Historia Irkucka

Arbuzow Aleksiej Nikołajewicz (1908 - 1986), dramaturg.

Urodzony 13 maja (26 n.s.) w Moskwie w wykształconej, inteligentnej rodzinie. Najsilniejszym wrażeniem dzieciństwa dziecka było morze, do którego co roku rodzina wyjeżdżała na wypoczynek. Początek wojny 1914 r. zastał Arbuzowów na wybrzeżu Rygi i pilnie musieli odejść. Arbuzowowie przenieśli się z Moskwy do Piotrogrodu, gdzie sześcioletnia Alosza wchodzi do teatru, słucha opery i chodzi do kina. Uczy się w prywatnym gimnazjum (1916). Rewolucja 1917 roku uniemożliwiła mu systematyczne kształcenie.

W wieku 9 lat musiał stawić czoła upadkowi swojego poprzedniego życia i chętnie chłonie nowe doświadczenia. Nadchodzą ciężkie dni: głód, szkorbut, tyfus. W wieku 11 lat zostaje sam, trafia do trudnej do wyedukowania kolonii. Teatr był jego ratunkiem. W Teatrze Dramatycznym Bolszoj chłopiec miał okazję zobaczyć sztukę Zbójcy Schillera, którą wystawiono dla żołnierzy Armii Czerwonej wyjeżdżających na front. Wygłosił przemówienie otwierające. A. Blok. Wrażenie było tak silne, że w tym teatrze przeglądał wszystkie spektakle, znał cały repertuar.

Jego życie jest nieco uproszczone: mieszka z ciotką V. Savich. Odmówił uczęszczania do szkoły i nigdy nie otrzymał wykształcenia średniego.

W wieku 14 lat rozpoczął pracę jako statysta w Teatrze Maryjskim. W wieku 16 lat wstąpił do studia teatralnego prowadzonego przez P. Gaideburova, genialnego aktora i reżysera. Jesienią, po ukończeniu studia, Arbuzov wchodzi do trupy Gaideburov. Wiosną 1928 opuścił teatr, aby wraz z grupą młodych aktorów stworzyć własną Eksperymentalną Pracownię Dramatu. Po jego upadku bierze udział w organizacji teatru na kółkach (agitvagon), który podróżuje z przedstawieniami po małych miasteczkach Rosji. Teatr nie miał własnego dramatopisarza, więc Arbuzow sam zajął się piórem. Pierwsza wieloaktowa sztuka Klass została wystawiona w Leningradzie, ale nie odniosła sukcesu. Po porażce Arbuzow wyjechał do Moskwy i wszedł do Teatru Meyerholda. Pojawiają się nowi przyjaciele: V. Pluchek, I. Shtok i inni aktorzy i reżyserzy. Wiosną 1932 ożenił się i miał córkę.

Pierwszą sztuką wystawioną w Moskwie, Leningradzie i innych miastach, która zyskała uznanie publiczności i krytyków, była komedia Sześć kochanych (1935). W tym samym roku powstała nowa komedia The Long Road. Arbuzow zawsze podziwiał utalentowaną sztukę aktorki teatralnej Wachtangowa Babanowej, a Tanya napisała tę sztukę specjalnie dla niej. Tanya została wystawiona w 1939 roku przez Moskiewski Teatr Rewolucji i była wielkim hitem. Wystawił ją w latach 60. i 70. wiele sowieckich teatrów.

Premiera spektaklu Miasto o świcie odbyła się 5 lutego 1941 roku, ale wojna uniemożliwiła długie życie temu spektaklowi.

Po wojnie Arbuzow napisał komedię Spotkanie z młodzieżą (1947), a przez około pięć lat pracował nad dramatem Lata wędrówek (1954). Arbuzov staje się jednym z najsłynniejszych dramaturgów w kraju, którego sztuki wystawiane są w wielu teatrach. Dramaturg przez wiele lat wspólnej pracy związał z teatrem. E. Wachtangowa, w którym było siedem sztuk Arbuzowa: Historia Irkucka, Godzina dwunasta (1959), Zaginiony syn (1961) itp. Sztuki A. Arbuzowa zaczęły być wystawiane za granicą: w Londynie - Szczęśliwe dni nieszczęśliwego Człowiek, komedia staromodna, jej własny scenografia w Paryżu. 20 kwietnia 1986 Arbuzow zmarł. Pochowany w Moskwie.

