Od razu powiem, że ten artykuł nie jest dla początkujących.

Pomimo tego, że teraz jest najlepszy czas na zarabianie pieniędzy nawet w naszej branży efektów wizualnych, wielu internautów nadal narzeka na niskie pensje.

I nie chodzi nawet o początkujących studentów, ale raczej o silnych specjalistów.

Zacznę więc od faktów: średnia pensja w biurach większości firm informatycznych w milionowych miastach WNP = 1300-2000 USD. Dotyczy to również naszej branży CG (postprodukcja, tworzenie gier, animacja).

Mogą na nią liczyć zatrudnieni pracownicy z co najmniej 2-letnim stażem pracy przy średnim nakładzie pracy i odpowiedzialności. Od 2 tys. do 3,5 tys.$ miesięcznie mogą otrzymać pracownicy o wyższej odpowiedzialności, np. przełożeni, potencjalni klienci, generaliści. Najwyższa pensja specjalisty CG, jaką słyszałem i którą mogę potwierdzić, wynosi 4000 $ (Kijów).

Problem jednak w tym, że sporo znakomitych fachowców nie zarabia tyle, ile by chcieli. Kilka powodów, dla których tak się stało, zauważyłem w swojej 12-letniej karierze:

1. Niska aktywność społeczna

Innymi słowy, brak sieci. Innymi słowy, powinieneś być znany. A najlepiej wpływowych uczestników rynku.

Nie jest tajemnicą, że najlepsze miejsca pracy w dobrych firmach pochodzą od znajomych. Zwróć uwagę, że niewiele jest pracy w witrynach tematycznych, w których pensje przekraczają 3000 USD miesięcznie. Po prostu się nie reklamują. Faktem jest, że w kręgach komunikacji inteligentnych specjalistów są zawsze 2-3 takich samych lub nawet lepszych specjalistów (np. prof. przyjaźń). Większość dyrektorów najpierw zwraca się do swoich pracowników. znajdź mnie tak samo jak ty. I często znajdują.

2. Rzadka zmiana pracy

„Nigdzie nie ma lepszej firmy. Naprężenie. Skomplikowane." To wszystko są typowe wymówki, z powodu których spędzamy połowę życia tam, gdzie przypadkowo trafiliśmy po studiach.

Nie raz w artykułach wspominaliśmy, że w krajowe firmy CGI praktycznie nie ma rozwoju kariery, bez względu na to, co mówi się na rozmowach kwalifikacyjnych. Tak, jest kilka wyjątków, ale mimo wszystko wzrost Twojej pensji w tej samej firmie rzadko przekracza 15-20% w przeliczeniu na dolary (zwykle nie zmienia się to w żaden sposób przez 5-7 lat).

Najłatwiej jest odsprzedać siebie jako dobrego specjalistę (jeśli jesteś) innym firmom za wyższe pensje i stanowiska. Więc bez większych trudności możesz uzyskać podwyżkę wynagrodzenia z 25 do 50%.

Polecam na wczesnych etapach kariery zmianę pracy raz na półtora roku. Na bardziej dojrzałym etapie - raz na 2-3 lata. Co więcej, sam to zrozumiesz i zrealizujesz taki harmonogram, jeśli tak jak dla mnie ważny jest ciągły rozwój.

3. Brak umiejętności sprzedawania się

Pójść dalej. Powiedz mi, ile razy w swoim życiu udzielałeś wywiadów w ciągu ostatnich 2-3 lat? Cóż, jeśli więcej niż dwa razy. I trzeba to zrobić. Opublikuj swoje CV we wszystkich witrynach wyszukiwania ofert pracy i czekaj na telefony / e-maile, które do Ciebie przyjdą. Następnie odbierz telefony i powiedz nowemu szefowi, jakim jesteś fajną specjalnością i dlaczego powinieneś zarabiać powyżej rynku. I szukaj pracy. W Internecie, z przyjaciółmi. Idź na wywiady! Naucz się ogólnie sprzedawać siebie.

