Lista muzyków epoki oświecenia. Kultura muzyczna Rosji doby Oświecenia. Zbiory rosyjskich piosenek

W XVIII wieku większość państw europejskich została ogarnięta ruchem edukacyjnym. Dzięki reformom Piotra I Rosja aktywnie uczestniczy w tym procesie, włączając się w dorobek cywilizacji europejskiej. Zwrot ku Europie, który dał początek zjawisku „rosyjskiego europeizmu”, nastąpił w typowo rosyjski sposób – chłodny i zdecydowany. Interakcja z bardziej uznanymi szkołami artystycznymi Europy Zachodniej pozwoliła sztuce rosyjskiej przejść ścieżkę „przyspieszonego rozwoju”, opanowując europejskie teorie estetyczne, świeckie gatunki i formy w historycznie krótkim czasie.

Głównym osiągnięciem rosyjskiego oświecenia jest rozkwit twórczości osobistej, która zastępuje bezimienne dzieło artystów starożytnej Rusi. Wdrażana jest formuła Łomonosowa: „ziemia rosyjska urodzi własnych Platona i bystrych Newtonów”.

Nadchodzi czas aktywnego rozwoju świeckiego światopoglądu. Sztuka świątynna kontynuuje swój rozwój, ale stopniowo schodzi na dalszy plan życia kulturalnego Rosji. Tradycja świecka jest wzmacniana na wszelkie możliwe sposoby.

W muzyce XVIII wieku, zarówno w literaturze, jak i malarstwie, ukształtował się nowy styl, zbliżony do europejskiego klasycyzm.

Nowe formy życia towarzyskiego – festyny ​​w parkach, przejażdżki wzdłuż Newy, iluminacje, bale i „maskarady”, zgromadzenia i przyjęcia dyplomatyczne – przyczyniły się do szerokiego rozwoju muzyka instrumentalna. Dekretem Petrava w każdym pułku pojawiły się wojskowe orkiestry dęte. Oficjalne uroczystości, bale i festyny ​​obsługiwały dwie orkiestry dworskie i chór dworski. Za przykładem dworu poszła szlachta petersburska i moskiewska, która założyła domowe orkiestry. W majątkach szlacheckich powstawały także orkiestry pańszczyźniane i teatry muzyczne. Szerzy się amatorskie muzykowanie, a edukacja muzyczna staje się obowiązkowym elementem edukacji szlacheckiej. Pod koniec stulecia różnorodne życie muzyczne charakteryzowało życie nie tylko Moskwy i Petersburga, ale także innych rosyjskich miast.

Wśród nowości muzycznych nieznanych Europie był orkiestra róg , stworzony przez rosyjskiego cesarskiego kameralistę I.A. Maresh w imieniu S.K. Naryszkina. Maresh stworzył spójny zespół składający się z 36 rogów (3 oktawy). Brali w nim udział muzycy pańszczyźniani, pełniąc rolę żywych „kluczy”, gdyż każdy róg mógł wydawać tylko jeden dźwięk. W repertuarze znalazła się klasyczna muzyka europejska, w tym złożone dzieła Haydna i Mozarta.

W latach 30-tych XVIII wieku w Rosji powstała włoska opera dworska, której przedstawienia wystawiano w święta dla „wybranej” publiczności. W tym czasie do Petersburga ściągało wielu największych muzyków europejskich, głównie Włochów, m.in. kompozytorzy F. Araya, B. Galuppi, G. Paisiello, G. Sarti, D. Cimarosa. Francesco Araya w 1755 napisał muzykę do pierwszej opery z tekstem rosyjskim. Było to libretto A.P. Sumarokowa na podstawie fabuły Metamorfoz Owidiusza. Opera stworzona w gatunku włoskim seria , nazywano „Cephalus i Procris”.

W epoce Piotra Wielkiego nadal rozwijały się narodowe gatunki muzyczne, takie jak koncert partes i cant.

Pieśni z czasów Piotra Wielkiego często nazywano „vivata”, gdyż obfitowały w gloryfikacje zwycięstw militarnych i przemian („Raduj się, ziemio ruska”). Muzykę pieśni „powitalnych” charakteryzują zwroty fanfarowe i uroczyste rytmy poloneza. Ich występom często towarzyszył dźwięk trąb i bicie dzwonów.

Era Piotra Wielkiego była kulminacją rozwoju śpiewu partii chóralnych. Genialny mistrz koncertu partes V.P. Titow zajął miejsce pierwszego muzyka na dworze cara Piotra. To właśnie jemu zlecono napisanie uroczystego koncertu z okazji zwycięstwa wojsk rosyjskich w Połtawie w 1709 r. (dla kompozycji przyjęto nazwę „Rtsy to us now” - nazwa „Połtawa Triumph”).

W połowie XVIII stulecia chęć uzyskania efektów chóralnych na koncertach partes osiągnęła przesadne formy: pojawiały się dzieła, których partytury liczyły do ​​48 głosów. W drugiej połowie stulecia uroczysty kameralny koncert został zastąpiony nowym zjawiskiem artystycznym – koncertem duchowym.Tak więc przez cały XVIII wiek rosyjski śpiew chóralny przeszedł długą drogę ewolucji – od monumentalnego stylu partes, budzącego skojarzenia z barokowym stylem architektonicznym, po wysokie przykłady klasycyzmu w twórczości M. S. Bieriezowskiego i D. S. Bortnyanskiego, którzy stworzyli klasyczny typ rosyjskiego koncertu duchowego.

Koncert rosyjskiego chóru duchowego

W XVIII wieku zawartość gatunkowa dzieł chóralnych znacznie się rozwinęła. Powstały chóralne aranżacje pieśni ludowych, chóralna muzyka operowa, muzyka taneczna z chórem (najbardziej znanym przykładem jest polonez Kozłowskiego „Round the Thunder of Victory” do słów Derzhavina, który na końcu XVIII nabył znaczenie hymnu narodowego Imperium Rosyjskiego).

Wiodącym gatunkiem chóralnym jest rosyjski koncert duchowy, który był wyjątkowym symbolem starożytnej tradycji rosyjskiej. Koncert duchowy osiągnął swój największy rozkwit w epoce Katarzyny (1762-1762). 1796). Był to pomyślny czas dla kultury rosyjskiej. Próba wskrzeszenia ducha reform Piotrowych została w dużej mierze uwieńczona sukcesem. Polityka, ekonomia, nauka i kultura ponownie otrzymały impuls do rozwoju. Wznowiono praktykę kształcenia najzdolniejszych przedstawicieli nauki i sztuki za granicą. Bliskie kontakty kulturalne Rosji z oświeconą Europą nie mogły nie wpłynąć na pojawienie się pierwszych doświadczeń profesjonalnego komponowania.

W tym okresie powstało ponad 500 dzieł z gatunku koncertowego. Zwrócili się do niego prawie wszyscy znani nam rosyjscy kompozytorzy drugiej połowy. XVIII wiek.

Zrodzony w głębinach partes polifonii, duchowy koncert przez cały swój rozwój łączył w sobie dwie zasady – tradycję śpiewu kościelnego i nowe, świeckie myślenie muzyczne. Koncert stał się powszechny zarówno jako zwieńczenie nabożeństwa, jak i dekoracja uroczystości dworskich. Był przedmiotem tematów i obrazów poruszających głębokie problemy moralne i filozoficzne.

Jeśli „koncert partes” można w pewnym stopniu porównać z koncert brutto , wówczas konstrukcja klasycznego koncertu chóralnego ma cechy wspólne z cyklem sonatowo-symfonicznym. Składała się zazwyczaj z trzech lub czterech różnych części, w których kontrastowały ze sobą techniki prezentacji, w części końcowej z reguły dominowały techniki opracowania polifonicznego.

W rozwój rosyjskiego klasycznego koncertu chóralnego wnieśli wybitni kompozytorzy zagraniczni mieszkający w Petersburgu (D. Sarti, B. Galuppi). Szczytowe osiągnięcia rosyjskiej muzyki chóralnej epoki oświecenia kojarzone są z nazwiskami M.S. Bieriezowski i D.S. Bortniański.

Maksym Sozontowicz Bieriezowski (1745-1777)

M. S. Bieriezowski to wybitny mistrz rosyjskiej muzyki chóralnej XVIII wieku, jeden z pierwszych przedstawicieli narodowej szkoły kompozytorskiej. Zachowana twórczość kompozytora jest niewielka objętościowo, ale bardzo znacząca w swojej istocie historycznej i artystycznej. W kulturze muzycznej lat 60. i 70. XVIII wieku otwiera nowy etap – epokę rosyjskiego klasycyzmu.

Nazwisko Bieriezowskiego wymieniane jest wśród twórców klasycznego koncertu chóralnego a cap p ella : jego dzieła, wraz z twórczością włoskiego kompozytora Galuppiego, stanowią pierwszy etap rozwoju tego gatunku.

Szczyt twórczych poszukiwań M.S. Bieriezowski stał się koncertem „Nie odrzucaj mnie na starość” . Ten powszechnie uznane arcydzieło muzyki rosyjskiej XVIII wieku, dorównujące najwyższym osiągnięciom współczesnej sztuki europejskiej. Koncert o małej skali postrzegany jest jako dzieło epicko monumentalne. Jego muzyka, odsłaniając różnorodny duchowy świat człowieka, zadziwia głębią emocji i autentycznością życia.

Zarówno w tekście, jak i muzyce koncertu wyraźnie słychać intonację osobistą. To jest mowa pierwszoosobowa. Prośba to modlitwa zwracająca się do Wszechmogącego ( I część) zastępuje się zdjęciem osoby prześladowanej przez złośliwych wrogów ( II część - „Wyjdź za mąż i miej go”) . Potem następuje nowy temat – modlitwa nadziei („Mój Boże, nie udało im się” – III część), i wreszcie finał, pełen protestacyjnego patosu skierowanego przeciwko złu i niesprawiedliwości („Niech ci, którzy oczerniają moją duszę, zawstydzą się i znikną”). Już sam fakt, że wszystkie tematy koncertu charakteryzują się określonymi, konkretnymi cechami emocjonalnymi, świadczy o zasadniczej nowości stylu, przełamującej abstrakcyjną neutralność tematycznego charakteru śpiewu partes.

Cztery części utworu łączy nie tylko pojedyncza koncepcja dramatyczna i logika tonalna, ale także wątki intonacyjne: melodyjny temat wybrzmiewający w pierwszych taktach koncertu staje się intonacyjną podstawą wszystkich pozostałych obrazów. Szczególnie znamienne jest to, że początkowe ziarno intonacji zostaje przekształcone w dynamiczny i stanowczy temat fugi końcowej „Niech się zawstydzą i znikną…”, co stanowi zwieńczenie rozwoju całego cyklu.

Dmitrij Stepanowicz Bortnyansky (1751-1825)

DS Bortnyansky rozwinął główny typ rosyjskiego klasycznego koncertu chóralnego, łącząc w muzyce elementy świeckiego instrumentalizmu muzycznego i wokalnej muzyki kościelnej. Z reguły jego koncerty składają się z trzech części, naprzemiennie według zasady szybko – wolno – szybko. Często najważniejsza w cyklu część pierwsza zawiera znamiona sonatyzmu, wyrażającego się w porównaniu dwóch kontrastujących ze sobą tematów, ukazanych w relacji toniczno-dominującej. Powrót do tonacji głównej następuje pod koniec części, ale bez powtórzeń tematycznych.

Bortnyansky jest właścicielem 35 koncertów dla 4-głosowego chóru mieszanego, 10 koncertów dla 2 chórów, szeregu innych pieśni kościelnych, a także chórów świeckich, w tym patriotycznej pieśni chóralnej „Śpiewak w obozie rosyjskich wojowników” w tekstach. V. A. Żukowski (1812).

Jedno z głębokich i dojrzałych dzieł mistrza - Koncert nr 32 , zauważył P.I. Czajkowski jako „najlepszy ze wszystkich trzydziestu pięciu”. Jego tekst zaczerpnięty jest z 38. Psalmu Biblii, który zawiera następujące wersety: „Powiedz mi, Panie, mój koniec i liczbę moich dni, abym wiedział, w jakim jestem wieku... Wysłuchaj, Panie. moją modlitwę i nadstaw ucho na moje wołanie; nie milcz moich łez…” Koncert składa się z trzech części, ale nie ma między nimi kontrastu. Muzykę wyróżnia jedność nastroju żałobno-elegijnego i integralność wątków tematycznych. Część pierwszą otwiera temat ujęty w trzech częściach, nawiązujący do Psalmu XVII wiek. Część druga to krótki odcinek o ścisłej kompozycji chóralnej. Rozbudowany finał, napisany w formie fugi, przewyższa objętością dwie pierwsze części. W muzyce finałowej dominuje spokojna, łagodna barwa, przekazująca umierającą modlitwę osoby odchodzącej z tego życia.

Zbiory rosyjskich piosenek

Dla całej zaawansowanej kultury rosyjskiej XVIII wieku charakteryzuje się głębokim zainteresowaniem sposobem życia, moralnością i zwyczajami ludzi. Rozpoczyna się systematyczne gromadzenie i badanie folkloru. Słynny pisarz Michaił Dmitriewicz Czulkow tworzy pierwszy w Rosji zbiór tekstów pieśni ludowych.

Po raz pierwszy sporządzono zapisy muzyczne pieśni ludowych i pojawiły się drukowane zbiory z ich aranżacjami: Wasilij Fiodorowicz Trutowski („Zbiór prostych rosyjskich piosenek z nutami”), Mikołaj Aleksandrowicz Lwów I Iwana Pracha („Zbiór rosyjskich pieśni ludowych z ich głosami”).

