Obraz w formie tarczy zamówił u artysty kardynał Francesco Maria del Monte jako prezent Ferdynand Wielki Książę toskański. I stało się dla „” „Requiem”, które przyniosło Mozart Do grobu.
Caravaggia. „Meduza Gorgona”. 1599. Galeria Uffizi, Florencja.
„Portret” jest uznawany za najbardziej wyrazisty obraz Meduzy w historii sztuki światowej. Nie mniej interesujące jest to, że jest „kluczem” do twórczego życia Caravaggia.
Zanim " Meduza"Pisał sceny rodzajowe, po nim - morderstwa, ukrzyżowania, męki, ścięcia... Jakby umierał przez długi, długi czas, nie mogąc uniknąć" klątwy Meduza”. Zmarł w wieku 37 lat w nieznanych okolicznościach.
Podziel kreatywność na części -
przed i po pojawieniu się w jego życiu
wężowłosy cudowny potwór,
Musi dojść do wniosku...
Portret Caravaggia autorstwa Ottavio Leoniego, 1621. Czyja klątwa spoczywa na genialnym włoskim artyście – reformatorze malarstwa europejskiego XVII wieku, założycielu realizmu w malarstwie, jednym z największych mistrzów baroku?
Bądźmy konsekwentni...
Michał Anioł Merisi urodzony w 1573, przypuszczalnie w miejscu, gdzie jego ojciec jest architektem Fermo Merisi- był w służbie księcia Francesco Sforza. W 1576 roku podczas zarazy zginęli dziadek i ojciec, a matka i dzieci wrócili do rodzinnego miasta, które stało się drugim imieniem (pseudonimem) artysty.
Kilka lat później zmarła również jego matka, a Michele znalazł się wśród ulicznych chłopców, którzy walczyli o życie pięściami i kradzieżą. W jakiś sposób wykazał talent do rysowania, aw 1584 roku trzynastoletni nastolatek został wysłany do Mediolanu na studia u artysty. Simone Peterzano, bardzo popularny w tamtym czasie. Jak to było w zwyczaju, mistrz zmusił się do malowania martwych natur i kopiowania. Giulio Mancini- jeden z pierwszych biografów Caravaggia - zauważa, że młody człowiek „uczył się z zapałem, ale od czasu do czasu popełniał ekstrawaganckie czyny z powodu zbyt nieokiełznanego temperamentu i żarliwego usposobienia”.
Rozpoczął się bal: talent artystyczny
i nieokiełznany, dość włoski temperament.
Caravaggia. "Koszyk na owoce". 1596. Pierwsza martwa natura w historii malarstwa włoskiego.
Bardzo „karavadzhievsky” w porównaniu z martwą naturą, której zadaniem jest jak najpiękniejsze przedstawienie kombinacji obiektów ...
Martwa natura: martwa natura- martwa natura. Martwa natura Karavadzhieva - umierająca natura ... Liście wysychają. Winogrona są spleśniałe. Jabłka i gruszki w tunelach czasoprzestrzennych. Tutaj piękno, jeśli przyjrzysz się uważnie, wcale nie jest piękne.
A wszystko dlatego, że artysta przedstawia UMIERAJĄC,
ZAMROŻONE W NIESKOŃCZONEJ PAUZY TEATRALNEJ.
DIE - pierwsze pojawienie się parametrów tymczasowych
te, które zostaną opracowane przez artystę w trakcie
całe jego życie twórcze - krótkie: 17 lat.
Caravaggia. „Chory mały Bachus”. 1593. Galeria Borghese, Rzym. „Sick Bacchus” uznawany jest za autoportret Caravaggia. Mówią, że nie mogą
zapłacić za modelki, namalował sam artysta, patrząc na swoje odbicie w lustrze.
W 1588 opuszcza Mediolan i udaje się do, a dwa lata później do Rzymu. Po przybyciu artysta choruje i spędza trzy miesiące w szpitalu między życiem a śmiercią.
Po wyzdrowieniu młody Caravaggio postanawia żartować, wyobrażając sobie siebie w postaci Bachusa. Blada skóra, zielonkawa cera, osłabienie ręki trzymającej kiść winogron. Na głowie ma na wpół wyblakły wieniec, wcale nie utkany z liści winogron. I to wcale nie jest Bachus, ale przebrany za niego śmiertelnik.
Artysta żartuje z ziemskiej natury człowieka i tym samym stara się wznieść ponad nią. Życie takie, jakie jest, z jego cierpieniem, słabością człowieka i jego próbami ratowania siebie - to temat, który ostatecznie stanie się wiodącym w twórczości Caravaggia.
