Sztuka starożytnej Grecji stała się podporą i fundamentem, na którym wyrosła cała europejska cywilizacja. Rzeźba starożytnej Grecji to temat szczególny. Bez rzeźby antycznej nie byłoby genialnych arcydzieł renesansu i trudno sobie wyobrazić dalszy rozwój tej sztuki. W historii rozwoju greckiej rzeźby antycznej można wyróżnić trzy główne etapy: archaiczny, klasyczny i hellenistyczny. Każdy ma w sobie coś ważnego i wyjątkowego. Rozważmy każdy z nich.
sztuka archaiczna. Cechy charakterystyczne: 1) statyczna pozycja frontalna postaci, przypominająca rzeźbę starożytnego Egiptu: ręce opuszczone, jedna noga do przodu; 2) Rzeźba przedstawia młodych mężczyzn ("kuros") i dziewczęta ("koros"), na ich twarzach spokojny uśmiech (archaiczny); 3) Kouros przedstawiano nago, kora zawsze była ubrana, a rzeźby malowane; 4) Umiejętność przedstawiania kosmyków włosów, w późniejszych rzeźbach - fałd draperii na postaciach kobiecych.
Okres archaiczny obejmuje trzy wieki - od VIII do VI wieku p.n.e. mi. To okres kształtowania się podstaw rzeźby antycznej, ustanawiania kanonów i tradycji. Okres bardzo warunkowo wyznacza ramy wczesnej sztuki starożytnej. W rzeczywistości początki archaiczności widać już w rzeźbach z IX wieku p.n.e., a wiele śladów archaiczności widać w zabytkach z IV wieku p.n.e. Mistrzowie wczesnej starożytności wykorzystywali do swojej pracy różnorodne materiały. Zachowały się rzeźby wykonane z drewna, wapienia, terakoty, bazaltu, marmuru i brązu. Rzeźbę archaiczną można podzielić na dwa zasadnicze elementy: kora (figury kobiece) i kouros (figury męskie). Uśmiech archaiczny to szczególny rodzaj uśmiechu używany przez greckich rzeźbiarzy archaicznych, zwłaszcza w drugiej ćwierci VI wieku. pne mi. , być może po to, by pokazać, że podmiot obrazu żyje. Ten uśmiech jest płaski i wygląda raczej nienaturalnie, choć jest to znak ewolucji sztuki rzeźbiarskiej w kierunku realizmu i jego poszukiwań.
Kore Common, dla prawie wszystkich kobiecych posągów, to kąt. Najczęściej kora pojawia się frontalnie wyprostowana, ramiona są często opuszczone wzdłuż ciała, rzadko skrzyżowane na klatce piersiowej lub trzymające święte atrybuty (włócznia, tarcza, miecz, różdżka, owoc itp.). Na jego twarzy pojawia się archaiczny uśmiech. Proporcje ciała są wystarczająco oddane, pomimo ogólnych schematycznych i uogólnionych obrazów. Wszystkie rzeźby muszą być pomalowane.
Kuros Rzeźby męskie z tego okresu charakteryzują się surową pozą frontalną, często lewą nogą wysuniętą do przodu. Ręce opuszczone wzdłuż ciała, dłonie zaciśnięte w pięści, rzadziej rzeźby z ramionami wyciągniętymi do przodu, jakby składały ofiarę. Kolejnym niezbędnym warunkiem archaicznych męskich posągów jest dokładna symetria ciała. Zewnętrznie rzeźby męskie mają wiele wspólnego z posągami egipskimi, co wskazuje na silny wpływ egipskiej estetyki i tradycji na sztukę starożytną. Wiadomo, że najwcześniejsze kuro były wykonane z drewna, ale nie zachowała się ani jedna drewniana rzeźba. Później Grecy nauczyli się obrabiać kamień, więc wszystkie ocalałe kouroi są wykonane z marmuru.
Sztuka klasyczna. Cechy charakterystyczne: 1) Zakończył poszukiwania sposobu na zobrazowanie poruszającej się postaci ludzkiej, harmonijnej w swoich proporcjach; wypracowano stanowisko „kontrpostu” – równowaga ruchów części ciała w spoczynku (postać swobodnie stojąca z podparciem na jednej nodze); 2) Rzeźbiarz Poliklet rozwija teorię kontraposty, ilustrując swoją pracę rzeźbami w tej pozycji; 3) W V w. pne mi. osoba jest przedstawiana jako harmonijna, wyidealizowana, z reguły młoda lub w średnim wieku, wyraz twarzy jest spokojny, bez zmarszczek mimicznych i fałdów, ruchy są powściągliwe, harmonijne; 4) W IV w. pne mi. jest większa dynamika, a nawet ostrość plastyki postaci; w obrazach rzeźbiarskich zaczynają ukazywać indywidualne cechy twarzy i ciał; pojawia się rzeźba.
V wiek w historii greckiej rzeźby okresu klasycznego można nazwać „krokiem naprzód”. Rozwój rzeźby starożytnej Grecji w tym okresie wiąże się z nazwiskami tak znanych mistrzów jak Myron, Policlet i Fidiasz. W ich kreacjach obrazy stają się bardziej realistyczne, jeśli można powiedzieć nawet „żywe”, zmniejsza się schematyzm charakterystyczny dla archaicznej rzeźby. Ale głównymi „bohaterami” są bogowie i „idealni” ludzie. Większość rzeźb z tej epoki kojarzy się ze starożytną sztuką plastyczną. Arcydzieła klasycznej Grecji wyróżniają się harmonią, idealnymi proporcjami (co świadczy o doskonałej znajomości anatomii człowieka), a także treścią wewnętrzną i dynamiką.
Polikleitos, który pracował w Argos, w drugiej połowie V wieku. pne e, jest wybitnym przedstawicielem szkoły peloponeskiej. Rzeźba okresu klasycznego jest bogata w jego arcydzieła. Był mistrzem rzeźby z brązu i znakomitym teoretykiem sztuki. Policlet wolał przedstawiać sportowców, w których zwykli ludzie zawsze widzieli ideał. Wśród jego dzieł znajdują się posągi „Doryfora” i „Diadumena”. Pierwsza praca to silny wojownik z włócznią, ucieleśnienie spokojnej godności. Drugi to szczupły młodzieniec, z bandażem zwycięzcy konkursów na głowie.
Myron, który żył w połowie V wieku. pne e, jest nam znana z rysunków i kopii rzymskich. Ten genialny mistrz doskonale opanował plastyczność i anatomię, wyraźnie oddawał swobodę ruchów w swoich pracach („Disco Thrower”).
Rzeźbiarz starał się pokazać walkę dwóch przeciwieństw: spokoju wobec Ateny i dzikości wobec Marsjasza.
Fidiasz to kolejny wybitny przedstawiciel rzeźbiarza okresu klasycznego. Jego imię brzmiało jasno w okresie rozkwitu greckiej sztuki klasycznej. Jego najsłynniejszymi rzeźbami były kolosalne posągi Ateny Partenos i Zeusa w Świątyni Olimpijskiej, Ateny Promachos znajdującej się na placu Akropolu w Atenach. Te arcydzieła sztuki są bezpowrotnie stracone. Dopiero opisy i zredukowane kopie rzymskie dają nam nikłe pojęcie o wspaniałości tych monumentalnych rzeźb.
Rzeźba starożytnej Grecji ukazywała fizyczne i wewnętrzne piękno i harmonię człowieka. Już w IV wieku, po podbojach Aleksandra Wielkiego w Grecji, poznano nowe nazwiska utalentowanych rzeźbiarzy. Twórcy tej epoki zaczynają zwracać większą uwagę na stan wewnętrzny człowieka, jego stan psychiczny i emocje.
Słynnym rzeźbiarzem okresu klasycznego był Skopas, który żył w połowie IV wieku p.n.e. Wprowadza innowacje, odsłaniając wewnętrzny świat człowieka, stara się oddać emocje radości, strachu, szczęścia w rzeźbach. Nie bał się eksperymentować i portretował ludzi w różnych skomplikowanych pozach, szukając nowych artystycznych możliwości ukazania na ludzkiej twarzy nowych uczuć (namiętność, złość, wściekłość, strach, smutek). Posąg Maenady jest doskonałym dziełem okrągłej sztuki plastycznej, obecnie zachowała się jego rzymska kopia. Nowym i wieloaspektowym dziełem reliefowym jest Amazonomachia, która zdobi Mauzoleum Halikarnasu w Azji Mniejszej.
Praksyteles był wybitnym rzeźbiarzem okresu klasycznego, który mieszkał w Atenach około 350 roku p.n.e. Niestety, do nas trafiła tylko statua Hermesa z Olimpii, ao pozostałych dziełach wiemy tylko z kopii rzymskich. Praksyteles, podobnie jak Skopas, próbował przekazać uczucia ludzi, ale wolał wyrażać bardziej „lekkie” emocje, które były przyjemne dla człowieka. Przeniósł liryczne emocje, senność na rzeźby, wyśpiewał piękno ludzkiego ciała. Rzeźbiarz nie tworzy postaci w ruchu.
Wśród jego prac należy zwrócić uwagę na „Odpoczywający satyr”, „Afrodyta z Cnidos”, „Hermes z niemowlęciem Dionizosem”, „Apollo zabija jaszczurkę”.
Lysippus (druga połowa IV wieku p.n.e.) był jednym z najwybitniejszych rzeźbiarzy okresu klasycznego. Wolał pracować z brązem. Dopiero rzymskie kopie dają nam możliwość zapoznania się z jego twórczością.