W zbiorach Lwowa-Prachy znajduje się 100 pieśni, z których wiele to klasyczne przykłady rosyjskiego folkloru: „Och, ty, baldachim, mój baldachim”, „Na polu była brzoza”, „W ogrodzie, w warzywniku. ” We wstępie do zbioru („O rosyjskim śpiewie ludowym”) N. Lwow po raz pierwszy w Rosji zwrócił uwagę na wyjątkową oryginalność rosyjskiej polifonii chóralnej.

Z pieśni z tych zbiorów korzystali zarówno melomani, jak i kompozytorzy, zapożyczając je do swoich dzieł – oper, wariacji instrumentalnych, uwertur symfonicznych.

Do połowy XVIII stulecia zawiera unikalny zbiór rosyjskich eposów i pieśni historycznych tzw „Kolekcja Kirszy Daniłowa” . Nie ma wiarygodnych informacji o jego kompilatorze. Zakłada się, że Kirsha Danilov (Kirill Danilovitch) była improwizującą piosenkarką, błaznem, mieszkającą na górniczym Uralu. Melodie pieśni spisał w jednym wierszu bez tekstu, który umieszczono osobno.

Rosyjska Państwowa Szkoła Kompozytorska

Formacja na drugą połowę XVIII wieku pierwszym świeckim w Rosji szkoła kompozytorska. Jej narodziny były kulminacją rosyjskiego oświecenia . Ojczyzną szkoły był Petersburg, gdzie kwitł talent jej najzdolniejszych przedstawicieli. Wśród nich są założyciele rosyjskiej opery V.A. Paszkiewicz i E.I. Fomin, mistrz muzyki instrumentalnej I.E. Khandoshkin, wybitni twórcy klasycznego koncertu duchowego M.S. Bieriezowski i D.S. Bortnyansky, twórcy kameralnej „Pieśni rosyjskiej” O.A. Kozłowski i F.M. Dubyansky’ego i innych.

Większość rosyjskich kompozytorów wywodziła się ze środowiska ludowego. Od dzieciństwa chłonęli żywe brzmienie rosyjskiego folkloru. Naturalne i logiczne było zatem włączenie pieśni ludowych do rosyjskiej muzyki operowej (opery V. A. Paszkiewicza i E. I. Fomina) oraz do dzieł instrumentalnych (utwór I. E. Khandoshkina).

Zgodnie z tradycją poprzednich stuleci, gatunki wokalne, zarówno świeckie, jak i świątynne, najszerzej rozwinęły się w epoce Oświecenia. Wśród nich dominuje koncert chórów sakralnych, opera komiczna i pieśń kameralna. Podobnie jak w folklorze, tak i w tych gatunkach zachowany jest stosunek do słowa jako priorytetowej podstawy muzyki. Autora opery uważa się za librecistę, a autora pieśni za poetę; Nazwisko kompozytora często pozostawało w cieniu i z czasem zostało zapomniane.

Rosyjska opera komiczna

Narodziny narodowej szkoły kompozytorskiej XVIII Wiek ten był ściśle związany z rozwojem opery rosyjskiej. Zaczęło się od komedii muzycznej, opartej na twórczości komediowej rosyjskich pisarzy i poetów: J. Kniażnina, I. Kryłowa, M. Popowa, A. Ablesimowa, M. Matinskiego.

Opera komiczna zawierała codzienną treść, z prostą, ale fascynującą fabułą z codziennego życia Rosjan. Jego bohaterami byli sprytni chłopi, chłopi pańszczyźniani, skąpi i chciwi bogaci mężczyźni, naiwne i piękne dziewczyny, źli i życzliwi szlachcice.

Dramaturgia opierała się na przemianie mówionych dialogów z numery muzyczne oparte na Rosjanie pieśni ludowe. Poeci wskazywali w libretto, do jakiego „głosu” (piosenki popularnej) należy śpiewać daną arię. Przykładem jest najbardziej ukochana opera rosyjska XVIII wiek „Młynarz to czarownik, oszust i swat” (1779) A. Ablesimova z muzyką M. Sokołowskiego. Dramaturg A. O. Ablesimov od razu napisał swoje teksty w oparciu o konkretny materiał pieśniowy. Wkład M. Sokołowskiego polegał na aranżacji pieśni, którą z łatwością mógłby wykonać inny muzyk (to nie przypadek, że autorstwo muzyki przez długi czas przypisywano E. Fominowi).

Rozkwit opery komicznej ułatwił talent wybitnych rosyjskich aktorów – E.S. Yakovleva (w małżeństwie Sandunova, na scenie – Uranova), aktorka pańszczyźniana P.I. Kovaleva-Zhemchugova, I.A. Dmitrewski.

Wybitna rola w rozwoju opery rosyjskiej XVIII grał przez wieki Wasilij Aleksiejewicz Paszkiewicz(ok. 1742-1797) – jeden z największych kompozytorów rosyjskich XVIII wiek. Najlepsze z jego oper („Nieszczęście z autokaru”, „Skąpiec”, „St. Petersburg Gostiny Dvor”) cieszyły się dużym zainteresowaniem, wystawiano je na scenach wielu rosyjskich miast aż do połowy XIX wiek. Paszkiewicz był mistrzem pisania zespołowego oraz ostrych i trafnych charakteryzacji komediowych. Z powodzeniem odtwarzając intonacje mowy w partiach wokalnych, antycypował zasady, które później charakteryzowały metodę twórczą Dargomyżskiego i Musorgskiego.

W twórczości operowej dał się poznać jako artysta wszechstronnie utalentowany. Evstiny Ipatievich Fomin(1761-1800). Jego opera „Woźnice na stojaku” (1787) wyróżnia się mistrzostwem w opracowaniach chóralnych melodii ludowych różnych gatunków. Dla każdej piosenki znalazł swój własny styl przetwarzania. W operze nie brakuje pieśni „Nie u ojca śpiewa słowik” i „Sokół leci wysoko”, skocznych pieśni tanecznych „Na polu brzoza szalała”, „Kurciak, młody kura”, „Spośród dąb spod wiązu”. Kilka piosenek wybranych do „Woźnicowców” trzy lata później, w niemal niezmienionej formie, znalazło się w „Zbiorze rosyjskich pieśni ludowych” N.L. Lwowa - I. Pracha.

W innym swoim dziele - melodramacie „Orfeusz” (na podstawie tekstu Ja. Knyazhnina na podstawie starożytnego mitu, 1792) - Fomin po raz pierwszy w rosyjskiej operze ucieleśniał temat tragiczny. Muzyka melodramatu stała się jednym z najwybitniejszych dzieł rosyjskiej sztuki oświecenia.

W uwerturze poprzedzającej melodramat w pełni ujawnił się talent symfonisty Fomina. Kompozytorowi o niesamowitym wyczuciu stylu udało się w nim przekazać tragiczny patos starożytnego mitu. W istocie Fomin zrobił pierwszy krok w kierunku stworzenia rosyjskiego symfonizmu. Tak więc w głębi teatru, podobnie jak w Europie Zachodniej, narodziła się przyszła symfonia rosyjska.

Opery Fomina doceniono jedynie pośrodku XX wiek. Za życia kompozytora ich sceniczne losy nie były szczęśliwe. Opera „Woźnice na stojaku”, napisana dla kina domowego, pozostała nieznana szerszej publiczności. Zakazano produkcji opery komicznej „Amerykanie” (z librettem młodego I.A. Kryłowa) (dyrektorowi teatrów cesarskich nie podobał się fakt, że w trakcie opracowywania fabuły Hindusi zamierzali spalić dwóch Europejczyków) .

Teksty wokalne do użytku domowego

Narodziny nowej warstwy folkloru - piosenki miejskie Powstała na bazie ludowej pieśni chłopskiej, która „przystosowała się” do życia miejskiego – nowy sposób jej wykonania: jej melodii towarzyszył akordowy akompaniament jakiegoś instrumentu.

W połowie XVIII wieku w Rosji pojawia się nowy rodzaj muzyki wokalnej - „Rosyjska piosenka” . Tak nazywa się utwory na głos z towarzyszeniem instrumentów, pisane do rosyjskich tekstów poetyckich. Liryczne w treści „pieśni rosyjskie” były poprzednikami rosyjskiego romansu.

Twórca „pieśni rosyjskiej” był wybitnym dostojnikiem na dworze Katarzyny II , wykształcony miłośnik muzyki Grigorij Nikołajewicz Tepłow , autor pierwszego rosyjskiego drukowanego śpiewnika „Między biznesem, bezczynnością…” (1759) Pieśni Teplowa pod względem stylu i sposobu przedstawienia reprezentują gatunek przejściowy od pieśni do romansu z akompaniamentem. Forma jego piosenek jest zwykle wierszowa.

Gatunek „piosenki rosyjskiej” był ściśle związany z tradycją folklorystyczną. Nic więc dziwnego, że wiele oryginalnych pieśni zyskało charakter ludowy („Oto pędzi trojka pocztowa” Iwana Rupina do słów F.N. Glinki).

Pod koniec XVIII wieku, wyłaniają się utalentowani mistrzowie gatunku wokalu kameralnego - Fiodor Dubianski I Osip Kozłowski . Stworzone przez nich „pieśni rosyjskie”, które mają już dość rozwiniętą partię fortepianu i bardziej złożoną formę, można uznać za pierwsze rosyjskie romanse. Wyraźnie słychać w nich echa miejskiego życia („Jęki szarej gołębicy” Dubyansky’ego, „Wieczorem kochanie”, „Okrutny los” Kozłowskiego).

W „pieśniach rosyjskich” powszechnie używane były wiersze znanych poetów: Sumarokowa, Derzhavina, Dmitriewa, Nieledinskiego-Meletskiego. Swoją figuratywną treścią kojarzą się z typowymi nastrojami sztuki sentymentalizm. Z reguły są to teksty miłosne: męki i przyjemności miłości, separacja, zdrada i zazdrość, „okrutna namiętność”.

Dużą popularnością cieszyły się także anonimowe „pieśni rosyjskie” wydane przez F. Meyera („Zbiór najlepszych pieśni rosyjskich”, 1781).

Kameralna muzyka instrumentalna

W latach 70-80 XVIII wieku w Rosji rozpoczęła się formacja profesjonalnego instrumentalizmu kameralnego. W tym czasie rosyjscy muzycy opanowują złożone formy muzyki instrumentalnej, rozwijając gatunki sonaty solowej, wariacji i zespołu kameralnego. Proces ten był ściśle powiązany z powszechnym upowszechnieniem domowego odtwarzania muzyki. Przez długi czas muzyka życia miejskiego czy osiedlowego pozostawała „pożywką”, w której dojrzewały wczesne pędy narodowego stylu instrumentalnego.

Pierwsze rosyjskie zespoły instrumentalne należały do ​​Dmitrija Bortnyanskiego. To kwintet fortepianowy i „Symfonia Kameralna”, czyli właściwie septet na fortepian, harfę, dwoje skrzypiec, violę da gamba, fagot i wiolonczelę.

Szczególnie podobały się wszelkiego rodzaju utwory taneczne – menuety, polonezy, ekosy, tańce wiejskie – oraz wariacje na temat pieśni ludowych na różne instrumenty. Stworzył wiele takich wariacji na skrzypce Iwan Jewstafiewicz Khandoshkin (1747-1804), przedstawiciel szkoły petersburskiej – kompozytor, wybitny wirtuoz skrzypiec, dyrygent i pedagog.Khandoszkin słynął ze sztuki improwizacji, potrafił także dobrze grać na altówce, gitarze i bałałajce.

W historii muzyki rosyjskiej imię Khandoshkina kojarzone jest z utworzeniem narodowej szkoły skrzypcowej. Większą część jego twórczego dziedzictwa stanowią wariacje na temat rosyjskich pieśni ludowych oraz sonaty na skrzypce, dwoje skrzypiec, skrzypce i altówkę lub skrzypce i bas.Dzięki tym utworom rosyjska kameralna muzyka instrumentalna po raz pierwszy wyszła z bliskiego kręgu rodzinnego domu. muzykowanie, zdobywanie wirtuozerii. Ważne jest również to, że osiągnęli w miarę organiczną jedność europejskiego języka instrumentalnego i rosyjskiego folkloru. Badacze uważają, że melodie niektórych pieśni przyjętych przez kompozytora jako tematy do wariacji zostały po raz pierwszy nagrane przez niego samego.

Wariacje na tematy rosyjskie na fortepian pisali Trutowski (np. na temat pieśni ludowej „W lasku było dużo komarów”), Karaułow, a także zagraniczni muzycy pracujący w Rosji.

Rola muzyków zagranicznych w rozwoju muzyki rosyjskiej była podwójna. Uczciwe wyrzuty ze strony postępowej publiczności spowodowane były ślepym podziwem kręgów arystokratycznych za wszystkim, co obce, związanym z niedocenianiem sztuki rosyjskiej. Jednocześnie działalność zagranicznych kompozytorów, wykonawców i pedagogów przyczyniła się do powszechnego wzrostu kultury muzycznej i wykształcenia rodzimych muzyków zawodowych.

Losy jego twórczej spuścizny są dramatyczne: większość utworów kompozytora, wykonywanych przez cały XIX w., zachowała się w rękopisach i przechowywana jest w Kaplicy Śpiewającej Dworskiej. W pierwszych dekadach XX wieku spłonęło całe bogate archiwum kaplicy z unikalnymi autografami wielu rosyjskich kompozytorów.

