Rozwój rosyjskiego tańca ludowego jest ściśle związany z całą historią narodu rosyjskiego. Każda nowa epoka, nowe uwarunkowania polityczne, gospodarcze, administracyjne i religijne znalazły odzwierciedlenie w formach świadomości społecznej, w tym w sztuce ludowej. Wszystko to przyniosło ze sobą pewne zmiany w życiu narodu rosyjskiego, które z kolei odcisnęły piętno na tańcu, który przez wieki swego rozwoju ulegał różnym zmianom.
O starożytności tańców w Rosji świadczą zachowane do dziś legendy o budynkach palowych na jeziorze Ładoga w okresie przedchrześcijańskim. Zebrały się na nich dziewczęta, a dobrzy koledzy „tańczyli i bawili się w kółko” (30).
W V-VII w. na łonie „gier” wykonywano taniec ludowy. Na ich charakterze odcisnęły się starożytne idee pogańskie. W VIII-IX wieku powstało pierwsze starożytne państwo rosyjskie, Ruś Kijowska. Przyjęcie chrześcijaństwa przyczyniło się do rozwoju kultury: budowano świątynie, rozwijano pismo. Sztuka ludowa wyraża się w bufonadzie. Bufony odegrały ogromną rolę w rozwoju i popularyzacji rosyjskiego tańca ludowego: narodziły się sceniczne formy sztuki ludowej (5).
Pierwsza oficjalna wzmianka o rosyjskim tańcu ludowym pochodzi z 907 roku, kiedy książę Oleg prorok świętował w Kijowie zwycięstwo nad Grekami. Na uroczystym przyjęciu dla gości wystąpiło 16 tancerzy przebranych za niedźwiedzie i cztery niedźwiedzie przebrane za tancerzy.
W 1113 r. Włodzimierz Monomach, zaproszony przez lud kijowski do królestwa, aby uspokoić bezprawie, wieczorem przejechał przez miasto ze swoją świtą. Natychmiast zauważył dziwny taniec i wskazał tańczącemu towarzyszowi Metropolicie Niceforowi. Okazało się, że był to murarz Petro Prisyadka. W ciągu kilku dni Petro tańczył dla Wielkiego Księcia Wszechrusi każdego śniadania, obiadu i kolacji. Murarz Petro Prisyadka ciężko pracował, przykucnięty z ciężkimi kamieniami i narzędziami w zrogowaciałych dłoniach. Każdego wieczoru po wyczynach pracy udawał się do Chreszczatyk i wziąwszy chochlę wina i bochenek, zaczął skakać, wyciągając zesztywniałe w ciągu dnia nogi. Taniec jak Squat czy Squat szybko stał się modny w bogatym Kijowie. Tłuste błazny chudły i uczyły się tańczyć „przysiady”, łamiąc krzywe nogi na paskudnych średniowiecznych chodnikach.
Bufony posiadały wysoką technikę taneczną, ale ich sztuka, głęboko ludowa, była zakorzeniona w pogańskich grach i rytuałach. W XII wieku bardzo popularne staje się żonglowanie, które w pełni rozkwita w XIII wieku. Taniec żonglerski był wirtuozowski, z silną domieszką ruchów akrobatycznych z wykorzystaniem tempa uniesienia. Nogi wywinięte, palec u nogi często wysunięty. Sam żongler komponuje i wykonuje poezję i muzykę, a jednocześnie tańczy, pokazując akrobatyczne sztuczki i sztuczki, prowadzi małpy. Czasem zajmuje wysokie stanowisko, czasem „błaga”. W XIV i XV wieku bardzo popularne stały się „tańce komediantów”, które do dziś istnieją w naszych świętach. (20)
Pod koniec XV wieku naród rosyjski został ostatecznie wyzwolony spod jarzma tatarsko-mongolskiego, co przyczyniło się do potężnego wzrostu kultury narodowej. W 1571 r. Utworzono „Izbę rozrywki” cara Michaiła Romanowa, w której znaleźli się najzdolniejsi bufony, aw 1629 r. Wśród nich pojawił się pierwszy słynny nauczyciel tańca w historii w Rosji, Iwan Lodygin.
Obok bufonady działał ludowy teatr zawodowy i własnoręcznie zrobiony. Ten teatr przetrwał bufonadę i podobnie jak ich sztuka skłaniał się ku prostym, jasnym metodom: używano ostrego, zamaszystego gestu, głośnego śpiewu i brawurowego tańca. Wiele z tych typów przetrwało do XX wieku i bez powiązania z teatrem baletowym wywarło na niego bezpośredni wpływ – poprzez muzykę, malarstwo, poprzez doświadczenia choreografów i sztukę rosyjskich tancerzy. (trzydzieści)
Wiek XVII kojarzy się z nazwiskiem „prawie legendarnego” choreografa Beauchamp. Depreo mówi: „Beauchamp był pierwszym, który osłabił tempo”. Ten podział kroków tanecznych na tempa jest podstawą powstałego pod koniec XVII wieku systemu rejestracji tańców. Beauchamp jako pierwszy utworzył pięć odwróconych pozycji. Ale to dla niego dopiero początek. Ruch i pozycje rąk są również zaprojektowane przez Beauchamp. To właśnie Beauchamp usystematyzował całą choreografię naukową, łącząc szkołę francuską i włoską. W ten sposób na początku XVIII wieku kształtowała się także rosyjska choreografia ludowa.
W XVII wieku zaczął kształtować się system tańca scenicznego, podzielony na klasyczny i charakterystyczny. (dziewięć)
Taniec charakterystyczny jest jednym z wyrazistych środków teatru baletowego, rodzajem tańca scenicznego. W XVII-XIX wieku termin „taniec charakterystyczny” służył jako definicja tańca w charakterze, obrazie. Ten rodzaj tańca był powszechny w przerywnikach, których bohaterami byli rzemieślnicy, chłopi, marynarze, żebracy, rabusie itp. Charakterystyczny taniec wzbogacony jest ruchami i gestami charakterystycznymi dla danej grupy społecznej, a prawa kompozycji nie były przestrzegane tak rygorystycznie jak w tańcu klasycznym. (23)
Również w XVII wieku nasilił się proces ekonomicznego, politycznego i kulturalnego wzrostu Rosji jako potężnej potęgi narodowej. Rozwijały się stosunki międzynarodowe Ojczyzny, rosły jej więzi kulturalne z obcymi państwami.
Rosyjscy dyplomaci i kupcy, po prostu wolni podróżnicy, zapoznawali się z teatrem Zachodu. Balet cieszył się szczególnym zainteresowaniem, ponieważ język muzyki, tańca i pantomimy jest dostępny dla każdego. Przyciągnęła mnie przepych przedstawień baletowych: zmiana scenografii, odjazdy wszelkiego rodzaju postaci w zdobionych rydwanach, luksus kostiumów itp. Takie spektakle mogłyby gloryfikować potęgę scentralizowanego państwa rosyjskiego. W 1673 balet o Orfeuszu i Eurydyce został wystawiony we wsi Preobrazhensky pod Moskwą.
