26.11.2014 w galerii "Mistetska zbirka" otworzy się wystawa nowych prac artysty Yuriy Vakulenko
W nowym serialu „Tajemnicza noc Hem” Jurij Wakulenko uosabia romantyczną atmosferę starego Kijowa. Artysta wybiera zakątki znane tylko lokalnym mieszkańcom. Spod jego pędzla wyłania się Podolski „Marynarz”, złoty królewski dom na dziedzińcu na Jarosławskiej czy „niebieskie” wejście na Jurkowskiej. Na płótnach Vakulenki ożywają opuszczone budynki z ziejącymi czarnymi dziurami zamiast okien i drzwi.
Rąbek Jurija Vakulenko - jak w rzeczywistości - jest popękany i odrapany. Ale przez pęknięcia, strumienie deszczu i zmarszczki przebija się jasny kolor - głęboki niebieski, szmaragdowy, niebieski lub złoty. Tajemnice Podola ujawniają się artyście, gdy ludzie wracają do domów, zapalają się latarnie i dzwoni ostatni tramwaj… A potem, w ciszy nocy, ulice i domy Podolska opowiadają tysiąc i jedną historię wielu pokoleń Kijowa.
Jurij Wakulenko: „Stosunkowo niedawno zamieszkałem na Podolu, w domu, który ma ponad stuletnią historię. Dzień po dniu, wracając do domu, poznawałem coraz więcej tajemnic starożytnego Podola. Czasami wychodziłem późno w nocy i zaglądałem w najciemniejsze i najbardziej tajemnicze miejsca, odkrywając stare domy, które nocą ożywają i lśnią wewnętrznym światłem, spychając z mapy schematyczne i pozbawione cech charakterystycznych nowe budynki i rozpływając się w ciemności.
O autorze: Yuriy Vakulenko jest ukraińskim malarzem, znawcą antyków. Od 2004 r. dyrektor Narodowego Muzeum Sztuki Rosyjskiej. Studiował w Kijowskim Instytucie Sztuki, gdzie ukończył jako artysta-restaurator. Pracował w centrum odbudowy i badania Rezerwatu Kijowsko-Peczerskiego, którego dyrektorem został w 1995 roku. W 1988 roku założył stowarzyszenie artystyczne „39,2°”. Od 1990 roku wystawy indywidualne odbywają się na Ukrainie, we Włoszech, na Węgrzech iw Hiszpanii. Obrazy znajdują się w zbiorach muzealnych Rezerwatu Kijowsko-Peczerskiego, Narodowego Muzeum Sztuki Rosyjskiej, w kolekcjach prywatnych. Prace były wystawiane na aukcjach MacDougall's i Corners.Członek-korespondent Akademii Nauki i Sztuki w Petersburgu, profesor nadzwyczajny Katedry Ekspertyz Akademii Kultury, zasłużony pracownik kultury.
Pon - Niedz: od 11:00 do 18:00
Wstęp wolny
Galeria "Mistetska zbirka"
Kijów, ul. Tereshchenkovskaya, 13, wejście do łuku drugiego dziedzińca.
Telefon: +380501364737, +380442341427
[e-mail chroniony]/ www.artzbirka.com
W istocie w każdym artyście mieszka muzealnik. Mówił o tym również Picasso, porównując się do „kolekcjonera, który zbiera dla siebie kolekcję i rysuje obrazy, które podobają się innym. Właśnie od tego zaczynam, a potem wychodzi coś nowego ”- powiedział wielki Pablo.
Vakulenko, jako kustosz muzealnych kosztowności, ma wszelkie powody, aby zgodzić się z tym stwierdzeniem. Co więcej, będąc również konserwatorem na najwyższym poziomie, przez całe życie studiując i rozumiejąc z głębi wielkich dzieł wielkich mistrzów, jak nikt inny zna inne, wewnętrzne, „tajne” życie starożytnych obrazów: o czym mówią, ao czym milczą, na co chorują, a co kryje się za nieprzeniknionym szkłem i spękaniami. Wracając wciąż do tych niewyczerpanych źródeł, Jurij Wakulenko w naturalny sposób kontynuuje z nimi dialog na własnych płótnach, już jako artysta próbujący rozwiązać dotychczas nierozwiązane zagadki.