Wśród słynnych dzieł są "Herkules z łanią", "Apoxiomen", "Hermes odpoczynek" i "Zapaśnik". Lysippus dokonuje proporcjonalnych zmian, przedstawia mniejszą głowę, szczuplejsze ciało i dłuższe nogi. Wszystkie jego prace są indywidualne, portret Aleksandra Wielkiego jest również zhumanizowany.
Mała rzeźba w okresie hellenistycznym była powszechna i składała się z postaci ludzi wykonanych z wypalanej gliny (terakoty). Nazywano je terakotami Tanagra, od miejsca ich produkcji, miasta Tanagra w Beocji.
Sztuka hellenistyczna. Cechy charakterystyczne: 1) Utrata harmonii i ruchów okresu klasycznego; 2) Ruchy postaci nabierają wyraźnego dynamizmu; 3) Wizerunki postaci w rzeźbie mają tendencję do przekazywania cech indywidualnych, pragnienia naturalizmu, odstępstwa od harmonizacji natury; 4) W dekoracji rzeźbiarskiej świątyń pozostaje dawny „heroiczny”; 5) Doskonałość w przekazywaniu form, objętości, fałd, „żywotności” natury.
W tamtych czasach rzeźba zdobiła domy prywatne, budynki użyteczności publicznej, skwery, akropolie. Rzeźba hellenistyczna charakteryzuje się odbiciem i ujawnieniem ducha niepokoju i napięcia, pragnienia przepychu i teatralności, a czasem surowego naturalizmu. Szkoła pergamońska rozwinęła artystyczne zasady Skopasa z jego zainteresowaniem gwałtownymi przejawami uczuć, przekazywaniem szybkich ruchów. Jedną z wybitnych budowli hellenizmu był monumentalny fryz Ołtarza Pergamońskiego, wzniesiony przez Eumenesa 2 na cześć zwycięstwa nad Galami w 180 roku p.n.e. mi. Jej cokół pokryto fryzem o długości 120 m, wykonanym płaskorzeźbie i przedstawiającym bitwę bogów olimpijskich i zbuntowanych olbrzymów z wężami zamiast nóg.
Odwagę ucieleśniają grupy rzeźbiarskie „Umierający Gal”, „Gal zabijający siebie i swoją żonę”. Wybitna rzeźba hellenizmu - Afrodyta z Mediolanu autorstwa Agesandera - półnaga, surowa i w najwyższym stopniu spokojna.
Ponieważ niedługo będę musiał prowadzić tutaj wykłady z ogólnej historii sztuki, przygotowuję i powtarzam materiał. Postanowiłem opublikować niektóre z nich i moje przemyślenia na ten temat. To nie jest sam wykład, ale przemyślenia na wąski, konkretny temat.
Trudno przecenić miejsce rzeźby w sztuce antyku. Jednak jej dwa najważniejsze narodowe przejawy – rzeźba antycznej Grecji i rzeźba antycznego Rzymu – to dwa zupełnie różne, pod wieloma względami przeciwstawne zjawiska. Z czego się składają?
Rzeźba Grecji jest naprawdę sławna i właściwie powinna być stawiana na pierwszym miejscu w porównaniu z architekturą grecką. Faktem jest, że Grecy postrzegali samą architekturę jako rzeźbę. Każdy budynek dla Greka to przede wszystkim plastikowa bryła, pomnik doskonały w swych formach, ale przeznaczony przede wszystkim do kontemplacji z zewnątrz. Ale o architekturze napiszę osobno.
Nazwiska greckich rzeźbiarzy są dobrze znane i słyszane przez wszystkich, którzy uczyli się w szkole. Równie sławni i gloryfikowani byli greccy malarze sztalugowi, jednak jak to bywa w historii sztuki, nie zachowało się absolutnie nic z ich twórczości, być może rzekome kopie na ścianach domów zamożnych Rzymian (co widać w Pompejach). Jednak, jak zobaczymy, sytuacja nie jest już tak dobra z oryginalnymi greckimi posągami, gdyż większość z nich znana jest ponownie z rzymskich replik pozbawionych greckiej doskonałości.
Jednak przy tak uważnym podejściu do nazwisk twórców sztuki Grecy pozostawali całkowicie obojętni na indywidualność, na to, co teraz nazwano by osobowością człowieka. Uczyniwszy z człowieka centrum swojej sztuki, Grecy widzieli w nim wzniosły ideał, przejaw doskonałości, harmonijne połączenie duszy i ciała, ale bynajmniej nie byli zainteresowani szczególnymi cechami przedstawianej osoby. Grecy nie znali portretu w naszym znaczeniu tego słowa (może z wyjątkiem późniejszego okresu hellenistycznego). Wznosząc posągi antropoidalnych bogów, bohaterów, sławnych obywateli swoich polis, stworzyli uogólniony, typowy obraz, który uosabia pozytywne cechy duszy, bohaterstwo, cnotę i piękno.
Światopogląd Greków zaczął się zmieniać dopiero wraz z końcem ery klasyków w IV wieku p.n.e. Kres dawnego świata położył Aleksander Wielki, który swoją bezprecedensową działalnością dał początek kulturowemu fenomenowi mieszania się Grecji i Bliskiego Wschodu, który nazwano hellenizmem. Ale dopiero po ponad dwóch wiekach Rzym, już wtedy potężny, wkroczył na arenę historii sztuki.
Co dziwne, ale przez dobrą połowę (jeśli nie większość) swojej historii Rzym prawie nie zamanifestował się z artystycznego punktu widzenia. Tak minął prawie cały okres republikański, który pozostał w pamięci ludu jako czas męstwa rzymskiego i czystości obyczajów. Ale w końcu, w I wieku p.n.e. powstał rzymski portret rzeźbiarski. Trudno powiedzieć, jak wielką rolę odegrali w tym Grecy, którzy teraz pracowali dla Rzymian, którzy ich podbili. Należy założyć, że bez nich Rzym nie stworzyłby tak błyskotliwej sztuki. Jednak ktokolwiek tworzył rzymskie dzieła sztuki, to właśnie oni byli Rzymianami.
Paradoksalnie, choć to Rzym stworzył być może najbardziej zindywidualizowaną sztukę portretową na świecie, nie ma wzmianki o rzeźbiarzach, którzy tę sztukę tworzyli. Rzeźba rzymska, a przede wszystkim portret rzeźbiarski, jest więc przeciwieństwem klasycznej rzeźby Grecji.
Należy od razu zauważyć, że inna, tym razem lokalna, włoska tradycja, a mianowicie sztuka Etrusków, odegrała ważną rolę w jej kształtowaniu. Cóż, spójrzmy na pomniki i wykorzystajmy je do scharakteryzowania głównych zjawisk w rzeźbie antycznej.
Już w tej marmurowej głowie z Cyklad 3 tys. p.n.e. mi. to poczucie plastycznego odczucia, które stanie się głównym atutem sztuki greckiej. Nie szkodzi temu w żaden sposób minimalizm detali, który oczywiście dopełniało malarstwo, gdyż aż do renesansu rzeźba nigdy nie była bezbarwna.
Znana (cóż, można to powiedzieć o prawie każdym posągu greckiego rzeźbiarza) grupa przedstawiająca tyronicznych zabójców Harmodiusa i Aristogeitona, wyrzeźbiona przez Kritiasa i Nezjote. Nie rozpraszając się formowaniem sztuki greckiej w epoce archaicznej, zwróciliśmy się już do dzieł klasyków V wieku. PNE. Przedstawiając dwóch bohaterów, bojowników o demokratyczne ideały Aten, rzeźbiarze przedstawiają dwie postacie warunkowe, tylko w ogólnym zarysie podobne do samych pierwowzorów. Ich głównym zadaniem jest połączenie w jedną całość dwóch pięknych, idealnych ciał, uchwyconych jednym heroicznym impulsem. Doskonałość cielesna oznacza tutaj wewnętrzną słuszność i godność przedstawionych.
W niektórych swoich pracach Grecy starali się przekazać harmonię zawartą w pokoju, w statyce. Poliklet osiągnął to zarówno dzięki proporcji sylwetki, jak i dzięki dynamice zawartej w ustawieniu sylwetki. T. rz. chiasm lub inaczej contrappost - przeciwnie skierowany ruch różnych części postaci - jeden z podbojów tego czasu, który na zawsze wszedł w ciało sztuki europejskiej. Oryginały Polikleta zaginęły. Wbrew przyzwyczajeniu współczesnego widza, Grecy często pracowali, odlewając posągi z brązu, co pozwalało uniknąć niepokojących trybun, które powstały w marmurowych powtórkach z czasów rzymskich. (Po prawej znajduje się brązowa kopia rekonstrukcyjna z Państwowego Muzeum Sztuk Pięknych im. Puszkina, o ileż lepiej!)
Miron zasłynął z przekazywania bardzo skomplikowanych stanów, w których spokój ma ustąpić miejsca aktywnemu ruchowi.Po raz kolejny podaję dwie wersje jego rzucania dyskiem (obie późne): marmurową i brązową.
„Rublew” starożytnej Grecji, wielki twórca rzeźby Akropolu Ateńskiego Fidiasza, wręcz przeciwnie, osiągnął piękno i równowagę nawet w najbardziej intensywnych i poruszających kompozycjach. Tutaj mamy okazję zobaczyć oryginały z V wieku. BC, tym razem wykonany z marmuru jako połączony z ciałem architektury Partenonu. Nawet w złamanej formie, bez rąk, nóg i głów, w postaci nędznych ruin, klasyka grecka jest zadziwiająco doskonała. Żadna inna sztuka nie mogła tego zrobić.
