Jak każdy inny gatunek fotografii, martwa natura nie jest możliwa bez kompozycji. Co więcej, martwa natura jest właśnie tym gatunkiem, w którym kompozycja odgrywa kluczową rolę i wymaga największej uwagi ze strony fotografa. Przecież reportażowemu ujęciu można wiele wybaczyć, jeśli autor uchwycił naprawdę dobry moment. A zdjęcia domowe – czy zauważyliście, jak wzruszają się matki, gdy widzą swoje dziecko na fotografii, choć przeciętnej? Jest mało prawdopodobne, abyśmy oczekiwali od publiczności takiej samej protekcjonalności, fotografując pomarańczę z butelką. Aby uzyskać pozytywny efekt, trzeba próbować. I oczywiście należy zacząć od kompozycji zamierzonej ramki.
Relatywnie rzecz biorąc, kompozycja w martwej naturze to harmonijne połączenie i interakcja obiektów w kadrze. Poprzez kompozycję możesz konsekwentnie pokazać widzowi wszystko, co chcesz, stworzyć nastrój, przekazać pomysł, a nawet opowiedzieć historię.
Kompozycję w martwej naturze można podzielić na kilka typów:
- geometryczny
- przestrzenny
- kolor
Kompozycja geometryczna
Nie jest tajemnicą, że wszystkie obiekty mają kształt geometryczny (lub zbliżony do geometrycznego). Nie jest też tajemnicą, że naturą człowieka jest skojarzenie każdej postaci z czymś konkretnym. Na przykład kąty są podświadomie kojarzone ze wskazówkami. Kiedy przez dłuższy czas patrzymy na kwadrat lub prostokąt, pojawia się poczucie stabilności (być może dlatego, że nasza podświadomość kończy rysunek stabilnego budynku). A krąg stwarza poczucie komfortu i uspokaja. Warto również pamiętać, że linie poziome (osoba leżąca) są znacznie spokojniejsze niż linie pionowe (osoba stojąca). Jeśli chodzi o przekątne, to linie rosnące – prowadzące od lewego dolnego rogu do prawego górnego – wyglądają intensywniej niż te zstępujące: nadal czytamy od lewej do prawej, a nasz wzrok musi „wspinać się” po obrazie, żeby się do niego dostać sam szczyt. Ale kryje się w tym także pewne poczucie zwycięstwa, prawda?! Przeciwnie, linie opadające biegnące od lewego górnego rogu do prawego dolnego rogu tradycyjnie kojarzą się z relaksem, smutkiem, a nawet upadkiem.
 |
 |
Wszystkie te małe triki można i należy wykorzystać do własnych celów - aby przekazać koncepcję, ideę zdjęcia.
Podkreślenie spacją
Jeśli zajdzie potrzeba wyeksponowania jakiegoś obiektu w martwej naturze, przypisując mu rolę głównego bohatera, można tu pobawić się kompozycją przestrzenną. Na przykład umieszczenie głównego tematu na pierwszym planie, przed wszystkimi innymi. Lub dostosuj światło tak, aby element wiodący był oświetlony najjaśniej, a obiekty znajdujące się za nim i przed nim były słabo oświetlone. Można też zrobić to sprytniej – zapalić kadzidełko lub wypuścić dym papierosowy, rysując w ten sposób perspektywę powietrzną w kadrze: główna uwaga skupiona zostanie na obiektach znajdujących się z przodu, gdyż te odległe utoną w romantycznej mgle.
Można też pobawić się technicznymi aspektami aparatu: jeśli chcemy szczegółowo pokazać każdy obiekt, łącznie z tłem czy zasłonami, fotografowanie powinno odbywać się przy zamkniętej przysłonie. Ale jeśli ważne jest, aby wyróżnić jeden obiekt, przysłonę należy otworzyć tak bardzo, jak to możliwe. Nie należy ignorować możliwości optyki: w kadrach wykonanych obiektywami szerokokątnymi obiekty są znacznie zniekształcone, a im bliżej aparatu znajduje się obiekt, tym większy będzie się on wydawał w stosunku do odległych. I odwrotnie, długie ogniskowe „zbierają” perspektywę, czyniąc przestrzeń znacznie bardziej płaską.
