1.2. Muzykologia stosowana. publicystyka muzyczna i krytyka muzyczna w systemie muzykologii stosowanej

Krytyka muzyczna i nauka o muzyce Badaniem fenomenu muzyki zajmuje się wiele dziedzin naukowych: oprócz samej muzykologii zwraca uwagę krytyka sztuki różnych kierunków, estetyka, filozofia, historia, psychologia, kulturoznawstwo, semiotyka i

Krytyka muzyczna i społeczeństwo Życie muzyczne społeczeństwa, które obejmuje również myśl i praktykę muzyczno-krytyczną, jest przedmiotem zainteresowania socjologii muzycznej. To nie przypadek, że to nauka socjologiczna najczęściej zwraca uwagę na krytykę sztuki,

1.4. Profesjonalne dziennikarstwo muzyczne Na czele współczesnej praktyki muzycznej i dziennikarskiej stoi najważniejszy problem - problem profesjonalizmu. Z czego się składa? Istnieje kilka ważnych elementów, które umożliwiają rozróżnienie

Krytyka muzyczna kompozytora To oryginalne zjawisko wymaga osobnego rozpatrzenia. Nawet u Puszkina znajdujemy argument, że „stan krytyki sam w sobie pokazuje stopień wykształcenia całej literatury”. Nie chodzi tylko o szacunek

5.4. Produkcja muzyczna jako przedmiot recenzji Produkcja muzyczna jest gatunkiem syntetycznym. Muzyka łączy się w nim, zgodnie z prawami syntezy artystycznej, z innymi artystycznymi „strumieniem” (rozwój fabuły, akcja sceniczna, gra aktorska, obrazkowa).

3. Muzyczna wersja A. S. Dargomyzhsky'ego Muzyczne rozwiązanie A. S. Dargomyzhsky'ego w jego romansie na temat tekstu Puszkina „19 października 1827” (skomponowanego w Paryżu w 1845 r.) Jest niezwykłe i godne szczególnej uwagi badaczy, w tym Puszkinistów

Produkcja w erze cyfrowej komunikacji medialnej Ta książka o produkcji została „wyprodukowana”, zaprojektowana i opublikowana przez studentów programu magisterskiego „Produkcja mediów w branżach kreatywnych” Wydziału Komunikacji, Mediów i Projektowania HSE, dla których

2.1 Anna Kaczkajewa. Producent w erze cyfrowej Anna Kachkaeva jest profesorem na Wydziale Komunikacji, Mediów i Projektowania w Wyższej Szkole Ekonomicznej National Research University, dziennikarzem, członkiem Akademii Rosyjskiej

2.2 Walentyna Szwajko. Multimedialne i transmedialne możliwości promocji muzyki w erze cyfrowej G. V. Plekhanova, absolwentka programu magisterskiego „Produkcja medialna w twórczości

Konkurencja w showbiznesie doprowadziła do pojawienia się marketingu branży muzycznej. Kiedy sztuka audio stała się biznesem, potrzebował narzędzi do sprzedaży swoich produktów. Marketing muzyczny opiera się na tradycyjnych strategiach i metodach, ale z pewnością ma wiele specyficznych cech i cech.

Koncepcja marketingu

Konsolidacja produkcji, wypuszczanie coraz większej ilości towarów wysokiej jakości prowadzi do tego, że konieczne są szczególne wysiłki w celu pobudzenia aktywności konsumenckiej. Wraz ze wzrostem produktywności pojawiają się te pierwsze, które początkowo miały na celu udoskonalenie produktu i produkcji, ale stopniowo powstają współczesne idee o promocji jako szczególnej działalności mającej na celu zaspokojenie potrzeb poprzez wymianę. Marketing rozumiany jest dziś jako szczególna komunikacja między producentem a nabywcą, która prowadzi do zaspokojenia potrzeb. Został zaprojektowany, aby pomóc kupującemu i sprzedającemu w osiągnięciu ich celów. W tym sensie marketing branży muzycznej to także specyficzna interakcja między producentem a konsumentem. Producent oferuje na rynku audio produkt, który umożliwi słuchaczowi zaspokojenie jego potrzeb.

Pojawienie się marketingu muzycznego

Pojawienie się marketingu muzycznego wiąże się z powstaniem branży rozrywkowo-rekreacyjnej. Gdy pojawia się showbiznes, obszar, w którym ludzie zarabiają na usługach rozrywkowych, pojawia się potrzeba jak najpełniejszego zaspokojenia potrzeb rynku. Im bardziej rosła konkurencja, tym silniejsza była potrzeba podjęcia specjalnych wysiłków w celu sprzedaży tworzonego produktu. Początki marketingu muzycznego sięgają czasów starożytnych. Na przykład ojciec Mozarta pełnił w istocie funkcję producenta muzyka: dobierał repertuar, prowadził działania propagandowe w celu organizowania koncertów. Kompozytor i wykonawca był środkiem do zysku i zaspokojenia potrzeb publiczności na rozrywkę. Ale w pełnym tego słowa znaczeniu marketing muzyczny pojawia się dopiero na etapie wysokiego rozwoju przemysłu rozrywkowego. Dopiero przy przesytu rynku i dużej konkurencji pojawia się potrzeba przemyślanej promocji produktu muzycznego.