Ale co z portretem? Oto słynny obraz wielkiego Peryklesa. Ale czego możemy się z tego nauczyć o tej osobie? Tyle tylko, że był wielkim obywatelem swojej polityki, wybitną postacią i walecznym dowódcą. I nic więcej.
Inaczej rozwiązany jest „portret” Platona, reprezentowany przez niemłodego już mędrca z bujną brodą i intelektualną, intensywną psychicznie twarzą. Utrata malarstwa oczu oczywiście w dużej mierze pozbawia obraz ekspresji.
Obraz był inaczej postrzegany już pod koniec IV wieku. Zachowane repliki portretów Aleksandra Wielkiego, stworzone przez Lizypa, ukazują nam osobowość, która sama w sobie nie jest już tak integralna, pewna siebie i jednoznaczna, jak właśnie widzieliśmy w klasycznym okresie Grecji.
Teraz wreszcie nadszedł czas, aby przenieść się do Rzymu, a raczej na razie do Etrusków, którzy stworzyli pogrzebowe wizerunki zmarłych. Baldachim - urny na prochy - Etruskowie wykonane z wizerunkami głów i rąk, porównujące, dotychczas warunkowo, do osoby zmarłej. Baldachim z terakoty, VI wiek p.n.e. mi.
Bardziej złożonymi dziełami były takie nagrobki z postaciami leżącymi jak na uczcie, często małżeństw. 
Urocze uśmiechy, podobne do uśmiechów archaicznych greckich posągów... Ale ważne jest tu coś jeszcze - to konkretni ludzie tutaj pochowani.
Tradycje etruskie stworzyły swego rodzaju podwaliny pod właściwy portret rzymski. Portret rzymski, który pojawił się dopiero w I wieku p.n.e., znacznie różnił się od wszystkich innych. Autentyczność w przekazywaniu prawdy życia, nieozdabiony wygląd osoby, jej wizerunek takim, jakim jest, stały się w nim najważniejsze. I w tym Rzymianie niewątpliwie widzieli swoją godność. Termin verismo możemy najlepiej odnieść do rzymskiego portretu końca epoki republikańskiej. Przeraża nawet swoją odrażającą szczerością, która nie zatrzymuje się na żadnych cechach brzydoty i starości.
Dla zilustrowania poniższej tezy podam przykład encyklopedyczny - wizerunki Rzymianina w todze z portretami ich przodków. W tym obowiązującym rzymskim zwyczaju było nie tylko ludzkie pragnienie zachowania pamięci o minionych pokoleniach, ale także składnik religijny, tak typowy dla tak rodzimej religii jak rzymska.
Idąc za Etruskami, Rzymianie przedstawiali na nagrobkach pary małżeńskie. Ogólnie rzecz biorąc, plastikowa rzeźba była dla mieszkańca Rzymu tak naturalna, jak dla nas fotografia.
Ale teraz nadszedł nowy czas. Na przełomie tysiącleci (i epok) Rzym stał się imperium. Od teraz naszą galerię reprezentować będą przede wszystkim portrety cesarzy. Jednak ta oficjalna sztuka nie tylko zachowała, ale zwielokrotniła niezwykły realizm, jaki pierwotnie pojawił się w rzymskim portrecie. Jednak najpierw w epoce Augusta (27 pne - 14 ne) sztuka rzymska przeżyła pierwszą poważną interakcję z idealnym pięknem tkwiącym we wszystkim, co greckie. Ale nawet tutaj, dopracowawszy się w formie, pozostał wierny portretowym rysom cesarza. Dopuszczając konwencję w doskonałym, idealnie poprawnym i zdrowym ciele, odzianym w zbroję i pozostającą w ceremonialnej pozie, sztuka rzymska umieszcza na tym ciele prawdziwą głowę Augusta, jaką był on.
Od Grecji do Rzymian przeszło zadziwiające posiadanie obróbki kamienia, ale tutaj ta sztuka nie mogła przesłonić tego, co z natury było rzymskie.
Kolejna wersja oficjalnego wizerunku Augusta jako Wielkiego Papieża w zasłonie narzuconej na głowę.
A teraz, już w portrecie Wespazjana (69 - 79 n.e.) znów widzimy nieskrywany weryzm. Ten obraz z dzieciństwa zapadł mi w pamięć, urzekając osobistymi rysami przedstawionego cesarza. Inteligentna, szlachetna, a jednocześnie przebiegła i rozważna twarz! (Jak mu pasuje złamany nos))
Jednocześnie doskonalone są również nowe techniki obróbki marmuru. Użycie wiertarki pozwala na stworzenie bardziej złożonej gry objętości, światła i cienia, wprowadzenie kontrastu różnych faktur: szorstkich włosów, polerowanej skóry. Na przykład wizerunek kobiety, poza tym do tej pory prezentowano tylko mężczyzn.
Trojan (98 - 117)
Antoninus Pius był drugim po Hadrianie cesarzem, który zapuścił brodę po grecku. I to nie tylko gra. Wraz z „greckim” wyglądem na obrazie osoby pojawia się coś filozoficznego. Spojrzenie idzie w bok, w górę, pozbawiając człowieka stanu równowagi i zadowolenia z ciała. (Teraz źrenice oczu są obrysowane przez samego rzeźbiarza, który zachowuje wygląd nawet po utracie poprzedniego zabarwienia.)
Z całą oczywistością widać to w portretach filozofa na tronie - Marka Aureliusza (161 - 180).
Przyciąga mnie tutaj ten interesujący odłamek. Spróbuj narysować rysy twarzy, a otrzymasz ikonę! Przyjrzyj się kształtom oka, powieki, źrenicy i porównaj je z bizantyjskimi ikonami.
Ale nie tylko dzielni i sprawiedliwi powinni być przedmiotem rzymskiego portretu! Heliogabal (poprawnie - Elagabal), wyznawca wschodniego kultu słońca, zaskoczył Rzymian obyczajami całkowicie im sprzecznymi i nie lśniącymi czystością życia. Ale wyraźnie pokazuje nam to jego portret.
Wreszcie złoty wiek Rzymu jest daleko w tyle. Jeden po drugim tak zwani cesarze-żołnierze zasiadają na tronie. Tubylcy wszelkich stanów, krajów i narodów mogą nagle stać się władcami Rzymu, ogłoszeni ich żołnierzami. Portret Filipa Araba (244 - 249), nie najgorszego z nich. I znowu jakaś tęsknota lub niepokój w jego oczach...
Cóż, to jest śmieszne: Gall treboński (251 - 253).
Nadszedł czas, aby zwrócić uwagę na to, co od czasu do czasu ukazywało się na rzymskim portrecie. Teraz forma zaczyna nieubłaganie schematyzować, plastikowa forma ustępuje miejsca warunkowej grafice. Samo ciało stopniowo odchodzi, ustępując miejsca czysto duchowemu, wyłącznie wewnętrznemu obrazowi. Cesarz Probus (276 - 282).
I tak zbliżyliśmy się do końca III - początku IV wieku. Dioklecjan tworzy nowy system administracji Cesarstwa – tetrarchię. W jego czterech częściach panują dwaj Augustowie i dwaj Cezarowie. Stare miasto Rzymu, które już dawno straciło rolę stolicy, nie jest już ważne. Zabawna grupa czterech niemal identycznych postaci, utożsamianych z tetrarchami, zachowała się w Wenecji, zaczerpniętej z Konstantynopola. Często przedstawiana jest jako zakończenie rzymskiego portretu. Ale nie jest! W rzeczywistości jest to, powiedzmy, specjalny eksperyment, awangarda tamtych czasów. Ponadto według niektórych moich nauczycieli jest to praca egipska, co jest szczególnie widoczne przy użyciu twardego porfiru. Metropolitalna szkoła rzymska oczywiście pozostała inna i nie umarła przynajmniej przez następne stulecie.
Na poparcie tego, co zostało powiedziane, innym obrazem z Egiptu jest cesarz Maximin Daza (305 - 313). Pełna stylizacja, schematyzacja i abstrakcja jak kto woli.
A oto, co działo się w Rzymie. Konstantyn Wielki (306-337) zostaje suwerennym władcą Imperium. W jego kolosalnym portrecie (jest to w istocie głowa Kolosa - gigantycznego posągu zainstalowanego w rzymskiej bazylice Konstantyna Maksencjusza) zarówno idealne, perfekcyjne opracowanie formy, jak i ostatecznie uformowany nowy obraz, oderwany od wszystkiego tymczasowe, są w pełni obecne. W wielkich, pięknych, patrzących gdzieś obok nas oczach, zdecydowanych brwiach, mocnym nosie, zamkniętych ustach jest teraz nie tylko wizerunek ziemskiego władcy, ale także coś, co już przekroczyło granice tego odbicia, które zjadło Marcusa. Aureliusz i inni mu współcześni, znużeni tą cielesną skorupą, w której dusza była zamknięta.
Jeśli słynny edykt mediolański z 313 roku jedynie zatrzymał prześladowania chrześcijaństwa, pozwalając chrześcijanom legalnie istnieć w cesarstwie (sam Konstantyn został ochrzczony dopiero po śmierci), to pod koniec IV wieku po naszej ery chrześcijaństwo stało się już dominujące. I w tym czasie chrześcijańskiej starożytności nadal powstawały portrety rzeźbiarskie. Portret cesarza Arkadiusza (383-408) uderza nie tylko swoim pięknem, ale także nieziemską abstrakcją.