Zespół jest tym, do czego dążą wszyscy reżyserzy. Ale można go stworzyć z ludźmi o podobnych poglądach, z ludźmi wyznającymi tę samą wiarę, którzy doskonale rozumieją zarówno siebie nawzajem, jak i swojego przywódcę. Oczywiście nikt nie może tego zrobić od razu, potrzeba lat by stworzyć teatr podobnie myślących ludzi, potrzeba lat pracy zespołowej, przystosowania się do siebie, podporządkowania się prawu rozumianemu przez wszystkich jednakowo rozumianych i jednocześnie, wyrafinowanie każdej indywidualności. Można to osiągnąć jedynie wspólnymi wysiłkami. Są to wysiłki, które nasza młodzież, kierowana przez Jewgienija Simonowa, zaczęła podejmować w latach pięćdziesiątych i sześćdziesiątych.

Evgeny Simonov przyszedł do Teatru Wachtangowa w 1947 roku, po ukończeniu Szkoły Teatralnej B.V. Shchukin. Nawet w szkole próbował siebie jako reżyser.

W teatrze na poważnie zajął się reżyserią, szukając swojego stylu, swojego głosu, swojej drogi. Już w pierwszych przedstawieniach – „Summer Day” Ts. Solodara i „Dwóch Verontsy” V. Shakespeare’a – pojawiła się tendencja do poetyckiego rozumienia materiału scenicznego, romantycznie optymistycznego brzmienia pracy aktorskiej i przemyślanego rozwiązanie muzyczne.

Jewgienij Simonow urodził się i wychował w rodzinie aktorskiej; tradycje Teatru Wachtangowa chłonął mlekiem matki i podążał za nimi od samego początku swojej kariery. A jeśli jego pierwsze prace były zarówno imitacyjne, jak i nieśmiałe, to do swoich najlepszych występów dochodził już jako artysta o ugruntowanej pozycji. W nich realistyczna i szczegółowo-naturalna gra aktorów łączy się z wzniosłymi, poetyckimi warunkami ich egzystencji. Poezja rzuca piękne światło na realizm gry aktorskiej i na tym polega urok jego spektakli. Główna idea spektaklu dociera do widza poprzez połączenie teatralności i szczegółów życia, uniesienia i dokładności.

Tuż przed wojną studio, kierowane przez dramaturga Aleksieja Nikołajewicza Arbuzowa, pokazało swój pierwszy występ w Moskwie. Członkowie studia postanowili wspólnie napisać sztukę, a raczej nie napisać jej, ale stworzyć ją w kolejności etiudowej, obierając za temat konstrukcję Komsomolska nad Amurem. Każdy uczestnik wymyślił własną rolę, charakter swojego bohatera, a wszystkie te pojęcia zostały dopracowane i zweryfikowane w toku pracy.

Tak nam powiedział Maksym Grekow, były „Arbuzowita”, a potem, po wojnie, aktor w naszym teatrze. Spektakl nazwali „Miasto o świcie”, a jego sukces z Moskalami był głośny. Jest to sztuka, którą Jewgienij Simonow wziął na następną produkcję. Wziął go, od razu dostrzegając w nim coś, co odpowiadało jego pojmowaniu teatru, jego stylowi.

Zbieg materiału sztuki i figuratywnej wizji reżysera sprawiły, że dzieło było niezwykle interesujące. Szła, jak mówią, na jednym oddechu. Obraz spektaklu i jego rytm odnaleziono natychmiast, aktorzy też natychmiast, bez typowych długich poszukiwań i wątpliwości (przynajmniej ja prawie zawsze je mam), przyjęli, podchwycili i zaczęli rozwijać to, co zaproponował im reżyser.

Nie oznacza to, że ciężka praca nie jest potrzebna. Ale co innego pracować, a co innego zmieniać decyzje w nieskończoność, całkowicie dezorientując aktora. Poskręcany, niecelowany celnie i podniecająco, zaczyna się spierać z reżyserem, a wzajemna irytacja często osiąga taką intensywność, że nie może być mowy o jakiejkolwiek twórczej atmosferze.

Sprytni i subtelni reżyserzy starają się stworzyć na próbie atmosferę wzajemnego szacunku i przyjaźni.

Mówią, że wielki Szczukin nie lubił kłócić się słowami.

Zaproponował kilka opcji rozwiązania tego lub innego miejsca roli i uważnie wysłuchał reakcji na nich, reżysera i towarzyszy. Im bogatszy twórczo aktor, tym bardziej hojny i różnorodny jest w swoich poszukiwaniach. Oczywiście, wybierając dokładniejsze rozwiązanie, będzie ostrożny i uważny.