XVIII wiek upłynął pod znakiem pojawienia się nowego państwa - Imperium Rosyjskiego. Epoka ta związana jest z imieniem Piotra I – genialnego reformatora swoich czasów. W kulturze nastąpiły poważne przemiany, a rosyjska sztuka tańca ludowego stopniowo się zmienia. Taniec nabiera bardziej świeckiego charakteru. Na dworze popularne stają się tańce europejskie: kadryl francuski, menuet, polonez i inne. W pierwszej połowie XVIII wieku menuet był tańcem centralnym, który trafił na dwór rosyjskich wykonawców, ponieważ. zażądał wykonania tylko tych cech, które są nieodłączne od rosyjskiej kobiety: to jest plastyczność i jej naturalna skromność, miękkość i ekspresja tańca. I tylko wśród ludzi taniec rosyjski został nie tylko zachowany, ale także rozwinięty, przybierając nowe odmiany. Tak więc w wyniku wpływu zachodnich tańców salonowych w życiu rosyjskim pojawiają się taniec kwadratowy, polka itp., które wchodząc do wsi zmieniają się radykalnie, nabierają typowych rosyjskich cech lokalnych, sposobu i charakteru wykonania (26) ,
W tym samym czasie w Rosji pojawił się balet forteczny, który powstał w majątkach ziemiańskich i osiągnął wysoki poziom artystyczny pod koniec XVIII wieku. Ponieważ na prowincji nie było jeszcze teatru, trupy pańszczyźniane służyły obiektywnie celom edukacyjnym. Bogata szlachta, dziedzicząca rozległe ziemie, posiadająca tysiące chłopskich dusz, założyła państwo w miniaturze. Teatr pańszczyźniany powstał na wzór stolic. Początkowo chłopi pańszczyźniani wykonywali dla swoich panów tańce ludowe. Jeden z pamiętników epoki opowiada, jak po wizycie w posiadłości ziemiańskiej w obwodzie pskowskim widział takie „wiejskie tańce”. Tancerze baletu fortecznego, stając się nawet prawdziwymi „tancerkami”, starannie przekazywali sobie nawzajem tradycję tańca narodowego. Zależało to w dużej mierze od ich warunków życia. Najpierw, wchodząc w klimat ziemiańskiej „szkoły baletowej”, utrzymywali kontakt z rodzinną wsią, z jej pieśniami i tańcami. Po drugie, rzadko odrywali się całkowicie od swojego otoczenia, pracując w polu i w domu pana na równych zasadach z innymi poddanymi. Po trzecie, poddani aktorzy baletowi tylko w rzadkich przypadkach mieli zagranicznych nauczycieli i reżyserów (34),
Rosyjski motyw narodowy został szeroko rozpowszechniony w teatrach baletowych fortecznych w XVIII wieku. Tam charakter przedstawienia był bardziej oryginalny niż na dworskich czy prywatnych scenach Moskwy i Petersburga. Najczęściej oryginalne utwory taneczne, osobne numery lub przerywniki – znalazły się w operach na wątkach rosyjskich.
Najbardziej profesjonalnym baletem wśród baletów fortecznych był balet hrabiów Szeremietiewów. Jej aktorzy byli szkoleni od dzieciństwa, wybierani spośród rodziców i wychowywani w ścisłym reżimie, zmieniając nazwiska pod wpływem kaprysu właściciela o imię kamieni szlachetnych.
Wśród tancerzy tej grupy wyróżniała się Mavra Uruzova - Biryuzova, oskarżonymi byli Avdotya Ametistova, Matryona Zhemchugova, Anna Khrustaleva i inni Wśród tancerzy pierwsze role grał Wasilij Worobiow, drugą - Kuzma Serdolikow, Nikołaj Mramorow . Na pierwszym miejscu w tej grupie jest imię Tatiana Szlykowa - Granatowa.
Sztuka baletowa Rosji od pierwszych kroków deklarowała się jako sztuka profesjonalna. Nie zna okresu amatorskiego, jak w
Francja, gdzie występy baletowe były monopolem szlacheckich dworzan i rodziny królewskiej.
W Rosji pierwsze spektakle grali aktorzy, uczyli się w szkołach teatralnych, dla których przedstawienie teatralne było źródłem utrzymania. Podnosili swoje umiejętności i wyrażali swój styl, sposób zachowania na scenie. (osiem)
Przyszłe rosyjskie szkoły tańca powstały w głębi instytucji edukacyjnych typu ogólnego, niezwiązanych z teatrem. Powstały w 1731 r. petersburski korpus szlachecki przygotowywał rosyjską młodzież do służby wojskowej i publicznej. Uczono ich wielu przedmiotów, w tym tańca. Choreografię wykonywali 4 razy w tygodniu przez 4 godziny. Tutaj w 1734 roku J. Lande został zaproszony na stanowisko mistrza tańca. (42)
W XVIII wieku na rosyjskiej scenie zachowały się rosyjskie obrazy tańca ludowego, tańce ludowe.
Sztuka rosyjskiego tańca ludowego, jego sceniczna ekspresja, została starannie zachowana przez aktorów dramatycznych i śpiewaków opery. Liczby pieśniowo-komiczne były bezpośrednio związane z tańcami starożytnego teatru ludowego. Zainteresowanie rosyjskiego społeczeństwa sztuką choreograficzną wzrastało z każdym nowym spektaklem baletowym. Potrzeba szkoły stała się oczywista. W 1738 r. zapoczątkowano edukację choreograficzną w Rosji. Szkoła znajduje się w dawnym pałacu Piotra I; choreografem był J. Lande. AA zajmowało godne miejsce w szkole. Niestierow uczył się jeszcze przed otwarciem szkoły u Landego i był pierwszym rosyjskim nauczycielem baletu (32 lata).
W 1777 r. otwarto w Petersburgu teatr publiczny. Był to pierwszy komercyjny teatr publiczny w Rosji, zwany Wolnym Teatrem. Kilka lat później przeniósł się do skarbca i stał się znany jako miasto. W 1806 r. Szkoła przy Teatrze Pietrowskim przestała istnieć, a na jej podstawie zorganizowano Moskiewską Cesarską Szkołę Teatralną.
Choreografia rosyjska w drugiej połowie XVIII wieku opanowała studia nad nurtami inscenizacyjnymi i technikami pedagogicznymi obcego baletu. Hilferding, Angiolini, Kanziani pracują w Rosji. Tym razem naznaczony jest wzmocnieniem trendów w kulturze rosyjskiej. Są one związane z powstaniami chłopskimi, powszechnymi niepokojami, które przetaczały się przez cały kraj.