„Infanta” dla Jurija Vakulenko to szczególnie podatny obiekt do „rozplątywania”. Jak wiecie, w Kijowie, a nawet w sąsiedztwie mieszka jeden ze słynnych Velasquezów „Niemowląt”, co oznacza ciągłe spotkania, wymianę energii, spojrzenie eksperta. „Im dłużej patrzyłam, tym bardziej dostrzegałam, jak wiele kryje się w tej małej dziewczynce, która była zaręczona od urodzenia i skazana na dożywotnią „złotą klatkę” – mówi Vakulenko. „Od ponad trzystu lat patrzy na nas, ubrana w luksusowy strój jak zbroja, to wiekowe dziecko o smutnej duszy, jej wygląd ekscytuje i prześladuje”. Po Velazquez dusza infantki Małgorzaty nawiedzała wielu. Wśród nich są Picasso, Dali i Miro. W literaturze Wilde. W poezji - Antokolsky, z jego przejmującymi wersami:
„Potem minęły wieki. Jeden. Drugi i trzeci.
I patrzy przez jej oczy, jak jej kazał,
Infantka - dziewczyna w pochmurnym portrecie.
Przed nią opuszczony Luwr. Szara Sala Muzealna.
Jednym słowem Jurij Wakulenko dołączył do godnej firmy już w obecnym XXI wieku. Vakulenko ma kilkoro niemowląt i dzieli je ogromna odległość – są jak etapy przeżytego życia. „Nie bój się posuwać za daleko, ponieważ prawda jest zawsze jeszcze dalsza” – powiedział Marcel Proust. Vakulenko się nie boi. Odważnie najeżdża terytorium historyczne. Rozmowy z mądrym Velasquezem. I wydaje się, że ma coś do powiedzenia.
Yuriy Vakulenko jest ukraińskim malarzem i grafikiem.
W 1977 ukończył Baku Art College im. Azima Azimzada.
W 1986 roku ukończył Państwowy Instytut Sztuki w Kijowie (NAOMA) jako artysta-restaurator.
Założyciel stowarzyszenia artystycznego „39,2°” (1988).
Honorowy Pracownik Kultury, profesor nadzwyczajny Wydziału Ekspertyz Narodowej Akademii Kultury i Sztuki, członek rzeczywisty Akademii Nauki i Sztuki Piotrowskiego w Petersburgu (2007), członek Międzynarodowego Stowarzyszenia Muzeów. Czołowy ekspert w dziedzinie antyków.
Dyrektor generalny Kijowskiego Narodowego Muzeum Sztuki Rosyjskiej.
Zdjęcie: Julia Naumova
Dyrektor galerii „Tryptyk ART” Tatiana Savchenko i artysta Yuri Vakulenko
21 maja w galerii „Soviart” otwiera się osobista wystawa artysty Jurija Vakulenko „Dotiki”. Przedstawia trzy projekty malarza - Dotiki, Vibration Quadrum i Coloured Cities.
Projekt „Dotiki” to cykl prac – dotknięć, w których artysta prowadzi bezpośredni dotykowy dialog z płótnem. Jak dziecko, które zaczyna odkrywać rzeczywistość dotykiem, impulsywnie dotyka wszystkiego, co go interesuje, tak artysta najpierw empirycznie styka się ze światem obrazu - dotykając ręką powierzchni płótna. Czuje, dotykowo „testuje” dłonią powierzchnię roboczą płótna, pozostawiając na niej barwny odcisk dłoni i otrzymując z tego kontaktu pierwsze wrażenie, świeży impuls twórczy. Następnie malarz podnosi pędzel, aby nasycić go semantycznymi i kolorowymi niuansami i nadać odbitce figuratywnej kompletności. W efekcie „Dotiki” zamienia się w ażurowe, tkane kompozycje z misternymi pętelkami, łukami, lokami, przypominającymi wzory i linie na ludzkich dłoniach.