Dyktatura reżysera jest dobra tylko w połączeniu z poszanowaniem wolności i twórczą emancypacją aktora. A gdy performer z góry wie, że każdy jego krok jest z góry określony, to ogarnia go straszliwy stan uzależnienia: bezustannie jak pisklę czeka z otwartymi ustami na to, co reżyser mu „położy”. Reżyser zrobił dla niego jedną rolę, drugą, a teraz ten aktor boi się sam zrobić krok i nie wie już, jak to zrobić. Sprytny reżyser nie będzie wywierał presji na wykonawcę swoim autorytetem, da mu możliwość wypróbowania różnych opcji aktorskich. I jest możliwe, a zdarza się to dość często, że zważywszy wszystko, wraz z aktorem zatrzyma się nie na własną rękę, ale na swoją decyzję. Cóż, jeśli stanowczo nalega na siebie, to naturalnie przyprowadzi do niego aktora i, jeśli to możliwe, nie siłą. Spory w pracy są nieuniknione. Jeśli są poszukiwaniem najlepszych, są to twórcze spory. Ale jeśli te spory są starciem dwóch „nieelastycznych” charakterów, to z reguły nic z tego nie wychodzi.

Grupa teatralna to zbiór bardzo złożonych i często wrażliwych osobowości aktorskich. Można na to narzekać, ale to fakt. Taki jest teatr i jego ludzie, którzy pracują nie na marmurze, ale na nerwy, nie pędzlem, ale sercem, przeciążającym psychikę. A aktorzy nie mają innego materiału. A dyrektorowi bardzo dużo potrzeba - kapitana na tym statku - i taktu, i ludzkiego zrozumienia, i wytrwałości, i dyplomacji, i woli (tylko nie złej i nie głupiej), i cierpliwości i oczywiście wielkiego talentu, żeby może zaproponować takie decyzje i ruchy, że aktorzy staną przed zaskoczeniem i zszokowani swoim zaskoczeniem i trafnością. Reżyser potrzebuje wielu rzeczy, a nie zawsze wszystkie pożądane cechy łączy jedna osoba.

W pracy nad „Miastem o świcie” była rzadka jedność całej kompozycji spektaklu. Zaprosili wybitnego leningradzkiego artystę teatralnego A. Bosulaeva. Dość szybko stworzył layout przyszłego spektaklu. Na tle bezkresnej głuchej tajgi na scenie stała warunkowa skała z wieloma półkami i stopniami. Ta skała była bardzo wygodna dla wyrazistych scen mise-en-scen i była obrazem nagiego, ponurego brzegu Amuru, gdzie wylądowali pierwsi budowniczowie Komsomołu.

To na tej skale rozgrywały się wszystkie dalsze wydarzenia. Jewgienij Simonow uznał przedstawienie za romantycznie wzniosłe przedstawienie, w którym teatr od pierwszej minuty angażuje widza, domagając się od niego udziału i współudziału. Jewgienij Rubenowicz po raz pierwszy w swojej pracy reżyserskiej przedstawił szczery apel do publiczności. Spektakl rozpoczął się od lądowania na brzegu i wściekłego, duszącego apelu marynarza Kostyi Belousa do publiczności.

A ja, wykonawca Kostyi Biełousa, otrzymałem zadanie zwracania się nie do audytorium w ogóle, ale do konkretnych osób tam siedzących.

Czy wiesz, czym jest szczęście? I ty? Ty? Do czego dążysz, o czym marzysz, czego chcesz, przyjacielu, bracie, z którym dzieli mnie ćwierć wieku? Jakże chciałbym przebić się przez te dwadzieścia pięć lat i spędzić przynajmniej godzinę na rozmowie, spojrzeć Ci w oczy, Komsomołu przyszłości, poznać Twoje nadzieje, swoje marzenia. Czy martwisz się, tak jak my, odległymi drogami i nieprzebytymi ścieżkami? Znasz radość nocnych sporów, zapomniałeś o prawie wielkiego partnerstwa Komsomołu? Czy jesteście, tak jak my, gotowi oddać życie za nieśmiertelną sprawę Lenina? Ale co, jeśli znudzisz się i staniesz się solidny i ważny po latach – nie staniesz w obronie swojego towarzysza na pierwszy wołanie sumienia partyjnego i nie nauczysz się żyć w zgodzie z nieprawdą i niesprawiedliwością?

A co jeśli szukasz szczęścia w ciszy i samotności oraz wiary w tę świętą sprawę, której oddaliśmy naszą młodość, nasze życie ostygło? Jeśli tak, żal mi Ciebie – nigdy nie poznasz prawdziwego szczęścia! A my - powiem to z dumą - znaliśmy go. Czyż nasze serca nie biły ze szczęścia w ten niezapomniany dzień 20 czerwca 1932 roku, kiedy zeszliśmy na brzeg Amuru i stojąc wśród pudeł i beli, koszy i walizek śpiewaliśmy, śpiewaliśmy z suchymi gardłami szczęścia…

Ten apel do publiczności na samym początku spektaklu był niejako ostrzeżeniem przed tym, o czym będzie dyskutować.

