Niektóre dzieła sztuki jakby uderzając widza w głowę, oszołomiony i niesamowity. Niektóre z nich wciągają w myśl i poszukują warstw semantycznych, tajemnej symboliki. Niektóre obrazy kryją tajemnice i mistyczne tajemnice, a inne zaskakują za wygórowaną cenę.
Malowanie, jeśli nie bierzesz pod uwagę realistów, zawsze była, jest i będzie dziwna. Metaforyczny, poszukujący nowych form i środków wyrazu. Ale niektóre dziwne obrazy są dziwniejsze niż inne.
Oczywiście „dziwne” to dość subiektywny termin., a każdy ma swoje niesamowite obrazy, które wyróżniają się spośród wielu innych dzieł sztuki.
Celowo nie uwzględniliśmy w tej kolekcji Salvador Dali, którego prace całkowicie mieszczą się w formacie tego materiału i jako pierwsze przychodzą na myśl.
1. Edvard Munch „Krzyk”
1893, karton, olej, tempera, pastel. 91x73,5 cm
Galeria Narodowa, Oslo
„Krzyk” jest uważany za przełomowe wydarzenie ekspresjonizm i jeden z najsłynniejszych obrazów na świecie.
„Szedłem ścieżką z dwoma przyjaciółmi- słońce zachodziło - nagle niebo zrobiło się krwistoczerwone, zatrzymałem się wyczerpany i oparłem się o płot - spojrzałem na krew i płomienie nad niebiesko-czarnym fiordem i miastem - moi przyjaciele poszli dalej, a ja stałem drżąc z podniecenia, czując niekończący się krzyk przeszywający naturę” – powiedział Edvard Munch o historii obrazu.
Istnieją dwie interpretacje przedstawionego: to sam bohater ogarnia przerażenie i cicho krzyczy, przyciskając ręce do uszu; albo bohater zamyka uszy na krzyk otaczającego go świata i natury. Munch napisał 4 wersje Krzyku, a jest wersja, że ten obraz jest owocem psychozy maniakalno-depresyjnej, na którą cierpiał artysta. Po kuracji w klinice Munch nie wrócił do pracy na płótnie.
2. Paul Gauguin „Skąd przyszliśmy? Kim jesteśmy? Gdzie idziemy?"
1897-1898, olej na płótnie. 139,1 x 374,6 cm
Muzeum Sztuk Pięknych w Bostonie
Głęboki obraz filozoficzny postimpresjonista Paul Gauguin został napisany przez niego na Tahiti, gdzie uciekł z Paryża. Pod koniec pracy chciał nawet popełnić samobójstwo, ponieważ „wierzę, że to płótno jest nie tylko lepsze od wszystkich moich poprzednich i że nigdy nie stworzę czegoś lepszego ani nawet podobnego”.
W kierunku samego Gauguina obraz należy czytać od prawej do lewej – trzy główne grupy rycin ilustrują pytania postawione w tytule. Trzy kobiety z dzieckiem to początek życia; grupa środkowa symbolizuje codzienną egzystencję dojrzałości; w końcowej grupie, zdaniem artysty, „stara kobieta zbliżająca się do śmierci wydaje się pojednana i oddana swoim myślom”, u jej stóp „dziwny biały ptak… reprezentuje bezsens słów”.
3. Pablo Picasso „Guernica”
1937, olej na płótnie. 349x776 cm
Muzeum Królowej Zofii, Madryt
Ogromny fresk „Guernica”, napisany przez Picassa w 1937 roku, opowiada o nalocie jednostki ochotniczej Luftwaffe na miasto Guernica, w wyniku którego sześciotysięczne miasto zostało całkowicie zniszczone. Obraz został namalowany w zaledwie miesiąc - pierwsze dni pracy nad obrazem Picasso pracował przez 10-12 godzin i już w pierwszych szkicach można było zobaczyć główną ideę. To jedna z najlepszych ilustracji koszmaru faszyzmu, a także ludzkiego okrucieństwa i żalu.
„Guernica” przedstawia sceny śmierci, przemoc, okrucieństwa, cierpienie i bezradność, bez sprecyzowania ich bezpośrednich przyczyn, ale są oczywiste. Mówi się, że w 1940 roku Pablo Picasso został wezwany do paryskiego Gestapo. Rozmowa natychmiast zeszła na obraz. "Czy ty to zrobiłeś?" - "Nie, zrobiłeś to."
4. Jan van Eyck „Portret Arnolfini”
1434, olej na drewnie. 81,8x59,7 cm
Londyńska Galeria Narodowa, Londyn
Portret prawdopodobnie autorstwa Giovanniego di Nicolao Arnolfini a jego żona jest jednym z najbardziej złożonych dzieł zachodniej szkoły malarstwa renesansu północnego.
Słynny obraz jest całkowicie wypełniony symbole, alegorie i różne odniesienia - aż do podpisu "Jan van Eyck tu był", co przekształciło go nie tylko w dzieło sztuki, ale w historyczny dokument potwierdzający prawdziwe wydarzenie, na którym artysta był obecny.
W Rosji w ostatnich latach obraz zyskał dużą popularność ze względu na portretowe podobieństwo Arnolfini do Władimira Putina.
5. Michaił Vrubel „Siedzący demon”
1890, olej na płótnie. 114x211 cm
Galeria Tretiakowska, Moskwa
Obraz Michaiła Vrubela zaskakuje wizerunkiem demona. Smutny długowłosy facet wcale nie przypomina uniwersalnych wyobrażeń o tym, jak powinien wyglądać zły duch. Sam artysta mówił o swoim najsłynniejszym obrazie:
„Demon jest nie tyle złym duchem, jak cierpiący i żałobny, przy tym wszystkim duch jest potężny, majestatyczny. To obraz siły ludzkiego ducha, wewnętrznej walki, wątpliwości. Z rękami splecionymi tragicznie, Demon siedzi ze smutnymi, wielkimi oczami skierowanymi w dal, otoczony kwiatami. Kompozycja podkreśla ograniczenie postaci demona, jakby wciśniętego między górną i dolną poprzeczkę ramy.
6. Wasilij Vereshchagin „Apoteoza wojny”
1871, olej na płótnie. 127x197 cm
Państwowa Galeria Tretiakowska, Moskwa
Vereshchagin jest jednym z głównych Rosjan malarzy bitewnych, ale malował wojny i bitwy nie dlatego, że je kochał. Wręcz przeciwnie, starał się przekazać ludziom swój negatywny stosunek do wojny. Kiedyś Vereshchagin, w ogniu emocji, wykrzyknął: „Nie napiszę więcej obrazów bitewnych - wystarczy! Zbyt mocno biorę to, co piszę, wykrzykuję (dosłownie) żal każdego rannego i zabitego. Prawdopodobnie wynikiem tego okrzyku był straszny i urzekający obraz „Apoteoza wojny”, przedstawiający pole, wrony i górę ludzkich czaszek.
Obraz jest napisany tak głęboko i emocjonalnieże za każdą czaszką leżącą w tej kupie zaczyna się widzieć ludzi, ich losy i losy tych, którzy już tych ludzi nie będą widzieć. Sam Vereshchagin ze smutnym sarkazmem nazwał płótno „martwa natura” - przedstawia „martwą naturę”.
Wszystkie szczegóły obrazu, w tym żółty kolor symbolizują śmierć i zniszczenie. Czyste błękitne niebo podkreśla martwotę obrazu. Ideę „Apoteozy wojny” wyrażają także blizny po szablach i dziury po kulach na czaszkach.
7. Grant Wood „Amerykański gotyk”
1930, olej. 74x62 cm
Instytut Sztuki w Chicago, Chicago
„American Gothic” jest jednym z najbardziej rozpoznawalnych obrazy w sztuce amerykańskiej XX wieku, najsłynniejszy mem artystyczny XX i XXI wieku.
Malowanie z ponurym ojcem i córką pełne szczegółów, które wskazują na surowość, purytanizm i retrogradację przedstawionych osób. Wściekłe twarze, widły w samym środku obrazu, ubrania staromodne nawet jak na standardy z 1930 roku, odsłonięty łokieć, szwy na ubraniu gospodarza, które powtarzają kształt wideł, a więc groźba skierowana do każdego który wkracza. Wszystkie te szczegóły można oglądać w nieskończoność i wzdrygać się z dyskomfortu.
Co ciekawe, sędziowie konkursu w Chicago Institute Sztuka postrzegała „gotyk” jako „humorous Valentine”, a mieszkańcy Iowa byli strasznie urażeni przez Wooda za przedstawianie ich w tak nieprzyjemnym świetle.
