Instrument muzyczny: Skrzypce
Skrzypce to jeden z najbardziej wyrafinowanych i wyrafinowanych instrumentów muzycznych, o uroczej melodyjnej barwie bardzo zbliżonej do głosu ludzkiego, ale jednocześnie bardzo wyrazistej i wirtuozowskiej. To nie przypadek, że skrzypcom przypisuje się rolę „ królowe orkiestry».
Głos skrzypiec jest podobny do głosu ludzkiego, często do jego opisu używa się czasowników „śpiewa” i „płacze”. Potrafi wywołać łzy radości i smutku. Skrzypek gra na strunach duszy swoich słuchaczy, działając poprzez struny swojego potężnego asystenta. Istnieje przekonanie, że dźwięki skrzypiec zatrzymują czas i przenoszą w inny wymiar.
Historia skrzypce i przeczytaj na naszej stronie wiele ciekawych faktów na temat tego instrumentu muzycznego.
Dźwięk
Ekspresyjny śpiew skrzypiec potrafi przekazać myśli kompozytora i uczucia bohaterów opery I balet bardziej dokładne i kompletne niż wszystkie inne narzędzia. Soczyste, uduchowione, eleganckie i jednocześnie stanowcze brzmienie skrzypiec jest podstawą każdego dzieła, w którym wykorzystywany jest przynajmniej jeden z tych instrumentów.
Barwa dźwięku zależy od jakości instrumentu, umiejętności wykonawcy i doboru strun. Basowe wyróżniają się gęstym, bogatym, nieco surowym i ostrym dźwiękiem. Środkowe struny mają miękkie, uduchowione brzmienie, jakby aksamitne, matowe. Górny rejestr brzmi jasno, słonecznie, dźwięcznie. Instrument muzyczny i wykonawca mają możliwość modyfikowania tych dźwięków, urozmaicania i dodatkowej palety.
Zdjęcie:
Interesujące fakty
- Athira Krishna z Indii w 2003 roku grał na skrzypcach nieprzerwanie przez 32 godziny w ramach festiwalu Trivandrum, dzięki czemu został wpisany do Księgi Rekordów Guinnessa.
- Gra na skrzypcach pozwala spalić około 170 kalorii na godzinę.
- Wynalazca rolek, Joseph Merlin, belgijski producent instrumentów muzycznych. Aby wprowadzić nowy produkt, łyżwy z metalowymi kółkami, w 1760 roku wszedł na bal kostiumowy w Londynie, grając na skrzypcach. Publiczność entuzjastycznie powitała zgrabne przesuwanie się po parkiecie przy akompaniamencie pięknego instrumentu. Zainspirowany sukcesem 25-letni wynalazca zaczął kręcić się szybciej, po czym przy pełnej prędkości uderzył w drogie lustro, rozbijając je na kawałki, skrzypce i poważnie raniąc się. Jego łyżwy nie miały wtedy hamulców.
- W styczniu 2007 roku Stany Zjednoczone zdecydowały się na eksperyment, w którym wziął udział jeden z najwybitniejszych wykonawców muzyki skrzypcowej, Joshua Bell. Wirtuoz zszedł do metra i jak zwykły uliczny muzyk przez 45 minut grał na skrzypcach Stradivariusa. Niestety, trzeba było przyznać, że przechodnie nie byli szczególnie zainteresowani błyskotliwą grą skrzypka, wszystkich gnał zgiełk wielkiego miasta. Tylko siedmiu na tysiąc, którzy w tym czasie przeszli, zwróciło uwagę na słynnego muzyka, a kolejnych 20 rzuciło pieniądze.Łącznie w tym czasie zarobiono 32 dolary. Na koncerty Joshuy Bella zazwyczaj wyprzedają się wszystkie bilety, a średnia cena biletu wynosi 100 dolarów.
- Największy zespół młodych skrzypków zebrał się na stadionie w Changhua (Tajwan) w 2011 roku i liczył 4645 uczniów w wieku od 7 do 15 lat.
- Do 1750 roku struny do skrzypiec wytwarzano z jelit owiec. Metodę tę po raz pierwszy zaproponowali Włosi.
- Pierwsze dzieło na skrzypce powstało pod koniec 1620 roku przez kompozytora Mariniego. Nazywał się „Romanesca per skrzypce solo e basso”.
- Skrzypkowie i lutnicy często próbują tworzyć maleńkie instrumenty. Tak więc na południu Chin w mieście Guangzhou wykonano miniskrzypce o długości zaledwie 1 cm, a ukończenie tego dzieła zajęło mistrzowi 7 lat. Grający w orkiestrze narodowej Szkot David Edwards wykonał skrzypce o długości 1,5 cm, a Eric Meisner w 1973 roku stworzył instrument o melodyjnym brzmieniu o długości 4,1 cm.
- Na świecie są rzemieślnicy, którzy wykonują kamienne skrzypce, które nie ustępują swoim dźwiękiem swoim drewnianym odpowiednikom. W Szwecji rzeźbiarz Lars Wiedenfalk, ozdabiając fasadę budynku blokami diabazu, wpadł na pomysł zrobienia z tego kamienia skrzypiec, ponieważ spod dłuta i młotka wydobywały się zaskakująco melodyjne dźwięki. Nazwał swoje kamienne skrzypce „Blackbird”. Produkt okazał się niespodziewanie biżuterią – grubość ścianek pudła rezonatora nie przekracza 2,5 mm, waga skrzypiec to 2 kg. W Czechach Jan Roerich wykonywał instrumenty z marmuru.
- Pisząc słynną „Mona Lisę” Leonardo da Vinci zapraszał muzyków do gry na instrumentach smyczkowych, w tym na skrzypcach. Jednocześnie muzyka miała inny charakter i barwę. Wielu uważa, że dwuznaczność uśmiechu Giocondy („uśmiech anioła lub diabła”) wynika z różnorodności akompaniamentu muzycznego.
- Skrzypce stymulują mózg. Fakt ten potwierdzili nie raz znani naukowcy, którzy umieli i lubili grać na skrzypcach. Na przykład Einstein po mistrzowsku grał na tym instrumencie od szóstego roku życia. Nawet słynny Sherlock Holmes (obraz zbiorowy) zawsze posługiwał się jego dźwiękami, gdy myślał o złożonym problemie.