A całe przedstawienie obfitowało w takie zaangażowanie publiczności w akcję, co zostało również podkreślone w mise-en-scene – aktorzy szli prosto na rampę i zwracali się bezpośrednio do widza. W tej nagości odbioru tkwiło wielkie zaufanie do widza, w jego umiejętność zrozumienia koncepcji teatru. Wyrażało się to zarówno w bezpośrednich apelach do publiczności, jak iw dynamicznym toczeniu akcji scenicznej oraz w szaleńczym rytmie występu. Był naprawdę intensywny i namiętny. Pasjonat rozwiązywania scen masowych i rozwiązywania wielu postaci. I głupio ortodoksyjny, prostoduszny Agranowski, i gryzący zza rogu Leshka Zorin, i niepohamowany marzyciel, namiętnie wierząc, że miasto, które budują, będzie miastem słońca i szczęścia, Finch i chudy, pozornie kruchy i bezbronny , ale w rzeczywistości dziewczyna z nieugiętą wolą - Natasza i Oksana, która śmiało wyznała miłość do małego Don Kichota Ziablika, Oksany i sissy, dobrego chłopca z Odessy, krótkowzrocznego, odważnego serca Altmana , i lekkomyślny żeglarz Kostya Belous - wszyscy ci różni ludzie są związani pragnieniem wszystkiego, przezwyciężenia wszystkiego, podbicia wszystkiego, zniesienia wszystkiego ze względu na jasne miasto przyszłości.

Evgeny Simonov przesiąknął tym motywem przewodnim spektaklu, dzięki czemu okazał się solidny, precyzyjnie wyreżyserowany i efektowny. Odgadywano ducha komsomołu lat trzydziestych, ducha bezgranicznej wiary w wykonalność swoich pragnień, ducha poświęcenia, ducha niepohamowanej energii i prawdziwego spalania. A wychowanie, pasja przedstawienia zrodziła się nie z nagiego pomysłu reżysera, ale z obsesji bohaterów, ich szalonej chęci budowania przyszłości. Te uczucia przelały się na salę i niejako uderzyły w serca publiczności prądem elektrycznym.

Był to jeden z tych spektakli, które musiały iść w pełnym rozkwicie, w pełnym temperamencie. I wtedy i tylko wtedy zdobył publiczność. Aktorzy (i prawie wszyscy młodzi aktorzy) - i Julia Borysowa, Jurij Jakowlew, Wiaczesław Dugin, Maxim Grekow, Larisa Pashkova i Antonina Gunchenko, Michaił Dadyko i Aleksander Grave i inni - uczyli się przed tym przedstawieniem tylko kolektywizm i napięcie wspólnych wysiłków w kreatywności.

Ilekroć chodzi o problem młodości, o najlepsze drogi edukacji aktorów nowego pokolenia, to pamiętam The City at Dawn, które zasiało wiele dobrego w naszych duszach i pomogło nam zrozumieć, czym jest życie studyjne i koleżeństwo. . Jest to bardzo warte, gdy czujesz wspaniałe poczucie zaangażowania we wspólną sprawę, gdy rozumiesz, że bez Twoich wysiłków będzie słabsza.

Jest wiele sposobów na edukowanie młodych aktorów i te sposoby są konieczne. Ale najbardziej owocny, najbardziej twórczy jest spektakl stworzony przez samą młodzież, jako jej ludzkie i twórcze credo. Oczywiście, jeśli ten spektakl odniesie sukces, jeśli w pełni wyraża całą pasję, niecierpliwość i pragnienie młodych. Ten spektakl nie staje się kolejnym spośród innych, ale reprezentuje, jeśli kto woli, manifest ludzki, obywatelski i aktorski. Takim manifestem dla nas, ówczesnych aktorów, i dla coraz silniejszego reżysera Jewgienija Simonowa była sztuka „Miasto o świcie”.

Potem były inne role, inne przedstawienia. Były sukcesy, były porażki, szare codzienne role, ale Miasto o świcie pozostało dla nas spektaklem, w którym mogliśmy całym głosem zadeklarować swoją twórczą pozycję, po raz pierwszy poczuć wielką moc teatru.