Cztery duże płótna z licznymi nadrukami ręki mistrza - biały na białym, niebieski na niebieskim, czerwony na czerwonym i czarny na czarnym - stanowią centralną część rytmotwórczą całego projektu. Wokół tego centrum chaotycznie rozmieszczone są różne w nastroju, kolorze, fakturze i wielkości „dotyku” - miniatury. Ciekawe, że niektóre z tych prac są napisane na drukach, na przykład na zaproszeniach na wystawy sztuki. Artysta zdaje się „próbować” dotykiem różnych powierzchni, tych, które są mu pod ręką, także tych, które zostały stworzone i nasycone informacjami przed nim.
Projekt Vakulenki „Vibration Quadrum” został już zaprezentowany publiczności na ubiegłorocznym „Mystetsky Arsenal” oraz na poprzedniej indywidualnej wystawie artysty „Contemplation”. W tym roku malarz prezentuje dwa nowe tryptyki z tej serii - biały na bieli i złoty na szarym. W artystycznej wiedzy o świecie artysta posługuje się różnymi metodami, w tym suprematystyczną. Surowe piękno i harmonia kwadratów, po raz pierwszy zaśpiewane przez Kazimierza Malewicza, przyciąga również Vakulenkę. Ale w jego interpretacji kwadraty są wielobarwne i wibrujące. Łączą zamrożoną matematykę o wyraźnych proporcjach z żywą energią wibracji koloru i linii. W końcu to właśnie wibracja, zdaniem artysty, jest podstawą, uosobieniem życia jako takiego. Ponadto kwadraty Vakulenki mają również ukryte, ukryte znaczenie, widoczne dla oka tylko w świetle ultrafioletowym.
Kilka prac z cyklu „Kolorowe miasta”, tworzonych przez artystę na przestrzeni lat, prezentowanych jest na wystawie poświęconej urodzinom Kijowa w hołdzie dla ukochanego i rodzinnego miasta artysty. Pierwsze dzieło z tego cyklu „Zielone Miasto” napisał na początku lat 90., a dwa ostatnie powstały całkiem niedawno. Mimo ogromnego dystansu czasowego pomiędzy prezentowanymi pracami, łączy je wspólne symboliczne odczytanie tematu miasta. W miastach Vakulenko nie zobaczysz ludzi, nie rozpoznają znajomych konturów ani znanych budowli architektonicznych. Bardziej przypomina kolorowe „odciski” duszy lub charakteru miasta w różnych stanach i nastrojach. „Miasto to żywy organizm” – mówi Jurij Wakulenko. „Zmienia nastrój i kolor wiele razy dziennie. Jak osoba zmienia wyraz twarzy?
I jeszcze jedno „wyróżnienie” z dorobku twórczego artysty zostanie wystawione w Soviart. „Energetyczny portret dziewczyny znanej wszystkim”, autorska interpretacja wizerunku Giocondy wielkiego Leonarda, została stworzona przez artystę prawie 20 lat temu. W ubiegłym roku ta praca była z powodzeniem wystawiana w Paryżu, w tym roku ozdobi osobistą wystawę malarza w Kijowie.
Z zawodu konserwator, znawca dawnych mistrzów i antyków Jurij Wakulenko od 10 lat kieruje Narodowym Muzeum Sztuki Rosyjskiej w stolicy. Według Vakulenko kolekcja kierowanego przez niego muzeum jest trzecią w przestrzeni postsowieckiej po Galerii Trietiakowskiej i Muzeum Rosyjskim w Petersburgu. Nazywa siebie opiekunem rarytasów, bezcennych dzieł, a muzeum - domem muzealnym, bo w tym budynku znajdował się dwór rodziny Tereszczenko, w którym na galerię przeznaczono tylko dwie sale. Zaplecze z wiszącymi obrazami również przypomina salę muzealną - tutaj Jurij Wakulenko podzielił się ze Stolicą osobliwościami kuchni wewnętrznej muzeum, perspektywami oddziału i opowiedział, jak pomagają patroni.
- Czy można ocenić kolekcję muzeum w banknotach? Jakie są najlepsze prace?
