Podstawowymi zasadami, które stanowiły kręgosłup najwyższej władzy w starożytnym Egipcie, były nietykalność i niezrozumiałość. Od samego powstania państwa egipskiego decydowali o ubóstwieniu jego suwerennych władców - faraonów. Ich nieograniczona władza opierała się na bogactwie ziemi i wyzysku ogromnych mas niewolników. Już w 5 tysiącleciu p.n.e. pojawiają się szczątkowe formy władzy państwowej, aparat ucisku stworzony w interesie wyłaniającej się klasy właścicieli niewolników. Już wtedy domostwa przywódców plemiennych zaczęły wyróżniać się między innymi wielkością, a groby wykładano cegłami w miarę opanowywania tego materiału. Ponadto grób wodza był prostokątny, natomiast zwykłych członków gminy chowano w zwykłych owalnych dołach. Szczególną uwagę zwrócono na projekt grobu wodza, ponieważ wierzono, że „wieczne” istnienie jego ducha zapewnia dobrobyt całemu plemieniu. W Hierokonpolis znaleziono taki grób wodza, którego gliniane ściany były już pokryte malowidłami. W procesie formowania się społeczeństwa klasowego i formowania zjednoczonego
państwa niewolniczego rola faraona stopniowo wzrastała. W ten sposób społeczeństwo egipskie przeszło od tradycji czczenia przywódcy plemienia w okresie przeddynastycznym do całkowitego ubóstwienia jego władcy w Starym Królestwie. Faraon w starożytnym egipskim społeczeństwie był uważany za wikariusza Boga w ciele i dlatego otrzymał oficjalny tytuł „dobrego boga”. W późniejszych czasach zwyczajowym imieniem faraona było takie określenie jak „silne cielę”, na cześć jednego z najbardziej czczonych zwierząt w Egipcie - byka. Duchowni nauczali: „Bójcie się grzeszyć przeciwko Bogu i nie pytajcie o jego obraz”. Na chwałę królów, na chwałę niewzruszonych i niezrozumiałych idei, na których oparli swoje despotyczne rządy, stworzono także sztukę egipską. Pomyślany był nie jako źródło przyjemności estetycznej, ale przede wszystkim jako wyrażenie w niesamowitych formach i obrazach tych samych idei i mocy, jaką obdarzony był faraon. Sztuka zaczęła służyć interesom szczytu państwa niewolniczego i jego głowy, powołano ją przede wszystkim do tworzenia pomników gloryfikujących królów i poznania niewolniczego despotyzmu. Dzieła takie, z racji swego przeznaczenia, musiały być wykonywane według pewnych reguł, co przyczyniło się do powstania kanonów, co stało się hamulcem dalszego rozwoju sztuki egipskiej.
W 2015 r. Saratów był gospodarzem międzynarodowej konferencji naukowej i praktycznej na temat „Sztuka i władza”, w ubiegłym roku opublikowano zbiór raportów.
Na tle artykułów a la Raikin: jak wówczas artyści cierpieli z powodu totalitaryzmu, a jak teraz cierpią z powodu „cenzury” i „stanu nekrofilnego”, nieoczekiwanie zabrzmiał raport jednego z komunistycznych artystów (z Komunistycznej Partii Federacji Rosyjskiej). przyjemne. Krótko i na temat, jak strzał w środku marudzenia.
Przedstawiam go tutaj w całości, rozrzedzony ilustracjami.
Zhivotov Giennadij Wasiliewicz
Profesor, Honorowy Artysta Federacji Rosyjskiej
Rosyjski Państwowy Uniwersytet Humanistyczny
Artysta i władza: retrospektywa historyczna
Twierdzę, że nie ma historii sztuki, ale historia klienta.
Wszyscy podziwiamy wielkich rzeźbiarzy starożytnej Grecji i wydaje nam się, że to oni zrodzili grecki cud. Ale jakoś zapominamy, że w tym czasie całe miasto dyskutowało o posągu, a imię Fidiasza jest nierozerwalnie związane z imieniem Peryklesa. Gdy tylko grecka polityka popadła w ruinę, sztuka grecka również poszła na marne i żaden nowy Fidiasz, nawet jeśli był co najmniej tysiąc razy bardziej uzdolniony niż ich wybitni przodkowie, nie mógł stworzyć czegoś takiego. Związek między sztuką a władzą, między sztuką a państwem jest znacznie silniejszy, niż nam się czasem wydaje.
Nie będziemy rozważać administracyjnych i penitencjarnych przejawów władzy: więzień, policji, sądów i tak dalej. Dla nas w państwie najważniejsza jest jego ideologia, jego najwyższe znaczenia, a ja chciałbym zatrzymać się na tym, co najważniejsze: relacji między ideologią a sztuką.
Kościół był w średniowieczu najważniejszym przedstawicielem ideologii państwowej. Kościół był siłą napędową tworzenia największych arcydzieł, nie da się temu zaprzeczyć. W okresie renesansu odbiorcami wielu wielkich artystów były zarówno władze kościelne, jak i świeckie. Wystarczy przypomnieć rodzinę Medyceuszy, do której należał władca Florencji Lorenzo Wspaniały i kilku papieży. A obok są imiona Leonarda da Vinci, Michała Anioła, Rafaela.
Innym uderzającym przykładem jest Imperium Napoleońskie. Świetna sztuka, wspaniałe nazwiska. Potem wszystko to upadło, a do władzy doszła burżuazja, która wszystko zwulgaryzowała. Giełda Van Gogh, Cezanne, Monet tworzyła z nich mity, zawieszała na nich etykiety i metki.
W Rosji nigdy nie było burżuazji w pełnym tego słowa znaczeniu. Od wieków sztuka rosyjska była nierozerwalnie związana z prawosławiem. Ale od czasów Piotra I dominacja Zachodu zaczęła się w sztuce świeckiej. W końcu czym jest Ermitaż? Są to prace artystów holenderskich, francuskich, włoskich i innych artystów europejskich zebrane przez Katarzynę II. Nawet słynna galeria portretów dowódców z 1812 roku jest rozkazem państwowym! został stworzony przez angielskiego artystę Dow.
Ale w XIX wieku Tretiakow pojawił się w Rosji. I tej osobie - klientowi prywatnemu - zawdzięczamy rozkwit sztuki rosyjskiej. Państwo, w osobie cara i wielkich książąt, zrealizowało to i kilka lat po otwarciu Galerii Trietiakowskiej założyło Muzeum Rosyjskie. Oprócz Semiradskiego państwo zaczęło popierać Surikowa, jego ideę państwowo-cesarską. „Podbój Syberii Ermaka”, „Przejście przez Alpy Suworowa” – te obrazy Surikova kupił cesarz. Głównym powiernikiem Muzeum Rosyjskiego był Wielki Książę.
Nowa era rozpoczęła się w XX wieku. Zachodnia elita liberałów i generałów w lutym 1917 roku obaliła monarchię i kontynuując I wojnę światową ku uciesze swoich patronów z Ententy, zniszczyła państwo w sześć miesięcy. Stare fundamenty zostały zniszczone, ale po październiku 1917 r. rząd sowiecki natychmiast zaczął projektować nowe. Wydawałoby się, że jeszcze nie ma państwa, dopiero zaczyna się wyłaniać, ale już jasno sformułowało swoje zadania: plan monumentalnej propagandy, rewolucji kulturalnej. Nie ma komórek administracyjnych, ale ideologia została już stworzona. Rezultatem był bezprecedensowy wzrost popularnych energii, których szczytem są największe nazwiska i największe arcydzieła. Była to epoka nie szkół, ale objawień. Za symbol tamtej epoki można uznać rzeźbiarza Dmitrija Filippovicha Tsaplina, rosyjskiego chłopa z prowincji Saratów.
Ale stopniowo rewolucyjny element wkroczył na granitowe brzegi „Wielkiego Stylu” epoki stalinowskiej. Powstała silna, dobrze naoliwiona wertykalna relacja między artystami a rządem. Nie wszyscy artyści rewolucji pasują do tego systemu, ale wielu z nich „uczesało włosy” i stało się realistami. Ogromną rolę zaczęły odgrywać szkoły akademickie. Uczyli znakomicie, a do wybuchu Wielkiej Wojny Ojczyźnianej w Związku Radzieckim przygotowani byli znakomici artyści. Ostatnio, robiąc rysunek na Dzień Zwycięstwa, przeglądałem albumy i zobaczyłem obraz Piotra Krivonogova: salut na cześć zdobycia Reichstagu. To jest niesamowite! Ale dziś niewiele osób pamięta tego artystę z pracowni Grekov, który całą wojnę przeszedł w wojsku.
Dobrze, że nie zapomniano o nazwisku Arkady Plastov. Stalin zabrał ze sobą obraz „Faszystowski lot” na konferencję w Teheranie. Płastow był akademikiem, uznanym mistrzem, a jednocześnie był głęboko zakorzeniony w ludziach, śpiewał o wsi w jej pracach i świętach.
Gierasimowowie Aleksander i Siergiej, Borys Joganson, Aleksander Łaktionow to wielkie nazwiska socrealizmu. Ideologia była jasna, państwo jasno wyrażało swoją wolę.
Ioganson Borys Władimirowicz,Budowa ZAGES
Laktionov Alexander Ivanovich - Kadeci publikują gazetę ścienną
Tak było we wszystkich rodzajach sztuki - wymieńmy tylko triadę wielkich nazwisk kina radzieckiego: Siergiej Eisenstein, Grigorij Aleksandrow, Iwan Pyriew. Sztuka radziecka stworzyła obrazy-sny: zarówno "Pilotów przyszłości" Deineki, jak i "Kozaków Kubańskich" Pyryeva - aby bajka stała się rzeczywistością...
Ale wraz ze śmiercią Stalina, a zwłaszcza po przemówieniu Chruszczowa na XX Zjeździe Partii z jego „obnażeniem kultu jednostki”, nastąpił szok, upadek świątyń. Rozpoczęła się „odwilż”. Pojawił się „surowy styl” - Nikonow przedstawił nieszczęsnych geologów umierających w górach, Popkov zaczął dużo mówić o wiosce, o jej cierpieniu itp.