Na jednym z placów budowy w Irkucku w sklepie spożywczym pracują dwie dziewczyny - Valya i Larisa. Valya jest kasjerką, ma dwadzieścia pięć lat. To wesoła dziewczyna, która niewiele myśli o swoim zachowaniu i stylu życia, za co zyskała przydomek Valka-tanie. Jej przyjaciel Wiktor Bojcow, w wieku Walii, przedstawia ją Siergiejowi Siergiejowi. Seregin jest mistrzem maszynowym na koparce kroczącej. Victor jest jego pierwszym asystentem, elektrykiem.

Victor obiecuje Valyi, że pójdzie do kina, a potem na tańce, ale ponieważ szef Stepan Egorovich Serdiuk daje mu zadanie naprawy koparki, Victor prosi Siergieja, aby zamiast niego poszedł z Valyą. Po filmie Valya i Siergiej siedzą na ławce w parku i rozmawiają. Valya mówi, że chce być jak Carmen – skoro napisano o niej tak wspaniałą operę, to znaczy, że nie może być bohaterem negatywnym. Siergiej mówi Walii, że był już żonaty. Zapytany o powód rozwodu Valin odpowiedział, że najwyraźniej „nie potrzebowali wzajemnej pomocy. Nie prawdziwy, więc była miłość. Valya mówi, że naprawdę chciałaby, aby istniała prawdziwa miłość, ponieważ jedna jest przerażająca.

Podczas rozmowy dwóch facetów podchodzi do ławki i zaczyna obrażać Valyę. Siergiej uderza jednego z nich w twarz. Valya prosi Siergieja o przebaczenie i ucieka. Akcja zostaje przeniesiona do banku Angary. Larisa i Valya piją piwo i rozmawiają. Valya mówi swojej przyjaciółce, że otrzymała list od nieznanej osoby. Napisano tam, że człowiek nie żyje na próżno i nie na próżno. Jego praca powinna sprawić, że wszystko wokół niego będzie lepsze. Szczęścia nie da się doświadczyć samemu. Przybywa Wiktor. Larisa zostawia ich w spokoju. Valya mówi mu, że zamierza wyjść za mąż - nawet jeśli tylko dla niego. W odpowiedzi mówi, że byłoby zabawnie, są tacy dobrzy.

Pokój w akademiku dla dziewcząt. Urodziny Valiego. Zaprasza Wiktora i Siergieja. Nie mówi jednak Siergiejowi, z jakiego powodu jadą do niej goście. Victor jest zachwycony, że będzie Siergiej. „Nie uśmiechnął się”, by spędzić wieczór w towarzystwie dwóch dziewczyn. Siergiej radzi Victorowi, aby poślubił Valyę. Odpowiada, że nie chce się wiązać.

Przy stole Valya czyta na głos listy od nieznanej osoby, w tym jeden, w którym nieznana osoba prosi ją o rękę. Valya mówi, że lepiej byłoby poślubić Wiktora, ale on się od niej wycofuje. Potem Siergiej przyznaje, że pisał listy i że nigdy by o tym nie powiedział, gdyby Wiktor nie zrezygnował z Valii. Valya wyrzuca Victora. Obiecuje pamiętać.

Victor zaczyna pić, opuszcza pracę. Prosi Siergieja, aby opuścił Valię, ale Siergiej ją kocha i odmawia Victorowi.

Na ślubie Walii i Siergieja Larisa spotyka Serdiukowa. Victor daje Valyi pierścionek na pamiątkę i ucieka.

Czas mija. Valya i Sergey urodziły bliźnięta - Fedora i Lenochkę. Siergiej radzi Valyi, aby poszła do szkoły, a potem do pracy. Wierzy, że dla szczęścia człowiek potrzebuje, aby jego biznes był przynajmniej trochę lepszy niż on sam.

30 lipca. Bardzo gorący dzień. Siergiej bierze ręcznik i idzie do Angary na kąpiel. W drodze nad rzekę spotyka chłopca i dziewczynkę, którzy do niego dołączają: dzieci idą na ryby.

Tymczasem Victor przybywa do Valyi. Nadal nie może o niej zapomnieć i bardzo cierpi. Valya kocha Siergieja. Nagle pojawia się ich przyjaciel Rodik i mówi, że Siergiej utonął. Chłopiec i dziewczynka łowiący ryby przewrócili się na tratwie. Siergiej uratował ich kosztem życia.

