Sztuka okresu romantyzmu ma w swej istocie duchową i twórczą wartość jednostki, jako główny temat filozofii i refleksji. Pojawił się pod koniec XVIII wieku i charakteryzuje się motywami romantycznymi związanymi z różnymi osobliwościami i malowniczymi wydarzeniami lub krajobrazami. W swej istocie pojawienie się tego nurtu było w opozycji do klasycyzmu, a zwiastunem jego pojawienia się był sentymentalizm, który dość wyraźnie wyrażał się w ówczesnej literaturze.
Na początku XIX wieku romantyzm rozkwitł i całkowicie zanurzył się w obrazach zmysłowych i emocjonalnych. Ponadto bardzo ważnym faktem było ponowne przemyślenie stosunku do religii w tej epoce, a także pojawienie się ateizmu wyrażającego się w kreatywności. Na pierwszy plan wysuwają się wartości uczuć i serdecznych przeżyć, następuje także stopniowe publiczne uznanie obecności intuicji w człowieku.
Romantyzm w malarstwie
Kierunek charakteryzuje się naciskiem na wzniosłe tematy, co jest podstawą tego stylu w każdej działalności twórczej. Zmysłowość wyraża się w każdy możliwy i akceptowalny sposób i to jest najważniejsza różnica w tym kierunku.
(Christiano Banti „Galileusz przed rzymską inkwizycją”)
Wśród twórców romantyzmu filozoficznego można wyróżnić Novalisa i Schleiermachera, ale w malarstwie pod tym względem wyróżnił się Theodore Gericault. W literaturze możemy wyróżnić szczególnie wybitnych pisarzy okresu romantyzmu – braci Grimm, Hoffmanna i Heinego. W wielu krajach europejskich styl ten rozwinął się pod silnymi wpływami niemieckimi.
Główne cechy to:
- romantyczne nuty wyraźnie wyrażone w dziele;
- nuty baśniowe i mitologiczne nawet w prozie zupełnie niebajkowej;
- refleksje filozoficzne na temat sensu życia człowieka;
- pogłębienie tematu rozwoju osobowości.
(Friedrich Caspar David „Wschód księżyca nad morzem”)
Można powiedzieć, że romantyzm charakteryzuje się nutami kultywacji natury i naturalności natury ludzkiej oraz naturalnej zmysłowości. Gloryfikuje się także jedność człowieka z naturą, dużym zainteresowaniem cieszą się także obrazy epoki rycerskiej, otoczonej aurą szlachetności i honoru, a także podróżników, którzy z łatwością wyruszają w romantyczne podróże.
(Jan Martin „Makbet”)
Wydarzenia w literaturze czy malarstwie rozwijają się wokół najsilniejszych namiętności przeżywanych przez bohaterów. Bohaterami zawsze były jednostki skłonne do awanturnictwa, igrania z losem i z góry determinowania losu. W malarstwie romantyzm doskonale charakteryzuje się fantastycznymi zjawiskami, które ukazują proces kształtowania się osobowości i duchowego rozwoju człowieka.
Romantyzm w sztuce rosyjskiej
W kulturze rosyjskiej romantyzm był szczególnie wyraźny w literaturze i uważa się, że pierwsze przejawy tego nurtu znajdują swój wyraz w poezji romantycznej Żukowskiego, choć niektórzy eksperci uważają, że jego twórczość jest bliska klasycznemu sentymentalizmowi.
(V. M. Wasnetsow „Alyonushka”)
Rosyjski romantyzm charakteryzuje się wolnością od klasycznych konwencji, a ruch ten charakteryzuje się romantycznymi fabułami dramatycznymi i długimi balladami. Tak naprawdę jest to najnowsze wyobrażenie o istocie człowieka, a także o znaczeniu poezji i twórczości w życiu człowieka. Pod tym względem ta sama poezja nabiera poważniejszego, znaczącego znaczenia, chociaż wcześniej pisanie poezji uważano za zwykłą pustą zabawę.
(Fedor Aleksandrowicz Wasiliew „Odwilż”)
Najczęściej w rosyjskim romantyzmie kreowany jest wizerunek głównego bohatera jako osoby samotnej i głęboko cierpiącej. To właśnie cierpienie i przeżycia emocjonalne autorzy, zarówno w literaturze, jak i malarstwie, przywiązują największą wagę. W istocie jest to wieczny ruch wraz z różnymi myślami i refleksjami oraz walka człowieka z ciągłymi zmianami w otaczającym go świecie.
(Orest Kiprensky „Portret życia pułkownika husarskiego E.V. Davydova”)
Bohater jest zwykle dość egocentryczny i nieustannie buntuje się przeciwko wulgarnym i materialnym celom i wartościom ludzi. Promowane jest pozbywanie się wartości materialnych na rzecz duchowych i osobistych. Wśród najpopularniejszych i najbarwniejszych rosyjskich postaci stworzonych w ramach tego kierunku twórczego można wyróżnić głównego bohatera powieści „Bohater naszych czasów”. To właśnie ta powieść bardzo wyraźnie ukazuje motywy i nuty romantyzmu tamtego okresu.
(Iwan Konstantinowicz Aiwazowski „Rybacy na brzegu”)
Obraz charakteryzuje się motywami baśniowo-folklorystycznymi, romantycznymi i pełnymi różnorodnych snów. Wszystkie prace są możliwie estetyczne i posiadają prawidłowe, piękne struktury i formy. W tym kierunku nie ma miejsca na twarde linie i geometryczne kształty, a także na zbyt jasne i kontrastujące odcienie. W tym przypadku stosowane są złożone struktury i wiele małych, bardzo ważnych szczegółów obrazu.
Romantyzm w architekturze
Architektura epoki romantyzmu przypomina sama w sobie bajkowe zamki i jest niezwykle luksusowa.
(Pałac Blenheim w Anglii)
Najbardziej uderzające i znane budynki tego czasu charakteryzują się:
- zastosowanie konstrukcji metalowych, które w tym okresie były nowym wynalazkiem i stanowiły raczej wyjątkową innowację;
- złożone sylwetki i projekty, które obejmują niesamowite kombinacje pięknych elementów, w tym wieżyczek i wykuszy;
- bogactwo i różnorodność form architektonicznych, bogactwo różnych kombinacji technologii wykorzystania stopów żelaza z kamieniem i szkłem;
- budynek nabiera wizualnej lekkości, cienkie formy umożliwiają tworzenie nawet bardzo dużych budynków przy minimalnej objętości.
Najsłynniejszy most tego okresu powstał w 1779 roku w Anglii i został przerzucony przez rzekę Severn. Jest dość krótka, bo ma nieco ponad 30 metrów, ale była to pierwsza tego typu konstrukcja. Później powstały mosty o długości ponad 70 metrów, a po kilku latach do budowy budynków zaczęto stosować konstrukcje żeliwne.
Budynki liczyły do 4-5 pięter, a układy wnętrz charakteryzowały się asymetrycznymi kształtami. Asymetrię widać także w fasadach z tej epoki, a kute kraty w oknach pomagają podkreślić odpowiedni nastrój. Można także zastosować witraże, co jest szczególnie ważne w przypadku kościołów i katedr.