Kompozycja kolorystyczna
Jeśli fotografia wykonywana jest w czerni i bieli, wiedza o właściwościach efektów kolorystycznych nie będzie nam przydatna. Ale jeśli praca fotograficzna jest zaplanowana w kolorze, nie należy ignorować tego obszaru badań. Zwracając naszą uwagę na psychologię koloru, zobaczymy, że każdy z kolorów, oprócz swojego pierwotnego koloru, ma swoje własne znaczenie. Ciepłe kolory (pomarańczowy, żółty, czerwony, terakota) kojarzą się z latem, słońcem, ciepłem. To pierwsze skojarzenie, jakie nasuwa się patrząc na fotografię wykonaną w tych kolorach. Ponadto z kursu malarstwa można dowiedzieć się, że takie obiekty wydają się wizualnie bliższe. Tego samego nie można powiedzieć o barwach zimnych: niebieskim, zielonym, różowym, fioletowym – kolory te nieco oddalają obiekt od widza i kojarzą się zazwyczaj z zimą, zimnem, wodą.
Trzeba pamiętać o kontraście, czasem można się na nim pobawić, ale często nieprzemyślane zestawienia kolorystyczne odpychają lub zniekształcają sens całej produkcji. Jeśli zdecydujesz się sfotografować ogórek na pomarańczowym tle, zastanów się, czy tło będzie zwracać na siebie uwagę? I czy naprawdę to chciałeś osiągnąć? Trzeba także pamiętać, że każdy obiekt ma zdolność odbijania lub pochłaniania odcieni kolorów pobliskich obiektów, a nawet dwa obiekty tego samego koloru na tym samym tle mogą wyglądać inaczej właśnie ze względu na różnicę w ich teksturach.
Nasycenie koloru ma również wpływ na widza: kompozycje w delikatnych pastelowych kolorach wprowadzą poczucie spokoju i nostalgii, podczas gdy jasne, jaskrawe kolory, przeciwnie, nadają się do przyciągania uwagi, wyrażania ekspresji i asertywności. Dlatego fotografowie reklam tak uwielbiają jasne kolory, podczas gdy fotografia artystyczna często skłania się ku stonowanej, spokojnej tonacji.
Oczywiście każda kompozycja musi być całkowicie zgodna z ogólną kolorystyką, prawem obrazu - w przeciwnym razie się rozpadnie. Dlatego należy uważać z kontrastami kolorystycznymi, mogą one mieć poważny wpływ – zarówno uatrakcyjnić pracę, jak i ją zniszczyć poprzez umieszczenie niepotrzebnych akcentów.
Czarny i biały
Pomimo braku koloru, czarno-biała martwa natura rządzi się swoimi prawami, a kontrast również odgrywa tutaj ważną rolę. Sam kolor w tym przypadku zostaje zastąpiony tonem – to inna gra, ale też ma swoje zasady!
Zapewne zauważyłaś, że kobiety z nadwagą bardzo rzadko noszą biel. Faktem jest, że biały kolor wydaje się bardziej obszerny niż czarny. Na fotografii czarno-białej oko najpierw wyłapuje najjaśniejsze miejsca, a dopiero potem przechodzi do ciemnych. Wiele złudzeń wizualnych opiera się na tym efekcie: jeśli spojrzysz na prześcieradło z równymi czarno-białymi paskami, z pewnością wydaje się, że białe paski są szersze. Tę zasadę należy zawsze brać pod uwagę przy tworzeniu kompozycji, a także wziąć pod uwagę, że jasny biały obiekt, niezależnie od tego, czy znajduje się na pierwszym planie, czy w tle, z pewnością będzie głównym elementem tej kompozycji, a oko będzie spadać przede wszystkim na to.
Kontrasty
Jak już wspomniano, kontrasty odgrywają szczególną rolę. Istniejąc w tej samej kompozycji na obrazie, mogą zarówno podkreślać obiekty, jak i odwrotnie, je ukrywać. Praca zbudowana na ledwie zauważalnych fluktuacjach światła i cienia, pozbawiona plam skupiających uwagę widza, wydaje się monotonna, monotonna i niewyraźna. Ostre kontrasty budują napięcie i dynamikę.