Na początku XIX wieku, kiedy balet forteczny stał się przestarzały, wielu jego artystów trafiło na cesarską scenę stolicy.
Od początku XIX w. zaczęło się zmieniać znaczenie terminu taniec charakterystyczny – nazwano go pół-charakterystycznym, a określenie „charakterystyka” przeszło do tańca ludowego. To znaczenie tego terminu pozostało do dziś. Charakterystyczny taniec XIX wieku różnił się od tańca ludowego tym, że miał znaczenie nie samodzielne, lecz podrzędne. Jego prawa dyktowała muzyka orkiestrowa, potem symfoniczna i styl wykonania. Ruchy ludowe ograniczały się do określonej liczby pas tej lub innej narodowości. (29)
Pojęcie „tańca charakterystycznego” w XIX i na początku XX wieku oznaczało teatralny taniec na co dzień, zarówno w salonie, jak i na placu. Podporządkowując taniec ludowy pewnej treści, taniec charakterystyczny wyselekcjonował jego najistotniejsze cechy, a powiększając, modyfikując to, co najważniejsze, pomijał to, co nieważne. Ten wybór był naturalny. Umożliwiło to oddanie w tańcu ducha epok historycznych i specyficznych okoliczności dnia, cech charakterystycznych dla wszystkich ludzi oraz charakterystycznych cech postaci. Dlatego na podstawie tego samego tańca ludowego można stworzyć kilka charakterystycznych tańców, które nie są do siebie bardzo podobne.
Miejsce i rola tańca postaci w balecie rozszerzyły się lub zawęziły, zgodnie z wymogami estetycznymi danej epoki. Mógłby stanowić efektywną podstawę całego spektaklu, mógłby wypaść z akcji, zachowując jedynie prawa numeru pełnoekranowego.
Od samego początku w tańcu charakterystycznym były dwie tendencje. Opartą na twórczej bliskości do źródła folkloru, dążącego do przekazania jego znaczenia i artystycznego charakteru; druga – zdobienie, stylizacja. Oba nurty wpłynęły na losy rosyjskiego tańca charakterystycznego w całej jego przedrewolucyjnej historii, bez wątpienia zdradzając ogólny stan repertuaru baletowego w takim czy innym czasie.
W drugiej połowie XIX wieku w tle był charakterystyczny taniec w przedstawieniu baletowym. Jego trzon stanowił ludowy taniec narodowy, który został poddany znaczącej stylizacji zarówno w rysowaniu grup, jak i interpretacji ruchów, stylizowanych na zasady klasyki. Zachowując przynależność do tańców narodowych, zmiękły, zaokrągliły się i nabrały większej gładkości. Absolutne wywinięcie nóg tancerzy klasycznych zostało tutaj zastąpione wywinięciem względnym. Palce nóg były wysunięte jak w tańcu klasycznym, ramiona otwarte i uniesione w pozycjach tańca klasycznego. Tańce najbardziej odmiennych narodowości opierały się na tych samych ruchach pas de basque, battement development, battement jete. (6)
W niektórych przypadkach tańce postaci przybierały na ogół formę klasycznych wariacji. Podczas inscenizacji chińskiego, japońskiego, indyjskiego pas
choreografowie doprowadzili stylizację do zapożyczenia techniki skokowej z tańca klasycznego, zachowując przy tym specyfikę ułożenia rąk i ciała.
Pod koniec XIX wieku powstało ćwiczenie tańca postaci. Opierał się na ćwiczeniach tańca klasycznego. Umożliwiło to szerokie wykorzystanie praw tematów choreograficznych podczas inscenizacji charakterystycznego tańca. Ogólnie rzecz biorąc, XIX wiek charakteryzował się poważnymi zmianami dla państwa rosyjskiego. W kraju rozwinął się kapitalizm, a wraz z nim pojawiła się klasa robotnicza. Wszystko to znajduje odzwierciedlenie w sztuce ludowej.
Na samym końcu XIX i na początku XX wieku wielu tancerzy baletowych zaczęło angażować się w działalność dydaktyczną, m.in.: A. Gorsky, M. Fokin, V. Tichomirow i inni. Gorsky wzbogaca słownictwo tańca klasycznego kosztem charakteru i szeroko wprowadza do spektaklu taniec ludowy. W 1914 pokazał program „Tańce Narodów”, w którym znalazły się tańce teatralne różnych narodów. (23)
W ciągu XX wieku taniec ludowy przeszedł z tańca ludowego do stylizowanego tańca ludowego. Jednocześnie wszelkie zmiany związane z choreografią ludową w badanym okresie były bardzo znaczące i następowały dość szybko. Jedną z głównych zasad rozwoju sztuki tańca ludowego w XX wieku jest zasada jej profesjonalizacji. Podnosząc na wyższy poziom umiejętności wykonawcze tańców ludowych, proces ten przyczynił się również do tego, że przewoźnik narodowych tradycji tanecznych stopniowo zmieniał się z przedstawicieli zwykłych ludzi w profesjonalnych wykonawców, choreografów i nauczycieli, co bezpośrednio wpłynęło na rozwój gospodarstwa domowego choreografia.
Tak więc rosyjski taniec ludowy jest jednym z najbardziej rozpowszechnionych i starożytnych rodzajów sztuki ludowej. To jasna, barwna kreacja ludzi, będąca emocjonalnym artystycznym specyficznym odzwierciedleniem ich życia, charakteru, myśli, uczuć, poglądów estetycznych i zrozumienia piękna otaczającego świata.
Swój wygląd zawdzięcza surowemu rosyjskiemu klimatowi. Mówią, że skoki i triki, w które tak bogate są nasze tańce, są niczym innym jak sposobem na ogrzanie się w chłodne dni. W końcu większość świąt i uroczystości ludowych w Rosji odbywała się tylko późną jesienią i zimą, kiedy stary plon był już zebrany, a czas na zasiew nowego jeszcze nie nadszedł.
Oczywiście taka wersja ma Ale tak czy inaczej, rosyjski taniec ludowy to sztuka dość stara. Jego pierwsza wzmianka w dokumentach historycznych pochodzi z 907 roku, a więc nawet wcześniej, ale kiedy dokładnie Rosjanie zaczęli tańczyć i jakie były ich pierwsze tańce, nikt teraz nie wie. Można jedynie przypuszczać, że rosyjski taniec ludowy pierwotnie miał wielkie znaczenie rytualne i symbolizował bliski święty związek z naturą. Przynajmniej taki osąd składa się ze starożytnych narodowych tradycji ustnych, eposów i pieśni.