OGÓLNA CHARAKTERYSTYKA WIEKU ROMANTYZMU.
Romantyzm – (francuski)romantyzm), kierunek ideowy i artystyczny w europejskiej i amerykańskiej kulturze duchowej końca XVIII i pierwszej połowy XIX wieku. Francuski romantyzmśledzi swoje pochodzenie w języku hiszpańskimromans(jak w średniowieczu nazywano romanse hiszpańskie, a potem romans rycerski), poprzez język angielski.romantyczny(romantyczny), przetłumaczony na język francuskiromański, i wtedyromantyczny i znaczenie w XVIII wieku. dziwne, fantastyczne, malownicze. Na początku XIX wieku. słowo romantyzm staje się terminem oznaczającym nowy ruch literacki, przeciwny klasycyzmowi.
Romantyzm w tradycyjnym, specyficznie historycznym znaczeniu tego słowa był szczytowym punktem ruchu antyoświeceniowego, który ogarnął wszystkie kraje europejskie. Jej głównym założeniem społeczno-ideologicznym jest rozczarowanie cywilizacją burżuazyjną, postępem społecznym, przemysłowym, politycznym i naukowym, co przyniosło nowe kontrasty i antagonizmy, a także duchową dewastację jednostki.
Dziedzicząc tradycje sztuki średniowiecza, hiszpańskiego baroku i angielskiego renesansu, romantycy ujawnili niezwykłą złożoność i głębię wewnętrznej natury człowieka. Dla nich człowiek jest małym wszechświatem, mikrokosmosem. Intensywne zainteresowanie silnymi i żywymi uczuciami, wszechogarniającymi namiętnościami, tajemnymi poruszeniami duszy, jej nową stroną, tęsknotą za jednostką, nieświadomością - zasadniczymi cechami sztuki romantycznej.
Zastanówmy się, jak tendencje romantyczne przejawiały się w różnych dziedzinach sztuki.
MUZYKA.
W muzyce romantyzm jako ruch pojawił się w latach dwudziestych XIX wieku. Ostatni okres jego rozwoju, zwany neoromantyzmem, obejmuje ostatnie dekady XIX wieku. Romantyzm muzyczny pojawił się po raz pierwszy w Austrii (F. Schubert), Niemczech (C.-M. von Weber, R. Schumann, R. Wagner) i Włoszech (N. Paganini, V. Bellini, wczesny G. Verdi); nieco później we Francji (G. Berlioz, D. Aubert), Polsce (F. Chopin), na Węgrzech (F. Liszt). W każdym kraju przybierało ono formę narodową; czasami w jednym kraju rozwijały się różne ruchy romantyczne (szkoła lipska i szkoła weimarska w Niemczech). Jeśli estetyka klasycyzmu skupiała się na sztukach plastycznych z ich wrodzoną stabilnością i kompletnością obrazu artystycznego, to dla romantyków muzyka stała się wyrazem istoty sztuki jako ucieleśnienia nieskończonej dynamiki wewnętrznych przeżyć.
Romantyzm muzyczny przejął tak ważne ogólne nurty romantyzmu, jak antyracjonalizm, prymat duchowości i jego uniwersalizm, skupienie się na wewnętrznym świecie człowieka, nieskończoności jego uczuć i nastrojów. Stąd szczególna rola zasady lirycznej, spontaniczności emocjonalnej, swobody wypowiedzi. Zarówno pisarzy romantycznych, jak i romantyków muzycznych cechuje zainteresowanie przeszłością, odległymi egzotycznymi krajami, umiłowanie natury i podziw dla sztuki ludowej. Na ich dzieła przełożyły się liczne podania ludowe, legendy i wierzenia. Pieśni ludowe uważali za podstawę profesjonalnej sztuki muzycznej. Folklor był dla nich prawdziwym nośnikiem barwy narodowej, poza którą nie mogli sobie wyobrazić sztuki.
Muzyka romantyczna różni się znacznie od muzyki poprzedzającej ją wiedeńskiej szkoły klasycznej. Jest mniej uogólniony w treści i odzwierciedla rzeczywistość nie w sposób obiektywno-kontemplacyjny, ale poprzez osobiste doświadczenia człowieka (artysty) w całym bogactwie odcieni. Spada w stronę sfery charakterystycznej, a zarazem portretowo-indywidualnej, utrwalonej w dwóch głównych odmianach: psychologicznej i gatunkowej-codziennej. Ironia, humor, a nawet groteska są reprezentowane znacznie szerzej. Jednocześnie wzrasta zainteresowanie tematyką narodowo-patriotyczną i bohatersko-wyzwoleńczą (Chopin, Liszt, Berlioz). Duże znaczenie zyskują wizualizacje muzyczne i nagrania dźwiękowe. Środki ekspresyjne są znacznie aktualizowane. Melodia staje się bardziej zindywidualizowana i wyrazista, wewnętrznie zmienna, reagująca na najsubtelniejsze zmiany stanów mentalnych; harmonia i instrumentacja stają się bogatsze, jaśniejsze, bardziej kolorowe. W przeciwieństwie do wyważonych i logicznie uporządkowanych struktur klasyki, wzrasta rola porównań i swobodnych zestawień różnych charakterystycznych epizodów.
W kręgu zainteresowań wielu kompozytorów znajdował się najbardziej syntetyczny gatunek opery, oparty wśród romantyków głównie na wątkach baśniowo-fantastycznych, magicznych, przygodowych i egzotycznych. Pierwszą operą romantyczną była Ondyna Hoffmanna.
W muzyce instrumentalnej gatunkami definiującymi pozostają symfonie i sonaty. Jednak i oni zostali przemienieni od wewnątrz. W dziełach instrumentalnych o różnej formie wyraźniej odzwierciedlają się tendencje w stronę malarstwa muzycznego. Pojawiają się nowe odmiany gatunkowe, na przykład poemat symfoniczny, który łączy w sobie cechy allegra sonatowego i cyklu sonatowo-symfonicznego. Jego pojawienie się wynika z faktu, że programowanie muzyczne pojawia się w romantyzmie jako jedna z form syntezy sztuk, wzbogacanej muzyką instrumentalną poprzez jedność z literaturą. Nowym gatunkiem była także ballada instrumentalna. Skłonność romantyków do postrzegania życia jako pstrokatego ciągu pojedynczych stanów, obrazów, scen doprowadziła do powstania różnego rodzaju miniatur i cykli (Schubert, Chopin, Schumann, Liszt, Brahms)
W sztuce muzycznej i performatywnej romantyzm objawiał się emocjonalną intensywnością wykonania, bogactwem kolorów, jaskrawymi kontrastami i wirtuozerią (Paganini, Chopin, Liszt). W wykonawstwie muzycznym, podobnie jak w twórczości mniejszych kompozytorów, cechy romantyczne często łączą się z zewnętrzną sprawnością i salonowością. Muzyka romantyczna pozostaje trwałą wartością artystyczną i żywym, skutecznym dziedzictwem kolejnych epok.