8. Rene Magritte „Kochankowie”
1928, olej na płótnie
Malarstwo „Kochankowie” („Kochankowie”) istnieje w dwóch wersjach. Z jednej strony całuje się mężczyzna i kobieta, których głowy są owinięte w białą tkaninę, z drugiej „patrzą” na widza. Obraz zaskakuje i fascynuje. Z dwiema postaciami bez twarzy Magritte przekazał tę ideę ślepocie miłości. O ślepocie pod każdym względem: kochankowie nikogo nie widzą, my nie widzimy ich prawdziwych twarzy, a poza tym kochankowie są tajemnicą nawet dla siebie nawzajem. Ale z tą pozorną jasnością nadal patrzymy na miłośników Magritte'a i myślimy o nich.
Prawie wszystkie obrazy Magritte'a- są to zagadki, których nie da się do końca rozwiązać, ponieważ rodzą pytania o samą istotę bytu. Magritte cały czas mówi o zwodniczości widzialnego, o jego ukrytej tajemnicy, której zwykle nie dostrzegamy.
9. Marc Chagall „Spacer”
1917, olej na płótnie
Państwowa Galeria Tretiakowska
Zwykle bardzo poważna na swoim obrazie Marc Chagall napisał zachwycający manifest własnego szczęścia, pełen alegorii i miłości. „Spacer” to autoportret z żoną Bellą. Jego ukochana szybuje w powietrzu i wygląda na wciągniętą do lotu, a Chagall stoi niepewnie na ziemi, jakby dotykał jej tylko czubkami butów. Chagall ma w drugiej ręce cyca - jest szczęśliwy, ma cyca w rękach (zapewne jego obraz), a na niebie dźwiga.
10. Hieronim Bosch „Ogród rozkoszy ziemskich”
1500-1510, olej na drewnie. 389x220 cm
Prado, Hiszpania
„Ogród rozkoszy ziemskich”- najsłynniejszy tryptyk Hieronima Boscha, który swoją nazwę wziął od tematu części centralnej, poświęcony jest grzechowi zmysłowości. Do tej pory żadna z dostępnych interpretacji obrazu nie została uznana za jedyną prawdziwą.
Trwały urok i obcość jednocześnie tryptyk jest sposobem, w jaki artysta wyraża główną ideę poprzez wiele szczegółów. Obraz pełen jest przezroczystych postaci, fantastycznych konstrukcji, potworów, które stały się halucynacjami, piekielnych karykatur rzeczywistości, na które patrzy przenikliwym, niezwykle ostrym spojrzeniem. Jedni naukowcy chcieli zobaczyć w tryptyku obraz ludzkiego życia przez pryzmat jego próżności i obrazów ziemskiej miłości, inni - triumf zmysłowości. Jednak niewinność i pewien dystans, z jakim interpretuje się poszczególne postacie, a także przychylny stosunek do tej pracy władz kościelnych, każą wątpić, że jej treścią może być gloryfikacja przyjemności cielesnych.
11. Gustav Klimt „Trzy wieki kobiety”
1905, olej na płótnie. 180x180 cm
Narodowa Galeria Sztuki Nowoczesnej, Rzym
„Trzy wieki kobiety” są jednocześnie radosne, i smutny. W nim historia życia kobiety zapisana jest w trzech postaciach: beztroski, spokoju i rozpaczy. Młoda kobieta jest organicznie wpleciona w ozdobę życia, stara kobieta wyróżnia się od niej. Kontrast między stylizowanym wizerunkiem młodej kobiety a naturalistycznym wizerunkiem starej kobiety nabiera symbolicznego znaczenia: pierwsza faza życia niesie ze sobą nieskończone możliwości i metamorfozy, ostatnia to niezmienna stałość i konflikt z rzeczywistością.
Płótno nie puszcza, wspina się w duszę i skłania do zastanowienia się nad głębią przekazu artysty, a także głębią i nieuchronnością życia.
12. Egon Schiele „Rodzina”
1918, olej na płótnie. 152,5x162,5 cm
Galeria Belvedere, Wiedeń
Schiele był uczniem Klimta, ale jak każdy doskonały uczeń, nie kopiował swojego nauczyciela, ale szukał nowego. Schiele jest o wiele bardziej tragiczny, dziwny i przerażający niż Gustav Klimt. W jego pracach jest wiele tego, co można by nazwać pornografią, różnych perwersji, naturalizmu i jednocześnie bolesnej rozpaczy.
„Rodzina” – jego najnowsza praca, w którym desperacja zostaje doprowadzona do absolutu, mimo że jest to najmniej dziwnie wyglądające jego zdjęcie. Namalował go tuż przed śmiercią, po tym, jak jego ciężarna żona Edith zmarła na hiszpańską grypę. Zmarł w wieku 28 lat, zaledwie trzy dni po Edycie, po tym, jak udało mu się narysować ją, siebie i ich nienarodzone dziecko.
13. Frida Kahlo „Dwie Fridy”
1939
Historia trudnego życia meksykańskiego artysty Frida Kahlo stała się powszechnie znana po premierze filmu „Frida” z Salmą Hayek w roli tytułowej. Kahlo malował głównie autoportrety i tłumaczył to po prostu: „Maluję siebie, ponieważ spędzam dużo czasu sam i dlatego, że jestem tematem, który znam najlepiej”.
Żaden z autoportretów Fridy Kahlo nie uśmiecha się: poważna, nawet żałobna twarz, zrośnięte gęste brwi, lekko wyczuwalny wąsik nad zaciśniętymi ustami. Idee jej obrazów zaszyfrowane są w szczegółach, tle, postaciach, które pojawiają się obok Fridy. Symbolika Kahlo opiera się na tradycjach narodowych i jest ściśle związana z mitologią indyjską okresu przedhiszpańskiego.
W jednym z najlepszych obrazów - „Dwie Fridy”- wyrażała zasady męskie i żeńskie, połączone w niej jednym układem krążenia, demonstrując jej integralność.
14. Claude Monet „Most Waterloo. Efekt mgły»
1899, olej na płótnie
Państwowe Muzeum Ermitażu w Petersburgu
Podczas oglądania obrazu z bliskiej odległości widz nie widzi nic prócz płótna, na które nakładane są częste, gęste pociągnięcia olejem. Cała magia dzieła ujawnia się, gdy stopniowo zaczynamy oddalać się od płótna na większą odległość. Najpierw zaczynają się przed nami pojawiać niezrozumiałe półkola, przechodząc przez środek obrazu, potem widzimy wyraźne kontury łodzi i po przebyciu odległości około dwóch metrów wszystkie prace łączące są ostro narysowane przed nami i ustawić w logicznym łańcuchu.
15. Jackson Pollock „Numer 5, 1948”
1948, płyta pilśniowa, olej. 240x120 cm
Dziwność tego obrazu toże płótno amerykańskiego lidera abstrakcyjnego ekspresjonizmu, które namalował, wylewając farbę na rozłożony na podłodze kawałek płyty pilśniowej, jest najdroższym obrazem na świecie. W 2006 roku na aukcji Sotheby's zapłacili za nią 140 milionów dolarów. David Giffen, producent filmowy i kolekcjoner, sprzedał go meksykańskiemu finansiście Davidowi Martinezowi.
„Ciągle odchodzę od konwencjonalnych narzędzi artysta, taki jak sztaluga, paleta i pędzle. Wolę kije, łopaty, noże i wylewanie farby lub mieszankę farby z piaskiem lub potłuczonym szkłem lub czymkolwiek. Kiedy jestem w obrazie, nie jestem świadomy tego, co robię. Zrozumienie przychodzi później. Nie boję się zmiany lub zniszczenia obrazu, bo obraz żyje własnym życiem. Po prostu pomagam jej wyjść na zewnątrz. Ale jeśli stracę kontakt z obrazem, jest brudny i brudny. Jeśli nie, to jest to czysta harmonia, łatwość brania i dawania.
16. Joan Miro „Mężczyzna i kobieta przed stosem ekskrementów”
1935, miedź, olej, 23x32 cm
Fundacja Joan Miro, Hiszpania
Dobry tytuł. A kto by pomyślał, że ten obraz opowiada nam o okropnościach wojen domowych.
Obraz został wykonany na blasze miedzianej na tydzień od 15 do 22 października 1935. Według Miro jest to wynik próby zobrazowania tragedii hiszpańskiej wojny domowej. Miro powiedział, że to obraz o okresie niepokojów. Obraz przedstawia mężczyznę i kobietę chwytających się za ramiona, ale nie poruszających się. Powiększone genitalia i złowieszcze kolory zostały opisane jako „pełne odrazy i odrażającej seksualności”.