5. Stagnacja u prof. wzrost. Brak ciągłego kształcenia ustawicznego

Przypomnij sobie ostatnią zmianę pracy. Ile samouczków przeglądałeś miesiąc wcześniej i kiedy przeniosłeś się do nowej firmy? Ile pytań zadano nowym pracownikom? Ile nowych technik i sztuczek się nauczyłeś? Tak dzieje się 2-3 miesiące przed iw pierwszym roku bycia w nowej firmie. Co następne…

Rzadka zmiana pracy często prowadzi do tego, że człowiek przestaje się rozwijać. Mówiąc dokładniej, zaczyna się degradować. Po drugim lub trzecim roku pracy w firmie, pracownik powoli zaczyna okrywać się „filmem Boga”, przede wszystkim we własnych oczach.

Oczywiście, rozwój zawodowy i rozwój Ciebie jako osoby ustaje. Rozwój zawodowy jest jedną z Twoich podstawowych wartości. Jeśli odrzucimy wszystko inne, otrzymasz dużo pieniędzy tylko dlatego, że jesteś dobrym profesjonalistą = wiesz, jak szybko rozwiązywać zadania i problemy firmy.

4. Nie potrzebujesz pieniędzy

Tutaj wszystko jest proste. Większość z nas zarabia dokładnie to, czego potrzebuje, aby z powodzeniem nie zasnąć w naszej strefie komfortu. Wszystko inne jęczy i rozładowuje się. „Byłoby fajnie kupić jacht w przyszłym tygodniu, ale zły szef nie podniesie mi pensji”.

Co leczyć? Po prostu rozszerz swoje potrzeby, poziom normy. Leć nad morze na Dominikanę, chodź po salonach nowych samochodów. Jeśli robisz to regularnie, będziesz potrzebować pieniędzy.

6. To nie jest twoje

Aby wszystko to zadziałało, abyś rozwijał się jako profesjonalista CG i VFX, upewnij się, że masz do tego serce. Teraz w Internecie można spotkać wielu początkujących igrodelov, buzzery. Zainspirował ich jakiś projekt iz płonącymi oczami podobno są gotowi do zabawy dniem i nocą. Ale ten bezpiecznik mija za tydzień lub dwa. Niektórzy za miesiąc lub pół roku.

Tworzenie efektów wizualnych i grafiki 3D w rzeczywistości nie jest prostym, żmudnym, rutynowym zadaniem. Tu nie ma najłatwiejszych klientów, których trzeba „zrozumieć i wybaczyć”. Dlatego upewnij się, że branża efektów wizualnych jest tym, do czego naprawdę masz duszę. Tylko pod tym warunkiem będzie Ci łatwiej rosnąć i rozwijać się, co roku podnosić poziom swoich umiejętności, uczyć się nowych narzędzi i technik, a w efekcie co najmniej półtora raza zwiększać swoje dochody.

Napisz swoje przemyślenia na ten temat w komentarzach!

Film dokumentalny o nieopłacalności grafiki komputerowej w kinie jako biznesie. Firma, która wylosowała Life of PI, zbankrutowała na dwa tygodnie przed zdobyciem OSCAR. W ciągu ostatnich 10 lat zamknięto 21 znanych studiów efektów w Hollywood. Pomimo tego, że CG to tradycyjnie branża, w której ludzie pracują dzień i noc bez dni wolnych (także przy produkcji wideo) i bez gwarancji – prawie każdy jest zatrudniany indywidualnie na czas trwania projektu i ciągle zmienia pracę, często pozostawiając rodziny na miesiące i lata. Niemal cała amerykańska branża CG umiera przez to, że Kanada zrobiła ulgi podatkowe (podobnie jak gracze – dlatego Ubisoft robi tam prawie wszystko). W rezultacie artyści nieustannie przemieszczają się z kraju do kraju, gdzie są korzyści, a branża rośnie.