Sukces i uznanie, patronat najwyższych osób przyszedł do Bieriezowskiego wcześnie. Już w młodym wieku zasłynął w Rosji i wkrótce stał się pierwszym rosyjskim kompozytorem przyjętym na członka słynnej Akademii Bolońskiej. Jednak pomimo wszystkich wysokich wyróżnień, po powrocie do ojczyzny po 9-letnim pobycie za granicą, Maksymowi Bieriezowskiemu nie udało się osiągnąć żadnej zauważalnej pozycji. Jego zapisanie się do Kaplicy Dworskiej na skromne stanowisko zwykłego pracownika wyraźnie nie odpowiadało ani zdobytemu za granicą doświadczeniu, ani jego możliwościom twórczym. Wywołało to oczywiście u kompozytora uczucie gorzkiego rozczarowania, choć jego chóralne dzieła duchowe poznali wszyscy miłośnicy śpiewu kościelnego i cieszyli się dużym uznaniem wśród współczesnych. kaplica, wojsko i chłopi pańszczyźniani orkiestrach, teatrach prywatnych lub zdobywał edukację domową. W środowisku kulturalnym XVIII stulecia muzyka zajmowała najniższe miejsce, opierała się wyłącznie na mecenasie sztuki, a sam muzyk w społeczeństwie arystokratycznym zajmował pozycję półsługi. Twórczość autorów rosyjskich często uchodziła za muzykę „drugiej kategorii” w porównaniu z twórczością Niemców czy Włochów. Żaden mistrz domowy nie osiągnął wysokiej pozycji na dworze.

Sprytny i przebiegły młynarz Tadeusz, udając wszechpotężnego czarownika, całkowicie oszukał swoich naiwnych sąsiadów. Wszystko jednak kończy się wesołym ślubem dziewczynki Anyuty i przystojnego wiejskiego chłopa Filimona.

Na stacji pocztowej – bazie – zbierają się woźnicy. Wśród nich jest młody woźnica Timofey, który odniósł sukces twarzą, umysłem i zręcznością. Razem z nim jest jego młoda piękna żona Fadeevna, która kocha swojego męża. Ale Timofey ma zazdrosnego człowieka i swojego najgorszego wroga - złodzieja i łajdaka Filkę Prolazę. Ten Filka marzy o sprzedaniu szczęśliwego Timofeya jako rekruta i zawładnięciu jego żoną, która od dawna przyciąga jego uwagę. A Timofey byłby żołnierzem, gdyby nie przechodzący oficer. Pomaga uwolnić od służby Timofeya, jedynego żywiciela rodziny chłopskiej. Sam Filka trafia do żołnierzy.

Melodramat to teatralna zabawa z muzyką, która przeplata się z recytacją, a czasami wykonywana jest jednocześnie z recytacją tekstu.

Pod koniec XVII w. rozpoczęła się epoka oświecenia, która objęła cały kolejny wiek XVIII. Kluczowymi cechami tamtych czasów były wolnomyślicielstwo i racjonalizm. Kształtowała się kultura Oświecenia, która dała światu

Filozofia

Cała kultura Oświecenia opierała się na nowych ideach filozoficznych formułowanych przez ówczesnych myślicieli. Głównymi władcami myśli byli John Locke, Voltaire, Montesquieu, Rousseau, Goethe, Kant i kilku innych. To oni określili duchowy wygląd XVIII wieku (zwanego także Wiekiem Rozumu).

Oświecenie wierzyło w kilka kluczowych idei. Jednym z nich jest to, że wszyscy ludzie są z natury równi, każdy ma swoje zainteresowania i potrzeby. Aby je zaspokoić, konieczne jest stworzenie hostelu wygodnego dla każdego. Osobowość nie rodzi się sama – kształtuje się z biegiem czasu, ponieważ ludzie posiadają siłę fizyczną i duchową, a także inteligencję. Równość musi przede wszystkim polegać na równości wszystkich wobec prawa.

Kultura Oświecenia jest kulturą wiedzy dostępną dla wszystkich. Czołowi myśliciele wierzyli, że tylko poprzez szerzenie edukacji można położyć kres niepokojom społecznym. To jest racjonalizm – uznanie rozumu za podstawę ludzkiego zachowania i poznania.

W okresie Oświecenia trwały dyskusje na temat religii. Narastało oddzielenie społeczeństwa od bezwładnego i konserwatywnego Kościoła (przede wszystkim katolickiego). Wśród wykształconych wierzących rozpowszechniła się idea Boga jako swego rodzaju absolutnego mechanika, który zaprowadził porządek w pierwotnie istniejącym świecie. Dzięki licznym odkryciom naukowym rozpowszechnił się pogląd, że ludzkość może odkryć wszystkie tajemnice wszechświata, a tajemnice i cuda należą już do przeszłości.

Ruchy artystyczne

Oprócz filozofii istniała także kultura artystyczna Oświecenia. W tym czasie sztuka Starego Świata obejmowała dwa główne kierunki. Pierwszym był klasycyzm. Jest ucieleśniony w literaturze, muzyce i sztukach pięknych. Kierunek ten sugerował przestrzeganie starożytnych zasad rzymskich i greckich. Sztukę taką wyróżniała symetria, racjonalność, celowość i ścisłe przestrzeganie formy.

W ramach romantyzmu kultura artystyczna Oświecenia odpowiadała na inne żądania: emocjonalność, wyobraźnię, twórczą improwizację artysty. Często zdarzało się, że w jednej pracy łączono te dwa przeciwstawne podejścia. Na przykład forma mogłaby odpowiadać klasycyzmowi, a treść - romantyzmowi.

Pojawiły się także style eksperymentalne. Ważnym zjawiskiem stał się sentymentalizm. Nie posiadał on własnej formy stylistycznej, jednak to przy jego pomocy odzwierciedlono ówczesne wyobrażenia o ludzkiej dobroci i czystości, jaką człowiekowi dana jest przez naturę. Rosyjska kultura artystyczna doby oświecenia, podobnie jak kultura europejska, miała swoje własne, żywe dzieła, należące do ruchu sentymentalizmu. Taka była historia Nikołaja Karamzina „Biedna Liza”.

Kult natury

To sentymentaliści stworzyli charakterystyczny dla Oświecenia kult natury. Myśliciele XVIII wieku szukali w nim przykładu piękna i dobra, do którego powinna dążyć ludzkość. Parki i ogrody, które aktywnie pojawiały się wówczas w Europie, okazały się ucieleśnieniem lepszego świata. Powstały jako idealne środowisko dla doskonałych ludzi. Ich skład obejmował galerie sztuki, biblioteki, muzea, świątynie i teatry.

Oświeceniowcy wierzyli, że nowy „człowiek naturalny” musi powrócić do swojego naturalnego stanu – czyli natury. Zgodnie z tą ideą rosyjska kultura artystyczna okresu Oświecenia (a raczej architektura) przekazała Peterhof swoim współczesnym. Przy jego budowie pracowali znani architekci Leblon, Zemtsov, Usov, Quarenghi. Dzięki ich wysiłkom na brzegach Zatoki Fińskiej pojawił się wyjątkowy zespół, który obejmował unikalny park, wspaniałe pałace i fontanny.

Obraz

W malarstwie kultura artystyczna Europy Oświecenia rozwinęła się w kierunku większego sekularyzmu. Zasada religijna traciła na znaczeniu nawet w tych krajach, w których wcześniej czuła się całkiem pewnie: w Austrii, Włoszech, Niemczech. Malarstwo pejzażowe zastąpiło pejzaż nastrojowy, a portret intymny portret formalny.

W pierwszej połowie XVIII wieku we francuskiej kulturze Oświecenia narodził się styl rokoko. Taka sztuka opierała się na asymetrii, była prześmiewcza, żartobliwa i pretensjonalna. Ulubionymi bohaterami artystów tego ruchu były bachantki, nimfy, Wenus, Diana i inne postacie ze starożytnej mitologii, a głównymi tematami były miłosne.

Uderzającym przykładem francuskiego rokoka jest dzieło Francois Bouchera, zwanego także „pierwszym artystą króla”. Malował dekoracje teatralne, ilustracje do książek i obrazy dla bogatych domów i pałaców. Jego najsłynniejsze obrazy: „Toaleta Wenus”, „Triumf Wenus” itp.

Wręcz przeciwnie, Antoine Watteau zwrócił się bardziej ku współczesnemu życiu. Pod jego wpływem rozwinął się styl największego angielskiego portrecisty Thomasa Gainsborougha. Jego obrazy wyróżniały się duchowością, duchowym wyrafinowaniem i poezją.

Głównym malarzem włoskim XVIII wieku był Giovanni Tiepolo. Ten mistrz rycin i fresków uważany jest przez historyków sztuki za ostatniego wielkiego przedstawiciela szkoły weneckiej. W stolicy słynnej republiki handlowej powstała także weduta – codzienny pejzaż miejski. Najbardziej znanymi twórcami tego gatunku byli Francesco Guardi i Antonio Canaletto. Te postacie kulturalne Oświecenia pozostawiły po sobie ogromną liczbę imponujących obrazów.

Teatr

Wiek XVIII to złoty wiek teatru. W epoce oświecenia ta forma sztuki osiągnęła szczyt popularności i rozpowszechnienia. W Anglii największym dramaturgiem był Richard Sheridan. Jego najsłynniejsze dzieła, „Wycieczka do Scarborough”, „Szkoła skandalu” i „Rywale”, były satyrą na niemoralność burżuazji.

Kultura teatralna Europy w okresie Oświecenia najdynamiczniej rozwijała się w Wenecji, gdzie działało jednocześnie 7 teatrów. Tradycyjny coroczny karnawał miejski przyciągał gości z całego Starego Świata. Autor słynnej „Tawerny” Carlo Goldoni pracował w Wenecji. Ten dramaturg, który napisał łącznie 267 dzieł, był szanowany i ceniony przez Voltaire'a.

Najsłynniejszą komedią XVIII wieku było Wesele Figara, napisane przez wielkiego Francuza Beaumarchais. Spektakl ten ucieleśniał nastroje społeczeństwa, które miało negatywny stosunek do monarchii absolutnej Burbonów. Kilka lat po publikacji i pierwszym wystawieniu komedii we Francji doszło do rewolucji, która obaliła stary reżim.

Kultura europejska w okresie Oświecenia nie była jednorodna. W niektórych krajach ich własne cechy narodowe powstały w sztuce. Na przykład niemieccy dramatopisarze (Schiller, Goethe, Lessing) napisali swoje najwybitniejsze dzieła z gatunku tragedii. Co więcej, teatr oświecenia w Niemczech pojawił się kilkadziesiąt lat później niż we Francji czy Anglii.

Johann Goethe był nie tylko wspaniałym poetą i dramaturgiem. Nie bez powodu nazywany jest „uniwersalnym geniuszem” – koneserem i teoretykiem sztuki, naukowcem, powieściopisarzem i specjalistą w wielu innych dziedzinach. Jego najważniejsze dzieła to tragedia „Faust” i sztuka „Egmont”. Kolejna wybitna postać niemieckiego oświecenia, nie tylko napisała „Przebiegłość i miłość” oraz „Zbójców”, ale pozostawiła po sobie dzieła naukowe i historyczne.

Fikcja

Głównym gatunkiem literackim XVIII wieku była powieść. To dzięki nowym księgom nastąpił triumf kultury burżuazyjnej, zastępując starą ideologię feudalną. Aktywnie publikowano prace nie tylko pisarzy artystycznych, ale także socjologów, filozofów i ekonomistów.

Powieść jako gatunek wyrosła z dziennikarstwa edukacyjnego. Z jego pomocą myśliciele XVIII wieku znaleźli nową formę wyrażania swoich idei społecznych i filozoficznych. Jonathan Swift, autor Podróży Guliwera, umieścił w swojej twórczości wiele aluzji do wad współczesnego mu społeczeństwa. Napisał także „Opowieść o motylu”. W tej broszurze Swift wyśmiewał ówczesny porządek kościelny i konflikty.

Rozwój kultury w okresie Oświecenia można prześledzić poprzez pojawienie się nowych gatunków literackich. W tym czasie powstała powieść epistolarna (powieść listowa). Było to na przykład sentymentalne dzieło Johanna Goethego „Cierpienia młodego Wertera”, w którym główny bohater popełnił samobójstwo, a także „Listy perskie” Monteskiusza. Powieści dokumentalne pojawiały się w gatunku dzienników podróżniczych lub opisów podróży („Podróże po Francji i Włoszech” Tobiasa Smolletta).

W literaturze kultura Oświecenia w Rosji kierowała się nakazami klasycyzmu. W XVIII wieku pracowali poeci Aleksander Sumarokow, Wasilij Trediakowski i Antioch Cantemir. Pojawiły się pierwsze pędy sentymentalizmu (wspomniany już Karamzin z „Biedną Lizą” i „Natalią, córką bojara”). Kultura oświecenia w Rosji stworzyła wszelkie warunki, aby literatura rosyjska, na czele z Puszkinem, Lermontowem i Gogolem, przeżyła swój złoty wiek już na początku nowego XIX wieku.

Muzyka

Współczesny język muzyczny pojawił się w okresie Oświecenia. Za jej założyciela uważa się Johanna Bacha. Ten wielki kompozytor tworzył dzieła wszystkich gatunków (wyjątek stanowiła opera). Bach do dziś uważany jest za niedoścignionego mistrza polifonii. Inny niemiecki kompozytor, George Handel, napisał ponad 40 oper, a także liczne sonaty i suity. Inspirację czerpał, podobnie jak Bach, z opowieści biblijnych (charakterystyczne tytuły dzieł: „Izrael w Egipcie”, „Saul”, „Mesjasz”).

Kolejnym ważnym fenomenem muzycznym tamtych czasów była szkoła wiedeńska. Dzieła jej przedstawicieli do dziś są wykonywane przez orkiestry akademickie, dzięki czemu współczesny człowiek może dotknąć dziedzictwa pozostawionego przez kulturę Oświecenia. Wiek XVIII kojarzy się z nazwiskami takich geniuszy jak Wolfgang Mozart, Joseph Haydn, Ludwig Van Beethoven. To właśnie ci wiedeńscy kompozytorzy przemyśleli na nowo dotychczasowe formy i gatunki muzyczne.