Caravaggia. „Młody człowiek z koszem owoców”. 1593. Czyli „obraz na sztalugę” (mały) ze spokojną fabułą… Młody człowiek wydaje się być zahipnotyzowany, odurzony, pogrążony w melancholii. Za nim są dwa ciemne skrzydła...
W Caravaggio wchodzi do pracowni artysty akademickiego Giuseppe Cesari kto miał przydomek „ Cavalier d'Arpino”i cieszył się przychylnością papieża. Pracownia Cesariego była rodzajem galerii, a wielu aspirujących artystów pozyskiwało tu klientów. Caravaggio również został szybko zauważony. Jego sukcesowi sprzyjał również fakt, że rzymscy artyści pracowali wówczas w stylu Michała Anioła, woląc pisać ogromne freski o tematyce religijnej lub historycznej. Tak zwane „obrazy sztalugowe”, cenione przez kolekcjonerów, praktycznie nie istniały.
Fabuła obrazu pozostaje niezmieniona: dwa ciemne skrzydła za młodym mężczyzną wskazują na jego los - melancholia, depresja, gasnące światło świadomości i ... Dość..
Caravaggia. "Bachus". 1596. Galeria Uffizi, Florencja. Ten „Bachus” nie jest chory, wręcz przeciwnie. On jest Bogiem, który mieszka w swoim świecie, w którym króluje”
wieczne wakacje. Nie spiesz się z wnioskami: obraz jest pełen mistyfikacji ...
Światło emanujące z "Bachusa" odpędza Ciemność - a powietrze wibruje w napięciu. Potrzebujesz bezpośrednich dowodów? Zobacz szczegóły...
W kieliszku wino porusza się po okręgu, pozostawiając koncentryczne ślady swojego obrotu. Zwierciadło wina w szklanym dzbanku jest przechylone, co oznacza, że ono – to wino – również kręci się w kółko. Jaki jest powód?
Ten czas codzienności zmienia się w proste
w wieczność. Caravaggio przekazuje niezrozumiałe: mistyczne subtelności? Tak, ponieważ jest obdarzony SUPERNATURALNYMI MOCAMI.
Biograf artysty Baglione powiedział o tym obrazie:
że „młody człowiek wydaje się żywy i prawdziwy”.
W 1595 roku Caravaggio miał własnego patrona – kardynała Francesco Del Monte: kolekcjoner obrazów i antyków, przyjaciel Galilea. Artysta zamieszkał w swoim pałacu, a za gościnę opłacił swoimi obrazami. Ulubionym obrazem kardynała był Lutniarz.
Tu doskonale oddany jest stan osoby natchnionej i całkowicie oddanej muzyce. Przezroczysty zmierzch wypełnia całe pomieszczenie. Kontrasty światła i cienia podkreślają główne momenty kompozycji i umożliwiają rzeźbienie w reliefie tomów: zarówno twarzy młodzieńca, jak i obiektów na pierwszym planie.
Ta technika, stosowana przez Caravaggia,
naukowcy nazwali "TENEBROSO".
Caravaggio „Gracz na lutni”. 1595. Pustelnia. Petersburg. Fragmenty pierwszego planu ...
Być może „Lutniarz” pozwala na stwierdzenie nie jednej, ale trzech metod, które staną się charakterystycznymi cechami twórczości Caravaggia… Wszystko, co widać, jest dokładnie, namacalnie (fotograficznie) napisane. Otoczenie postaci (poza pierwszym planem) w ogóle nie istnieje: zastępuje je kontrast światła i cienia („tenebroso”). Kompozycja jest fragmentaryczna: rama obrazu zdaje się wycinać część z całości, zbliżając ją do widza. Wszystko to pozwala skupić się nie na akcji (a jej tu nie ma), ale na najsubtelniejszych uczuciach bohaterów. W tym przypadku melancholia.
Caravaggia. „Muzycy”. 1595. Metropolitan Museum of Art, Nowy Jork. Młodzi ludzie są spokojni
zharmonizowane z dźwiękami lutni. Ten stan jest taki oczywisty
że kiedy patrzysz na obraz, muzyka zaczyna brzmieć.
Technika „fragmentacji” pozwala nadać znaczenie najzwyklejszej fabule. Młodzi ludzie grają muzykę. A co z tego? Pod wpływem sztuki ulegają przemianom zarówno wewnętrznie, jak i zewnętrznie. W tle autoportret, ostatnio dawny „Mały chory Bachus”, pochłonięty przez ciemność.