Tu trafił rzymski portret, taki obraz zrodził, będąc już sam w sobie sztuką chrześcijańską. Rzeźba ustępuje teraz malarstwu. Ale wielkie dziedzictwo dawnej kultury nie zostaje odrzucone, żyjąc dalej, służąc nowym celom i zamierzeniom. Chrześcijański obraz (ikona) z jednej strony zrodził się ze słów: „Boga nikt nigdy nie widział; Jednorodzony Syn, który jest w łonie Ojca, objawił” (J 1, 18) . Z drugiej strony wchłonął całe doświadczenie sztuki, która ją poprzedzała, jak widzieliśmy, która dawno temu boleśnie szukała prawdy iw końcu ją znalazła.
Ale to zupełnie inna historia dla tej historii...
Podmiot: Wybitni rzeźbiarze starożytnej Grecji.
Cel: Badanie głównych etapów rozwoju rzeźby antycznej Grecji.
Nowe słowa:
MIMESIS"- podobieństwo.
Kalokagatiya (gr. kalo- śliczne + Agatos uprzejmy).
Kuros i kora - stworzony w epoce archaicznych mężczyzn. i kobieta figurki (do 3 m.) Mimesis - podobieństwo. Kariatyda - (gr. karyatis) - rzeźbiarski wizerunek stojącej postaci kobiecej, która służy jako podpora belki w budynku (lub w przenośni wyraża tę funkcję).
zarazki - kamień pylony z „rękami”, umieszczonymi przy głównym wejściu do domu.
Pytania.
Rzeźbiarskie kanony Polikleita i Myrona.
Rzeźby Skopasa i Praksytelesa.
Lysippos i Leochar.
Rzeźba hellenistyczna.
Podczas zajęć.
1. Aktualizacja wiedzy studentów o architekturze starożytnej Grecji.
2. Przesłanie tematu, cel lekcji.
Grecy zawsze wierzyli że tylko w pięknym ciele może żyć piękna dusza. Dlatego harmonia ciała, zewnętrzna doskonałość - niezbędny warunek i podstawa idealnej osoby. Grecki ideał określa się terminem kalokagatiya(gr. kalo- śliczne + Agatos uprzejmy). Ponieważ kalokagatiya obejmuje doskonałość zarówno ciała, jak i duchowego i moralnego usposobienia, to wraz z pięknem i siłą, ideał niesie ze sobą sprawiedliwość, czystość, odwagę i rozsądek. To właśnie sprawia, że greccy bogowie, wyrzeźbieni przez starożytnych rzeźbiarzy, są wyjątkowo piękni.
Pomimo podobieństwa rzeźb z VI i V wieku. BC mają również charakterystyczne różnice:
Nie ma już odrętwienia, schematyzmu archaicznych rzeźb;
Posągi stają się bardziej realistyczne.
Rzeźbiarskie kanony Polikleita i Mirona .
1. Hymn o wielkości i duchowej mocy człowieka;
2. Ulubiony obraz - smukły młody człowiek o atletycznej sylwetce;
3. Duchowy i fizyczny wygląd są harmonijne, nie ma nic zbędnego, „nic ponad miarę”.
Najsłynniejsi rzeźbiarze epoki klasycyzmu to Polikletos i Myron.
Polykleitos - Starożytny grecki rzeźbiarz i teoretyk sztuki, który pracował w Argos w drugiej połowie V wieku p.n.e.
| Policlet lubił przedstawiać sportowców w spoczynku, specjalizował się w przedstawianiu sportowców, zwycięzców olimpijskich. „Doryfor”("Włócznik") Poliklet jako pierwszy pomyślał o nadaniu figurom takiego stwierdzenia, że spoczywały one na dolnej części tylko jednej nogi. (Wczesnym przykładem klasycznego kontrapostu jest Doryphorus). Polykleitos umiał pokazać ludzkie ciało w stanie równowagi – jego postać w spoczynku lub w wolnym tempie wydaje się ruchliwa i ożywiona dzięki temu, że osie poziome nie są równoległe. Posągi Polikleta są pełne intensywnego życia. Polikleitos lubił przedstawiać sportowców w spoczynku. Weź tego samego "Włócznika". Ten potężnie zbudowany mężczyzna jest pełen poczucia własnej wartości. Stoi nieruchomo przed widzem. Ale to nie jest statyczna reszta starożytnych egipskich posągów. Jak człowiek, który umiejętnie i łatwo kontroluje swoje ciało, włócznik lekko zgiął jedną nogę i przeniósł ciężar ciała na drugą. Wydaje się, że minie chwila, a on zrobi krok do przodu, odwróci głowę, dumny ze swojej urody i siły. Przed nami mężczyzna silny, przystojny, wolny od strachu, dumny, powściągliwy – ucieleśnienie ideałów greckich. Dzieła sztuki: 2. „Diadumen” („Młody mężczyzna wiązany bandażem”). „Zraniona Amazonka” Kolosalny posąg Hery w Argos. Został wykonany w technice chryzoelefantyny i był postrzegany jako pandan dla olimpijskiego Zeusa Phidiasa. Rzeźby zaginęły i są znane z zachowanych starożytnych kopii rzymskich. |
1.Z rozkazu kapłanów Świątyni Artemidy w Efezie 440 p.n.e. Poliklet stworzył pomnik rannego Amazona, zajmując pierwsze miejsce w konkursie, w którym oprócz niego wzięli udział Fidiasz i Kresilaos. Ideę tego dają kopie - płaskorzeźba odkryta w Efezie, a także posągi w Berlinie, Kopenhadze i Metropolitan Museum of Art w Nowym Jorku. Nogi Amazonki są ustawione, podobnie jak Doryphorus, ale wolna ręka nie zwisa wzdłuż ciała, ale jest rzucona za głowę; druga ręka podtrzymuje ciało, opierając się na kolumnie. Poza jest harmonijna i zrównoważona, ale Poliklet nie wziął pod uwagę faktu, że jeśli rana otwiera się pod prawą klatką piersiową osoby, jego prawa ręka nie może być uniesiona wysoko. Najwyraźniej piękna, harmonijna forma interesowała go bardziej niż fabuła czy przekaz uczuć. Ta sama troska jest nasycona starannym opracowaniem fałd krótkiej tuniki Amazonki.
2. Następnie Policlet pracowała w Atenach, gdzie ok. godz. 420 pne stworzył Diadumena, młodego mężczyznę z bandażem na głowie. W tym dziele, które nazwano łagodnym młodzieńcem, w przeciwieństwie do odważnych Doryforów, wyczuwa się wpływ szkoły attyckiej. Tutaj ponownie używany jest motyw kroku, mimo że obie ręce są uniesione i trzymają bandaż, ruch, który byłby bardziej odpowiedni dla spokojnej i stabilnej pozycji nóg. Przeciwieństwo prawej i lewej strony nie jest tak wyraźne. Rysy twarzy i bujne kosmyki włosów są znacznie bardziej miękkie niż w poprzednich pracach. Najlepsze powtórzenia Diadumena to kopia znaleziona na Delos, a obecnie w Atenach, posąg z Vezon we Francji, przechowywany w British Museum oraz kopie w Madrycie i Metropolitan Museum of Art. Zachowało się również kilka figurek z terakoty i brązu. Najlepsze egzemplarze głowy Diadumena znajdują się w Dreźnie i Kassel.
3. Około 420 pne Poliklet stworzył dla świątyni w Argos kolosalną chryzoelefantynową (wykonaną ze złota i kości słoniowej) figurę Hery siedzącej na tronie. Monety Argive mogą dać pewne wyobrażenie o tym, jak wyglądał ten starożytny posąg. Obok Hery stała Hebe, wyrzeźbiona przez Naucisa, ucznia Polikleta. W plastycznym projekcie świątyni można wyczuć zarówno wpływ mistrzów szkoły attyckiej, jak i Polikleta; być może jest to dzieło jego uczniów. Twórcom Polikleta brakowało majestatu posągów Fidiasza, ale wielu krytyków uważa je za lepsze od Fidiasza pod względem akademickiej perfekcji i doskonałej postawy. Polikletos miał wielu uczniów i zwolenników aż do ery Lizypa (koniec IV wieku p.n.e.), który twierdził, że jego nauczycielem w sztuce był Doryforos, chociaż później odszedł od kanonu Polikleta i zastąpił go swoim własnym.
Myron
stworzył posągi zwycięskich sportowców, poprawnie i naturalnie oddał ludzką postać, odkrył tajemnicę plastycznej koncepcji ruchu. Ale (!!!) jego prace mają tylko jeden punkt widzenia. Do jego najsłynniejszych dzieł należy kompozycja rzeźbiarska 
„Atena i Marsjasz”, a także „Discobolus”. 
Myron był starszym współczesny Fidiaszowi i Polikletosowi i był uważany za jednego z największych rzeźbiarzy swoich czasów. Pracował w brązie, ale żadne z jego dzieł nie zachowało się; znane są głównie z kopii. Najbardziej znanym dziełem Mirona jest „Rzut dyskiem”. Rzucający dyskiem jest przedstawiony w złożonej pozie w momencie największego napięcia przed rzutem. Rzeźbiarza interesował kształt i proporcje poruszających się postaci. Miron był mistrzem w przekazywaniu ruchu w kulminacyjnym momencie, w momencie przejściowym. W pochwalnym epigramie poświęconym posągowi atlety Ładasa z brązu podkreśla się, że zdyszany biegacz jest przedstawiony z niezwykłą plastycznością. Grupę rzeźbiarską Myron Ateny i Marsjasza, która stała na ateńskim Akropolu, cechuje ta sama umiejętność przekazywania ruchu.
2.Twórczość rzeźbiarska Skopasa i Praksytelesa.