Zasada trójpodziału
Oczywiście mówiąc o kompozycji nie można nie wspomnieć o regule trójpodziału. Rysując w myślach cztery linie przez ramkę – dwie dzielące ją w poziomie na trzy równe części i dwie narysowane w pionie – możesz obliczyć najbardziej efektywne strefy kadru: znajdują się one w punktach przecięcia czterech linii ze sobą Inny. W tych strefach najlepiej umieścić główny temat kompozycji.
W rzeczywistości zasada trójpodziału jest uproszczoną zasadą złotego podziału, którą będzie nieco trudniej uzyskać. Aby to zrobić, ramę należy podzielić na osiem części w poziomie i w pionie. A następnie narysuj linie po prawej i lewej stronie, a także poniżej i powyżej, w odległości 3/8. Na przecięciu tych linii znajdą się punkty złotego podziału. Ale dzielenie na trzy części jest znacznie wygodniejsze niż na osiem części, dlatego jest częściej stosowane w kompozycji: różnica nie jest tak zauważalna dla widza, a harmonia w kadrze, jeśli przestrzegana jest którakolwiek z tych zasad, jest oczywiste.
Rytm
 |
 |
Rytm, czyli powtarzanie tych samych lub podobnych wersów, to bardzo potężne narzędzie kompozycyjne, które pozwala manipulować spojrzeniem widza. „Ścieżka” naprzemiennych obiektów może zaprowadzić Cię bardzo daleko. Nie należy jednak przesadzać – rytm może zabić całą kompozycję, pozbawiając ją dynamiki i czyniąc monotonną.
Komunikacja wewnętrzna
Tworząc scenerię do fotografii, należy zadbać o połączenie obiektów w kadrze. Przedmioty można łączyć kształtem (jajko i cebula), kolorem (pomidor i czerwona papryka), znaczeniem (jabłko i laska cynamonu). Obiekty muszą komunikować się i urzekać widza, patrząc od jednego obiektu martwej natury do drugiego. Takie podejście nadaje kompozycji integralności, czyni ją ciekawą, zrozumiałą, a jednocześnie tajemniczą - wcale nie trzeba od razu ujawniać wszystkich wewnętrznych powiązań, najciekawsze rzeczy można ukryć w kompozycji lub ukryć na krótki czas czas od widza, na przykład światłem.
O kompozycji można mówić bez końca, jednak najważniejszą rzeczą, na której opiera się martwa natura (jak zresztą każda inna fotografia) jest pomysł, fabuła i dusza fotografii. A kompozycja jest takim samym narzędziem w rękach fotografa, jak sam aparat. Pamiętaj, co chcesz przekazać widzowi! I wykorzystaj wszystkie dostępne techniki kompozytorskie na swoją korzyść.
Szachowa stylizacja martwej natury. Mistrzowska klasa ze zdjęciami
Elena Alekseevna Nadeenskaya, nauczycielka plastyki w szkole średniej Arsenyevskaya, wieś Arsenyevo, obwód Tula.Opis: materiał zainteresuje nauczycieli sztuk pięknych, pedagogów, nauczycieli edukacji dodatkowej i kreatywnych dzieci w wieku 10-12 lat.
Zamiar: Do wykorzystania na lekcjach plastyki, praca może służyć jako dekoracja wnętrz, doskonały prezent lub eksponat.
Cel: wykonanie martwej natury poprzez podział obrazu na części (komórki)
Zadania:
-wprowadzić różnorodne techniki dekoracyjnego przedstawiania martwej natury;
- rozwijać zmysł kompozycji, wyobraźnię, rozwijać zdolności twórcze;
- doskonalenie umiejętności pracy z gwaszem; ćwiczenie umiejętności pracy pędzlami o różnej wielkości w zależności od zadania,
- kultywować zainteresowanie podstawami umiejętności wizualnych.
- kultywowanie dokładności i zamiłowania do sztuk pięknych.
Materiały:
-czarny gwasz (można użyć tuszu do rzęs)
-pędzle nr 2, nr 5
-ołówek
-linijka
-gumka do mazania
- arkusz A3
Martwa natura to gatunek sztuki poświęcony przedstawianiu przedmiotów gospodarstwa domowego, owoców, warzyw, kwiatów itp.