Ponadto nawet w epoce stalinowskiej metoda brygadowa pojawiła się w sztuce. Zjazdy były losowane przez brygady, a wszyscy otrzymywali premie. A później, podczas „odwilży”, a później, w erze Breżniewa, rozpoczęła się era dużych zamówień państwowych, co oznacza duże pieniądze. Artyści tworzyli dobre dzieła sztuki, ponieważ byli dobrze wyuczeni. Ale duże pieniądze dały początek klanom: nie zawsze dostęp do zakonu mieli ci, którzy byli bardziej utalentowani.
Nie oznacza to, że państwo sowieckie nie wspierało innych artystów. Przypomnijmy sobie, jak organizowało się życie w Związku Artystów: powstawały komisje – morskie, sportowe, wojskowe itp. Artyści byli wysyłani do wszystkich punktów Związku Radzieckiego jako rodzaj desantu: na wielkie place budowy, na posterunki graniczne, do arteli rybackich, na wiejskie odludzie. I malowali obrazy na miejscu. Tak przez całe życie pracował mój przyjaciel Giennadij Efimoczkin, w wieku Moskiewskiego Związku Artystów. Niewygodnie jest pisać na dużym płótnie gdzieś na skale nad Angarą, a on malował małe szkice. Na podstawie tych akwareli maluje od dwudziestu lat, odtwarzając obraz sowieckiej Atlantydy... I to jest cudowna sztuka. Efimoczkin będzie malował swoje obrazy do ostatniego tchu, ponieważ jest w stanie wojny – trwającej wojny obrazów. Kiedyś przegraliśmy decydującą bitwę tej wojny i straciliśmy naszą ojczyznę - Związek Radziecki.
Ale wojna się nie skończyła, choć wielu nawet o tym nie myśli. A wcześniej, w czasach sowieckich, myśleli o tym artyści? Kiedy szukałeś klienta wśród zagranicznych dyplomatów i biegałeś po ambasadach, pomyślałeś o tym? A kiedy przyjaciele zostali zaproszeni na „wystawy spychaczy”, o czym myśleli? Spojrzeliśmy na Zachód - stamtąd przefiltrowane przez Polskę, Węgry czasopisma, tam prześlizgnęła się tzw. "sztuka nowoczesna" w osobie Warhola, Pollocka, Beuysa i innych. Marzyli o Montmartrze, zapominając, że Montmartre jest rajem dla zubożałych artystów. W Związku Radzieckim marzyli o tym artyści, mając jedzenie, warsztaty, zamówienia i tak dalej.
Dlaczego się to stało? Faktem jest, że jest walka znaczeń, ale jest walka obrazów. W walce znaczeń byliśmy znacznie silniejsi niż Zachód, nasz rząd myślał przede wszystkim o znaczeniach. A obrazy dla nas w tamtym czasie stworzyło… Hollywood. W tym samym czasie sowiecka cezura pozwoliła na ukazanie się najlepszych filmów amerykańskich, francuskich i włoskich. I człowiek miał wrażenie: „Przecież nie pokazują nam wszystkiego, a najlepsze chyba nie pokazują. A tam, na Zachodzie, jaka sztuka, jakie kino!
Hollywood stworzyło i nadal tworzy obrazy cywilizacji amerykańskiej, rozprowadzając je na całym świecie. I okazują się silniejsze zarówno od amerykańskiej armii, jak i amerykańskich sankcji. A teraz, po najbardziej patriotycznych transmisjach, w naszej telewizji regularnie pojawiają się amerykańskie filmy. Powstaje pytanie: czy nasze państwo ma dziś ideologię?
Od odpowiedzi na to pytanie zależy przyszłość naszej sztuki, bo, jak powiedziałem, nie ma historii sztuki, ale historia klienta.
Prosty i oczywisty pomysł. Nic do dodania. I jak wielu by się nie chciało, ale bez ideologii nigdzie. Wszystko zaczyna się od niej i bez niej wszystko się kończy.
W międzyczasie, przypominam, jego ustanowienie na poziomie państwowym jest zabronione przez Konstytucję Federacji Rosyjskiej ...
Aleksander Aleksandrowicz Wlaskin
Polityczne motywy sztuki
Twórczość artystyczna, wyrażanie siebie, a także działalność polityków mają ogromny wpływ na społeczeństwo. Wiele mówiono i pisano o ścisłym związku sztuki z polityką, związek ten utrwalił się w czasach starożytnych, kiedy rzeźbiarze i artyści tworzyli bohaterskie wizerunki władców, odzwierciedlały ich wyczyny i zwycięstwa. Później sztuka zaczęła nie tylko chwalić, ale także potępiać, oczerniać pewne postacie czy ideologie. Jakie są motywy polityczne sztuki, ci, którzy ją tworzą?
Politycy tworzą historię, pozostają w niej, tak jak artyści i pisarze starają się w niej pozostać... Autorzy nie tylko przedstawiają świat dla potomnych, ale także przyczyniają się do kształtowania nowoczesności, oceniają i przedstawiają swoją wizję. Jednocześnie oba procesy są zaangażowane politycznie, bo to, co budzi zainteresowanie opinii publicznej, jest korzystne dla tych, którzy chcą zdobyć władzę.
Kultura masowa, postęp w dziedzinie przekazu informacji, pojawienie się globalnych środków komunikacji, a także dominacja klipowego modelu świadomości – wszystko to w znaczący sposób wpłynęło zarówno na sztukę, jak i politykę. Właściwie współczesnemu człowiekowi trudno jest ukryć się przed propagandą, propozycjami różnych opinii, a sztuka może ubrać niektóre ideologie w popularną i modną formę.
Sztuka współczesna sama w sobie wpisuje się w paradygmat estetyczny i etyczny, materializuje ducha czasu w niektórych dziełach, dlatego nie pozostaje na uboczu od tematów aktualnych.
Sztuka współczesna dąży do kształtowania mody, moda wpływa na styl życia i światopogląd społeczeństwa konsumpcyjnego. Autor z kolei może angażować się w artystyczne etykietowanie, demonizować jednych i wywyższać innych, a część odbiorców przyjmuje jego poglądy, nawet nie zainteresowana polityką jako taką. Skoro sztuka współczesna jest często protestem, buntem autora, odpowiedzią na ustalone normy, stereotypy, sprawdzianem moralności publicznej, to cechuje ją także opozycja polityczna. Postacie sztuki współczesnej w różnych okresach historii były śpiewakami i artystami rewolucji, choć niektórzy później zrozumieli tragizm takiej drogi. Jednak sztuka współczesna w Rosji jest obecnie częściowo wykorzystywana jako narzędzie polityczne.
Interwencja sztuki współczesnej i postsowiecka Rosja
Majakowski, który w swoim czasie był autorem prowokacyjnym i postępowym, mówił o „policzku wymierzonym w gusta społeczeństwa”. Pod koniec XX wieku klapsy przekształciły się w serię ciosów, w rodzaj prowokacyjnej rywalizacji.
Okres pierestrojki, a później lat 90., charakteryzuje się tym, że wielu skandalicznych autorów otrzymało rodzaj „przepustki terenowej” we wszystkie sfery społeczeństwa. Konkurs permisywizmu zaowocował dziesiątkami wystaw, wydarzeń, spektakli, gdzie obniżono poprzeczkę moralną, nastąpił atak na tradycyjne, konserwatywne podstawy i wartości.
Przełomowe wydarzenie, o którym mówi Vladimir Salnikov, stało się bardzo charakterystyczne: „Sama sztuka lat 90. narodziła się 18 kwietnia 1991 roku, kiedy grupa Anatolija Osmołowskiego „These” przedstawiła słowa swoich trzech listów swoimi ciałami na Placu Czerwonym. ”
Jednym z symboli umacniania się i rozpowszechniania nowych podejść był nagi Oleg Kulik, który wcielił się w postać psa. Prehistoria tego aktu, który zyskał uznanie na całym świecie, jest również wskazówką - artysta „został psem” z głodu. Po prostu przekazał krytykom to, co z powodzeniem zaprezentowali społeczeństwu zachodniemu, ale co pozostało dzikie dla Rosji.
Pomimo tego, że większość obywateli nadal trzymała się konserwatywnych poglądów i była daleka od studiowania subtelności historii sztuki, w umierającym Związku Radzieckim uformowała się duża i żywa społeczność nieformalnych. Z nieformalnego środowiska wyłoniło się kilkudziesięciu artystów, poetów, muzyków, którzy w okresie permisywności i zachęty do wychodzenia poza ramy moralne otrzymali nieograniczoną możliwość twórczych eksperymentów.
Nowa sztuka, która otrzymała pewną carte blanche i była wspierana nagrodami, nie mogła przeformatować świadomości starszego pokolenia, ale mogła mieć bardzo poważny wpływ na młodych ludzi, zwłaszcza przy braku państwowych programów w tym zakresie.
Podobnie jak jasne, ale sztuczne i często szkodliwe produkty, po pierestrojce do naszego kraju wpłynęły również próbki sztuki zachodniej, które wcześniej nie były szeroko stosowane, ale zaczęto nazywać zaawansowanymi i postępowymi. Oto abstrakcyjność, dążenie do wyparcia realizmu i egzystencjalnych doświadczeń, depresyjności, zaprzeczanie kanonom i eksperymenty z ciałem zamiast zgłębiania duszy. I taki produkt uprawiano, podobnie jak uprawiano gumę do żucia czy alkohol.
Istnieją jednak dziesiątki przykładów dzieł i autorów, którzy nie wywarli destrukcyjnego wpływu na społeczeństwo, ale pewne precedensy można uznać za służące prozachodnim interesom politycznym. Na przykład postać profesjonalnego stratega politycznego Marata Gelmana, który został dyrygentem sztuki współczesnej. Aktywnie uczestniczył w życiu politycznym kraju w latach 90. i na początku 2000 r., ale po serii skandali, gdy jego wystawy zostały nazwane obraźliwymi i naruszającymi fundamenty rosyjskiego społeczeństwa, ogłosił ograniczenie rynku sztuki współczesnej w Rosji i później przeniósł się do Czarnogóry, aktywnie krytykując politykę Władimira Putina.
Nazwał się działaczem politycznym i Aleksandrem Brenerem. Zyskał sławę, pojawiając się w niektórych miejscach nago, tłumacząc to różnymi podtekstami. Jedną z jego najbardziej pamiętnych akcji był pokaz na placu egzekucyjnym Placu Czerwonego w rękawicach bokserskich z wyzwaniem do walki ówczesnego prezydenta Borysa Jelcyna. To prawda, że w tym przypadku Brener wciąż był w krótkich spodenkach.
