GWASZ

W tłumaczeniu z francuskiego słowo „gwasz” oznacza „farbę wodną”. Farby gwaszowe mają dużą siłę krycia i są nieprzezroczyste, chociaż można je rozcieńczać wodą (patrz Farby).

Używając techniki gwaszu, artyści malują na papierze, tekturze, sklejce i grubym jedwabiu. Prace mają matową, aksamitną powierzchnię. Ale przy stosowaniu gwaszu pojawiają się własne trudności - farby szybko rozjaśniają się po wyschnięciu. Przewidywanie stopnia zmiany tonu i koloru wymaga dużego doświadczenia.

Gwasz był powszechnie znany już w średniowieczu, kiedy w wielu krajach Azji i Europy wykorzystywano go do tworzenia miniatur książkowych (najczęściej w połączeniu z akwarelami), a w okresie renesansu – szkiców, kartonów i miniatur portretowych. W Rosji technika gwaszu osiągnęła wysoki poziom rozwoju w sztuce końca XIX i początku XX wieku. Artyści V. A. Serov, A. Ya. Golovin, S. V. Iwanow malowali duże prace sztalugowe gwaszem, po mistrzowsku wykorzystując jego gęstą barwę, aby uzyskać imponujące efekty dekoracyjne.

Znani artyści wykorzystują technikę gwaszu na różne sposoby. I tak obraz „Jarmark” B. M. Kustodiewa został namalowany w formie ramowej, w sposób dekoracyjny. Malarz pokazał kolorowe stroje ludzi i budynków w ogóle, zwłaszcza rzędy namiotów, dachy, a za nimi ciemny pas lasu.

B. M. Kustodiew. Sprawiedliwy.
1908. Papier, gwasz.

B. M. Kustodiew. Sprawiedliwy.
1908. Papier, gwasz.
Państwowa Galeria Trietiakowska

Wybitnym mistrzem gwaszu był A. S. Stiepanow, znany ze swoich dzieł poświęconych krajobrazom i zwierzętom. Jednym z jego najlepszych dzieł są „Wilki”. Drapieżniki, głodne i ostrożne, są napisane zaskakująco żywo. Światło księżyca jest blade, niebo jest tajemniczo oświetlone. Srebrno-niebieska kolorystyka stwarza wrażenie nocnego chłodu.

Artyści ze stowarzyszenia World of Art często sięgali po technikę gwaszu. Często łączyli gwasz z innymi materiałami. Na przykład w pracy „The King's Walk” A. N. Benois oprócz gwaszu użył akwareli, złota i srebra. Zastosowanie dwóch ostatnich materiałów nadało obrazowi pompę charakterystyczną dla ówczesnych mieszkańców Wersalu.

A. N. Benois. Królewski spacer

A. N. Benois. Królewski spacer
1906. Papier na tekturze, gwasz, akwarela,
farba brązowa, srebrna farba,
ołówek grafitowy, długopis, pędzel
Państwowa Galeria Trietiakowska

Bardzo często plakaty, szkice scenerii teatralnych i prace dekoracyjne powstają przy użyciu gwaszu.

Jak pracować z gwaszem

Do pracy z gwaszem najlepiej użyć porcelanowej lub plastikowej palety z otworami na farby wzdłuż krawędzi lub po prostu małej, płaskiej białej tablicy (30x40 cm). Pędzle są okrągłe i płaskie (patrz Pędzle). Pędzli z włosiem możesz używać podczas pracy nad panelami dekoracyjnymi, plakatami i hasłami. Ale tutaj potrzebne będą również pióra plakatowe lub patyczki, zaostrzone w formie szpatułki. A pracując na dużej powierzchni, używaj płaskiego pędzla – szczotki z płaskim włosiem. Pokryj powierzchnię gwaszem kilka razy, nie czekając, aż farba wyschnie. Jeżeli występują nierówności należy całą płaszczyznę wypoziomować wilgotną fletką. Najpierw narysuj paski kolejno od lewej do prawej poziomo, a następnie na powłoce. Nie nakładać zbyt grubej warstwy farby – łatwo pęka i kruszy się. Gwasz schnie w temperaturze pokojowej przez godzinę.

Lepiej jest pracować na tablecie, ale można też skorzystać z gumki – tabletu ze sklejki z zewnętrzną ramką zaciskającą krawędzie papieru lub z dwiema ramkami wsuniętymi w siebie.

Maluj gwaszem na białym papierze do rysowania, papierze do pakowania lub szarym kartonie. Aby równomiernie rozciągnąć papier na tablecie, ułóż go tak, aby jego krawędzie z każdej strony były o 2-4 cm większe od tabletu. Następnie zwilż obie strony papieru gąbką, aż będzie płaski. Następnie osusz papier wacikiem i posmaruj krawędzie tabletki pastą mączną lub dekstryną. Klejenie rozpocznij od środka tabletki, ciągnąc równomiernie we wszystkich kierunkach. Zabezpiecz rogi za pomocą guzików. Aby wyschnąć, połóż gotową tabletkę poziomo na równym miejscu, papierową stroną do góry. Twój materiał do pracy z farbami gwaszowymi jest gotowy.