- Kaprysy uważane są za jedne z najtrudniejszych do wykonania utworów. Nicolo Paganiniego i inne jego dzieła, koncerty Brahmsa , Czajkowski , Sibeliusa . A także najbardziej mistyczne dzieło - „ Sonata diabła „(1713) G. Tartini, który sam był wirtuozem skrzypiec,
- Skrzypce Guarneri i Stradivarius uważane są za najcenniejsze pod względem pieniężnym. Najwyższą cenę zapłacono za skrzypce Guarneri „Vietang” w 2010 roku. Został sprzedany na aukcji w Chicago za 18 milionów dolarów. Za najdroższe skrzypce Stradivariusa uznawane są „Lady Blunt”, które w 2011 roku zostały sprzedane za prawie 16 milionów dolarów.
- Największe skrzypce świata powstały w Niemczech. Jego długość wynosi 4,2 m, szerokość 1,4 m, długość dziobu 5,2 m. Grają w nią trzy osoby. To wyjątkowe dzieło zostało stworzone przez rzemieślników z Vogtland. Instrument ten jest pomniejszoną kopią skrzypiec Jana Jerzego II Schonfeldera, powstałą pod koniec XVIII wieku.
- Smyczek do skrzypiec ma zwykle 150-200 włosów, które mogą być wykonane z włosia końskiego lub nylonu.
- Cena niektórych łuków na aukcjach sięga dziesiątek tysięcy dolarów. Za najdroższy łuk uważa się dzieło mistrza François Xaviera Tourte, którego wartość szacuje się na około 200 000 dolarów.
- Vanessa Mae jest uznawana za najmłodszą skrzypaczkę, która nagrywała koncerty skrzypcowe Czajkowskiego I Beethovena w wieku 13 lat. Vanessa-Mae zadebiutowała z London Philharmonic Orchestra w 1989 roku w wieku 10 lat. W wieku 11 lat została najmłodszą studentką Royal College of Music.
- Odcinek z opery” Opowieść o carze Saltanie » Rimski-Korsakow „Lot trzmiela” jest trudny technicznie do wykonania i rozgrywany z dużą prędkością. Skrzypkowie na całym świecie organizują konkursy, w których sprawdzają, jak szybko potrafią wykonać ten utwór. Tak więc w 2007 roku D. Garrett wszedł do Księgi Rekordów Guinnessa, wykonując go w 1 minutę i 6,56 sekundy. Od tego czasu wielu wykonawców próbowało go wyprzedzić i zdobyć tytuł „najszybszego skrzypka świata”. Niektórzy byli w stanie wykonać ten utwór szybciej, ale jednocześnie znacznie stracił na jakości. Na przykład kanał Discovery uważa Brytyjczyka Bena Lee, który wykonał „Lot trzmiela” w 58,51 sekundy, nie tylko za najszybszego skrzypka, ale także najszybszą osobę na świecie.
Popularne utwory na skrzypce
Camille Saint-Saëns – Wprowadzenie i Rondo Capriccioso (posłuchaj)
Antonio Vivaldi: „Pory roku” – Letnia burza (posłuchaj)
Antonio Bazzini – „Okrągły taniec krasnoludów” (posłuchaj)
P. I. Czajkowski – „Walc-Scherzo” (posłuchaj)
Jules Masne – „Medytacja” (posłuchaj)
Maurice Ravel – „Cygan” (posłuchaj)
J. S. Bach – „Chaconne” z partity d-moll (posłuchaj)
Zastosowanie i repertuar skrzypiec
Dzięki zróżnicowanej barwie skrzypce służą do przekazywania różnych nastrojów i charakterów. We współczesnej orkiestrze symfonicznej instrumenty te zajmują prawie jedną trzecią kompozycji. Skrzypce w orkiestrze dzielą się na 2 grupy: jedna gra na głosie górnym lub melodii, druga gra na głosie dolnym lub akompaniamencie. Nazywa się je pierwszymi i drugimi skrzypcami.
Ten instrument muzyczny świetnie brzmi zarówno w zespołach kameralnych, jak i w wykonaniu solowym. Skrzypce łatwo współgrają z instrumentami dętymi, fortepianem i innymi smyczkami. Najpopularniejszym z zespołów jest kwartet smyczkowy, w skład którego wchodzi 2 skrzypiec, wiolonczela I alt . Dla kwartetu napisano ogromną liczbę dzieł z różnych epok i stylów.
Niemal wszyscy wybitni kompozytorzy nie ignorowali skrzypiec, komponowali koncerty na skrzypce i orkiestrę Mozarta , Vivaldi, Czajkowski , Brahmsa, Dworak , Chaczaturian, Mendelssohn, Saint-Saensa , Kreisler, Wieniawski i wielu innych. Skrzypcom powierzano także partie solowe w koncertach na kilka instrumentów. Na przykład o godz Kawaler to koncert na skrzypce, obój i zespół smyczkowy, a Beethoven napisał potrójny koncert na skrzypce, wiolonczelę, fortepian i orkiestrę.
W XX wieku skrzypce zaczęto wykorzystywać w różnych współczesnych stylach muzycznych. Najwcześniejsze wzmianki o zastosowaniu skrzypiec jako instrumentu solowego w jazzie pochodzą z pierwszych dekad XX wieku. Jednym z pierwszych skrzypków jazzowych był Joe Venuti, który występował ze słynnym gitarzystą Eddiem Langiem.
Skrzypce składają się z ponad 70 różnych drewnianych części, ale główna trudność w produkcji polega na gięciu i obróbce drewna. W jednym kawałku może znajdować się aż 6 różnych rodzajów drewna, a rzemieślnicy nieustannie eksperymentowali, stosując nowe opcje - topola, gruszka, akacja, orzech. Za najlepszy materiał uważa się drewno rosnące w górach, ze względu na jego odporność na zmiany temperatury i wilgoć. Struny wykonane są z żyłek, jedwabiu lub metalu. Najczęściej mistrz wykonuje:
- Rezonansowy wierzchołek świerkowy.
- Szyja, plecy, scroll wykonane z klonu.
- Obręcze wykonane z drewna iglastego, olchy, lipy, mahoniu.
- Plamy iglaste.
- Hebanowa szyja.
- Podbródek, kołki, guzik, podpórka wykonane z bukszpanu, hebanu lub palisandru.
Czasami mistrz używa innych rodzajów drewna lub według własnego uznania zmienia opcje przedstawione powyżej. Klasyczne skrzypce orkiestrowe mają 4 struny: od „baskijskiej” (G małej oktawy) do „piątej” (E drugiej oktawy). Niektóre modele mogą dodać piątą strunę altową.