Ogólnie rzecz biorąc, film to czas na zmianę modelu biznesowego – artyści CG to ci sami filmowcy co wszyscy i powinni otrzymywać procent od dochodu z filmu lub wynagrodzenie godzinowe (jak operatorzy itp.), bo jak każdy aktywność twórcza, trudno z góry obliczyć. Większość studiów zmusza wykonawców do pracy za stałą cenę – mówią, płacimy Ci 10 milionów i spełniajmy wszystkie nasze zachcianki. No i wtedy się zaczęło – reżyser zmienił zdanie, postanowili powtórzyć scenę, przerobić ją, wyrzucić i zastąpić inną – ludzie z CG wykonują tę pracę za darmo. Stratę ponosi studio i nic na to nie można poradzić.
W 2013 roku bohaterowie filmu pracowali w dwóch nominowanych do Oscara filmach, które wygrały Life of Pi. Byli pracownicy zebrali się na demonstracji w pobliżu uroczystości. Kiedy ze sceny pracownicy zamkniętego już studia próbowali powiedzieć, że firma, która wykonała tę pracę, ma problem, zagłuszyła ich muzyka ze Szczęk. Ponadto Ang Lee, dziękując wszystkim ze sceny za udział w filmie, wymienił wszystkich poza artystami CG, którzy w tym przypadku wykonali 70% filmu.
W rezultacie cała społeczność CG była po prostu poza sobą. W proteście artyści zaczęli umieszczać zielone ekrany na swoich facebookowych awatarach i publikować prawdziwe fotosy z filmów bez grafiki komputerowej. Teraz cała branża VFX próbuje opracować wspólną politykę współpracy z Hollywood.



W zasadzie wszystkie te problemy są nam bardzo, bardzo znane w FXA, chociaż nie mówimy o CG. Opis problemów z klientami i zmian w planach - 100%.

3 marca Hollywood będzie gospodarzem ogromnej prezentacji artystów VFX przeciwko największym studiom. Jednocześnie powstaje lobby do zmiany przepisów. Generalnie duże firmy oskarżane są o rozgrywanie rządów, zmuszając je do walki między sobą o coraz więcej zachęt do kina kosztem podatników, podczas gdy same zyskują na biciu rekordów czynszów.

Efekty wizualne i grafika komputerowa mocno wkroczyły w nasze życie. Dziś każdy jest w stanie zgłębić tajemniczy i magiczny świat postprodukcji i stać się ekspertem w tej dziedzinie. Poniższe wskazówki pomogą Ci poszerzyć wiedzę o VFX i CGI.

To dość oczywista rada, ale często jest ignorowana przez początkujących. Nawyk patrzenia i analizowania powinien stać się częścią procesu pracy lub szkolenia. Po obejrzeniu filmu z fajnymi efektami wizualnymi przejrzyj go ponownie, ale nie jako widz, ale jako specjalista. Spróbuj znaleźć błędy i partnerów, jest ich naprawdę dużo. Przeanalizuj, jak powstało ujęcie, jak zostało oświetlone i dlaczego zostało zrobione tak, jak było.

Kopiuj

Spróbuj powtórzyć klatki z ulubionych filmów lub wideo. Oczywiście nad stworzeniem jednego fajnego ujęcia siedział fajny zespół artystów. Ale jestem pewien, że większość ramek można realistycznie odtworzyć przy minimalnym budżecie. Zadaniem jest stworzenie czegoś podobnego przy minimalnym budżecie i maksymalnej jakości. Pamiętaj, robisz to w trosce o swój rozwój zawodowy. Dzięki temu prace te idealnie wpasują się w portfolio i będą mogły być publikowane na behance.

Kim jestem?

Kiedy oglądasz hollywoodzki hit CGI, pamiętaj, że nad każdą klatką pracował zespół profesjonalistów. Każdy członek zespołu wykonał jedną wysoce specjalistyczną pracę. Jedna grupa modelowała, podczas gdy druga oświetlała te modele, ktoś rysował otoczenie, ktoś animował postacie, a ktoś skomponował to wszystko, zacierając granicę między rzeczywistością a światem CG. Gdyby wszyscy zrobili wszystko, wynik byłby katastrofalny.

Dlatego ważne jest, aby zdecydować, komu dusza okłamuje. Co jesteś gotów robić przez 10-12 godzin dziennie, nie żałując ani jednej sekundy spędzonej na pracy? Możesz wybrać kilka kierunków dla siebie, ale ważne jest, aby podkreślić te podstawowe, a jeśli to możliwe, podciągnąć pozostałe.