Haydna uważa się za ojca symfonii klasycznej (napisał ich ponad sto). Wiele z tych dzieł opierało się na tańcach i pieśniach ludowych. Szczytem twórczości Haydna jest cykl symfonii londyńskich, pisanych przez niego podczas podróży do Anglii. Kultura Oświecenia, czy jakikolwiek inny okres w historii ludzkości, rzadko wydawała tak płodnych artystów. Oprócz symfonii Haydn napisał 83 kwartety, 13 mszy, 20 oper i 52 sonaty klawiszowe.

Mozart nie tylko pisał muzykę. Bezkonkurencyjnie grał na klawesynie i skrzypcach, opanowawszy te instrumenty już we wczesnym dzieciństwie. Jego opery i koncerty wyróżniają się różnorodnością nastrojów (od tekstów poetyckich po zabawę). Za główne dzieła Mozarta uważa się trzy symfonie napisane w tym samym roku 1788 (nr 39, 40, 41).

Inny wielki klasyk, Beethoven, lubił tematykę heroiczną, co znalazło odzwierciedlenie w uwerturach „Egmont”, „Coriolanus” i operze „Fidelio”. Jako wykonawca zadziwiał swoich współczesnych grą na fortepianie. Beethoven napisał na ten instrument 32 sonaty. Kompozytor większość swoich dzieł stworzył w Wiedniu. Jest także właścicielem 10 sonat na skrzypce i fortepian (najsłynniejsza jest Sonata Kreutzera).

Beethoven cierpiał na poważną utratę słuchu. Kompozytor miał skłonności samobójcze i w rozpaczy napisał swoją legendarną sonatę „Księżycową”. Jednak nawet straszliwa choroba nie złamała woli artysty. Pokonawszy własną apatię, Beethoven napisał o wiele więcej dzieł symfonicznych.

Oświecenie angielskie

Anglia była kolebką europejskiego oświecenia. W tym kraju wcześniej niż w innych, już w XVII wieku, miała miejsce rewolucja burżuazyjna, która dała impuls rozwojowi kulturalnemu. Anglia stała się wyraźnym przykładem postępu społecznego. Filozof John Locke był jednym z pierwszych i głównych teoretyków idei liberalnej. Pod wpływem jego pism powstał najważniejszy dokument polityczny epoki oświecenia – Amerykańska Deklaracja Niepodległości. Locke uważał, że wiedza człowieka jest determinowana przez percepcję zmysłową i doświadczenie, co obalało popularną wcześniej filozofię Kartezjusza.

Innym ważnym myślicielem brytyjskim XVIII wieku był David Hume. Ten filozof, ekonomista, historyk, dyplomata i publicysta zaktualizował naukę o moralności. Jego współczesny Adam Smith stał się twórcą nowoczesnej teorii ekonomii. Krótko mówiąc, kultura Oświecenia wyprzedziła wiele współczesnych koncepcji i idei. Praca Smitha była dokładnie taka. Jako pierwszy zrównał znaczenie rynku ze znaczeniem państwa.

Myśliciele Francji

Filozofowie francuscy XVIII wieku działali w opozycji do istniejącego wówczas systemu społeczno-politycznego. Rousseau, Diderot, Monteskiusz – wszyscy protestowali przeciwko porządkowi wewnętrznemu. Krytyka mogła przybierać różne formy: ateizm, idealizowanie przeszłości (chwalono republikańskie tradycje starożytności) itp.

35-tomowa Encyklopedia stała się wyjątkowym fenomenem kultury oświecenia. W jego skład wchodzili główni myśliciele „wieku rozumu”. Inspiratorem i redaktorem naczelnym tej epokowej publikacji byli Julien La Mettrie, Claude Helvetius i inni wybitni intelektualiści XVIII wieku, którzy współtworzyli poszczególne tomy.

Monteskiusz ostro krytykował arbitralność i despotyzm władzy. Dziś słusznie uważany jest za twórcę burżuazyjnego liberalizmu. Voltaire stał się przykładem wybitnego dowcipu i talentu. Był autorem wierszy satyrycznych, powieści filozoficznych i traktatów politycznych. Myśliciel dwukrotnie trafiał do więzienia, a jeszcze częściej musiał uciekać. To Voltaire stworzył modę na wolnomyślicielstwo i sceptycyzm.

Oświecenie niemieckie

Kultura niemiecka XVIII wieku istniała w warunkach politycznego rozbicia kraju. Postępowe umysły opowiadały się za odrzuceniem pozostałości feudalnych i jedności narodowej. W przeciwieństwie do filozofów francuskich, myśliciele niemieccy byli ostrożni w kwestiach związanych z kościołem.

Podobnie jak kultura rosyjska doby Oświecenia, kultura pruska kształtowała się przy bezpośrednim udziale autokratycznego monarchy (w Rosji była to Katarzyna II, w Prusach Fryderyk Wielki). Głowa państwa zdecydowanie popierała postępowe ideały swoich czasów, choć nie wyrzekła się nieograniczonej władzy. System ten nazwano „oświeconym absolutyzmem”.

Główną postacią oświecenia w Niemczech w XVIII wieku był Immanuel Kant. W 1781 roku opublikował fundamentalne dzieło „Krytyka czystego rozumu”. Filozof opracował nową teorię wiedzy i badał możliwości ludzkiej inteligencji. To on uzasadnił metody walki i formy prawne zmiany ustroju społecznego i państwowego, z wyłączeniem rażącej przemocy. Kant wniósł znaczący wkład w stworzenie teorii rządów prawa.

Raport na temat: „Muzyka w epoce oświecenia” W epoce oświecenia nastąpił bezprecedensowy rozwój sztuki muzycznej. Po reformie przeprowadzonej przez K.V. Glucka (1714–1787) opera stała się sztuką syntetyczną, łączącą w jednym przedstawieniu muzykę, śpiew i złożoną akcję dramatyczną. F. podniesiony do najwyższego poziomu sztuki klasycznej.

J. Haydn (1732–1809) muzyka instrumentalna. Szczytem kultury muzycznej Oświecenia jest twórczość J. S. Bacha (1685–1750) i W. A. ​​Mozarta (1756–1791). Ideał oświecenia ujawnia się szczególnie wyraźnie w operze Mozarta „Czarodziejski flet” (1791), którą wyróżnia kult rozumu, światła i idea człowieka jako korony Wszechświata. Sztuka operowa XVIII wieku Reforma opery drugiej połowy XVIII wieku. miała głównie charakter literacki

ruch. Jej protoplastą był francuski pisarz i filozof J. J. Rousseau. Rousseau studiował także muzykę i jeśli w filozofii nawoływał do powrotu do natury, to w gatunku operowym opowiadał się za powrotem do prostoty. W 1752 roku, na rok przed udaną paryską premierą Dziewicy i Madame Pergolesiego, Rousseau skomponował własną operę komiczną Wiejski czarnoksiężnik, po której nastąpiła żrąca

Listy o muzyce francuskiej, gdzie Rameau stał się głównym obiektem ataku. Włochy. Po Monteverdim we Włoszech pojawiali się kolejno kompozytorzy operowi, tacy jak Cavalli, Alessandro Scarlatti (ojciec Domenico Scarlattiego, najwybitniejszego autora dzieł na klawesyn), Vivaldi i Pergolesi. Powstanie opery komicznej. Z Neapolu wywodzi się inny rodzaj opery – opera buffa, która powstała jako naturalna

reakcja na operę seria. Zamiłowanie do tego typu opery szybko rozprzestrzeniło się na miasta europejskie – Wiedeń, Paryż, Londyn. Od dawnych władców, Hiszpanów, którzy rządzili Neapolem od 1522 do 1707 roku, miasto odziedziczyło tradycję komedii ludowej. Potępiana przez surowych nauczycieli w konserwatoriach komedia, jednak urzekała uczniów. Jeden z nich, G. B. Pergolesi (1710–1736), w wieku 23 lat napisał intermezzo, czyli krótki komiks

opera Pokojówka i kochanka (1733). Kompozytorzy komponowali już wcześniej intermezza (grane najczęściej pomiędzy aktami opery seria), jednak twórczość Pergolesiego okazała się oszałamiającym sukcesem. Jego libretto nie opowiadało o wyczynach starożytnych bohaterów, ale o sytuacji zupełnie współczesnej. Główni bohaterowie należeli do typów znanych z „commedia dell’arte” – tradycyjnej włoskiej komedii improwizacyjnej ze standardowym zestawem ról komicznych.

Gatunek opery buffa przeżył niezwykły rozwój w twórczości takich późnych neapolitańczyków, jak G. Paisiello (1740–1816) i D. Cimarosa (1749–1801), nie wspominając o operach komicznych Glucka i Mozarta. Francja. We Francji Lully’ego zastąpił Rameau, który dominował na scenie operowej przez całą pierwszą połowę XVIII wieku. Francuską analogią opery buffa była „opera komiczna” (opera comique).

Autorzy tacy jak F. Philidor (1726–1795), P. A. Monsigny (1729–1817) i A. Grétry (1741–1813) wzięli sobie do serca pergolezjańską kpinę z tradycji i opracowali własny model opery komicznej, która zgodnie z W gustach galijskich przewidziano wprowadzenie scen mówionych zamiast recytatywów. Niemcy. Uważa się, że w Niemczech opera była mniej rozwinięta. Faktem jest, że wielu niemieckich kompozytorów operowych pracowało na zewnątrz

Niemcy – Handel w Anglii, Gasse we Włoszech, Gluck w Wiedniu i Paryżu, natomiast niemieckie teatry dworskie zajęły modne zespoły włoskie. Singspiel, lokalny odpowiednik opery buffa i francuskiej opery komicznej, rozpoczął swój rozwój później niż w krajach łacińskich. Pierwszym przykładem tego gatunku był „Diabeł jest wolny” I. A. Hillera (1728–1804), napisany w 1766 r., 6 lat przed śmiercią Mozarta.

Uprowadzenia z seraju. Jak na ironię, wielcy niemieccy poeci Goethe i Schiller inspirowali nie krajowych, ale włoskich i francuskich kompozytorów operowych. Austria. Opera w Wiedniu została podzielona na trzy główne kierunki. Wiodące miejsce zajmowała poważna opera włoska (włoska opera seria), w której w atmosferze wielkiej tragedii żyli i umierali klasyczni bohaterowie i bogowie. Mniej formalna była opera komiczna (opera buffa).

na fabule Arlekina i Kolombiny z włoskiej komedii (commedia dell'arte), w otoczeniu bezwstydnych lokajów, ich zniedołężniałych panów oraz wszelkiego rodzaju łotrów i oszustów.Wraz z tymi włoskimi formami rozwinęła się niemiecka opera komiczna (singspiel), której Być może sukces polegał na używaniu dostępnego dla ogółu społeczeństwa ojczystego języka niemieckiego. Jeszcze przed rozpoczęciem kariery operowej Mozarta

Gluck opowiadał się za powrotem do prostoty XVII-wiecznej opery, której fabuły nie zagłuszały długie arie solowe, co opóźniało rozwój akcji i było jedynie okazją do zademonstrowania przez śpiewaków siły głosu. Siłą swojego talentu Mozart połączył te trzy kierunki. Jeszcze jako nastolatek napisał po jednej operze każdego rodzaju. Jako dojrzały kompozytor kontynuował twórczość we wszystkich trzech kierunkach, pomimo tradycji opery seria

wyblakły. Platonova Vera, 11 klasa A

Wyślij swoją dobrą pracę do bazy wiedzy jest prosta. Skorzystaj z poniższego formularza

Studenci, doktoranci, młodzi naukowcy, którzy wykorzystują bazę wiedzy w swoich studiach i pracy, będą Państwu bardzo wdzięczni.

Opublikowano na http://www.allbest.ru

" Sztuka muzyczna wuhnie przejmuj sięPświt"

Uczniowie grupy 1ESTO

Olga Syrowaczenko

eraPświt

Wiek Oświecenia to jedna z kluczowych epok w historii kultury europejskiej, związana z rozwojem myśli naukowej, filozoficznej i społecznej. Ten ruch intelektualny opierał się na racjonalizmie i wolnomyślicielstwie. Począwszy od Anglii, ruch ten rozprzestrzenił się na Francję, Niemcy, Rosję i objął inne kraje europejskie. Szczególny wpływ wywarli francuscy oświeceniowcy, którzy stali się „mistrzami myśli”.

Sztukę muzyczną można postawić na równi z teatrem i sztuką literacką. Opery i inne dzieła muzyczne powstały na tematy dzieł wielkich pisarzy i dramaturgów.

W drugiej połowie XVIII w. wyłoniła się sztuka wiedeńskiej klasycznej szkoły muzycznej, która odegrała decydującą rolę w całej późniejszej europejskiej kulturze muzycznej.

Rozwój sztuki muzycznej wiąże się przede wszystkim z nazwiskami tak wielkich kompozytorów jak I.S. Bach, G.F. Handel, J. Haydn, VA Mozarta, LW Beethovena.

Franciszka Józefa Haydna

Franz Joseph Haydn (31 marca 1732 - 31 maja 1809) był austriackim kompozytorem, przedstawicielem wiedeńskiej szkoły klasycznej, jednym z twórców takich gatunków muzycznych jak symfonia i kwartet smyczkowy. Twórca melodii, która później stała się podstawą hymnów Niemiec i Austro-Węgier.

Młodzież. Joseph Haydn (sam kompozytor nigdy nie nazywał siebie Franzem) urodził się 31 marca 1732 roku w majątku hrabiów Harrach – w dolnoaustriackiej wsi Rohrau, niedaleko granicy z Węgrami, w rodzinie Matthiasa Haydna (1699-1763). ). Rodzice, którzy poważnie interesowali się śpiewem i amatorskim tworzeniem muzyki, odkryli u chłopca zdolności muzyczne i w 1737 wysłali go do krewnych w mieście Hainburg an der Donau, gdzie Józef rozpoczął naukę śpiewu chóralnego i muzyki. W 1740 roku Józefa zauważył Georg von Reutter, dyrektor kaplicy wiedeńskiego kościoła św. Stefana. Reutter przyjął utalentowanego chłopca do chóru, w którym śpiewał przez dziewięć lat (w tym kilka lat u młodszych braci).