Różne szkoły rzemieślników można rozpoznać po klotzach, obręczach i lokach. Szczególnie wyróżnia się loki. Można go w przenośni nazwać „obrazem autora”.
Duże znaczenie ma lakier, którym pokrywane są elementy drewniane. Nadaje produktowi odcień od złotego do bardzo ciemnego z czerwonawym lub brązowym odcieniem. Od lakieru zależy, jak długo instrument „przeżyje” i czy jego brzmienie pozostanie niezmienione.
Czy wiesz, że skrzypce owiane są wieloma legendami i mitami? Nawet w szkole muzycznej dzieciom opowiada się starą legendę o kremońskim mistrzu i czarodzieju. Długo próbowali rozwikłać tajemnicę brzmienia instrumentów znanych włoskich mistrzów. Uważa się, że odpowiedzią jest specjalna powłoka – lakier, który na dowód tego został nawet zmyty ze skrzypiec Stradivariusa, ale wszystko na próżno.
Na skrzypcach gra się zwykle smyczkiem, z wyjątkiem pizzicato, które wykonuje się poprzez szarpanie struny. Łuk ma drewnianą podstawę i ciasno naciągnięte na nią końskie włosie, które przed grą naciera się kalafonią. Zwykle ma 75 cm długości i waży 60 gramów.
Obecnie można spotkać kilka rodzajów tego instrumentu – skrzypce drewniane (akustyczne) i elektryczne, których dźwięk słyszymy dzięki specjalnemu wzmacniaczowi. Jedno pozostaje niezmienne – zaskakująco miękkie, melodyjne brzmienie tego instrumentu muzycznego, hipnotyzujące swoim pięknem i melodią.
Wymiary
Oprócz standardowych pełnowymiarowych całych skrzypiec (4/4) dostępne są mniejsze instrumenty do nauki dla dzieci. Skrzypce „rosną” wraz z uczniem. Rozpoczynają naukę od najmniejszych skrzypiec (1/32, 1/16, 1/8), których długość wynosi 32-43 cm.
Wymiary kompletnych skrzypiec: długość - 60 cm, długość korpusu - 35,5 cm, waga około 300 - 400 gramów.
Techniki gry na skrzypcach
Słynna jest wibracja skrzypiec, która przenika duszę słuchaczy bogatą falą dźwięku. Muzyk może jedynie nieznacznie podnosić i obniżać dźwięki, wprowadzając do muzycznego zasięgu jeszcze większą różnorodność i poszerzenie palety dźwiękowej. Znana jest również technika glissando, która pozwala na wykorzystanie braku progów na gryfie.
Nie naciskając zbyt mocno struny, a jedynie jej dotykając, skrzypek wydobywa oryginalne, zimne, gwiżdżące dźwięki, przypominające dźwięk fletu (flajolet). Istnieją harmonie, w których biorą udział dwa palce wykonawcy, oddalone od siebie o czwartą lub piątą, są one szczególnie trudne do wykonania. Za najwyższą kategorię umiejętności uważa się wykonywanie harmonicznych w szybkim tempie.
Skrzypkowie stosują także następujące ciekawe techniki gry:
- Col Legno – uderzanie w struny laską. Technikę tę stosuje się w „Taniec śmierci” Saint-Saënsa symulować dźwięk tańczących szkieletów.
- Sul ponticello - zabawa smyczkiem na stojaku wydaje złowieszczy, syczący dźwięk, charakterystyczny dla postaci negatywnych.
- Sul tasto – gra smyczkiem na gryfie. Wydaje delikatny, eteryczny dźwięk.
- Rykoszet – wykonywany poprzez rzucenie łuku na cięciwę ze swobodnym odbiciem.
Inną techniką jest użycie wyciszenia. Jest to grzebień wykonany z drewna lub metalu, który redukuje drgania strun. Dzięki wyciszeniu skrzypce wydają miękkie, stłumione dźwięki. Podobną technikę często wykorzystuje się do wykonywania momentów lirycznych, emocjonalnych.
Na skrzypcach można grać podwójne nuty, akordy, a także wykonywać utwory polifoniczne, jednak najczęściej jego wielostronny głos wykorzystywany jest w partiach solowych, gdyż jego główną zaletą jest ogromna różnorodność dźwięków i ich odcieni.
Historia skrzypiec
Do niedawna powszechnie uważano, że przodek skrzypiec altówka Udowodniono jednak, że są to dwa zupełnie różne narzędzia. Ich rozwój w XIV-XV wieku przebiegał równolegle. Jeśli altówka należała do klasy arystokratycznej, to skrzypce pochodziły od ludu. Grali na niej głównie chłopi, podróżujący artyści i minstrele.
Ten niezwykle różnorodnie brzmiący instrument można nazwać jego poprzednikami: lirą indyjską, skrzypcami polskimi (rebeką), skrzypcami rosyjskimi, rababem arabskim, kretem brytyjskim, kobyzem kazachskim i fidelem hiszpańskim. Wszystkie te instrumenty mogły być protoplastami skrzypiec, gdyż każdy z nich dał początek rodzinie smyczków i obdarzył je swoimi zaletami.
Wprowadzenie skrzypiec do wyższych sfer i włączenie ich jako instrumentu arystokratycznego rozpoczęło się w 1560 r., kiedy Karol IX zamówił u wytwórcy smyczków Amati 24 skrzypce dla swoich pałacowych muzyków. Jeden z nich przetrwał do dziś. To najstarsze skrzypce na świecie, nazywają się „Karol IX”.
Powstanie skrzypiec w takiej formie, w jakiej je obecnie widzimy, kwestionują dwa domy: Andrea Amati i Gasparo de Solo. Niektóre źródła podają, że palmę miał otrzymać Gasparo Bertolotti (nauczyciel Amati), którego instrumenty muzyczne zostały później udoskonalone przez ród Amati. Wiadomo tylko, że wydarzyło się to we Włoszech w XVI wieku. Ich następcami nieco później byli Guarneri i Stradivari, którzy nieznacznie powiększyli rozmiar korpusu skrzypiec i wykonali większe otwory (f-hole) dla mocniejszego brzmienia instrumentu.
Pod koniec XVII wieku Brytyjczycy próbowali dodać progi do konstrukcji skrzypiec i utworzyli szkołę nauki gry na podobnym instrumencie. Jednak ze względu na znaczną utratę dźwięku szybko porzucono ten pomysł. Najbardziej zagorzałymi zwolennikami swobodnego stylu gry na czystej gryfie byli wirtuozi skrzypiec: Paganini, Lolli, Tartini i większość kompozytorów, zwłaszcza Vivaldi.