Poznaj podstawy

Bycie wysoce wyspecjalizowanym ekspertem jest ważne, ale musisz zrozumieć cały proces tworzenia dzieła wizualnego. Jeśli Twoim zadaniem jest ustawianie postaci, musisz zrozumieć i wiedzieć, jak te postacie zostały wymodelowane, jak najlepiej je oświetlić i jak będą pasować do materiału filmowego. Podstawowa wiedza w każdym z tych obszarów da Ci ogromny impuls do rozwoju.

Czatuj i poznawaj ekspertów

Przejdź do wydarzeń związanych z CG i filmem. Oczywiście w WNP jest ich bardzo mało, ale kiedy mijają, gromadzą się tam prawdziwe rekiny efektów wizualnych.

Na naukę nigdy nie jest za późno, czyli jak zaoszczędzić kilka lat

Kilka lat temu wierzono, że tylko nieliczni mogą zostać artystami VFX. W rzeczywistości tak było. Tylko najbardziej pracowici i wytrwali potrafili znaleźć niezbędne cenne informacje i spędzić godziny na studiowaniu programów metodą prób i błędów. Teraz wszystko jest dokładnie odwrotnie. Jest tak wiele informacji, że przez całe życie możesz oglądać tylko samouczki. Ale tak daleko nie zajdziesz.

Jedynym słusznym sposobem jest uczenie się od profesjonalistów. Tylko pod kontrolą mistrza uczeń podbije wyżyny branży CGI.

Pozostaje tylko pytanie, gdzie iść na studia?

Odpowiedź jest tylko jedna - do najlepszych mistrzów swojego rzemiosła. Na przykład weź udział w kursach studyjnych TerminalFX po prostu spójrz na nich teczka zrozumieć, jak fajni nauczyciele tam pracują.
Pieniądze wydane na szkolenia zwrócą się dziesiątki, jeśli nie tysiące razy. Dziedzina grafiki komputerowej dopiero nabiera rozpędu i zawsze potrzebni są tutaj specjaliści.

Kreatywność i hobby

Zostań profesjonalnym artystą CG

Kocham świat grafiki komputerowej od dzieciństwa, a od niedawna rysowanie stało się moim życiem.

Mam już 24 lata, wyższe wykształcenie pozaartystyczne i kilkuletnią pracę jako chomik biurowy za sobą. W pewnym momencie uznałem, że takie życie mi nie odpowiada i trzeba coś zmienić. Zebrała całą swoją wolę w pięść i poszła na studia jako animatorka. Teraz minął rok. Podczas szkolenia zacząłem badać, jakie zawody istnieją w świecie artystów. Zdałem sobie sprawę, że zawód animatora tak naprawdę mnie nie pociąga, tak jak same bajki. Bardziej lubię rysować i patrzeć na statyczne obrazy. Wolę sci-fi, militarne, lubię rysunkowy styl rysunkowy.

Chcę się rozwijać, angażować w samokształcenie i zdobywać umiejętności. Chciałbym wymyślić koncepcje i różne obiekty do gier.

Kryteria wypowiedzenia

Rysuj w taki sposób, abyś nie wstydził się rysunków. Otrzymuj zamówienia na rysunki.

Zasoby osobiste

Zostały dwa lata, wielkie pragnienie, komputer osobisty, samouczki wideo, książki, początkowy poziom rysunku i wsparcie męża.

Zielony Cel

Chcę zarabiać na rysowaniu, bo to jedyna rzecz, która naprawdę sprawia mi przyjemność. Poza tym chcę zobaczyć, jak rozwija się branża gier w kraju, chcę zobaczyć ten proces od środka.

Jeśli nie masz możliwości spędzenia przynajmniej kilku lat na dokładnym i żmudnym szkoleniu z rysunku, a następnie szczegółowego opanowania możliwości edytora, a nadal chcesz rysować... Być może te wskazówki dla początkujących pomogą Ci w najmniej unikaj oszałamiających zdjęć i oszczędzaj dużo czasu na wchodzeniu na prowizję.