Po śmierci Siergieja cały jego zespół postanawia dla niego pracować i przekazać pieniądze Walentynie. Przeciw jednemu Victorowi. Uważa, że to powinno upokorzyć Valyę. Valya jednak przyjmuje pieniądze. Wtedy Victor oskarża ją o zależność. Kocha Valyę i chce, aby zachowała swoją ludzką godność. Mówi jej to samo, co kiedyś powiedział Siergiej: że powinna iść na studia i do pracy. Zaprasza ją, by do nich dołączyła. Valya się zgadza. Wydaje się, że pojawia się w niej nowe uczucie do Victora, chociaż nie spieszy się do tego przyznać. Głos Siergieja życzy Victorowi szczęśliwej podróży przez życie.

powtórz

Urodził się Aleksiej Nikołajewicz Arbuzow 13 maja (26), 1908 w Moskwie w rodzinie kupca, rodem ze szlachty. Dzieciństwo i młodość Arbuzowa upłynęły w Piotrogrodzie, w atmosferze niezgody między jego rodzicami. Ojciec opuścił rodzinę, gdy chłopiec miał 8 lat. Wrażenia z dzieciństwa, powikłane rodzinnymi dramatami, chorobą psychiczną matki, odcisną swoje piętno na twórczości dramaturga.

Młody Arbuzow dołączył do teatru konsekwentnie i aktywnie – najpierw jako statysta na scenie operowej, potem jako aktor i reżyser (po ukończeniu studia teatralnego P.P. Gaideburowa), wreszcie jako autor gazet teatralnych, przedstawień propagandowych itp. . Poznał tajniki teatru, zanim nauczył się pisać sztuki. Pierwszym dramatycznym doświadczeniem Arbuzowa była sztuka „Klasa” wystawiona przez Teatr Czerwony w Leningradzie ( 1931 ). Przedstawienie zakończyło się całkowitym fiaskiem, ale to nie powstrzymało młodego autora. Początek lat 30. przeniósł się do Moskwy, gdzie został dyrektorem Teatru Małych Form Proletkult. Pojawienie się „Egora Bulychowa” Gorkiego, według Arbuzowa, skłoniło go do rozstania się z teatrem agitacji i „powrotu do psychologii człowieka i jego duszy”.

Sukces przyszedł do Arbuzova wraz z liryczną komedią „Six Beloved” ( 1934 ). Przeznaczony do wiejskich przedstawień amatorskich, nieoczekiwanie dla autora wystawiany był w wielu teatrach kraju. Komedia „Długa droga” ( 1935 ) po raz pierwszy ujawniły istotne cechy osobowości twórczej Arbuzowa. Tytuł sztuki wyrażał charakterystyczny dla pisarza motyw wędrówki, „długiej podróży” jako kuszącego i leczącego dla jego bohaterów narzędzia. W tej wesołej i wesołej komedii o młodych budowniczych moskiewskiego metra niespodziewanie pojawiła się jednak niepokojąca nuta związana z tematem samotności (wizerunek Lily Bregman). Temat ten stanie się jednym z „przekrojowych” w twórczości pisarza.

Z całą mocą talent Arbuzowa objawił się w dramacie „Tanya” ( 1938 ) - jego najbardziej repertuarowa sztuka, dzięki której nazwisko autora stało się powszechnie znane. Jego pomysł zrodził się, według Arbuzowa, ze zwykłego pragnienia ostrzeżenia bliskich mu osób przed kłopotami. Zrodzona w latach trzydziestych sztuka Arbuzowa domagała się praw i znaczenia tzw. wątek „osobisty”, wyraźnie wytłoczony w literaturze tamtych lat przez problemy „społeczne”, „przemysłowe” itp. Autor „Tanyi” musiał słuchać wielu zarzutów za swoje uzależnienie od „intymności” i „sentymentalności”. To wtedy Arbuzow wpadł na pomysł polemiczny, że „na dwudziestu stronach Biednej Lizy Karamzina w zasadzie mieści się cała rosyjska literatura XIX wieku”. Ta myśl bardzo wyjaśnia sytuację dramatopisarza. Niezależnie od wahań literackiego i politycznego wahadła, przez całe swoje twórcze życie interesował się złożoną i subtelną sferą ludzkich uczuć.

Nie mniej typowe dla Arbuzowa jest ciągłe poszukiwanie produktywnych form interakcji między literaturą a teatrem.