17. Jacek Yerka "Erozja"
Polski neosurrealista znany na całym świecie dzięki jego niesamowitym obrazom, w których rzeczywistości łączą się, tworząc nowe. Trudno rozpatrywać jego niezwykle szczegółowe i do pewnego stopnia wzruszające prace jedna po drugiej, ale taki jest format naszego materiału i musieliśmy wybrać jeden - by zilustrować jego wyobraźnię i kunszt. Polecamy przeczytać więcej.
18. Bill Stoneham „Ręce mu się opierają”
1972
Tej pracy oczywiście nie można brać pod uwagę do arcydzieł sztuki światowej, ale fakt, że jest dziwny, jest faktem.
Dookoła obrazek z chłopcem, lalką i palmami, przyciśnięte do szyby, krążą legendy. Od „z powodu tego obrazu umierają” do „dzieci na nim żyją”. Obraz wygląda naprawdę przerażająco, co budzi wiele obaw i domysłów u osób o słabej psychice.
Artysta zapewnił, że na zdjęciu on sam jest przedstawiony w wieku pięciu lat, że drzwi są wyobrażeniem linii podziału między światem realnym a światem snów, a lalka jest przewodnikiem, który może przeprowadzić chłopca przez ten świat. Ręce reprezentują alternatywne życie lub możliwości.
Obraz stał się sławny w lutym 2000 roku. kiedy został wystawiony na sprzedaż w serwisie eBay z historią mówiącą, że obraz jest „nawiedzony”. „Hands Resist Him” został kupiony za 1025 dolarów przez Kim Smith, który został następnie zasypany listami z przerażającymi historiami i żądaniami spalenia obrazu.
2005) chodziło o prace, w których oprócz głównej fabuły jest jeszcze jedna - ukryta. Przejawia się, gdy zbliżasz się do obrazu, oddalasz się od niego lub patrzysz pod pewnym kątem. Teraz dowiesz się o najbardziej prawdziwych obrazach, które są jednak nazywane „sztuczkami”, o upiornych sylwetkach, „dwuokich”, „trójokich”, a także o rzadkim typie ikon.
G. Ciepłow. Martwa natura to sztuczka. 1737. Państwowy Ermitaż w Petersburgu.
P. Drożdin. „Portret artysty A. P. Antropowa z synem przed portretem żony”. 1776. Muzeum Rosyjskie w Petersburgu.
R. Magritte'a. „Przeznaczenie człowieka”. 1933 Narodowa Galeria Sztuki w Waszyngtonie.
Nieznany artysta. „Lilie Francji” (sześć sylwetek rodziny Burbonów). 1815.
O. Kanyu. „Fiołki cielesne (sylwetki Bonapartego, jego żony i syna)”. 1815. Tytuł obrazu przypomina, że Napoleon rozpoczął służbę wojskową w randze kaprala.
S. Del Prete. „Sekret między jesiennymi liśćmi” 1991 Galeria w Bernie, Szwajcaria.
V. Bregedy. "Proroctwo". 1994
N. Zamiatina. „Sny Grecji”. 2004
Słowa - "dwuoki": rekiny - oszuści, szemranie - nie mrucz, pokój - Moskiewski Uniwersytet Państwowy, trwały - dokładny. Autorami są Olga i Sergey Fedin.
Pocztówka. „Moja żona i teściowa”. Początek XX wieku. Rosja.
I. Botwinika. „Mój mąż i mój teść”. Pierwsza połowa XX wieku. USA.
G. Fishera. „Mama, tata i córka”. 1968 USA.
S. Orłowa. „Róża dla dwojga”. 2004 Moskwa.
S. Dali. „Znikające popiersie Woltera”. 1940 Muzeum Dalego w Petersburgu, USA.
Dwa obrazy Salvadora Dali: po lewej - „Głowa kobiety w formie bitwy”. 1936; po prawej - „Hiszpania”. 1938
V. Kowala. „Kovalland (autoportret artysty)”. 1994
Ikona Trójcy „Zakon Deesis”. XIX wiek. Rosja.
Nauka i życie // Ilustracje
Ikona z twarzami Jezusa i Marii Magdaleny. Pierwsza połowa XVII wieku. Melheim, Niemcy.
Portret Aleksandra III z żoną i synem. Koniec XIX wieku. Muzeum kościelne w kościele św. Mitrofana z Woroneża, Moskwa.
Gabriela von Maxa. „Chusteczka św Weroniki”. 1870. Niemcy.
„Zbawiciel nie stworzony rękami”. Fotografia z lat 70. z obrazu nieznanego artysty, Rosja.
PRAWDZIWE OSZUSTWO
Dwóch artystów spierało się - Zeuxis i Parrasius: który z nich jest lepszy. Zeuxis narysował kiść winogron i umieścił obrazek w pobliżu otwartego okna. Przelatujące ptaki zobaczyły winogrona, usiadły i próbowały dziobać pomalowane jagody. Nadeszła kolej Parrasiusa. "No, gdzie jest twoja praca?" - „Tam, za zasłoną”. Zeuxis podszedł do zasłony i próbował ją odciągnąć. I została namalowana. Legenda narodziła się w starożytnej Grecji, około 500 lat przed naszą erą.
Jest to bardziej prawdziwe, niż mogłoby się wydawać na pierwszy rzut oka. Faktem jest, że wiele ptaków nie ma widzenia stereoskopowego, ponieważ ich oczy znajdują się po obu stronach głowy. Co jedno oko widzi, drugie nie widzi. Ze względu na brak wspólnego pola widzenia mózg nie może tworzyć trójwymiarowego obrazu. A doświadczeni myśliwi wiedzą, że prymitywny, niepomalowany model kaczki wabi latającego kaczora nie gorzej niż żywy ptak wabiący.
W greckiej legendzie ważne jest dla nas to, że obraz nie oszukał ptaków, ale oko mistrza malarza. XIX-wieczny rosyjski artysta Fiodor Tołstoj ma obrazy, które odzwierciedlają fabułę starożytnej greckiej legendy. Na jednym z nich - martwa natura, "pokryta" arkuszem kalki technicznej. Jeden z jego rogów jest wygięty. A ta część martwej natury wygląda tak autentycznie, że mimowolnie odczuwasz chęć przesunięcia kalki niżej, aby zobaczyć obraz w całości. Obrazy tego typu nazywane są „oszustwami”, chociaż mówimy o być może najprawdziwszym ze wszystkich gatunków malarstwa.
Pojawienie się tego rodzaju obrazów stało się możliwe dopiero po wynalezieniu farb perspektywicznych, światłocieniowych i… olejnych. Przepisy na ich przygotowanie znajdują się w księgach XIII wieku. Ale dopiero na początku XV wieku holenderski artysta Jan van Eyck (1390-1441) tak bardzo ulepszył technologię przygotowania farb, że często nazywany jest wynalazcą techniki malarstwa olejnego. Jako pierwszy zastosował ją w nowy sposób, nakładając cienkie, transparentne warstwy farby jedna na drugą, uzyskując wyjątkową głębię i bogactwo koloru, a także subtelność światła i cienia oraz przejścia kolorystyczne. Po Janie van Eycku artystom udało się osiągnąć taki wizerunek, który łatwo pomylić z oryginałem.
Założycielem gatunku zaczepów w Rosji jest Grigorij Teplow, artysta, poeta, muzyk, filozof, mąż stanu XVIII wieku. Jedna z jego prac znajduje się na poprzedniej stronie. Szkoda, że reprodukcje wabików w czasopismach i książkach nie są w stanie oddać wrażenia, jakie pojawia się przy oglądaniu oryginału. Nawiasem mówiąc, właśnie dlatego sztuczki rzadko pojawiają się w książkach o sztuce. Wynika to w dużej mierze z różnicy w wielkości obrazu i jego drukowanej reprodukcji, a także z faktu, że pożądany efekt pojawia się zwykle w zależności od odległości między obrazem a widzem.
Istnieje inny rodzaj oszustwa. Na przykład w Muzeum Rosyjskim w Petersburgu znajduje się obraz XVIII-wiecznego artysty Piotra Drożdina. Na nim autor przedstawił rodzinę swojego nauczyciela, artysty Antropowa. Przyglądając się uważnie, zauważasz, że ojciec i syn nie stoją obok żony i matki, ale z jej portretem. Krawędź sztalugi, która z początku wydawała się lekkim otworem w ścianie, oddziela stojących od obrazu.
