหลังก็เหมือนกับศิลปะการแสดงอิสระประเภทอื่นๆ ที่ควรอยู่บนพื้นฐานของละครที่ "พิเศษเฉพาะ" และมีเอกลักษณ์เฉพาะตัว อย่างไรก็ตาม ในปัจจุบันผู้แต่งชอบแต่งเพลงให้กับบางกลุ่ม ซึ่งตามกฎแล้วพวกเขายังคงรักษาการติดต่อที่สร้างสรรค์อยู่ตลอดเวลา วงดนตรีของการเรียบเรียงอื่น ๆ ถูกบังคับให้พอใจกับการถอดเสียงซึ่งมักไม่สอดคล้องกับความตั้งใจของผู้เขียน

วิธีแก้ปัญหานี้เป็นไปได้หากผู้นำของวงดนตรีมีตำแหน่งที่สร้างสรรค์อย่างกระตือรือร้น ตามภารกิจที่ทีมต้องเผชิญ ผู้นำจะเลือกรายการโดยใช้แหล่งข้อมูลต่างๆ ซึ่งรวมถึงคอลเลกชันละครที่ได้รับการตีพิมพ์ ผลงานของนักเรียนเกี่ยวกับเครื่องมือวัด เช่นเดียวกับต้นฉบับที่ได้รับจากเพื่อนสมาชิกในวงดนตรีอื่นๆ ในโปรไฟล์ที่เกี่ยวข้อง

เป็นที่พึงปรารถนาอย่างยิ่งว่าแต่ละกลุ่มประเภทนี้จะเป็นห้องปฏิบัติการสร้างสรรค์ที่แท้จริงในด้านเครื่องมือวัด เส้นทางจากการสร้างโน้ตเพลงไปจนถึงการแสดงในวงดนตรีเมื่อเปรียบเทียบกับวงออเคสตรานั้นสั้นลงอย่างมาก: การวิเคราะห์เครื่องดนตรีอย่างรวดเร็วช่วยให้คุณทำการแก้ไขได้ทันทีและกำหนดตัวเลือกเสียงที่เหมาะสมที่สุด

เครื่องดนตรีที่สร้างขึ้นอย่างเชี่ยวชาญถือเป็นปัจจัยสำคัญประการหนึ่งที่เอื้อต่อความสำเร็จของการแสดงของวงดนตรี ภาระความรับผิดชอบที่มีต่อผู้ผลิตเครื่องมือนั้นมีมาก พื้นผิวที่ระบุ, จังหวะ, ไดนามิกของระดับเสียงและพารามิเตอร์อื่น ๆ ที่กำหนดฟังก์ชั่นของชิ้นส่วนทั้งมวลจะถูกแบ่งออกขึ้นอยู่กับลักษณะของงานการนำเสนอเนื้อหาดนตรีจะถูกดัดแปลง - โดยคำนึงถึงคุณสมบัติเฉพาะของเครื่องดนตรีการแสดง สไตล์และศักยภาพทางเทคนิคของสมาชิกในวงที่กำหนด

ปรมาจารย์ด้านเครื่องดนตรีอย่างแท้จริงจะรวม "การได้ยิน" เฉพาะในกระบวนการทำงานระยะยาวโดยมีองค์ประกอบเครื่องดนตรีเฉพาะเท่านั้น ผ่านการฟังซ้ำ การแก้ไข และการวิเคราะห์เปรียบเทียบเวอร์ชันต่างๆ ประสบการณ์การได้ยินจึงถูกสั่งสมมา ซึ่งช่วยให้พิจารณาตัวเลือกที่เป็นไปได้สำหรับการผสมผสานเครื่องดนตรี การเปลี่ยนตำแหน่งอย่างน้อยหนึ่งตำแหน่งในวงดนตรี การเพิ่มหรือการเปลี่ยนเครื่องดนตรีใดๆ ด้วยอีกตำแหน่งหนึ่ง จะทำให้มีทัศนคติที่แตกต่างกันต่อการกระจายฟังก์ชันต่อเสียงโดยรวมของวงดนตรี