- To trochę niepoprawne. Pod względem ceny praca jest mniej lub bardziej obiektywnie oceniana przez aukcję, ale prace tego poziomu, podobnie jak nasze, po prostu nie pojawiają się na aukcji. W muzeum znajdują się płótna, które mogą kosztować zarówno 10, jak i 50 mln euro.Tak właśnie jest, gdy sztukę można nazwać bezcenną, czyli bardzo drogą. Nawet przynależność obrazów do kolekcji renomowanego muzeum o rząd wielkości podnosi wartość dzieła. Jednak nie można ich posiadać - jest to własność państwowa. A każdy przedmiot, który nielegalnie opuszcza muzeum, trafia na listę poszukiwanych. Około 600 dzieł z naszego muzeum zostało wywiezionych przez Niemców w czasie wojny i nadal nie ma po nich śladów. Główne dzieła zostały wówczas ewakuowane - zniknęły głównie ikony i sztuka drugiej połowy XIX wieku. Spośród 13 tysięcy eksponatów około 5 tysięcy stanowi dziś perłę kolekcji. Najcenniejsze są dzieła artystów pierwszego rzutu - Shishkin (pięć znaczących dzieł, korona jego pracy), Vrubel, Aivazovsky, Vereshchagin, Vasnetsov, Repin.
- Z tych 13 tysięcy tylko 900 prac można zobaczyć w salach muzeum. Jak decydujesz, co chcesz pokazać szerokiej publiczności?
— Nasze muzeum ma już 92 lata, stała ekspozycja skrystalizowała się przez dziesięciolecia. Przy niewielkich zmianach (15-20 %), pozostaje stabilna. Zwiększamy ilość ekspozycji poprzez wystawy czasowe i częściowo zmieniamy ekspozycję, demonstrując 2-3 tys. eksponatów rocznie. Na przykład grafiki nie mogą być wyświetlane dłużej niż trzy miesiące, muszą „odpoczywać”. Organizujemy również rozbudowane wystawy bezpośrednio w halach, w tym roku z okazji 170-lecia Repina wzmocnimy jego halę własnymi arcydziełami. Ekspozycja ikon pozostaje niezmieniona - nasza niewielka, ale cenna kolekcja.
— Pewnie monitorujesz sytuację na światowym rynku sztuki. Jakie są obecne trendy w segmencie sztuki rosyjskiej?
— Dzieła artystów pierwszego rzutu cieszą się niesłabnącym powodzeniem. Może z wyjątkiem Vrubela, który mimo swojej płodności rzadko chodzi na aukcje. Dzieła pierwszego rzędu pojawiają się zaraz po opuszczeniu. Kryzys nie wpłynął na ceny, ich koszt mierzony jest w milionach i wzrasta o 10-20% rocznie. W ostatnim czasie ucierpiał segment prac artystów z lat 40. i 60. XX wieku, takich jak Siergiej Sziszko, Nikołaj Głuszczenko, a także autorów współczesnych. Do 2007 roku było nimi duże zainteresowanie zarówno na Ukrainie, jak iw Londynie w Nowym Jorku, ceny na prace rosły, a teraz nie jest na nie popyt. Wynika to z faktu, że głównymi nabywcami byli kolekcjonerzy rosyjscy i ukraińscy, którzy nie są teraz gotowi do wydawania pieniędzy. W końcu kolekcjonowanie wymaga ciszy, spokoju i stabilności.
— Czy przeprowadzane są ekspertyzy dzieł z kolekcji muzealnej?
— Obraz trafia do muzeum z reguły ze znanych źródeł. Badamy niektóre prace, dokonujemy reatrybucji, jeśli nie jesteśmy pewni autorstwa artysty. Nie prowadzimy ekspertyz technologicznych, bo nie ma takiej możliwości - tylko badania naukowe. Zbiory wszystkich muzeów zawierają różne dzieła i nie można twierdzić, że wszystkie są oryginałami. Na przykład słynny kolekcjoner David Sigalov przekazał nam około 400 dzieł, a tylko jedna trzecia z nich to bezwarunkowe oryginały, podczas gdy muzeum przechowuje wszystko. Jednak główny fundusz zawiera eksponaty, które mają wyraźne oznaczenie, pochodzenie i wszystkie niezbędne cechy wartości muzealnej.