Powstanie przemysłu muzycznego

Showbiznes obejmuje kilka branż: kinematografię, teatr i spektakle, muzykę. Przemysł audio to gałąź światowej gospodarki, która zarabia na sprzedaży produktu lub usługi muzycznej. Człowiek odczuwał potrzebę słuchania muzyki od czasów starożytnych, zjawisko jej wpływu na psychikę nie zostało do końca zbadane. Jest jednak oczywiste, że jest to ściśle związane z emocjami, które są głębokim ludzkim doświadczeniem. To z nimi wiąże się znaczenie muzyki w życiu człowieka. Gdy jest popyt, to oczywiście jest podaż. Przemysł muzyczny powstaje wraz z możliwościami masowej dystrybucji produktu audio, czyli wraz z postępem technologicznym. Show-biznes pojawia się wraz z publicznymi spektaklami, badacze określają datę jego powstania na różne sposoby: od XI do XIX wieku. Ale ponieważ pierwsze akty prawne regulujące organizację pokazów publicznych pojawiły się dopiero w połowie XIX wieku, to stąd tradycyjnie odbywa się odliczanie. Przemysł muzyczny powstaje wraz z pojawieniem się płyty gramofonowej, która zaczyna rozpowszechniać produkt muzyczny wśród mas. Kolejne rewolucyjne etapy wiążą się z pojawieniem się radia i telewizji. Następnie branża dopiero nabiera rozpędu, poprawiają się nośniki dźwięku, rośnie nakład i konkurencja. Rynek branży muzycznej z roku na rok rośnie o kilka procent, wzrost jest szczególnie zauważalny w segmencie Internetu. Dziś bez promocji nie da się zrealizować żadnego projektu muzycznego, nawet z najzdolniejszymi wykonawcami.

Muzyka jako towar

Pieśni, wykonania utworów audio, zespoły muzyczne i soliści to sposób na generowanie zysku. Specyfika muzyki jako przedmiotu promocji polega na tym, że łączy ona jednocześnie właściwości produktu i usługi. Produkt audio musi odpowiadać potrzebom słuchacza, mieć określoną jakość i odpowiednią cenę, musi mieć prestiż i wartość konsumencką, jak każdy produkt. W dodatku muzyka, podobnie jak usługa, jest nierozerwalnie związana z wykonawcą, jest niematerialna, nie da się przewidzieć rezultatu jej konsumpcji. Jednocześnie produkt audio jest towarem, ponieważ ma cenę, jakość, może zaspokoić potrzeby i wymaga promocji od producenta do nabywcy.

Zawód: producent

Producent muzyczny odgrywa najważniejszą rolę w tworzeniu i promocji produktu muzycznego. Tworzy produkt, dobiera wykonawcę i materiał zgodnie z potrzebami rynku. Dobrze rozumie trendy rynkowe, potrafi wpływać na gusta i pragnienia odbiorców, potrafi przewidywać potrzeby słuchaczy. Producent muzyczny zapewnia również finansowo stworzenie produktu, znajduje sprzęt, kupuje muzykę, teksty, płaci za pracę wykonawców i personelu towarzyszącego. Kolejną ważną funkcją producenta jest zapewnienie sprzedaży produktu, planuje działania marketingowe, organizuje wycieczki i koncerty. Producent jest centralną postacią branży muzycznej, jest jednocześnie specjalistą od marketingu i zarządzania.

Cele i zadania marketingu

Marketing branży muzycznej, jak każdy inny, ma najważniejszy cel – zwiększenie sprzedaży. Aby jednak zwiększyć popyt, konieczne jest rozwiązanie problemów z tym związanych. Ważnym celem marketingu muzycznego jest rozpowszechnianie informacji o produkcie i artyście. Tylko wysoka świadomość może doprowadzić do zakupu. Kolejnym zadaniem marketingu jest stworzenie produktu, który zaspokoi potrzeby słuchaczy. Dlatego każdy wykonawca musi mieć nie tylko wyjątkową jakość, ale także wyjątkowe pozycjonowanie. Marketing muzyczny musi utrzymywać stałą komunikację między słuchaczem a wykonawcą, uwzględniać zmiany w postrzeganiu produktu oraz kształtować lojalną postawę wobec produktu ze strony konsumenta.

Przedmioty promocyjne

W marketingu muzycznym istnieje kilka obiektów promocji. Przede wszystkim jest wykonawcą lub grupą. Gdy na rynku muzycznym pojawia się nowa nazwa, zadaniem marketingowym jest uświadomienie jej wśród docelowej grupy odbiorców. Promocja grup i solistów zaczyna się od rozwoju pozycjonowania, a dopiero potem planowana jest komunikacja, powstaje i stymulowany jest popyt. Wykonawca również potrzebuje brandingu, każdy muzyk dąży do tego, aby stać się marką, ponieważ prowadzi to do stałej wysokiej sprzedaży. Przedmiotem promocji może być również produkt audio. Płyta, koncert, film – wszystko to wymaga przemyślanego planu promocyjnego, aby zmaksymalizować popyt i zysk. Przeboje muzyczne są najczęściej efektem celowych działań marketingowych.

Strategia marketingowa

Długoterminowy plan rozwoju produktu nazywany jest strategią marketingową. Aby opracować strategię, trzeba dobrze poznać stan rynku i specyfikę segmentu, do którego promowany jest produkt. Marketing muzyczny jako specyficzna działalność nie może stosować wszystkich istniejących strategii marketingowych. Tutaj potrzebujemy specjalnego podejścia, które uwzględni cechy produktu muzycznego. Najbardziej akceptowalnymi strategiami są intensywny wzrost, który opiera się na zwiększeniu wysiłków marketingowych na istniejących rynkach. Możliwe jest również zastosowanie strategii głębokiej penetracji rynku, w tym przypadku programy marketingowe stymulują zakup większej ilości towarów, a także usług. Strategie muszą promować długofalowy i zrównoważony popyt, dlatego na rynku muzycznym niezwykle ważny jest wizerunek artysty, który musi być starannie zaplanowany i utrzymany.