IV wiek PNE.
1. Dążył do przeniesienia energicznego działania;
2. Przekazali uczucia i doświadczenia osoby:
Pasja
zaduma
Miłość
Furia
Rozpacz
Cierpienie
SCOPAS
(rozkwit działalności 375–335 p.n.e.), grecki rzeźbiarz i architekt, urodzony na wyspie Paros ok. godz. Prawdopodobnie 420 pne. Pierwszym znanym nam dziełem Skopasa jest świątynia Ateny Alei w Tegei na Peloponezie, która musiała zostać odbudowana, gdyż spłonęła w 395 roku p.n.e. Skopas był częścią grupy czterech rzeźbiarzy (i prawdopodobnie był najstarszy z nich), którym wdowa po Mausolus Artemisia zleciła stworzenie rzeźbiarskiej części Mauzoleum (jednego z siedmiu cudów świata) w Halikarnasie, grób jej męża. Pasja tkwiąca w pracach Scopas realizowana jest przede wszystkim za pomocą: nowa interpretacja oczu: są głęboko osadzone i otoczone ciężkimi fałdami powiek.Żywość ruchów i odważne pozycje ciała wyrażają intensywną energię i demonstrują pomysłowość mistrza. 
Najsłynniejszymi dziełami Skopasa były:
- Skopas . „Amazonomachia”.
- Bitwa Greków z Amazonkami. Fragment fryzu Mauzoleum w Halikarnasie. Marmur. Około 350 pne mi. Londyn. Brytyjskie Muzeum. 
Wspaniała jest płaskorzeźba przedstawiająca wojownika pochylającego się ostro do tyłu, próbującego oprzeć się naporowi Amazonki, która jedną ręką chwyciła jego tarczę, a drugą zadała śmiertelny cios. Na lewo od tej grupy znajduje się Amazonka na gorącym koniu. Siada odwrócona tyłem i najwyraźniej rzuca strzałą w ścigającego ją wroga. Koń prawie przejeżdża nad odchylonym do tyłu wojownikiem. Ostre zderzenie przeciwstawnych ruchów jeźdźca i wojownika oraz niezwykłe lądowanie Amazonki potęgują dramaturgię kompozycji swoimi kontrastami.
Skopas. Głowa rannego wojownika z zachodniego frontonu świątyni Ateny-Alei w Tegei. Marmur. I poł. IV w. pne mi. Ateny. Muzeum Narodowe. 
Skopas. Bachantka. Poł. IV w. pne mi. Redukcja marmurowa rzymska kopia zaginionego oryginału. Drezno. Albertinum.
Marmurowa „Maenada”, która dotarła do nas w małej zniszczonej antycznej kopii, uosabia wizerunek człowieka opętanego gwałtownym wybuchem namiętności. Nie ucieleśnienie wizerunku bohatera, który potrafi śmiało panować nad swoimi namiętnościami, ale ujawnienie niezwykłej ekstatycznej pasji, która ogarnia człowieka, jest charakterystyczne dla Maenady. Co ciekawe, Menada Skopas, w przeciwieństwie do rzeźb z V wieku, jest przeznaczona do oglądania ze wszystkich stron.
PRAKSITELE (IV wiek p.n.e.),
| Praksyteles to starożytny grecki rzeźbiarz, jeden z najwybitniejszych rzeźbiarzy attyckich IV wieku p.n.e. mi. Autor słynnych kompozycji „Hermes z małym Dionizosem”, „Apollo zabija jaszczurkę”. Większość dzieł Praksytelesa znana jest z kopii rzymskich lub z opisów autorów antycznych. Rzeźby Praksytelesa namalował ateński artysta Nikias. Praksyteles - pierwszy rzeźbiarz, który jak najbardziej realistycznie przedstawił nagą kobietę: rzeźba Afrodyty z Knidos, gdzie naga bogini trzyma w ręku opadłą szatę. Praksyteles. Szef Afrodyty z Knidos (Aphrodite Kaufmann). Do 360 pne mi. Marmurowa rzymska kopia zaginionego oryginału. Berlin. Sobr. Kaufmana. |
Posąg Afrodyty z Knidos był uważany w starożytności nie tylko za najlepsze dzieło Praksytelesa, ale ogólnie za najlepszy posąg wszechczasów. Jak pisze Pliniusz Starszy, wielu przybyło do Knidos tylko po to, by ją zobaczyć. Był to pierwszy monumentalny wizerunek całkowicie nagiej postaci kobiecej w sztuce greckiej, dlatego został odrzucony przez mieszkańców Kos, dla których był przeznaczony, po czym został kupiony przez mieszczan sąsiedniego Knidus. W czasach rzymskich wizerunek tego posągu Afrodyty bito na monetach Knidos, wykonano z niego liczne kopie (najlepszy z nich znajduje się obecnie w Watykanie, a najlepszy egzemplarz głowy Afrodyty znajduje się w kolekcji Kaufmanna w Berlinie ). W starożytności twierdzono, że wzorem Praksytelesa była jego ukochana, hetera Phryne. 
Najlepszy pomysł na styl Praksytelesa daje posąg Hermesa z małym Dionizosem (Muzeum w Olimpii), który został znaleziony podczas wykopalisk w świątyni Hery w Olimpii. Mimo pewnych wątpliwości jest to prawie na pewno oryginalny, stworzony ok. 340 pne Giętka postać Hermesa z wdziękiem opierała się o pień drzewa. Mistrzowi udało się poprawić interpretację motywu mężczyzny z dzieckiem na rękach: ruchy obu rąk Hermesa są kompozycyjnie związane z dzieckiem. Zapewne w jego prawej, niezachowanej dłoni znajdowała się kiść winogron, którymi drażnił Dionizosa, dlatego maluch po nią sięgał. Postać Hermesa jest proporcjonalnie zbudowana i perfekcyjnie dopracowana, uśmiechnięta twarz pełna życia, profil pełen wdzięku, a gładka powierzchnia skóry ostro kontrastuje ze schematycznie zarysowanymi włosami i wełnianą powierzchnią płaszcza narzuconego na tułów . Pomalowano włosy, draperie, oczy i usta oraz paski sandałów.
Gorsze są inne posągi Afrodyty przypisywane Praksytelesowi. Nie zachowała się kopia posągu wybranego przez mieszkańców Kos. Afrodyta z Arles, nazwana tak od miejsca odkrycia i przechowywana w Luwrze, może nie przedstawiać Afrodyty, lecz Phryne. Nogi posągu są zasłonięte draperią, a tors jest całkowicie odsłonięty; sądząc po jej postawie, w lewej ręce trzymała lustro. Zachowało się też kilka pięknych statuetek kobiety zakładającej naszyjnik, ale znowu można w nich zobaczyć zarówno Afrodytę, jak i śmiertelną kobietę.
Praksyteles. Artemida z Gabii. Około 340-330 lat. pne mi. Marmurowa rzymska kopia zaginionego oryginału. Paryż. Żaluzja.
W posągu Artemidy widzimy przykłady rozwiązania motywu udrapowanej postaci ludzkiej. Artemida ukazana jest tutaj jako patronka kobiet: zarzuca na prawe ramię welon, przyniesiony przez kobietę w prezencie za pomyślne uwolnienie się od ciężaru.
Praksyteles był niezrównanym mistrzem w przekazywaniu wdzięku ciała i subtelnej harmonii ducha. Najczęściej przedstawiał bogów, a nawet satyrów jako młodych; w swojej pracy zastępować majestat i wzniosłość obrazów V wieku. PNE. przychodzą łaska i rozmarzona czułość.
3. Leochar i Lysippus. Sztuka kierunku pseudoklasycznego najbardziej konsekwentnie ujawniała się w twórczości Leonarze, Leohar, z urodzenia Ateńczyk, został nadwornym malarzem Aleksandra Wielkiego. To on stworzył wiele chryzoelefantynowych posągów królów dynastii macedońskiej dla Filipejonów. Chłodny i pompatyczny klasycyzujący, czyli zewnętrznie naśladujący formy klasyczne, styl dzieł Leochara odpowiadał potrzebom rodzącej się monarchii Aleksandra. Wyobrażenie o stylu prac Leohara, poświęcony chwale monarchii macedońskiej, daje nam rzymską kopię swojego bohaterskiego portretu Aleksandra Wielkiego. Naga postać Aleksandra miała charakter abstrakcyjny i idealny.
Leohar. Apollo Belvedere
. Około 340 pne. mi. Marmurowa rzymska kopia zaginionego oryginału z brązu. Rzym. Watykan. 
Najważniejszym z dzieł Leohara był posąg Apolla - słynny "Apollo Belvedere" ( „Apollo Belvedere” – nazwa rzymskiej kopii marmurowej, która wywodzi się z brązowego oryginału Leochara, który znajdował się niegdyś w watykańskim Belwederze (otwarta loggia)).
Jednak wizerunek Apolla jest bardziej spektakularny na zewnątrz niż wewnętrznie. Splendor fryzury, wyniosły obrót głowy, znana teatralność gestu są głęboko obce prawdziwym tradycjom klasyków. 
Słynny posąg „Artemidy Wersalskiej”, pełen zimnej, nieco aroganckiej wielkości, również znajduje się blisko kręgu Leochara.
Leohar. Artemida Wersalska. III ćwierć IV w. pne mi. Marmurowa rzymska kopia zaginionego oryginału. Paryż. Żaluzja.