Technikę „sztalugową” zastosował również belgijski artysta XX wieku Rene Magritte. Ich krawędzie są prawie niewidoczne, a rysunki niepostrzeżenie wtapiają się w główny wątek obrazu, zlewając się z nim. Na jednym pejzażu - las wychodzący za oknem ciągnie się dalej na malowanej sztalugach, z drugiej - morze ze sztalug wpada do "prawdziwego" morza.
Magritte jest mistrzem malarstwa paradoksalnego. Na jednym płótnie połączył niekompatybilne w życiu przedmioty i zjawiska; na przykład dzienne niebo i dom pogrążony w nocnej ciemności lub osoba patrząca przed siebie w lustro widzi w nim tylko tył głowy. Zasadę paradoksu stosował także w tytułach swoich obrazów. Gdy, jak sam artysta przyznał, zabrakło mu wyobraźni, zebrał przyjaciół i poprosił o pomoc w znalezieniu nazwiska. Na przykład krajobraz ze sztalugą nazywa się „Przeznaczeniem człowieka”.
SYLWETKI DUCHA
Istnieje specjalna technika tworzenia ukrytego obrazu: kiedy artyści używają konturów narysowanych obiektów. Po raz pierwszy obrazy z „ukrytymi sylwetkami” pojawiły się najwyraźniej w średniowiecznej Francji. Ich głównymi bohaterami byli oczywiście królowie. To, że lilia jest symbolem dynastii Burbonów, jest nam już dobrze znane przynajmniej z kostiumów głównych bohaterów filmów opartych na powieści Aleksandra Dumasa „Trzej muszkieterowie”. Dwieście lat temu, rysując bukiety królewskich lilii, artyści zamieniali krzywizny łodyg, kontury liści i płatki w ludzkie twarze. Kiedy odgadniesz sekret, bukiet zamienia się w portret rodziny królewskiej. Po obaleniu dynastii Burbonów artyści zaczęli malować cesarza Napoleona z żoną i synem. Ale Josephine kochała fiołki, więc zastąpiły lilie.
W ciągu minionych stuleci artyści oczywiście poszerzyli tematykę takich prac. Jednym z przykładów jest obraz, na którym po raz pierwszy widzisz kilka suchych liści unoszących się w powietrzu. A na płótnie jest kartka z napisem w języku francuskim: „Sen unoszony przez wiatr i czas”. Zazwyczaj artyści nie piszą jego nazwy na przedniej stronie obrazu. Tutaj w lewym dolnym rogu płótna widnieje po niemiecku: „Tajemnica między jesiennymi liśćmi”. To nie tylko nazwa obrazu, ale także klucz, który zdradza intencje artysty – Sandro Del Prete. Jego imię jest dziś znane na całym świecie. A zaczynał jako amator (relacjonuję to specjalnie dla uczestników konkursu na tajemnicze obrazy). W młodości Del Prete studiował rysunek tylko przez sześć miesięcy, do 44 roku życia nie uważał się za profesjonalnego artystę i pracował w firmie ubezpieczeniowej w swoim rodzinnym szwajcarskim Bernie, gdzie nadal mieszka.
Na obrazie pochodzącego z Taganrogu artysty Viktora Bregedy, którego również zainteresowała ta technika, postacie klęczące w modlitwie na tle pustynnego górskiego krajobrazu. To tylko część fabuły, którą widzisz od razu, ale tytuł – „Proroctwo” – sugeruje, że główna treść nie jest tak oczywista i nie została jeszcze ujawniona. Niewidoczny w pierwszej chwili obraz przedstawia tych, przed którymi kłaniali się pielgrzymi: Boga Ojca, Boga Syna i skrzydlatego jeźdźca - anioła zstępującego z nieba.
Obraz „Sny o Grecji” Moskwy Natalii Zamiatina wygląda jak zwykła martwa natura z porcelanowym wazonem i owocami. Tytuł nie pasuje do obrazu. Ale przyjrzyj się bliżej draperii. Co kryją (lub odsłaniają) fałdy tkaniny i kontury wazonu?
PODWÓJNE OCZY
Termin, który nadał nazwę sekcji artykułu, został wymyślony przez pisarza i autora wielu publikacji w czasopiśmie „Science and Life” Siergiej Fedin. Nazwał teksty o podwójnych oczach, które można czytać na dwa sposoby. Weźmy za przykład słowo „rekiny”. Pierwsze dwie litery „ak” można zapisać jako jedną literę „zh”. A „s” jest łatwe do przedstawienia podobnie do „e”. Zostawmy litery w środku bez zmian i uzyskajmy słowo łatwe do odczytania na dwa sposoby: „rekiny” i „łotry”. Kilka przykładów takich napisów podano tutaj.
Słowo „double-eyed” odpowiada angielskiemu „ambigramowi” - dual. Mówimy tutaj o werbalnych podwójnych spojrzeniach, ponieważ na ich przykładzie łatwiej zrozumieć percepcję podwójnych obrazów w malarstwie.
Czego szukamy, kierując nasz wzrok wzdłuż linii podwójnego widzenia? Jakiś znajomy list. To samo dzieje się na zdjęciach. Mózg poszukuje znajomych obrazów już w pamięci, co zupełnie różni się od przechowywania obrazów fotograficznych. Pamięć jest rodzajem „kodera”, który wychwytuje właściwości obrazu, takie jak obecność prostych i zakrzywionych odcinków linii, granice zmieniającej się jasności, koloru i tym podobne.
Przyglądając się bliżej dwojgu oczu, znajdujemy litery, których początkowo nie zauważyliśmy, i dodajemy z nich drugie słowo. To samo dzieje się z ukrytym obrazem.
Do tej pory nikt nie wymyślił słowa „trójoczka”, czyli obrazu trzech słów o różnym znaczeniu w jednym wpisie. Jeśli ci się uda, koniecznie zgłoś swoją pracę do konkursu malarstwa tajemniczego. Ale malownicze trojaczki już powstały i teraz o nich porozmawiamy.
MALARSTWO DWUSTRONNE I TRÓJWARSTWOWE
W poprzednim numerze magazynu, w artykule „Invisible-Visible” spotkałeś się z wizerunkiem kobiecej głowy, która wygląda na młodą lub starą, w zależności od pozycji zdjęcia. Zapoznajmy się teraz z portretem, którego nie trzeba odwracać. Na pytanie: „Czy przedstawia młodą czy starą kobietę?” Różni ludzie dają różne odpowiedzi. Jedni mówią - dziewczyna, inni - stara kobieta. Obraz od dawna stał się klasykiem. Ale ci, którzy widzą ją po raz pierwszy, za każdym razem muszą wyjaśnić, jak zobaczyć drugi obraz: „Oko pani to ucho dziewczyny, a nos to owal młodej twarzy”. Według fizjologów widz, patrząc na portret, największą uwagę zwraca na oczy i nos. Dlatego pierwsze wrażenie zwykle zależy od tego, na którą część obrazu padły Twoje oczy w pierwszej chwili. Po krótkim szkoleniu możesz nauczyć się zamawiać, kogo chcesz zobaczyć.
Pod względem liczby publikacji w książkach i czasopismach fabuła z młodą i starą kobietą zdecydowanie wyprzedza wszystkie inne iluzoryczne obrazy. Autor bywa nazywany amerykańskim rysownikiem W. Hillem, który opublikował pracę w 1915 roku w czasopiśmie „Pak” (przetłumaczony na rosyjski „Puck” – elf, bajkowy duch). Czasami obraz przypisywany jest psychiatrze E. Boringowi, który w latach 30. wykorzystał portret jako ilustrację do swojej pracy. W środowisku naukowym „Dwie Panie” wciąż nazywa się „Nudną postacią”. W rzeczywistości na początku XX wieku w Rosji pojawiła się pocztówka z tym samym zdjęciem i napisem: „Moja żona i moja teściowa”. Jej prototypem była niemiecka pocztówka z 1880 r. (autor jest nieznany).
Obraz z dwiema paniami jest regularnie reprodukowany w książkach o psychologii. Jednak nadal w dużej mierze nie wiadomo, w jaki sposób ludzki umysł postrzega dualistyczne obrazy. Artyści po prostu nadal rozwijają dobrze już znaną technikę. W pierwszej połowie XX wieku pojawił się podobny portret starszego i młodego mężczyzny. Następnie, w 1968 roku artysta G. Fischer stworzył nową fryzurę dla obu pań i dostał trzecią postać. W rzeczywistości dodał tylko jeden element, a obraz stał się znany jako „Mama, tata i córka”. Włosy kobiety zmieniły się w profil mężczyzny, dzięki czemu na portrecie znalazły się trzy osoby.