Skrzypce
W muzyce kwartet to zespół składający się z 4 muzyków lub śpiewaków. Najpopularniejszym jest kwartet smyczkowy, w skład którego wchodzą altówka, 2 skrzypiec i wiolonczela.
Pojawił się w XVIII wieku, w czasach, gdy wieczorami gromadzili się muzycy-amatorzy, aby grać na instrumentach smyczkowych. Następnie kwartety stały się bardziej profesjonalne. Zapraszani byli do występów na dworach książęcych, w salonach szlacheckich, a od XIX w. w salach koncertowych Filharmonii. Dziś kwartet smyczkowy jest jednym z najpopularniejszych zespołów kameralnych.
Istnieją jednak inne rodzaje kwartetów. Jeśli mówimy o składzie instrumentów, kwartety mogą być jednorodne (smyczki, instrumenty dęte drewniane) lub mieszane (na przykład smyczki z fortepianem lub obojem). Kwartet składający się z 3 smyczków – skrzypiec, wiolonczeli, altówki i fortepianu nazywany jest kwartetem fortepianowym. Kwartet wokalny może być żeński lub męski, istnieją kwartety mieszane (alt, sopran, bas, tenor itp.).
Kwartet to nie tylko kompozycja muzyczna, może to być także utwór muzyczny napisany dla 4 wykonawców.
Kwartet to utwór napisany na cztery instrumenty – główny gatunek muzyki kameralnej. Popularne są kwartety, w skład których wchodzą instrumenty jednorodne (dwoje skrzypiec, wiolonczela, altówka) oraz kwartety mieszane (smyczkowe, dęte lub fortepian).
Utwory na kwartety smyczkowe zaczęto pisać w połowie XVIII w., kiedy już istniały takie zespoły. Kwartety znanych kompozytorów klasycznych dawnych i obecnych czasów to światowe perły muzyki kameralnej. Są to dzieła W. A. Mozarta, J. Haydna, L. Beethovena, R. Schumanna, F. Schuberta, J. Brahmsa.
Początkowo kwartetami posługiwali się kompozytorzy szkoły mannheimskiej. We Włoszech kwartety smyczkowe pisali A. Sacchini (1730-1786) i L. Boccherini (1743-1805).
W 1755 roku Haydn stworzył swój pierwszy kwartet. Do lat 80. XVIII w. Kwartet zachował formę suity, charakterystyczną dla serenad i zabaw. Pod koniec XVIII w. dwa kwartety fortepianowe, 23 kwartety smyczkowe Mozarta i 83 kwartety smyczkowe, w tym także 6 „Rosjan”, Haydn ustanowił w kwartecie cykl sonatowy.
Formę tę zachował także w kwartetach Beethoven. Napisał 16 kwartetów, 3 kwartety „rosyjskie” (ut. 59, 1807), których podstawą były tematy rosyjskich pieśni ludowych. W pięciu ostatnich kwartetach (utwór 127 pisany w Es-dur, utwór 130 – Hes-dur, utwór 131 cis-moll, utwór 132 a-moll, utwór 135 – F-dur) nowe idee i filozofia znacząco skomplikowały formę .
Kwartety znalazły także odzwierciedlenie w twórczości Schumanna (trzy kwartety smyczkowe, kwartet na fortepian), Schuberta (19 kwartetów na smyczki; trzy z nich zaginęły, najbardziej znanym z nich jest kwartet siódmy z wariacjami na temat „Śmierć i Dziewica” napisany w d-moll, w 1824 r.), Mendelssohn (sześć kwartetów smyczkowych, trzy kwartety fortepianowe), Brahms (sześć kwartetów smyczkowych). Od drugiej połowy XIX w. w kwartetach smyczkowych zakochali się kompozytorzy różnych szkół; Szczególną popularnością cieszą się kwartety francuskich kompozytorów Debussy’ego, Chaussona i Ravela. Kwartet o jasnej kolorystyce napisali Grieg (2, 2 nie został ukończony), Sibelius (2, 2 „Intimate Voices”).
Kwartety smyczkowe pisali także polscy kompozytorzy: Szymanowski (2), Kazimierz Sikorski (ur. 1895), Moniuszko (2), Zbigniew Turski (ur. 1908), Witold Rudziński (ur. 1913). Wybitne kwartety pisali także Constantin Silvestri (ur. 1913), George Enescu (3), Bedrich Smetana (2), Josef Suk (2), Leos Janacek (2), Bela Bartok (6) (pierwszy – 1908, szósty - 1939), Samuel Barber (ur. 1910), Paul Hindemith, Benjamin Britten (ur. 1913), Claudiu Santoru (ur. 1919), Veseli Stoyanov (ur. 1902), Petar Konjović (ur. 1883 ), Josip Slovensky (1896 - 1955). Kwartet smyczkowy w Rosji zaczął zyskiwać na popularności w XVIII wieku. Gatunek ten kochali Alyabyev (3 struny i 1 na 4 flety), Bortnyansky, Rubinstein (10), Dargomyzhsky (2). Nowością w gatunku kwartetów były dzieła Czajkowskiego (trzeci, drugi z Andantecantabile), Borodina (dwa kwartety smyczkowe; drugi z Nokturnem), Tanejewa (9).
Największą sławę zyskało 7 kwartetów Głazunowa napisanych ze szczególnym kunsztem (trzeci „słowiański”). W twórczości kompozytorów epoki sowieckiej duże znaczenie miał także kwartet smyczkowy. Dobrze znany jest kwartet Myaskovsky'ego (13), Gliere, Prokofiewa, Shebalina. Szostakowicz, który napisał dziesięć kwartetów, wniósł ogromny wkład w muzykę kwartetu.
Założycielami rosyjskiego kwartetu klasycznego byli P. I. Czajkowski i A. P. Borodin. Kwartety Czajkowskiego napisane są z wielkim rozmachem, jasnym temperamentem, a jednocześnie z duszą (zwłaszcza w wolnych częściach). I tak dobrze znana część II I kwartetu smyczkowego oparta jest na rosyjskiej pieśni „Wania siedziała na kanapie”. Kwartety Borodina są spokojne, poetyckie, umiarkowanie liryczne i figuratywne. Szczególny rozwój muzyki kwartetu rosyjskiego nastąpił w twórczości S. I. Tanejewa i A. K. Głazunowa. Wiele utworów na kwartet napisali także kompozytorzy okresu sowieckiego. Są to N. Ja. Myaskowski, D. D. Szostakowicz, M. S. Weinberg, S. S. Prokofiew, D. B. Kabalevsky, B. N. Lyatoshinsky, B. A. Czajkowski, V. V. Silvestrov, A. G. Schnittke.