Śpiewanie w chórze było dla Haydna dobrą, ale jedyną szkołą. W miarę rozwoju jego umiejętności przydzielano mu trudne partie solowe. Wraz z chórem Haydn często występował na miejskich festynach, weselach, pogrzebach, brał udział w uroczystościach dworskich.

W 1749 roku głos Józefa zaczął się łamać i został wyrzucony z chóru. Kolejne dziesięć lat było dla niego bardzo trudne. Josef podejmował różne prace, m.in. był sługą włoskiego kompozytora Nicoli Porpory, u którego pobierał także lekcje kompozycji. Haydn starał się uzupełniać luki w swojej edukacji muzycznej, pilnie studiując twórczość Emmanuela Bacha i teorię kompozycji. Napisane w tym czasie sonaty klawesynowe zostały opublikowane i wzbudziły zainteresowanie. Jego pierwszymi większymi dziełami były dwie msze brevis, F-dur i G-dur, napisane przez Haydna w 1749 roku, zanim opuścił kaplicę św. Stefana; opera „Kulawy demon” (niezachowana); około kilkunastu kwartetów (1755), pierwsza symfonia (1759).

W 1759 roku kompozytor otrzymał stanowisko kapelmistrza na dworze hrabiego Karla von Morzina, gdzie Haydn znalazł się z małą orkiestrą, dla której kompozytor skomponował swoje pierwsze symfonie. Jednak von Mortzin wkrótce zaczął doświadczać trudności finansowych i przerwał swój projekt muzyczny.

W 1760 roku Haydn poślubił Marię Annę Keller. Nie mieli dzieci, czego kompozytor bardzo żałował.

Obsługa w Esterhazy. W roku 1761 w życiu Haydna miało miejsce fatalne wydarzenie – został on drugim kapelmistrzem na dworze książąt Esterhazy, jednego z najbardziej wpływowych i potężnych rodów arystokratycznych w Austrii. Do obowiązków kapelmistrza należało komponowanie muzyki, prowadzenie orkiestry, granie muzyki kameralnej dla mecenasa oraz wystawianie oper.

W ciągu niemal trzydziestoletniej kariery na dworze Esterhazy kompozytor skomponował ogromną liczbę utworów, a jego sława stale rośnie. W 1781 roku podczas pobytu w Wiedniu Haydn poznał i zaprzyjaźnił się z Mozartem. Lekcje muzyki udzielał Zygmuntowi von Neukom, który później został jego bliskim przyjacielem.

11 lutego 1785 roku Haydn został inicjowany w loży masońskiej „W stronę prawdziwej harmonii” („Zur wahren Eintracht”). Mozart nie mógł być obecny na poświęceniu, ponieważ był na koncercie ze swoim ojcem Leopoldem.

Przez cały XVIII wiek w wielu krajach (Włochy, Niemcy, Austria, Francja i inne) miały miejsce procesy kształtowania się nowych gatunków i form muzyki instrumentalnej, które ostatecznie ukształtowały się i osiągnęły swój szczyt w tzw. Wiedeńska szkoła klasyczna” – w twórczości Haydna, Mozarta i Beethovena. Zamiast faktury polifonicznej duże znaczenie zyskała faktura homofoniczno-harmoniczna, ale jednocześnie w dużych utworach instrumentalnych często pojawiały się epizody polifoniczne, dynamizujące tkankę muzyczną.

Znowu wolny muzyk. W 1790 roku zmarł książę Mikołaj Esterhazy (angielski) rosyjski, a jego syn i następca, książę Anton (angielski) rosyjski, nie będąc miłośnikiem muzyki, rozwiązał orkiestrę. W 1791 roku Haydn otrzymał kontrakt na pracę w Anglii. Następnie intensywnie pracował w Austrii i Wielkiej Brytanii. Dwie podróże do Londynu, gdzie napisał swoje najlepsze symfonie na koncerty Salomona, jeszcze bardziej ugruntowały sławę Haydna.

Przejeżdżając przez Bonn w 1792 roku, poznał młodego Beethovena i przyjął go jako studenta.

Haydn osiadł wówczas w Wiedniu, gdzie napisał swoje dwa słynne oratoria: Stworzenie świata (1799) i Pory roku (1801).

Haydn próbował swoich sił we wszystkich rodzajach kompozycji muzycznej, jednak nie we wszystkich gatunkach jego twórczość objawiała się z równą siłą.

W dziedzinie muzyki instrumentalnej słusznie uznawany jest za jednego z najwybitniejszych kompozytorów drugiej połowy XVIII i początków XIX wieku.

Wielkość Haydna jako kompozytora była najbardziej widoczna w jego dwóch ostatnich dziełach: wielkich oratoriach „Stworzenie świata” (1798) i „Pory roku” (1801). Oratorium „Pory roku” może służyć jako wzorcowy standard muzycznego klasycyzmu. Pod koniec życia Haydn cieszył się ogromną popularnością.

Praca nad oratoriami osłabiła siłę kompozytora. Jego ostatnimi dziełami były „Harmoniemesse” (1802) i niedokończony kwartet smyczkowy op. 103 (1802). Ostatnie szkice pochodzą z 1806 roku, po tej dacie Haydn nie napisał już nic więcej. Kompozytor zmarł w Wiedniu 31 maja 1809 roku.

Twórczy dorobek kompozytora obejmuje 104 symfonie, 83 kwartety, 52 sonaty fortepianowe, oratoria (Stworzenie świata i Pory roku), 14 mszy, 24 opery.

Lista esejów:

Muzyka kameralna:

§ 12 sonat na skrzypce i fortepian (m.in. sonata e-moll, sonata D-dur)

§ 83 kwartety smyczkowe na dwoje skrzypiec, altówkę i wiolonczelę

§ 7 Duety na skrzypce i altówkę

§ 40 trio na fortepian, skrzypce (lub flet) i wiolonczelę

§ 21 trio na 2 skrzypiec i wiolonczelę

§ 126 trio na baryton, altówkę (skrzypce) i wiolonczelę

§ 11 trio na instrumenty dęte mieszane i smyczki

35 koncertów na jeden lub więcej instrumentów z orkiestrą, w tym:

§ cztery koncerty na skrzypce i orkiestrę

§ dwa koncerty na wiolonczelę i orkiestrę

§ dwa koncerty na róg i orkiestrę

§ 11 Koncerty na fortepian i orkiestrę

§ 6 Koncerty organowe

§ 5 koncertów na liry dwukołowe

§ 4 Koncerty na baryton i orkiestrę

§ Koncert na kontrabas i orkiestrę

§ Koncert na flet i orkiestrę

§ Koncert na trąbkę i orkiestrę

§ 13 zabawy z clavierem

W sumie są 24 opery, w tym:

§ „Kulawy demon” (Der krumme Teufel), 1751

§ „Prawdziwa trwałość”

§ „Orfeusz i Eurydyka, czyli dusza filozofa”, 1791

§ „Asmodeusz, czyli nowy kulawy demon”

§ „Farmaceuta”

§ „Acis i Galatea”, 1762

§ „Bezludna Wyspa” (L”lsola disabitata)

§ „Armida”, 1783

§ „Rybaczki” (Le Pescatrici), 1769

§ „Oszukana niewierność” (L"Infedelta delusa)

§ „Nieprzewidziane spotkanie” (L”Incontro improviso), 1775

§ „Świat księżycowy” (II Mondo della luna), 1777

§ „Prawdziwa stałość” (La Vera costanza), 1776

§ „Lojalność nagrodzona” (La Fedelta premiata)

§ „Roland Paladyn” (Orlando Рaladino), opera heroiczno-komiczna oparta na fabule poematu Ariosto „Roland Wściekły”

14 oratoriów, w tym:

§ „Stworzenie świata”

§ "Pory roku"

§ „Siedem słów Zbawiciela na krzyżu”

§ „Powrót Tobiasza”

§ Alegoryczne kantata-oratorium „Brawa”

§ hymn oratoryjny Stabat Mater

14 mszy, w tym:

§ mała msza (Missa brevis, F-dur, ok. 1750 r.)

§ duża masa narządów Es-dur (1766)

§ Msza św. Mikołaja (Missa in honorem Sancti Nicolai, G-dur, 1772)

§ Msza św. Caeciliae (Missa Sanctae Caeciliae, c-moll, między 1769 a 1773)

§ mała masa narządów (B-dur, 1778)

§ Mariazellermesse, C-dur, 1782

§ Msza z kotłami, czyli Msza w czasie wojny (Paukenmesse, C-dur, 1796)

§ Masowe Heiligmesse (B-dur, 1796)

§ Nelson-Messe, d-moll, 1798

§ Msza Teresy (Theresienmesse, B-dur, 1799)

§ Msza o tematyce z oratorium „Stworzenie świata” (Schopfungsmesse, B-dur, 1801)

§ Msza z instrumentami dętymi (Harmoniemesse, B-dur, 1802)

Łącznie 104 symfonie, w tym:

§ „Pożegnalna symfonia”

§ „Symfonia Oksfordzka”

§ „Symfonia pogrzebowa”

§ 6 Symfonie paryskie (1785-1786)

§ 12 Symfonie Londyńskie (1791-1792, 1794-1795), w tym Symfonia nr 103 „Z kotłami tremolo”

§ 66 Przesunięcia i kasacje

Utwory na fortepian:

§ Fantazje, wariacje

§ 52 sonaty fortepianowe

LudwikVBeethovena

Ludwig van Beethoven to niemiecki kompozytor, dyrygent i pianista, jeden z trzech „klasyków wiedeńskich”.

Beethoven to kluczowa postać zachodniej muzyki klasycznej okresu między klasycyzmem a romantyzmem, jeden z najbardziej szanowanych i wykonywanych kompozytorów na świecie. Pisał we wszystkich gatunkach, jakie istniały w jego czasach, włączając w to operę, muzykę do przedstawień dramatycznych i dzieła chóralne. Za najważniejsze dzieła jego dziedzictwa uważa się dzieła instrumentalne: sonaty fortepianowe, skrzypcowe i wiolonczelowe, koncerty na fortepian, skrzypce, kwartety, uwertury, symfonie. Twórczość Beethovena wywarła znaczący wpływ na symfonię XIX i XX wieku.

Ludwig van Beethoven urodził się w grudniu 1770 roku w Bonn. Dokładna data urodzenia nie została ustalona, ​​przypuszcza się, że jest to 16 grudnia, znana jest jedynie data chrztu – 17 grudnia 1770 r. w Bonn w kościele katolickim św. Remigiusza. Jego ojciec Johann ( Johanna van Beethovena, 1740-1792) była śpiewaczką, tenorem, w kaplicy dworskiej matki Marii Magdaleny, przed ślubem Kevericha ( Marii Magdaleny Keverich, 1748-1787), była córką nadwornego szefa kuchni w Koblencji, pobrali się w 1767 roku. Dziadek Ludwig (1712-1773) służył w tej samej kaplicy co Johann, najpierw jako śpiewak, bas, a następnie jako kapelmistrz. Pochodził z Mechelen w południowej Holandii, stąd przedrostek „van” w jego nazwisku. Ojciec kompozytora zapragnął uczynić z syna drugiego Mozarta i zaczął uczyć go gry na klawesynie i skrzypcach. W 1778 r. w Kolonii odbył się pierwszy występ chłopca. Beethoven nie stał się jednak cudownym dzieckiem, ojciec powierzył chłopca swoim kolegom i przyjaciołom. Jeden uczył Ludwiga gry na organach, drugi gry na skrzypcach.

W 1780 roku do Bonn przybył organista i kompozytor Christian Gottlob Nefe. Stał się prawdziwym nauczycielem Beethovena. Nefe od razu zorientowała się, że chłopak ma talent. Zapoznał Ludwiga z Well-Tempered Clavier Bacha i twórczością Handla, a także z muzyką starszych mu współczesnych: F.E. Bacha, Haydna i Mozarta. Dzięki Nefie ukazało się pierwsze dzieło Beethovena – wariacje na temat marszu Dresslera. Beethoven miał wtedy dwanaście lat i pracował już jako asystent nadwornego organisty.

Po śmierci dziadka sytuacja finansowa rodziny uległa pogorszeniu. Ludwig musiał wcześniej opuścić szkołę, ale nauczył się łaciny, włoskiego i francuskiego i dużo czytał. Będąc już dorosłym kompozytor przyznał w jednym z listów:

Do ulubionych pisarzy Beethovena należą starożytni greccy autorzy Homer i Plutarch, angielski dramaturg Szekspir oraz niemieccy poeci Goethe i Schiller.

W tym czasie Beethoven zaczął komponować muzykę, ale nie spieszył się z publikacją swoich dzieł. Wiele z tego, co napisał w Bonn, zostało później przez niego poprawionych. Z młodzieńczej twórczości kompozytora znane są trzy sonaty dziecięce i kilka pieśni, m.in. „Świstak”.

Beethoven dowiedział się o chorobie matki i wrócił do Bonn. Zmarła 17 lipca 1787 r. Siedemnastoletni chłopiec został zmuszony do zostania głową rodziny i opiekowania się młodszymi braćmi. Do orkiestry dołączył jako altowiolista. Wystawiane są tu opery włoskie, francuskie i niemieckie. Szczególnie silne wrażenie na młodym człowieku wywarły opery Glucka i Mozarta.