W 1938 wraz z reżyserem V. Pluchekiem zorganizował Moskiewskie Studio Teatralne w celu stworzenia nowoczesnego spektaklu zbiorowym wysiłkiem twórczej młodzieży. To, co zrodziło się z improwizacji na próbach, Arbuzow przetworzył i przekształcił w tekst sztuki. Tak powstała romantyczna kronika o historii budowy młodego miasta w dalekowschodniej tajdze – „Miasto o świcie” ( 1940 , nowe wyd.- 1957 ). Został wystawiony przez studia w lutym 1941 i ciepło przyjęty przez publiczność. Studio Arbuzowskaja miało status państwowy i wraz z wybuchem wojny przekształciło się w teatr frontowy. Pozostawiony przez nią ślad nie zniknął: na podobnych studyjnych zasadach powstał później moskiewski Teatr Sovremennik, a także wiele obecnych grup teatralnych. Nowym pomysłem Arbuzowa było studio młodych dramaturgów, które prowadził w ostatniej dekadzie swojego życia.

W latach wojny z faszyzmem Arbuzov zwrócił się w stronę gatunku, który wydawał się najmniej zgodny z duchem czasu - melodramatu. Sztuka „Dom na przedmieściach” (oryginalny tytuł „Dom w Czerkizowie”, 1943 ) odtworzyła sytuację trzech sióstr Czechowa (Wiery, Nadieżdy, Ljubow) w warunkach zaplecza wojennego. Dała początek uporczywym wyrzutom przeciwko Arbuzowowi w „teatralnych”, w pociągu do „dotykających” i „żałosnych” scen itp. Jednocześnie wybrane przez niego cechy gatunku były niekiedy przedstawiane jako osobiste słabości dramaturga. W szczególności nie wzięto pod uwagę, że melodramat organicznie odpowiadał naturze talentu Arbuzowa, o czym świadczą jego późniejsze sztuki: „Zaginiony syn” ( 1961 ), „Oczekiwanie” ( 1976 ), Okrutne zamiary ( 1978 ) itp. Nawet tych kilka negatywnych postaci, które można znaleźć w jego sztukach (Agranowski w Mieście o świcie, Mołodcow w Zaginionym synu, Korolevich z Choice, 1971 ), nie osiągają poziomu tak negatywnych postaci, które mogłyby znacząco wpłynąć na rozwój akcji dramatycznej. Wynika to ze specyfiki światopoglądu pisarza, który postrzegał każdą osobę z „optymistycznym założeniem” i dlatego celowo unikał podziału swoich postaci na „dobrych” i „złych”. Po Tanyi Arbuzow postrzegał swoje zadanie jako nie obwinianie bohatera, ale wyjaśnianie go. Uważał, że „najciekawsze walki, jakie może mieć sztuka, to pojedynki bohatera z samym sobą”.

Te twórcze zasady najdobitniej zostały ucieleśnione w dramacie Arbuzowa Lata wędrówek ( 1950 , wyd. w 1954 ). Publikacja „Lata wędrówki” i ich występ na scenie zbiegły się z dyskusją o „idealnym bohaterze”, która toczyła się na łamach gazet i czasopism. Autor spektaklu świadomie przełamał utarte schematy i stereotypy w literaturze, ale nadal nie mógł się od nich całkowicie uwolnić. W finałowej scenie sięgnął po swoją ulubioną, wypróbowaną i sprawdzoną metodę – wysyłał swoich bohaterów na dalekie północne czy syberyjskie ziemie po duchowe „oczyszczenie” i dojrzałość.

Zmiany w wewnętrznym świecie młodego współczesnego nadal ekscytowały Arbuzowa w dramacie „Historia Irkucka” ( 1959 ). Akcja dramatu opiera się na walce o autentyczność uczuć, piękno i prawdę ludzkich relacji. Połączenie błyskotliwej teatralności, publicystyki i psychologii w „Historii Irkucka” pozwoliło jej autorowi uniknąć „intymności” i przejść do formy „otwartego” dramatu.

Po historii Irkucka Arbuzow napisał wiele sztuk, z których większość w ten czy inny sposób różni się od jego ulubionych tematów i motywów. Z biegiem lat pisarz stał się mądrzejszy, co skłoniło go do przemyślenia niektórych problemów, które wcześniej podniósł. Sytuację znaną z „historii irkuckiej” (kocha go, ale poślubia innego), choć w innych okolicznościach historycznych, reprodukuje Arbuzow w „Mój biedny Marat” ( 1964 ). Losy Marata, Liki i Leonidika, którzy przeszli przez wojnę, rozwijają się na zewnątrz jakby bezpiecznie. Ale mentalny zamęt i niepokój nawiedzają ich wiele lat po blokadzie i froncie.

Swoistą kontynuacją losów Wedernikowa na nowym etapie był dramat Arbuzowa „Szczęśliwe dni nieszczęśliwego człowieka” ( 1968 ). Jej bohater, młody lekarz Krestovnikov, osiągnął w końcu wiele w swojej karierze naukowej, ale wiele stracił na swoim moralnym charakterze i pozostał w istocie osobą samotną.