Dzięki "tenebroso" - kontrastowemu połączeniu Światła i Cienia - powstaje efekt napięcia: rodzaj drżenia światła-cienia - wibracji brzmiącej jak muzyka.
Muzycy są tak blisko nas
że dźwięki stają się rzeczywistością.
Mój Boże, jak cudownie...
Caravaggia. „Chłopiec ugryziony przez jaszczurkę”. 1594-1595. Galeria Narodowa w Londynie. Od melancholijnego spokoju ewokowanego muzyką,
nie pozostał żaden ślad. Proste branie – i tak dynamiczne
rozłożona postać, która wydaje się słyszeć płacz.
Realizm Caravaggia to coś więcej niż zwykła imitacja natury. Jego malarstwo łączy w sobie dogłębne zrozumienie ludzkiej psychiki z trafnym przekazem natury światła i formy, co pozwala przekształcić rzeczywistość w rozgrywający się na płótnie dramat.
Caravaggia. „Chłopiec ugryziony przez jaszczurkę”. 1594-1595. Fragment pierwszego planu.
Jak aktywnie życie w najdrobniejszych szczegółach na płótnie jest intensywne. Palce są jak biegnące zwierzę. Jaszczurka jest podobna do smoka. Świeci i wibruje wodę w naczyniu. To jest hiperrealizm...
Caravaggio jako artysta jest fantastycznie uzdolniony.
Będzie coś jeszcze, gdy „mroczny kod” zadziała z pełną mocą, utrzymując twórcze napięcie na niesamowitym poziomie…
Caravaggia. "Wróżka". 1596 - 1597. Luwr, Paryż. Młody człowiek jest wyraźnie niedoświadczony w sprawach doczesnych. Wyraz twarzy
i spojrzenie wróżki - rozdaj doświadczoną i rozważną damę.
Fabuła jest zaczerpnięta z prawdziwego życia, a nie inspirowana Rafaelem.
Młody człowiek, ubrany z pretekstem wyrafinowania, powierzył swoją prawą rękę młodej wróżce cygańskiej, aby poznać swoją przyszłość z „pewnego źródła”. Grab jest tak porwany wrażeniami z delikatnych dotknięć zręcznych kobiecych palców, że nie zauważa, jak zręcznie zaciskają pierścień, pozornie złoty.
Mówiąc o The Fortune Teller, jeden z pierwszych biografów zauważa: „Jest mało prawdopodobne, aby wśród dzieł tej szkoły było cokolwiek zrobione z większą gracją i uczuciem niż ten Cygan Caravaggia, przepowiadający szczęście młodemu człowiekowi…”
Caravaggia. „Szulerzy”. 1594. Muzeum Sztuki Kimbell, Fort Worth, Teksas, USA Przyjaciele, niestrudzenie, pracuj - oszukuj prostaków.
Jest gra karciana. Po lewej młody i najwyraźniej niedoświadczony gracz uważnie przygląda się swoim kartom. Ponad jego ramieniem w to samo miejsce patrzy mężczyzna w średnim wieku – jeden z ostrzycieli kart. Jednocześnie palcami prawej ręki daje tajemny znak swojemu partnerowi, który siedzi naprzeciwko i chowa za plecami pięć robaków. Po lewej stronie na pierwszym planie w pudle wznosi się kolumna z monet - obiekt pożądania pary polującej podstępem.
Figury tworzą całe podobieństwo trójkąta. To nie jest innowacja, rzeczywiście napięcie wewnątrz trójkąta, który nie ma odpowiedników, okazuje się nowe. A to dopiero początek: przed nami wiele osiągnięć kompozytorskich…
Rzym z jego główną dominantą - kopułą św. Piotra, unoszącą się nad Tybrem i miastem, które jest szczególnie piękne nocą. Rzym XVI-XVII wieku - „Rzym papieski”, gdzie bogactwo płynie z prawie całego zachodniego chrześcijaństwa ... Gdzie pracował Caravaggio? Cytuję z „Historii protestantyzmu” J. A. Wyliego… „Papiestwo stało się despotą świata. Cesarze i królowie wykonywali rozkazy papieża. Wydawało się, że ziemski i wieczny los ludzi jest w jego rękach. Duchowieństwo rzymskie cieszyło się powszechnym szacunkiem i hojnymi nagrodami. Nie tylko ludzie nie znali Pisma Świętego, ale i kapłani go nie rozumieli...