W procesach promowania nowej i niezrozumiałej kreatywności na pierwszy plan wysuwają się menedżerowie sztuki i właściciele galerii, co może przyczynić się do rozwoju i dobrobytu autora. Wysyłają również prośby o jego działalność, wnoszą w razie potrzeby składnik polityczny w kolejności lub wyborze utworów.
Na początku XXI wieku w Rosji rozwinęła się społeczność, która zajmowała się nie tyle sztuką klasyczną, co prowokacyjnymi eksperymentami. Dotyczyło to sztuk wizualnych, kina i teatru. Zaczęto podnosić do normy sztukę depresyjną, która neguje autorytet i gardzi klasycznymi kanonami. Przywodzi na myśl także „Norma” Vladimira Sorokina, kultowego pisarza, który zyskał popularność dopiero na przełomie wieków. Nie bez powodu jego prozę nazwano „ekskrementalną”, ponieważ wiele uwagi poświęcono ekskrementom.
Cechy pozycjonowania sztuki współczesnej
Oczywiście nie wszyscy autorzy i właściciele galerii realizują cele polityczne i zwiększają swoją popularność poprzez prowokacje. Na przykład znany właściciel galerii Siergiej Popow mówił o wycinaniu ikon i innych kpinach na wystawach: „Zareagowałem wyjątkowo negatywnie na wystawę„ Ostrożność, religia ”- była to prowokacja w najczystszej postaci. I wywołało to bardzo złą reakcję konserwatywnej publiczności na sztukę współczesną, wciąż zbieramy owoce takich idiotycznych działań. W ramach prowokacji sztuka może być prezentowana tylko w krajach, w których jest na to gotowa. Ale artyści nie mają prawa do zabijania świń i pokazywania wizerunków nagich kobiet w krajach, w których obowiązuje szariat – zostaną za to ścięci. A w Rosji nie można organizować prowokacji na tematy religijne, nie biorąc pod uwagę kontekstu kraju.
Prowokacja nie jest więc warunkiem koniecznym dla sztuki współczesnej. To bardziej wybór, świadomy i umotywowany wybór. Ci, którzy dokonali tego wyboru, często stają się uczestnikami nie tylko artystycznych, ale i politycznych procesów, narzędziem w rękach politycznych technologów.
Akcjonizm stał się ważną cechą okresu postsowieckiego. Jeden z czołowych artystów, Anatolij Osmołowski, tak opisał to zjawisko: „W społeczeństwie niewrażliwym na sztukę artysta musi uderzać w głowę mikroskopem, zamiast obserwować w niej pożyteczne bakterie. Społeczeństwo w Rosji nie jest wrażliwe na sztukę, dlatego nasi artyści od lat 90. praktykują bezpośrednie wejście w społeczeństwo - są to działania, interwencje.
Akcjonizm, będący wyjściem z utartych przestrzeni artystycznych, jest także bliski polityce, a szereg działań ma wydźwięk polityczny. Ten rodzaj działalności przyciąga również media, które aktywnie emitują jasne i prowokacyjne akcje. Wraz z rozwojem Internetu, klipy i eventy wirusowe stają się popularnym produktem, który dociera do szerokiego grona odbiorców. To niewątpliwa zaleta wykorzystania sztuki współczesnej do promowania pożądanej ideologii.
Dziennikarze przenieśli akcjonizm, który często podpada pod artykuł Kodeksu Karnego Federacji Rosyjskiej dotyczący chuligaństwa, na nowy poziom popularności. Dziwne samo w sobie jest to, że akcja grupy Voina z przewróceniem radiowozu była ogólnie nazywana aktem artystycznym. Ale grupa ta otrzymała również w 2011 roku prestiżową Nagrodę Państwową Kandinsky'ego, ustanowioną przez Ministerstwo Kultury za akcję z rysunkiem członka na moście zwodzonym naprzeciwko gmachu FSB w Petersburgu.
Obecni „rozrabiacze”, którzy realizują ideologicznie destrukcyjne przesłanie - artysta Pavlensky, „Pussy Riot”, „The Blue Rider”, wcześniej - grupa artystyczna „Voina” - wszyscy rozwijali się właśnie pod wpływem stylu lat 90., zachęta do pobłażliwości, która stała się synonimem wolności. I takie przykłady można nazwać jedną z broni wojny informacyjnej. Tak jak pod koniec lat 80. rock and roll stał się bronią przeciwko komunizmowi i „sowietowi”. Co prawda, w przeciwieństwie do hymnów rockowych, czynności rysowania ogromnych fallusów czy owijania drutem kolczastym nie zyskują tak dużej liczby fanów.
Polityczny wydźwięk Brenera czy prowokacje Ter-Oganyana, który tnie ikony siekierą, zastąpiła orgia grupy artystycznej „Voina” w muzeum, tańcząca w świątyni, ale istota pozostała ta sama – autor zyskuje sławę (choć skandaliczną) i cytowanie, a potencjalnego klienta lub patrona - polityczną metaforę dostępną dla mas, którą można aktywnie wykorzystać w przyszłości.
Według artysty Nikasa Safronowa dziś około stu osób decyduje o polityce całej sztuki na świecie i nie ma znaczenia, czy można rysować, czy nie. Jeśli masz charyzmę, jeśli skłoniłeś ludzi do mówienia o sobie, może to już być częścią sztuki.
Zderzenie prowokatorów i konserwatyzmu
W rzeczywistości, jak powiedziało wielu ekspertów, w tym A. Konczałowski w swoim słynnym wykładzie o sztuce współczesnej, cel prowokowania często zastępuje umiejętności artystyczne, co widać na sztandarach gatunku.
Wraz z umacnianiem się nastrojów konserwatywnych, wraz z umacnianiem się patriotyzmu obywatelskiego i państwowości w ogóle, swobodne poczynania artystów prowokatorów zaczęły spotykać się z coraz większą krytyką.
Na początku nowego stulecia w teatrze, literaturze i sztukach wizualnych okrzepła moda postmodernistyczna, a obrany konserwatywny kurs państwa doprowadził do zderzenia zainteresowań i upodobań w środowisku artystycznym. Niektórzy starali się pokazać coś, co wymagało dodatkowych wyjaśnień, coś, co w dużej mierze powtarzało zachodnią tradycję sprzed dziesięciu, dwudziestu i trzydziestu lat. Jednak zasady terapii szokowej w sztuce, spopularyzowane jednocześnie z zastosowaniem terapii szokowej w gospodarce w odniesieniu do całego kraju, nie zniewoliły większości obywateli. Oburzające, aroganckie, niejasne, wyzywające, czasem agresywne i przygnębiające - wszystko to pozostało obce. Zdając sobie z tego sprawę, dyrygenci takiej sztuki zaczęli upierać się przy elitarności swojego produktu, na tym, że jest tylko dla elity, wykształconej i wysoko rozwiniętej. Ten podział stał się jednym z czynników konfliktu. Ta cecha objawiła się już nie raz w historii Rosji, ale nie wszyscy wyciągają wnioski. Ludzie nazywani są bydłem, szarą masą, pikowanymi kurtkami i tak dalej. Odrębne epitety są przyznawane społeczności prawosławnej, która została zarejestrowana jako „obskurantystyczna”. Dzięki takiemu podejściu mała grupa odgradza się, a także odcina możliwość szerzenia popularności wśród ogółu społeczeństwa, nazywając swój produkt „sztuką nie dla mas”. Weźmy na przykład sztukę „Borys Godunow” Bogomołowa, gdzie na scenie teatru akademickiego z nutą nowoczesności prezentowana jest sytuacja u władzy, a na telebimach przewijają się tytuły „Ludzie to głupie bydło” i dalej.
Podążanie za tradycjami i zasadami dla jednej części społeczeństwa jest przedstawiane jako coś wstydliwego i zacofanego, i jest to jedno z ważnych zadań rosyjskiej ideologii liberalnej. Obraz „księdza kradnącego” pojawia się w filmach („Lewiatan”), piosenkach („Multi-Move” Wasyi Obłomowa) i na scenie („Borys Godunow”). Wszystko to wygląda na rozwój jednego nurtu, a najskuteczniejszym lekarstwem na to wydaje się stworzenie alternatywnego produktu artystycznego o orientacji masowej. Doskonałymi przykładami w tej dziedzinie są film „Wyspa”, książka „Unholy Saints” itp.
Być może najbardziej donośnym konfliktem prowokacji i konserwatyzmu była niedawna sytuacja z operą Tannhäuser, a także skandale wokół wystawy Zakazana sztuka w 2006 roku. Tutaj możemy już mówić o zderzeniu pojęć politycznych, liberalizmu i westernizmu z opieką, kiedy następuje celowy destrukcyjny wpływ na przedmioty i przedmioty kultu religijnego.
Kościół i prawosławie w ogóle stają się jednym z celów artystycznej prowokacji, którą można nazwać sposobem wpływania na narodowe archetypy. Są to słynne katedry niebieskich lewatyw, wycinanie ikon i tak dalej.
To prawda, że sztuka współczesna może wpływać na politykę w bardziej bezpośredni sposób. Ta sama sztuka „Borys Godunow” jest karykaturą obecnego rządu z wizerunkami zarówno prezydenta, jak i patriarchy. Są też spektakle w „niezależnym” Theatre.doc, gdzie pojawiły się sztuki Berlusputin, Afera Bołotnaja, ATO, a teraz przygotowują sztukę o ukraińskim reżyserze Sencowie, skazanym za przygotowywanie aktów terrorystycznych na Krymie. Tutaj mamy do czynienia z obroną prawa do przeklinania na scenie, które nazywa się integralnym narzędziem artystycznym.
W tym samym czasie, gdy ten teatr zaczął mieć problemy z lokalem, w jego obronie aktywnie stanęły zarówno znane postacie kultury rosyjskiej, jak i zachodnie. Popularną techniką jest włączanie zagranicznych gwiazd kultury do programu politycznego. Stanęli w obronie „Tannhäusera” i tego samego Sentsova. Warto przypomnieć Madonnę, która na jeden z koncertów poszła z napisem „Russian Riot” na plecach, choć tak naprawdę nic o tym zespole nie wiedziała. Takie przykłady pokazują jedność celów politycznych i ogólne linie, którym gotowi są służyć reżyserzy, aktorzy i artyści.