Martwa natura, jako gatunek niezależny, rozwinęła się w XVII wieku. w twórczości artystów holenderskich. Obecnie gatunek ten jest dość szeroko stosowany przez współczesnych artystów i projektantów. Wraz z realistycznym obrazem często można spotkać się z koncepcją „dekoracyjnej martwej natury”.
Martwa natura dekoracyjna charakteryzuje się konwencjonalnym, uproszczonym przedstawieniem form i stylizacji.
Bardzo dużą uwagę przywiązuje się do kolorystyki, wybarwienia – zestawienia kolorystycznego użytego w kompozycji. Powszechne jest stosowanie kontrastujących kolorów. Najbardziej harmonijną kombinacją kontrastu jest stosunek czerni i bieli. Ta kombinacja jest aktywnie wykorzystywana w grafice, odzieży, projektowaniu wnętrz itp.
Naszą kompozycję martwej natury spróbujemy dziś stworzyć z połączenia czerni i bieli, ale do koloru dodamy też koncepcję podziału płaszczyzny na części - komórki. Przypomnijmy sobie układ kolorowych kwadratów na szachownicy; zauważmy, że pola tego samego koloru nigdy nie łączą się wspólnym bokiem, stykają się tylko w jednym punkcie. Postaramy się wykorzystać tę funkcję podczas pracy nad kompozycją martwej natury.
Postęp
1. Po przemyśleniu kompozycji wybierz lokalizację arkusza. Nakreślamy lokalizację obiektów. Jeśli pracujesz w tej technice po raz pierwszy, staraj się nie komplikować kompozycji poprzez nakładanie kształtu jednego obiektu na drugi.
2. Nakreśl projekt obiektów liniami przerywanymi. Ponieważ martwa natura będzie dekoracyjna, nie ma potrzeby starania się o oddanie objętości, wystarczy płaska konstrukcja.
3. Wyjaśniamy kontury kształtu obiektów. Gładszymi liniami obrysowujemy kontury wazonu, filiżanki, rysujemy łodygi kwiatów i owoców. Usuwanie linii konstrukcyjnych.
4. Obrysowujemy spadające cienie. Za pomocą linijki dzielimy płaszczyznę arkusza na komórki o jednakowej wielkości. Optymalny rozmiar komórki dla arkusza poziomego (A4) wynosi 3 cm, jeśli arkusz jest większy (A3), możesz zwiększyć długość boku komórki do 5 cm Jeśli nie masz doświadczenia w takiej martwej naturze obrazie, staraj się nie komplikować zadania, zmniejszając rozmiar komórek.
5. Zaczynamy malować komórki czarnym gwaszem. Staramy się używać gęstej farby, aby warstwa farby była wystarczająco gęsta i jednolita. Jeżeli kształt przedmiotów mieści się w klatce, wówczas pozostawiamy ją niepomalowaną. Lepiej zacząć pracę od zewnętrznych komórek, stopniowo przesuwając się w stronę środka kompozycji.
6. Przystępujemy do malowania komórek w środku kompozycji, nie wychodząc poza kontury obiektów.
7. Po zakończeniu kolorowania tła zaczynamy kolorować części obiektów, które wpadają na białe komórki.
8. Kontynuując prace nad wybarwieniem poszczególnych elementów, zbliżamy się do zakończenia prac. Wyjaśniamy linie kształtu obiektów, korygujemy niedokładności i niechlujne kontury komórek.
Praca jest gotowa.
Dziękuję za uwagę! Życzę wszystkim twórczych sukcesów!
Wiadomo, że fotografie martwej natury są dość powszechne. Często wielu fotografów lubi przedstawiać swoje martwe natury w czerni i bieli. Obejmuje to znajdowanie obiektów, porównywanie przedmiotów codziennego użytku w swoim otoczeniu i uwydatnianie różnic w teksturach i tonach. Konwersja do wersji czarno-białej daje wiele możliwości podczas przeglądania samego zdjęcia.