„Usuwając prawo Boże jako wzorzec sprawiedliwości, kapłani rozszerzali swoją władzę bez ograniczeń i byli nie do powstrzymania w swoim okrutnym stylu życia. Oszustwo, chciwość i deprawacja kwitły wszędzie. Ludzie nie bali się żadnej przestępczości, choćby tylko w ten sposób mogli osiągnąć bogactwo i pozycję. Niektórzy z władców popełnili tak rażące zbrodnie, że władze świeckie próbowały ekskomunikować ich z kościoła, jako najniższych potworów, których nie można już dłużej tolerować…
Południowy blask władzy papieskiej
była północ ciemności dla świata."
Rzym XVI-XVII w. był ruiną, wśród której stały samotnie ruiny architektoniczne, dumnie wznosiły się barokowe pałace i kościoły. Ruiny są obiektem kontemplacji dla turystów. W tamtych stuleciach były miejscem zamieszkania żebraków i włóczęgów... Próbując wyobrazić sobie skład społeczny Rzymu, doszedłem do zaskakującego wniosku, że nic się nie zmienia... Na dole - zwykli ludzie, na górze - arystokraci i kapłaństwo. W środku, jak każdy ma szczęście, są ludzie służby: lekarze, nauczyciele, artyści. Los rządzi wszystkimi, działając w postaci papieskiej samowoli, rabunków, epidemii…
Caravaggio ma szczęście: szybko ma szlachetnych patronów, ale… On sam rujnuje mu szczęście, bo wśród zwykłych ludzi znajduje swoich bohaterów: rybaków, rzemieślników, żołnierzy – całych ludzi, obdarzonych siłą charakteru. Duchowni nie wybaczają tego - i zaczyna się trwające całe życie prześladowanie geniusza, który jest w stanie powiedzieć nowe słowo.
Koloseum (ogromne, kolosalne) lub Amfiteatr Flawiuszów, zbudowany w I wieku naszej ery. To SYMBOL ZWYCIĘŻONEGO Okrucieństwa zamienionego w WAKACJE. W ciągu dnia w ruinach panuje cisza. Noce wypełnione są duchami przeszłości, których jęki są straszne... Caravaggio ulega miazmie emanującej z ruin i zostaje pieśniarzem Cruelty? W żadnym wypadku. Zdobywając umiejętności zaczyna pisać na tematy mitologiczne, religijne, za każdym razem rozwijając temat na swój własny sposób.
Można śmiało powiedzieć
dzieła Caravaggia z okresu rzymskiego
pełen Światła pomimo otaczającej go Ciemności.
Patrzymy ...
Według rozwiązania kolorystycznego i świetlnego jest to najważniejszy obraz artysty, w którym artysta zanurza bohaterów obrazu w idyllicznym krajobrazie, odmawiając użycia tenebroso.
Opowieść o ucieczce Świętej Rodziny przed królem Herod kto chciał zabić dziecko Jezus, to jeden z najpopularniejszych tematów w malarstwie kultowym XVII wieku.
Tutaj wszystko jest tak, jak być powinno, a nie tak, jak powinno... Postać Anioła, stojącego tyłem do widza, dzieli kompozycję na dwie części. Po prawej stronie, na tle pejzażu namalowanego w „jesiennych” czerwonobrązowych tonacjach, drzemie Maryja z Dzieciątkiem w ramionach. Po lewej Józef siedzący na beli trzyma otwarte nuty przed Aniołem, podczas gdy sam Anioł cieszy Świętą Rodzinę grając na skrzypcach.
Caravaggia. „W drodze do ziem egipskich”. 1596 - 1597. Wydawałoby się, że obraz to zupełny odpoczynek
scena rodzajowa na tle rajskiego krajobrazu, ale nie...
Przyjrzyj się bliżej szczegółom: skrzydła Anioła na zewnątrz są ciemne. Nie może być, ale tak jest. Więc to jest bardzo subtelne alegoryczne urządzenie. Obecna chwila jest pełna wewnętrznego światła — chwila odpoczynku przydzielona Rodzinie. To, co nastąpi za nim, będzie zagęszczeniem Ciemności, przybliżającym Ukrzyżowanie…
Caravaggia. „Magdalena”. 1596 - 1597. Fabuła świadczy o tym, że artysta myśli o swoim życiu.
Wszystko, co złe, należy odrzucić: najważniejsza jest służba sztuce.