TEATR.
W sztuce teatralnej romantyzm powstał w latach 1810–1840. Podstawą estetyki teatralnej była wyobraźnia i uczucia. Buntując się przeciwko klasycznej zasadzie uszlachetniania natury, aktorzy skupili się na ukazaniu kontrastów i sprzeczności życia ludzkiego. Publiczny patos, pasja potępiania i wierność ideałowi determinowały intensywną emocjonalność, jasny + dramatyczny wyraz sztuki aktorskiej i porywczy gest. Jednak światopogląd romantyczny niósł ze sobą także niebezpieczeństwo twórczego subiektywizmu (nacisk na wyjątkowość, kapryśność); emocjonalność zastępowano czasami efektami retorycznymi i melodramatem. Teatr romantyczny jako pierwszy uznał doświadczenie sceniczne, spontaniczność, prawdomówność i szczerość gry aktorskiej za główną treść aktorstwa. Romantyzm wzbogacił także środki wyrazu teatru (odtworzenie lokalnego kolorytu, autentyczność historyczna scenografii i kostiumów, prawdziwość gatunkowa scen zbiorowych i szczegółów inscenizacji). Jego dorobek artystyczny przygotował i w dużej mierze zdeterminował podstawowe zasady teatru realistycznego.
SZTUKA.
W sztukach plastycznych romantyzm najwyraźniej przejawiał się w malarstwie i grafice, mniej wyraziście w rzeźbie. W architekturze romantyzm słabo się odzwierciedlił, wpływając głównie na sztukę ogrodniczą i architekturę małych form, gdzie wpłynęło zamiłowanie do motywów egzotycznych, a także kierunek fałszywego gotyku. Pod koniec XVIII - na początku XIX wieku. cechy romantyzmu są już w różnym stopniu nieodłączne: w Anglii - w malarstwie i grafice Fusli, w których ciemna, wyrafinowana groteska często przebija klasycystyczną klarowność obrazów; w malarstwie, grafice i poezji W. Blake’a – romantyzm przepojony jest mistyczną wizjonerstwem; w Hiszpanii - późniejsza twórczość Goi przepełniona jest niepohamowaną fantazją i tragicznym patosem, żarliwym protestem przeciwko feudalnemu uciskowi i przemocy.
Odrzucając wszystko, co zwyczajne i bezwładne w teraźniejszości, zwracając się jedynie ku kulminacyjnym, dramatycznie ostrym momentom nowożytnej historii, romantycy odnaleźli tematy i wątki w przeszłości historycznej, legendach, folklorze, egzotycznym życiu Wschodu, w dziełach Dantego , Szekspir, Byron, Goethe – twórcy monumentalnych obrazów i mocnych postaci.
Romantyzm stawia człowieka w centrum wszechświata. Człowiek, zdaniem romantyków, jest zwieńczeniem procesu globalnego wzrostu. W portrecie najważniejsze dla romantyków było ujawnienie jasnej indywidualności człowieka, intensywnego życia duchowego i ruchu jego ulotnych uczuć. Romantyczny pejzaż, który podkreśla siłę naturalnych elementów, staje się także echem ludzkich namiętności. Romantycy starali się przekazać swoim obrazom buntowniczą pasję i heroiczne uniesienie, odtworzyć naturę we wszystkich jej nieoczekiwanych, niepowtarzalnych przejawach, w napiętej, ekspresyjnej, podekscytowanej formie artystycznej.
W przeciwieństwie do klasycyzmu romantycy nadali kompozycji zwiększoną dynamikę, łącząc formy z gwałtownym ruchem i sięgając po ostre efekty wolumetryczno-przestrzenne; używali jasnych, bogatych kolorów opartych na kontrastach światła i cienia, ciepłych i zimnych tonów, błyszczącego i lekkiego, często uogólnionego stylu pisania.
Tak więc, pomimo całej złożoności treści ideologicznej romantyzmu, jego estetyka jako całość przeciwstawiała się estetyce klasycyzmu XVII i XVIII wieku. Romantycy przełamali wielowiekowe kanony klasycyzmu z jego duchem dyscypliny i zamrożoną wielkością. W walce o wyzwolenie sztuki spod drobnych regulacji romantycy bronili nieograniczonej wolności twórczej wyobraźni artysty. Odrzucając krępujące zasady klasycyzmu, nalegali na mieszanie gatunków, uzasadniając swoje żądanie faktem, że odpowiada to prawdziwemu życiu natury, gdzie mieszają się piękno i brzydota, tragizm i komizm. Gloryfikując naturalne poruszenia ludzkiego serca, romantycy, wbrew racjonalistycznym żądaniom klasycyzmu, głosili kult uczucia, a logicznie uogólnionym charakterom klasycyzmu przeciwstawiała się ich skrajna indywidualizacja.
OGÓLNE ZASADY WYSTAWIANIA SPEKTAKLU OPEROWEGO W DOBIE ROMANTYZMU.
W XIX-wiecznej operze. Obserwuje się dwa charakterystyczne zjawiska:
- nurt „rekonstrukcji historycznej” w scenografii;
- powstanie „bel canto”;
Również w latach 20. 19 wiek rozpoczyna się walka o dramat romantyczny. W sztuce dekoracyjnej następuje zmiana stylu. Romantycy przywiązywali dużą wagę do koloru miejsca i czasu. Scena musiała odtworzyć scenerię epoki przedstawionej w sztuce. Lokalizacja akcji nie jest już uogólniona. To już nie pałac i plac przed nim, ale pałac rzymski, francuski, hiszpański z dokładnymi oznakami stylu narodowego.
Pejzaż teatru romantycznego stara się przedstawiać naturę bez sztucznych upiększeń, w całej jej dziewiczej wielkości.
Romantycy wprowadzili do swoich sztuk obrazy tajemniczych jaskiń, lochów i lochów. Sceneria często przedstawia burzę na morzu, burzę z piorunami, erupcję wulkanu i inne zjawiska naturalne.
W warunkach rozwiniętego społeczeństwa burżuazyjnego następuje pewna demokratyzacja teatru. Powstają publiczne opery, których widownia odzwierciedla klasowe rozwarstwienie publiczności. W ogromnej sali o 5-6 poziomach znajdują się miejsca dla publiczności o różnych rangach i pozycjach społecznych.
Najważniejsze zmiany na przestrzeni stulecia zaszły w oświetleniu widowni i sceny. Już pod koniec XVIII w. Zamiast świec, które wcześniej oświetlały przestrzeń teatru, pojawiły się lampy gazowe, które pozostały przez większą część XIX wieku. aż do czasu, gdy zastąpiono je różnymi rodzajami oświetlenia elektrycznego. Pierwszy reflektor łukowy pojawił się w połowie XIX wieku. Od czasu wynalezienia dynama w ostatnim ćwierćwieczu wzrosła liczba i moc tego typu źródeł światła, co pozwala na tworzenie różnorodnych efektów świetlnych (jasne promienie słoneczne wpadające do ciemnego pomieszczenia, światło księżyca, chmury przemieszczające się wieczorem niebo itp.)