Czy wiesz, co to jest gra wstępna? .
instrument w kwartecie skrzypcowym
Alternatywne opisy. (alt włoski - dosłownie - wysoki), udział w chórze, wykonywany niskimi głosami dziecięcymi lub kobiecymi
Instrument kwartetu Kryłowa
Instrument muzyczny autorstwa Yuri Bashmet
Etap pośredni pomiędzy skrzypcami a wiolonczelą
Różnorodność niektórych orkiestrowych instrumentów muzycznych
Duże skrzypce
. skrzypce „nosowe”.
Instrument smyczkowy
Bas młodego chórzysty
Na tym instrumencie grał główny bohater opowiadania Władimira Orłowa
Pochylony instrument muzyczny
Mniejszy brat kontrabasu
Instrument Jurija Bashmeta
Wielki Brat skrzypiec
Zarośnięte skrzypce
Między sopranem a tenorem
Pochylony instrument
Skrzypce Bashmeta
Sopran, ..., tenor, bas
Więcej skrzypiec
Jeden z pochylonych
Wygięty „w środku”
Środek tria smyczkowego
Instrument muzyczny
Treble, ..., tenor
Między tenorem a sopranem
Powyżej tenora
Wielkie skrzypce kumpla
. „najstarszy” ze skrzypiec
Skrzypce Jurija Bashmeta
Mniej wiolonczeli
Najstarszy ze skrzypiec
Skrzypce w dolnym rejestrze
Instrument Daniłowa
Instrument muzyczny Bashmet
Trochę więcej niż skrzypce
Żeński bas
Trochę starsze skrzypce
Kontralt żeński
Między skrzypcami a wiolonczelą
Instrument w kształcie skrzypiec
Chłopięcy „bas”
Niewiele więcej niż skrzypce
Instrument typu skrzypce
Podwójne skrzypce
Różnorodność saksofonu
Strunowy instrument muzyczny
Niemiecki mechanik i inżynier, jeden z twórców geometrycznej metody syntezy mechanizmów (1889-1954)
. „Nasły” skrzypce
. „Starszy” skrzypiec
Anagram słowa „tal”
Wielki brat skrzypiec
Baskijski dla dzieci
M. Włoski głos pomiędzy górą a tenorem; niski głos żeński, typ skrzypiec, wtórnik, altówka; jest większy niż skrzypce, ze zmniejszeniem cienkiej struny i wzrostem basu. Klucz altowy, uwaga, pomiędzy górą a basem. Głos altowy, niski, zbliżony do altowego. Altowioliczka m. altowiolistka kobieta który śpiewa lub gra na altówce. Altana f. zastrzelić. belweder, altana, wieża, wieża. Altimetra, część trygonometrii, nauka o mierzeniu wysokości
Chłopięcy „bas”
Najstarszy ze skrzypiec
Skrzypce
Wygięty „w środku”
Kwartet skrzypcowy
Zbiór liter od słowa „tal”
W muzyce kwartet zwany zespołem składającym się z czterech muzyków lub śpiewaków. Najbardziej rozpowszechnionym z nich jest kwartet smyczkowy, składający się z dwojga skrzypiec, altówki i wiolonczeli.
Powstał jeszcze w XVIII wieku, kiedy spotykający się wieczorami muzycy-amatorzy spędzali wolny czas grając na instrumentach smyczkowych. Z biegiem czasu wybitni muzycy zaczęli łączyć się w kwartety. Zespoły takie występowały na dworach książęcych, w salonach szlacheckich i od XIX wieku. - w salach koncertowych filharmonii. Obecnie kwartet smyczkowy jest jednym z najpopularniejszych rodzajów zespołów kameralnych.
Istnieje jednak wiele innych odmian kwartetów. W zależności od składu instrumentów kwartety mogą być jednorodne (smyczkowe, dęte drewniane) lub mieszane (na przykład smyczkowe z obojem lub fortepianem). Kwartet składający się z trzech instrumentów smyczkowych – skrzypiec, altówki, wiolonczeli – i fortepianu, nazywany jest potocznie kwartetem fortepianowym. Kwartety wokalne mogą być żeńskie, męskie, mieszane (sopran, alt, tenor, bas itp.).
Kwartet to nie tylko zespół muzyczny, ale także utwór muzyczny dla czterech wykonawców.
Kwartet- utwór na 4 instrumenty - wiodący gatunek muzyki kameralnej. Powszechne są kwartety instrumentów jednorodnych (2 skrzypiec, altówka, wiolonczela) i instrumentów mieszanych (smyczkowe, z instrumentami dętymi lub fortepianem).
Utwory na kwartety smyczkowe zaczęto tworzyć już od połowy XVIII w., czyli w okresie, kiedy takie zespoły już się ukształtowały. Kwartety wielkich kompozytorów klasycznych przeszłości i współczesności zajmują zaszczytne miejsce w skarbnicy światowej muzyki kameralnej. Wśród nich znajdują się dzieła J. Haydna, W. A. Mozarta, L. Beethovena, F. Schuberta, R. Schumanna, J. Brahmsa.
Jako pierwsi posługiwali się kwartetami kompozytorzy szkoły mannheimskiej. We Włoszech wiele kwartetów smyczkowych zostało napisanych przez Antonio Sacchiniego (1730-1786) i Luigiego Boccheriniego (1743-1805).
Pierwszy kwartet Haydna powstał w 1755 roku. Do lat 80-tych. XVIII w. Kwartet zachował formę suity charakterystycznej dla zabaw i serenad. Do końca XVIII wieku. Haydn (83 kwartety smyczkowe, w tym 6 „rosyjskich”) i Mozart (23 kwartety smyczkowe, 2 kwartety fortepianowe) ostatecznie ustalili w kwartecie formę cyklu sonatowego.
Tę formę zachował także Beethoven w swoich kwartetach. Jest właścicielem 16 kwartetów, w tym 3 „rosyjskich” (op. 59, 1807), pisanych na tematy rosyjskich pieśni ludowych. W ostatnich 5 kwartetach (op. 127 - Es-dur, op. 130 - B-dur, op. 131 - cis-moll, op. 132 - a-moll, op. 135 - F-dur) nowe ideowe i filozoficzna treść doprowadziła do znacznej komplikacji formy.