Powiem od razu - jeszcze musisz nauczyć się podstaw! Ale jeśli nie masz czasu ani okazji, masz dwie możliwości: w ogóle nie rysuj lub ucz się na bieżąco. Jeśli wybrałeś to drugie, czytaj dalej.

Pamiętaj, że możesz oczywiście użyć wszystkiego, co będzie ci zabronione, ale musisz to zrobić tylko wtedy, gdy zrozumiesz, co z tym zrobić, w przeciwnym razie uderzenia z prowizji będą rosły i nie będzie rezultatu.

WSKAZÓWKA 1. Standardowe pędzle w postaci trawy, gwiazdek i innych bzdur są dla Ciebie złe na najbliższe kilka miesięcy obcowania z tabletem i Photoshopem.

To jest złe, przynajmniej dopóki nie zdasz sobie sprawy, że możesz sobie bez nich poradzić. Tymczasem ściśle pamiętamy, że w pierwszych miesiącach bliskiego kontaktu z tabletem jedynym pędzelkiem powinna być… standardowa okrągła twarda szczoteczka. Ok, może być kwadratowy, prostokątny i nie ma znaczenia jaki kształt. Solidny. Nie miękki.

Miękki pędzel oczywiście też się przydaje, ale na początek najlepiej o nim zapomnieć, a jeśli jeszcze trochę się w niego wkraczasz to maluj trochę – rób to w małych dawkach i zostaw na razie twardy pędzel jako priorytet . Przez kilka lat słyszałem tak wiele zwrotów typu „jeśli ktoś mi to powiedział”, że byłem jednoznacznie przekonany, że ta rada jest słuszna. Więc - zaufaj mi! Albo zabić.

Wielu artystów z czasem tworzy (lub pożycza od innych) własne podstawowe pędzle. Zwykle mają podarte krawędzie dla lepszego mieszania. Ale dla ciebie to wszystko jest teraz całkowicie niepotrzebne. Zapomnij o tych wszystkich pędzlach, które są pełne w Internecie. Naucz się opanować przynajmniej odrobinę sztywności okrągłej i dopiero wtedy ją komplikuj.

Jeśli chęć korzystania z innych pędzli jest zbyt duża - przejdź do Photoshopa i usuń wszystkie pędzle poza twardym, okrągłym… okej, ale nadal miękkim i zapomnij o wszystkich znanych sposobach tworzenia pędzli. Oczywiście na chwilę.

Pilnie potrzebujesz trawy, liści i motyli? Więc o co chodzi? Rysować!

WSKAZÓWKA 2. Twój pierwszy rysunek lub następny, jeśli już narysowałeś, nie powinien być Twoim ulubionym kotem, psem, bratem, siostrą, mamą, tatą, ale… rozciąganiem tonów.

I… nie, nie po to, żeby ćwiczyć nacisk pióra i równość linii, ale po to, żeby nauczyć się wykonywać płynne przejścia. Większość początkujących artystów cierpi z powodu tego, że po prostu nie umie mieszać kolorów i gładkich płaszczyzn. I oczywiście najłatwiejszym i najszybszym rozwiązaniem jest użycie miękkiego pędzla, a to z kolei prowadzi do strasznych rezultatów, które następnie doprowadzają zwłaszcza artystów o słabym sercu do psychologicznej traumy. Dobra, ostatni to żart, ale fakt pozostaje. Dlatego zanim zaczniesz rysować, niezależnie od tego, czy jest to pożądane, czy nie, zdecydowanie musisz nauczyć się jednej prostej, ale szalenie przydatnej techniki.

Więc z tego:

Dostaniemy to:

Cóż, kolorem zajmiemy się później.