Pod koniec stulecia teatry przestawiły się na oświetlenie lampami elektrycznymi, zachowując jednocześnie reflektory.
Już w pierwszej połowie stulecia w teatrze powstawały spektakle, które w wiarygodny sposób odtwarzały ruchy załóg, jeźdźców i statków morskich. Dużym zainteresowaniem cieszyły się pantomimy wodne, gdy na scenie ustawiono ogromne baseny z wodą, w których rozgrywano swego rodzaju morską przygodę. Pod tym względem teatry, korzystając ze starych efektów teatralnych, stworzyły wiele nowych.
W klasycznym teatrze starożytności scena akcji była taka sama przez całe przedstawienie. W okresie renesansu we Włoszech zachowano tę samą zasadę. W XVII wieku W teorii dramatu we Francji mocno ugruntowały się zasady jedności miejsca, zgodnie z którymi cała akcja spektaklu rozgrywała się w tej samej scenerii. Zasada ta nie była brana pod uwagę w publicznym teatrze kwadratowym, a także w ludowym teatrze humanistycznym renesansu w Hiszpanii i Anglii. Ale i tam zwyciężyła zasada jedności miejsca. W operze dopuszczano czasami odstępstwa od tej zasady, co pozwalało na dokonanie spektakularnej zmiany scenerii za pomocą telariów (obracających się pryzmatów). Tak było aż do pierwszych dziesięcioleci XIX wieku. Romantycy odrzucali jedność miejsca w dramacie. Od tego momentu zmiany scenerii zaczęły pojawiać się kilka razy w trakcie występu. Zmiany nastąpiły w przerwach. Jednak aby skrócić przerwy między czynnościami, potrzebna była bardziej zaawansowana technika niż ta, która istniała. Wiele z dotychczasowych środków wypracowanych na przestrzeni wieków rozwoju teatru zostało uzupełnionych szeregiem ważnych urządzeń. Pierwszym istotnym jest urządzenie służące do zmiany planszy scenicznej. Za pomocą maszyn hydraulicznych i elektrycznych podłoga sceny została częściowo lub całkowicie podniesiona i ustawiona pod kątem, co pozwoliło stworzyć różnorodne warunki dla różnorodnej akcji scenicznej. Drugim ulepszeniem jest wprowadzenie nowego kręgu na scenie. I wreszcie trzecim ulepszeniem było stworzenie tzw. kieszeni – dużych obszarów po bokach sceny, gdzie na ruchomych tabletach przygotowywano fragmenty scenerii, szybko toczyły się do przodu i równie szybko przesuwały się za scenę.
Sięgając do historii przedstawień operowych XIX w., warto zwrócić uwagę na istnienie precyzyjnych scenariuszy inscenizacyjnych pisanych przez reżyserów (stanowisko to pojawia się po raz pierwszy w tej epoce). Przede wszystkim rejestrowali wejścia i wyjścia, schematy pozycji na scenie, efekty świetlne, ale o aktorze nie było mowy. Wszystko, co dotyczy aktorskiej koncepcji obrazu, gestów, brzmienia, wyrazistości dramatycznej, brak tej informacji tłumaczy się nie tyle bezradnością reżysera, ile pozostawieniem aktora samym sobie. Wyłącznie do reżysera należało zaplanowanie scenografii, rekwizytów i inscenizacji, przeprowadzone w taki sposób, aby zwolnić środek sceny dla wykonawców głównych partii i tak, aby podczas występów w duetach i zespołach śpiewacy byliby blisko siebie, żeby w końcu chóry były pogrupowane głosami i wszyscy razem znaleźliśmy się jak najbliżej sceny i dyrygenta.
Poza tymi wyjątkami triumfuje swego rodzaju operowy „realizm”, tj. konwulsyjne bieganie po scenie lub odwrotnie, statuowy bezruch z jedną nogą wysuniętą do przodu i notoryczną ręką na sercu.
Ponieważ epoka była pełna talentów baletowych, kompozytorzy i dyrygenci szukali każdej okazji, aby zademonstrować kunszt tancerzy w każdym przedstawieniu.
Spektakl operowy był zatem widowiskiem tętniącym życiem, z dużą liczbą elementów architektonicznych i krajobrazowych, które stanowiły tło dla stojącego na pierwszym planie śpiewaka.
PRODUKCJA OPERY WAGNERA „PIERŚCIEŃ NIBELUNG”.
Wagner, który wyrósł ze swojej epoki i znacznie ją wyprzedził jako twórca i teoretyk dramatu muzycznego, jest z nią nierozerwalnie związany jako reżyser własnych dzieł.
„Pierścień Nibelunga” stawia przed reżyserem wiele problemów zarówno pod względem maszynowym, jak i scenograficznym.
Dno Renu i nieustanny przepływ wód, pływające dziewice i Alberich zamieniający się w węża; Wotan spadający pod ziemię i znikający we mgle Mima; ogień płonący przy kamieniu po uderzeniu włócznią Wotana i tęcza, po której bogowie wkraczają do Walhalli; pojawienie się Erdy i wreszcie wspaniały obraz Walkirii pędzących przez chmury z martwymi wojownikami przywiązanymi do siodeł.
Aby to wszystko zrealizować, Wagner zadowala się tradycyjną sceną operową z malowniczą scenografią, kurtynami, zapadniami i prymitywnymi „magicznymi latarniami”.
W swoich pracach teoretycznych Wagner nigdzie nie buntuje się przeciwko artystycznym środkom swego współczesnego teatru, wręcz przeciwnie, wyraża dla nich swój podziw: „Nowoczesne nauki przyrodnicze i malarstwo pejzażowe są zdobyczami naszej epoki, wynosząc nas ze środowiska naukowego i artystycznego punktu widzenia, satysfakcja i wybawienie od szaleństwa i przeciętności... Dzięki malarstwu pejzażowemu scena staje się ucieleśnieniem prawdy artystycznej, a rysunek, kolor i ożywcze wykorzystanie światła napędzającego naturę, aby służyć najwyższym aspiracjom artystycznym. Artystyczne wykorzystanie wszystkich środków optycznych, jakimi dysponuje (pejzażysta) oraz samego światła, pozwala mu stworzyć pełną iluzję.”
Jednak w praktyce wszelkie „życiodajne zastosowania światła” i „środków optycznych” nie dały żadnego rezultatu.
W przedstawieniach z Bayreuth spotykamy te same schematy, które obfitowały w większości przedstawień tamtej epoki. Zatem dno Renu w pierwszej części tetralogii przypomina gigantyczne akwarium; Mistyczny las Zygfryda nadal jest lasem operowym, z kołyszącymi się płótnami i ponurymi rekwizytami, pełnymi opisowych szczegółów, naturalistyczną „owsianką” z liści, gałęzi i pni. Do tej samej kategorii efektów należy podniesienie scenerii przedstawiającej skały, aby pokazać zejście Wotana do jaskiń Nibelheim.