Kwartety zajmowały poczesne miejsce w twórczości Schuberta (19 kwartetów smyczkowych; 3 z nich zaginęły, najbardziej znany to 7 z wariacjami na temat jego pieśni „Śmierć i dziewczyna” - d-moll, 1824), Schumann ( 3 kwartety smyczkowe, kwartet fortepianowy), Mendelssohn (6 kwartetów smyczkowych, 3 kwartety fortepianowe), Brahms (6 kwartetów smyczkowych). Z 2. połowy XIX w. kwartety smyczkowe stały się ulubionym gatunkiem kameralnym większości kompozytorów różnych szkół; Powszechnie znane są kwartety francuskich kompozytorów Chaussona, Debussy’ego i Ravela. Jasny kolor charakteryzuje kwartet Griega (2, 2. nieukończony), Sibeliusa (2., 2. - „Intimate Voices”).
Kwartety smyczkowe pisali polscy kompozytorzy Moniuszko (2), Szymanowski (2), Kazimierz Sikorski (ur. 1895), Zbigniew Turski (ur. 1908), Witold Rudziński (ur. 1913). Wybitne kwartety tworzyli kompozytorzy George Enescu (3), Constantin Silvestri (ur. 1913), Bedrich Smetana (2), Leos Janacek (2), Josef Suk (2), Bela Bartok (6) (1. -1908, 6- Y-1939), Paul Hindemith, Samuel Barber (ur. 1910), Benjamin Britten (ur. 1913), Veseli Stoyanov (ur. 1902), Claudiu Santoru (ur. 1919), Josip Slovensky (1896-1955), Petar Konjović (ur. 1883). W Rosji kwartet smyczkowy zaczęto uprawiać w XVIII wieku. W tym gatunku pisali: Bortnyansky, Alyabyev (3 struny i 1 na 4 flety), Dargomyzhsky (2), Rubinstein (10). Nowym etapem w rozwoju gatunku kwartetu były dzieła Borodina (2 kwartety smyczkowe; 2. – z Nokturnem), Czajkowskiego (3., 2. z Andante cantabile), Tanejewa (9).
VII kwartet Głazunowa wyróżnia się znakomitym kunsztem (najsłynniejszy to III, „słowiański”). Kwartet smyczkowy zajmował znaczące miejsce w twórczości kompozytorów radzieckich. Sławę cieszył się kwartet Miaskowskiego (13 l.), Prokofiewa, Gliere i Szebalina. Największy wkład w muzykę kwartetową wniósł Szostakowicz, autor 10 kwartetów.
Założycielami rosyjskiego kwartetu klasycznego są A. P. Borodin i P. I. Czajkowski. Kwartety Czajkowskiego charakteryzują się potężnym rozmachem, namiętnym temperamentem, a jednocześnie szczerością (zwłaszcza ich powolne części). I tak dobrze znana część druga I kwartetu smyczkowego oparta jest na rosyjskiej pieśni „Wania siedziała na kanapie”. Obydwa kwartety Borodina wyróżniają się poezją, spokojem, zrównoważonym liryzmem i malowniczością. Rosyjska muzyka kwartetowa wiele zawdzięcza S.I. Tanejewowi i A.K. Głazunowowi. Ogromny wkład w dziedzictwo kwartetu wnieśli radzieccy kompozytorzy. Wśród nich są N. Ja. Myaskowski, S. S. Prokofiew, D. D. Szostakowicz, D. B. Kabalewski, B. N. Lyatoshinsky, M. S. Weinberg, B. A. Czajkowski, A. G. Schnittke , V.V. Silvestrov.
Strunowy instrument muzyczny to instrument muzyczny, w którym źródłem dźwięku (wibratorem) są drgania strun. W systemie Hornbostel-Sachs nazywane są one chordofonami. Typowymi przedstawicielami instrumentów smyczkowych są kobyz, dombyra, skrzypce, wiolonczela, altówka, kontrabas, harfa i gitara, gusli, bałałajka i domra itp. Rodzaje instrumentów smyczkowych edytować tekst źródłowy]
Zobacz także pełny lista instrumentów smyczkowych.
Wszystkie instrumenty strunowe przenoszą wibracje z jednej lub więcej strun do powietrza poprzez swój korpus (lub poprzez przetwornik w przypadku instrumentów elektronicznych). Dzieli się je najczęściej ze względu na technikę „uruchamiania” drgań struny. Trzy najpopularniejsze techniki to wyrywanie, kłanianie się i uderzanie.
Ukłonił się (ze smyczkiem) instrumenty muzyczne – grupa instrumentów muzycznych, których wytwarzanie dźwięku odbywa się głównie w procesie trzymania smyczka na naciągniętych strunach. Istnieje duża liczba ludowych instrumentów smyczkowych. We współczesnym akademickim graniu muzyki wykorzystuje się cztery instrumenty strunowe:
Grupa instrumentów smyczkowych uważana jest za podstawę orkiestry symfonicznej i dzieli się na pięć części:
Pierwsze skrzypce
Drugie skrzypce
Wiolonczele
Kontrabasy.
Czasem pisana jest partia na najniższy instrument strunowy – oktobas
Zakres całej grupy smyczkowej obejmuje prawie siedem oktaw od przeciwoktawy C do piątej oktawy C.
Łuki powstały i udoskonalono pod koniec XVII wieku, dopiero pod koniec XVIII wieku pojawił się łuk w nowoczesnej formie. Pomimo różnic barwowych pomiędzy poszczególnymi instrumentami grupy, jako całość brzmią one jednorodnie. Wyjaśnia to jedność projektu i ogólna zasada produkcji dźwięku.
Źródłem dźwięku dla wszystkich instrumentów są struny, które rezonują z korpusem instrumentu i przenoszą wibracje za pośrednictwem powietrza do słuchacza. Wydawanie dźwięków odbywa się za pomocą smyczka ( arco) lub palce ( pizza)
Rzemieślnik, który tworzy i naprawia smyczkowe instrumenty muzyczne, nazywany jest lutnikiem lub Mistrz smyczkowych instrumentów muzycznych.
Skrzypce to strunowy instrument muzyczny o wysokim rejestrze. Ma pochodzenie ludowe, współczesny wygląd uzyskał w XVI wieku, a rozpowszechnił się w XVII wieku. Posiada cztery struny strojone w kwintach: g, d 1 ,A 1 ,mi 2 (mała oktawa G, D, A pierwszej oktawy, E drugiej oktawy), zakres od G(mała oktawa sol) do A 4 (Czwarta oktawa) i wyżej. Barwa skrzypiec jest gęsta w niskim rejestrze, miękka w środku i olśniewająca w górnym. Istnieją również skrzypce pięciostrunowe, z dodatkiem dolnej struny altowej „c” lub C (do małej oktawy). Pochodzenie i historia[edytuj | edytować tekst źródłowy]
Fidel. Fragment ołtarza kościoła św. Zachariasza, Wenecja, Giovanni Bellini, 1505.