Należy zauważyć, że rosyjski taniec ludowy bardzo dokładnie odzwierciedla sposób życia, temperament i charakter ludzi. Można argumentować, że odbicie rzeczywistości jest jedną z cech sztuki tanecznej naszych przodków. I to właśnie wyróżnia Rosjanina na tle światowej kultury tanecznej.
Pierwszemu zasiewowi lub zbiorowi w Rosji od dawna towarzyszą różnego rodzaju działania rytualne. Okrągły taniec stał się ich podstawą i płynnie przekształcił się w taniec klasyczny dla Rosjan. Można argumentować, że to właśnie taniec okrągły jest praojcem naszej narodowej sztuki tanecznej. W oparciu o jego motywy przez wieki powstawały tańce, które do dziś są uważane za jasne przykłady narodowej choreografii.
Rosyjski taniec ludowy „Kalinka” nie jest tańcem okrągłym, to taki, który pojawił się, że tak powiem, przerywając łańcuch tańca okrągłego. Taniec to najlepszy sposób na zademonstrowanie zabawy, radości, waleczności i szerokości duszy, charakterystycznej dla wszystkich narodów słowiańskich. Ale absolutnie wszystkie rosyjskie tańce są wypełnione głębokim znaczeniem lirycznym, jednak, podobnie jak zabawa Rosjanina, zawsze odbija się echem smutku. Innym znanym przykładem tańca klasycznego jest rosyjski taniec ludowy „Lady”.
Te i inne tańce rosyjskie to wyjątkowa sztuka. Tancerze, podobnie jak aktorzy teatralni, odgrywają rolę w spektaklu. Opowiadają ciekawą historię życia. Opowiadają jasno, kolorowo, wykorzystując nie tylko ruchy ciała, ale także mimikę i gestykulację. Rosyjskie tańce to humor i śmiech, salta i skoki, tańce odlotowe, które wyglądają szczególnie imponująco na tle jasnych strojów narodowych.
Ważne jest również, aby zasady męskie i żeńskie były wyraźnie prześledzone w rosyjskich tańcach narodowych. Mężczyzna jest energiczny i odważny, kobieta majestatyczna i dumna. Opowiadania w pieśniach o Wielkiej Rusi, dobrych carach i walecznych bohaterach, którzy od wieków towarzyszą rosyjskim tańcom, wpisały je w historię Ojczyzny.
Zainteresowanie rosyjskim tańcem ludowym nigdy nie spadło ani w Rosji, ani za granicą. A dziś wiele szkół choreograficznych spośród całej gamy tańców woli skupić się na rosyjskim folku - sztuce, która jest testowana od ponad stu lat.
Taniec ludowy jest jedną z najstarszych sztuk. Powstało z powodu potrzeby wyrażenia swojego stanu emocjonalnego za pomocą ciała. Taniec odzwierciedla codzienne życie człowieka, jego dni pracy. Radosne i smutne wrażenia wyrażane były także ruchami w określonym rytmie, a później muzyką.
Początki sztuki tanecznej sięgają czasów starożytnych. Dowodem na to są malowidła naskalne przedstawiające tańczące postacie, powstałe przypuszczalnie w okresie neolitu (8-5 tys. lat p.n.e.).
Do tej pory nie ma zgody co do prymatu narodzin tańca, śpiewu czy muzyki, jedno jest bezsporne – pojawienie się tańca wiąże się ze świadomością rytmu jako akompaniamentu do określonej sekwencji ruchów ciała. Te rytmiczne ruchy ciała mogły nieść inną treść, co później stało się przyczyną powstania wielu teorii na temat pochodzenia tańca (jego poprzedników nazywano grą, rytuałami magicznymi lub religijnymi, instynktami erotycznymi itp.). Każda z teorii ma prawo istnieć, a także nie może być uważana za jedyną prawdziwą. Ich uważna analiza potwierdza wniosek - taniec przez cały czas miał ogromne znaczenie w życiu społecznym człowieka, w jego harmonijnym, estetycznym i fizycznym rozwoju.
Już na pierwszym etapie swojego istnienia taniec starał się oddawać rzeczywistość w formie społecznej, wyselekcjonować jej najbardziej typowe cechy, nadać im określony obraz. Pierwszą muzyką dla tancerzy były dźwięki bębnów, dźwięk dzwonienia bransoletek i amuletów, pierwszym makijażem było malowanie twarzy imitujące krew, a pierwszym doświadczeniem aktorskiej ekspresji było naśladowanie różnych zwierząt.
Narodziny sztuki tańca
Pierwsze tańce starożytności były dalekie od tego, co dziś nazywa się tym słowem. Miały zupełnie inne znaczenie. Różnorodnymi ruchami i gestami osoba przekazywała swoje wrażenia z otaczającego go świata, wkładając w nie swój nastrój, stan umysłu. Krzyki, śpiew, gra pantomimy były połączone z tańcem. Sam taniec zawsze, przez cały czas, był ściśle związany z życiem i sposobem życia ludzi. Dlatego każdy taniec odpowiada charakterowi, duchowi ludzi, od których się wywodzi. Wraz ze zmianą ustroju społecznego zmieniły się warunki życia, natura i tematyka sztuki, zmienił się także taniec. Jej korzenie są głęboko zakorzenione w sztuce ludowej.
Tańce były bardzo powszechne wśród ludów starożytnego świata. Tancerze starali się, aby każdy ruch, gest, wyraz twarzy wyrażały jakąś myśl, działanie, czyn. Tańce ekspresyjne miały ogromne znaczenie zarówno w życiu codziennym, jak iw życiu publicznym. Bardzo często uroczystości rozpoczynały się i towarzyszyły im tańce.
Dla człowieka z prymitywnego społeczeństwa taniec jest sposobem myślenia i życia. W tańcach przedstawiających zwierzęta ćwiczone są techniki łowieckie; taniec wyraża modlitwy o płodność, deszcz i inne pilne potrzeby plemienia. Miłość, praca i rytuał są ucieleśnione w ruchach tanecznych.
Tańce publiczne towarzyszyły uroczystościom rodzinnym i osobistym, świętom miejskim i narodowym. Tańce były domowe, miejskie, wiejskie. Byli zróżnicowani w rysunku tematycznym i kompozycyjnym, w składzie wykonawców. To właśnie tańce towarzyskie miały ogromny wpływ na pojawienie się tańca scenicznego.
Z biegiem czasu choreografia się zmieniła, każda grupa etniczna ma swoje własne cechy. W starożytnym Egipcie sztuka tańca miała głównie charakter rytualny. W starożytności do tańców rytualnych dodawano tańce paramilitarne, mające na celu podniesienie ducha wojowników przed bitwą. W starożytnej Grecji, wraz z rozwojem sztuki teatralnej, pojawia się również taniec sceniczny. Tak więc w starożytności tańce ludowe można podzielić na sceniczne, wojskowe, sakralne (religijne, rytualne) i społeczne. W średniowieczu istniał podział na taniec dworski i wiejski. Podział ten nie ma jeszcze wyraźnych granic, a często te same ruchy występowały zarówno w tańcach pałacowych, jak i folklorystycznych.