Woroneska artystka Olga Brazhnikova znana jest ze swoich jasnych, słonecznych prac wykonanych gwaszem. Droga do sztuki nie była dla niej łatwa, rezygnując z pracy projektantki, wstąpiła do Woroneskiej Szkoły Artystycznej, a w tym roku ukończyła Uniwersytet Pedagogiczny z dyplomem sztuk pięknych. Olga pracuje głównie z gwaszem i burzy stereotypy związane z tym materiałem. Dla Umbra Media artystka pokazała swoje domowe studio i opowiedziała, jak kreatywność zmieniła jej życie.

O studiowaniu
„Ucieczka z pracy w fabryce”

— Kiedy zdałeś sobie sprawę, że chcesz zostać artystą?

— Zawsze lubiłem rysować, ale w świadomości moich rodziców (matka pracowała jako księgowa, ojciec nadal pracuje w fabryce samolotów) bycie artystą nie jest poważnym zawodem. Musiałem więc iść do szkoły lotniczej. Nie rozumiem, jak udało mi się to dokończyć. Pomogła mi umiejętność dobrego rysowania, zrobiłem gazety ścienne na testy. Kiedy moje studia dobiegły końca, zdałem sobie sprawę, że nigdy nie pójdę do fabryki. I poszłam do wieczorowej szkoły plastycznej, żeby chociaż mieć coś dla duszy. Nauczyciel zasugerował, abym wstąpił do Szkoły Artystycznej w Woroneżu.

— Jak twoi rodzice przyjęli, że chcesz zostać artystą?

„Nie wierzyli, że to zrobię”. To była zabawna historia. Tata powiedział, że zna człowieka, który potrafiłby narysować portret Lenina kijem w piasku! A jeśli nie potrafię tego zrobić, to nie jestem artystą. Mimo wszystko przygotowywałem się do przyjęcia, przez 2-3 miesiące uczęszczałem na kursy i uczyłem się rysunku osobno pod okiem nauczyciela. A kiedy weszłam, moi rodzice mnie wspierali i byli szczęśliwi. I dopiero później, gdy moje prace zaczęto zabierać na wystawy, uwierzyli we mnie. Po studiach trafiłem do firmy z branży zbrojeniowej, gdzie do dziś pracuję jako projektant. Miałem dość długą przerwę - siedem lat, ale potem postanowiłem wrócić do malarstwa i twórczości. W 2013 roku rozpoczęła studia na Państwowym Uniwersytecie Pedagogicznym w Woroneżu, który w tym roku ukończyła.

O materiałach
„Niewiele osób wierzy, że moje obrazy są malowane gwaszem”

— Dlaczego wybrałeś gwasz, co Cię interesuje w tym materiale?

— Gwaszem zainteresowałem się w instytucie pedagogicznym. Wcześniej postrzegałem to bardziej jako etap przejściowy do ropy. Ale teraz to mój ulubiony materiał. Szybko schnie, jest bezwonny, daje teksturowane pociągnięcia i jasne kolory. Maluję impasto, gwaszu nie rozcieńczam wodą. Zwykle rysuję na grubym papierze. Olej oczywiście nie jest tak wygodny do pracy w mieszkaniu. Zwłaszcza biorąc pod uwagę, że mój kot nieustannie próbuje dostać się do jakiegoś słoika. Kiedy malowałem olejami, byłem na chwilę rozkojarzony, a ona już wsiąkła w niebieską farbę i zostawiła ślady łap w całym mieszkaniu. Potem spędziliśmy cały wieczór na szorowaniu tych śladów.

— Co sądzisz o tym, że gwasz często nazywany jest materiałem „dziecięcym”?

— Wydaje mi się, że to stereotyp i uprzedzenie. Według moich kolegów, to właśnie dzięki gwaszowi wykształciłem swój własny styl. Kiedy publikuję swoje prace w Internecie, wiele osób pisze, jak bardzo są zdziwione, że obrazy są malowane gwaszem, a nie olejem. Gwasz nie jest twórczością dzieci, ale godnym materiałem. Wydaje mi się, że arcydzieła można stworzyć z dowolnego materiału, materiał nie odgrywa tutaj pierwszoplanowej roli.

- Co Cię inspiruje?

– Uwielbiam miejskie krajobrazy. Fascynują mnie domy, które żyły i mają swoją historię. Zwykle chodzę po mieście, nagrywam historie, a potem piszę w domu. Uwielbiam zamieszanie kolorów i teksturowane pociągnięcia. A wśród współczesnych artystów bardzo inspirują mnie akwarele Arusha Votsmusha.

— W jakiej atmosferze lubisz pracować – w ciszy czy przy muzyce?

— Kiedy piszę, najczęściej słucham starego, dobrego rocka. Niektóre z moich ulubionych zespołów to Aquarium i The Doors

— Panuje powszechne przekonanie, że wykształcenie akademickie „zabija” indywidualność artysty. Co o tym myślisz?

— Wydaje mi się, że edukacja artystyczna jest teraz ważniejsza niż kiedykolwiek. Oglądając te same lekcje wideo w Internecie, nie jesteś uczestnikiem procesu, ale jest to konieczne. Myślę, że wykształcenie akademickie pomaga w zdobywaniu umiejętności rysowania. Studiowałem u Aleksandra Starilowa, był wszechstronnym artystą, architektem i innowatorem. Uważał, że trzeba mieć klasyczne wykształcenie, a potem szukać własnego stylu, taki sam prymitywizm nie rodzi się z niczego. I zgadzam się z nim.

O realizacji
„Artysta to coś więcej niż zawód”

— Jak udaje Ci się łączyć pracę projektanta, kreatywność i rodzinę?