Czarno-biała martwa natura pozwala skupić się na liniach, fakturach i kształtach fotografii. W tym przypadku znacznie łatwiej jest skupić się na tych elementach, ponieważ nie trzeba rozpraszać się kolorami. Dobre wykorzystanie tej techniki nie tylko pozwoli uzyskać bardziej obiektywny obraz pod względem jego integralności, ale także zwiększy napięcie pomiędzy różnymi obiektami i materiałami. Takie połączenia można znaleźć wszędzie, na przykład w parku, na plaży itp. Można fotografować dowolne obiekty. Dodatkowo można fotografować obiekty w parach lub w większych ilościach. Należy zauważyć, że nie zaleca się stosowania tych samych metod do konwersji zdjęcia na czarno-białe.
Aby stworzyć czarno-białą martwą naturę, musisz mieć:
Studenci wykonują dekoracyjną martwą naturę w szkole artystycznej, stosując następującą metodę:
1. Rozmieszczenie obiektów na arkuszu.
2. Transformacja (stylizacja formy).
3. Nakładanie się lub przeplatanie sylwetek ze sobą.
4. Wypełnianie sylwetek rozwiązaniami teksturalnymi i dekoracyjnymi.
Jak wiadomo, martwa natura to produkcja obiektów nieożywionych. W malarstwie sztalugowym martwe natury maluje się tradycyjnie: rzeźbią objętość obiektów, przekazują światłocień, perspektywę liniową i powietrzną, przestrzeń... W martwych naturach dekoracyjnych staje się to nieistotne. Kształt przedstawionych obiektów staje się płaski i konwencjonalny. Nie ma światłocienia. Zamiast tego każda sylwetka jest ozdobnie opracowana.
Transformację formy należy omówić osobno. Jej istotą jest przekształcenie pierwotnej formy przedmiotu w konwencjonalną. Oznacza to, że rysunek jest uproszczony i pozbawiony niepotrzebnych szczegółów. Forma zostaje zredukowana do warunkowo geometrycznej, czyli opiera się na prostych kształtach geometrycznych (okrąg, prostokąt, trójkąt...). Na przykład dzbanek może składać się z koła i cylindra, a góra i dół mogą być uzupełnione okręgami lub elipsami. Pozostaje więc tylko natura przedmiotu. Musi być rozpoznawalny. A kontury zostaną już przekształcone i doprowadzone do ogólnego stylu.
Nakładanie lub splatanie sylwetek- Jest to technika stosowana w sztuce dekoracyjnej i projektowaniu. Nakładanie się sylwetek na siebie jest z definicji zrozumiałe - wtedy obiekty przesłaniają się nawzajem, a obraz staje się jakby wielowarstwowy. Ale splatanie jest trudniejsze. Na przykład, gdy część dzbanka zostanie zasłonięta przez jabłko, przecinające się części dzbanka i jabłka mogą zostać przez artystę oddane w zupełnie innym kolorze. Obiekty stają się jakby „przezroczyste”, a ich przecinające się części są widoczne dla widza. Sylwetki przedmiotów splatają się ze sobą w tak misterny sposób, że w rezultacie czasami trudno je rozróżnić. A to nadaje pracom dekoracyjnym szczególny urok.
Wypełnianie konturów obiektów teksturą– nie jest szczególnie trudne. Można malować sprayem, można nakładać farbę chaotycznymi pociągnięciami itp. Jednak wypełnienie sylwetki roztworem dekoracyjnym jest trudniejsze. Artystka wymyśla swego rodzaju „ozdobę”, choć to słowo nie do końca tu pasuje. Wypełnia sylwetkę tą „ozdobą”. Ta „ozdoba” powstaje w oparciu o linię generatywną. Linia formatywna to linia tworząca zarys obiektu. Na przykład zarys greckiej amfory będzie wdzięcznie zakrzywiony. Dlatego dekoracja wnętrza sylwetki będzie opierać się na podobnie zakrzywionych liniach. Poszczególne części takiej dekoracji przedmiotów, jak i same przedmioty, można splatać. Możesz także pominąć dosłowną ozdobę między nimi. Dlatego tego typu zdobienia nie polegają jedynie na wypełnieniu sylwetek samą fakturą czy kolorystyką. Jest to bardziej złożony proces. Ale i bardziej efektowne, na których opiera się istota dekoracyjnej martwej natury.
Na naszych zajęciach z malarstwa szczególną uwagę poświęcamy martwym naturom wykonanym w technice technika malarstwa dekoracyjnego.