W XVII-XIX wieku rozwinął się taniec towarzyski i balet. Ale początki choreografii dworskiej i scenicznej wciąż tkwią w tańcu ludowym. Obecnie istnieje wiele stylów i rodzajów tańca, ale wszystkie łączy jedność muzyki, rytmu i ruchu.
Najstarszym typem tańca ludowego, występującym niemal we wszystkich grupach etnograficznych, jest taniec okrągły. Jego ruchy są proste i polegają na chodzeniu w kółko przy akompaniamencie muzycznym lub śpiewie. Kształt koła mógł symbolizować słońce. Taniec okrągły istniał i nadal istnieje wśród wszystkich narodów słowiańskich. Na Litwie nazywany jest korogodem, w Mołdawii - chora, w Bułgarii, Rumunii - horo, wśród Chorwatów, Czechów, Dalmatyńczyków - kolo.
Jedną z najstarszych tradycji tanecznych jest tradycja kontynentu afrykańskiego. Osobliwością tańca murzyńskiego jest przewaga rytmu nad muzyką. Kultura afrykańska dała materiał do rozwoju wielu tańców w Ameryce Łacińskiej: mambo, merengue, samby, cha-cha-cha, lambady i wielu innych. Nawet nowoczesne style taneczne – taniec jazzowy, popping, rock and roll, hip-hop, breakdance, RnB i inne – opierają się na sztuce ludowej czarnej populacji świata.
Taniec ludowy stworzył podstawę do tańca towarzyskiego. Tak więc znany i lubiany walc wywodzi się ze starożytnego ludowego tańca Volta, mazurka, który stał się królową balu w XVIII-XIX wieku - z polskich tańców ludowych mazura, kujawiaka i oberka.
Niektóre tańce ludowe są znakiem rozpoznawczym jednego kraju, jak tarantella dla Włoch, "Kalinka", "Dama" dla Rosji, Kozak, Hopak dla Ukrainy, Krakowiak dla Polski, Czardasz dla Węgier. A inne rozprzestrzeniły się po całym świecie, w tym narodowe cechy różnych regionów, takie jak tańce polki i cygańskie. Istnieje niezliczona ilość stylów i rodzajów tańców ludowych, ale wszystkie łączy jedno – odzwierciedlają kroniki dziejów ludzi, ich duszę i charakter.
Sekcje: Dodatkowa edukacja
Artykuł porusza problematykę zachowania i rozwoju tradycji narodowej kultury choreograficznej. We współczesnych warunkach coraz bardziej urzeczywistnia się niebezpieczeństwo utraty najbogatszego dziedzictwa sztuki ludowej, tradycji rosyjskiego folkloru w całej jego różnorodności gatunkowej, w jego historycznej dynamice. Na pierwszym miejscu jest zagrożenie – jak zachować swoją tożsamość dla wielu kultur narodowych, a nie rozpłynąć się w środowisku innych. Proponuje się rozważenie możliwości zachowania i rozwoju rosyjskiej choreografii ludowej jako integralnej części kultury rosyjskiej.
Słowa kluczowe: tradycje taneczne, folklor, gatunek, cechy regionalne, forma.
Taniec - jeden z najstarszych rodzajów sztuki ludowej. Odzwierciedla społeczne i estetyczne ideały ludu, jego historię, aktywność zawodową, sposób życia, obyczaje, obyczaje, charakter. Każdy naród przechowuje swoje skarby taneczne, przekazując je z pokolenia na pokolenie, gromadząc i doskonaląc harmonię ich składowych środków wyrazu.
Doskonalono sztukę tańca, umiejętności i oryginalność, ponieważ w tańcu ludzie mogli wyrażać ból i radość, szacunek i nieustraszoność. Taniec ewoluował wraz z człowiekiem. Człowiek ewoluował wraz z tańcem. Będąc częścią rytuału, zwyczajów, tradycyjnych świąt i uroczystości, taniec ludowy był i pozostaje organiczną częścią tych wydarzeń. Taniec pozwala stworzyć niepowtarzalną atmosferę, rytm komunikacji i sam w sobie pełni rolę języka komunikacji. Ta nakreślona na samym początku natura tańca, przybierająca różnorodne formy, pozostaje niezmienna. Piękno tańca ludowego znane jest od dawna. Z biegiem czasu rozwijała się sztuka tańca, różnorodność form i stylów została wyodrębniona na odrębne typy. Takich jak: taniec klasyczny, historyczny i codzienny, pop, sala balowa, nowoczesny. Wśród całej tej różnorodności taniec ludowy był i pozostaje jednym z głównych rodzajów sztuki choreograficznej.
Taniec ludowy - taniec ludowy, który jest wykonywany w jego naturalnym środowisku i ma pewne ruchy, rytmy, kostiumy itp., tradycyjne dla tego obszaru.
taniec folklorystyczny - to spontaniczna manifestacja uczuć, nastrojów, emocji, wykonywana przede wszystkim dla siebie, a potem - dla widza (społeczeństwa, grupy, społeczeństwa).
Obecnie istnieje problem o fundamentalnym charakterze związany z rozwojem folkloru, rosyjskiego tańca ludowego. Folklor to najcenniejsze dziedzictwo kulturowe narodów, które trzeba opanować, kochać, chronić. Niepokoi nas los rosyjskiego tańca ludowego, a także kultury ludowej w ogóle. Czołowe postaci rosyjskiej sztuki choreograficznej zawsze były świadome wagi zachowania i rozwoju rosyjskiego tańca ludowego, w jego tradycji, w dynamice historycznej. Najważniejszym zadaniem folklorystów, choreografów i historyków sztuki działających w tej dziedzinie jest zachowanie bogactwa tradycji kultury tanecznej, staranne przekazywanie folkloru tanecznego we współczesnych warunkach.
Wraz z rozwojem pedagogiki profesjonalnej choreografii literatura naukowa rodzi pytania związane z szkoleniem i edukacją profesjonalnego tancerza, który jest w stanie zachować i rozwijać najlepsze tradycje narodowej kultury choreograficznej narodów Rosji w każdy możliwy sposób. Ujawniając możliwości stworzenia ukierunkowanego systemu opanowania głównych cech tańca rosyjskiego, podkreślam, że integralną częścią rosyjskiej kultury tanecznej jest to, co niesie ze sobą bogactwo, walory przyrodnicze i cechy stylistyczne związane z tradycją kulturową. Obrazy rosyjskiej choreografii są standardem wykonawczym, w który trzeba się „wpasować”.