W 1789 roku Beethoven chcąc kontynuować naukę, zaczął uczęszczać na wykłady na uniwersytecie. Właśnie w tym czasie do Bonn docierają wieści o rewolucji we Francji. Jeden z profesorów uczelni publikuje zbiór wierszy gloryfikujących rewolucję. Beethoven to subskrybuje. Następnie komponuje „Pieśń o wolnym człowieku”, w której znajdują się słowa: „Wolny jest ten, dla którego zalety urodzenia i tytułu nic nie znaczą”.

Mieszkając w Bonn wstąpił do masonerii. Nie ma dokładnej daty jego rozpoczęcia. Wiadomo tylko, że masonem został jeszcze w młodym wieku. Dowodem masonerii Beethovena jest list napisany przez kompozytora do masona Franza Wegelera, w którym wyraża on zgodę na zadedykowanie masonerii jednej ze swoich kantat, zwanej „Das Werk Beginnt!”. Wiadomo też, że z biegiem czasu Beethoven stracił zainteresowanie masonerią i nie brał czynnego udziału w jej działalności.

Haydn w drodze z Anglii zatrzymał się w Bonn. Z aprobatą wypowiadał się o eksperymentach kompozytorskich Beethovena. Młody człowiek postanawia wyjechać do Wiednia, aby pobierać lekcje u słynnego kompozytora, gdyż po powrocie z Anglii Haydn staje się jeszcze bardziej sławny. Jesienią 1792 roku Beethoven opuścił Bonn.

Pierwsze dziesięć lat w Wiedniu. Po przybyciu do Wiednia Beethoven rozpoczął naukę u Haydna, a następnie twierdził, że Haydn niczego go nie nauczył; Zajęcia szybko rozczarowały zarówno ucznia, jak i nauczyciela. Beethoven uważał, że Haydn nie był wystarczająco uważny na jego wysiłki; Haydna przeraziły nie tylko śmiałe wówczas poglądy Ludwiga, ale także dość ponure melodie, które były rzadkością w tamtych latach.

Wkrótce Haydn wyjechał do Anglii i przekazał swojego ucznia słynnemu nauczycielowi i teoretykowi Albrechtsbergerowi. Ostatecznie sam Beethoven wybrał swojego mentora – Antonio Salieri.

Już w pierwszych latach swojego życia w Wiedniu Beethoven zyskał sławę jako pianista-wirtuoz. Jego występ zadziwił publiczność.

Beethoven odważnie kontrastował skrajne rejestry (a grały wówczas głównie w środku), szeroko wykorzystywał pedał (wówczas też był rzadko używany) i posługiwał się masywnymi harmoniami akordowymi. Właściwie to on stworzył styl fortepianowy dalekie od przepięknie koronkowej maniery klawesynistów.

Styl ten odnaleźć można w jego sonatach fortepianowych nr 8 „Pathetique” (tytuł nadany przez samego kompozytora), nr 13 i nr 14. Obie posiadają podtytuł autorski Sonata quasi fantastyki(„w duchu fantazji”). Poeta Relshtab nazwał później XIV Sonatę „Światłem księżyca” i choć nazwa ta pasuje tylko do części pierwszej, a nie do finału, utkwiła w pamięci całego utworu.

Beethoven wyróżniał się także swoim wyglądem wśród ówczesnych pań i panów. Niemal zawsze znajdowano go niedbale ubranego i zaniedbanego.

Innym razem Beethoven odwiedził księcia Lichnowskiego. Lichnowski darzył kompozytora wielkim szacunkiem i był miłośnikiem jego muzyki. Chciał, żeby Beethoven zagrał przed publicznością. Kompozytor odmówił. Lichnowski zaczął nalegać, a nawet kazał wyważyć drzwi pokoju, w którym zamknął się Beethoven. Oburzony kompozytor opuścił majątek i wrócił do Wiednia. Następnego ranka Beethoven wysłał Lichnowskiemu list: „ Książę! To kim jestem, zawdzięczam sobie. Tysiące książąt istnieje i będzie istnieć, ale Beethoven - tylko jeden!»

Dzieła Beethovena zaczęły być szeroko publikowane i cieszyły się powodzeniem. W ciągu pierwszych dziesięciu lat spędzonych w Wiedniu powstało dwadzieścia sonat fortepianowych i trzy koncerty fortepianowe, osiem sonat skrzypcowych, kwartetów i innych dzieł kameralnych, oratorium „Chrystus na Górze Oliwnej”, balet „Dzieła Prometeusza”, Pierwsze i Powstały Drugie Symfonie.

W 1796 roku Beethoven zaczął tracić słuch. Rozwija się zapalenie ucha środkowego, zapalenie ucha wewnętrznego, które prowadzi do dzwonienia w uszach. Za radą lekarzy udaje się na dłuższy czas do małego miasteczka Heiligenstadt. Jednak spokój i cisza nie poprawiają jego samopoczucia. Beethoven zaczyna rozumieć, że głuchota jest nieuleczalna. W tych tragicznych dniach pisze list, który później będzie nazwany testamentem Heiligenstadt. Kompozytor opowiada o swoich przeżyciach i przyznaje, że był bliski samobójstwa:

W Heiligenstadt kompozytor rozpoczyna pracę nad nową III Symfonią, którą nazwie Heroiczną.

W wyniku głuchoty Beethovena zachowały się unikalne dokumenty historyczne: „zeszyty rozmów”, w których przyjaciele Beethovena spisali dla niego swoje uwagi, na które on odpowiedział ustnie lub w formie odpowiedzi.

Jednak muzyk Schindler, który miał dwa zeszyty z nagraniami rozmów Beethovena, najwyraźniej je spalił, ponieważ „zawierały one najbardziej niegrzeczne, zaciekłe ataki na cesarza, a także księcia koronnego i innych wysokich urzędników. Był to niestety ulubiony temat Beethovena; w rozmowie Beethoven był nieustannie oburzony na rządzącą władzę, na jej prawa i regulacje”.

Późniejsze lata (1802-1815). Kiedy Beethoven miał 34 lata, Napoleon porzucił ideały rewolucji francuskiej i ogłosił się cesarzem. Dlatego Beethoven porzucił zamiar zadedykowania mu III Symfonii: „Ten Napoleon to też zwykły człowiek. Teraz zdepcze wszelkie prawa człowieka i stanie się tyranem”.

W twórczości fortepianowej własny styl kompozytora jest zauważalny już we wczesnych sonatach, w muzyce symfonicznej dojrzałość przyszła jednak później. Według Czajkowskiego dopiero w trzeciej symfonii „ po raz pierwszy ukazała się cała ogromna, zadziwiająca siła twórczego geniuszu Beethovena».

Z powodu głuchoty Beethoven rzadko wychodzi z domu i jest pozbawiony percepcji dźwięku. Staje się ponury i wycofany. To właśnie w tych latach kompozytor tworzył jedno po drugim swoje najsłynniejsze dzieła. W tych samych latach Beethoven pracował nad swoją jedyną operą Fidelio. Opera ta należy do gatunku oper „horroru i zbawienia”. Sukces Fidelio przyszedł dopiero w 1814 roku, kiedy operę wystawiono najpierw w Wiedniu, następnie w Pradze, gdzie dyrygował ją słynny niemiecki kompozytor Weber, a wreszcie w Berlinie.

Na krótko przed śmiercią kompozytor przekazał rękopis Fidelio swemu przyjacielowi i sekretarzowi Schindlerowi ze słowami: „ To dziecko mojego ducha urodziło się w większych mękach niż inne i sprawiło mi największy smutek. Dlatego jest mi najdroższy...»

Ostatnie lata. Po 1812 roku działalność twórcza kompozytora na pewien czas osłabła. Jednak po trzech latach zaczyna pracować z tą samą energią. W tym czasie powstały sonaty fortepianowe od 28 do 32, dwie sonaty wiolonczelowe, kwartety i cykl wokalny „To a Distant Beloved”. Dużo czasu poświęca się także adaptacjom pieśni ludowych. Oprócz Szkotów, Irlandczyków, Walijczyków są też Rosjanie. Jednak głównym dziełem ostatnich lat są dwa najbardziej monumentalne dzieła Beethovena – „Msza uroczysta” i IX Symfonia z chórem.

W 1824 roku wykonano IX Symfonię. Publiczność zgotowała kompozytorowi owację na stojąco. Wiadomo, że Beethoven stał tyłem do publiczności i nic nie słyszał, po czym jeden ze śpiewaków chwycił go za rękę i odwrócił twarzą do publiczności. Ludzie machali szalikami, czapkami i rękami, pozdrawiając kompozytora. Brawura trwała tak długo, że obecni na niej funkcjonariusze policji zażądali jej przerwania. Takie pozdrowienia były dozwolone jedynie w odniesieniu do osoby cesarza.

W Austrii po klęsce Napoleona ustanowiono reżim policyjny. Rząd przestraszony rewolucją stłumił wszelkie „wolne myśli”. Liczni tajni agenci przeniknęli do wszystkich warstw społeczeństwa. W książkach konwersacyjnych Beethovena od czasu do czasu pojawiają się ostrzeżenia: „ Cichy! Uważaj, tu jest szpieg!„I prawdopodobnie po szczególnie odważnym stwierdzeniu kompozytora: „ Skończysz na szafocie!»

Jednak popularność Beethovena była tak wielka, że ​​rząd nie odważył się go dotknąć. Mimo swojej głuchoty kompozytor nadal jest na bieżąco z nowinkami nie tylko politycznymi, ale także muzycznymi. Czyta (czyli słucha uchem wewnętrznym) partytury oper Rossiniego, przegląda zbiór pieśni Schuberta, zapoznaje się z operami niemieckiego kompozytora Webera „Magiczny strzelec” i „Euryanthe”. Po przybyciu do Wiednia Weber odwiedził Beethovena. Zjedli razem śniadanie, a Beethoven, zwykle nieobecny na ceremoniach, opiekował się swoim gościem.

Po śmierci młodszego brata kompozytor opiekował się synem. Beethoven umieszcza swojego siostrzeńca w najlepszych szkołach z internatem, a naukę muzyki powierza swojemu uczniowi Karlowi Czernemu. Kompozytor chciał, aby chłopiec został naukowcem lub artystą, ale pociągała go nie sztuka, ale karty i bilard. Uwikłany w długi próbował popełnić samobójstwo. Ta próba nie wyrządziła większych szkód: kula jedynie lekko podrapała skórę na głowie. Beethoven bardzo się tym martwił. Jego stan zdrowia gwałtownie się pogorszył. U kompozytora zapada na poważną chorobę wątroby.

Beethoven zmarł 26 marca 1827 r. Za jego trumną poszło ponad dwadzieścia tysięcy osób. Podczas pogrzebu odprawiono ulubioną mszę pogrzebową Beethovena, Requiem c-moll Luigiego Cherubiniego.

Pracuje:

§ 9 symfonii: nr 1 (1799-1800), nr 2 (1803), nr 3 „Eroic” (1803-1804), nr 4 (1806), nr 5 (1804-1808), nr 5 (1804-1808), nr 9. 6 „Pastoralny” (1808), nr 7 (1812), nr 8 (1812), nr 9 (1824).

§ 11 uwertur symfonicznych, m.in. Coriolanus, Egmont, Leonora nr 3.

§ 5 Koncerty na fortepian i orkiestrę.

§ 6 Sonaty młodzieżowe na fortepian.

§ 32 sonaty na fortepian, 32 wariacje i około 60 utworów na fortepian.

§ 10 Sonaty na skrzypce i fortepian.

§ koncert na skrzypce i orkiestrę, koncert na fortepian, skrzypce i wiolonczelę oraz orkiestrę („koncert potrójny”).

§ 5 sonat na wiolonczelę i fortepian.

§ 16 kwartety smyczkowe.

§ Balet „Twory Prometeusza”.

§ Opera „Fidelio”.

§ Uroczysta Msza św.

§ Cykl wokalny „Do dalekiej ukochanej”.

§ Pieśni oparte na wierszach różnych poetów, adaptacje pieśni ludowych.

Wolfgang Amadeusz Mozart

edukacja muzyczna Mozart Beethoven

Wolfgang Amadeus Mozart (27 stycznia 1756, Salzburg - 5 grudnia 1791, Wiedeń) – austriacki kompozytor, kapelmistrz, wirtuoz skrzypiec, klawesynista, organista. Według współczesnych miał fenomenalny słuch muzyczny, pamięć i umiejętność improwizacji. Mozart jest powszechnie uznawany za jednego z najwybitniejszych kompozytorów: jego wyjątkowość polega na tym, że pracował we wszystkich formach muzycznych swoich czasów i we wszystkich odniósł największe sukcesy. Należy obok Haydna i Beethovena do najwybitniejszych przedstawicieli wiedeńskiej szkoły klasycznej.

Mozart urodził się 27 stycznia 1756 roku w Salzburgu, który był wówczas stolicą arcybiskupstwa salzburskiego, obecnie miasto to znajduje się w Austrii. Drugiego dnia po urodzeniu został ochrzczony w katedrze św. Ruperta. W księdze chrztów widnieje jego imię po łacinie jako Johannes Chrysostomus Wolfgangus Teofil (Gottlieb) Mozart. W tych imionach pierwsze dwa słowa to imię św. Jana Chryzostoma, które nie jest używane w życiu codziennym, a czwarte zmieniało się za życia Mozarta: łac. Amadeusz, Niemiecki Gottlieb, Włoski Amadeo, co oznacza „umiłowany przez Boga”. Sam Mozart wolał, żeby nazywano go Wolfgangiem.

Zdolności muzyczne Mozarta ujawniły się już w bardzo młodym wieku, gdy miał około trzech lat. Jego ojciec Leopold był jednym z czołowych nauczycieli muzyki w Europie. Jego książka „Doświadczenie solidnej szkoły skrzypcowej” ukazała się w roku 1756, roku urodzin Mozarta, doczekała się wielu wydań i została przetłumaczona na wiele języków, w tym na rosyjski. Ojciec Wolfganga nauczył go podstaw gry na klawesynie, skrzypcach i organach.