Zatarcie naturalistycznych konturów projektu, które zbyt nachalnie podkreślają ścisłe pokrewieństwo roślinności pragermańskiej z trawnikami i „dzielnicami” oper takich jak „Biała Dama”, odbywa się za pomocą pary wodnej, która jest wykorzystywana nie tylko stworzenie iluzji mgły i zamglenia, ale także ukrycie przed oczami widzów, to zabiegi techniczne spowodowane koniecznością zmiany scenerii przy otwartej kurtynie.
Żadna para nie jest jednak w stanie ukryć uśmiechu, jaki wywołują wskazówki Wagnera dotyczące podwójnego pojawienia się Erdy. Ta najstarsza z bogiń, władczyni ziemi, matka bogów, miała wystawać po pas z włazu teatru.
To naiwno-komiksowe, można rzec, groteskowe rozwiązanie sytuacji scenicznej, wyraźnie kontrastujące ze wspaniałym wołaniem Wotana i potężnymi, kipiącymi dźwiękami orkiestry, nie wzbudziło uwagi i zjadliwych ataków krytyków tamtej epoki, którzy zwracali uwagę na prymitywność efektu użycia „latarni magicznej” w obrazie lotu Walkirii i dziecinne zamieszanie Sieckfrieda ze smokiem mówiącym do megafonu, przewracającym oczami, uderzającym ogonem w ziemię i brzęczącym zębami rytm muzyki.
Rola światła sprowadza się przede wszystkim do naturalistycznego określenia dnia i nocy, a także różnorodnych zmian atmosfery, choć Wagner posługuje się nim także jako symbolem, w niektórych przypadkach łącząc go z pojawieniem się określonych postaci. Erda pojawia się w aureoli niebieskiego światła; snop czerwonych promieni oświetla „Walkirię” i „Zygfryda” Wotana. Jeden z krytyków wrogo wypowiada się na temat tej gry światła: „Promienie elektryczne, o nierównej jasności i sile, „pożerają” kolory scenerii, a widz zamiast drzew widzi płótna”.
Romantyczny nieład i brak wyrazistości charakteryzujący scenerię są równie wyraźne w kostiumach, przywodzących na myśl „rekonstrukcje historyczne” Lormiera w Operze Paryskiej z czasów „Roberta Diabła”. Projektanci kostiumów skłaniali się ku opisowym szczegółom i detalom, więc być może ani zbroja Brünnhilde, która w sposób wcale nie mitologiczny podkreśla jej talię, ani jej strój (również w modnych fałdach), ani koszula w paski, która w połączeniu ze zwierzęcą skórą , składa się na strój Zygmunta, ani pół Grecka, ani pół nie tunika zaprojektowana przez Loge'a nie jest w stanie ukazać świata mitycznych bogów zstępujących w otchłań Nibelheimu, chodzących po tęczy i brykających w chmurach.
„W teatrze króluje tylko sztuka teatralna” – pisze Wagner i dlatego, w przeciwieństwie do ogólnego ducha panującego na scenie operowej, przedmiotem jego szczególnej troski jest strona aktorska przedstawienia.
Śpiewak, który nie jest w stanie wykonać swojej roli tak, jakby była to rola w dramacie mówionym, przy głębokim wniknięciu w intencję autora, nie jest w stanie nadać jej wymaganej przez kompozytora wyrazistości wokalnej. Dlatego Wagner wymaga specjalnych odczytań libretta, dających możliwość nie tylko solistom, ale i chórowi, wniknięcia w artystyczny sens dzieła i znalezienia odpowiedniej wyrazistości interpretacji, tak aby była ona zawsze podyktowana konkretną sytuację.
Wagner jasno opisał styl wokalny swoich dramatów muzycznych w liście do Liszta: „W mojej operze nie ma różnicy między frazami tzw. „deklamacji” i „śpiewu”. Moja recytacja jest jednocześnie śpiewaniem, mój śpiew jest recytacją. Nie mam wyraźnego zakończenia „śpiewu” i wyraźnego nadejścia „recytatywu”, co zwykle oznacza dwa różne style wykonania wokalnego. Właściwie włoskiego recytatywu, w którym kompozytor nie przywiązuje prawie żadnej uwagi do rytmu recytacji, dając śpiewakowi pełną swobodę, tego w mojej twórczości nie znajdziesz wcale. Tam, gdzie tekst poetycki po podekscytowanych wzlotach lirycznych opada w prostsze przejawy mowy emocjonalnej, nigdy nie zrzekłem się prawa do równie precyzyjnego określenia charakteru recytacji, jak w lirycznych scenach wokalnych. Dlatego każdy, kto bierze te fragmenty za zwykły recytatyw i w rezultacie arbitralnie zmienia wskazany przeze mnie rytm, zniekształca moją muzykę w takim samym stopniu, jak gdyby wymyślił inne nuty i harmonie dla moich lirycznych melodii. Próbując w tych fragmentach o charakterze recytatywnym dokładnie scharakteryzować rytm recytacji, co odpowiada zamierzonym celom ekspresyjnym, proszę dyrygentów i śpiewaków o wykonanie tych fragmentów przede wszystkim zgodnie z zapisem muzycznym oryginału, takt wskazany w partyturze i w tempie odpowiadającym charakterowi mowy…”
Wagnera interesuje problematyka zrozumiałości słów. Ukryta orkiestra teatru w Bayreuth to nie tylko „mistyczna otchłań”, ale także próba złagodzenia orkiestrowego komentarza, tak aby na pierwszy plan wysunął się wypowiadany przez aktora tekst.
Zatem Wagner stawia piosenkarzowi dwa główne wymagania:
- ściśle przestrzegać zapisu nutowego
- przedstaw tekst tak, aby był słyszalny i zrozumiały.
Aktor wagnerowski stanął także przed innymi zadaniami. Najważniejszym z nich jest potrzeba skoordynowania gry aktorskiej z muzyką. Wagner domaga się, aby akcja sceniczna ściśle odpowiadała towarzyszącym motywom orkiestrowym.
W ślad za pragnieniem zsynchronizowania gestów i mimiki z muzyką przychodzi pragnienie kompozytora, aby uczynić je szlachetnymi i powściągliwymi. „Tam, gdzie uniwersalna maniera operowa przyzwyczaiła nas do machania szeroko obiema rękami, jakby na znak wołanie o pomoc, tam zauważyliśmy, że lekko uniesione ramię lub charakterystyczny ruch barku lub głowy wystarczy, aby wyrazić nawet najsilniejsze uczucie. ” ... znalazł wyraz w kadrze wykonawczej sztuka(skrzypek Paganini, piosenkarz...