Interesujące jest również obserwowanie wnikania w regiony upolitycznionej sztuki współczesnej. Liberałowie tradycyjnie cieszyli się małą popularnością na prowincji, a sztuka potrafi przekazać te tezy, które trudno wychwycić z ust przyjezdnych polityków. Doświadczenie w Permie z masowym wprowadzaniem nowoczesnej i niezrozumiałej sztuki na Ural nie było najlepsze. Apoteozą udziału polityki w tym procesie była wystawa Wasilija Słonowa, który w obrzydliwy i przerażający sposób przedstawił symbole olimpiady w Soczi. Ale produkcje teatralne są bardziej zrozumiałe, z ich pomocą łatwiej jest nadawać światopogląd. Dlatego Theatre.doc z przyjemnością jeździ, dlatego próbowali wystawić w Pskowie skandaliczną sztukę „Służąca w łaźni”, stąd w Tomsku pojawia się „Prawosławny Jeż”.
Do kolumn demonstrantów i protestujących dołączyło wiele osobistości kultury. Samo w sobie nie jest to nic nowego, ponieważ w sztuce zawsze było wielu buntowników, tylko obecna sytuacja rosyjska pozbawiona jest romantycznego rewolucjonizmu, jest to raczej monotonna gra o dysydencję, do której częściowo Grebenshchikov i inni dołączyli do utalentowanych ludzi przez większą część wieku emerytalnego. Cieszą się na ich widok przedstawiciele starej inteligencji, pamiętający jeszcze politykę kuchenną i self-publishing, ale młodzi ludzie jakoś nie są pod wrażeniem takich „liderów opinii publicznej”. Z młodych działaczy opozycji, oprócz postrzeganych nawet przez opozycję niejednoznacznie Tolokonnikova i Alyochinę, można wyróżnić muzyków Vasyę Oblomov i Noize MC, którzy jednak nie są tak radykalni.
Strażnicy w sztuce współczesnej
Wraz z siłami liberalnymi, które postrzegają nowoczesną, prozachodnią, postmodernistyczną sztukę jako swoje życiodajne środowisko, a także możliwość nadawania bliskiej im ideologii, pojawiało się coraz więcej twórców, a także związków twórczych, które: posługując się stylem awangardowym, pop-artem, bronić już wartości patriotycznych.
Modne dziedziny sztuki mogą i powinny być środkiem do wyrażania siebie i przekazywania niezbędnych tez dla protektorów, dla tych, którzy potrzebują niepodległej Rosji, szanującej tradycyjne wartości.
Przykłady politycznej ochrony w sztuce widać nie tylko w salach i galeriach, ale także na ulicach naszych miast. Wiele wystaw artystów wspierających politykę Kremla, a także spektakle tematyczne odbywają się w plenerze, przyciągając zarówno setki widzów, jak i dziennikarzy.
Osobno można zauważyć kulturę uliczną - street art, którego jednym z najpopularniejszych przejawów jest graffiti. W Moskwie i wielu innych miastach zaczęło pojawiać się coraz więcej patriotycznych graffiti, i to zakrojonych na dużą skalę, zajmujących setki metrów kwadratowych powierzchni.
Są też artyści, którzy czerpią inspirację z tematów patriotycznych i wizerunków przywódców kraju. Tak więc odkryciem w tej dziedzinie kilka lat temu był petersburski artysta Aleksiej Sergienko, który zasłynął z serii portretów Władimira Putina. Następnie stworzył szereg obrazów w stylu Andy'ego Warhola, ale tylko z kultowymi rosyjskimi symbolami, a także kolekcję „patriotycznych” ubrań, w których ozdoba pochodziła z gniazdujących lalek i innych klasycznych elementów kultury rosyjskiej.
W muzyce i literaturze wokół tematu Donbasu wytworzyła się pewna warstwa patriotyczna. Są to Zachar Prilepin, wcześniej uważany za opozycjonistę i współpracujący z NBP, Siergiej Szargunow, najpopularniejsza grupa „25/17” z serdecznymi tekstami oraz wielu innych znanych autorów. Ci ludzie i kolektywy, z których każdy ma tysiące lub dziesiątki tysięcy fanów, stanowią poważną przeciwwagę dla liberalnego skrzydła postaci twórczych.
Uwagę zwracają też całe skojarzenia. Tym samym Fundacja Sztuka bez Granic wywołała ogromny oddźwięk wystawą „Na dole”, która zebrała przykłady niemoralnych, a czasem obraźliwych scen we współczesnym rosyjskim teatrze. Jednocześnie zwrócono uwagę na pozyskanie środków budżetowych na szereg skandalicznych produkcji. Ta akcja wywołała burzę oburzenia w części teatralnego środowiska.
Sama fundacja znana jest jednak również z wystaw sztuki, na których młodzi autorzy prezentują prace na aktualne tematy polityczne w stylu pop-artu.
Nie zabrakło również przedstawień teatralnych w duchu patriotycznym. Przypomnijmy sobie próbę przeniesienia historii „młodej gwardii” na współczesną Ukrainę przez teatr Włodzimierza – spektakl ten zebrał wiele gniewnych recenzji krytyków.
Jest też projekt SUP, który został doceniony nie tylko z odczytów o konflikcie ukraińskim, ale także z niewielkiego przedstawienia politycznego o marzeniach o rewolucjach i doświadczeniu historycznym, które tym właśnie rewolucjom zaprzecza.
W rozpoczętym sezonie (zarówno politycznym, jak i twórczym) należy raczej spodziewać się wzmocnienia więzi ochronnej, wzmocnienia i większej różnorodności artystycznej. Perspektywa przyciągnięcia publiczności zależy przynajmniej od jakości produktu artystycznego, jego oryginalności i widowiskowości, a jest to w istocie walka o inteligencję, o tych, którzy mogą być liderami opinii publicznej. A odbicie opinii i przekonań na scenach i w salach jest nie mniej ważne niż występy uliczne.
O aktualnej sytuacji w dziedzinie sztuki współczesnej
W sezonie 2015-2016 liberalna część środowiska artystycznego nadal mówiła o „dokręcaniu śrub” i zwiększaniu presji rządu. Afera z nagrodą Złotej Maski, którą postanowiono przeformatować, miała charakter orientacyjny. Zmieniono powołaną radę ekspercką spośród „swoich”, co rozzłościło wielu krytyków i reżyserów. Kirill Serebrennikov i Konstantin Bogomolov nawet odmówili udziału w nadchodzących wydarzeniach. Ale eksperci po prostu stali się inni, z różnymi opiniami i poglądami, a nie ludźmi z tego samego obozu. Ale nawet to rozgniewało liberałów, którzy widzieli w zmianach politykę. Okazuje się, że tak zwani „wolni twórcy” nie tolerują krytyki, a najbardziej prestiżową nagrodę teatralną uzurpowano po to, by wprowadzić ich kanony i zasady do rodzimego teatru, dalekiego od klasycznego i akademickiego. Autorzy skandali na scenie głównej kiedyś stali się właścicielami tej nagrody. Z kolei „Złota Maska” odegrała rolę pewnej ochrony: „Cóż, nie możesz go skarcić, jest zwycięzcą„ maski ”.
Postacie sztuki współczesnej starają się zaprezentować jako wyjątkowe, wybitne, jednocześnie dyktując własne zdanie, zwracając uwagę na politykę. Motywy polityczne mogą się tylko nasilić w przyszłym roku, w którym nastąpią wybory parlamentarne, aw konsekwencji wzrost aktywności politycznej. Dzięki Internetowi wielu autorów i krytyków zyskuje dostęp do szerokiego grona odbiorców, a jasne i oryginalne prace będą miały na celu szerzenie niezbędnych ideologii. Nie wyklucza się nawet przejawów nowej fali akcjonizmu politycznego.
Oczywiście tłumienie takiej fali zakazami i ograniczeniami jest zarówno trudne, jak i irracjonalne. Z drugiej strony praktyka symetrycznych odpowiedzi wydaje się całkiem realna – coś, co zostało już z powodzeniem przetestowane w polityce zagranicznej. Czyli w świecie sztuki będzie to odpowiedź kreatywności na twórczość, kreatywność na twórczość, walka o publiczność, mimo że większość populacji wciąż skłania się ku wartościom konserwatywnym i tradycyjnym, nie szuka sposobów rozumienia abstrakcji, nie jest gotowa zastąpić swoim smakiem „slapów” artystów. Oczywiście to stwierdzenie nie dotyczy jawnych prowokacji i naruszeń prawa, dla których przeciwdziałania istnieją zupełnie inne niezawodne mechanizmy.
Wysyłanie dobrej pracy do bazy wiedzy jest proste. Skorzystaj z poniższego formularza
Studenci, doktoranci, młodzi naukowcy, którzy wykorzystują bazę wiedzy w swoich studiach i pracy będą Ci bardzo wdzięczni.
Wysłany dnia http://www.Allbest.ru/
Wstęp
1. Starożytność
1.1 Sztuka i potęga starożytnego Egiptu
1.2 Sztuka i potęga starożytności. Starożytna Grecja i Starożytny Rzym
1.3 Sztuka i potęga Bizancjum
2. Średniowieczny
2.1 Sztuka i potęga Francji (XI-XIV wiek)
3. Okres renesansu
3.1 Sztuka i potęga Włoch (XIV-XVI w.)
3.2 Sztuka i potęga Hiszpanii (XV-XVII wiek)
4. Nowy czas
4.1 Sztuka i potęga Francji (XVIII w.)
4.2 Sztuka i władza w Rosji (XIX wiek)
5. Władza i sztuka okresu sowieckiego w Rosji (XX w.)
6. Władza i sztuka w naszych czasach
Wniosek
Bibliografia
Wstęp
W rozwoju sztuki ludzkiej istnieje pewna prawidłowość. Sztuka była często wykorzystywana do zwiększania mocy. Poprzez sztukę władza wzmacnia swój autorytet, a państwa i miasta zachowują swój prestiż.
Dzieła sztuki ucieleśniają idee religii, uwiecznienia i gloryfikacji bohaterów. Muzycy, artyści, rzeźbiarze i architekci tworzyli w swoim czasie majestatyczne wizerunki swoich władców. Dali im niezwykłe cechy, takie jak mądrość, heroizm, nieustraszoność, które wzbudzały podziw i szacunek w sercach zwykłych ludzi. Wszystko to jest przejawem tradycji starożytności - kultu bóstw i bożków.