Grupa docelowa marketingu muzycznego

Marketing branży muzycznej opiera się na koncepcji, czyli identyfikacji konkretnej grupy docelowej, dla której tworzony jest dany produkt. Definicja segmentu jest niezwykle ważna dla skutecznego marketingu produktu. Wybór grupy docelowej na rynku muzycznym najczęściej dokonywany jest według następujących parametrów: wiek, płeć i styl życia. Jest produkt dla młodzieży, dzieci i osób dojrzałych, muzyka dla kobiet i mężczyzn. Styl życia, zainteresowania, upodobania są również kryterium wyboru grupy docelowej. Widać, że dziś na wszystkich rynkach, w tym na rynku muzycznym, ma miejsce odmasowienie, powstają produkty dla coraz węższej grupy odbiorców. Jest więc muzyka dla fanów koreańskich seriali lub dla gotów. Dzięki temu możesz sprzedawać więcej towarów.

Metody promocji

W marketingu istnieją cztery główne metody osiągania celów: są to stymulowanie popytu, sprzedaż bezpośrednia, PR i reklama. Wszystkie cztery elementy marketingu mix są wykorzystywane w promocji produktu muzycznego, ale częściej niż stymulowanie popytu. Promocja piosenki bez reklamy i PR jest niemożliwa. Aby albumy mogły być kupowane, konieczne jest kreowanie świadomości i popytu, a do tego metody takie jak reklama w mediach bezpośrednich – umieszczanie materiałów informacyjnych w mediach, a także narzędzia BTL – marketing wydarzeń, komunikacja poprzez sieci społecznościowe, Wykorzystywany jest marketing internetowy.

Plan promocji produktów muzycznych

Na podstawie wybranej strategii marketingowej opracowywany jest plan promocji artysty lub grupy. Na pierwszym etapie konieczne jest określenie celów promocji, może to być np. budowanie świadomości czy utrzymanie sławy. Następnie planowane są działania w trzech obszarach: promocja (umieszczenie produktu w programach telewizyjnych i radiowych), reklama (tworzenie szumu informacyjnego wokół produktu, wprowadzanie legend i plotek, udzielanie wywiadów, umieszczanie w rankingach, tworzenie materiałów dziennikarskich), performance (organizacja komunikacji na żywo między wykonawcą a słuchaczem, organizacja występów koncertowych, sesje autografowe). Grupy muzyczne i soliści muszą być stale słyszani, dlatego konieczne jest stosowanie różnych środków reklamy i PR, aby zapewnić stałą obecność wykonawcy w polu informacyjnym słuchacza.

Marki w muzyce

Marketing w sztuce muzycznej pierwotnie kojarzony był z tworzeniem gwiazd, czyli marek. Aby słuchacz zaufał wykonawcy, poczuł do niego sympatię i sympatię, należy dokładnie rozważyć wizerunek przyszłej gwiazdy. Promocja grup lub solistów zaczyna się od stworzenia nazwy, która powinna zawierać pewną filozofię, przesłanie, na podstawie którego później będzie planowana komunikacja ze słuchaczami. Następnym krokiem jest stworzenie osobistej historii. Fani chcą wiedzieć wszystko o swoim idolu, więc zaczną szukać informacji o jego życiu osobistym, przeszłości, a producent musi z góry zadbać o mit sprzedażowy. Na przykład legenda mega-popularnej grupy „Przetargowy maj” była opowieścią o dzieciach z sierocińca, co dało zespołowi dodatkową aureolę litości i przyczyniło się do popularności. Konieczne jest również przemyślenie wyglądu wykonawcy, aby spełniał oczekiwania docelowej publiczności. Ponadto powinieneś sformułować kluczową wiadomość, która będzie musiała zostać utrwalona w umysłach słuchaczy. Na przykład Staś Michajłow jest pozycjonowany jako piosenkarz dla dojrzałych, rozwiedzionych kobiet i to jest jego przewaga konkurencyjna. Po stworzeniu wszystkich elementów marki konieczne jest systematyczne dbanie o wizerunek wykonawcy.

Doświadczenie w marketingu muzyki światowej

Dziś przeboje muzyczne rodzą się nie tylko dzięki talentowi kompozytorów i wykonawców, ale najczęściej dzięki staraniom producentów. Współczesny przemysł wprawił w ruch proces narodzin gwiazd. Oczywiście na start potrzebny jest utalentowany materiał, ale bardziej potrzebny jest kompetentny producent, który zna skuteczne metody marketingowe w produkcji marek muzycznych. Uderzającym przykładem takiej pracy producentów są np. Lady Gaga, Justin Bieber czy grupa Viagra.

Współczesny przemysł muzyczny to dość dziwne zjawisko, które nie stoi w miejscu i stale ewoluuje. Ci, którzy pracowali w muzycznej „kuchni” ponad rok, wiedzą, że czasami bardzo trudno jest przewidzieć, jaka muzycznie przyszłość przyniesie nam przyszłość. Jednak system zysków jest zawsze taki sam i każdy, kto poważnie myśli o zamianie swojej muzyki na twardą gotówkę, dobrze by zrobił, gdyby miał przynajmniej podstawową wiedzę na temat tego, jak działa biznes muzyczny.

Dlatego postanowiliśmy napisać mały poradnik dla śmiałków, którzy chcą i zamierzają promować swoją muzykę i dobrze na niej zarabiać. To wystarczająca informacja, aby dać ci podstawowe pojęcie o tym, jak biznes muzyczny żyje i oddycha, i skłonić cię do zastanowienia się, jak możesz być jego częścią.

Wytwórnie fonograficzne

„Tradycyjną” drogą do sukcesu w przemyśle muzycznym jest to, że Twoje nagranie zostanie usłyszane przez znaną wytwórnię, która następnie podpisze Ci kontrakt na promocję Twojej twórczości. Jeszcze lepiej, jeśli masz już nagrane kilka utworów, które można umieścić w swoim minialbumie, w pełnym albumie lub kilku albumach w sieci.

W rzeczywistości wytwórnia działa jak inwestor, który inwestuje swoje pieniądze w Ciebie i Twój projekt. Pieniądze te są wykorzystywane na opłacenie wynajmu studia, miksowania i masteringu, a także płacenie zaliczki, która jest wpłacana z góry, abyś mógł dożyć punktu, w którym zaczniesz otrzymywać swój udział w sprzedaży, o którym mowa w branży jako tantiemy.