Miniatura „Dawid Psalmista” (fragment). Psałterz Godunowa, 1594
„Drzewo genealogiczne” pochodzenia współczesnych skrzypiec. Encyclopædia Britannica, wyd. 11.
Przodkami skrzypiec byli arabski rebarab, hiszpański fidel, brytyjska crotta, z których połączenia powstała wiola, stąd włoska nazwa skrzypiec skrzypce, a także słowiański czterostrunowy instrument o piątym stroju zh i g a (stąd niemiecka nazwa skrzypiec – geige). Jako instrument ludowy skrzypce rozpowszechniły się szczególnie w Polsce, Ukrainie, Rumunii, Istrii i Dalmacji (obecnie Jugosławia). Trwająca kilka stuleci walka skrzypiec arystokratycznych ze skrzypcami ludowymi zakończyła się zwycięstwem tych ostatnich. W połowie XVI wieku w północnych Włoszech rozwinęła się nowoczesna konstrukcja skrzypiec. Gaspar Bartolometti da Salo (ok. 1542-1609) – założyciel szkoły mistrzów w Brescii i Andrea Amati (1535-ok. 1611) – założyciel szkoły Cremona.] . Formy skrzypiec powstały w XVI wieku; Słynni lutnicy – rodzina Amati – sięgają tego stulecia i początków XVII wieku. Ich instrumenty są pięknie ukształtowane i wykonane z doskonałych materiałów. Generalnie Włochy słynęły z produkcji skrzypiec, wśród których obecnie niezwykle cenione są skrzypce Stradivariusa i Guarneri.
Skrzypce są instrumentem solowym od XVII wieku. Za pierwsze dzieła na skrzypce uważa się: „Romanesca per skrzypce solo e basso” Biagio Mariniego (1620) i „Capriccio stravagante” jego współczesnego Carla Fariny. Arcangelo Corelli uważany jest za twórcę artystycznej gry na skrzypcach; następnie Torelli, Tartini, Pietro Locatelli (1693-1764), uczeń Corelliego, który rozwinął brawurową technikę gry na skrzypcach.
Od drugiej połowy XIX w. rozpowszechnił się wśród Tatarów. Od XX wieku występuje w życiu muzycznym Baszkirów.
Alt(angielski i włoski) altówka, ks. alt, Niemiecki Bratsche) Lub skrzypce altówki- strunowy instrument muzyczny o tej samej budowie co skrzypce, ale nieco większy, dlatego brzmi w dolnym rejestrze. Struny altówki są nastrojone o kwintę poniżej strun skrzypiec i oktawę powyżej strun wiolonczeli - c, g, d 1 ,A 1 (do, G małej oktawy, D, A pierwszej oktawy). Najpopularniejszy zakres to od C(do małej oktawy) do mi 3 (mi trzeciej oktawy) w utworach solowych możliwe jest wykorzystanie dźwięków wyższych. Nuty zapisywane są kluczami altowymi i wiolinowymi. Altówka jest uważana za najwcześniejszy istniejący instrument smyczkowy. Czas jego pojawienia się datuje się na przełom XV – XVI wieku. Techniki gry na altówce różnią się nieco od gry na skrzypcach pod względem wydobycia dźwięku i techniki, ale sama technika gry jest nieco bardziej ograniczona ze względu na większy rozmiar i w rezultacie konieczność większego rozciągania instrumentu. palce lewej ręki. Barwa altówki jest mniej jasna niż skrzypiec, ale gęsta, matowa, aksamitna w dolnym rejestrze, nieco nosowa w górnym. Ta barwa altówki wynika z faktu, że wymiary jej korpusu („pudła rezonatora”) nie odpowiadają jej strojeniu: o optymalnej długości 46–47 centymetrów (takie altówki wykonywali dawni mistrzowie włoskiej szkoły), nowoczesny instrument ma długość od 38 do 43 centymetrów [ źródło nieokreślone 1220 dni] . Na większych altówkach, zbliżonych do klasycznych, grają głównie soliści z silniejszymi rękami i bardziej rozwiniętą techniką.
Do tej pory altówka ze względu na niewielki repertuar była wykorzystywana stosunkowo rzadko jako instrument solowy. Jednak w naszych czasach pojawiło się całkiem sporo bardzo dobrych altowiolistów, wśród nich Yuri Bashmet, Kim Kashkashyan, Yuri Kramarov i inni. Niemniej jednak głównym obszarem zastosowania altówek są orkiestry symfoniczne i smyczkowe, gdzie z reguły przypisuje się im głosy środkowe, ale także epizody solowe. Altówka jest obowiązkowym członkiem kwartetu smyczkowego i często wykorzystywana jest w innych kompozycjach kameralnych, takich jak trio smyczkowe, kwartet fortepianowy, kwintet fortepianowy itp.
Tradycyjnie nie zostawano altowiolistami od dzieciństwa, przestawiając się na ten instrument w bardziej dojrzałym wieku (po ukończeniu szkoły muzycznej, po rozpoczęciu nauki w college'u lub konserwatorium). Przeważnie potężnie zbudowani skrzypkowie z dużymi dłońmi i szerokim przejściem wibracji do altówki. Niektórzy znani muzycy z powodzeniem łączyli grę na skrzypcach i altówce, na przykład Niccolo Paganini i David Ojstrach.
Wiolonczela(Włoski wiolonczela, skr. wiolonczela, Niemiecki Wiolonczela, ks. wiolonczela,Język angielski wiolonczela) to smyczkowy instrument muzyczny rejestru basowo-tenorowego, znany od pierwszej połowy XVI wieku, o tej samej budowie co skrzypce czy altówka, ale znacznie większy. Wiolonczela posiada szerokie możliwości wyrazowe i starannie opracowaną technikę wykonania, wykorzystywana jest jako instrument solowy, zespołowy i orkiestrowy. Pojawienie się wiolonczeli datuje się na początek XVI wieku. Pierwotnie był używany jako instrument basowy do towarzyszenia śpiewowi lub grze na instrumencie o wyższym rejestrze. Istniało wiele odmian wiolonczel, różniących się między sobą wielkością, liczbą strun i strojem (najczęściej strojone były na ton niższy od współczesnego).