Malarstwo dekoracyjne to temat zróżnicowany i obszerny. Opracowany przez naszych nauczycieli cykl zajęć poświęconych nauce technik dekoracyjnych przy pracy z farbami. Dla przykładu przygotowano specjalne martwe natury, w których wyraźnie można ukazać różne techniki i cechy stylu zdobniczego.
Celem zadania jest dekoracyjna martwa natura.
- Naucz się przedstawiać przedmioty za pomocą dekoracyjnych narzędzi malarskich.
- Opanuj umiejętności przekształcania, dzielenia i układania kwiatów według kształtu.
- Wypróbuj różne techniki malowania dekoracyjnego.
Panuje powszechne przekonanie, że style malarstwa dekoracyjnego nie mieszczą się w programie nauczania i są sprzeczne z podstawowymi zasadami malarstwa. W rzeczywistości jest to głębokie błędne przekonanie. Wszystkie metody i zasady stylu zdobniczego wypływają bezpośrednio z programu akademickiego i stanowią jego dalszy rozwój oraz ciągłą ewolucję całej sztuki akademickiej.
Na pierwszy rzut oka uproszczone modelowanie i brak realistycznych obrazów może dać błędny obraz. Dekoracyjne wykonanie dzieła stawia przed nami wiele innych, bardziej skomplikowanych zadań.
Malarstwo dekoracyjne polega na głębokim badaniu lokalnego kolorytu, kompozycji plam barwnych, poszukiwaniu wyrazistych akcentów i efektownych rozwiązań przestrzennych.
Artysta ma obowiązek przekazać obraz i wrażenie prawdziwego modela tak wyraźnie, jak to możliwe, przy użyciu minimum środków. Konieczne jest pokazanie objętości obiektu, materiału, faktury, bez uciekania się do klasycznego modelowania. Rośnie znaczenie analizy kształtu obiektu, konieczne jest wybranie i wymodelowanie stylizowanego obrazu, który przenosi obiekt z obrazu realistycznego na płaszczyznę barw.
W malarstwie dekoracyjnym większe znaczenie zyskuje linia, która staje się pełnoprawnym uczestnikiem obrazu i wraz z kolorem i tonem uczestniczy w kształtowaniu całości kompozycji. Zmiana grubości i wyrazistości linii wyraźniej podkreśla objętość i plastyczność obiektu.
Dużą różnorodność może przynieść także zmiana kształtu i częstotliwości pociągnięć, co natychmiast zamieni powierzchnię płótna w dekoracyjny panel lub mozaikę.
Na pierwszym etapie poznawania możliwości malarstwa dekoracyjnego zalecamy namalowanie serii martwych natur, ponieważ w martwej naturze można dobrać kombinacje przedmiotów i tkanin, aby wyraźnie zademonstrować techniki stylu dekoracyjnego.
Rodzaje dekoracyjnej martwej natury.
Istnieje kilka powszechnych technik, które sprawdziły się w praktyce i procesie uczenia się. Nazwy dobierane są arbitralnie, gdyż we współczesnym malarstwie nie ma jasnej, międzynarodowej klasyfikacji stylów i jednolitych nazw.
Malowanie ze skrawków. Wszystkie zestawienia kolorystyczne w tej technologii przedstawione są w formie odrębnych segmentów, podkreślając strukturę obiektów i ujawniając ich najbardziej wyraziste właściwości. Często stosuje się czyste kolory i płaskie eksponowanie przestrzeni.
Malarstwo z wyraźnie określonym konturem. Aby uwydatnić relacje kształtu i koloru, stosuje się tzw. „metodę witrażową”, kiedy wszystkie obiekty i miejsca załamania formy obrysowuje się czarnymi lub ciemnymi liniami, tworząc wyraźne kontury i granice pomiędzy kolorami. Prace wykonane tą techniką okazują się bardzo spektakularne i jasne.
Inne techniki dekoracyjne opierają się na połączeniach czystych kolorów, różnego rodzaju zmianach pociągnięć, użyciu szpachli, szerokich pędzli i innych narzędzi. Forma artykułu nie pozwala na opisanie każdej techniki i sposobu nakładania farby. Więcej dowiesz się uczestnicząc w naszych zajęciach.