Na współczesnym obrazie moskiewskiego artysty Siergieja Orłowa (patrz s. 132) są nie tylko dwie różne twarze, ale także dwie kobiece postacie należące zarówno do dziewczyny, jak i do staruszki. Staruszka patrzy na kwiat, który trzyma w dłoni. Młoda siedzi plecami do nas, prostując włosy i odwracając głowę w lewo.
Prace Siergieja Orłowa, Wiktora Bregedy i innych artystów działających w ten sposób można zobaczyć w Internecie. Istnieje specjalny projekt „Dualities” http://hiero.ru/project/Dubl strony „Hieroglyph”, w której autorzy wystawiają swoje prace do dyskusji.
Żadna książka o iluzorycznych obrazach nie jest kompletna bez opowieści o twórczości Hiszpana Salvadora Dali. 300 lat po Arcimboldo ożywił kierunek malarstwa iluzorycznego.
Na pierwszym zdjęciu widz widzi dwie bogato ubrane kobiety. Mężczyzna w turbanie prowadzi ich do galerii. Artysta przekształca tę scenę w drugą fabułę. Z łuku galerii tworzy kontur ludzkiej głowy - wizerunek rzeźbiarskiego portretu francuskiego filozofa Voltaire'a autorstwa Houdona.
Fabuła z Voltaire'em wielokrotnie pojawia się w pracach Dali. Dwukrotnie wykorzystał też wątek obrazu „Głowa kobiety w bitwie” (u góry po lewej), gdzie postacie galopujących jeźdźców i ludzi pędzących przez żółte pole układają się w twarz kobiety. Ale wtedy „Głowa kobiety w formie bitwy” weszła jako szczegół innego płótna: „Hiszpania”. Fakt ten pokazuje, jak trudno jest znaleźć nowe, oryginalne rozwiązanie dla dwulicowego obrazu.
Gdybym został organizatorem wystawy najlepszych obrazów dualistycznych, to obok dzieł Dalego umieściłbym obrazy współczesnego wołgogradzkiego artysty Władysława Kovala. I na pewno - „Madonna Stalingradzka”, w której z gałęzi brzozy utkany jest wizerunek kobiety z dzieckiem na rękach. Na obrazie „Decommissioning to Shore” widoczne na horyzoncie odległe nadmorskie klify zamieniają się w samotną, opadającą postać marynarza. Na obrazie „Ikar” jej bohater leci lub spada. Na kolejnym płótnie żołnierz owinięty w płaszcz przeciwdeszczowy, zmarznięty zamienia się w Madonnę z dzieckiem. W pracy „Piramida” V. Koval po raz pierwszy w historii sztuki połączył kilka podwójnych obrazów w integralne dzieło sztuki. I użył prawie wszystkich technik malarskich, o których mówiłem. Tu i konstruowanie nowych obrazów ze szczegółów pejzażu i obrazów, których treść zależy od kąta patrzenia lub odległości. Dziś Koval jest jednym z najbardziej znanych rosyjskich artystów. Jego sława ma ciekawy początek. Podczas studiów w Moskwie wysyłał listy do swoich krewnych w Wołgogradzie i nie naklejał znaczków na koperty, ale rysował. Wszystkie wysłane listy dotarły do odbiorców bez dodatkowych opłat. Kiedy ministerstwo prasy ogłosiło konkurs wśród artystów, student Vladislav Koval przyniósł organizatorom paczkę kopert. I został zwycięzcą, najmłodszym wśród uczestników.
NIEZWYKŁE IKONY
Przykłady tajemniczych obrazów można znaleźć nawet w tak surowej i kanonicznej formie sztuki jak ikony. Ikona „Jezus w lochu” trafiła kiedyś do Muzeum Sztuki Staroruskiej w Moskwie. Z przodu ukazany jest Jezus z kajdanami na nogach, a dookoła narzędzia Męki Pańskiej, czyli tortury. Każdy ma obok siebie nazwę. Na podstawie specyfiki pisania słów krytycy sztuki ustalili, że autor był staroobrzędowcem. Wyjątkowość ikony polegała na tym, że obraz przecinały wąskie pionowe pasy. Sugeruje się, że są to ślady kraty, która kiedyś zakrywała wizerunek Chrystusa. Znacznie ciekawszy okazał się jednak klucz do ciemnych pasów, który należy do kierownika pracowni malarstwa ikon Canon, historyka sztuki i artysty Aleksandra Renzhina.
Okazuje się, że ikona zawierała kiedyś nie jeden, a trzy obrazy. Paski to nic innego jak ślady pionowych tabliczek, które zostały przymocowane do ramy (oprawa) ikony. Przylegały ściśle do jego powierzchni i dlatego pozostawiały ślady. Po obu stronach każdej płyty narysowano (zwykle mówi się - napisane) części dwóch kolejnych ikon. Stojąc przed ikoną można było zobaczyć jeden obraz, przesuwając się w lewo – inny, w prawo – trzeci. Płyty ikony zaginęły, ale Renzhinowi udało się znaleźć dokładnie tę samą całą ikonę. Okazało się, że fragmenty wizerunków Matki Bożej i Jana Chrzciciela zostały napisane po obu stronach 12 tablic. Kiedy patrzysz na ikonę z boku, części obrazu łączą się w jedną całość.
W magazynach Muzeum Historii Religii w Petersburgu znajdują się ikony tego typu, ale o innej fabule. Na jednym z nich na pierwszym planie gołąb, symbol Ducha Świętego. Ale gdy tylko przesuniesz się w prawo, pojawi się obraz Boga Ojca, po lewej - oblicze Boga Syna. Współczesnemu widzowi, rozpieszczonemu efektami świetlnymi, trudno wyobrazić sobie siłę wrażenia trójdzielnych ikon na wiernych minionych stuleci, a nawet w mroku kościoła oświetlonego tylko świecami. Ponadto w XX wieku podobną technikę zastosowano w reklamie, przez co straciła ona swoją niezwykłość.
Są ikony, których powierzchnia nie jest płaska, ale wyprofilowana, z pionowymi trójkątnymi rowkami. Po jednej stronie każdego rowka napisany jest obraz widoczny po lewej stronie, a po drugiej widoczny po prawej stronie. Kiedy patrzysz od przodu, widzisz „mieszankę” dwóch obrazów. Dlatego w kościele przed taką ikoną umieszczono duży świecznik, aby była widoczna tylko z dwóch stron.
Przy kościele św. Mitrofana z Woroneża w Moskwie przy ulicy Chutorskiej 2 znajduje się muzeum kościelne. Tam między innymi ciekawymi eksponatami można zobaczyć trójdzielny obraz. To nie ikona, ale portret rodziny królewskiej. Stojąc przed portretem, widzisz cesarza Aleksandra III. Przesuń się w prawo - pojawi się wizerunek cesarzowej Marii Fiodorowny. Widzowie, stojąc po lewej stronie, widzą młodego dziedzica, przyszłego cesarza Mikołaja II. Ciekawa cecha obrazu pomogła ustalić czas jego powstania. Na prawej świątyni Mikołaja widoczna jest krwawa plama. To jest ślad japońskiego miecza. W latach 1890-1891 spadkobierca podróżował po całym świecie, a w Japonii doszło do zamachu. Japoński policjant uderzył Nikołaja mieczem, ale młody spadkobierca skręcił i otrzymał tylko niewielką ranę. Za drugim razem napastnik nie zdążył uderzyć, został powalony, ale nie przez gospodarzy, którzy przyjęli dostojnego gościa, ale przez towarzyszącego Mikołajowi greckiego księcia Jerzego.
LEGENDA ŚW. WERONIKI
W 1879 roku w Petersburgu odbyła się wystawa artystów niemieckich. Jeden z nich, Gabriel von Max, zaprezentował obraz „Chusteczka św. Weroniki” z wizerunkiem przybitego do ściany kawałka szorstkiego płótna z twarzą Chrystusa pośrodku. Osobliwością obrazu było to, że publiczność mogła zobaczyć oczy Zbawiciela zamknięte lub otwarte. Gazety ówczesne pisały, że organizatorzy muszą ustawić krzesła w sali, ponieważ niektóre panie zemdlały, wołając: „Patrz! Patrz!”
Oczywiście tajemniczy obraz przyciągnął uwagę stołecznych artystów, którzy próbowali rozwikłać tajemnicę, a artysta Ivan Kramskoy napisał o nim artykuł dla magazynu New Time, w którym ujawnił technikę, dzięki której niemiecki autor osiągnął pożądany efekt .