— To trudne, piszę głównie w weekendy. A córka jest już dorosła, nie trzeba z nią cały czas być, ma już mnóstwo własnych zainteresowań. W okresie, kiedy nie rysowałem, ciągle czułem, że tego mi brakuje. Teraz nie mam zamiaru rezygnować z malarstwa, lubię działać twórczo i szukać. Bycie artystą to dla mnie sens życia i coś więcej niż zawód. Tworzenie obrazu jest dla mnie pewnego rodzaju tajemnicą, choć oczywiście z technicznego punktu widzenia tajemnica nie istnieje. Ale proces jest zawsze intrygujący – zastanawiam się, co ostatecznie wyjdzie.

— Jakie masz plany na najbliższą przyszłość? Chciałbyś mieć swój własny warsztat?

— Bardzo chcę brać udział w wystawach, a nie ograniczać się do własnej przestrzeni. Mam nadzieję, że już niedługo będę mogła mieć osobistą wystawę w szkole plastycznej. A warsztaty to chyba tylko kwestia odległej przyszłości. Na razie wszystkie moje prace mieszczą się w mieszkaniu. Niedawno zakończyliśmy remont. Ściany pomalowano specjalnie na biało, aby można było wieszać obrazy. Przestrzeń pracy zorganizowałam tak, aby wokół było dużo powietrza i światła. Póki co nie zarosło ono najróżniejszymi ciekawymi obiektami i detalami, ale myślę, że to nie potrwa długo.

Patrząc na obrazy znanych artystów, mimowolnie podziwiasz ich kreatywność i umiejętność przedstawiania otaczającego ich świata w jasnych kolorach. Każdy z nas może także spróbować opanować sztukę rysowania i uczynić to hobby swoją ulubioną rozrywką. Oto piękne rysunki gwaszem dla początkujących, które pozwolą Ci sprawdzić swój talent malarski i opanować technikę malowania farbami.

Aby opanować technikę malowania gwaszem dla początkujących, musisz mieć:

Zestaw farb gwaszowych w dwunastu kolorach.

Papier.

Para płaskich szczotek ze świńskiego włosia.

Paleta i naczynia z wodą.

Aromat farb gwaszowych jest znany każdemu od dzieciństwa. Zrozumienie rysowania gwaszem nie jest trudne, technika takiego rysowania jest dość prosta. Musisz rysować, zaczynając od szkicu ołówkiem.

Do nakładania farby i mieszania jej służy nóż paletowy. Za jego pomocą można nakładać farbę równymi pociągnięciami.

Od najmłodszych lat rysujemy w albumie prosty, bezpretensjonalny pejzaż gwaszem. Ale takimi farbami można malować wzory, kwiaty, góry, a nawet budynki miejskie. Dla początkujących praca z gwaszem jest po prostu idealną opcją.

Rysując szkic ołówkiem, możesz uniknąć błędów i dokładnie wykonać pracę. Jeśli rozsmarujesz i zmieszasz farby bezpośrednio na płótnie, na obrazie pozostanie jedynie brud. Dlatego do gwaszu można dodać trochę wody i zamieni się on w akwarelę.

Aby nauczyć się pięknie rysować gwaszem, musisz zapoznać się z techniką krok po kroku. Technika ta polega na nakładaniu gwaszu podczas malowania wyłącznie poziomo.

Przede wszystkim narysujemy ciemne fragmenty obrazu, a dopiero potem podkreślimy jasne kolory. Dzięki temu uzyskujemy pożądany kolor bez śladów zabrudzeń.

Techniki malowania gwaszem

Wśród znanych artystom technik malowania obrazów gwaszem powszechne są:

Nałóż mokrą warstwę farby na jeszcze nie wyschniętą warstwę. W tym przypadku farba nakłada się mocno i schnie długo. Ta metoda jest bardziej odpowiednia do malowania akwarelami.
Za pomocą suchego pędzla na wyschniętą warstwę nakłada się farby gwaszowe.
Za pomocą gąbki tworzony jest teksturowany obraz. Technika ta idealnie sprawdza się przy malowaniu jesiennego pejzażu, z łatwością możemy oddać jasne kolory złotej jesieni.
Dla początkującego technika rozpryskiwania farby na płótnie rozweseli i pomoże przezwyciężyć niepokój. Wystarczy zwilżyć pędzel farbą i spryskać gwaszem papier lub płótno. Rezultatem jest jasny i piękny obraz. Koniecznie poznaj tę metodę nakładania farby, która pomaga ćwiczyć rękę.

Powiązany artykuł: Jak po prostu namalować obraz farbami po numerach?

Oczywiście nie da się namalować obrazu bez odpowiedniego pędzla. Wskazane jest wybieranie pędzli wykonanych z włosia nylonowego, koziego lub świńskiego.

Na wideo: jak pięknie pomalować niebo gwaszem.

Rodzaje gwaszu

Gwasz nadaje się do malowania na tekturze, papierze, płótnie i innych powierzchniach. Ale nie każdy gwasz ma tak uniwersalne właściwości. Przyjrzyjmy się głównym rodzajom takich farb:

Nadaje się do stosowania na powierzchniach przeznaczonych wyłącznie do malowania. Wchłania się w materiał i pozwala na nałożenie drugiej warstwy, dzięki czemu kolory na obrazie są bardziej nasycone i jasne.