Etykieta zajmuje się również całą dokumentacją potrzebną do wydania utworu/albumu, która zawiera tabelę podziału tantiem: jaki procent każdej zarobionej monety trafia osobiście do Ciebie, współpracowników, a jaki procent trafia do wytwórni, aby pokryć ich początkowy inwestycji i otrzymuj dalsze zyski, które marka może ponownie zainwestować w Twoją promocję.

Odbicia muzyczne

Towarzystwo Ochrony Praw Autorskich (MCPS) płaci tantiemy za każdą kopię Twojego utworu. Oznacza to, że im więcej sprzedasz płyt, tym więcej dostaniesz. Ponadto, jeśli Twój utwór trafi na płytę CD lub DVD lub zostanie wykorzystany w jakikolwiek inny sposób, również otrzymasz za to określoną kwotę.
Na przykład: w kolekcji jest 20 piosenek, a jedna z nich jest twoja. Oznacza to, że Copyright Society zapłaci Ci 5% wszystkich sprzedaży.

Długo oczekiwane wydanie Twojej muzyki

Wydanie Twojej muzyki oznacza wykorzystanie Twojego utworu w dowolnej formie, a cały dochód uzyskany po wydaniu Twojej muzyki może pochodzić z wielu różnych źródeł. W rzeczywistości pieniądze pochodzą za każdym razem, gdy utwór jest odtwarzany w telewizji, radiu lub używany jako ścieżka dźwiękowa do filmu, nawet gdy utwór jest odtwarzany w przymierzalniach Topshop. Lista jest nieskończona.

Teoretycznie okazuje się, że otrzymujesz pieniądze za dowolne wykorzystanie swojego toru. System ten działa za pośrednictwem agencji windykacyjnych, takich jak PRS w Wielkiej Brytanii lub ASCAP (Composers, Writers and Publishers of America) w USA. Organizacje te śledzą wszystkie sposoby wykorzystania Twojej muzyki, a następnie odpowiednio zbierają i rozdzielają pieniądze.

Telewizja, filmy i nie tylko

Głównymi kanałami dystrybucji i źródłami zysku w branży muzycznej są telewizja, filmy i gry wideo, czyli dystrybucja ścieżki dźwiękowej Twojej muzyki za pośrednictwem tych kanałów. Korzyści płynące z fonogramu są oczywiste: otrzymujesz zapłatę za wykorzystanie swojej kompozycji; w rezultacie otrzymujesz nowe dochody z faktu, że Twoja piosenka jest wykorzystywana w projektach filmowych lub programach telewizyjnych, na przykład jako ścieżka dźwiękowa. Takie wykorzystanie Twojej muzyki pozwala zwiększyć widoczność Ciebie i Twojej pracy, ponieważ będzie ona słyszana przez potencjalnie ogromną publiczność, która wcześniej nie była zaznajomiona z Twoją muzyką.

Nie jest łatwo zdobyć utwory w projektach telewizyjnych i filmowych, ale istnieją wyspecjalizowane firmy produkcyjne, które będą działać w twoim imieniu, aby popchnąć twoją muzykę w tym czy innym kierunku. Możesz więc zająć się swoim biznesem, podczas gdy agencje takie jak ta promują twoje utwory wśród ludzi związanych z filmem i telewizją.

Całkiem zrozumiała jest potrzeba skatalogowania muzyki, która znajdzie się w bibliotece fonograficznej firm muzycznych (ostatnio określanych jako Music Production Companies). W końcu to właśnie taki katalog jest potencjalnie najbardziej opłacalny ze wszystkiego, co zrobisz. Z reguły taka firma pobiera procent za promocję Twojej muzyki. Ale nie musisz im płacić z góry, żeby cię reprezentowali. Płatność dokonywana jest na miejscu. A jeszcze lepsze jest to, że nie otrzymują zapłaty, dopóki Twoja muzyka nie zostanie wydana, co oznacza, że ​​będą pracować tak ciężko, jak tylko mogą, aby upewnić się, że wszyscy o Tobie wiedzą.

Pomyśl o kompozycji Rembrandta „I'll Be There For You” – ścieżce dźwiękowej do serialu „Przyjaciele” – io tym, ile osób zna go na całym świecie…

Inne źródła dochodów

A jeśli w ogóle nic nie napisałeś ani nie wyprodukowałeś? Nie martw się, nadal możesz zarabiać na muzyce. Streaming PPL nie jest typowym kanałem dystrybucji ze względu na autorów piosenek. Jest to dodatkowe źródło tantiem wypłacanych przez nadawców wykonawcom za korzystanie z ich muzyki. Wszyscy zaangażowani w tworzenie utworu (basiści, wokaliści wspierający itp.) również otrzymują niewielką kwotę pieniędzy za swoją pracę.

Dystrybucja

Dystrybutor odpowiada za dostarczenie Twojej muzyki z magazynu do sklepu. Aby to zrobić, jeśli tworzysz treści fizyczne, musisz zawrzeć umowę dystrybucyjną.
Jak wiemy, muzyka „fizyczna” pozostaje w tyle za muzyką cyfrową pod względem popularności, co jest dobrą wiadomością, jeśli zakładasz własną wytwórnię, ponieważ dystrybucja nie musi być wielkim wysiłkiem ani kosztem. Dystrybucja cyfrowa oznacza, że ​​Twoje nagrania będą dostępne w cyfrowej sprzedaży we wszystkich miejscach, na które czekają Twoi fani. Na przykład Amazon, Beatport, iTunes. Innymi słowy, dystrybucja cyfrowa pod każdym względem oszczędza Ci niepotrzebnego zamieszania.