ผู้เขียนโน้ตเพลงจะต้องคำนึงว่าฟังก์ชันวงดนตรีของเครื่องดนตรีนั้นแตกต่างจากออร์เคสตรา ประการแรก แต่ละส่วนสามารถใช้เป็นส่วนทำนองหรือประกอบ ขึ้นอยู่กับบริบท ความแตกต่างยังอยู่ที่การใช้ความสามารถในการแสดงออกของเครื่องดนตรีอย่างกว้างขวางมากขึ้น ซึ่งได้รับการอำนวยความสะดวกด้วยเทคนิคการเล่นที่มักใช้ในการฝึกซ้อมเดี่ยว

การทำคะแนนออเคสตราใหม่สำหรับวงดนตรีมักจะมาพร้อมกับปัญหาเฉพาะ เนืองจากมีเสียงจำนวนมากที่ไม่สามารถทำซ้ำได้โดยวงดนตรีแชมเบอร์ ในสถานการณ์เช่นนี้ อนุญาตให้กล่าวซ้ำเฉพาะองค์ประกอบหลักของโครงสร้างดนตรี - ทำนอง ดนตรีประกอบฮาร์โมนิก เบส - และรายละเอียดลักษณะที่กำหนดภาพลักษณ์ทางศิลปะของงาน การใช้ความสามารถเฉพาะด้านการแสดงอารมณ์ของเครื่องดนตรีที่ละเอียดอ่อนและเต็มที่ คุณภาพที่โดดเด่นที่สุด ความคาดหวังที่ชัดเจนของการผสมเสียงที่เหมาะสมที่สุด จะช่วยให้ได้เสียงที่เต็มอิ่มและมีสีสัน

เมื่อสร้างโน้ตดังกล่าว ดูเหมือนว่าไม่ยุติธรรมที่จะรักษาการจัดกลุ่มเครื่องดนตรีแบบออเคสตราไว้โดยอัตโนมัติ (โดมราส เครื่องดนตรีลม หีบเพลงปุ่ม เครื่องเคาะ บาลาไลกา) การจัดเรียงชิ้นส่วนตามช่วงเสียงจะเหมาะสมกว่า: ดอมราขนาดเล็ก, พรีมาบาลาไลกา, อัลโตดอมรา, หีบเพลงแบบปุ่ม และบาลาไลกา-ดับเบิ้ลเบส การจัดเรียงอื่นตามหลักการของความแตกต่างเฉพาะ (domra small, domra alto, balalaika-prima, balalaika-double bass, หีบเพลงปุ่ม) มีความเกี่ยวข้องกับความยากลำบากในการออกแบบและการรับรู้ของข้อความดนตรีซึ่งจะต้องอ่านไม่ได้ ตามลำดับ แต่ในลักษณะซิกแซก หากมีจินตนาการถึงการมีส่วนร่วมของศิลปินเดี่ยว เขาจะได้รับมอบหมายคะแนนสูงสุดหรือต่ำสุดของคะแนน

โดยสรุป ควรกล่าวถึงการฝึกอบรมสากลของผู้นำวงดนตรีในอนาคต เขาจะต้องไม่เพียงแต่เป็นนักดนตรีที่มีการศึกษาและเป็นนักแสดงที่ยอดเยี่ยมเท่านั้น แต่ยังต้องเข้าใจความซับซ้อนทั้งหมดของเครื่องดนตรี รู้ลักษณะที่แสดงออกของเครื่องดนตรีแต่ละชิ้นและเสียงที่รวมกัน ความสามารถด้านเทคนิคของแต่ละคน และแรงบันดาลใจในการสร้างสรรค์ของสมาชิกวง และมีทักษะการสอน . ลัทธิสากลนิยมผสมผสานกับการค้นหาอย่างไม่เหน็ดเหนื่อยและมุ่งมั่นในการค้นพบทางศิลปะใหม่ๆ ซึ่งเป็นข้อกำหนดเบื้องต้นสำหรับความก้าวหน้าของการแสดงของวงดนตรีพื้นบ้านในประเทศ

วรรณกรรม

1. Raaben L. คำถามเกี่ยวกับการแสดงของวงสี่คน ม., 1976.
2. Gottlieb A. พื้นฐานของเทคนิควงดนตรี ม., 1971.
3. Rozanov V. วงดนตรีบรรเลงพื้นบ้านของรัสเซีย ม., 1972.