Generałowie i wojownicy zostają uwiecznieni w sztuce monumentalnej. Na cześć odniesionych zwycięstw wzniesiono łuki i kolumny triumfalne. Nowe idee znajdują odzwierciedlenie we wszystkich formach sztuki, a władza nie jest wyjątkiem.
Zgodnie z tym w swojej pracy postawiłem na: celeorazzadania:
cel badania to zmiana sztuki pod wpływem władzy na przestrzeni wieków w różnych krajach świata
Zadania:
* analizować zależność wpływu władzy na sztukę;
* zbadanie zależności zmian w twórczości artystycznej pod wpływem autorytetów w różnych krajach świata;
* zidentyfikować główne cechy władzy w sztukach wizualnych;
* analizować etapy zmian w dziedzictwie twórczym pod wpływem.
obiekt badania to władza w sztuce.
TematBadania- sztuka krajów w różnych okresach czasu.
metodycznybaza wykonane: obrazy artystów, rzeźby, freski, świątynie, łuki triumfalne, klasztory.
Informacyjnebaza- książki o historii sztuki (T.V. Ilyina History, A.N. Benois, F.I. Uspensky), artykuły z zasobów internetowych.
1. Antyk
1.1 SztukaorazmocstarożytnyEgipt
W III tysiącleciu pne. mi. w wyniku zjednoczenia dwóch państw Dolnego i Górnego Egiptu powstało jedno z najstarszych państw, które odegrało ważną rolę w kształtowaniu się kultury antycznej.
Sztuka egipska jest bardzo interesująca, ponieważ wiele dzieł stworzonych przez Egipcjan w historii ludzkości powstało po raz pierwszy. Egipt po raz pierwszy podarował monumentalną kamienną architekturę, realistyczny portret rzeźbiarski, wysokiej jakości wytwór rzemiosła artystycznego. Znakomicie obrabiali kamienie różnego rodzaju, wykonywali najpiękniejsze dzieła jubilerskie, pięknie rzeźbione drewno i kość, robili kolorowe szkło i przezroczyste jasne tkaniny.
Oczywiście nie można nie powiedzieć o wielkich piramidach egipskich, które mogą wiele o sobie powiedzieć. Opowiadają nam o społeczeństwie tak jasno zorganizowanym, że stało się możliwe zbudowanie tych sztucznych gigantycznych wzgórz już za życia władcy.
Główną cechą wyróżniającą sztukę egipską jest to, że ma ona na celu ucieleśnienie potrzeb religii, w szczególności kultu państwowego i pogrzebowego boskiego faraona. Religia była integralną częścią, która wpływała na kulturę egipską przez całe jej istnienie.
Sztuka egipska powstała na chwałę królów, na chwałę niewzruszonych i niezrozumiałych idei, które opierały się na despotycznych rządach. A to z kolei zostało prześledzone w obrazach i formach samych tych idei oraz mocy, jaką obdarzony był faraon. Sztuka zaczęła służyć szczytom władzy, które z kolei wezwano do tworzenia pomników gloryfikujących królów i szlachtę despotyzmu. Prace te musiały być wykonane według pewnych zasad, które później tworzyły kanony.
Przykładem pomnika gloryfikującego faraona jest łupek Namerna, którego po obu stronach znajduje się płaskorzeźba opowiadająca o wydarzeniu historycznym: zwycięstwie króla Górnego Egiptu Namernie nad Dolnym Egiptem i zjednoczeniu Doliny Nilu w jedno państwo. Widać tu wyraźnie akcentowanie wielkości i nierówności władcy kosztem proporcjonalności, charakterystyczne dla tego wczesnoklasowego społeczeństwa. Tę zasadę można odnaleźć w sztuce starożytnego Egiptu od dziesięcioleci. W różnych freskach, rzeźbach reliefowych faraon jest kilkakrotnie większy niż wszystkie inne postacie. Sfinks Chefrena z III tysiąclecia pne, który stoi przed świątynią pogrzebową faraona, zadziwia swoją wielkością. Ten Sfinks jest największym w Egipcie. Pomimo ogromnych rozmiarów twarz Sfinksa ma cechy faraona Chefrena. W starożytności Sfinks wraz z piramidami miał inspirować ideę nadludzkiej mocy władcy.
Aby podkreślić boskie pochodzenie, wielkość i moc faraonów, rzeźbiarze idealizowali swoich władców. Wykazali siłę fizyczną, odrzucając drobne szczegóły, ale jednocześnie zachowali portretowe podobieństwo. Przykładem takich dzieł jest posąg Chefrena, władcy IV dynastii. Tutaj wizerunek władcy jest pełen majestatycznego spokoju, dumnie zasiada na swoim tronie. Ten posąg ma kultowy charakter, który według Egipcjan jest pojemnikiem duchowej esencji władcy. Portret Chefrena jest bardzo prawdziwy, ale tutaj rzeźbiarz nie pokazywał już podobieństwa do portretu, ale charakter samego faraona.
Oprócz płaskorzeźb, fresków i rzeźb na cześć boskiego władcy wzniesiono także świątynie. Jednym z najlepszych przykładów jest grobowiec królowej Hatszepsut, który został zbudowany pod koniec XVI wieku. PNE. w dolinie Dray el-Bahri. Świątynia ta jest poświęcona bogu słońca Amon-Ra, Hathor i Anubisowi, ale głównym bóstwem jest sama królowa. Na jej cześć wzniesiono inne pomniki, na przykład dwa obeliski znajdujące się w sanktuarium świątyni w Karnaku, napis w kaplicy Stab el Antara. Mimo że królowa ta rządziła zaledwie 12 lat, pozostawiła po sobie liczne pomniki, ale niestety nie figurowała na oficjalnych listach królów.
W ten sposób kult faraona, który osiągnął apogeum w epoce Starego Państwa, stał się religią państwową i znalazł swoje ucieleśnienie w sztuce, wpływając na zakres dzieł sztuki: rzeźbiarskie portrety faraonów, malownicze i reliefowe obrazy scen z życia ich rodzin i oczywiście piramidy i świątynie wznoszone na cześć władcy miały w starożytnym Egipcie dominujące znaczenie.
1.2 SztukaorazmocAntyk.StarożytnyGrecjaorazStarożytnyRzym
Pojęcie „sztuki starożytnej” pojawiło się w renesansie, kiedy za wzorowe uznano piękne dzieła starożytnego Rzymu i starożytnej Grecji. Jest to starożytność grecko-rzymska obejmująca okres od VIII wieku p.n.e. - VI wiek. OGŁOSZENIE W tym czasie dominuje ideał estetyczny. W malarstwie, rzeźbie i sztuce użytkowej dominuje wizerunek idealnie pięknego i harmonijnie rozwiniętego obywatela ludzkiego, walecznego wojownika i oddanego patrioty, w którym piękno wysportowanego ciała łączy się z czystością moralną i bogactwem duchowym.
Greccy mistrzowie badali plastyczność ruchów, proporcje i budowę ludzkiego ciała podczas igrzysk olimpijskich. Artyści szukali realizmu w malarstwie wazowym i rzeźbie, jak na przykład posągi Myrona „Discobolusa”, Polikleita „Dorifora” i posąg Fidiasza na ateńskim Akropolu.
Starożytni greccy architekci wnieśli ogromny wkład w sztukę. Władcy bardzo czcili swoich bogów, a Grecy wznosili na ich cześć liczne świątynie. Stworzyli majestatyczny styl świątyni, łącząc architekturę z rzeźbą.
Do zastąpienia okresu klasycznego z końca IV wieku. PNE. przychodzi głębsze zrozumienie świata, wzrost zainteresowania wewnętrznym światem człowieka, przeniesienie potężnej energii, dynamiki i sprawiedliwości obrazu, na przykład w rzeźbach Skopasa, Praksytelesa, Leochara, Lysippusa. W sztuce tego czasu nie zabrakło również zamiłowania do wielofigurowych kompozycji i ogromnych posągów.
Ostatnie trzy wieki cywilizacji greckiej nazywane są erą hellenizmu. Rzym stał się spadkobiercą sztuki artystycznej cywilizacji helleńskiej.
Rzymianie wysoko cenili dziedzictwo starożytnej Grecji i przyczynili się do dalszego rozwoju starożytnego świata. Zbudowali drogi, wodociągi i mosty, stworzyli specjalny system do budowy budynków użyteczności publicznej poprzez zastosowanie sklepień, łuków i betonu.
Na szczególną uwagę zasługuje rzeźbiarski portret rzymski, który wyróżnia się dokładnością i realizmem.
Cesarze kazali budować tryumfalnyłuki które były poświęcone ich zwycięstwom. Cesarz przeszedł pod łukiem podczas triumfu. Władcy starali się wzmocnić swoją władzę kosztem sztuki. Na forach, placach i ulicach miast znajdowały się posągi władców. Rzeźbiarze przedstawiali swoich przywódców triumfujących nad wrogami, a czasami cesarz mógł też wyglądać jak bóg. Na przykład cesarz Trajan nakazał budowę kolumny na cześć swoich zwycięstw, której wysokość była tak wysoka, jak siedmiopiętrowy budynek.
Rzymianie doskonale planowali miasta, budowali łaźnie cesarskie - łaźnie, amfiteatr - Koloseum, wznosili świątynię wszystkich bogów Cesarstwa Rzymskiego - Panteon, wszystko to jest wielkim dziedzictwem świata.
Sztuka starożytna miała najsilniejszy rozwój sztuki kolejnych epok. Trudno przecenić jego znaczenie dla rozwoju cywilizacji zachodniej.
1.3 SztukaorazmocBizancjum
Bizantyjska kultura artystyczna w większym stopniu związana jest z religią. Kościół w Bizancjum służył władzy świeckiej. Cesarz był uważany za sługę Bożego na ziemi i polegał na Kościele jak na biurokracji. W takim środowisku sztuka znajdowała się pod ścisłą kontrolą Kościoła i klas rządzących.
Ponieważ Bizancjum znajdowało się pod presją różnego rodzaju wojen, jego praca artystyczna miała na celu zjednoczenie ludzi. Patriotyzm religijno-państwowy stworzył formę sztuki bizantyjskiej. Jednocześnie ważne kwestie zostały rozwiązane jako duchowe. Ich interpretacja miała tworzyć ideały estetyczne, w tym zasady państwowe, religijne i osobiste.