I w końcu

To wszystko jest dość trudne do zaakceptowania, ale jeśli chcesz połączyć swoje życie z muzyką, to musisz zrozumieć podstawowe mechanizmy tak ogromnej muzycznej machiny i musisz być gotowy, jeśli naprawdę chcesz wyrazić siebie i odejść znak na boisku muzycznym, weź to sprawa i idź do końca, bez względu na wszystko.
I życzymy powodzenia!

Wykład - Sergey Tynku

To niesamowite, ale tak wielu ludzi wciąż nie wie, jak działa dziś mechanizm przemysłu muzycznego. Dlatego postaram się wyjaśnić wszystko w skrócie. A tak przy okazji, jeśli nie rozumiesz, czym jest branża, to za granicą rozumieją to jako biznes. Chodzi o to, jak działa biznes muzyczny lub przemysł muzyczny. Weź to sobie do głowy, raz na zawsze, branża to biznes.

Jak każda inna branża, przemysł muzyczny wytwarza i sprzedaje produkt. A ten produkt to koncert. Wcześniej produkt był rekordowy, ale w naszych czasach nie ma już znaczenia. Teraz produkt to tylko koncert. Dlaczego koncert? Bo muzycy zarabiają na koncertach, a słuchacze płacą za koncerty.

W związku z tym głównym celem branży jest zrozumienie zapotrzebowania publiczności (na danym terenie) na koncerty w określonym formacie, stylu i cenie. Samej branży nie obchodzi, jaki rodzaj muzyki i jakich muzyków ma sprzedawać. Po prostu lepiej sprzedawać. To jak bycie w barze. Odpowiedni właściciel baru nie dba o to, jakim piwem handlować, a nalewa to, na które jest większy popyt i na którym można więcej zarobić - kupuj taniej i drożej sprzedawaj.

Aby artysta mógł wejść do branży muzycznej, pozostań tam i odnieś sukces… wszystko, czego potrzebujesz, to być na nie popyt. To jak z każdym produktem na każdym rynku. Jeśli będzie zapotrzebowanie na Twój koncert, to będziesz w branży. Jeśli nie ma popytu, to nie będzie. Branża interesuje się artystami, którzy przynoszą pieniądze, do których przyjdą ludzie.

To prawo działa zarówno na dużych stadionach w obu Amerykach, jak i małych tawernach w regionie Samara. Przemysł muzyczny jest wszędzie taki sam.

Pamiętaj, że nie trzeba być dobrym, ale trzeba być na żądanie. A w naszym kraju ludzie często myślą, że jeśli produkt (muzyk) jest dobry, to musi być popyt. A to są różne rzeczy. A „dobry” jest bardzo subiektywny. Ale pojęcie „na żądanie” można wyczuć własnymi rękami i zmierzyć liczbą widzów i przyniesionymi przez nich pieniędzmi.

Branża składa się z trzech głównych uczestników – sali koncertowej, artysty, widza. A najważniejsze jest widz. Bo całość istnieje na pieniądzach widza. Płaci za wszystko. Sale koncertowe i artyści żyją za swoje pieniądze. Zamawia muzykę pod każdym względem i płaci za bankiet.

Branży nie obchodzi, w jaki sposób artysta zdobywa popularność i popyt (to sprawa osobista i koszt artysty i jego menedżera). Dobra muzyka, skandale, kompetentny PR, moda itp. Branży nie obchodzi, jaki produkt ma sprzedawać. Jego zadaniem jest sprzedaż tego, na co jest popyt. Jeśli ludzie nie przychodzą do twojego klubu (lub baru), wtedy spłukasz. Dlatego zadaniem branży jest zrozumienie, czego ludzie potrzebują – to chyba najważniejsza rzecz w branży.

Wyobraź sobie przez chwilę, że masz własny klub rockowy. Wydałeś pieniądze, aby go kupić, wydajesz pieniądze na jego utrzymanie, płacisz personelowi i ponosisz mnóstwo innych wydatków. A teraz wyobraź sobie, że musisz wybrać jednego z artystów na koncert w swoim klubie. I zapłać mu honorarium. Kogo chcesz zobaczyć w swoim klubie, jeśli chcesz zarabiać, a nie ponosić strat?

Stworzenie pożądanego i popularnego artysty jest zadaniem samego artysty (i jego kierownictwa). Branży nie obchodzi komu sprzedawać. Po prostu skupia się na aktualnych gustach odbiorców. Oczywiście te gusta jakoś ciągle się zmieniają. Ponieważ gusta publiczności są niejednorodne, branża współpracuje z artystami różnych gatunków i stylów.

Zgodnie z popularnością (zapotrzebowaniem) artysty branża oferuje publiczności koncerty w salach o większej lub mniejszej pojemności, a także ustala różne ceny biletów. Ale branża jest zawsze napędzana popytem. Można powiedzieć, że to bezduszna maszyna, głupio odzwierciedlająca obecny stan rynku i popyt. Z grubsza rzecz biorąc, branża to tysiące sal koncertowych, których liczba, wielkość i format są determinowane wyłącznie przez rynek, czyli popyt na niektórych artystów i gatunki na określonych terytoriach.

Pamiętaj, że w różnym czasie na różnych terytoriach popyt jest również inny!

Nie ma sensu, aby artysta czy widz byli niezadowoleni z branży. Po prostu pokazuje stan rynku, reagując na niego, a nie go kształtując. Jeśli w branży czegoś nie ma lub jest słabo reprezentowana, to tylko dlatego, że w tej chwili na tym terenie jest taki popyt na ten produkt (zerowy lub mały).

Jeśli artysta nie jest w branży (albo robi, ale nie na taką skalę, jak byśmy sobie życzyli), to nie jest wina branży. Reaguje tylko na gusta tłumu. I nie dba o konkretne nazwiska artystów.

Tak to wszystko działa w skrócie.