Legenda o św. Weronice rozprzestrzeniła się w Europie w średniowieczu. Później stała się oficjalną Tradycją Kościoła, to znaczy uznano ją za prawdziwą, jak te zapisane w Ewangelii. Kiedy Jezus Chrystus został zaprowadzony na Górę Kalwarię, aby tam został ukrzyżowany, współczująca kobieta imieniem Weronika otarła pot z jego twarzy chusteczką, która zakryła jej oczy. Jednocześnie twarz Zbawiciela w koronie cierniowej została w cudowny sposób odciśnięta na szaliku. Tradycja stanowiła podstawę ortodoksyjnej ikony „Zbawiciel nie stworzony rękami”. Nam, niespecjalistom, najłatwiej rozpoznać tę ikonę po wizerunku chusty, na której wypisana jest twarz Jezusa, chociaż sama chusta (częściej mówi się „plasy”) jest narysowana inaczej i raczej konwencjonalnie. Wśród zachodnich chrześcijan podobny obraz nazywany jest „Szalką św. Weroniki”.
Od konesera sztuki rosyjskiej, księdza Walentyna Dronowa, usłyszałem historię, którą tu przytaczam dosłownie: „Dwa lub trzy razy w życiu musiałem zobaczyć ikonę Zbawiciela Nieuczynionego Rękami, która ukazywała cudowną właściwość. oczy Jezusa na nim wydawały się albo otwarte, albo zamknięte. Zależało to od stanu duchowego modlącej się osoby. Jeśli był spokojny, Zbawiciel wydawał się spać. Jeśli był wzburzony, jego oczy się otwierały”. W domu ojciec Valentina trzymał fotografię tego obrazu, który jest tutaj reprodukowany.
Niczego podobnego jeszcze nie udało mi się znaleźć w naszych muzeach. W przewodniku po Betlejem, mieście, w którym według legendy narodził się Chrystus, mówi się, że jeden z fresków na kolumnie w kościele Narodzenia Pańskiego ma tę samą właściwość: „twarz na ikonie otwiera i zamyka jej oczy."
Opisywana ikona jest bardzo rzadka, dlatego ważne są wszelkie dowody osób, które widziały lub przynajmniej słyszały takie obrazy. Prosimy czytelników o poinformowanie o tym redakcji czasopisma.
Ostatnio w sieci pojawiły się doniesienia, że być może tajemnica prawdopodobnie najbardziej tajemniczego obrazu została rozwikłana. Naukowcom z Włoch udało się znaleźć szczątki, którymi może być Lisa del Giocondo. Na tym tle miło byłoby znaleźć ciekawe informacje o najbardziej tajemniczych, a czasem szczerze tajemniczych obrazach.
„Mona Lisa”
Właściwie to płótno zasługuje na szczególną uwagę. Twórczość, napisana na początku XVI wieku przez Leonarda da Vinci, rodzi wiele pytań, ale wciąż nie ma odpowiedzi.
Według Guyeta obraz ma taką moc, że może doprowadzić każdego do szaleństwa, jeśli przygląda się mu przez długi czas i uważnie.
A takie plotki absolutnie nie są daremne, ponieważ naukowcy badają je od wieków i znajdują nowe tajemnice.
Ręce Giocondy stają się przedmiotem rozpraw, a lekarzom udaje się zdiagnozować tę kobietę:
- z teorii, że nie ma zębów;
- do dziwnych przypuszczeń, że w rzeczywistości nie jest kobietą, ale mężczyzną.
Jedna z najciekawszych wersji, jakie sam namalował Da Vinci.
Co ciekawe, dzieło to zyskało sławę dopiero w 1911 roku. Potem, jak wiesz, została porwana przez Włocha Vincenzo Perugio. I znaleźli przestępcę (pomyśl o tym) przez odcisk palca.
W rezultacie płótno stało się nie tylko pierwszym, faktycznie udanym doświadczeniem w odciskach palców, ale także sukcesem na rynku malarskim.
"Krzyk"
To, że najsłynniejszy obraz Edvarda Muncha na pewno ma jakiś wpływ na ludzi, którzy na niego patrzą, nie jest niczym nowym. Mówi się o tym od dawna, co nie może nie przerażać. Ale nawet to nie jest najdziwniejsze, faktem jest, że obraz jest dla autora realizmem.
Jak wiecie, Munch, pisząc „Krzyk”, cierpiał na chorobę afektywną dwubiegunową (wcześniej znaną jako psychoza maniakalno-depresyjna). Kiedyś opowiedział nawet historię powstania pomysłu na swoje nieśmiertelne arcydzieło. Według artysty widział to.
Pewnego dnia Munch szedł z przyjaciółmi ścieżką, dokładnie w chwili, gdy zachodziło słońce. Powiedział, że w jednej chwili niebo zmieniło kolor na jaskrawoczerwony, prawie krwawy.
Artysta poczuł się bardzo zmęczony i oparł się o płot, wpatrując się w płomienie, krew nad miastem i niebieskawy fiord. Jego przyjaciele ruszyli dalej, ale nie mógł się ruszyć, drżał i czuł płacz, który przenikał otaczającą przyrodę.
„Czarny kwadrat”
Nawet dla ludzi sztuki w ogóle, a malarstwa w szczególności, nie jest tajemnicą, że „Czarny kwadrat” wcale nie jest czarny i wcale nie jest kwadratowy. Rzeczywiście, ta figura nie jest kwadratem, choć nazwa sugeruje inaczej.
Dowodem jest katalog wystawy, w którym sam artysta określa plac jako „czworokąt”. Jeśli chodzi o kolor, tutaj wszystko jest proste - pisząc Malewicz nie używał czarnej farby.
Mało kto wie, że dla samego artysty ta praca była najlepszą ze wszystkich, jakie stworzył. Na pogrzebie Malewicza „Czarny kwadrat” został umieszczony w głowie zmarłego, ciało w trumnie było pod białym welonem, na którym leżała łata z tym samym czarnym kwadratem.
A w trumnie namalowali ten sam obraz. I karawan był nią ozdobiony. Ogólnie wszystko było zorganizowane w tym samym stylu.
„Guernica”
Płótno zostało wymyślone przez samego Picassa, poświęcając obraz bombardowaniu w Guernicy. Artysta został wezwany na przesłuchanie przez gestapo, gdzie zapytano go o Guernicę, czy to zrobił. Picasso odpowiedział im przecząco, a nawet stwierdził, że to zrobili.
Napisał płótno szybko, w niecały miesiąc, ale desperacko stworzył arcydzieło bez rozpraszania się, spędzając ponad dziesięć godzin dziennie.
Nazywają ten obraz obrazem faszyzmu, okrucieństwa i grozy. Ci, którzy widzieli „Guernicę”, mówią, że podczas jej oglądania odczuwali niepokój, a nawet panikę.
„Ręce mu się oprzeć”
Bill Stoneham namalował płótno w 1972 roku. Sława dzieła, szczerze mówiąc, jest zła, co dodaje mu tajemniczości i mistycyzmu. Aukcja E-bay donosi, że niedługo po zakupie została znaleziona w koszu.
Gdy tylko obraz zawisł w domu kupującego, w nocy córka pobiegła do rodziców ze łzami w oczach i stwierdziła, że widziała walczące dzieci.
Od tego czasu obraz stał się jeszcze bardziej zarośnięty przerażającymi historiami. Na przykład Kim Smith, który nabył go, aby go zniszczyć, nie mógł tego zrobić, ponieważ umarł. Gazety wielokrotnie powtarzały, że w Ameryce widziano duchy, które wyglądają dokładnie jak te dzieci.
Iwan Groźny i jego syn Iwan
W ludziach ten obraz ma nieco inną nazwę. Mianowicie „Iwan Groźny zabija syna”.
Do dziś nie da się z absolutną pewnością odpowiedzieć na pytanie, czy król zabił swoje potomstwo. Na przykład w latach 60. przeprowadzono badanie, podczas którego otwarto grobowce Groznego i jego syna, po czym ustalono, że młodszy Iwan został otruty.
Ale tylko tę samą truciznę znaleziono u Iwana Groźnego. A naukowcy doszli do wniosku, że przez dziesięciolecia zatruwali rodzinę królewską.
Wersje niewinności Groznego w dzieciobójstwie trzymały się wśród wielu, więc prokurator naczelny synodu Pobiedonoscewa był pewien, że car tego nie popełnił.