Świątynie pełniły ważną rolę ideową i edukacyjną, dlatego w architekturze kościelnej pracowali najlepsi rzemieślnicy, którzy rozwiązywali najważniejsze problemy budowlane i artystyczne. W architekturze powstawały złożone wnętrza, które niejako angażowały człowieka.
W Bizancjum nie było rozwoju rzeźby jako takiej, ponieważ rzeźbę uważano za bożka. Ale była ulga, zwłaszcza na kości słoniowej.
Malarstwo znajdowało się pod ścisłą opieką kościelno-państwową. Jego rozwój przebiegał trzema kanałami: kościelnymi mozaikami i freskami, malowaniem ikon i miniaturami książkowymi. Tutaj działały surowe reguły w przedstawianiu świętych i wydarzeń z „świętych opowieści”. Artysta traci możliwość pracy z naturą. Dopiero wysoki stopień umiejętności pozwolił na wypełnienie kanonicznych obrazów bogactwem ludzkich uczuć i idei.
Należy również podkreślić, że sztuka świecka zajmowała duże miejsce w kulturze artystycznej Bizancjum. Wzniesiono fortyfikacje, budynki mieszkalne, pałace. Ważną rolę odgrywała rzeźba świecka. Miniatury o treści historycznej i przyrodniczej nigdy nie zniknęły z malarstwa bizantyjskiego. Większość z tych zabytków sztuki nie zachowała się, ale należy wziąć pod uwagę ich znaczenie dla kultury artystycznej Bizancjum.
Złożoność rozwoju stylistycznego sztuki bizantyjskiej dodatkowo komplikował fakt, że z biegiem czasu zmieniały się również granice rozprzestrzeniania się kultury bizantyjskiej. W wyniku wojen i najazdów sąsiednich narodów zmieniły się granice państwa. Od Bizancjum odpadły odrębne tereny, powstały na nich nowe szkoły artystyczne.
2. Średniowiecze
2.1 SztukaorazmocFrancja(XI- XIVwieki)
Na sztukę w tym czasie wpływ miały kościoły i klasztory, które z kolei były sojusznikami władzy królewskiej. Wielu polityków, którzy wzmacniali autorytet i władzę królów, było jednocześnie ministrami kościołów. Na przykład opat Suger jest budowniczym wielu kościołów i doradcą Ludwika VI i Ludwika VII. Dlatego na sztukę, w szczególności architekturę, malarstwo i rzeźbę, wpływ miały klasztory. Budowę klasztorów kierowali najczęściej nie mieszczanie, ale jakiś zakon lub biskup, będący jednocześnie feudalnym władcą tego miasta.
Architektura romańska była integralną częścią monumentalnej rzeźby i rzeźbienia w kamieniu. Zdobiła kapitele, portale wypełniające całą fasadę, np. Notre-Dame-la-Grand w Poitiers. Dekorację plastyczną odnaleźć można w kościołach Burgundii (tympanony katedr w Vezelay i Autun) i Langwedocji (Saint-Sernin w Tuluzie, XI-XIII w.),
Malarstwo i rzeźba nabrały charakteru monumentalnego. Fasada zewnętrzna została ozdobiona kapitelami, rzeźbami lub płaskorzeźbami. Ściany wewnątrz świątyni były pomalowane dużymi freskami i z reguły nie były ozdobione rzeźbami. Jednym z najwcześniejszych zabytków rzeźby, który znajduje się na fasadzie świątyni, jest płaskorzeźba architrawu kościoła św. Jana de Fontaine w południowo-zachodniej Francji. Monumentalne obrazy były szeroko rozpowszechnione w kościołach Francji. Teraz mamy około 95 cykli freskowych, które do nas dotarły. Głównym zabytkiem są freski kościoła Saint Saven sur Gartan w regionie Poitou (początek XII wieku), najrzadszy przykład, który zachował malowniczą dekorację Francji.
W miastach rywalizowały świeckie farsy i tajemnice religijne. Wszędzie toczyła się walka między fantastyką a rzeczywistością, mistyką i racjonalnością. Ale prawie zawsze w twórczości artystycznej życie postrzegano w swojej sprzecznej i zmiennej równowadze.
Obrazem sztuki drugiej połowy XIII wieku jest portal św. Stephen po południowej stronie katedry Notre Dame (około 1260-1270). Liczne niezliczone posągi katedry w Reims, powstałych w XIII wieku, również należą do arcydzieł wysokiego gotyku. 30-70s Do połowy XIII wieku. ukształtowała się miniatura, zgodnie z zasadą dekoracji.
Mistrzowie rzeźby gotyckiej w drugiej połowie XIV wieku zdołali jednak pokazać w tym okresie nowe siły, gdy trudności wojny stuletniej znacznie ograniczyły prace budowlane i liczbę zamówień artystycznych. W XIII-XIV wieku. Miniatura książkowa i malarstwo witrażowe były szeroko rozpowszechnione. Główne ośrodki sztuki witrażowej powstały w XIII wieku. Chartres i Paryż. W katedrze w Chartres zachowała się stosunkowo duża liczba witraży. Bardzo dobrym przykładem przejścia od stylu romańskiego do gotyckiego jest wizerunek Matki Boskiej siedzącej z Dzieciątkiem na kolanach, który obecnie znajduje się w części katedry, która ocalała z pożaru w 1194 roku.
Miniatury z przełomu XIII i XIV wieku. teraz nie tylko ozdabiają, ale uzupełniają i komentują tekst, nabierając charakteru ilustracyjnego. Typowe dzieła drugiej połowy XIV wieku. są to dzieła miniaturysty Jeana Pucela, do którego dzieł należą m.in. Biblia Roberta Bilsinga (1327) oraz słynny Brewiarz Belleville (do 1343 r.).
Sztuka średniowieczna Francji odegrała ogromną rolę w historii sztuki jej mieszkańców i narodów całej Europy Zachodniej. Jej echa (zwłaszcza w architekturze) żyły bardzo długo, cofając się w przeszłość dopiero w połowie XVI wieku.
artystyczna siła twórcza sztuki
3. Okresrenesans
3.1 Włochy(XIV- XVI)
Włoski renesans to okres wielkich osiągnięć i zmian, które rozpoczęły się we Włoszech w XIV wieku i trwały do XVI wieku, wyznaczając przejście od średniowiecza do nowoczesnej Europy.
Najsłynniejsze osiągnięcia dotyczą malarstwa i architektury. Ponadto nie zabrakło również osiągnięć w nauce, filozofii, muzyce i literaturze. W XV wieku liderem we wszystkich tych dziedzinach stają się Włochy. Włoskiemu renesansowi towarzyszył upadek polityki. Dlatego całe Włochy zostały podzielone na oddzielne małe państwa. Renesans miał wielki wpływ na Rzym. W XVI wieku włoski renesans osiągnął swój szczyt, kiedy doszło do obcych inwazji, które wciągnęły Włochy w wojny. Mimo to Włochy zachowały idee i ideały renesansu i rozprzestrzeniły się w całej Europie, przyćmiając renesans północny.
W sztuce w tym czasie powszechne są wizerunki świętych i sceny z pism świętych. Artyści odchodzą od wszelkich kanonów, święci mogli być przedstawiani w nowoczesnych, jak na tamte czasy, strojach. Popularne było przedstawianie św. Sebastiana, ponieważ wierzono, że chroni przed zarazą. Malarstwo staje się bardziej realistyczne, tak jak prace Giotta, Masaccio, Leonarda da Vinci, Michała Anioła, Botticellego.
Artyści wymyślają nowe kolory, eksperymentują z nimi. W tej chwili zawód artysty jest bardzo poszukiwany, a zamówienia kosztują dużo pieniędzy. Gatunek portretowy się rozwija. Mężczyzna został przedstawiony jako spokojny, mądry i odważny.
W architekturze duży wpływ wywarł architekt Filippo Brunelleschi, według którego projektów wybudowano kościół San Lorenzo, Pallazo Rusellai, Santissima Annunziata, fasady kościołów Santo Maria Navella, San Francesco, San Sebastiano i Sant'Anrea.
W ten sposób percepcja świata staje się bardziej złożona, zależność ludzkiego życia i natury jest jaśniej urzeczywistniana, rozwijają się idee zmienności życia, giną ideały harmonii i integralności wszechświata.
3.2 HiszpaniaXV- XVIIwieki
Renesans hiszpański jest blisko spokrewniony z włoskim, ale przyszedł znacznie później. Za „złoty wiek” hiszpańskiego renesansu uważa się koniec XVI do drugiej połowy XVII wieku.
Rozkwitem kultury hiszpańskiej jest zjednoczenie wcześniej podzielonego kraju pod rządami Ferdynanda Aragońskiego i Izabeli Kastylii. Zakończyła się wielowiekowa wojna z Arabami, po której nowe ziemie znalazły się w posiadaniu Hiszpanii, które wcześniej do nich nie należały.
Na dwór królewski ściągali zagraniczni architekci, artyści, rzeźbiarze. Na krótki czas Hiszpania stała się najpotężniejszym państwem europejskim.
Po założeniu Madrytu przez Filipa II życie artystyczne kraju koncentrowało się właśnie tam, gdzie budowano pałace. Pałace te zdobiły obrazy hiszpańskich artystów i wielkich malarzy – Tycjana, Tintorentto, Bassano, Boscha, Brueghela. Dziedziniec stał się głównym ośrodkiem rozwoju sztuki.
W architekturze pod panowaniem królów katolickich powstawały kościoły, w których propagowali potęgę i wielkość władzy królewskiej. Powstały także budowle poświęcone zwycięstwom hiszpańskim: np. kościół klasztoru San Juan de los Reyes w Toledo – jako pomnik zwycięstw nad Portugalczykami w bitwie pod Toro, Escorial – jako pomnik zwycięstwa nad Francuzi w San Quenten.
Najbardziej znani rzeźbiarze tamtych czasów to Alonso Berruguete, Juan de Juni, Juan Martinez Montañez, Alonso Cano, Pedro de Mena.
W ten sposób Hiszpania wniosła znaczący wkład do światowej historii sztuki, co wpłynęło na dalszą postawę ludzi.