Lysippos.. W sztuce, Lysippe zdecydował zadanie ujawnienia wewnętrznego świata ludzkich przeżyć i pewnej indywidualizacji wizerunku osoby. W tym samym czasie Lysippus wprowadził nowe odcienie do rozwiązania tych problemów artystycznych, a co najważniejsze, przestał uważać stworzenie wizerunku idealnej pięknej osoby za główne zadanie sztuki. Lysippos jako artysta czuł, że nowe warunki życia społecznego pozbawiły ten ideał jakiejkolwiek poważnej podstawy życiowej.
Po pierwsze, Lysippus znajduje podstawę dla obrazu typowego wizerunku osoby nie w tych cechach, które charakteryzują człowieka jako członka zespołu wolnych obywateli polis, jako harmonijnie rozwiniętą osobowość, ale w cechach jego wieku, zawodu, przynależności do tego czy innego temperamentu psychicznego. Szczególnie ważną nowością w twórczości Lysippusa jest zainteresowanie ujawnieniem tego, co charakterystycznie ekspresyjne, a nie idealnie idealne w obrazie osoby.
Po drugie Lysippus do pewnego stopnia podkreśla w swoich pracach moment osobistej percepcji, stara się przekazać jego emocjonalny stosunek do przedstawionego wydarzenia. Według Pliniusza Lysippos powiedział, że jeśli starożytni przedstawiali ludzi takimi, jakimi byli, to on, Lysippos, jest taki, jakim się wydają. Lysippos. Apoksyomenos. Głowa (zob. il. 215).
Pojmowanie wizerunku człowieka przez Lysipposa było szczególnie wyraziście zawarte w jego posągu z brązu, słynącym w starożytności. posąg Apoksyomenosa. Lysippus przedstawił młodego mężczyznę, który czyści piasek areny skrobaczką, która przykleiła się do jego ciała podczas zawodów sportowych. W tym posągu artysta bardzo: ekspresyjnie oddał stan zmęczenia, jaki ogarnął młodzieńca po stresie walki, której doświadczył.
W Apoxyomeno Lysippus chce pokazać nie wewnętrzny spokój i stabilną równowagę, ale złożoną i sprzeczną zmianę odcieni nastroju.
Lysippos. Odpoczywający Hermes
. III ćwierć IV w. pne mi. Brązowa rzymska kopia zaginionego oryginału. Neapol. Muzeum Narodowe. 
Hermes wydawał się siedzieć przez chwilę na krawędzi urwiska. Artysta przekazał tu spokój, lekkie zmęczenie, a jednocześnie gotowość Hermesa do kontynuowania szybkiego, szybkiego lotu.
W tej samej serii znalazła się również grupa przedstawiająca zmagania Herkulesa z lwem nemejskiej, która również trafiła do nas w rzymskiej kopii przechowywanej w Ermitażu. 
Lysippos. Herkules z lwem . II poł. IV w. pne mi. Zredukowana marmurowa kopia z okresu rzymskiego z zagubionego oryginału z brązu. Leningrad. Pustelnia.
Szczególne znaczenie dla dalszej ewolucji portretu greckiego miała twórczość Lizypa.
Szef Aleksandra Wielkiego
z wyspy Kos. Marmur Oryginalność i siła umiejętności portretowych Lysipposa były najbardziej wyraziste w jego portretach Aleksandra Wielkiego. 
Silny, energiczny obrót głowy, ostro odrzucone do tyłu kosmyki włosów tworzą ogólne wrażenie żałosnego impulsu. Z drugiej strony żałobne fałdy na czole, cierpiące spojrzenie, zakrzywione usta nadają wizerunkowi Aleksandra rysy tragicznego zamętu. W tym portrecie po raz pierwszy w historii sztuki z taką siłą wyrażane jest napięcie namiętności i ich wewnętrzna walka.
4. Rzeźba hellenizmu.
1. Podniecenie i napięcie twarzy;
2. Wir uczuć i doświadczeń w obrazach;
3. Senność obrazów;
4. Harmoniczna doskonałość i powaga
Sztuka hellenistyczna pełna jest kontrastów – gigantycznych i miniaturowych, ceremonialnych i domowych, alegorycznych i naturalnych. Główny trend - odejście od uogólnionego typu ludzkiegodo rozumienia człowieka jako konkretnej, indywidualnej istoty, i stąd rosnąca dbałość o jego psychologię, zainteresowanie wydarzeniami i nową czujność na narodowe, wiekowe, społeczne i inne oznaki osobowości.
Wszystko to nie oznacza, że epoka hellenistyczna nie pozostawiła wielkich rzeźbiarzy i ich pomników sztuki. Ponadto stworzyła prace, które naszym zdaniem są syntezą najwyższych osiągnięć starożytnych sztuk plastycznych, są jej niedostępnymi próbkami - 
Afrodyta z Melos,
Nike z Samotraki , ołtarz Zeusa w Pergamonie. Te słynne rzeźby powstały w epoce hellenistycznej. Ich autorzy, o których nic lub prawie nic nie wiadomo, pracowali zgodnie z tradycją klasyczną, rozwijając ją prawdziwie twórczo.
Wśród rzeźbiarzy tej epoki można wymienić nazwiska: Apoloniusz, Taurisk („byk farnezyjski”), Atenodoros, Polidoros, Agesander („Afrodyta z Melos”, „Laokoon”).
Moralność i formy życia, a także formy religii zaczęły się mieszać w epoce hellenistycznej, ale nie zapanowała przyjaźń i nie nadszedł pokój, niezgoda i wojna nie ustały.
5.Wniosek. Jedno łączyło wszystkie okresy rozwoju greckiego społeczeństwa i sztuki: to szczególne upodobanie do sztuk plastycznych, do sztuk przestrzennych.
Zbadaliśmy dzieła największych rzeźbiarzy starożytnej Grecji przez cały okres starożytności. Widzieliśmy cały proces powstawania, rozkwitu i upadku stylów rzeźbiarskich - całe przejście od surowych, statycznych i wyidealizowanych form archaicznych, poprzez zrównoważoną harmonię rzeźby klasycznej, do dramatycznej psychologii posągów hellenistycznych. Twórczość rzeźbiarzy starożytnej Grecji przez wiele stuleci słusznie uważana była za wzór, ideał, kanon, a teraz nie przestaje być uznawana za arcydzieło światowej klasyki. Nic takiego nie osiągnięto wcześniej ani później. Wszystkie współczesne rzeźby można uznać, w takim czy innym stopniu, za kontynuację tradycji starożytnej Grecji. Rzeźba starożytnej Grecji w swoim rozwoju przeszła trudną ścieżkę, torując drogę do rozwoju sztuki plastycznej kolejnych epok w różnych krajach.
Wiadomo, że większość starożytnych mistrzów plastyki nie rzeźbiła w kamieniu, ale odlewała w brązie. W wiekach, które nastąpiły po erze cywilizacji greckiej, lepiej było zachować arcydzieła z brązu, które zostały przetopione na kopuły lub monety, a później na armaty. W późniejszym czasie tradycje ustanowione przez starożytne greckie rzeźby zostały wzbogacone o nowe osiągnięcia i osiągnięcia, a starożytne kanony stanowiły niezbędną podstawę, podstawę rozwoju sztuki plastycznej we wszystkich późniejszych epokach.
6. Dom. zadanie: ch.8, st.84-91., zadanie st.91.
LISTA WYKORZYSTYWANYCH ŹRÓDEŁ
1. Kultura antyczna. Słownik-odniesienie / pod ogólnym. wyd. V.N. Jarcho - M., 2002
2. Bystrova A. N. „Świat kultury, podstawy kulturoznawstwa”
Polikarpow V.S. Wykłady z kulturoznawstwa - M.: „Gardarika”, „Biuro Ekspertów”, 1997
3. Żmija B.R. Sztuka starożytnej Grecji. - M., 1972
4. Gnedich P.P. Światowa historia sztuki - M., 2000
5. Gribunina N.G. Historia światowej kultury artystycznej, w 4 częściach. Części 1, 2. - Twer, 1993
6. Dmitrieva, Akimova. Sztuka antyczna. Eseje. - M., 1988
W starożytnej Grecji ludzie wysoko cenili piękno. Szczególnie Grecy woleli rzeźbę. Jednak wiele arcydzieł wielkich rzeźbiarzy zginęło i nie dotarło do naszych czasów. Na przykład dyskobola rzeźbiarza Myrona, Doryforosa z Policlet, „Afrodyta z Knidos” z Praksytelesa, Laokoona rzeźbiarza Agesandera. Wszystkie te rzeźby zginęły, a jednak... znamy je bardzo dobrze. Jak można zachować zaginione rzeźby? Tylko dzięki licznym kopiom, które znajdowały się w domach bogatych starożytnych kolekcjonerów i zdobiły dziedzińce, galerie i sale Greków i Rzymian.
Dorifor – „Spearman” przez wiele stuleci stał się wzorem męskiej urody. A „Afrodyta z Knidos” – jedna z najsłynniejszych rzeźb nagich kobiet w starożytnej Grecji – stała się wzorem kobiecego piękna. Aby podziwiać Afrodytę, starożytni Grecy przybyli z innych miast i widząc, jaka jest piękna, kazali nieznanym rzeźbiarzom wykonać dokładnie tę samą kopię, aby umieścić Afrodytę na rynku miejskim lub na dziedzińcu ich bogatego mieszkania.
Discus thrower - zaginiony brązowy posąg atlety, który ma zamiar rzucić dyskiem, został stworzony przez Myrona około V wieku p.n.e. mi. - to pierwsza w sztuce Grecji próba wyrzeźbienia postaci w ruchu i próba jest więcej niż udana. Młody sportowiec zamarł na ułamek sekundy, a za chwilę zacznie się kręcić, by z całych sił rzucić dyskiem.