W związku z tym koncepcja muzyki na żądanie jest inna. Jeśli tworzysz muzykę według własnego gustu, nie zdziw się, że przemysł muzyczny tego nie potrzebuje. Twój gust niekoniecznie jest taki sam jak gust płacącej publiczności. A jeśli tak, to nie jest faktem, że jakość Twojego produktu muzycznego może konkurować z innymi artystami. Zawsze bądź świadomy konkurencji. Obecnie na świecie jest znacznie więcej muzyków niż potrzebuje publiczność. Dlatego nie wszyscy trafiają do branży muzycznej.

Jeśli popyt na muzykę w wiosce to jeden harmonijka na przyjęcie sylwestrowe, to dziesięciu harmonistów nie będzie pasowało do przemysłu tej wioski.

Na świecie są menedżerowie muzycy. Są pośrednikami między artystami a publicznością, artystami a przemysłem. Ktoś (jak gdzie indziej) może obejść się bez pośredników, ale komuś się nie udaje. Jak każdy pośrednik, menedżerowie starają się zarabiać. Dlatego ważne jest, aby widzieli i rozumieli, czy konkretny artysta będzie w stanie stać się popularny, czy „nie” w paszy dla koni. Ta wizja zrozumienia odróżnia dobrego menedżera od złego. To jest jego dochód. Znowu branża nie dba o to, jak artysta stara się zdobyć popularność – z menedżerami lub bez. Słowo „kierownik” w tym tekście może być rozumiane nie tylko jako jedna osoba, ale jako całe biuro promocji.

Wielu artystów wiąże duże nadzieje z menedżerami, którzy ich zdaniem rozwiążą wszystkie problemy. Ale to nie jest takie proste. Jeśli menedżer jest dobry i rozumie rynek, to będzie pracował tylko z artystą, który jego zdaniem ma potencjał. A artysta musi jakoś umieć oczarować menedżera, sprawić, by uwierzył w siebie. I okazuje się, że menedżer nie jest magikiem sprzedającym zły produkt, a artysta musi przede wszystkim rozdać produkt o odpowiednich właściwościach (który można sprzedać).

Jeśli menedżer jest zły, może łatwo zatrudnić artystę o niejasnych perspektywach. I tu może być tak, że zły menedżer w żaden sposób nie pomoże, albo dobry artysta pod względem perspektyw rynkowych odniesie sukces nawet ze złym menedżerem. Ale w każdym razie, jeśli artysta zdecyduje się wypromować z pomocą menedżera, musi sprawić, by menedżer uwierzył w tego artystę.

A musimy pamiętać, że menedżer nie jest wolny. Jeśli menedżer (biuro) inwestuje pieniądze (lub czas/wysiłek) w promocję, oznacza to, że widzi potencjał w produkcie (artyście) i planuje zrekompensować koszty i zarobić więcej. A jeśli żaden z mądrych menedżerów nie chce robić z tobą interesów, to nie widzą w tobie potencjału rynkowego. Oni, jak wszyscy inni, mogą popełniać błędy – spróbuj to udowodnić im i rynkowi.

Zrozum, że jeśli twój potencjał jest oczywisty, wtedy natychmiast utworzy się wokół ciebie morze ludzi, którzy chcą na tobie zarabiać. Ale jeśli nie jest to oczywiste, to trzeba przeciągać nieszczęśliwych. To jak z kobietami. Jeśli jesteś super laską, wokół ciebie jest morze mężczyzn. A jeśli nie jesteś bardzo dobry, popyt na ciebie na rynku męskim jest znacznie mniejszy. Na tym świecie wszystko jest bardzo proste.

W przemyśle muzycznym obowiązują te same prawa, co na rynku ogólnym. Wyobraź sobie sklep spożywczy. Dostępnych jest 10 opakowań mleka różnych marek. Powiedzmy, że zdecydujesz się zrobić mleko. Dobre mleko. Przychodzisz do sklepu i mówisz – mam dobre mleko, zabieram je na półkę. Odpowiadają, że mleko może być dobre, ale nikt o tym nie wie i nie kupi - popyt ludzi na niektóre marki już się rozwinął. Dlaczego powinniśmy kupować potencjalnie niepłynne zapasy na półkach? Potem zaczynasz reklamować swój produkt – kręcisz filmy do pudełka, wieszasz reklamy na billboardach w całym mieście, rozdajesz darmowe paczki mieszkańcom w pobliżu metra, zatrudniasz gwiazdę do promocji. Wszystko! Pojawił się popyt - zabrali cię do sklepu. Najpierw w jednym, potem w drugim, a potem w całym kraju! Jesteś w biznesie, człowieku!

Oczywiście w rzeczywistości sytuacja z popytem i sklepem może być bardziej skomplikowana. Mogą powiedzieć, że nie obchodzi ich, czym handlować - ludzie w okolicy kupią mleko za tę cenę i dlatego nie zamierzają niczego zmieniać w asortymencie. Wtedy trzeba będzie zmotywować sklep – zaproponować im ceny zakupu poniżej konkurencji lub głupio wrzucić łapówkę. W przypadku sal koncertowych, które nie dbają o to, kto gra w ich warunkowej tawernie, o wszystkim decydują te same metody - zmniejszenie próśb o opłaty do artysty i znowu stara dobra łapówka. To jest rynek.

Prosty, przejrzysty schemat. Ale tutaj ważny jest jeden szczegół. Musisz produkować mleko o jakości, którą ludzie lubią. I po cenach, po jakich ludzie chcą go kupić. Oznacza to, że pakiet nie powinien kosztować 200 dolców. I nie musi to być mleko dla psa. Przynajmniej w Rosji. Sam możesz lubić mleko dla psów (lub szczurów), ale jeśli wejdziesz na rynek, spróbuj wczołgać się do przemysłu mleczarskiego, czyli do biznesu, wtedy musisz wziąć pod uwagę popyt na produkty w określonym obszarze.