4. Nowyczas
4.1 SztukaorazmocFrancja(XVIIIw.)
W XVIII wieku we Francji toczyła się walka z absolutyzmem, Kościołem, arystokracją, wolnomyślicielstwem, ta walka przygotowywała kraj do rewolucji burżuazyjnej.
Wzrasta francuska kultura artystyczna. Odchodzi od dotychczasowych kanonów, malarstwo religijne odchodzi w przeszłość, a na czoło wysuwają się świeckie gatunki realistyczne i „szarmanckie”. Artyści zwracają się ku intymnym sferom ludzkiego życia i małych formach. Realizm ucieleśnia się w ujawnieniu wizerunku osoby.
W XVIII wieku odbywały się okresowe wystawy Akademii Królewskiej - Salony, które odbywały się w Luwrze, a także wystawy Akademii św. Łukasza, które odbywały się bezpośrednio na placach. Nową, charakterystyczną cechą były narodziny estetyki i rozwój krytyki artystycznej, która odzwierciedlała zmagania prądów w sztuce.
Ludzie w tym czasie podróżowali po krajach i pożyczali od siebie wiedzę. Istnieje wiele Encyklopedii. Ludzie analizują dzieła sztuki. Na przykład prace Diderota „Salony”, „Doświadczenie w malarstwie”, dzieła Rousseau „Sztuka i moralność”, „Dyskursy o nauce i sztuce” oraz „Emil, czyli o edukacji”.
W ten sposób XVIII wiek stał się znany jako Epoka Oświecenia. Idee oświeceniowe nie tylko wpłynęły na rozwój sztuki, oświeceniowcy aktywnie interweniowali w jej przebieg. Oświecenie stało się potężnym ruchem, który załamał poprzednie światopoglądy.
4.2 SztukaorazmocRosja(XIXw.)
W 19-stym wieku pierwsze dziesięciolecia w Rosji nastąpiły po Wojnie Ojczyźnianej w 1812 roku. Artyści stają się coraz bardziej poszukiwani w porównaniu z XVIII wiekiem. Potrafią wyrazić w swoich pracach znaczenie swojej osobowości, wolności, w której poruszane są problemy społeczne i moralne.
Rosja jest teraz bardziej zainteresowana twórczością artystyczną. Ukazują się czasopisma artystyczne: „Wolne Towarzystwo Miłośników Literatury, Nauki i Sztuki” (1801), „Dziennik Sztuk Pięknych” najpierw w Moskwie (1807), a następnie w Petersburgu (1823 i 1825), „Towarzystwo na rzecz Zachęty artystów” (1820), „ Muzeum Rosyjskie ... „P. Svinin (1810) i„ Galeria Rosyjska ”w Ermitażu (1825).
Ideały społeczeństwa rosyjskiego znajdują odzwierciedlenie w architekturze, rzeźbie monumentalnej i dekoracyjnej. Po pożarze w 1812 roku Moskwa odbudowuje się w nowy sposób, tu budowniczowie opierają się na architekturze starożytności. Rzeźbiarze wznoszą pomniki przywódców wojskowych, na przykład pomnik Kutuzowa w katedrze kazańskiej w Petersburgu. Największy architekt tego czasu, Andrei Nikiforovich Voronikhin. zaprojektował szereg fontann dla drogi Pułkowo, ukończył biuro „Latarki” i egipski przedsionek w Pałacu Pawłowskim, Most Wiskontiew i Różowy Pawilon w Pawłowskim parku. Głównym pomysłem Woronikhina jest Katedra Kazańska (1801-1811). Półkolista kolumnada świątyni, którą wzniósł nie od strony głównej - zachodniej, ale od boku - północnej fasady, utworzyła kwadrat w centrum perspektywy Newskiego, czyniąc katedrę i otaczające ją budynki najbardziej ważny węzeł urbanistyczny.
Artyści przedstawiają wydarzenia historyczne, które miały miejsce w czasach starożytnych, na przykład K.P. Bryullov „Ostatni dzień Pompejów”, A.A. Iwanow, Pojawienie się Chrystusa ludowi. Przedstawiono portrety władców, na przykład portret Elżbiety II, Piotra I. Na cześć władców wzniesiono pomniki, pomnik Katarzyny II. W tym czasie pojawiło się wielu artystów: Kramskoy, Ge, Myasoedov, Makovsky, Shishkin, Vasiliev, Levitan, Repin, Surikov itp.
Złożone procesy życiowe determinowały różnorodność form życia artystycznego tamtych lat. Wszystkie rodzaje sztuki – malarstwo, teatr, muzyka, architektura – były za odnowieniem języka artystycznego, za wysokim profesjonalizmem.
5. MocorazsztukaradzieckiKropkaRosja(XXw.)
W okresie sowieckim w Rosji dochodzi do kataklizmów rewolucyjnych, te rewolucyjne przemiany wzywają artystów do nowych eksperymentów twórczych. Życie artystyczne tego kraju wymaga sztuki niezwykle społecznej i zrozumiałej dla nieprzygotowanej masy estetycznej. Wydarzenia październikowe, które doprowadziły do rewolucji, artyści zaczęli gloryfikować w swojej pracy. Zwycięstwo sztuki na froncie staje się trwałym elementem zwycięstwa bolszewików.
Artyści w tym czasie zajmują bardzo aktywną i bardzo popularną pozycję. Zajmują się projektowaniem miast na demonstracje, rzeźbiarze realizują „leninowski plan monumentalnej propagandy”, graficy aktywnie pracują nad projektowaniem klasycznych wydań literatury rosyjskiej i zagranicznej. Powstaje szereg nowych, niezrealizowanych wcześniej kierunków artystycznych. Pojawiają się nowe nazwy i nowe kierunki: „rosyjski impresjonizm” - A. Rylov i K. Yuon; „Niedźwiedzie niebieskie” P. Kuzniecow i M. Saryan; przedstawiciele „Jack of Diamonds” P. Konchalovsky i I. Mashkov z karnawałowym świętem ich obrazów, dekoracyjnych w kolorze i kompozycji, A. Lentulov, którzy sprawili, że obraz rosyjskiej architektury średniowiecznej żył w intensywnych rytmach współczesnego miasta . Pavel Filonov pracował w latach dwudziestych. W oparciu o metodę, którą nazwał „analityczną”, w tych latach stworzył swoje słynne „formuły” („Formuła Piotrogrodzkiego Proletariatu”, „Formuła Wiosny” itp.) – symboliczne obrazy ucieleśniające jego ideał wieczności i trwałości. K. Malewicz kontynuował swoją drogę w nieobiektywizmie, a suprematyzm opracowany przez jego uczniów I. Puni, L. Popovą, N. Udaltsovą, O. Rozanovą zaczął rozprzestrzeniać się w sztuce użytkowej, architekturze, designie, grafice.
W rzeźbie prace inspirowane „romansem rewolucyjnym” zostały stworzone w latach dwudziestych przez Ivana Dmitrievicha Shadra (prawdziwe nazwisko Ivanov). Są to „Siewca”, „Robotnik”, „Chłop”, „Człowiek Armii Czerwonej” (wszystkie 1921-1922) wykonane na zamówienie Goznaka (do przedstawienia na nowych sowieckich banknotach, znaczkach i obligacjach). Jednym z jego najsłynniejszych dzieł jest praca „Bukowiec – broń proletariatu, 1905”. Praca ta jest poświęcona 10. rocznicy władzy sowieckiej. Shadr starał się wykorzystać tradycje sztuki światowej i stworzyć dzieło inspirowane duchem nowoczesności, tak jak to rozumiał.
Malarze, rzeźbiarze, pisarze i wielu innych musieli więc szukać publicznych rozwiązań. Środkiem do tworzenia monumentalnych obrazów stały się: sowiecka heraldyka, symbole figuratywne, które stały się popularnym określeniem atomu, kosmosu. Symbole przyjaźni, pracy, pokoju… tylko świetne pomysły mogą dać świetne rozwiązania.
6. Stosunekwładzeorazsztukawnaszczas
W ostatnim czasie wszystko się zmieniło, ale interakcja władzy i sztuki pozostaje bardzo ważnym i pilnym problemem. Związek między tymi dwiema branżami jest szczególnie widoczny w okresach zmian politycznych i społecznych. Teraz nie ma cenzury, co oznacza, że każda osoba, która chce wyrazić swoje myśli i idee poprzez sztukę, może to zrobić bez obawy przed karą. To kolosalny przełom w dziedzinie wolności kreatywności i ducha.
W tej chwili w różnych miastach odbywają się liczne wystawy o różnej tematyce. Cyklicznie odbywają się wystawy, które poruszają problem sztuki i władzy. Wystawy te są interesujące dla osób studiujących historię i nauki polityczne. Niedawno w Muzeum Szwedzkim odbyła się podobna wystawa, która została nazwana „Sztuka dla władców”. Na tej wystawie było ponad 100 ekspozycji iz udziałem 400 eksponatów z różnych epok.
Sztuka nie stoi w miejscu, rozwija się szybko z różnych stron. Obecnie istnieje wiele różnych kierunków. Światowe dziedzictwo kulturowe jest uzupełniane i uzupełniane, a to jest bardzo dobre dla naszych czasów.
Wniosek
W trakcie pracy dowiedzieliśmy się, że sztuka zmieniała się pod wpływem władzy na przestrzeni wieków w różnych krajach świata.
Po przeanalizowaniu sytuacji stwierdziliśmy, że sztuka zależy od systemu politycznego i władcy kraju. Sztuka i władza powstały i rozwinęły się jednocześnie i są integralną częścią kształtowania się życia społecznego.
Myślę, że rząd miał więcej możliwości kontrolowania społeczeństwa i zwiększania jego władzy poprzez sztukę niż teraz. Kilkadziesiąt lat później w końcu uwolniliśmy się od surowych kanonów i wszelkiego rodzaju zakazów. Człowiek może wyrazić swoją indywidualność, gdy tylko wymyśli i chce. Artyści, rzeźbiarze i muzycy mają nieograniczoną swobodę, ale trudno powiedzieć, czy jest dobra, czy nie. Ale po wielu latach i naszych wiekach nasi potomkowie będą podziwiać i być dumni.