Był kiedyś tak oburzony tą pracą, że napisał nawet do cesarza Aleksandra III, że obraz nie może twierdzić, że jest historyczny, przynajmniej można go nazwać fantastycznym.
Ważne jest, aby zrozumieć, że ta rozmowa o morderstwie wyszła od legata papieskiego Antonio Possevino, a jego opowieści nie można nazwać wiarygodnymi i bezstronnymi.
Ale sam obraz był naprawdę naruszony: płótno zostało przecięte nożem, tak bardzo, że Repin musiał ponownie przepisać twarze Iwanowa. Dozorca, który jej nie uratował, dowiedziawszy się o brutalnym ataku na obraz, rzucił się pod pociąg.
„Portret Łopuchiny”
Jak można mówić o mistycznych tworach i przejść obok malarstwa Borowickiego. Napisał płótno pod koniec XVIII wieku i wkrótce zaczęła się wokół niego zła sława.
Lopukhina sama wlała olej do płonącego ognia. Odeszła także z życia geniusza wkrótce po zakończeniu jego pracy.
Rozchodzą się pogłoski, że obraz odbiera młodość, a nawet życie. Nie jest jasne, kto zaczął mówić takie rzeczy. Ale wszystkie rozmowy ucichły, gdy Tretiakow kupił go i powiesił w swojej galerii.
Ważne jest, aby wiedzieć
Były to najbardziej uderzające przykłady dziwnych i tajemniczych obrazów. Opowieści o nich czasami mrożą krew w żyłach. Możesz oczywiście być sceptyczny, ale czasami można sparafrazować dobrze znane wyrażenie: „Jeśli przez długi czas będziesz patrzeć na przerażający obraz, zacznie na ciebie patrzeć”.
Wybierasz się w podróż, podróż służbową lub weekendową wycieczkę? Dlaczego w końcu nie zobaczyć jednego z najbardziej mistycznych obrazów świata?! To płótna, za którymi ciągnie się cały szlak legend, fatalnych przypadków i rozbudzających wyobraźnię opowieści.
"Lilie wodne"
Artysta: Claude Monet
Gdzie zobaczyć: znajduje się w prywatnej kolekcji amerykańskiego kolekcjonera, który kupił go na aukcji w 2015 roku za rekordową kwotę 54,01 miliona dolarów. Wcześniej nie wystawiała przez 70 lat.
Ten obraz słynie z tego, że jest nawiedzany przez pożary. Pierwsza zdarzyła się w domu jej twórcy, Claude'a Moneta, wkrótce po tym, jak skończył ją malować. Warsztat Moneta spłonął prawie doszczętnie. Uratowano tylko kilka obrazów, wśród których znalazły się Lilie wodne. Wkrótce płótno kupili właściciele kabaretu na Montmartrze. Ale niecały miesiąc… Instytucja spłonęła doszczętnie. W domu francuskiego filantropa Oscara Schmitza „lilie” żyły przez około rok, a następnie spłonęły. Obraz jakoś przetrwał, choć źródło ognia znajdowało się w gabinecie, gdzie wisiał. Cztery miesiące później „spaliła” nowojorskie Muzeum Sztuki i sama bardzo ucierpiała podczas pożaru. Obraz został przywrócony. Nie było jeszcze żadnych doniesień o pożarze na posesji jej obecnych właścicieli. Chociaż, kto wie, nazwisko jego właściciela jest oficjalnie nieznane.
"Krzyk"
Artysta: Edvard Munch
Gdzie zobaczyć: Galeria Narodowa (Oslo, Norwegia)
Munch stworzył serię obrazów „Krzyk”. Każdy z nich to jeden z najbardziej rozpoznawalnych obrazów w historii sztuki światowej. Na zdjęciu bezwłosy straszny stwór na tle zakrwawionego nieba. Uważa się, że „Krzyk” Muncha powoduje depresję i zaburzenia psychiczne u osób, które długo go obserwują. Nic dziwnego, biorąc pod uwagę, że sam Munch cierpiał na psychozę maniakalno-depresyjną i wylał się z niej w serii obrazów „Krzyk”.
Według legendy życie pracownika muzeum, który upuścił obraz, stało się piekłem z powodu nagłych bólów głowy. Podobno popełnił samobójstwo. A to tylko dwa fatalne wydarzenia związane z Krzykiem.
„Wenus z lustrem”
Artysta: Diego Velasquez
Gdzie zobaczyć: Galeria Narodowa (Londyn, Wielka Brytania)
Znany z rujnowania swoich właścicieli. Dlatego płótno długo przechodziło z rąk do rąk, a raz zostało sprzedane do muzeum za grosze. Przez pewien czas „Wenus z lustrem” znajdowała się w różnych prywatnych kolekcjach, ale jej zła reputacja nie pozwalała jej zakorzenić się w niczyich eleganckich mieszkaniach.
„Pokonany demon”
Artysta: Michaił Vrubel
Gdzie zobaczyć: Państwowa Galeria Tretiakowska (Moskwa, Rosja)
Praca na płótnie to tragedia życia Vrubela. Naprawdę wstrząsnęła jego psychiką. Artysta pracował nad nim w stanie maniakalnego podniecenia, miał halucynacje, wyobrażał sobie, że jest zarówno Puszkinem, jak i Chrystusem… Demon, o którym marzył, „domagał się”, aby Vrubel nazwał płótno ikoną i ludzie go czcili. Nawet gdy „Demon Uciskany” szedł na wystawę, artysta szedł za nią jak opętany i nanosił wykończenie w sali wystawowej, nie zwracając na nikogo uwagi.
„Kobieta w deszczu”
Artysta: Svetlana Telets
Gdzie zobaczyć: po sprzedaży wraca do artysty w Winnicy (Ukraina)
Obraz ten od ponad 10 lat wędruje po prywatnych kolekcjach, ale nieustannie powraca do swojego twórcy. Nikt nie może przyzwyczaić się do Rain Woman. Oddając płótno, ludzie opowiadają, jak bardzo to wpływa na ich stan psychiczny, marzą o tym, sprawiają, że czują się tak, jakby ktoś cały czas ich obserwował. Ciekawe, że sama Svetlana Taurus pracowała nad tym z dziwnymi uczuciami - miała wizje, przez pewien czas płótno, według niej, „nie pozwoliło” jej się zbliżyć.
„Płaczący chłopiec”
Malarz: Giovanni Bragolina
Te płótna są znane nawet tym, którzy są daleko od świata sztuki, ponieważ są prawdziwymi arcydziełami. A każdy z nich kryje w sobie jakiś sekret, którego nie widać gołym okiem.
I wydaje się, że każde pociągnięcie zostało już przestudiowane w górę iw dół, jednak naukowcy ciągle odkrywają coś nowego w tych starych obrazach. Ich autorzy pozostawili potomkom niezwykłe zagadki, które udało im się rozwiązać!
Redakcja InPlanet przygotowała listę 12 legendarnych obrazów, które przez wiele lat, a nawet wieków skrywały tajemnice!
Portret Arnolfini / Jan van Eyck (1434)
Ten portret był pierwszym w historii Europy, który przedstawia parę. Jest doskonałym przykładem wczesnego renesansu. Historycy wciąż spierają się, kto jest przedstawiony na płótnie i co się tam dzieje. Wielu jest przekonanych, że to ślub, na co wskazują niektóre znaki na zdjęciu.
Ale najciekawszy fragment jest praktycznie ukryty - w odbiciu lustra na ścianie widać zarysy czterech osób. Niejasno widać, że jest mężczyzna i kobieta, a podpis - "Jan van Eyck był tutaj". Krytycy sztuki uważają, że artysta przedstawił siebie i swoją żonę.
Ostatnia Wieczerza / Leonardo da Vinci (1495-1498)
Ten fresk jest jednym z najsłynniejszych dzieł Leonarda da Vinci i kryje w sobie wiele tajemnic. Najciekawsza tajemnica ukryta jest na powierzchni - w wizerunkach Jezusa i Judasza.
Resztę obrazów artysta namalował z łatwością, ale te dwie twarze były dla niego najtrudniejsze. Dla twarzy Jezusa szukał ucieleśnienia dobroci i miał szczęście - spotkał młodą śpiewaczkę w chórze kościelnym. Ale ostatnim niezapisanym miejscem był Judasz, a da Vinci spędzał godziny w jadłodajniach, aby znaleźć idealne ucieleśnienie zła. I wreszcie miał szczęście - w rowie znalazł pijaka, który ledwo mógł stanąć na nogach. Z niej namalował wizerunek Judasza, ale w końcu się zdziwił.