W jakim stanie są prace? Czy wymagają renowacji?
— Mamy bardzo stabilny stan kolekcji. Przez 10 lat w mojej pamięci ani jedna praca nie popadła w ruinę. Muzeum posiada grupę konserwatorską, która okresowo bada prace. Uważa się, że co pięć lat dzieło może wymagać renowacji. Niektóre prace z kolekcji przenosimy do formy wystawienniczej: powielamy je na nowej podstawie, usuwamy deformacje, aby można je było pokazać - na nowych wystawach lub zaktualizowanej ekspozycji.
- Od 2009 roku muzeum posiada filię - Dom Czekolady. Dlaczego nie pokazujecie tam prac z kolekcji?
— W tej chwili nie ma koniecznych warunków bezpieczeństwa, aby pokazać stałą ekspozycję z kolekcji. Jeśli w muzeum mamy siedem linii wartowniczych, to są tylko trzy – to za mało. Czekoladowy dom odziedziczyliśmy jako galerię sztuki dla dzieci, ale obecnie dla tego kierunku nie ma ładu społecznego. Dlatego przeformatowaliśmy go na centrum sztuki – organizujemy wystawy, koncerty, powoli podnosimy poprzeczkę i zmieniamy ideologię. Ale kierunek dzieci pozostał priorytetem. Chcemy stworzyć konserwatywno-nowoczesny ośrodek edukacyjny, kulturalny i artystyczny – rozbudować salę wykładową, działalność koncertową, bo wiele kreatywnych zespołów nie ma własnych miejsc na występy. Najważniejsze, że już o tym wiedzą. W dobrych czasach Dom Czekolady odwiedza ok. 11 tys. osób rocznie.
Jaki jest budżet i główne wydatki muzeum?
- Ogólnie budżet to ok. 4 mln hrywien. Są to media (ok. 1 mln hrywien), ochrona (ponad 700 tys. hrywien) oraz pensje dla 100 pracowników. Te chronione artykuły są finansowane przez państwo, chociaż część własnych środków przeznaczyliśmy już na opłacenie rachunków, bo inaczej możemy nie włączyć ogrzewania. W 2012 roku był już precedens: dwa tygodnie wcześniej zostaliśmy wyłączeni z powodu długów, pracownicy i goście zamarzali.
- Jaka jest pierwsza rzecz, na którą potrzebujesz środków na dzisiaj?
- Musimy naprawić budynek muzeum - stare szklane dachy, które znajdują się nad Salą Szyszkina i na których gromadzi się kondensat. Wymaga to około 1 miliona hrywien. Również w Domu Czekolady konieczne jest wykonanie dachu i fundamentu, na co potrzeba około 5 mln hrywien. Ponadto na instalację systemu alarmowego potrzebne są również pieniądze - około 700 tysięcy hrywien. A na własny koszt, biorąc pod uwagę dzisiejsze realia, chcemy wyposażyć muzeum w ufortyfikowany magazyn schronów przeciwbombowych.
- Jaka jest frekwencja w muzeum i jak wpłynęła na to sytuacja w kraju?
— Wszystkie muzea odnotowują zmniejszenie liczby zwiedzających nawet o 50%. W ubiegłym roku mieliśmy 70 tys. gości. W tej chwili mamy już około 42 tys. koneserów sztuki. Latem było więcej ludzi niż zwykle - sytuacja nieco się ustabilizowała i otworzyliśmy wystawę "W jednej przestrzeni". Nie zamykały się nawet zimą, z wyjątkiem dosłownie kilku dni, kiedy blokowały metro. W dobrych latach, na przykład, kiedy odbywała się rocznicowa wystawa Aiwazowskiego, muzeum odwiedziło 100 tysięcy osób. Jednak dla naszego muzeum, mieszczącego się w starym budynku, frekwencja jest limitowana - nie może zabraknąć więcej niż 120 tys.
- Teraz muzeum pokazuje obraz Anatolija Krivolapa. Co jeszcze zaplanowano na ten rok?