Jak naiwne są takie nadzieje - co jest główną rzeczą, która determinuje Los ...
Maria Magdalena Jeden z najbardziej czczonych świętych w katolickim świecie. W młodości była opętana przez demony i prowadziła rozwiązłe życie. , będąc w Kafarnaum i jego okolice, jak zwykle, nauczali ludzie; uzdrawiał chorych i kalekich; wypędzać demony z osób opętanych różnymi dolegliwościami psychicznymi.
Chrystus wypędził siedem demonów z Marii Magdaleny, która pochodziła z małego miasteczka położonego niedaleko Kafarnaum Magdali (stąd jej przydomek - Magdalena). Po uzdrowieniu Magdalena wraz z apostołami i grupą okolicznych mieszkańców zaczęła Mu towarzyszyć, aby słuchać Jego kazań. Przesiąknięta naukami Boskiego Nauczyciela, w gorzkiej i żarliwej pokucie porzuciła swoje dawne złe życie i wkrótce stała się najbardziej oddaną uczennicą Jezusa Chrystusa.
Miała szczęście w życiu.
Inni mogą tylko mieć nadzieję na coś podobnego ...
Caravaggia. „Marta i Maryja”. 1598. Fabuła na temat tych samych refleksji: wszystko jest marnością,
obsługa to ta „dobra część”, która usprawiedliwia wszystko…
Działka z ewangelie od Łukasz, 10, 38-42. W drodze do Jerozolima Jezus Chrystus zatrzymał się w wiosce Bethany, w domu niewiasty o imieniu Marta. Podczas gdy Marta przygotowywała posiłek, jej siostra Maria usiadła u stóp Jezusa, aby słuchać jego poleceń. Marta skarżyła się, że Maryja nie pomagała jej w pracach domowych, ale Jezus sprzeciwił się jej, mówiąc, że martwi się o wiele spraw, a Maryja „wybierze tę dobrą część, która jej nie zostanie odebrana”.
To znaczy… Życie pełne wydarzeń, próżne to jedno: wszystko jest w nim dozwolone. Postępowanie zgodnie z instrukcjami Nauczyciela, który przemawia do ciebie niesłyszalnie w imieniu innych, jest tym Światłem, które wypędzi wszelką ciemność, ten kwiat, który z pewnością wzejdzie w Ogrodzie.
Caravaggia. „Św. Katarzyny Aleksandryjskiej”. 1598. Obraz powstał na zamówienie kardynała del Monte.
Wydaje się, że wizerunek Katarzyny ma znaczenie dla Caravaggia
w zaangażowaniu świętego w Nową Wiarę...
Wsparty na kole z ostrymi kolcami, udający kołowrotek, siedzi słodka, poważna dziewczyna w surowej jasno-ciemnej szacie. Uważnie patrzy na coś, co widzi w Wieczności. U stóp znajduje się szkarłatna brokatowa poduszka, na którą rzuca się wiązka gałązek. Ciemna szata żyje: jak fala szykuje się, by ją okryć. Jest mało prawdopodobne, aby ktokolwiek z widzów mógł sobie wyobrazić, że dosłownie za chwilę Katarzyna Aleksandryjska zostanie poddana najcięższym torturom.
Po co? O nową wiarę, która to zmieni
do Świętego Wielkiego Męczennika...
Caravaggia. „Narcyz przy potoku”. 1599. Narodowa Galeria Sztuki Starożytnej, Rzym. Młody człowiek patrzy na odbicie w oczach. Nie widzi Piękna — Ciemności poza lustrem, poza.
Ciemność i Światło tworzą Krąg, z którego nie ma wyjścia.
Caravaggio maluje obraz na fabule z mitologii greckiej. Narcyz to przystojny młodzieniec, ulubieniec nimf, myśliwy. Kiedyś podczas polowania ujrzał swoje odbicie w wodzie, zakochał się w sobie, nie mógł rozstać się z odbiciem i umarł z głodu i cierpienia. Szukali młodzieńca, nie znaleźli ciała, ale w miejscu, w którym się znajdował, rósł kwiat, któremu nadano imię młodzieńca - Narcyza. Siostry najady opłakiwały go.
Caravaggia. „Narcyz przy potoku”. 1599. Fragmenty. Według Caravaggia nie ma mowy o pięknie i zakochaniu się w sobie. Tylko o OŚWIETLENIU, które pojawia się, gdy patrzysz we własne oczy przez długi, długi czas w nadziei, że zobaczysz coś jasnego. Zawodzi, patrz - nie patrz, pojawia się tylko czerń w lustrze wody.