Ma bardziej nasycony pigment i jasne możliwości barwienia. Służy do ozdabiania scenerii teatralnych. Gwasz dziecięcy zawiera klej PVA, dzięki czemu szybko schnie. Ten gwasz jest wygodny do pracy na sklejce, ceramice lub płótnie. Ale farba akrylowa idealnie pasuje do każdej powierzchni, a po wyschnięciu nie zmywa się i nie traci swojego pierwotnego koloru.

Gwasz fluorescencyjny. Zadziwiający swoimi właściwościami i jakością. Świeci pod wpływem promieni ultrafioletowych. Kolor jest zbyt jasny, co nadaje obrazowi szczególnego piękna.

Metoda krok po kroku pomaga nawet dzieciom zrozumieć podstawy malowania gwaszem. Takie lekcje pozwolą Ci opanować tę wspaniałą kreatywność i nauczyć się malować w określonej kolejności, dobrać odpowiednie farby, aby odzwierciedlić prawdziwe piękno natury, przedstawicieli flory i fauny na płótnie.

Aby tworzyć obrazy natury, takie jak rysunki na dowolny inny temat, musisz zacząć od szkicu ołówkiem. Najłatwiej jest rysować zaczynając od góry płótna lub kartki papieru. Z reguły u góry znajduje się niebo, które wzdłuż konturów ołówka jest pomalowane na niebiesko.

Chmury są pomalowane bieleniem, tworząc białe refleksy na błękitnym niebie.

Góry są przedstawione w kolorach brązowych, a roślinność w odcieniach zieleni. Poniższe drzewa są przedstawione jaśniejszym lub ciemniejszym zielonym gwaszem. Najważniejsze, że kolory na obrazie wyglądają jak w rzeczywistości. Farby można mieszać bezpośrednio na arkuszu, okresowo zmieniając wodę. Aby stworzyć cienkie linie, musisz wybrać odpowiedni pędzel.

Powiązany artykuł: Podstawy malowania twarzy

Używając gwaszu, musisz przestrzegać następujących wskazówek:

Gwasz można kupić w tubkach lub słoiczkach, każdy wybiera najwygodniejsze dla siebie opakowanie.
Kolory, które musisz wybrać, to te, które będą potrzebne do pracy nad obrazem.
Próby należy wykonać na palecie, dopiero po wybraniu żądanego koloru przenieść go na płótno.
Jeżeli farba pęka, należy dodać do niej odrobinę gumy arabskiej i dokładnie wymieszać.
Aby nałożyć kolejną warstwę, należy poczekać, aż poprzednia wyschnie.
Po wyschnięciu zaleca się pokrycie obrazu werniksem.

Po opanowaniu techniki rysowania możesz osiągnąć sukces w twórczości artystycznej. Przechodząc krok po kroku, od prostych do skomplikowanych, początkujący artyści stopniowo opanowują technikę malowania gwaszem. Poniżej znajdują się filmy instruktażowe, których zadaniem jest pomóc Ci jak najdokładniej zobrazować wybraną fabułę na płótnie. To podejście krok po kroku pozwala szybko nauczyć się pracy z farbami takimi jak gwasz.

Lekcje malowania gwaszem dla początkujących (2 filmy)

Więcej pomysłów na rysunki (27 zdjęć)

SANKT PETERSBURG. „Gwasz dwa O” – pod tą nazwą Muzeum Erarta zaprezentowało 20 maja zbiorową wystawę artystów, których prace zostały wykonane gwaszem. Organizatorzy wystawy zauważyli, że obecnie artystów tworzących swoje prace za pomocą gwaszu i papieru nie jest zbyt wielu.

Większość malarzy woli tworzyć obrazy w oleju, akrylu i temperze. Tradycyjne techniki artystyczne stopniowo wypierane są przez grafikę komputerową. Gwasz na papierze stał się techniką odległą od zainteresowań komercyjnych. Jednak takie podejście do dzieł wykonanych gwaszem doprowadziło do pojawienia się artystów, którzy wybrali tę technikę dla duszy, czyniąc z niej czystą sztukę, niezależną od interesów rynku.

Gwasz, podobnie jak akwarela, wymaga od artystów opanowania pędzla, umiejętności i odwagi. W pracach wykonanych farbami wodnymi nie ma możliwości skorygowania popełnionych błędów, dlatego nie powinny one występować.

W różnych krajach prace gwaszowe zaliczane są do różnych rodzajów technik artystycznych. Za granicą dzieła napisane gwaszem uważane są za obrazy. Rosyjscy eksperci zaliczają technikę gwaszu do oryginalnych grafik.

Wiadomo, że artyści używali gwaszu już w czasach starożytnych. Wielcy artyści żyjący w XX wieku wykonywali także prace gwaszowe. Ich nazwiska znają wszyscy, nawet ci, którzy nie uważają się za koneserów sztuki - Picasso, Matisse, Chagall.

Ekspozycję wystawy „Gwasz dwa O” tworzą prace artystów, którzy potrafią czerpać radość z kreatywności, dlatego ich obrazy są przepełnione optymizmem i romantyzmem. Prace Arona Zinszteina, Aleksandra Kosenkowa, Igora Kamjanowa, Jewgieniji Golant i innych twórców gwaszu można oglądać w Muzeum Erarta do 7 lipca.