Folkowy taniec sceniczny na obecnym etapie można ją określić jako system artystyczno-edukacyjny ukształtowany w procesie formowania się i rozwoju praktyki artystycznej i pedagogicznej w zawodowej i amatorskiej sferze działalności choreograficznej. Więcej niż jedno pokolenie nauczycieli, choreografów, performerów, krytyków, metodologów i teoretyków w taki czy inny sposób brało udział w tworzeniu szkoły ludowego tańca scenicznego, która opiera się na podziale środków wyrazu na elementy, selekcji i systematyzacji ruchy, definiowanie standardów estetycznych i etycznych, rozwój aparatu pojęciowego, treści itp.
Jedną z ważnych kwestii na obecnym etapie jest wykształcenie specjalistów zdolnych do odpowiedniego zachowania i rozwoju choreografii scen ludowych.
Problem badawczy wynika ze sprzeczności wymagań współczesnego społeczeństwa dla zachowania i rozwoju tradycji pedagogicznych edukacji choreograficznej. Problem tradycji w edukacji został po raz pierwszy fachowo postawiony przez wielkiego rosyjskiego nauczyciela KD Ushinsky'ego.
Wysokiej jakości szkolenie specjalistów zdolnych do rozwiązania tego problemu w przyszłości można osiągnąć pod warunkiem, że organizacja i realizacja procesu nauczania ludowego tańca scenicznego będzie oparta na szeregu zasad.
Zasada nauki;
zasada spójności;
Zasada sukcesji;
zasada aksjologiczna;
zasada aktywacji.
Edukacja choreograficzna, ze względu na swoją specyfikę, stara się jak najpełniej zakryć horyzonty indywidualnego rozwoju każdego aspirującego tancerza baletowego zgodnie z ideami epoki, w związku z czym edukacja choreograficzna w Rosji staje się orientacyjnym odzwierciedleniem zarówno pierwszeństwo myśli pedagogicznej oraz realia kulturowe i historyczne każdego okresu jej powstawania. Można argumentować, że istnieje szczególne zjawisko kulturowo-historyczne – narodowa szkoła edukacji choreograficznej. Zjawisko to nie tylko ściśle wiąże się z kulturą narodu, ale wznosi ją na nowe wyżyny, warunkuje istnienie obu dziedzin sztuki wysokiej – tańca klasycznego, oraz stawia surowe wymagania pedagogicznym warunkom jego istnienia, rozwija nauki i praktykę pedagogiczną. Formując osobowość przyszłego artysty - baletu, choreografa czy nauczyciela, szkoła jako system choreograficzny kształtuje jego świadomość, cechy zawodowe i osobiste.
Problem zachowania tradycji folkloru tanecznego i jego organicznego włączenia we współczesną kulturę choreograficzną zajmują działy folkloru tworzone w ośrodkach sztuki ludowej, publikujące monografie, zalecenia metodyczne oparte na badaniach narodowej twórczości choreograficznej.
W rozwiązywanie problemu publikowania literatury naukowej i badawczej w tym zakresie zaangażowane są uczelnie wyższe wielu krajów świata. Codziennie ukazuje się nowa liczba publikacji, w tym rozprawy doktorskie poświęcone badaniu początków kultury tanecznej ludów, identyfikacji jej stałych form i nurtów charakterystycznych dla obecnego etapu rozwoju choreografii ludowej.
We współczesnych warunkach społeczno-gospodarczych stworzenie uniwersalnego podręcznika, którego celem jest nie tylko uwzględnienie maksymalnej liczby publikacji zawierających informacje o kulturze tanecznej narodów Rosji, ale także ułatwienie specjalistom szereg problemów, o których należy wspomnieć:
- informacja o ukazaniu się danej publikacji nie odbywa się w sposób scentralizowany, jak kiedyś;
- powszechne wprowadzanie języka ojczystego na terytoriach stwarza trudności w korzystaniu z tej literatury w innych regionach bez tłumaczenia;
- Skutki postępu technologicznego wpływają na wszystkie sfery naszego życia. Nakręcenie pracy choreograficznej na taśmie wideo jest najnowocześniejszą formą jej utrwalania niż metoda opisowo-graficzna. Ale jeśli nie jest to film edukacyjny, to ogromna warstwa informacji pozostaje „za kulisami”.
Rozwiązaniem tych i innych problemów może być stworzenie jednej międzynarodowej bazy danych.
Problem nauczania tradycyjnej choreografii ludowej.
Dziś jest ważnym tematem dyskusji nie tylko wśród nauczycieli szkół wyższych i średnich, ale także wśród pracowników kultury. Wynika to przede wszystkim z konieczności ukierunkowania wysiłków społeczeństwa na zachowanie środowiska kulturalno-oświatowego i tradycji ludowych, które są niezbędnym warunkiem kształtowania się pełnoprawnego życia duchowego współczesnego człowieka. Rozwiązanie tego problemu pomoże nie tylko stworzyć warunki do efektywniejszego kształcenia przyszłych specjalistów, ale także zapewnić ciągłość pokoleń, która działa jako czynnik kształtowania tożsamości narodowej, rozwoju społecznego jednostki i postępu duchowego ludzie. Ale w tym przypadku potrzebne jest wsparcie państwa, wyrażające się w rozsądnym planowaniu w dziedzinie edukacji. Konieczne jest, aby instytucje edukacyjne, które szkolą personel instytucji kulturalnych i artystycznych, nie tylko kompleksowo realizowały zajęcia z nauki tańca rosyjskiego, regionalnych cech rosyjskiego stroju, świąt i rytuałów narodu rosyjskiego w swoich programach nauczania, ale także przydzielały wystarczającą liczbę godzin na studia w tych dyscyplinach.
Kompetentny choreograf powinien dobrze znać „kod genetyczny” przekazywania dziedziczności, czyli owe motywy muzyczne i plastyczne, formuły rytmiczne, techniki kompozytorskie, które są niejako kwintesencją narodowości w choreografii i mogą stać się żywym rdzeniem, podstawą nowego tańca scenicznego. Oczywiście dla pełnego sukcesu tego dzieła konieczne jest połączenie folklorysty i reżysera w jednej osobie. Ponieważ jednak w praktyce nie zawsze tak jest, wymóg „by choreograf dobrze znał folklor, a folklorysta znał specyfikę sceny, staje się istotny.
Kolejnym problemem są sposoby scenicznej interpretacji tańca ludowego. Oni, według V.I. Ural kilka.