Jaki pesymizm? Śmiertelny.
To tak, jakby spełniała się czyjaś klątwa...
Którego? Nadszedł czas!
Caravaggia. "Meduza". 1599. Galeria Uffizi we Florencji. Obraz jest rozpoznawany w najbardziej znaczący sposób
Gorgona Meduza w historii malarstwa światowego.
Zobaczyłem „”... Dokładniej, usłyszałem jej krzyk, dźwięk krwi lejącej się z jej gardła, syczenie wężowych włosów ... Usłyszawszy to wszystko, nie można było się odwrócić i odejść. Zmusiłem się, by spojrzeć jej w twarz. Kiedy grymas śmiertelnego Horroru zaczął odchodzić, twarz stała się piękna i przez to jeszcze straszniejsza.
Ten, który widział „ ”, myślę,
związany z Caravaggiem nierozerwalnymi wiązaniami.
A także z cudownym potworem ...
Twarz Meduzy wyraża ostateczny stan Grozy,
nagle ją pochłonął. Ogłuszająco krzycząca głowa
hipnotyzuje nie tyle wyglądem, ile brzmiącym horrorem.
Trudno sobie wyobrazić, ale artysta, który namalował ten obraz, musiał być w stanie horroru od kilku lat. Powinno być, jeśli artystą jest Caravaggio.
Oznacza to, że obraz jest mocno, mocno związany z jego osobistymi przeżyciami, których nie można się pozbyć, są one tak bolesne. Takie doświadczenia nie mogły nie być Klątwą, która zdefiniowała jego artystyczny geniusz.
Usłyszał syczenie węża w swojej głowie
I MUSIAŁ TO COŚ ZATRZYMAĆ.
To szaleństwo? To jest genialne
co jest na pograniczu
ze wszystkim, co jest normalne.
Caravaggia. "Meduza". 1599. Fragment. Artysta usłyszał w głowie syk węży i musiał go powstrzymać lub usunąć Klątwę narzuconą przez naturę.
To szaleństwo? To jest ostateczny stan geniuszu.
Caravaggio nie mógł napisać płynnych jabłek -
wszystkie były z tunelem czasoprzestrzennym, zgnilizną.
Jego sceny rodzajowe przekazują najlepsze uczucia,
które podnoszą je do poziomu alegorii.
Intensywna walka Światła i Cienia,
wymyślona przez niego metoda, która pozwala
rozwiń jeden temat: SAMOCZYSZCZENIE.
Dlatego dla tych, którzy czują „prądy duchowe”,
wywodząc się z jego obrazów, artysta staje się
źródło SAMOWIEDZY - ZROZUMIENIA
WŁASNEGO ŚWIATA WEWNĘTRZNEGO.
Twórcze życie Caravaggia jest podzielone
losy artysty na trzy części.
Przeżyliśmy początek. Czy jest coś przed nami?
Sylwestra Szczedrina. Rzym. 1819. Tyber. Zamek Anioła (Mauzoleum Hadriana). Sylwetka. Katedra św. Piotra.
Bachus. Około 1595 roku.
Obraz był nieznany do 1917 roku, został znaleziony w magazynach Uffizi i od tamtej pory wisi tam do dziś.
Pełne imię i nazwisko autora Michelangelo Merisi da Caravaggio (włoski Michelangelo Merisi da Caravaggio)
Jaka cielesna rozkosz w formach ciała,
nie mniej apetycznie napisane niż owoce w wazonie:
Owoce ze śladami i dziurami od gąsienic. Większość z nich jest w stanie zepsutym, niejadalnym, zgniła. Według krytyków uosabiają one kruchość światowego zamieszania.
"Lewą ręką wyciąga do widza płytki kieliszek tego samego wina, jakby zapraszając go, by do niego dołączył. Caravaggio nie stworzył wyidealizowanego wizerunku starożytnego boga, ale raczej na wpół pijanego młodzieńca. A rozpieszczony młody człowiek o pulchnej, zniewieściałej twarzy jest prosty i grzeszny. szczegóły: brud pod paznokciami Bachusa, możliwe, że do zdjęcia pozował jeden z ulicznych łachmanów."
Malarstwo wina i szkła jest nieporównywalne. A chłopak pije dobre, wiekowe wino, co widać po kolorze:
„Po oczyszczeniu obrazu w odbiciu na kieliszku karafki odnaleziono portret artysty pracującego przy sztalugach, a na powierzchni wina w misce można było zobaczyć odbicie twarzy Bachusa. "
Ale nie udało mi się dobrze wyjąć dzbanka, przepraszam.