Romantyzm (14)
Streszczenie >> Kultura i sztukaWierzenia ludowe, baśnie. Romantyzm był częściowo kojarzony z demokracją... mniej z malarstwem. W sztukach wizualnych sztuka Romantyzm najdobitniej objawia się w malarstwie... uważanym za manifestację Romantyzm. Artyści Romantyzm: Turnera, Delacroix, ...
kierunek
Romantyzm (francuski romantyzm) to ruch ideologiczno-artystyczny w kulturze końca XVIII w. – pierwszej połowy XIX w., charakteryzujący się afirmacją wewnętrznej wartości życia duchowego i twórczego jednostki, ukazywaniem silnych (często buntownicze) pasje i charaktery, uduchowiona i uzdrawiająca natura. Rozprzestrzenił się na różne sfery ludzkiej działalności. W XVIII wieku wszystko, co dziwne, malownicze i istniejące w książkach, a nie w rzeczywistości, nazywano romantycznym. Na początku XIX wieku romantyzm stał się wyznacznikiem nowego kierunku, przeciwnego klasycyzmowi i oświeceniu.
Urodzony w Niemczech. Zwiastunem romantyzmu jest Sturm i Drang oraz sentymentalizm w literaturze.
Romantyzm zastępuje epokę oświecenia i zbiega się z rewolucją przemysłową, naznaczoną pojawieniem się maszyny parowej, lokomotywy parowej, parowca, fotografii i obrzeży fabryk. O ile Oświecenie charakteryzuje się kultem rozumu i cywilizacji opartej na jej zasadach, to romantyzm afirmuje kult natury, uczuć i tego, co naturalne w człowieku. To w epoce romantyzmu ukształtowały się zjawiska turystyki, wspinaczki górskiej i pikników, mające na celu przywrócenie jedności człowieka i natury. Pożądany jest wizerunek „szlachetnego dzikusa”, uzbrojonego w „mądrość ludową” i nie zepsutego przez cywilizację.
Centralną dla romantyzmu kategorię wzniosłości sformułował Kant w swoim dziele Krytyka sądu. Według Kanta istnieje przyjemność pozytywna w pięknie, wyrażająca się w spokojnej kontemplacji, oraz przyjemność negatywna w tym, co wzniosłe, bezkształtne, nieskończone, wywołujące nie radość, ale zdumienie i zrozumienie. Śpiewanie o wzniosłości wiąże się z zainteresowaniem romantyzmu złem, jego uszlachetnianiem i dialektyką dobra i zła („Jestem częścią tej siły, która zawsze chce zła i zawsze czyni dobro”).
Romantyzm przeciwstawia edukacyjną ideę postępu i tendencję do odrzucania wszystkiego, co „przestarzałe i przestarzałe”, z zainteresowaniem folklorem, mitem, baśniami, zwykłym człowiekiem, powrotem do korzeni i natury.
Romantyzm przeciwstawia tendencję do ateizmu ponownemu przemyśleniu religii. „Prawdziwa religia to uczucie i smak nieskończoności” (Schleiermacher). Deistyczna koncepcja Boga jako Najwyższego Umysłu przeciwstawiona jest panteizmowi i religii jako formie zmysłowości, idei Boga Żywego.
Jak stwierdził Benedetto Croce: „Romantyzm filozoficzny podniósł sztandar tego, co czasami błędnie nazywa się intuicją i fantazją, wbrew zimnemu rozumowi, abstrakcyjnemu intelektowi”. prof. Jacques Barzin zauważył, że romantyzmu nie można uważać za bunt przeciwko rozumowi: jest to bunt przeciwko racjonalistycznym abstrakcjom. Jak pisze prof. G. Skolimowski: „Rozpoznanie logiki serca (o której tak wyraziście mówi Pascal), rozpoznanie intuicji i głębszego sensu życia jest równoznaczne ze zmartwychwstaniem osoby zdolnej do latania. To właśnie w obronie tych wartości, przed inwazją materializmu filistyńskiego, wąskiego pragmatyzmu i empiryzmu mechanistycznego, zbuntował się romantyzm”.
Twórcy romantyzmu filozoficznego: bracia Schlegel (August Wilhelm i Friedrich), Novalis, Hölderlin, Schleiermacher.
Przedstawiciele: Francisco Goya, Antoine-Jean Gros, Theodore Gericault, Eugene Delacroix, Karl Bryullov, William Turner, Caspar David Friedrich, Carl Friedrich Lessing, Carl Spitzweg, Carl Blechen, Albert Bierstadt, Frederic Edwin Church, Lucy Madox Brown, Gillot St. kiedykolwiek.
Rozwój romantyzmu w malarstwie przebiegał w ostrej polemice ze zwolennikami klasycyzmu. Romantycy zarzucali swoim poprzednikom „zimną racjonalność” i brak „ruchu życia”. W latach 20. i 30. twórczość wielu artystów charakteryzowała się patosem i nerwowym podekscytowaniem; wykazywały skłonność do egzotycznych motywów i zabawy wyobraźnią, potrafiącą oderwać się od „nudnej codzienności”. Walka z zamrożonymi normami klasycystycznymi trwała długo, bo prawie pół wieku. Pierwszym, któremu udało się utrwalić nowy kierunek i „usprawiedliwić” romantyzm, był Theodore Gericault.
Jedną z gałęzi romantyzmu w malarstwie jest styl biedermeier.
Romantyzm narodził się najpierw w Niemczech, wśród pisarzy i filozofów szkoły jeneńskiej (W. G. Wackenroder, Ludwig Tieck, Novalis, bracia F. i A. Schlegel). Filozofię romantyzmu usystematyzowano w pracach F. Schlegela i F. Schellinga
To jest część artykułu w Wikipedii używanego na licencji CC-BY-SA. Pełny tekst artykułu tutaj →
Wikipedia:Romantyzm(Romantyzm) to ruch ideologiczno-artystyczny, który powstał w kulturze europejskiej i amerykańskiej końca XVIII - pierwszej połowy XIX wieku, jako reakcja na estetykę klasycyzmu. Pierwotnie rozwinął się (lata 90. XVIII w.) w filozofii i poezji w Niemczech, a później (lata dwudzieste XIX w.) rozprzestrzenił się na Anglię, Francję i inne kraje. Wyznaczył z góry najnowszy rozwój sztuki, nawet te kierunki, które mu się sprzeciwiały.
Nowymi kryteriami w sztuce była swoboda wypowiedzi, wzmożona dbałość o indywidualność, niepowtarzalne cechy człowieka, naturalność, szczerość i luz, które zastąpiły naśladownictwo klasycznych wzorców XVIII wieku. Romantycy odrzucili racjonalizm i praktycyzm Oświecenia jako mechanistyczny, bezosobowy i sztuczny. Zamiast tego za priorytet uznali ekspresję emocjonalną i inspirację.
Czując się wolni od upadającego systemu rządów arystokratycznych, starali się wyrazić swoje nowe poglądy i odkrytą prawdę. Zmieniło się ich miejsce w społeczeństwie. Swoich czytelników znaleźli wśród rosnącej klasy średniej, gotowej emocjonalnie wspierać, a nawet czcić artystę – geniusza i proroka. Odrzucono powściągliwość i pokorę. Zastąpiły je silne emocje, często sięgające skrajności.