Pierwszym jest doświadczenie odtworzenia autentycznego modela na scenie. Od razu powiem, że autentyczność na scenie tanecznej jest oczywiście stracona, ale mam na myśli tylko autentyczność źródła próbki. Taniec ponosi te straty, nawet jeśli sami mieszkańcy wsi wykonują go na scenie, gdyż oddalenie (scena, sala) i sztuczny podział na patrzących i tworzących niszczą naturę współtworzenia, zmieniają proces życiowy ten taniec. Są też ubytki choreograficzne związane ze zmianą punktu widokowego. Doczesne prawa działania folkloru i sceny również wchodzą w konflikt. Próba powiązania tych sprzeczności prowadzi do konieczności ingerencji w tekst tańca. I to jest kolejna droga - etapowe przetwarzanie folkloru. Co zawiera? Przede wszystkim, w oparciu o prawa kompozycji scenicznej, dopracowanie wzorców tanecznych. Jeśli więc np. cały taniec wykonywany jest w zamkniętym kole, powoli obracając się w jedną stronę, to w warunkach scenicznych będzie odbierany jako męcząca monotonia i będzie podlegał rozwojowi, czyli zmianie. Zmianom podlega niekończące się (jak na warunki sceniczne) powtarzanie się postaci w kadrylu (charakterystyka performansu w życiu codziennym).
Współczesna scena wymaga od tańca rosyjskiego nowości form scenicznych, środków wyrazu, tematów aktualnych i orientacji estetycznej. Ale nie mogą powstać u choreografów bez głębokiej znajomości natury rosyjskiego tańca, jego folklorystycznych źródeł. Nowe warunki życia, normy estetyczne wpłynęły na treść tańca i relacje poszczególnych jego form. Istotne zmiany zaszły w tańcu kobiecym, który dotychczas nie posiadał bogatego i zróżnicowanego materiału leksykalnego. Obecnie ogromna liczba ruchów ramion, nóg, ciała itp. zdobi rosyjski taniec ludowy. Ruchy nóg przeszły najbardziej dramatyczne zmiany. Charakter tańców stał się bardziej pogodny.
Dziś choreografowie profesjonalni i amatorzy komponują kompozycje taneczne do melodii współczesnych piosenek. W pieśniach naszych czasów zachowała się melodia narodowa, oryginalność zwrotów muzycznych. Organicznie łączy się z nowymi tematami, zyskuje nową organizację rytmiczną. Melodie współczesnych pieśni są szeroko rozpowszechnione, towarzyszą im święta domowe i państwowe. Dziś powstaje niezmiernie więcej piosenek niż tańców. Ich jakość jest znacznie wyższa. Jak wytłumaczyć, że wiele tańców stworzonych do pewnych melodii szybko umiera, nie będąc powszechnie przyjętymi. Ich rysunki choreograficzne nie są wykorzystywane w przyszłości i nie otrzymują zasobu leksykalnego. Wydaje się, że jednym z powodów jest mechaniczne dostosowanie schematu tańca do określonej melodii. W tym przypadku rytmiczna struktura tańców zbiega się z rytmem pieśni, a organiczne niegdyś połączenie plastiki i muzyki okazuje się jednostronne. Pojawia się również inny trend. Melodie współczesnych pieśni ilustruje unowocześniony, „zmodernizowany” taniec rosyjski. Srebrne buty, jaskrawe mini-spódnice, dziwaczne nakrycia głowy, które nie spełniają estetycznych wymagań rosyjskiej twórczości tanecznej, wyglądają śmiesznie ze sceny. Choreografowie, pisząc współczesne słownictwo, często zapominają o narodowym charakterze ruchów, naruszają to, co sprawia, że taniec jest piękny, a sami wykonawcy – zgrabni i atrakcyjni. Wiele zależy od muzyki tańca współczesnego, od instrumentalnego przetwarzania materiału folklorystycznego. Naszym zdaniem obecnie choreografowie tworzący swoje nowe dzieła są uzależnieni od tej muzyki i nie zawsze nadaje się ona do komponowania dzieła choreograficznego. Porównując tematykę współczesnych pieśni i tańców, pierwszeństwo powinny mieć pieśni. W nich granice tematyczne gatunkowe są bardzo szerokie. Tematy miłości, spotkania, rozstania, rozstania nabierają nowego brzmienia, nowego znaczenia. Ujmują obraz osoby z jej uczuciami, doświadczeniami. Taniec zamknął się w kręgu ograniczonych wątków, zwłaszcza jeśli mowa o tekstach. Ale ona, podobnie jak piosenki liryczne, przede wszystkim przyciąga widzów i wykonawców. Tworzenie oryginalnych, lirycznych utworów tanecznych jest trudniejszym zadaniem niż tworzenie tańców tempowych, w których choreografowi pomaga fantazja. Dlatego konieczne jest zwrócenie się do źródeł ludowych, aby znaleźć w nich najbardziej uderzające cechy narodowe, które określają charakter danego ludu, a także charakterystyczne cechy tańców istniejących w różnych regionach, terytoriach i regionach Rosji . A. Permyakova, kierownik artystyczny rosyjskiego chóru ludowego. Piatnitsky zauważa: „Jeśli współcześni choreografowie pracujący w dziedzinie rosyjskiego tańca ludowego nie zaczną, podobnie jak luminarze przeszłości, dokładnie studiować folklor taneczny różnych regionów Rosji, ale nadal przygotowują jakiś winegret, a nawet” pieprząc”, „soląc” sztuczkami, po prostu nigdzie nie zmierzamy”.
Należy zauważyć, że do dziś istnieją niefortunne zjawiska nadmiernej stylizacji tańca ludowego, można by rzec, kiedy pozostaje po nim tylko efektowna na pozór, elegancka, wirtuozowo-techniczna kompozycja, jedynie zewnętrznymi znakami zwana tańcem ludowym. Według M.S. Godenko, rosyjskie tańce ludowe powinny zawierać nowoczesny trend - rytmy i ruchy. Stworzył pewien gatunek współczesnego tańca rosyjskiego. Wielu specjalistów w dziedzinie choreografii nie podziela jego koncepcji, zapewniają, że nie zachowa się w ten sposób tradycyjnego folkloru. Jednak większość naszych choreografów stara się tworzyć swoje taneczne kompozycje w oparciu o autentyczne tańce ludowe i dba o stylistyczną interpretację materiału. Celem zespołu „Brzoza” nie jest przeniesienie folkloru na scenę w najczystszej postaci. To prawdziwy akademicki zespół choreograficzny, a mimo to, jak urzekająco piękny jest wizerunek rosyjskiej dziewczyny we wszystkich jego tańcach. Skomponowany przez I.A. Moiseev taniec staje się kompletną miniaturą choreograficzną. Postanovshchikh nawiązuje do różnorodnych tradycji ludowych. Poczucie autentyczności i autentyczności „Litery Moskwy” osiągnięto nie tylko poprzez zapożyczenie ruchów z folkloru. Tu w sposób organiczny zaobserwowano i ucieleśniono wewnętrzne prawa choreografii ludowej: natychmiastowość, żywiołowość komunikacji między partnerami, prostotę i klarowność przebudowy. Każdy ruch ma swój własny, czasem prześmiewczy, czasem liryczny podtekst, własną intonację.