Szereg sztuk Arbuzowa z lat 70. wiąże się z tematem percepcji zbliżającej się lub już przekroczonej starości: „Opowieści starego Arbatu” ( 1970 ), „W tym słodkim, starym domu” ( 1971 ), „Komedia staromodna” (1975 ).

Orientacja głównie na sukces służby, wydajność, czysto racjonalistyczny styl życia z powodu utraty miłości i macierzyństwa jako podstawy szczęścia kobiet zakłóciła Arbuzov w spektaklu „Zwycięzca” ( 1983 ). Ostatni dramat Arbuzowa o wyrazistym tytule „Winy” ( 1985 ), gdzie centralne miejsce zajmuje problem osobistej winy matki za los porzuconego niegdyś przez nią syna. Akcja spektaklu jest objawieniem smutnych, choć odległych w czasie konsekwencji tego faktu. Pisarz wyszedł z idei rodziny, lat dzieciństwa jako niezbędnego warunku zdrowia moralnego i psychicznego osoby i społeczeństwa jako całości.

W wieku 9 lat musiał stawić czoła upadkowi swojego poprzedniego życia i chętnie chłonie nowe doświadczenia. Nadchodzą ciężkie dni: głód, szkorbut, tyfus. W wieku 11 lat zostaje sam, trafia do trudnej do wyedukowania kolonii. Teatr był jego ratunkiem. W Teatrze Dramatycznym Bolszoj chłopiec miał okazję zobaczyć sztukę „Zbójcy” Schillera, którą pokazywano żołnierzom Armii Czerwonej wyjeżdżającym na front. Wygłosił przemówienie otwierające. A. Blok. Wrażenie było tak silne, że w tym teatrze przeglądał wszystkie spektakle, znał cały repertuar.

Jego życie jest nieco uproszczone: mieszka z ciotką V. Savich. Odmówił uczęszczania do szkoły i nigdy nie otrzymał wykształcenia średniego.

W wieku 14 lat rozpoczął pracę jako statysta w Teatrze Maryjskim. W wieku 16 lat wstąpił do studia teatralnego prowadzonego przez P. Gaideburova, genialnego aktora i reżysera. Jesienią, po ukończeniu studia, Arbuzov wchodzi do trupy Gaideburov. Wiosną 1928 opuścił teatr, by z grupą młodych aktorów stworzyć własną „Eksperymentalną Pracownię Dramatu”. Po jego upadku bierze udział w organizacji teatru na kółkach (agitvagon), który podróżuje z przedstawieniami po małych miasteczkach Rosji. Teatr nie miał własnego dramatopisarza, więc Arbuzow sam zajął się piórem. Pierwsza wieloaktowa sztuka „Klasa” została wystawiona w Leningradzie, ale nie odniosła sukcesu. Po porażce Arbuzow wyjechał do Moskwy i wszedł do Teatru Meyerholda. Pojawiają się nowi przyjaciele: V. Pluchek, I. Shtok i inni aktorzy i reżyserzy. Wiosną 1932 ożenił się i miał córkę.

Pierwszą sztuką, która została wystawiona w Moskwie, Leningradzie i innych miastach i spotkała się z uznaniem publiczności i krytyków, była komedia „Sześć Ukochanych” (1935). W tym samym roku powstała nowa komedia „Długa droga”. Arbuzov zawsze podziwiał utalentowaną grę aktorki teatralnej Wachtangowa Babanowej i specjalnie dla niej napisał sztukę „Tanya”. „Tanya” została wystawiona w 1939 roku przez Moskiewski Teatr Rewolucji i odniosła ogromny sukces. Wystawił ją w latach 60. i 70. wiele sowieckich teatrów.

Premiera spektaklu „Miasto o świcie” odbyła się 5 lutego 1941 r., ale wojna uniemożliwiła długie życie temu spektaklowi.

Po wojnie Arbuzow napisał komedię „Spotkanie z młodzieżą” (1947), przez około pięć lat pracował nad dramatem „Lata tułaczki” (1954). Arbuzov staje się jednym z najsłynniejszych dramaturgów w kraju, którego sztuki wystawiane są w wielu teatrach. Dramaturg przez wiele lat wspólnej pracy związał z teatrem. E. Wachtangowa, w którym znalazło się siedem sztuk Arbuzowa: „Opowieść irkucka”, „Godzina dwunasta” (1959), „Zaginiony syn” (1961) i inne. Człowiek, „Komedia staromodna”, to jest wystawił także w Paryżu. 20 kwietnia 1986 Arbuzow zmarł. Pochowany w Moskwie.