Strona Ludmiła Trautmane ©

„ABC światła księżyca” Borysa Grebenszczikowa w Muzeum Erarta
Muzeum Erarta zaprezentowało wystawę „Życie prywatne” w Galerii Sztuki Współczesnej Surgut „Sterkh”

Wciąż odwiedzam blogi różnych artystów i przyglądam się bliżej gwaszowi, z którym ludzie pracują. (Mam też swoją, ale trzeba zobaczyć, co robią ludzie.) Zdałam sobie sprawę, że dla mnie osobiście akwarela nie nadaje się do pleneru. Potrzebuję czegoś mocniejszego krycia i szybszego schnięcia. A jednocześnie mniej kapryśny. Dlatego gwasz wydaje się obecnie bardziej optymalną opcją do pracy w plenerze, gdy warunki świetlne i pogodowe zmieniają się bardzo szybko i tak naprawdę nie ma żadnych udogodnień.

Nie jestem jeszcze gotowa na olej, muszę nosić ze sobą zbyt wiele ciężkich rzeczy, w tym płótna czy deski do pracy, a także specjalne pudełko na szkice, aby nie rozmazywały się w transporcie. A teraz, gdy jestem przygotowany do pracy z akwarelami, pastelami i kredkami, moje ramiona po prostu opadają. Do tego stopnia, że po kilku ostatnich wyjazdach w zeszłym miesiącu mieszkam z Voltarenem. To nie jest jakiś facet, jeśli już. Jest to maść na bóle mięśni i stawów.

Moimi ulubionymi artystami plenerowymi są obecnie James Gurney i Nathan Fowkes. Okazało się, że oboje, tak jak ja, są ilustratorami, którzy wychodzą na plenery lub czerpią z życia w poszukiwaniu inspiracji i napompowania artystycznych mięśni. Nie wybrałem ich specjalnie w oparciu o tę zasadę - po prostu tak się stało. James słynie z „Dinotopii” (swoją drogą niedawno ukazała się jego książka o rysowaniu po rosyjsku „Color and Light”, po angielsku tutaj: Color and Light: A Guide for the Realist Painter (James Gurney Art)), oraz Nathan jest animatorem-artystą (można się od niego uczyć na stronie www.schoolism.com). I bardzo podoba mi się lekkomyślność i szybkość, z jaką obaj towarzysze pracują na świeżym powietrzu z gwaszem, że kłują nawet czubki palców - sama chcę się spieszyć i rzeźbić gwaszem lub kazeiną.

Prace Jamesa Gurneya stąd

Prace Nathana Fawkesa stąd

To są teraz w zasadzie moi bohaterowie. Chciałbym w swoich pracach przejść od życia od szczegółowego rurociągu do bardziej swobodnego ruchu. Ale nie dlatego, że przestałam lubić zamartwiać się szczegółami – to się nie stanie, uwielbiam je. Ale dlatego, że chciałbym zobaczyć po plenerze skończone lub prawie ukończone prace, które można by wykorzystać do poważniejszych obrazów. Bo teraz, kiedy kończę szkice z życia i kompletuję rysunki – z pamięci i ze zdjęć – nie mam już siły na większe powtórzenia.

Poszukując odmian gwaszu natrafiłam na kolejnego utalentowanego ilustratora, którego nie będę tutaj linkować, bo budzi we mnie pewne wewnętrzne sprzeczności. Co więcej, często spotykałem się z faktem, że nie ma sensu pytać zachodnich ilustratorów o materiały lub jakieś subtelności pracy. W 90% przypadków po prostu nie odpowiadają i nie skupiają się specjalnie na temacie jak dokładnie działają. Doskonale rozumiem ich stanowisko, ale myślę, że jest ugh. Ale potem okazało się, że istnieje jeszcze wyższy stopień najwyższy. Utalentowany ilustrator, do którego NIE łączę, bardzo jasno odpowiada na wszystkie pytania dotyczące użytej techniki i materiałów: „Proszę o przesłanie mi e-maila w celu zakupu informacji”. W pierwszej chwili pomyślałem, że to po prostu błędna pisownia, kiedy zobaczyłem podpis pod jedną z prac, po wykazie użytych materiałów. Ponieważ informacja o zakupie jest informacją o zakupie, ale zakup informacji jest zakupem informacji. Ale nie. Osoba tak naprawdę dzieli się informacjami tylko za pieniądze. I nadal nie rozumiem, co o tym myślę.

Z jednej strony ma rację. Ta informacja nie spadła mu z nieba. Inwestował czas i pieniądze w swoją technikę pracy. Aż strach pomyśleć, ile pieniędzy już wydałam na znalezienie materiałów, które będą dla mnie najlepsze. Tak jest z nim. Dlaczego miałby teraz dzielić się z kimś za darmo? Sam często spotykałem się z faktem, że moje szczegółowe historie lub przemyślane tematy i lekcje, które ludzie otrzymywali za darmo, były wykorzystywane przez całe kursy mistrzowskie, czyli monetyzowane i wszystko przechodziło do cudzej skarbonki, łącznie z uznaniem skarbonki. Ale istnieje też coś takiego jak twórcza wymiana. Bez tego nie ma normalnego rozwoju. Jest tylko stagnacja. A co by było, gdyby to moja informacja, którą podzieliłam się z głębi serca, pomogła stanąć na nogi bardzo fajnemu artyście?! Przecież bez niego świat byłby dużo biedniejszy.