Oznacza to, że jeśli mówimy o przemyśle mleczarskim, wszystko jest tutaj takie samo - produkt (artysta), sklep (miejsce koncertu), kupujący (widz). Są też działy i agencje reklamowe (wytwórnie, pośrednicy), które promują towary za pieniądze.

Oczywiście wielu muzyków na całym świecie w ogóle nie chce myśleć o rynku, produkcie, klientach i innych nieromantycznych rzeczach. A wielu odnoszących sukcesy artystom udało się żyć w swoim wyjątkowo wysublimowanym świecie, wykonując tylko twórczą pracę (ale jednocześnie płacąc menedżerom pogrążonym w rutynie i codzienności).

Ale jeśli nie osiągnąłeś takiego poziomu oświecenia, to albo sam musisz poradzić sobie z rynkiem i swoją popularnością, albo spróbować oczarować jakiegoś menedżera (biura), który w ciebie uwierzy. I tacy menedżerowie oczywiście istnieją. Ponieważ w każdym kraju są artyści odnoszący sukcesy, a ktoś jest zaangażowany w sprawy tych artystów. Ale jeśli w ciebie nie wierzą, to mój przyjacielu, wszystkie problemy są tylko w tobie. W nikim innym. Trudno się do tego przyznać – spójrz w lustro i powiedz sobie „wydaje mi się, że nie jestem tym, czego ludzie potrzebują”.

Oczywiście można głupio wynająć managera (jak każda agencja reklamowa) za własne pieniądze (a nie za udział w koncertach)…ale to jest jak płatny seks. Właściwi faceci otrzymują za darmo. A jeśli nie dostajesz gratisów za miłość, to oczywiście masz problemy z byciem popytem.

Bardzo często nieodebrani artyści obwiniają branżę, pośredników i widzów za brak popytu. To takie głupie. Branża i menedżerowie odpowiadają na potrzeby widza, na zapotrzebowanie. A widzowie to wolni ludzie, którzy decydują, gdzie wydać swoje pieniądze. Jeśli cię nie chcą, to ich prawo. Nic ci nie są winni. Nie zmuszali cię do tworzenia muzyki.

A najbardziej niezawodny sposób na dołączenie do branży, znany wszystkim profesjonalnym muzykom i menedżerom wszystkich czasów i narodów… jest bardzo prosty. Trzeba być głupim, żeby pisać hity. I to wszystko! Piosenki, które ludzie lubią. Pisz hity, koleś, a na pewno będziesz miał wszystko! Zwróćcie uwagę – wszyscy wykonawcy, którzy nie pasowali do branży – nie mają ani jednego hitu.

Ale powiedzmy, że nie możesz lub nie chcesz pisać hitów? Ale przecież można grać nieznajomych – na to też jest popyt (w tawernach i na imprezach firmowych), a wraz z tym dostają się też do branży – tylko może nie na takim poziomie, na jakim ktoś by chciał. A jeśli w ogóle nie grasz hitów, nie ma gwarancji, że dostaniesz się do branży. Może się to sprawdzić w branży, ale może nie.

OK, już po wszystkim. Mam nadzieję, że teraz rozumiesz, dlaczego niektórzy artyści mają dużo koncertów i pieniędzy, podczas gdy inni płaczą kota.

Początek XX wieku charakteryzuje się szybkim rozwojem branży muzycznej rozrywki. Istotną rolę w rozwoju działalności koncertowej odegrały istniejące do 1918 r. Towarzystwo Filharmonii Petersburskiej, Filharmonia Moskiewska, Rosyjskie Towarzystwo Muzyczne, Koło Muzyki Rosyjskiej oraz organizacja koncertowa House of Song. Scena muzyczna w tym okresie znajdowała się głównie w rękach prywatnego przedsiębiorstwa.

Szczególnie aktywna jest branża nagraniowa. Pierwsza fabryka płyt w Rosji została otwarta w Rydze w 1902 roku. A w 1907 r. produkcję płyt zorganizowała firma Pate, która sprowadzała matryce z zagranicy (od 1922 r. „Fabryka im. 5 rocznicy października”). Od 1910 roku fabryka Metropol-Record na stacji Aprelevka pod Moskwą produkuje płyty. W 1911 roku uruchomiono fabrykę spółki Sirena-Record, która w ciągu roku drukowała 2,5 miliona płyt.

Duma Państwowa przyjęła ustawę „O prawie autorskim”, która po raz pierwszy uwzględniła interesy firm nagrań dźwiękowych. Powstała Agencja Praw Muzycznych dla Autorów Rosyjskich (AMPRA). Roczna produkcja brutto w Rosji wyniosła 18 milionów płyt gramofonowych, na rynku działało około 20 firm. Zakład Aprelevka zwiększył swoją wydajność do 300 000 rekordów rocznie. Powstał „Syndykat Zjednoczonych Fabryk”, aby przeciwstawić się dużym zagranicznym producentom. Jednak po wybuchu I wojny światowej w Rosji ich liczba spadła.

W 1915 r. uruchomiono zakład „Pisanie Kupidyna w Moskwie”. Przed rewolucją w Rosji było sześć fabryk produkujących 20 milionów płyt rocznie; ponadto wyprodukowano 5-6 milionów z importowanych matryc. Większość fabryk opierała się na osobistym kapitale rosyjskim – „Partnerstwo Rebikowa i K?” i inni.

Jednocześnie jednak rynek boryka się również z pierwszymi negatywnymi zjawiskami w branży muzycznej, charakterystycznymi także dla współczesnego show-biznesu. Pojawiły się pierwsze pirackie płyty, wyprodukowane przez firmę Neographon i petersburski oddział amerykańskiej firmy Melodifon. Najdalej posunął się przedsiębiorca D. Finkelstein – jego spółka Orfenon produkowała wyłącznie pirackie płyty.