Ten człowiek podszedł do niego i powiedział, że już się spotkali. Kilka lat temu był śpiewakiem chóralnym i już pozował Leonardo do tego zdjęcia. Tak więc jeden człowiek zaczął uosabiać dobro i zło.
Portret pani Lisy del Giocondo / Leonardo da Vinci (1503-1505)
Być może najbardziej tajemniczym obrazem, jaki kiedykolwiek namalowano, jest Mona Lisa. Od kilku stuleci nawiedza historyków i historyków sztuki, rodząc coraz bardziej szalone i intrygujące pomysły na jego powstanie.
Kim jest ta kobieta z tajemniczym uśmiechem i bez brwi? Tradycyjnie uważa się, że jest to żona kupca Francesco Giocondo. Ale jest jeszcze kilka teorii, które mają prawo istnieć. Na przykład, że Mona Lisa to autoportret samego Leonarda. Istnieje również możliwość, że obraz ten namalował sam da Vinci, a prawdziwe płótno odkryto w Aizerlut 100 lat temu. Ta Gioconda jest bardziej odpowiednia do opisu obrazu współczesnych Leonarda.
Niedawno naukowcy zasugerowali, że tajemniczy uśmiech dziewczyny na płótnie wynika z faktu, że nie miała zębów. Nawiasem mówiąc, prześwietlenie wykazało, że ma brwi, tylko że uzupełnienia mocno je uszkodziły.
Stworzenie Adama / Michała Anioła (1511)
Inny geniusz renesansu, Michał Anioł, stworzył swój fresk dla Kaplicy Sykstyńskiej, gdzie pozostaje do dziś. Fabuła tej części muralu była sceną z Księgi Rodzaju zwaną stworzeniem Adama. A na fresku jest wiele zaszyfrowanych symboli.
Na przykład warto przyjrzeć się bliżej Stwórcy, który tworzy Adama, a widać… ludzki mózg. Eksperci uważają, że w ten sposób artysta narysował analogię Stwórcy ze źródłem umysłu, ale po prostu mózgiem. Teorię tę potwierdza fakt, że Michał Anioł lubił anatomię i stale przeprowadzał eksperymenty na zwłokach.
Madonna Sykstyńska / Rafał (1513-1514)
To ogromne płótno, namalowane przez Rafaela, jest przykładem najwyższej sztuki renesansu. Obraz został zamówiony przez papieża Juliusza II i znajdował się w klasztorze Piacenza. Niektórzy historycy sztuki uważają, że to arcydzieło zostało namalowane na pogrzeb papieża.
Rafael zaszyfrował na płótnie wiele znaków, które udało się odkryć historykom. Jedna z oczywistych tajemnic Madonny Sykstyńskiej - w tle artysta przedstawił twarze obłoku w postaci twarzy aniołów. Niektórzy historycy uważają, że są to nienarodzone dusze.
Scena brzegowa / Hendrick van Antonissen (1641)
Płótno słynnego holenderskiego malarza marynistycznego Hendrika van Antonissena od dawna przyciąga uwagę historyków sztuki. Ten XVII-wieczny obraz przedstawia pozornie zwyczajny pejzaż morski. Ale specjaliści byli zakłopotani dużą liczbą ludzi, którzy bez wyraźnego powodu zebrali się na brzegu.
Prawdę ustalono za pomocą badania rentgenowskiego, które wykazało, że w rzeczywistości obraz przedstawiał wieloryba. Ale artysta uznał, że nudne będzie dla ludzi oglądanie martwego zwłok wieloryba, więc przerobił zdjęcie. A z wielorybem płótno wygląda o wiele bardziej spektakularnie!
Ostatni dzień Pompejów / Karl Bryullov (1830-1833)
Rosyjski artysta Karl Bryulłow był pod wrażeniem historii Pompejów podczas wizyty w Wezuwiuszu w 1828 roku. Był z natury bardzo powściągliwym człowiekiem, ale potem Karl był po prostu przytłoczony emocjami, przebywał w zrujnowanym mieście przez cztery dni i po kilku latach zaczął malować swój słynny obraz.
Na płótnie kryje się specjalna tajemnica - jeśli przyjrzysz się uważnie, w lewym rogu zobaczysz autoportret samego artysty. Schwytał także swoją ukochaną, hrabinę Julię Samoilovą, z którą miał długi związek co najmniej trzy razy, a może i więcej. Można ją zobaczyć w postaci matki przytulonej do piersi, w postaci dziewczynki z dzbanem na głowie oraz w postaci leżącej na ziemi.
Autoportret z fajką / Vincent van Gogh (1889)
Każdy zna historię odciętego ucha ekstrawaganckiego artysty Vincenta van Gogha. Namalował nawet swój autoportret z zabandażowanym uchem, co wywołało gorącą dyskusję wśród historyków sztuki. Nadal nie wiadomo na pewno, czy całkowicie odciął ucho, czy je zranił.
Przez długi czas eksperci byli zawstydzeni faktem, że na zdjęciu Van Gogh jest przedstawiony z bandażem na prawym uchu i zranił lewe. Ale sekret został ujawniony - holenderski artysta malował autoportrety, patrząc w lustro, więc na obrazie było zamieszanie z powodu lustrzanego odbicia.
Niebieski pokój / Pablo Picasso (1901)
Teraz nazwiska tych artystów są znane wszystkim, a na początku swojej kariery musieli namalować kilka obrazów na jednym płótnie - nie było ich stać na zakup tkaniny. Dlatego wiele arcydzieł ma tak zwane podwójne dno, na przykład obraz Pabla Picassa „Niebieski pokój”.
Za pomocą promieni rentgenowskich można było dowiedzieć się, że pod obrazem namalowano portret mężczyzny. Historycy sztuki określają, kim był ten człowiek. Według jednej wersji Picasso namalował autoportret.
Stary rybak / Tivadar Kostka Chontvari (1902)
Węgierski artysta Tivadar Kostka Chontvari stworzył w swoim życiu wiele obrazów, ale był mało znany. Cierpiał na schizofrenię, ale wciąż marzył o chwale Rafaela. Tivadar stał się sławny po jego śmierci, kiedy rozszyfrowano obraz „Stary rybak”, który stał się teraz bardzo popularny. Powstała w 1902 roku i uważana jest za jedno z najbardziej tajemniczych dzieł artysty.
Na pierwszy rzut oka płótno przedstawia starca, jak sądzono przez wiele lat. Aż pewnego dnia przyszło komuś do głowy, aby spojrzeć na lustrzane odbicie dwóch połówek twarzy starca. Wtedy ujawniono główny sekret tego płótna - na nim mistrz przedstawił Boga i Diabła, które są w każdym człowieku.
Portret Adele Bloch-Gower / Gustav Klimt (1907)
Ten obraz jest jednym z najbardziej znanych dzieł Gustava Klimta. W 2006 roku Golden Adele została kupiona za fantastyczną sumę 135 milionów dolarów. Przedstawiona na nim piękna kobieta została tak naprawdę napisana w celu… zemsty.
W 1904 cały Wiedeń, łącznie z mężem Ferdynandem, opowiadał o powieści Adele Bloch-Gower i Gustava Klimta. Wymyślił niezwykłą zemstę i zamówił artystę portret swojej ukochanej żony. Ferdinand był bardzo wybredny, a Klimt wykonał ponad 100 szkiców. W tym czasie kochanka, której wizerunek był tak trudny, znudziła się artystą, a ich romans się skończył.
Czarny kwadrat / Kazimierz Malewicz (1915)
Jednym z najbardziej znanych i kontrowersyjnych rosyjskich obrazów jest Czarny kwadrat Kazimierza Malewicza. Niewielu rozumie ukryte znaczenie tego prowokacyjnego płótna. Ale może warto zacząć od tego, że kwadrat wcale nie jest kwadratowy, a nawet nie jest czarny!
Prześwietlenie pomogło ustalić, że pod „Czarnym kwadratem” znajduje się kolejna praca Malewicza, na której napisał swoje arcydzieło. Dla niego przygotował specjalną kompozycję matowych i błyszczących farb, wśród których, nawiasem mówiąc, nie było czarnego odcienia. I pomimo tego, że boki tak zwanego kwadratu mają długość 79,5 cm, figura nie ma ani jednego kąta prostego.
Tak czy inaczej, Mona Lisa pozostaje jednym z najbardziej tajemniczych obrazów naszych czasów. Być może nigdy się nie dowiemy, co ten lub tamten artysta chciał nam powiedzieć, a może w ogóle, wszystkie znaki są tylko zbiegiem okoliczności…