Tak więc najbardziej optymalnym i skutecznym sposobem mieszania kolorów i tworzenia płynnego przejścia jest użycie twardego pędzla, ponieważ pozwala on na tworzenie wielu przejść i zachowanie „klarowności” obrazu, co nadaje mu żywotności. Miękki pędzelek pozwala na pozornie płynniejsze przejścia:

Ale taka gładkość rzadko jest korzystna. Przydaje się do tworzenia ogólnej objętości tła, ale cokolwiek by powiedzieć, przyglądając się uważnie, można zauważyć, że pojawia się wrażenie rozmycia, a gdy tę metodę zastosuje się do rysunku, na przykład portretu twoja siostra, wtedy wszystko wygląda znacznie gorzej.

Oczywiście od Ciebie zależy, która opcja najbardziej Ci się podoba i najlepiej, aby móc używać obu, ale musisz wiedzieć, kiedy możesz użyć miękkiej szczoteczki, a kiedy nie. W międzyczasie wciąż nie wiemy tego zbyt dobrze – najlepiej posłuchać mądrych ciotek i wujków, którymi potrząsam jak dojrzałym drzewem i robię to, co mówią.

Zacznijmy więc rozciąganie.

Aby wykonać tak proste naciągnięcie, musisz uzbroić się w twardą, okrągłą szczoteczkę. Osobiście wolę wyłączyć reakcję nacisku pisaka dla pędzla bazowego, co określiłoby grubość linii, ale reakcja na przezroczystość jest właśnie taka. Ale to już amator. Uważam, że dzięki ustawieniom Photoshopa każdy może się zaprzyjaźnić, jeśli nie jest zbyt leniwy. I porozmawiam o czymś innym.

1. Tak więc bierzemy czerń i malujemy nią ponad połowę naszego rysunku. Cóż, lub w przybliżeniu część, która Twoim zdaniem będzie ... cieniem.

2. Teraz bierzemy i obniżamy parametry Opacity (Opacity) i Flow (Push) w pędzlu (znajdują się na górze menu) do około 40-50%. Im niższa wartość Opacity, tym bardziej przezroczysty będzie nasz kolor, a jeśli narysujemy linię, to dolna warstwa koloru również będzie przez nią widoczna. Zasadniczo krycie można porównać do gęstości farby. Im wyższa wartość, tym większe pokrycie. Wartość przepływu określa gęstość „przepływu”. Z grubsza mówiąc, łącząc te dwa parametry, można uzyskać różne efekty z pędzla bez wchodzenia w inne jego ustawienia. Wróćmy jednak do naszych owiec.

Tak więc wybranym czarnym kolorem malujemy ponad połowę koloru białego. Co więcej, należy to zrobić jednym ruchem, bez odrywania pióra. Jeśli go oderwiesz, to poprzednie pociągnięcie pokryje ten już narysowany, a blendowanie nastąpi tam, gdzie go nie potrzebujemy. Teraz bierzemy nowy wynikowy kolor za pomocą pipety i malujemy nim pół czerni. W rezultacie otrzymamy coś takiego:

3. Następnie zmniejszamy średnicę pędzla, myślę, że rozumiesz dlaczego? I bierzemy wynikowy kolor po lewej (na białym) i malujemy go na pół na biało, a następnie robimy to samo z czernią. I otrzymujemy coś takiego:

4. Myślę, że to jasne, co robimy dalej? Zaczynamy chodzić od lewej do prawej lub od prawej do lewej (w zależności od tego, co jest wygodniejsze dla każdego) i biorąc kolor, malujemy ponad połowę sąsiedniego. Następnie bierzemy pozostały kawałek niepomalowanego koloru i malujemy kolejny kawałek o połowę i tak dalej. Ogólnie rzecz biorąc, robiliśmy coś takiego jak rozciąganie.

Miejscami jest krzywe, ale zrobiłem to wyłącznie jako przykład techniki.

5. Teraz zmniejszamy krycie do 15-30% - to już zależy od osobistych priorytetów, na przykład używam zwykle w granicach 20% lub więcej, jeśli działa tryb nacisku pisaka dla pędzla, i nadal robimy to samo. Znowu i znowu. Ogólnie rzecz biorąc, ta lekcja jest przeznaczona wyłącznie do szkolenia. W rezultacie sam dowiesz się, jak najlepiej tworzyć przejścia. Jaki nacisk wybrać, jak nakładać kolory. A wszystko to tylko pomoże zrozumieć. Jest mało prawdopodobne, abyś był zboczony tak po prostu, ale czasami będzie to potrzebne.