Podobne zjawiska miały miejsce w wydawnictwach muzycznych. Na początku XX wieku wydawnictwa muzyczne w Rosji osiągnęły wysoki poziom rozwoju, nie ustępujący pod względem techniki druku zagranicznym wydawnictwom muzycznym. Takie rosyjskie wydawnictwa muzyczne, jak firma Jurgensona, zdobyły światowe uznanie.

W pierwszych dziesięcioleciach XX wieku istniały liczne sklepy muzyczne - firmy na peryferiach (Jarosław, Rostów nad Donem, Jekaterynburg, Saratów i inne miasta), zajmujące się wydawnictwem muzycznym. Wydawnictwa muzyczne i sklepy muzyczne w Rosji wydawały katalogi wydawanych przez siebie zapisów nutowych, które do dziś są cennym źródłem do badania gustów muzycznych epoki.

Kardynalne zmiany w sztuce muzycznej nastąpiły po rewolucji 1917 roku. Działalność wydawnicza przechodzi w ręce państwa (Dekret Rady Komisarzy Ludowych z 19 grudnia 1918 r.). W 1921 r. wydawnictwa muzyczne i drukarnie muzyczne zostały połączone w jedno wydawnictwo muzyczne, które w 1922 r. stało się częścią Gosizdat jako sektor muzyczny. W 1930 roku sektor muzyczny został zreorganizowany w Państwowe Wydawnictwo Muzyczne „Muzgiz” z oddziałem w Leningradzie, które stało się największym wydawnictwem muzycznym.

W tych samych latach działa też szereg innych wydawnictw muzycznych, w szczególności spółdzielnia "Tritron" (1925-1935). Wydawali nuty i książki o muzyce. W sporadyczne publikowanie notatek zaangażowanych jest szereg organizacji i wydziałów publicznych: Moskiewskie Towarzystwo Pisarzy i Kompozytorów Dramatycznych (MOPIK, 1917-1930), Ogólnounijny Zarząd Ochrony Praw Autorskich.

W 1939 r. w ramach Związku Kompozytorów powstał Fundusz Muzyczny ZSRR, do którego zadań należało wydawanie utworów kompozytorów sowieckich. W 1964 „Muzgiz” i „Sowiecki Kompozytor” połączyły się w jedno wydawnictwo „Muzyka”, ale w 1967 ponownie się rozdzieliły. Wydawnictwa te wydają czasopisma „Muzyka Radziecka” i „Życie Muzyczne”.

Produkcja płytowa również przechodzi okres dramatycznych zmian. Przemysł ten został znacjonalizowany. A jedną z pierwszych płyt gramofonowych wydanych pod reżimem sowieckim było nagranie przemówienia V.I. Apel Lenina do Armii Czerwonej. W latach 1919-1920. Dział „Centropechat” „Radziecka płyta” wyprodukował ponad 500 tysięcy płyt gramofonowych. Były to głównie nagrania przemówień – przemówienia wybitnych osobistości partyjnych i publicznych.

W latach dwudziestych wznowiono produkcję w starych przedsiębiorstwach, a w latach trzydziestych rozpoczął pracę Ogólnounijny Dom Nagraniowy w Moskwie. W 1957 roku powstało All-Union Recording Studio. W 1964 roku powstała Ogólnounijna Firma Melodiya, łącząca krajowe fabryki, domy i studia nagraniowe, stając się na wiele lat monopolistą w dziedzinie nagrań dźwiękowych.

Duże zmiany nastąpiły również w działalności koncertowej. Organizacja i zarządzanie całym przemysłem przeszło w ręce państwa, co miało ogromny wpływ na ideowe ukierunkowanie twórczości wykonawców. Było to szczególnie widoczne w dziedzinie pop-artu. Powstały specjalne instytucje państwowe, które organizowały działalność koncertową artystów wszystkich gatunków, w tym muzyki pop.

System ten, pod auspicjami Ministerstwa Kultury, obejmował Koncerty Państwowe, Sojuzconcert, Rosconcert, towarzystwa filharmoników republikańskich, regionalnych i miejskich, stowarzyszenia koncertowe, które prowadziły całe najbardziej złożone życie koncertowe w naszym kraju. Wolna przedsiębiorczość została prawnie ukarana jako działalność nielegalna. Wspólnie w tym okresie na pierwszy plan wysuwa się praca muzyczna, edukacyjna i kulturalna.

Koncerty odbywają się nie tylko w salach koncertowych dużych miast, ale także w małych klubach, domach kultury, w sklepach fabryk, fabryk, PGR-ów, kołchozów, w czerwonych zakątkach i na farmach. Jednocześnie artyści płacili według ściśle ustalonych taryf - od 4,5 do 11,5 rubli za koncert.

Wraz z pojawieniem się gospodarki rynkowej na oficjalnej scenie zaczynają się rozwijać alternatywne kierunki. Z reorganizacją tej działalności wiążą się problemy. Powstała główna sprzeczność: między osobistą naturą talentu a praktyką zawłaszczania przez stan jego pracy. Przecież wcześniej nie było prawa do zapłaty wykonawcy na żądanie. Powstanie wielu firm i firm działających na scenie muzycznej stało się obiektywną odpowiedzią nowych czasów na wzrost zainteresowania zarówno konsumentów, jak i przedsiębiorców sceną jako całością i jej kierunkami.

Obecnie w Moskwie istnieje ponad siedemdziesiąt publicznych i prywatnych stowarzyszeń, firm, firm i stowarzyszeń, które organizują działalność koncertową. Bez brania pod uwagę nielegalnych, niezarejestrowanych stowarzyszeń, taką wieloaspektową działalnością mogą zarządzać tylko wysoce profesjonalni, wyspecjalizowani menedżerowie, którzy muszą nie tylko i nie tyle zaspokajać rosnące wymagania społeczeństwa, ale także je wyprzedzać, wyraźnie wychwytując sytuację rynkową i monitorując działania konkurentów, biorąc pod uwagę inne czynniki w ich pracy na tym rynku, takie jak wypłacalność ludności itp.