Romantyzm szczególnie oddziaływał na młodych ludzi, którzy mieli możliwość dużo się uczyć i czytać (co ułatwił szybki rozwój drukarstwa). Inspirują ją idee indywidualnego rozwoju i samodoskonalenia, idealizacja wolności osobistej w jej światopoglądzie połączona z odrzuceniem racjonalizmu. Rozwój osobisty został postawiony ponad standardy próżnego i już zanikającego społeczeństwa arystokratycznego. Romantyzm wykształconej młodzieży zmienił społeczeństwo klasowe Europy, wyznaczając początek wyłonienia się wykształconej „klasy średniej” w Europie. I zdjęcie” Wędrowiec nad morzem mgły„można słusznie nazwać symbolem okresu romantyzmu w Europie.
Część romantyków zwróciła się w stronę tajemniczych, zagadkowych, a nawet strasznych wierzeń ludowych i baśni. Romantyzm był częściowo kojarzony z ruchami demokratycznymi, narodowymi i rewolucyjnymi, chociaż „klasyczna” kultura rewolucji francuskiej faktycznie spowolniła nadejście romantyzmu we Francji. W tym czasie wyłoniło się kilka ruchów literackich, z których najważniejszymi były Sturm und Drang w Niemczech, prymitywizm we Francji pod przewodnictwem Jean-Jacques’a Rousseau, powieść gotycka oraz wzmożone zainteresowanie wzniosłością, balladami i dawnymi romansami (od z którego w rzeczywistości pochodzi termin „romantyzm”. Źródłem inspiracji dla niemieckich pisarzy, teoretyków szkoły jenańskiej (bracia Schlegel, Novalis i inni), którzy deklarowali się jako romantycy, była filozofia transcendentalna Kanta i Fichtego, dla której priorytetem były twórcze możliwości umysłu. Te nowe idee, za sprawą Coleridge'a, przedostały się do Anglii i Francji, determinując także rozwój amerykańskiego transcendentalizmu.
Zatem romantyzm rozpoczął się jako ruch literacki, ale miał znaczący wpływ na muzykę, a mniejszy na malarstwo. W sztukach plastycznych romantyzm najwyraźniej przejawiał się w malarstwie i grafice, mniej w architekturze. W XVIII wieku ulubionym motywem artystów były górskie pejzaże i malownicze ruiny. Jego głównymi cechami są dynamiczna kompozycja, wolumetryczna przestrzenność, bogata kolorystyka, światłocień (m.in. prace Turnera, Géricaulta i Delacroix). Inni romantyczni artyści to Fuseli, Martin. Za przejaw romantyzmu można uznać także twórczość prerafaelitów i styl neogotycki w architekturze.
Esej egzaminacyjny
Temat:„Romantyzm jako kierunek w sztuce”.
Wykonano uczeń klasy 11 „B” szkoły nr 3
Boyright Anna
Nauczyciel Sztuki Świata
kultura Butsu T.N.
Brześć 2002
1. Wstęp
2. Przyczyny pojawienia się romantyzmu
3. Główne cechy romantyzmu
4. Romantyczny bohater
5. Romantyzm w Rosji
a) Literatura
b) Malarstwo
c) Muzyka
6. Romantyzm zachodnioeuropejski
obraz
b) Muzyka
7. Wnioski
8. Referencje
1. WSTĘP
Jeśli zajrzysz do słownika objaśniającego języka rosyjskiego, znajdziesz kilka znaczeń słowa „romantyzm”: 1. Ruch w literaturze i sztuce pierwszej ćwierci XIX wieku, charakteryzujący się idealizacją przeszłości, izolacją od rzeczywistości oraz kult jednostki i człowieka. 2. Ruch w literaturze i sztuce, przepojony optymizmem i chęcią ukazania w żywych obrazach wzniosłego celu człowieka. 3. Stan umysłu przesiąknięty idealizacją rzeczywistości i marzycielską kontemplacją.
Jak wynika z definicji, romantyzm jest zjawiskiem, które objawia się nie tylko w sztuce, ale także w zachowaniu, ubiorze, stylu życia, psychologii człowieka i pojawia się w momentach zwrotnych w życiu, dlatego temat romantyzmu jest nadal aktualny. Żyjemy na przełomie wieków, jesteśmy w fazie przejściowej. W związku z tym w społeczeństwie brakuje wiary w przyszłość, utrata wiary w ideały, pojawia się chęć ucieczki z otaczającej rzeczywistości w świat własnych doświadczeń i jednocześnie jego zrozumienia. To właśnie te cechy są charakterystyczne dla sztuki romantycznej. Dlatego do badań wybrałem temat „Romantyzm jako kierunek w sztuce”.
Romantyzm to bardzo obszerna warstwa różnych rodzajów sztuki. Celem mojej pracy jest prześledzenie warunków powstania i przyczyn powstania romantyzmu w różnych krajach, zbadanie rozwoju romantyzmu w takich dziedzinach sztuki jak literatura, malarstwo i muzyka oraz ich porównanie. Głównym zadaniem było dla mnie podkreślenie głównych cech romantyzmu, charakterystycznych dla wszystkich rodzajów sztuki, określenie, jaki wpływ romantyzm miał na rozwój innych kierunków w sztuce.
Opracowując temat, korzystałem z podręczników o sztuce, autorów takich jak Filimonova, Vorotnikov i innych, publikacji encyklopedycznych, monografii poświęconych różnym autorom epoki romantyzmu, materiałów biograficznych takich autorów jak Aminskaya, Atsarkina, Niekrasova i innych.
2. PRZYCZYNY POWSTANIA ROMANTYZMU
Im bliżej jesteśmy czasów nowożytnych, tym krótsze stają się okresy dominacji tego czy innego stylu. Okres schyłku XVIII – I tercji XIX w. uważana jest za epokę romantyzmu (od francuskiego romantyzmu; coś tajemniczego, dziwnego, nierealnego)
Co wpłynęło na pojawienie się nowego stylu?
Są to trzy główne wydarzenia: Wielka Rewolucja Francuska, Wojny Napoleońskie, powstanie ruchu narodowowyzwoleńczego w Europie.
Grzmot Paryża odbił się echem w całej Europie. Hasło „Wolność, równość, braterstwo!” miało ogromną siłę przyciągania dla wszystkich narodów Europy. W miarę powstawania społeczeństw burżuazyjnych klasa robotnicza jako niezależna siła zaczęła działać przeciwko porządkowi feudalnemu. Przeciwstawna walka trzech klas - szlachty, burżuazji i proletariatu stworzyła podstawę historycznego rozwoju XIX wieku.
Losy Napoleona i jego rola w historii Europy przez dwie dekady, 1796-1815, zaprzątały umysły jego współczesnych. „Władca myśli” – powiedział o nim A.S. Puszkin.
Dla Francji były to lata wielkości i chwały, choć kosztem życia tysięcy Francuzów. Włochy postrzegały Napoleona jako swojego wyzwoliciela. Polacy wiązali z nim wielkie nadzieje.