Medusa Gorgon (płótno na tarczy).
Przypuszczalnie Caravaggio stworzył ją w latach 1597-1598, gdyż według dokumentów 7 września 1598 r. tarcza została już przekazana kustoszowi herbu książęcego Antonio Marii Bianchi i od tego momentu przebywał we Florencji.
Badania z wykorzystaniem promieni rentgenowskich i podczerwonych wykazały, że pod warstwą malarstwa, w przeciwieństwie do innych dzieł Caravaggia, nie znaleziono rysunków przygotowawczych, co było zaskakujące. Wydawało się niemożliwe, aby artysta od razu namalował obraz na wypukłej powierzchni tarczy, dokonując jedynie minimalnych poprawek.
Tajemnicę stopniowo zaczęto rozwiązywać, gdy na początku lat 90. w prywatnej kolekcji w Mediolanie pojawiła się tarcza Meduzy, mniejsza niż ta w Uffizi, ale poza tym identyczna z dziełem Caravaggia:
Badania potwierdziły nie tylko, że dzieło to należy do Caravaggia, ale także, że była to pierwsza wersja Meduzy, którą sam artysta powtórzył później jako prezent dla Wielkiego Księcia.
Medusa Gorgon, Caravaggio, 1597-1598 Galeria Uffizi, Florencja Olej na płótnie rozciągnięty na drewnianej tarczy. 60; 55 cm (Ci, którzy widzieli oryginał, mogą potwierdzić, że zdjęcie na tarczy robi niezatarte wrażenie).
Artysta otrzymał zlecenie namalowania obrazu na wątku Owidiusza na przedniej tarczy od swego patrona, kardynała Francesco Marii Del Monte, posła Wielkiego Księstwa Toskanii na dwór papieski w Rzymie, który chciał przedstawić tarczę jako prezent dla Wielkiego Księcia Ferdynanda I de Medici.
Przypuszczalnie Caravaggio stworzył Meduzę w latach 1597-1598, gdyż według dokumentów już 7 września 1598 r. tarcza została przekazana już Antonio Marii Bianchi, kustoszowi broni książęcej i od tego momentu znajdowała się we Florencji, a od 1601 r. eksponowana była w osobistej kolekcji broń księcia, wraz z ceremonialną zbroją rycerską, podarowaną mu przez perskiego szacha Abbasa Wielkiego.
Autentyczność pierwszej wersji, znajdującej się obecnie w prywatnej kolekcji, ustalono dopiero w XXI wieku, kiedy zbadano ją za pomocą rentgenowskiej analizy fluorescencji.
Była też inna tajemnica.
Genueński poeta Gaspare Murtola, który odwiedził Rzym w 1600 roku, w jednym ze swoich wierszy opisuje Meduzę Caravaggia, którą mógł zobaczyć w swoim warsztacie.
Jednak w tym czasie tarcza podarowana wielkiemu księciu Ferdynandowi znajdowała się już we Florencji. Później, w 1605 r. sporządzono inwentarz rzeczy artysty, wśród których znalazła się tarcza, którą podobno trzymał pod materacem owiniętym w koc. Czy to możliwe, że poeta Murtola widział inne, absolutnie identyczne dzieło Caravaggia?
Tajemnicę stopniowo zaczęto rozwiązywać, gdy na początku lat 90. w prywatnej kolekcji w Mediolanie pojawiła się tarcza Meduzy, mniejsza niż ta w Uffizi, ale poza tym całkowicie identyczna z dziełem Caravaggia.
Odkrycie natychmiast przyciągnęło uwagę historyków sztuki, choć początkowo wielu wątpiło w autentyczność tego dzieła, woląc widzieć w nim doskonałą kopię słynnego obrazu. Tylko profesor Ermanno Zoffili nalegał na analizę rentgenowską Meduzy, czując w niej rękę Caravaggia.
Wydany niedawno album w języku włoskim i angielskim, redagowany przez niego, Pierwsza Medusa Caravaggia, opowiada o badaniach przeprowadzonych przez ostatnie dwadzieścia lat, które nie tylko potwierdziły, że dzieło to należy do Caravaggia, ale także, że to ona była pierwsza wersja Meduzy, którą sam artysta powtórzył później jako prezent dla Wielkiego Księcia.