Kolejny punkt. Osobiście nie jestem gotowy płacić komuś za informacje, bez których łatwo mogę się obejść (no cóż, poszukam dalej, żeby zobaczyć, co tam jest). Dla klasy mistrzowskiej - tak. I jednym zdaniem jakim wałkiem nakłada farbę i w jakich proporcjach ją rozcieńcza - raczej nie. Chociaż to też zapłata za czas poświęcony na wyjaśnienia! Co by było, gdyby ten konkretny szczegół pomógł mi bardziej niż jakakolwiek lekcja mistrzowska? Bardzo złożony temat.

Co o tym myślisz? Czy artyści postępują słusznie, monetyzując całą swoją wiedzę? Są świetne, czy obrzydliwe? Tylko proszę, nie mów mi o złotym środku, że możesz go udostępnić za darmo i jednocześnie zamienić na banknoty poprzez różne kursy mistrzowskie i wyprzedaże. Nie ma o tym mowy. Wiadomo już, że można to zrobić mądrze, np. A co z bezkompromisowym: „Aby kupić tę informację, napisz do mnie e-mail”?

Twarze ludzi na większości obrazów artysty są przyciemnione lub zwrócone na bok. Ma to na celu wyrażenie emocji i umożliwienie ciału „mówienia”. „Zawsze starałem się pokazywać światu tylko pozytywne momenty w życiu. Mam nadzieję, że moja praca wniesie radość, spokój i komfort w życie widza” – mówi Hanks.

Deszczowa akwarela autorstwa Lin Ching Che

Utalentowana artystka Lin Ching-Che ma 27 lat. Inspiruje go jesienny deszcz. Pochmurne ulice miasta nie wprawiają faceta w melancholię i przygnębienie, ale raczej sprawiają, że chce się chwycić za pędzel. Lin Ching Che maluje akwarelami. Kolorową wodą gloryfikuje deszczowe piękno megamiast.

Wrząca fantazja Arusha Votsmusha

Pod pseudonimem Arush Votsmush kryje się utalentowany artysta z Sewastopola, Aleksander Szumcow. Artysta tak mówi o swoich obrazach: „Swoimi pracami nie próbuję nikomu niczego udowadniać. Przede wszystkim sprawia mi to przyjemność. To czysty narkotyk kreatywności. Albo czyste życie - bez dopingu. Po prostu cud.”

Urok Paryża w twórczości Thierry'ego Duvala

Urodzony w Paryżu artysta Thierry Duval dużo podróżował. Stąd obecność całej serii obrazów opartych na „cechach geograficznych”. Niemniej jednak Paryż był i pozostaje ulubionym miejscem autora. Lwia część prac poświęcona jest właśnie miastu zakochanych. Posiada własną technikę nakładania akwareli, co pozwala mu tworzyć obrazy o niemal hiperrealistycznej szczegółowości.

Wieczorny spokój Josepha Zbukvica

Dziś urodzony w Chorwacji Australijczyk Joseph Zbukvic jest uważany za jednego z filarów malarstwa akwarelowego na całym świecie. Artysta zakochał się w akwareli dosłownie od pierwszego pociągnięcia, uderzyła go nieokiełznana natura i indywidualność tej techniki.

Sekrety Wschodu oczami Myo Vin Onga

Artysta Myoe Win Aung całą swoją twórczość poświęcił rodzinnej Birmie, jej życiu codziennemu i świętom, świeckim i mnichom, miastom. Ten świat jest spokojny, ubrany w delikatne kolory, tajemniczy i nieco zamyślony, niczym uśmiech Buddy.

Niesamowita akwarela autorstwa Joe Francisa Dowdena

Angielski artysta Joe Francis Dowden maluje hiperrealistyczne akwarele. I wierzy, że każdy może to zrobić, wystarczy poznać tajniki tej techniki. Sekret jego inspiracji jest niezwykle prosty: „Wyrzuć podręczniki do akwareli i zagub się w prawdziwym lesie”.

Magia baletu od Liu Yi

Akwarele tego chińskiego artysty można śmiało nazwać sztuką o sztuce. W końcu jego ulubionym motywem są wizerunki osób bezpośrednio z nim związanych - na przykład baletnic czy muzyków klasycznych. Sposób ich przedstawienia na obrazach jest osobliwy: ludzie zdają się wyłaniać z cienkiej mgły, emocjonalnej i bardzo charakterystycznej. W pewnym stopniu nawiązują do wizerunków baletnic francuskiego artysty Edgara Degasa.

Malowidło słoneczne autorstwa Abe Toshiyuki

Abe Toshiyuki otrzymał wykształcenie artystyczne i poświęcił 20 lat nauczaniu, nigdy nie rezygnując z marzenia o zostaniu artystą. W 2008 roku ostatecznie porzucił zawód nauczyciela i poświęcił się całkowicie twórczej samorealizacji.

Wiejski poranek – Christian Granju

Francuz Christian Granu (

O studiowaniu
„Ucieczka z pracy w fabryce”

- Kiedy zdałeś sobie sprawę, że chcesz zostać artystą?

Zawsze lubiłem rysować, jednak w świadomości moich rodziców (matka pracowała jako księgowa, ojciec nadal pracuje w fabryce samolotów) bycie artystą nie jest poważnym zawodem. Musiałem więc iść do szkoły lotniczej. Nie rozumiem, jak udało mi się to dokończyć. Pomogła mi umiejętność dobrego rysowania, zrobiłem gazety ścienne na testy. Kiedy moje studia dobiegły końca, zdałem sobie sprawę, że nigdy nie pójdę do fabryki. I poszłam do wieczorowej szkoły plastycznej, żeby chociaż mieć coś dla duszy. Nauczyciel zasugerował, abym wstąpił do Szkoły Artystycznej w Woroneżu.