Napoleon działał jako zdobywca działający w interesie francuskiej burżuazji. Dla monarchów europejskich był nie tylko przeciwnikiem militarnym, ale także przedstawicielem obcego świata burżuazji. Nienawidzili go. Na początku wojen napoleońskich w skład jego „Wielkiej Armii” wchodziło wielu bezpośrednich uczestników rewolucji.
Osobowość samego Napoleona była fenomenalna. Młody Lermontow tak odpowiedział na 10. rocznicę śmierci Napoleona:
Jest obcy światu. Wszystko, co go dotyczyło, było tajemnicą
Dzień podwyższenia - i godzina upadku!
Ta tajemnica szczególnie przyciągnęła uwagę romantyków.
W związku z wojnami napoleońskimi i dojrzewaniem samoświadomości narodowej okres ten charakteryzował się powstaniem ruchu narodowowyzwoleńczego. Niemcy, Austria, Hiszpania walczyły z okupacją napoleońską, Włochy – z jarzmem austriackim, Grecja – z Turcją, w Polsce walczyły z caratem rosyjskim, Irlandia – z Brytyjczykami.
Na oczach jednego pokolenia dokonały się niesamowite zmiany.
We Francji wrzało najbardziej: burzliwe pięć lat rewolucji francuskiej, wzlot i upadek Robespierre’a, kampanie napoleońskie, pierwsza abdykacja Napoleona, jego powrót z wyspy Elba („sto dni”) i ostateczny
porażka pod Waterloo, ponura 15. rocznica reżimu restauracyjnego, rewolucja lipcowa 1860 r., rewolucja lutowa 1848 r. w Paryżu, która wywołała falę rewolucyjną w innych krajach.
W Anglii w wyniku rewolucji przemysłowej w 2. połowie XIX w. powstała produkcja maszynowa i stosunki kapitalistyczne. Reforma parlamentarna z 1832 r. utorowała burżuazji drogę do władzy państwowej.
Na ziemiach Niemiec i Austrii władzę zachowali władcy feudalni. Po upadku Napoleona ostro rozprawili się z opozycją. Ale nawet na ziemi niemieckiej parowóz sprowadzony z Anglii w 1831 roku stał się czynnikiem postępu burżuazyjnego.
Rewolucje przemysłowe i rewolucje polityczne zmieniły oblicze Europy. „Burżuazja w ciągu niespełna stu lat swego panowania klasowego stworzyła liczniejsze i kolosalne siły wytwórcze niż wszystkie poprzednie pokolenia razem wzięte” – napisali w 1848 roku niemieccy uczeni Marks i Engels.
Tak więc Wielka Rewolucja Francuska (1789-1794) stanowiła szczególny kamień milowy oddzielający nową erę od Wieku Oświecenia. Zmieniły się nie tylko formy państwa, struktura społeczna społeczeństwa i układ klas. Cały system idei, oświetlony przez wieki, został wstrząśnięty. Oświeceni ideologicznie przygotowali rewolucję. Nie mogli jednak przewidzieć wszystkich jego konsekwencji. „Królestwo rozumu” nie miało miejsca. Rewolucja, która głosiła wolność jednostki, zrodziła porządek burżuazyjny, ducha zdobywania i egoizmu. Takie były historyczne podstawy rozwoju kultury artystycznej, która wyznaczyła nowy kierunek – romantyzm.
3. GŁÓWNE CECHY ROMANTYZMU
Romantyzm jako metoda i kierunek w kulturze artystycznej był zjawiskiem złożonym i sprzecznym. W każdym kraju miało ono silny wyraz narodowy. W literaturze, muzyce, malarstwie i teatrze nie jest łatwo znaleźć cechy, które łączą Chateaubrianda i Delacroix, Mickiewicza i Chopina, Lermontowa i Kiprenskiego.
Romantycy zajmowali różne stanowiska społeczne i polityczne w społeczeństwie. Wszyscy zbuntowali się przeciwko skutkom rewolucji burżuazyjnej, ale buntowali się na różne sposoby, ponieważ każdy miał swój własny ideał. Jednak pomimo wielu twarzy i różnorodności romantyzm ma cechy stabilne.
Rozczarowanie nowoczesnością dało początek specjałowi zainteresowanie przeszłością: do przedburżuazyjnych formacji społecznych, do patriarchalnej starożytności. Wielu romantyków uważało, że malownicza egzotyka krajów południa i wschodu – Włoch, Hiszpanii, Grecji, Turcji – stanowi poetycki kontrast dla nudnej, burżuazyjnej codzienności. W tych krajach, wówczas mało dotkniętych cywilizacją, romantycy szukali jasnych, silnych charakterów, oryginalnego, kolorowego sposobu życia. Zainteresowanie przeszłością narodową zaowocowało powstaniem wielu dzieł historycznych.
Dążąc do wzniesienia się ponad prozę istnienia, wyzwolenia różnorodnych zdolności jednostki, osiągnięcia maksymalnej samorealizacji w twórczości, romantycy sprzeciwiali się formalizacji sztuki oraz charakterystycznemu dla klasycyzmu prostemu i rozsądnemu podejściu do niej. Wszyscy pochodzili zaprzeczenie Oświeceniu i racjonalistycznym kanonom klasycyzmu, co spętało inicjatywę twórczą artysty.I jeśli klasycyzm dzieli wszystko po linii prostej, na dobro i zło, na czerń i biel, to romantyzm niczego nie dzieli po linii prostej. Klasycyzm jest systemem, ale romantyzm nie. Romantyzm przyspieszył rozwój czasów nowożytnych od klasycyzmu do sentymentalizmu, który ukazuje życie wewnętrzne człowieka w harmonii z szerszym światem. A romantyzm kontrastuje harmonię ze światem wewnętrznym. Prawdziwy psychologizm zaczyna pojawiać się wraz z romantyzmem.
Głównym celem romantyzmu było obraz świata wewnętrznego, życie duchowe, a można to zrobić na materiale opowieści, mistycyzmu itp. Należało pokazać paradoks tego życia wewnętrznego, jego irracjonalność.
Romantycy w swojej wyobraźni przekształcali nieestetyczną rzeczywistość lub uciekali w świat swoich przeżyć. Rozłam między snem a rzeczywistością, opozycja pięknej fikcji wobec obiektywnej rzeczywistości leżały u podstaw całego ruchu romantycznego.
Romantyzm jako pierwszy podniósł problem języka sztuki. „Sztuka jest językiem zupełnie innego rodzaju niż natura; ale zawiera w sobie także tę samą cudowną moc, która równie skrycie i niepojęty oddziałuje na ludzką duszę” (Wackenroder i Tieck). Artysta jest interpretatorem języka natury, pośrednikiem pomiędzy światem ducha a ludźmi. „Dzięki artystom ludzkość jawi się jako kompletna indywidualność. Poprzez nowoczesność artyści jednoczą świat przeszłości ze światem przyszłości. Są najwyższym organem duchowym, w którym spotykają się siły życiowe ich zewnętrznego człowieczeństwa i w którym objawia się przede wszystkim człowieczeństwo wewnętrzne” (F. Schlegel).