Laokoon to rzeźbiarska grupa cierpiących ludzi, ukazana w bolesnej walce. Laokoon był księdzem, który ostrzegał mieszkańców miasta Troi - Trojan - że miasto może zostać zabite dzięki drewnianemu koniowi. W tym celu bóg mórz, Posejdon, wysłał z morza dwa węże, które udusiły Laokoona i jego synów. Posąg został znaleziony stosunkowo niedawno, bo w XVII wieku. A wielki renesansowy rzeźbiarz Michał Anioł powiedział, że Laokoon jest najlepszym posągiem na świecie. Gdyby w starożytności nie było miłośników i kolekcjonerów próbek pięknej rzeźby, współczesna ludzkość również nie poznałaby tego arcydzieła.
Spadły nam także liczne hermy rzymskie i greckie - głowy i popiersia ludzi na trybunach. Sztuka tworzenia herm wywodzi się z tworzenia rytualnych filarów kultu Hermesa, na których szczycie znajdowała się stiukowa głowa bóstwa handlu, nauki i podróży. Pod nazwą Hermes filary zaczęto nazywać hermami. Takie słupy znajdowały się na skrzyżowaniu dróg, przy wjeździe do miasta lub wsi lub przy wejściu do domu. Wierzono, że taki obraz odstrasza siły zła i nieżyczliwe duchy.
Od około IV wieku p.n.e. wszystkie wizerunki portretowe ludzi zaczęto nazywać hermami, weszły one w skład wnętrza domu, a bogaci i szlachetni Grecy i Rzymianie nabyli całe galerie portretowe, tworząc swoistą ekspozycję zarodków rodzinnych. Dzięki tej modzie i tradycji wiemy, jak wyglądali starożytni filozofowie, dowódcy, cesarze żyjący przed tysiącami lat.
Starożytne malarstwo greckie praktycznie do nas nie dotarło. jednak zachowane przykłady świadczą o tym, że sztuka helleńska osiągnęła wyżyny malarstwa zarówno realistycznego, jak i symbolicznego. Tragedia miasta Pompeje, pokrytego popiołami Wezuwiusza, zachowały do dziś wspaniałe malowidła, które pokryły wszystkie ściany budynków użyteczności publicznej i mieszkalnych, w tym domy w ubogich dzielnicach. Freski ścienne poświęcone były różnorodnym tematom, artyści starożytności osiągnęli perfekcję w umiejętnościach malarskich, a dopiero wieki później tę drogę powtórzyli mistrzowie renesansu.
Historycy zeznają, że w starożytnej Grecji przy ateńskiej świątyni znajdowała się przybudówka zwana Pinakoteką, w której przechowywano starożytne greckie malowidła. Starożytna legenda opowiada, jak powstał pierwszy obraz. Jedna Greczynka naprawdę nie chciała rozstać się ze swoim kochankiem, który miał iść na wojnę. Podczas ich wieczornej randki była pełnia księżyca. Na białej ścianie pojawił się cień młodego mężczyzny. Dziewczyna wzięła kawałek węgla i okrążyła jego cień. To spotkanie było ostatnim. Młody człowiek zmarł. Ale jego cień pozostał na ścianie, a ten obraz cienia był przechowywany przez długi czas w jednej ze świątyń miasta Koryntu.
Wiele obrazów starożytnych Greków powstało zgodnie z zasadą wypełniania sylwetki - najpierw na obrazie narysowano kontur postaci, prawie taki sam, jak mówi się w legendzie, a dopiero potem namalowano kontur. Początkowo starożytni Grecy mieli tylko cztery kolory - biały, czarny, czerwony i żółty. Oparte były na kolorowych minerałach i zagniatane z żółtkiem jaja lub roztopionym woskiem, rozcieńczonym wodą. Odległe postacie na zdjęciu mogły być większe niż przednie, starożytni Grecy stosowali zarówno perspektywę bezpośrednią, jak i odwróconą. Obrazy malowano na deskach lub na mokrym tynku.
Sztuki wizualne przenikały także do dziedzin użytkowych. Malowane greckie naczynia, amfory i wazony przechowywane są w wielu muzeach na całym świecie i przekazują nam piękno codzienności, charakterystyczne dla starożytnych cywilizacji.
Mozaika to wyjątkowa sztuka starożytna, która przyniosła nam całe piękno starożytnego malarstwa.- kolosalne obrazy, układane z kawałków kolorowych kamieni, aw późniejszych okresach ze szkła, powstawały według malowniczych szkiców i okazały się rodzajem wiecznej sztuki. Mozaiki zdobiły podłogi, ściany, elewacje domów, odgrywały zarówno estetyczną, jak i praktyczną rolę w tworzeniu harmonijnego i pięknego środowiska mieszkalnego.
Epoka starożytności była rozkwitem sztuki tworzenia piękna i harmonii we wszystkich przejawach. Upadek i zapomnienie kultury antycznej doprowadził ludzkość do powrotu do filozofii negatywizmu i triumfu absurdalnych uprzedzeń. Utrata estetyki podziwiania piękna, zaprzeczenie naturalnemu pięknu ludzkiego ciała, zniszczenie starożytnych świątyń i dzieł sztuki stały się najbardziej zauważalną konsekwencją upadku starożytnego świata. Minęły wieki, zanim ideały starożytności powróciły i zaczęły być twórczo przemyślane przez artystów renesansu, a następnie przez mistrzów New Age.
Istnieje wiele faktów historycznych związanych z greckimi posągami (których nie będziemy się zajmować w tym zestawieniu). Jednak nie trzeba mieć dyplomu z historii, aby podziwiać niesamowite kunszt tych wspaniałych rzeźb. Prawdziwie ponadczasowe dzieła sztuki, te 25 najbardziej legendarnych greckich posągów to arcydzieła o różnych proporcjach.
Sportowiec z Fano
Znana pod włoską nazwą Sportowiec Fano, Zwycięska Młodzież to grecka rzeźba z brązu, która została znaleziona w Morzu Fano na wybrzeżu Adriatyku we Włoszech. Fano Athlete został zbudowany między 300 a 100 pne i znajduje się obecnie w zbiorach J. Paul Getty Museum w Kalifornii. Historycy uważają, że posąg był kiedyś częścią grupy rzeźb zwycięskich sportowców w Olimpii i Delfach. Włochy nadal chcą zwrócić rzeźbę i kwestionują jej usunięcie z Włoch.
Posejdon z Przylądka Artemision
Starożytna grecka rzeźba, która została znaleziona i odrestaurowana przez morze na Przylądku Artemision. Uważa się, że brązowa Artemizja reprezentuje Zeusa lub Posejdona. Nadal trwa debata na temat tej rzeźby, ponieważ jej brakujące pioruny wykluczają możliwość, że jest to Zeus, a brak trójząb wyklucza również możliwość, że jest to Posejdon. Rzeźba zawsze kojarzyła się ze starożytnymi rzeźbiarzami Myronem i Onatasem.
Posąg Zeusa w Olimpii
Posąg Zeusa w Olimpii to 13-metrowy posąg z gigantyczną postacią siedzącą na tronie. Rzeźba ta została stworzona przez greckiego rzeźbiarza Fidiasza i znajduje się obecnie w Świątyni Zeusa w Olimpii w Grecji. Posąg wykonany jest z kości słoniowej i drewna i przedstawia greckiego boga Zeusa siedzącego na cedrowym tronie ozdobionym złotem, hebanem i innymi drogocennymi kamieniami. 
Atena Partenon
Atena z Partenonu to gigantyczny posąg greckiej bogini Ateny ze złota i kości słoniowej, odkryty w Partenonie w Atenach. Wykonany ze srebra, kości słoniowej i złota, został stworzony przez słynnego starożytnego greckiego rzeźbiarza Fidiasza i jest dziś uważany za najsłynniejszy symboliczny symbol Aten. Rzeźba została zniszczona przez pożar, który miał miejsce w 165 rpne, ale została odrestaurowana i umieszczona w Partenonie w V wieku. 
Pani z Auxerre
75 cm Pani z Auxerre to kreteńska rzeźba znajdująca się obecnie w paryskim Luwrze. Przedstawia archaiczną grecką boginię z VI wieku, Persefoną. Kurator z Luwru, Maxime Collignon, znalazł miniposążek w podziemiach Musée Auxerre w 1907 roku. Historycy uważają, że rzeźba powstała w VII wieku podczas greckiego okresu przejściowego. 
Antinous Mondragon
Marmurowy posąg o wysokości 0,95 metra przedstawia boga Antinousa wśród ogromnej grupy posągów kultowych zbudowanych w celu czczenia Antinousa jako greckiego boga. Kiedy rzeźbę znaleziono we Frascati w XVII wieku, rozpoznano ją po prążkowanych brwiach, poważnym wyrazie twarzy i spojrzeniu skierowanym w dół. Ta kreacja została zakupiona w 1807 roku dla Napoleona i obecnie jest wystawiana w Luwrze. 
Apollo Strangford
Starożytna grecka rzeźba wykonana z marmuru Strangford Apollo została zbudowana w latach 500-490 pne i została stworzona na cześć greckiego boga Apolla. Został odkryty na wyspie Anafi i nazwany na cześć dyplomaty Percy'ego Smitha, 6. wicehrabiego Strangforda i prawdziwego właściciela posągu. Apollo znajduje się obecnie w pokoju 15 w British Museum. 