- Jak twoi rodzice odebrali to, że chcesz zostać artystą?

Nie wierzyli, że mi się to uda. To była zabawna historia. Tata powiedział, że zna człowieka, który potrafiłby narysować portret Lenina kijem w piasku! A jeśli nie potrafię tego zrobić, to nie jestem artystą. Mimo wszystko przygotowywałem się do przyjęcia, przez 2-3 miesiące uczęszczałem na kursy i uczyłem się rysunku osobno pod okiem nauczyciela. A kiedy weszłam, moi rodzice mnie wspierali i byli szczęśliwi. I dopiero później, gdy moje prace zaczęto zabierać na wystawy, uwierzyli we mnie. Po studiach trafiłem do firmy z branży zbrojeniowej, gdzie do dziś pracuję jako projektant. Miałem dość długą przerwę - siedem lat, ale potem postanowiłem wrócić do malarstwa i twórczości. W 2013 roku rozpoczęła studia na Państwowym Uniwersytecie Pedagogicznym w Woroneżu, który w tym roku ukończyła.

O materiałach
„Niewiele osób wierzy, że moje obrazy są malowane gwaszem”

- Dlaczego wybrałeś gwasz, co Cię interesuje w tym materiale?

Zainteresowałem się gwaszem w instytucie pedagogicznym. Wcześniej postrzegałem to bardziej jako etap przejściowy do ropy. Ale teraz to mój ulubiony materiał. Szybko schnie, jest bezwonny, daje teksturowane pociągnięcia i jasne kolory. Maluję impasto, gwaszu nie rozcieńczam wodą. Zwykle rysuję na grubym papierze. Olej oczywiście nie jest tak wygodny do pracy w mieszkaniu. Zwłaszcza biorąc pod uwagę, że mój kot nieustannie próbuje dostać się do jakiegoś słoika. Kiedy malowałem olejami, byłem na chwilę rozkojarzony, a ona już wsiąkła w niebieską farbę i zostawiła ślady łap w całym mieszkaniu. Potem spędziliśmy cały wieczór na szorowaniu tych śladów.

- Co sądzisz o tym, że gwasz często nazywany jest materiałem „dziecięcym”?

Myślę, że to stereotyp i uprzedzenie. Według moich kolegów, to właśnie dzięki gwaszowi wykształciłem swój własny styl. Kiedy publikuję swoje prace w Internecie, wiele osób pisze, jak bardzo są zdziwione, że obrazy są malowane gwaszem, a nie olejem. Gwasz nie jest twórczością dzieci, ale godnym materiałem. Wydaje mi się, że arcydzieła można stworzyć z dowolnego materiału, materiał nie odgrywa tutaj pierwszoplanowej roli.

- Co Cię inspiruje?

Uwielbiam miejskie krajobrazy. Fascynują mnie domy, które żyły i mają swoją historię. Zwykle chodzę po mieście, nagrywam historie, a potem piszę w domu. Uwielbiam zamieszanie kolorów i teksturowane pociągnięcia. A wśród współczesnych artystów bardzo inspirują mnie akwarele Arusha Votsmusha.

- W jakiej atmosferze lubisz pracować - w ciszy czy przy muzyce?

Kiedy piszę, najczęściej słucham starego, dobrego rocka. Niektóre z moich ulubionych zespołów to Aquarium i The Doors

Powszechnie panuje przekonanie, że wykształcenie akademickie „zabija” indywidualność artysty. Co o tym myślisz?

Uważam, że edukacja artystyczna jest ważniejsza niż kiedykolwiek. Oglądając te same lekcje wideo w Internecie, nie jesteś uczestnikiem procesu, ale jest to konieczne. Myślę, że wykształcenie akademickie pomaga w zdobywaniu umiejętności rysowania. Studiowałem u Aleksandra Starilowa, był wszechstronnym artystą, architektem i innowatorem. Uważał, że trzeba mieć klasyczne wykształcenie, a potem szukać własnego stylu, taki sam prymitywizm nie rodzi się z niczego. I zgadzam się z nim.

O realizacji
„Artysta to coś więcej niż zawód”

- Jak udaje Ci się łączyć pracę projektanta, kreatywność i rodzinę?

To trudne, piszę głównie w weekendy. A córka jest już dorosła, nie trzeba z nią cały czas być, ma już mnóstwo własnych zainteresowań. W okresie, kiedy nie rysowałem, ciągle czułem, że tego mi brakuje. Teraz nie mam zamiaru rezygnować z malarstwa, lubię działać twórczo i szukać. Bycie artystą to dla mnie sens życia i coś więcej niż zawód. Tworzenie obrazu jest dla mnie pewnego rodzaju tajemnicą, choć oczywiście z technicznego punktu widzenia tajemnica nie istnieje. Ale proces jest zawsze intrygujący – zastanawiam się, co ostatecznie wyjdzie.

- Jakie masz plany na najbliższą przyszłość? Chciałbyś mieć swój własny warsztat?