W XVII-XVIII w., staraniem wybitnych mistrzów muzycznych szkół włoskich (Nicolo Amati, Giuseppe Guarneri, Antonio Stradivari, Carlo Bergonzi, Domenico Montagnana i in.) powstał klasyczny model wiolonczeli o ugruntowanej wielkości korpusu. Pod koniec XVII wieku pojawiły się pierwsze solowe dzieła na wiolonczelę – sonaty i ricercary Giovanniego Gabrieli. Już w połowie XVIII wieku wiolonczelę zaczęto wykorzystywać jako instrument koncertowy, dzięki jaśniejszemu, pełniejszemu brzmieniu i udoskonalonej technice wykonawczej, ostatecznie wypierając violę da gambę z praktyki muzycznej. Wiolonczela jest także częścią orkiestry symfonicznej i zespołów kameralnych. Ostateczne ugruntowanie wiolonczeli jako jednego z czołowych instrumentów muzycznych nastąpiło w XX wieku dzięki staraniom wybitnego muzyka Pabla Casalsa. Rozwój szkół gry na tym instrumencie doprowadził do pojawienia się licznych wiolonczelistów-wirtuozów, regularnie występujących z recitalami.
Repertuar wiolonczeli jest bardzo szeroki i obejmuje liczne koncerty, sonaty i utwory akompaniamentu.
Viola da gamba(Włoski viola da gamba - altówka stóp) to starożytny strunowy instrument muzyczny z rodziny altówek, podobny pod względem wielkości i zasięgu do współczesnej wiolonczeli. Na violi da gamba grano w pozycji siedzącej, trzymając instrument między nogami lub opierając go bokiem na udzie – stąd nazwa.
Z całej rodziny altówek, viola da gamba najdłużej zachowała swoje znaczenie: powstało dla niej wiele dzieł najważniejszych autorów połowy XVIII wieku. Jednak już pod koniec stulecia partie te wykonywano na wiolonczeli. Goethe nazwał Karla Friedricha Abela ostatnim wirtuozem gamby. Na początku XX wieku autentyczni wykonawcy odrodzili grę na violi da gamba: pierwszym współczesnym graczem na gambo był Christian Döbereiner, który zadebiutował na tym stanowisku w 1905 roku wykonaniem sonaty Abla.
Kontrabas(Włoski kontrabas lub ss))) - największy rozmiarami (około dwóch metrów wysokości) i najniższy w brzmieniu powszechnie stosowanych smyczkowych instrumentów muzycznych, łączący cechy rodziny skrzypiec i rodziny altówek (rodzina Viola da GAMBA, Viola da GAMBA) .. Posiada cztery struny dostrojone w kwartach: E 1, A 1, D, G (E, licznik oktawa, D, G oktawa), zakres od E 1 (przeciwoktawa E) do G 1 (pierwsza oktawa G ) i wyżej. Pierwsza wzmianka o prawdziwym kontrabasie pojawiła się w książce w 1566 roku. Autor tej książki przez pomyłkę narysował skrzypce. Wtedy wpadł na pomysł, że takie narzędzie można by stworzyć. Autor tej książki nie jest znany współczesnym ludziom, wiadomo jednak, że powstała ona w Azji Środkowej, kiedy Europa została przedstawiona mieszkańcom tych ziem. Wkrótce pomysł nowego instrumentu został zaprezentowany Europie. Europa była wówczas najbiedniejszym miejscem na świecie. Za poprzednika współczesnego kontrabasu uważa się wiolę kontrabasową. Miał nastrojonych pięć strun D 1 ,MI 1 , A 1 , D, G(D, E, A-dur, D, G mała oktawa) i jak większość altówek z progami na podstrunnicy. W połowie XVII wieku włoski mistrz Michele Todini na jego podstawie zaprojektował nowy instrument, który nie miał piątej (najniższej) struny i progów, ale zachował kształt korpusu („ramiona” - części korpusu przylegającego do gryfy – kontrabas nadal ma większe nachylenie niż instrumenty z rodziny skrzypiec) oraz strojenie kwartowe (wśród współczesnych instrumentów smyczkowych tylko kontrabas je posiada).
Nowy instrument po raz pierwszy został użyty w orkiestrze w 1699 roku w operze Cezar Aleksandryjski Giuseppe Aldrovandiniego, ale potem przez długi czas nie był używany (głosy basowe wykonywały wiolonczele i altówki o niskim stroju). Dopiero od połowy XVIII wieku kontrabas stał się nieodzownym członkiem orkiestry, wypierając z niej altówki basowe. W tym samym czasie pojawili się pierwsi wirtuozi kontrabasistów, występujący na koncertach solowych - szczególnie Domenico Dragonetti zyskał znaczącą europejską sławę. Dla wygody występów solowych mistrzowie zaprojektowali trójstrunowy kontrabas, którego struny nastrojono w kwintach ( G 1 ,D,A- G przeciwoktawa, D, A dużej oktawy, czyli o oktawę niższą od wiolonczeli, ale bez strun zanim) lub w kwartach ( A 1 , D, G- Licznik oktawa, D, G duża oktawa). Wraz z rozwojem techniki wykonawczej stało się możliwe wykonywanie utworów wirtuozowskich na zwykłym czterostrunowym instrumencie orkiestrowym, a trójstrunowe kontrabasy wypadły z użycia. Aby uzyskać jaśniejszy dźwięk w utworach solowych, strojenie kontrabasu jest czasami podnoszone o jeden ton (jest to „strojenie solo”).
W XIX wieku w poszukiwaniu możliwości uzyskania niższych dźwięków francuski mistrz Jean Baptiste Vuillaume zbudował czterometrowy kontrabas, który nazwał „oktobasem”, jednak ze względu na ogromne rozmiary instrument ten nie znalazł szerokiego zastosowania . Nowoczesne kontrabasy mogą mieć dostrojoną albo piątą strunę C 1 (aż do przeciwoktawy) lub poprzez specjalny mechanizm, który „wydłuża” najniższą strunę i pozwala na uzyskanie dodatkowych, niższych dźwięków.
Rozwój gry na kontrabasie solowym w czasach nowożytnych wiąże się przede wszystkim z twórczością Giovanniego Bottesiniego i Franza Zimandla pod koniec XIX wieku. Ich wysiłki wznieśli na nowy poziom wirtuozi początku XX wieku - w szczególności Siergiej Koussevitzky i Adolf Mischek.