W rezultacie otrzymamy coś takiego:

Kiedy już wymyślisz to proste zadanie, radzę spróbować w przyszłości przetłumaczyć Krycie i Przepływ na nacisk pióra. I naucz się pracować w ten sposób. Po pierwsze skróci to przynajmniej czas na ciągłe rozpraszanie się zmieniające parametry, a po drugie nauczysz się bardziej subtelnie manipulować naciskiem podczas rysowania, co już samo w sobie jest fajne!

Omówmy teraz rozciąganie kolorów. Tutaj wszystko jest zasadniczo takie samo. Są tylko dwa sposoby na rozciąganie. A dokładniej, nie tak. Metoda nadal ta sama, ale działania są nieco inne, a wynik jest… inny.

Opcja 1. Przejście od jednego koloru do drugiego z pominięciem kolorów pośrednich. Ta metoda jest podobna do rozciągania czarno-białego jeden do jednego.

Jednak nie jest to zbyt dobre w przypadkach, gdy kolory na kole kolorów są daleko od siebie. I, jak widać, kolor w punkcie mieszania „zawodzi” w szary, co czasami nie jest zbyt dobre dla obrazu i może w przyszłości prowadzić do „brudu”, ale może być wygodne dla tła, gdzie kolory powinny być mniej nasycone niż plan frontowy.

Opcja 2. Przejście od jednego koloru do drugiego poprzez kolory pośrednie w kole kolorów. Tutaj esencja jest taka sama, ale dodajemy kolory znajdujące się pomiędzy naszymi dwoma głównymi. Nie będę wyjaśniał, czym jest koło kolorów i co oznacza kolor pośredni. Przeczytaj teorię kolorów, a znajdziesz wiele przydatnych informacji. Z czasem nauczysz się dodawać kilka kolorów pośrednich na raz podczas procesu mieszania. W rzeczywistości tak dzieje się rysowanie - przez dodawanie i mieszanie różnych kolorów. Odkrył Amerykę, prawda? Ale teraz postaramy się zrobić to w prosty sposób, abyś zrozumiał, jak to wszystko działa.

Więc najpierw podzielimy nasz rysunek na pół na żółty i fioletowy. Następnie otwórz paletę i weź kolor gdzieś pośrodku tych kolorów, a z Kryciem 50% pomaluj w połowie żółty i w połowie fioletowy. Voila i otrzymujemy dwa kolory pośrednie.

A teraz najciekawsze! Otwórz paletę i przeprowadź cały odcinek zakraplaczem. Najpierw na pierwszym, a potem na drugim. Naprawdę interesujące? Przechodzimy przez ten sam zakres, ALE w drugim przypadku kolory są bardziej nasycone i jaśniejsze. I to świetnie, prawda? Dodając kolor pośredni, ożywiliśmy nasz odcinek i nie było to wcale trudne.

Pamiętaj o tym, a Twoje rysunki natychmiast staną się bardziej żywe. To oczywiście jest trudne do wdrożenia od razu, ale z biegiem czasu wszystko się ułoży i wszystko się ułoży. Najważniejszą rzeczą do zapamiętania podczas rysowania.

Pewien aspirujący artysta poprosił mnie o nagranie filmu przedstawiającego odcinek, ponieważ proste kroki mu nie wystarczały. Po raz pierwszy trzymał w dłoni długopis i nigdy nie pracował z Photoshopem. Nagrałem krótki film, który pokazuje, jak wykonałem te ćwiczenia. To bardzo proste, ale ten rodzaj treningu pisaka jest bardzo przydatny, zwłaszcza podczas pracy z kolorem. Byłoby wspaniale, gdyby ustawić krycie i przepływ na nacisk pisaka po uruchomieniu. Nawiasem mówiąc, w tym przypadku nie musisz obniżać tych parametrów bardzo nisko. Widać to na filmie. Prawie cały czas używam krycia 50%.