Bardzo chcę brać udział w wystawach, a nie izolować się we własnej przestrzeni. Mam nadzieję, że już niedługo będę mogła mieć osobistą wystawę w szkole plastycznej. A warsztaty to chyba tylko kwestia odległej przyszłości. Na razie wszystkie moje prace mieszczą się w mieszkaniu. Niedawno zakończyliśmy remont. Ściany pomalowano specjalnie na biało, aby można było wieszać obrazy. Przestrzeń pracy zorganizowałam tak, aby wokół było dużo powietrza i światła. Póki co nie zarosło ono najróżniejszymi ciekawymi obiektami i detalami, ale myślę, że to nie potrwa długo.

W upalne wiejskie lato lub podczas utrzymującej się zamieci śnieżnej. Nie wychodząc z domu, możesz znaleźć inspirację w zwykłych owocach lub niezwykłych kwiatach. Bohater nie próbuje odwracać głowy, jak w portrecie, i nie zmienia co sekundę cieni w światło, jak w pejzażu. To właśnie jest dobre w gatunku martwej natury. A „martwa natura” przetłumaczona z francuskiego, czyli „ciche życie rzeczy” w wersji niderlandzkiej, naprawdę ożywia wnętrze. Natalya Letnikova prezentuje 7 najlepszych martwych natur autorstwa rosyjskich artystów.

„Fiołki leśne i niezapominajki”

Fiołki leśne i niezapominajki

Obraz Izaaka Lewitana jest jak błękitne niebo i biała chmura - od piosenkarza rosyjskiej natury. Tylko na płótnie nie ma rodzimych otwartych przestrzeni, ale bukiet polnych kwiatów. Mniszki, bzy, chabry, nieśmiertelniki, paprocie i azalie... Po lesie pracownia artysty zamieniła się w „albo szklarnię, albo kwiaciarnię”. Lewitan uwielbiał martwe natury kwiatowe i uczył swoich uczniów widzieć zarówno kolor, jak i kwiatostany: „Powinny pachnieć nie farbą, ale kwiatami”.

„Jabłka i liście”

Jabłka i liście

Dzieła Ilji Repina organicznie uzupełniają wspaniałą oprawę Muzeum Rosyjskiego. Wędrowny artysta skomponował kompozycję dla swojego ucznia Walentina Serowa. Okazało się tak malownicze, że sam nauczyciel wziął pędzel. Sześć jabłek ze zwykłego ogrodu - posiniaczonych i z „beczkami” oraz sterta liści pokrytych jesiennymi barwami jako źródło inspiracji.

"Bukiet kwiatów. Floksy”

Bukiet kwiatów. Floksy

Malarstwo Iwana Kramskoja. „Utalentowana osoba nie będzie tracić czasu na przedstawianie, powiedzmy, basenów, ryb itp. To dobre dla ludzi, którzy już wszystko mają, ale mamy dużo do zrobienia” – Kramskoj napisał do Wasnetsowa. A jednak pod koniec życia słynny portrecista nie zignorował gatunku martwej natury. Na XII wystawie objazdowej prezentowany był bukiet floksów w szklanym wazonie. Obraz został kupiony jeszcze przed wernisażem.

"Martwa natura"

Martwa natura

Kazimierz Malewicz w drodze do „Czarnego kwadratu” poprzez impresjonizm i kubizm, omijając realizm. Miska z owocami to owoc twórczych poszukiwań, nawet w obrębie tego samego obrazu: grube czarne linie francuskiej techniki cloisonné, płaskie naczynia i obszerne owoce. Wszystkie elementy obrazu łączy tylko kolor. Charakterystyka artysty - jasna i bogata. Jak wyzwanie dla pastelowych kolorów prawdziwego życia.

„Śledź i cytryna”

Śledź i cytryna

Czwórka dzieci i malowanie. Ta kombinacja w życiu artysty niewątpliwie dyktuje gatunek. Tak właśnie stało się z Zinaidą Serebryakovą. Liczne portrety rodzinne i martwe natury, z których można skomponować menu: „Kosz z owocami”, „Szparagi i truskawki”, „Winogrona”, „Ryba na zieleninie”... W rękach prawdziwego mistrza „Śledź i cytryna” ” stanie się dziełem sztuki. Poezja i prostota: spiralna skórka z cytryny i ryba bez dodatków.

„Martwa natura z samowarem”

Martwa natura z samowarem

Uczeń Sierowa, Korovina i Wasnetsowa, „Jack of Diamonds” - Ilya Mashkov uwielbiał przedstawiać otaczający go świat i bardziej obrazowo. Porcelanowe figurki i begonie, dynie... Mięso, dziczyzna – w duchu dawnych mistrzów i chleb moskiewski – szkice ze stołecznego targu smoleńskiego. A zgodnie z rosyjską tradycją, gdzie byśmy byli bez samowara? Martwą naturę z obszaru świątecznego życia z owocami i jasnymi potrawami uzupełnia czaszka – przypomnienie kruchości życia.

„Studia z medalami”

Studia z medalami

Martwa natura w stylu sowieckim. XX-wieczny artysta Anatolij Nikicz-Kriliczewski przedstawił na jednym obrazie całe życie pierwszej radzieckiej mistrzyni świata w łyżwiarstwie szybkim, Marii Isakowej. Z pucharami, za każdym z nich kryją się lata treningu; medale zdobyte w zaciętej walce; listy i ogromne bukiety. Piękny obraz dla artysty i artystyczna kronika sukcesów sportowych. Historia martwej natury.