Listaużywanyliteratura:
1. Telewizja Iljina. Historia sztuki. Sztuka krajowa. Moskwa. rok 2000
Hostowane na Allbest.ru
...Podobne dokumenty
Ocena roli dziedzictwa antycznego w kształtowaniu się renesansu europejskiego w różnych badaniach. Przejawy elementów starożytności w architekturze, rzeźbie, malarstwie, sztukach plastycznych w renesansie. Przykłady dzieł znanych mistrzów.
streszczenie, dodane 19.05.2011
Surrealizm jako nurt w sztukach wizualnych: historia powstawania i rozwoju, główne motywy i idee, wybitni przedstawiciele i ocena ich twórczego dziedzictwa. Początek i etapy drogi twórczej Maxa Ernsta, analiza jego słynnych dzieł.
praca semestralna, dodana 11.05.2014
Święta Inkwizycja jest instytucją Kościoła rzymskokatolickiego zajmującą się heretykami. Skład Inkwizycji, chronologia jej działalności. Połączenie dziedzictwa artystycznego Cesarstwa Rzymskiego i tradycji ikonograficznych Kościoła chrześcijańskiego w sztuce średniowiecza.
streszczenie, dodane 10.08.2014
Charakterystyczne cechy sztuki romańskiej jako wspólnego europejskiego stylu oraz charakterystyczne cechy sztuki tego nurtu w różnych krajach Europy Zachodniej, ze względu na wpływ innych kultur. Cechy wspólne i odrębne między szkołami, oryginalność architektury.
praca semestralna, dodana 13.06.2012
Studium wpływu Wielkiej Rewolucji na rozwój kultury i sztuki w Europie. Główne cechy twórczości znanych pisarzy i artystów XIX wieku: Francisco Goya, Honore Daumier. Realistyczne tradycje w sztukach wizualnych związane z nazwiskiem G. Courbeta.
raport, dodany 04.03.2012
Analiza cech impresjonizmu - nurtu artystycznego w sztuce powstałego we Francji w drugiej połowie XIX wieku. Główne innowacyjne cechy impresjonizmu i kreatywności przedstawicieli tego kierunku. Kulturowa wartość impresjonizmu.
praca semestralna, dodano 11.09.2010
Identyfikacja funkcji, oryginalność estetyczna i rola postmodernizmu w artystycznych i estetycznych procesach kultury współczesnej. Postmodernizm w sztukach pięknych Stanów Zjednoczonych i Europy. Sztuka multimedialna i konceptualizm.
praca semestralna, dodana 4.10.2014
Miejsce prawosławia w sztukach wizualnych. Wizerunki Zbawiciela nie wykonane rękami i Matki Bożej, ich wcielenie w sztuki piękne. Świąteczne funkcje. Wizerunki aniołów, archaniołów, serafinów, cherubinów. Święci, prorocy, przodkowie, męczennicy.
streszczenie, dodane 27.08.2011
Historia powstania i rozwoju fenomenu gatunku. Osobliwości związku gatunku z treścią dzieła sztuki z zakresu literatury. Gatunek jako zbiór dzieł połączonych wspólnym zakresem tematów i przedmiotów reprezentacji w sztukach wizualnych.
streszczenie, dodane 17.07.2013
Pochodzenie kompozycji, jej rola w sztuce starożytnego świata, w naszych czasach. Analiza źródeł literackich i dzieł artystów. Kompozycja w średniowieczu, renesansie. Jej ocena w malarstwie monumentalnym na przykładzie dzieła L. da Vinci "Ostatnia Wieczerza".
9 - 1 Sztuka i moc
W rozwoju kultury ludzkiej stale śledzony jest ciekawy wzór. Sztuka jako przejaw wolnych, twórczych sił człowieka, lot jego wyobraźni i ducha
często używany do wzmocnienia władzy - świeckiej i religijnej. Dzięki dziełom sztuki władze wzmocniły swój autorytet, a miasta i państwautrzymany prestiż. Sztuka ucieleśniona w widocznych obrazach idee religii, uwielbione i
uwiecznił bohaterów. Rzeźbiarze, malarze, muzycy w innych czasach stworzył wyidealizowane majestatyczne wizerunki władców-przywódców. Dostali niezwykłe
Jakie walory podkreślają artyści i rzeźbiarze w wizerunkach mężów stanu, władców różnych epok i krajów? Jakie uczucia wywołują w tobie te obrazy?
Jakie są podobieństwa i różnice między tymi obrazami? Jakie są wspólne (typowe) cechy, które symbolizują władzę.
cechy, szczególny heroizm i mądrość, które oczywiście budziły szacunek i podziw w sercach zwykłych ludzi. Te obrazy wyraźnie pojawiają się tradycje pochodzące ze starożytnych
razy - kult bożków, bóstw, które wzbudzały podziw nie tylko tym, którzy do nich podchodzą, ale także tym, którzy patrzą z daleka. Męstwo wojowników i dowódców utrwalają dzieła sztuki monumentalnej. Wzniesiono posągi konne, łuki triumfalne i kolumny upamiętniające wygrane zwycięstwa . Dekretem Napoleona I który chciał uwiecznić chwałę swojej armii, zbudowałbrama triumfalna w Paryżu. Na ścianach łuku wygrawerowane są imiona generałów walczących u boku cesarza.
W 1814 w Rosjido uroczystego spotkanie Armii Wyzwolicieli Rosji, powrót z Europy po zwycięstwie nad Napoleonem, zostały zbudowane z drewnabrama triumfalna w Tverskaya Zastava. Przez ponad 100 lat łuk stał w centrum Moskwy i w 1936 został rozebrany. Dopiero w latach 60. XX wiek Łuk triumfalny został odtworzony na Placu Zwycięstwa, w pobliżu Wzgórza Poklonnaya, w miejscu, w którym do miasta wkroczyły wojska napoleońskie. W XV wieku. po upadek Bizancjum, który był uważany za następcę Cesarstwa Rzymskiego i nazywał się
Drugi Rzym Moskwa staje się centrum kultury prawosławnej. W okresie rozwoju gospodarczego i militarnego państwo moskiewskie potrzebowało odpowiedniego wizerunku kulturowego. Dziedziniec cara moskiewskiego staje się miejscem zamieszkania wielu wykształconych kulturowo ludzi prawosławnych. Wśród nich są architekci i budowniczowie, malarze ikon i muzycy.
Moskiewscy carowie uważali się za spadkobierców rzymskich tradycji, co znalazło odzwierciedlenie w słowach: „Moskwa to Trzeci Rzym, a czwartego nie będzie”. Aby sprostać temu wysokiemu statusowi, Kreml moskiewski jest przebudowywany według projektu włoskiego architekta Fioravanti. Zakończenie budowy pierwszego kamiennego kościoła w Moskwie -Katedra Wniebowzięcia NMP stał się powodem powstania fundacjiChór Sovereign Singers. Skala i przepych świątyni wymagały większej niż wcześniej mocy dźwięku muzyki. Wszystko to podkreślało władzę suwerena.
W drugiej połowie XVII wieku.według wielkiego planu świętych Patriarcha Nikon- tworzenie świętych miejsc na obraz Palestyny, związanych z życiem ziemskim i wyczynem Jezusa Chrystusa, -
zbudowany pod MoskwąKlasztor Nowa Jerozolima. Jego główne katedra ma podobny plan i wielkośćKościół Grobu Świętego w Jerozolimie.To jest pomysł Patriarchy Nikona - ver-
zmęczenie rozwojem starożytnych tradycji Kościoła rosyjskiego, wywodzących się z
czas chrztu Rosji (X wiek). W XVIII wieku. otworzył nowy rozdział w historii Rosji. Piotr I, zgodnie z trafnym wyrażeniem Puszkina, „wyciąć okno do Europy” - założonyPetersburg .
Nowe idee znajdują odzwierciedlenie we wszystkich rodzajach sztuki. Pojawiło się malarstwo i rzeźba świecka, muzyka przeszła na styl europejski. Teraz chór suwerennych śpiewających diakonów
przeniesiony do Petersburga i staje się Nadworną Kaplicą Śpiewaczy (często sam Piotr I śpiewał w tym chórze).
Sztuki głoszą chwałę Pana i toast za młodego cara całej Rosji. Obecnie Kaplica Chóru Glinka jest majestatycznym zabytkiem kultury rosyjskiej, znanym na całym świecie. Kaplica pomaga zachować więź czasów i ciągłość tradycji.
W XX wieku, w epoce stalinizmu w naszym kraju, pompatyczna, wspaniała architektura podkreślała siłę i potęgę państwa, sprowadzając ludzką osobowość do znikomego poziomu,
ignorował indywidualną wyjątkowość każdej osoby. Bezduszny mechanizm przymusu państwowego podkreśla groteskowy początek w muzyce (D. Szostakowicz, A. Schnittke i inni).
Demokratyczne nastroje ludu znajdująszczególnie jasny ekspresja w sztuce w przełomowe momenty w historii. To i pieśni rewolucyjne, marsze w październiku
zamach stanu w Rosji (1917), plakaty, obrazy, kompozycje muzyczne w okresie Wielkiej Wojny Ojczyźnianej (1941-1945).To zarówno pieśń masowa, odzwierciedlająca zapał pracy lat powojennych, jak i pieśń autorska drugiej połowy XX wieku. (rodzaj miejskiego folkloru), który wyraża nie tylko liryczne nastroje młodszego pokolenia, ale także protest przeciwko ograniczaniu wolności jednostki, jest szczególnie wyraźny
opracowany w muzyce rockowej.
Podaj przykłady epok historycznych z rządami autorytarnymi i demokratycznymi.
Wybierz dzieła sztuki, które odzwierciedlają idee tych stanów. Skontaktuj się z pomocą techniczną
literatura.
Spójrz na obrazy, fragmenty filmów, posłuchaj utworów muzycznych, które wyrażają ideały ludzi w różnym czasie w różnych krajach. Co możesz powiedzieć o ideałach społecznych?
W jaki sposób iw jakim celu sztuka wpływa dzisiaj na ludzi?
Zadanie artystyczne i twórcze
Przygotuj raport lub prezentację komputerową na temat związany z zaszczepieniem w ludziach pewnych uczuć i myśli poprzez sztukę. Analizuj różne dzieła sztuki tego samego rodzaju w różnych epokach lub wybierz epokę i przedstaw jej całościowy obraz w oparciu o dzieła różnych rodzajów sztuki.
Bułat Okudżawa
Władimir Wysocki
Borys Grebenszczikow
Aleksander Galicz