Należy pamiętać, że powrót do przeszłości, do tradycji narodu rosyjskiego i jego kultury nie oznacza jej kopiowania, mechanicznego powtarzania, dosłownego użycia. Przeszłość zostaje na nowo przemyślana, umieszczona w kontekście nowoczesności, z uwzględnieniem nowych parametrów kontekstu kulturowego, w tym jego nowinek artystycznych i technologicznych. Stare i nowe tańce nie tylko współgrają ze sobą, ale także wzajemnie na siebie wpływają, twórczo wzbogacając i rozwijając rosyjski taniec ludowy. Nowy czas rodzi nowe gusta, trendy, rytmy i pasje. Cokolwiek dzieje się w życiu, każde pokolenie musi znać swoje korzenie i pamiętać swoje rodzime pochodzenie, w przeciwnym razie zniknie duchowość i patriotyzm. Ważna jest ochrona i zachowanie najbogatszego dziedzictwa rosyjskiego tańca ludowego. Dlatego tak odpowiedzialna jest rola choreografów-nauczycieli, którzy potrafią utrwalać, utrwalać tradycyjne odcienie w sposobie wykonania, oceniać je i tchnąć nowe życie w choreografię ludową.
Bibliografia
1. Balet: encyklopedia / redaktor naczelny. Yu.N. Grigorowicz. - M.: Sow. encyklopedia., 1982. – 623 pkt.
2. Vanslov V.V. Kompleksowy rozwój osobowości i rodzajów sztuki / V.V. Vanslov. - M.: Sztuka, 1963.
3. Permyakova A.B. W oparciu o dziedzictwo poszukaj czegoś nowego // „Balet”, literacko-krytyczny, historyczno-teoretyczny magazyn ilustrowany. M.: Czerwony. czasopismo "Balet". - 2010r. - №3, s.24.
4. Uralskaja V.I. Natura tańca / V.I. Ural. - M.: Rada. Rosja, 1981. 24 s.
Sztuka ludowa jest kwintesencją mentalności narodu, charakteru, dążeń i nadziei ludu. Poprzez pieśni i tańce ludowe można poznać historię i marzenia ludzi, ich nadzieje na przyszłość
Taniec ludowy jest jedną z najstarszych sztuk. Powstało z powodu potrzeby wyrażenia swojego stanu emocjonalnego za pomocą ciała. Taniec odzwierciedla codzienne życie człowieka, jego dni pracy. Radosne i smutne wrażenia wyrażane były także ruchami w określonym rytmie, a później muzyką.
Historia tańca
Taniec powstał u zarania dziejów, w okresie prymitywnego systemu komunalnego. Wszystkim ważnym wydarzeniom w życiu człowieka prymitywnego - narodzinom, śmierci, leczeniu chorego, wyborze nowego przywódcy plemienia, modlitwie o żniwa, dobrej pogodzie - towarzyszyły tańce. Sztuka tańca była i jest obecna w tradycjach kulturowych każdej społeczności ludzkiej, w każdej grupie etnograficznej. Stopniowo taniec oddzielił się od piosenki i stał się odrębną formą sztuki.
Z biegiem czasu choreografia się zmieniła, każda grupa etniczna ma swoje własne cechy. W starożytnym Egipcie sztuka tańca miała głównie charakter rytualny. W starożytności do tańców rytualnych dodawano tańce paramilitarne, mające na celu podniesienie ducha wojowników przed bitwą. W starożytnej Grecji, wraz z rozwojem sztuki teatralnej, pojawia się również taniec sceniczny. Tak więc w starożytności tańce ludowe można podzielić na sceniczne, wojskowe, sakralne (religijne, rytualne) i społeczne. W średniowieczu istniał podział na taniec dworski i wiejski. Podział ten nie ma jeszcze wyraźnych granic, a często te same ruchy występowały zarówno w tańcach pałacowych, jak i folklorystycznych.
W XVII-XIX wieku rozwinął się taniec towarzyski i balet. Ale początki choreografii dworskiej i scenicznej wciąż tkwią w tańcu ludowym. Obecnie istnieje wiele stylów i rodzajów tańca, ale wszystkie łączy jedność muzyki, rytmu i ruchu.
Rodzaje tańca ludowego
Najstarszym typem tańca ludowego, który występuje w prawie wszystkich grupach etnograficznych, jest. Jego ruchy są proste i polegają na chodzeniu w kółko przy akompaniamencie muzycznym lub śpiewie. Kształt koła mógł symbolizować słońce. Taniec okrągły istniał i nadal istnieje wśród wszystkich narodów słowiańskich. Na Litwie nazywany jest korogodem, w Mołdawii - chora, w Bułgarii, Rumunii - horo, wśród Chorwatów, Czechów, Dalmatyńczyków - kolo.
Jedną z najstarszych tradycji tanecznych jest tradycja kontynentu afrykańskiego. Osobliwością tańca murzyńskiego jest przewaga rytmu nad muzyką. Kultura afrykańska dała materiał do rozwoju wielu tańców w Ameryce Łacińskiej: samby, cha-cha-cha i wielu innych. Nawet współczesne style taneczne – RnB i inne – opierają się na sztuce ludowej czarnej populacji globu.
Taniec ludowy stworzył podstawę do tańca towarzyskiego. Znani i kochani przez wszystkich pochodzili więc ze starożytnego ludowego tańca Wolty, mazurka, który w XVIII-XIX w. stał się królową balu - z polskich tańców ludowych mazura, kujawiaka i oberka.
Niektóre tańce ludowe są znakiem rozpoznawczym jednego kraju, jak tarantella dla Włoch, "Kalinka", "Lady" dla Rosji, Kozak dla Ukrainy, dla Polski, dla Węgier. A inne rozprzestrzeniły się po całym świecie, w tym narodowe cechy różnych regionów, takie jak . Istnieje niezliczona ilość stylów i rodzajów tańców ludowych, ale wszystkie łączy jedno – odzwierciedlają kroniki dziejów ludzi, ich duszę i charakter.
Cechy tańca ludowego
Taniec ludowy jest demokratyczny. Aby wyrazić swoje emocje i uczucia za pomocą ruchów ciała, nie musisz być profesjonalistą: taniec ludowy jest dostępny dla każdego. Taniec folklorystyczny jest anonimowy, nie ma konkretnego autora. Ruchy i muzyka są przekazywane z pokolenia na pokolenie, zmieniając się w czasie.