- 30 września otwiera się ciekawy projekt artysty o szczególnym kierunku satyrycznym Władysława Szereszewskiego, którego prace znajdują się również w naszych funduszach. W listopadzie przygotowujemy wystawę z okazji rocznicy Lermontowa, na której zaprezentujemy obraz Szyszkina „Na dzikiej północy” – jest to ilustracja do wiersza poety.
4 miliony hrywien to średni roczny budżet Kijowskiego Narodowego Muzeum Sztuki Rosyjskiej
— Jaki powinien być budżet ekspozycji muzealnej, aby odniosła sukces?
- Zrobiliśmy dobry prywatny projekt "Dwa wieki" wraz z wydaniem albumu. Jego budżet to około 100 tysięcy dolarów, to nawet sporo. Średnio 50-70 tysięcy hrywien wystarczy, aby przygotować wysokiej jakości projekt muzeum.
— Czy udział w projektach międzynarodowych jest dla muzeum opłacalny?
- Na podstawie składnika finansowego - tak. Otrzymujemy tantiemy. W szczególności jedna z zagranicznych tantiem została wykorzystana do publikacji „Kijów-Wrubel”. Z punktu widzenia popularyzacji to niewiele, praktycznie nie wpływa na uznanie za granicą i frekwencję w kraju. Pracowaliśmy głównie z instytucjami rosyjskimi, choć ostatnio pojawiły się problemy ze zwrotem eksponatów. Z tego powodu po wystawie Shishkina w Galerii Trietiakowskiej nie braliśmy udziału w kolejnych dwóch wystawach. Współpracujemy również z partnerami zachodnimi - Finlandią, gdzie planowana jest wystawa Szyszkina oraz krajami bałtyckimi. Projekt zagraniczny jest zwykle przygotowywany dość długo – dwa, trzy lata.
Czy masz osobistą kolekcję dzieł sztuki?
– Kiedy jeszcze pracowałem w Ławrze Kijowsko-Peczerskiej, miałem małą kolekcję o charakterze sakralnym – to symboliczne ikony św. Jerzego Zwycięskiego. Znając moją małą słabość, przyjaciele często mi je dają. Moja ulubiona ikona wisi w moim biurze - ten George przenosi się ze mną z biura do biura. Jakoś niespodziewanie zauważyłem ikonę w antykwariacie, powiedział moim znajomym. I niespodziewanie dali mi go na 40. urodziny. Ta rosyjska ikona z początku XIX wieku jest oryginalna, ponieważ George jest przedstawiany w połowie długości, podczas gdy zwykle jest on malowany albo w pełni wzrostu, albo na koniu. To mój rodzaj talizmanu. A tak przy okazji, tą ikoną poświęcono cerkiew Jerzego w pobliżu dworca kolejowego w Kijowie. Moje dorosłe dzieci zajmują się również zarządzaniem sztuką, organizowaniem aukcji, komunikowaniem się ze współczesnymi artystami i kolekcjonowaniem ich prac, a także prac artystów ukraińskich z lat 60. i 70. XX wieku.
Yuriy Vakulenko jest ukraińskim malarzem, znawcą antyków. Od 2004 r. dyrektor Narodowego Muzeum Sztuki Rosyjskiej. Studiował w Kijowskim Instytucie Sztuki (obecnie Narodowa Akademia Sztuk Pięknych i Architektury), gdzie ukończył jako artysta-restaurator. Pracował w centrum renowacji i badania Rezerwatu Kijowsko-Peczerskiego, którego został dyrektorem w 1995 roku. W 1988 roku utworzył stowarzyszenie artystyczne „39,2°”. Od 1990 roku wystawy indywidualne odbywają się na Ukrainie, we Włoszech, na Węgrzech iw Hiszpanii. Obrazy znajdują się w zbiorach muzealnych Rezerwatu Kijowsko-Peczerskiego, Narodowego Muzeum Sztuki Rosyjskiej, w kolekcjach prywatnych. Prace były wystawiane na aukcjach MacDougall's i Corners. Członek korespondent Akademii Nauki i Sztuki im. Pietrowskiego w Petersburgu, profesor nadzwyczajny Wydziału Ekspertyz Akademii Kultury, Czczony Pracownik Kultury.