W Londynie młody Mozart był obiektem badań naukowych, a w Holandii, gdzie w okresie Wielkiego Postu obowiązywał surowy zakaz muzyki, dla Mozarta zrobiono wyjątek, gdyż duchowieństwo dostrzegło palec Boży w jego niezwykłym talencie.

W 1762 roku ojciec Mozarta wraz z synem i córką Anną, także wybitną klawesynistką, odbyli podróż artystyczną do Monachium, Paryża, Londynu i Wiednia, a następnie do wielu innych miast Niemiec, Holandii i Szwajcarii. W tym samym roku młody Mozart napisał swój pierwszy utwór. Wszędzie budził zdziwienie i zachwyt, wychodząc zwycięsko z najtrudniejszych prób, jakie stawiali mu zarówno ludzie znający się na muzyce, jak i amatorzy. W 1763 roku w Paryżu ukazały się pierwsze sonaty Mozarta na klawesyn i skrzypce. W latach 1766–1769, mieszkając w Salzburgu i Wiedniu, Mozart studiował dzieła Handla, Stradelli, Carissimiego, Durante i innych wielkich mistrzów. Na zlecenie cesarza Józefa II Mozart w ciągu kilku tygodni napisał operę dla włoskiego zespołu. „Wyimaginowany prostak”(Włoski Próbka La Finty), ale śpiewakom nie podobała się kompozycja 12-letniego kompozytora; ich uparta niechęć do wykonania opery ostatecznie zmusiła Leopolda Mozarta do poddania się i nieupierania się. W przyszłości śpiewacy będą ciągle narzekać, że Mozart zagłusza ich w swoich operach „zbyt masowym akompaniamentem”.

Mozart spędził lata 1770-1774 we Włoszech. W 1770 roku poznał w Bolonii niezwykle popularnego wówczas we Włoszech kompozytora Josepha Myslivečka; Wpływ „The Divine Bohemian” okazał się tak duży, że później, ze względu na podobieństwo stylu, niektóre jego dzieła przypisano Mozartowi, w tym oratorium „Abraham i Izaak”.

W 1771 roku w Mediolanie, ponownie przy sprzeciwie impresariów teatralnych, wystawiono operę Mozarta « Mitrydates, król Pontu» (Włoski Mitridate, Re di Ponto), co zostało przyjęte przez publiczność z wielkim entuzjazmem. Podobny sukces odniosła jego druga opera, „Lucio Sulla” (Lucjusz Sulla) (1772). Mozart pisał dla Salzburga „Sen Scypiona”(Włoski Il sogno di Scipione), z okazji wyboru nowego arcybiskupa, 1772, dla Monachium – opera „La bella finta Giardiniera”, 2 msze, ofiarowanie (1774). Kiedy miał 17 lat, jego dorobek obejmował już 4 opery, kilka dzieł duchowych, 13 symfonii, 24 sonaty, nie wspominając o wielu mniejszych kompozycjach.

W latach 1775-1780, mimo obaw o bezpieczeństwo finansowe, bezowocnych podróży do Monachium, Mannheim i Paryża oraz utraty matki, Mozart napisał m.in. 6 sonat klawiszowych, koncert na flet i harfę oraz wielką symfonię nr 31 D-dur, zwany Paryżem, kilka chórów duchowych, 12 numerów baletowych.

W 1779 r. Mozart otrzymał posadę nadwornego organisty w Salzburgu (współpracował z Michaelem Haydnem). 26 stycznia 1781 roku w Monachium wystawiono operę „Idomeneo”, która odniosła ogromny sukces, wyznaczając pewien zwrot w twórczości Mozarta. W tej operze nadal można dostrzec ślady starowłoskiego serial operowy(duża liczba arii koloraturowych, partia Idamante, napisana dla kastrata), ale w recytatywach, a zwłaszcza w chórach, daje się wyczuć nowy trend. Duży krok do przodu widać także w instrumentacji. Podczas pobytu w Monachium Mozart napisał ofiarowanie dla kaplicy monachijskiej „Misericordias Domini”- jeden z najlepszych przykładów muzyki kościelnej końca XVIII wieku.

Okres wiedeński. W 1781 roku Mozart ostatecznie osiadł w Wiedniu. Na przełomie lat 70. i 80. cesarza Józefa II urzekł pomysł rozwoju niemieckiej opery narodowej – Singspiel, dla której w 1776 roku zamknięto w Wiedniu Operę Włoską. Na rozkaz cesarza w 1782 r. Mozart napisał Singspiel „Porwanie z Seraju” (niem. Die Entführung aus dem Serail), entuzjastycznie przyjęty w Wiedniu i wkrótce stał się powszechny w Niemczech. Jednak Mozartowi nie udało się rozwinąć swojego sukcesu: w tym samym 1782 r. Zakończył się eksperyment z Singspielem, a cesarz zwrócił włoską trupę do Wiednia.

W tym samym roku Mozart poślubił Konstancję Weber, siostrę Aloyzji Weber, w której zakochał się podczas pobytu w Mannheim. Już w pierwszych latach Mozart zyskał szeroką sławę w Wiedniu; Popularnością cieszyły się jego „akademie”, jak nazywano w Wiedniu publiczne koncerty autorskie, na których wykonywano dzieła jednego kompozytora, często samego siebie. To właśnie dla tych „akademii” powstała większość jego koncertów klawiszowych. W latach 1783-1785 powstało 6 słynnych kwartetów smyczkowych, które Mozart zadedykował mistrzowi tego gatunku Josephowi Haydnowi i które przyjął z największym szacunkiem. Z tego samego okresu pochodzi jego oratorium. „Dawid pokutujący„(Skruszony Dawid).

Jednak w kolejnych latach opera Mozarta w Wiedniu nie radziła sobie najlepiej. Opery „L’oca del Kair”(1783) i „Lo sposo deluso”(1784) pozostał niedokończony. Wreszcie w 1786 roku powstała i wystawiona została opera „Wesele Figara”, której libretto brzmiało Lorenzo da Ponte. Spotkała się ona z dobrym przyjęciem w Wiedniu, jednak po kilku przedstawieniach została wycofana i wystawiona dopiero w 1789 roku, kiedy inscenizację wznowił Antonio Salieri, uznając „Wesele Figara” za najlepszą operę Mozarta. Ale w Pradze „Wesele Figara” odniosło oszałamiający sukces, melodie z niego śpiewano na ulicach i w tawernach. Dzięki temu sukcesowi Mozart otrzymał nowe zamówienie, tym razem z Pragi. W 1787 roku ukazała się nowa opera, stworzona we współpracy z Da Ponte – Don Giovanni. Utwór ten, do dziś uważany za jeden z najlepszych w światowym repertuarze operowym, odniósł w Pradze jeszcze większy sukces niż Wesele Figara.

Znacznie mniejszy sukces przypadł losowi tej opery w Wiedniu, która w ogóle od czasów Figara straciła zainteresowanie twórczością Mozarta. Od cesarza Józefa Mozart otrzymał dla Don Giovanniego 50 dukatów i, według J. Rice’a, w latach 1782-1792 był to jedyny przypadek, kiedy kompozytor otrzymał zapłatę za operę zamówioną poza Wiedniem. Jednak opinia publiczna jako całość pozostała obojętna. Od 1787 r. ustały jego „akademie”, Mozart nie był w stanie zorganizować wykonania trzech ostatnich, obecnie najsłynniejszych symfonii: nr 39 Es-dur (KV 543), nr 40 g-moll (KV 550) i nr 40. nr 41 C-dur „Jowisz” (KV 551), pisany ponad półtora miesiąca w 1788 r.; zaledwie trzy lata później jedną z nich, 40. Symfonię, wykonał A. Salieri na koncertach charytatywnych.

Pod koniec 1787 roku, po śmierci Christopha Willibalda Glucka, Mozart otrzymał stanowisko „kameralisty cesarskiego i królewskiego” z pensją 800 florenów, ale jego obowiązki ograniczały się głównie do komponowania tańców na maskarady, operowo-komiksowe, na wątek z życia społecznego - został zamówiony u Mozarta tylko raz i tak się stało „Cosm fan tutte”(1790).

Wynagrodzenie w wysokości 800 florenów nie mogło w pełni utrzymać Mozarta; Oczywiście już w tym czasie zaczął kumulować długi, pogłębiane kosztami leczenia chorej żony. Mozart rekrutował studentów, jednak zdaniem ekspertów nie było ich wielu. W 1789 roku kompozytor chciał opuścić Wiedeń, jednak podróż na północ, m.in. do Berlina, nie spełniła jego nadziei i nie poprawiła jego sytuacji materialnej.

Opowieść o tym, jak w Berlinie otrzymał zaproszenie na stanowisko kierownika kaplicy dworskiej Fryderyka Wilhelma II z pensją w wysokości 3 tysięcy talarów, Alfred Einstein przypisuje sferze fantazji, a także sentymentalnemu powodowi odmowy - rzekomo z szacunku dla Józefa II. Fryderyk Wilhelm II zamówił jedynie sześć prostych sonat fortepianowych dla swojej córki i sześć kwartetów smyczkowych dla siebie.

Podczas podróży zarobiono niewiele pieniędzy. Ledwo wystarczały na spłatę długu w wysokości 100 guldenów, który odebrano bratu masona Hofmedelowi na pokrycie kosztów podróży. W 1789 r. Mozart zadedykował królowi pruskiemu kwartet smyczkowy z koncertową partią wiolonczeli (D-dur).

Zdaniem J. Rice’a od chwili przybycia Mozarta do Wiednia cesarz Józef otaczał go większym patronatem niż jakikolwiek inny muzyk wiedeński z wyjątkiem Salieriego. W lutym 1790 zmarł Józef; Mozart początkowo wiązał duże nadzieje z wstąpieniem Leopolda II na tron; muzycy nie mieli jednak dostępu do nowego cesarza. W maju 1790 roku Mozart pisał do swego syna, arcyksięcia Franciszka: „...Moja miłość do pracy i świadomość swoich umiejętności pozwalają mi zwrócić się do Was z prośbą o przyznanie mi stanowiska kapelmistrza, tym bardziej, że Salieri, choć doświadczony kapelmistrz, nigdy nie zajmował się muzyką kościelną…” Jednak jego nadzieje nie okazały się uzasadnione, Salieri pozostał na swoim stanowisku, a sytuacja finansowa Mozarta okazała się na tyle beznadziejna, że ​​musiał opuścić Wiedeń przed prześladowaniami wierzycieli, aby choć trochę poprawić swoje sprawy poprzez artystyczną podróż.

Ostatni rok. Ostatnie opery Mozarta były « To właśnie robią wszyscy» (1790), « Miłosierdzie Tytusa» (1791), zawierający wspaniałe strony, mimo że pisano go w 18 dni, i wreszcie: « magiczny flet» (1791). Wystawiona we wrześniu 1791 roku w Pradze, z okazji koronacji Leopolda II na króla czeskiego, opera La Clemenza di Titus została przyjęta chłodno; Wręcz przeciwnie, wystawiony w tym samym miesiącu w Wiedniu w podmiejskim teatrze „Czarodziejski flet” odniósł sukces, jakiego Mozart nie widział w stolicy Austrii od wielu lat. Ta baśniowa opera zajmuje szczególne miejsce w obszernej i różnorodnej twórczości Mozarta.

W maju 1791 Mozart otrzymał bezpłatne stanowisko asystenta dyrygenta w katedrze św. Szczepana; stanowisko to dało mu prawo zostać dyrygentem po śmierci ciężko chorego Leopolda Hofmanna; Hofmann przeżył jednak Mozarta.

Mozart, podobnie jak większość jemu współczesnych, przywiązywał dużą wagę do muzyki sakralnej, pozostawił jednak w tej dziedzinie kilka świetnych przykładów: z wyjątkiem „Misericordias Domini” - « Ave verum corpus» (KV 618, 1791), napisany w stylu zupełnie nietypowym dla Mozarta, oraz majestatyczne i bolesne Requiem (KV 626), nad którym Mozart pracował w ostatnich miesiącach życia. Ciekawa jest historia powstania „Requiem”. W lipcu 1791 roku Mozarta odwiedził tajemniczy nieznajomy w szarym kolorze i zamówił mu „Requiem” (mszę pogrzebową). Jak ustalili biografowie kompozytora, był to posłaniec hrabiego Franza von Walsegg-Stuppach, amatora muzyki, który uwielbiał wykonywać w swoim pałacu dzieła innych ludzi przy pomocy swojej kaplicy, wykupując autorstwo od kompozytorów; Requiem chciał uczcić pamięć swojej zmarłej żony. Prace nad niedokończonym „Requiem”, które do dziś zadziwia słuchaczy żałobnym liryzmem i tragiczną ekspresją, ukończył jego uczeń Franz Xaver Süssmayer, który wcześniej brał udział w komponowaniu opery „La Clemenza di Tito”.

Śmierć Mozarta. Mozart zmarł 5 grudnia 1791 roku, około godziny po północy (w trzydziestym szóstym roku życia). Przyczyna śmierci Mozarta jest nadal przedmiotem dyskusji. Większość badaczy uważa, że ​​Mozart faktycznie zmarł, jak stwierdzono w raporcie medycznym, na gorączkę reumatyczną, prawdopodobnie powikłaną ostrą niewydolnością serca lub nerek. Słynna legenda o otruciu Mozarta przez kompozytora Salieriego jest nadal wspierana przez kilku muzykologów, ale nie ma przekonujących dowodów na tę wersję. W maju 1997 roku sąd w Mediolanie Pałacu Sprawiedliwości, po rozpatrzeniu sprawy Antonia Salieriego pod zarzutem zamordowania Mozarta, uniewinnił go.