Krojsos z Anavyssos
Odkryty w Attyce Kroisos z Anavyssos to marmurowy kouros, który niegdyś służył jako posąg grobowy dla Kroisos, młodego i szlachetnego greckiego wojownika. Posąg słynie z archaicznego uśmiechu. Wysoki na 1,95 metra Kroisos to wolnostojąca rzeźba, która została zbudowana w latach 540-515 pne i jest obecnie wystawiana w Narodowym Muzeum Archeologicznym w Atenach. Napis pod pomnikiem głosi: „Zatrzymaj się i opłakuj nagrobek Kroisosa, który został zabity przez szalejącego Aresa, gdy był w pierwszych szeregach”. 
Beaton i Kleobis
Stworzony przez greckiego rzeźbiarza Polymidisa, Byton i Kleobis to para archaicznych greckich posągów stworzonych przez Argives w 580 rpne, aby czcić dwóch braci związanych z Solonem w legendzie zwanej Historiami. Statua znajduje się obecnie w Muzeum Archeologicznym w Delfach w Grecji. Pierwotnie zbudowany w Argos na Peloponezie, w Delfach znaleziono parę posągów z inskrypcjami na podstawie identyfikujących je jako Kleobis i Byton. 
Hermes z małym Dionizosem
Stworzony na cześć greckiego boga Hermesa, Hermes Praksyteles reprezentuje Hermesa noszącego inną popularną postać w mitologii greckiej, niemowlę Dionizosa. Posąg został wykonany z marmuru pariańskiego. Historycy uważają, że został zbudowany przez starożytnych Greków w 330 p.n.e. Jest dziś znany jako jedno z najbardziej oryginalnych arcydzieł wielkiego greckiego rzeźbiarza Praksytelesa i znajduje się obecnie w Muzeum Archeologicznym w Olimpii w Grecji. 
Aleksander Wielki
W Pałacu Pella w Grecji odkryto posąg Aleksandra Wielkiego. Pokryty marmurem i wykonany z marmuru posąg został zbudowany w 280 rpne na cześć Aleksandra Wielkiego, popularnego greckiego bohatera, który zyskał sławę w kilku częściach świata i toczył bitwy przeciwko armiom perskim, zwłaszcza pod Granisus, Issus i Gaugamela. Posąg Aleksandra Wielkiego znajduje się obecnie wśród greckich kolekcji sztuki Muzeum Archeologicznego w Pelli w Grecji. 
Kora w Peplos
Odrestaurowany z Akropolu w Atenach, Peplos Kore jest stylizowanym przedstawieniem greckiej bogini Ateny. Historycy uważają, że posąg został stworzony jako wotum w czasach starożytnych. Stworzony w archaicznym okresie greckiej historii sztuki, Kore charakteryzuje się sztywną i formalną pozą Ateny, jej majestatycznymi lokami i archaicznym uśmiechem. Posąg pierwotnie występował w różnych kolorach, ale dziś widać tylko ślady jego pierwotnych barw. 
Efeb z Antykithiry
Wykonany z drobnego brązu Efeb z Antykithiry jest posągiem młodego mężczyzny, boga lub bohatera, trzymającego w prawej ręce kulisty przedmiot. Będąc dziełem peloponeskiej rzeźby z brązu, posąg ten został odrestaurowany na terenie wraku statku w pobliżu wyspy Antikythera. Uważa się, że jest to jedno z dzieł słynnego rzeźbiarza Ephranora. Efeb jest obecnie wystawiany w Narodowym Muzeum Archeologicznym w Atenach. 
Delficki woźnica
Lepiej znany jako Heniokos, Woźnica z Delf jest jednym z najpopularniejszych posągów, które przetrwały starożytną Grecję. Ten posąg z brązu naturalnej wielkości przedstawia woźnicę rydwanu, który został odrestaurowany w 1896 roku w Sanktuarium Apolla w Delfach. Tutaj został pierwotnie wzniesiony w IV wieku, aby upamiętnić zwycięstwo drużyny rydwanów w dawnych sportach. Pierwotnie część ogromnej grupy rzeźb, Woźnica z Delf jest obecnie wystawiona w Muzeum Archeologicznym w Delfach. 
Harmodius i Aristogeiton
Harmodius i Aristogeiton zostali stworzeni po ustanowieniu demokracji w Grecji. Stworzone przez greckiego rzeźbiarza Antenora posągi zostały wykonane z brązu. Były to pierwsze posągi w Grecji, za które sfinansowano środki publiczne. Celem stworzenia było uhonorowanie obu mężczyzn, których starożytni Ateńczycy uznawali za wybitne symbole demokracji. Pierwotnym miejscem instalacji był Keramejkos w 509 r., wraz z innymi bohaterami Grecji. 
Afrodyta z Knidos
Znany jako jeden z najpopularniejszych posągów stworzonych przez starożytnego greckiego rzeźbiarza Praksytelesa, Afrodyta z Knidos była pierwszą naturalnej wielkości przedstawieniem nagiej Afrodyty. Praksyteles zbudował posąg po tym, jak Kos zlecił mu stworzenie posągu przedstawiającego piękną boginię Afrodytę. Oprócz statusu kultowego obrazu arcydzieło stało się punktem orientacyjnym w Grecji. Jego oryginalna kopia nie przetrwała potężnego pożaru, który miał miejsce w starożytnej Grecji, ale jej replika jest obecnie wystawiona w British Museum. 
Skrzydlaty Zwycięstwo Samotraki
Utworzony w 200 pne. Skrzydlaty Zwycięstwo z Samotraki przedstawiający grecką boginię Nike jest dziś uważany za największe arcydzieło rzeźby hellenistycznej. Obecnie jest wystawiana w Luwrze wśród najbardziej znanych oryginalnych posągów na świecie. Powstał między 200 a 190 rokiem p.n.e. nie po to, by uczcić grecką boginię Nike, ale by uczcić bitwę morską. Skrzydlaty Zwycięstwo zostało ustanowione przez macedońskiego generała Demetriusza, po jego zwycięstwie na morzu na Cyprze. 
Posąg Leonidasa I pod Termopilami
Pomnik spartańskiego króla Leonidasa I pod Termopilami został wzniesiony w 1955 roku, ku pamięci bohaterskiego króla Leonidasa, który wyróżnił się podczas bitwy z Persami w 480 rpne. Znak został umieszczony pod posągiem, który brzmi „Przyjdź i weź to”. To właśnie powiedział Leonidas, gdy król Kserkses i jego armia poprosili ich o złożenie broni. 
Ranny Achilles
Ranny Achilles to wizerunek bohatera Iliady o imieniu Achilles. To starożytne greckie arcydzieło przedstawia jego agonię przed śmiercią, zranioną śmiertelną strzałą. Wykonany z kamienia alabastrowego, oryginalny posąg znajduje się obecnie w rezydencji Achilleion królowej Elżbiety Austrii w Kofu w Grecji. 
Umierający Gal
Znana również jako Śmierć Galatiana lub Umierającego Gladiatora, Umierający Gal to starożytna rzeźba hellenistyczna, która powstała między 230 pne a 230 pne. i 220 pne dla Attalusa I z Pergamonu, aby uczcić zwycięstwo swojej grupy nad Galami w Anatolii. Uważa się, że posąg został stworzony przez Epigonusa, rzeźbiarza z dynastii Attalidów. Posąg przedstawia umierającego celtyckiego wojownika leżącego na upadłej tarczy obok miecza. 
Laokoon i jego synowie
Statua, obecnie znajdująca się w Muzeum Watykańskim w Rzymie, Laokoona i jego Synów, znana jest również jako Grupa Laokoona i została pierwotnie stworzona przez trzech wielkich greckich rzeźbiarzy z wyspy Rodos, Agesendera, Polydorusa i Atenodora. Ten marmurowy posąg naturalnej wielkości przedstawia trojańskiego kapłana imieniem Laokoon wraz z jego synami Timbreusem i Antiphanthes, uduszonych przez węże morskie. 
Kolos z Rodos
Posąg przedstawiający greckiego tytana o imieniu Helios, Kolos Rodyjski, został po raz pierwszy wzniesiony w mieście Rodos między 292 a 280 pne. Uznawany dziś za jeden z siedmiu cudów starożytnego świata, posąg został zbudowany z okazji zwycięstwa Rodos nad władcą Cypru w II wieku. Znany jako jeden z najwyższych posągów starożytnej Grecji, oryginalny posąg został zniszczony przez trzęsienie ziemi, które nawiedziło Rodos w 226 pne. 
miotacz dyskiem
Zbudowany przez jednego z najlepszych rzeźbiarzy starożytnej Grecji w V wieku, Myrona, Discus Thrower był posągiem pierwotnie umieszczonym przy wejściu na stadion Panathinaikon w Atenach w Grecji, gdzie odbyła się pierwsza impreza Igrzysk Olimpijskich. Oryginalny posąg, wykonany z kamienia alabastrowego, nie przetrwał zniszczenia Grecji i nigdy nie został odrestaurowany. 
diadumeni
Znaleziony na wyspie Tilos Diadumen to starożytna grecka rzeźba, która powstała w V wieku. Oryginalna rzeźba, która została odrestaurowana w Tilos, znajduje się obecnie w zbiorach Narodowego Muzeum Archeologicznego w Atenach. 
Koń trojański
Wykonany z marmuru i pokryty specjalną brązową powłoką, Koń Trojański to starożytna grecka rzeźba, która została zbudowana między 470 pne a 460 pne, aby reprezentować konia trojańskiego w Iliadzie Homera. Oryginalne arcydzieło przetrwało dewastację starożytnej Grecji i znajduje się obecnie w Muzeum Archeologicznym w Olimpii w Grecji. 