W Jałcie w galerii „Pocherk” otwarto wystawę krymskiego artysty Nikołaja Murawskiego i kijowskiego malarza Jurija Wakulenko „Immersion in Beauty”.
Ogólnie obaj autorzy zaprezentowali publiczności 20 dzieł, które niedawno stworzyli.Według organizatorów wystawy Przyjaciele i ludzie o podobnych poglądach w życiu Jurij Wakulenko i Nikołaj Murawski kontynuują swój „duchowy dialog” we wspólnym projekcie.
„Twórczy tandem tych dwóch mistrzów na pierwszy rzut oka wydaje się nieoczekiwany, a nawet paradoksalny: w końcu artyści mają zupełnie inne charaktery i drogi twórcze, pracują w różnych gatunkach, każdy ma jaskrawo indywidualny, wyjątkowy styl. Nikołaj Murawski to marzyciel i esteta z Jałty, filozof, człowiek pogrążony w kreatywności głową i żyjący tylko nią, subtelny portrecista o wyrafinowanej, niemal jubilerskiej technice, zamyślony, intelektualny mistrz, przepracowujący swoje płótna, by najmniejsze niuanse. Jurij Wakulenko to człowiek-płomień, który zarządza wszystkim i wszędzie: kieruje stołecznym muzeum sztuki rosyjskiej, angażuje się w ekspertyzę i renowację, błyszczy na stołecznych przyjęciach i, oczywiście, pisze – i pisze tak, jak żyje: emocjonalnie , żywo i pomysłowo, wsłuchując się w jego intuicję i tworząc na płótnach nowe, często fantastyczne światy” – wyjaśniali organizatorzy.
Według historyków sztuki, dwóch takich odmiennych mistrzów na jednej płaszczyźnie twórczej połączyło „estetyzm, wspólne pragnienie duchowej harmonii, wzniosłych ideałów, poszukiwanie prawdziwego, czystego piękna, nienaruszonego przez nikogo i nic, bez grama fałszu, bez domieszki pieniędzy i bez posmaku naszej cynicznej epoki”.
„Jurij Wakulenko odkrywa duchową harmonię w krymskiej naturze - dyskretnie kwitnącym krzewie, przywiązanym do królewskiej ścieżki lub w zarysach gór, odbijających błękit morza i nieba. Mistrz inspiruje się także małymi, prawie niezauważalnymi dla wszystkich poza nim, krymskimi pięknościami: tajemniczymi lampionami, które rysują kolorowe wzory na jałtańskich cyprysach i zatoce Sewastopolu, czy w mieniącej się plamami fontannie na dziedzińcu słynnej jałtańskiej willi” Elena”. Ciekawe, że wszystkie prace Vakulenki z cyklu graficznego prezentowanego na wystawie to wieczorne lub nocne pejzaże. W nich mistrz bawi się kontrastami kolorystycznymi - od niebiesko-czarnej zasłony ciemności po jaskrawoczerwone emisje świateł wielkiego miasta - tak charakterystyczną dla krymskich letnich nocy. Nikołaj Murawski w swoich grafikach oddaje także hołd dyskretnemu pięknu krymskiego kwiatu. Jednak bohaterem jego serii graficznej jest ludzkie ciało. Muravsky szuka w nim perfekcji - w mocnych krzywiznach kobiecego torsu i niemal hellenistycznych męskich profilach. Artysta preferuje nagą, kobiecą naturę, ale tworzone przez niego obrazy nie są wulgarne, nie są nawet jawnie seksualne. Grafiki Muravsky'ego pokazują najwyższy profesjonalizm rysownika. Jego linie są pełne wdzięku, precyzyjne i renesansowe. W niemal monochromatycznych szkicach mistrz tworzy wrażenie najdrobniejszych niuansów koloru, nastroju i kompozycji. Nie ma w nich nic zbędnego, nic, co odwracałoby uwagę od najważniejszej rzeczy - „odsłaniania” duszy, dążenia do harmonii i piękna - podsumowali eksperci.