Data pochówku Mozarta jest kontrowersyjna (6 lub 7 grudnia). Około godziny 15:00 ciało Mozarta przewieziono do katedry św. Szczepana. Tutaj, w małej kaplicy, odbyła się skromna uroczystość religijna. Nie wiadomo, którzy z przyjaciół i krewnych byli obecni. Karawan pojechał na cmentarz po szóstej wieczorem, czyli już po zmroku. Ci, którzy odpiłowali trumnę, nie poszli za nim poza bramy miasta. Miejscem pochówku Mozarta był Cmentarz Św. Marka.

Pogrzeb Mozarta odbył się w trzeciej kategorii. W osobnym grobie z nagrobkiem lub pomnikiem można było pochować jedynie osoby bardzo bogate i przedstawicieli szlachty. Według trzeciej kategorii wspólne groby projektowano dla 5-6 osób. W tym czasie nie było nic niezwykłego w pogrzebie Mozarta. To nie był „pogrzeb żebraka”. Imponujący (aczkolwiek drugiej kategorii) pogrzeb Beethovena w 1827 roku odbył się w innej epoce, a ponadto odzwierciedlał gwałtownie podniesiony status społeczny muzyków, o który sam Mozart walczył przez całe życie.

Dla Wiedeńczyków śmierć Mozarta minęła niemal niezauważona, jednak w Pradze, przy dużym tłumie (około 4000 osób), ku pamięci Mozarta, 9 dni po jego śmierci 120 muzyków wykonało ze specjalnymi dodatkami napisane jeszcze w 1776 autorstwa Antonio Rosettiego.

Pracuje:

Opery:

§ « Obowiązek pierwszego przykazania” (Die Schuldigkeit des ersten Gebotes), 1767. Oratorium teatralne

§ „Apollo i Hiacynt” (Apollo et Hyacinthus), 1767 - studencki dramat muzyczny oparty na tekście łacińskim

§ „Bastien i Bastienne” (Bastien und Bastienne), 1768. Kolejny utwór studencki, Singspiel. Niemiecka wersja słynnej opery komicznej J.-J. Rousseau „Wioskowy czarnoksiężnik”

§ „Udawany prostak” (La finta semplice), 1768 - ćwiczenie z gatunku opera buffa z librettem Goldoniego

§ „Mitrydates, król Pontu” (Mitridate, re di Ponto), 1770 – w tradycji włoskiej opery seria, opartej na tragedii Racine’a

§ „Ascanio in Alba”, 1771. Opera Serenada (duszpasterska)

§ Betulia Liberata, 1771 - oratorium. Na podstawie historii Judyty i Holofernesa

§ „Sen Scypiona” (Il sogno di Scipione), 1772. Opera Serenada (pastoralna)

§ „Lucio Silla”, 1772. Opera seria

§ „Thamos, król Egiptu” (Thamos, König in Dgypten), 1773, 1775. Muzyka do dramatu Geblera

§ „Wyimaginowany ogrodnik” (La finta giardiniera), 1774-5 – kolejny powrót do tradycji opery buff

§ „Król Pasterz” (Il Re Pastore), 1775. Opera Serenada (duszpasterska)

§ „Zaide”, 1779 (rekonstrukcja: H. Czernowin, 2006)

§ „Idomeneo, król Krety” (Idomeneo), 1781

§ „Uprowadzenie z Seraju” (Die Entführung aus dem Serail), 1782. Singspiel

§ „Gęś Kairska” (L”oca del Cairo), 1783

§ „Oszukany małżonek” (Lo sposo deluso)

§ „Dyrektor teatralny” (Der Schauspieldirektor), 1786. Komedia muzyczna

§ „Wesele Figara” (Le nozze di Figaro), 1786. Pierwsza z 3 wielkich oper. W gatunku opera buff.

§ „Don Giovanni” (Don Giovanni), 1787

§ „Wszyscy to robią” (Cosm fan tutte), 1789

§ « Łaska Tyta„(La Clemenza di Tito), 1791

§ « magiczny flet„(Die Zauberflöte), 1791. Singiel

17 mszy, w tym:

§ "Koronacja", KV 317 (1779)

§ „Wielka Msza” c-moll, KV 427 (1782)

§ „Requiem”, KV 626 (1791)

§ 41 symfonia, w tym:

§ „paryjski” (1778)

§ nr 35, KV 385 „Haffner” (1782)

§ Nr 36, KV 425 „Linskaja” (1783)

§ nr 38, KV 504 „Praga” (1786)

§ nr 39, KV 543 (1788)

§ Nr 40, KV 550 (1788)

§ nr 41, KV 551 „Jowisz” (1788)

§ 27 Koncerty na fortepian i orkiestrę

§ 6 Koncerty na skrzypce i orkiestrę

§ Koncert na dwoje skrzypiec i orkiestrę (1774)

§ Koncert na skrzypce, altówkę i orkiestrę (1779)

§ 2 koncerty na flet i orkiestrę (1778)

§ Nr 1 G-dur K. 313 (1778)

§ Nr 2 D-dur K. 314

§ Koncert na obój i orkiestrę C-dur K. 314 (1777)

§ Koncert na klarnet i orkiestrę A-dur K. 622 (1791)

§ Koncert na fagot i orkiestrę B-dur K. 191 (1774)

§ 4 Koncerty na róg i orkiestrę:

§ Nr 1 D-dur K. 412 (1791)

§ nr 2 Es-dur K. 417 (1783)

§ nr 3 Es-dur K. 447 (między 1784 a 1787)

§ nr 4 Es-dur K. 495 (1786)

§ 10 serenad na orkiestrę smyczkową, w tym:

§ „Mała nocna serenada” (1787)

§ 7 Divertimentos na orkiestrę

§ Różne zespoły instrumentów dętych

§ Sonaty na różne instrumenty, tria, duety

§ 19 Sonaty na fortepian

§ 15 cykli wariacji na fortepian

§ Rondo, fantazje, zabawy

§ Ponad 50 arii

§ Zespoły, chóry, pieśni

Opublikowano na Allbest.ru

Podobne dokumenty

Utalentowana rodzina Mozartów, wybitne talenty dzieci w tej rodzinie. Dzieciństwo, wczesna twórczość i nauka Wolfganga Amadeusa u najlepszych kompozytorów w Europie. Samodzielna działalność, sytuacja finansowa. Twórczość instrumentalna Mozarta i opery.

raport, dodano 11.10.2010


Słuchanie Mozarta z tatą. Niezwykłe właściwości Wolfganga Amadeusza Mozarta. Komentarz na temat wielkiego znaczenia dzieł Mozarta. Efekt uroczystości, który charakteryzuje wszystkie dzieła Mozarta. Naruszenie tonacji molowej, chromatyka, przerywane obroty w sonatach.

prezentacja, dodano 23.11.2017


Szczegółowa biografia Wolfganga Amadeusza Mozarta i jego pierwszych „kroków” w stronę muzyki, legendy o przyczynach śmierci, analiza twórczości i tematyki jego dzieł. Cechy charakterystyczne muzyki kameralnej, klawesynowej i kościelnej Mozarta oraz jego sztuki improwizacji.

streszczenie, dodano 27.12.2009


Informacje o rodzicach V.A. Mozart, jego osiągnięcia twórcze w dzieciństwie. Charakterystyka austriackiego kompozytora. Słynne opery: „Wesele Figara”, „Don Giovanni”, „Czarodziejski flet”. „Requiem” to ostatnie dzieło muzyczne Mozarta.

prezentacja, dodano 19.11.2013


Praca autorstwa P.I. Czajkowskiego „Pieśń skowronka”. Wykonanie instrumentu „marakosha”. Akompaniament muzyczny odpowiadający wzorom „zima”, „lato”, „wiosna” i „jesień”. Wpływ geniuszu muzycznego Wolfganga Amadeusza Mozarta na słuchacza.

praca twórcza, dodano 27.06.2013


Rozwój percepcji muzyki podczas nauki gry na pianinie. Pojęcie semantyki muzycznej. Teatr instrumentalny Haydna: przestrzeń metamorfoz. Haydna w szkole muzycznej. Popracuj nad poprawnym odczytaniem tekstu. Interpretacja utworu muzycznego.

streszczenie, dodano 04.10.2014


Okresy rozwoju sztuki muzycznej i jej gatunków. Kreatywny geniusz M.I. Glinka. Rozwój muzyki chóralnej i kameralnej. Szczyty muzycznego romantyzmu, twórczość P.I. Czajkowski. Nowy kierunek w rosyjskiej muzyce sakralnej „tajemnica” A.N. Skriabin.

streszczenie, dodano 10.04.2009


Zapoznanie z cechami muzyki barokowej, zasadami jej przejść i kontrastów. Uwzględnienie dziedzictwa muzycznego Claudia Monteverdiego, Antonio Vivaldiego, Wolfganga Amadeusza Mozarta, George'a Friderica Handla. Dekoracja, różnorodność rosyjskiego baroku.

prezentacja, dodano 18.10.2015


Biografia życia i wyjątkowej twórczości Wolfganga Amadeusza Mozarta. Umiejętności muzyczne wielkiego austriackiego kompozytora. Związek jego muzyki z różnymi kulturami narodowymi (zwłaszcza włoską). Popularność tragedii Puszkina „Mozart i Salieri”.

prezentacja, dodano 22.12.2013


Wprowadzenie do krótkiej biografii V.A. Mozart, analiza działalności twórczej. Ogólna charakterystyka utworu „Ave verum corpus”. Motet jest dziełem wokalno-polifonicznym o charakterze polifonicznym, gatunkiem profesjonalnej sztuki muzycznej.

Sztukę muzyczną można postawić na równi z teatrem i sztuką literacką. Opery i inne dzieła muzyczne powstały na tematy dzieł wielkich pisarzy i dramaturgów.

Rozwój sztuki muzycznej kojarzony jest przede wszystkim z nazwiskami tak wielkich kompozytorów jak J. S. Bach, G. F. Handel, J. Haydn, W. A. ​​Mozart, L. V. Beethoven Sprzedam strzykawkę 200ml kupię strzykawki medyczne 200 sigma-med.ru.

Niemiecki kompozytor, organista i klawesynista był niedoścignionym mistrzem polifonii. Jana Sebastiana Bacha (1685–1750).

Jego dzieła przepojone były głębokim znaczeniem filozoficznym i wysoką etyką. Potrafił podsumować osiągnięcia w sztuce muzycznej, jakie osiągnęli jego poprzednicy. Do jego najsłynniejszych dzieł należą „Klawiersz o dobrym temperamencie” (1722–1744), „Pasja według św. Jana” (1724), „Pasja według św. Mateusza” (1727 i 1729), liczne koncerty i kantaty oraz msza św. drobne (1747–1749) itp.

W przeciwieństwie do J. S. Bacha, który nie napisał ani jednej opery, niemiecki kompozytor i organista Jerzy Fryderyk Handel (1685–1759)

należą do ponad czterdziestu oper. Oprócz dzieł o tematyce biblijnej (oratoria „Izrael w Egipcie” (1739), „Saul” (1739), „Mesjasz” (1742), „Samson” (1743), „Judasz Machabeusz” (1747) itp.) , koncerty organowe, sonaty, suity itp.

Wielki austriacki kompozytor był mistrzem klasycznych gatunków instrumentalnych, takich jak symfonie, kwartety, a także formy sonatowe.

Józefa Haydna (1732–1809).

To dzięki niemu powstał klasyczny skład orkiestry. Jest właścicielem kilku oratoriów („Pory roku” (1801), „Stworzenie świata” (1798)), 104 symfonii, 83 kwartetów, 52 sonat fortepianowych, 14 mesit itp.

Inny austriacki kompozytor, Wolfgang Amadeusz Mozart (1756–1791),

był cudownym dzieckiem, dzięki któremu już we wczesnym dzieciństwie zasłynął. Napisał ponad 20 oper, w tym słynne „Wesele Figara” (1786), „Don Giovanni” (1787), „Czarodziejski flet” (1791), ponad 50 symfonii, wiele koncertów, dzieła fortepianowe (sonaty), fantazje, wariacje), niedokończone „Requiem” (1791), pieśni, msze itp.

Niemieckiego kompozytora spotkał trudny los, który odcisnął piętno na całej jego twórczości. Ludwiga van Beethovena (1770–1827).

Jego geniusz objawił się już w dzieciństwie i nie pozostawił go nawet w strasznych tarapatach dla każdego kompozytora i muzyka - utraty słuchu. Jego dzieła mają charakter filozoficzny. Na wiele dzieł wpłynęły jego republikańskie poglądy jako kompozytora. Beethoven jest właścicielem dziewięciu symfonii, sonat instrumentalnych (Moonlight, Pathétique), szesnastu kwartetów smyczkowych, zespołów, opery Fidelio, uwertur (Egmont, Coriolanus), koncertów na fortepian i orkiestrę oraz innych dzieł.

Jego słynne powiedzenie: „Muzyka powinna rozpalać ogień w ludzkich sercach”. Tą ideą kierował się przez całe życie.

Zobacz też

O japońskim językowym obrazie świata
Kwestia osobliwości tzw. narodowych językowych obrazów świata, jak widzieliśmy w poprzednim rozdziale, nie zawsze jest postawiona poprawnie i często wiąże się z nienaukowymi spekulacjami, o czym była mowa. ...

Operacyjne planowanie
Planowanie operacyjne musi spełniać następujące wymagania i zasady: opierać się na progresywnych standardach harmonogramów, które z kolei stanowią podstawę harmonogramów kalendarzowych...

Historia egiptologii
Obecnie egiptologia przeżywa swój szczyt popularności. Katedry egiptologii istnieją na wielu uniwersytetach niemal we wszystkich rozwiniętych krajach świata. Na przykład w 1999 roku wykopaliska w Egipcie...