Analiza rentgenowska pomaga zrozumieć, w jaki sposób Caravaggio szukał obrazu, przemyślał go, przerabiał, osiągając najdoskonalszą wydajność.
Najpierw wykonano wstępny rysunek węglem drzewnym, który artysta dużo korygował i zmieniał jego położenie, dopasowując się do wypukłej powierzchni tarczy.
Początkowo oczy były niżej, usta przesunięte w lewo, a nos osiągnął pozycję obecnej górnej wargi. Następnie, na górze rysunku, Caravaggio wykonał pierwsze studium pędzlem, w którym rysy twarzy i wymiary obrazu bardzo różniły się od pierwszej wersji. Jednak w ostatecznej wersji mistrz powrócił do rysunku, zachowując wymiary gabinetu i czyniąc rysy Meduzy bardziej ludzkimi niż teatralną maską.
W przeciwieństwie do Meduzy florenckiej ta praca jest sygnowana. Caravaggio umieścił swoje imię czerwoną farbą: podpis został zrobiony niejako krwią ze strumieni tryskających z odciętej głowy. Przypomina to sygnaturę artysty na obrazie „Ścięcie św. Jana Chrzciciela, przechowywany w katedrze w Valletcie na Malcie.
Bezgłowe postacie z historii biblijnej lub starożytnej towarzyszyły Caravaggiowi przez całe jego życie. Wielu z nich nadał własne rysy, a w pierwszej „Meduzie” (którą historycy sztuki nazywają „Meduzą Murtola” na pamiątkę wierszy poety genueńskiego) domyśla się również rysów artysty, które są nieco złagodzone w druga wersja, w której istnieje niewielkie podobieństwo do Fillide Melandroni, modelu Caravaggio.
Ostatecznie ustalono z całą pewnością, że artysta stworzył najpierw mniejszą Meduzę, którą później niemal w całości powtórzył na większej tarczy, stosując znane wówczas metody kopiowania przez szkło lub wypukłe lustro.
Denis Mahon uważa, że biorąc pod uwagę znaczenie zakonu, kardynał Del Monte poradził Caravaggiowi, aby najpierw stworzył pierwszą wersję, a dopiero potem przystąpił do głównego dzieła.
Podczas gdy „wielka” Meduza, przeznaczona dla kolekcji Medyceuszy, udała się do Florencji, pierwsza pozostała w Rzymie. Następnie trafiła do kolekcji książąt Colonna, patronów Caravaggia, którzy pomogli artyście uciec z miasta po zamordowaniu Ranuccio Tommasoni.
Dzieło to wystawiane jest w Mediolanie, Düsseldorfie i Wiedniu od 2000 roku i nie ma wątpliwości, że wielu miłośników sztuki będzie mogło je zobaczyć w przyszłości.
(Z artykułu Iriny Barancheevy, Rzym.06.04.2012)
Opis obrazu Inny Gusakovej
„Kiedyś Leonardo da Vinci wykonał tarczę dla rodziny Medici z wizerunkiem Gorgony Meduzy na niej. Przez wiele lat tarcza była talizmanem rodziny, wierzono, że tarcza pomaga uniknąć niepowodzeń i wrogów , ale z czasem została utracona i niemal równocześnie ze stratą Medyceusze zaczęli ścigać kłopoty i niepowodzenia.
Kardynał del Monte, którego oficjalnym artystą był Caravaggio, postanowił zrobić prezent Ferdynandowi 1 Medyceuszy i polecił mistrzowi wykonanie takiej tarczy. Caravaggio znalazł odpowiednią drewnianą tarczę i naciągając na nią płótno, przedstawił swojego asystenta i bliskiego przyjaciela Mario Minnitiego w postaci odciętej głowy Meduzy. Za pomocą pędzla postanowił uchwycić na zdjęciu krzyk wydobywający się z odciętej głowy. Zamiast włosów artysta rysuje wijące się, wściekle syczące, złośliwe węże, które próbują wyskoczyć z powierzchni tarczy. Caravaggio uzyskuje całkowicie realistyczny obraz.
Jeśli przyjrzysz się uważnie zdjęciu, głowa wygląda na zatopioną w tarczy, jakby nie była na wypukłej tarczy, ale na wklęsłej powierzchni. Głowa z bólu i przerażenia, dławiąc się krzykiem śmierci, tryskając strumieniami krwi, w konwulsjach tonie wewnątrz tarczy. Caravaggio udaje się przekazać stan emocjonalny i mimikę twarzy podczas agonii.
Artystce często zarzucano statyczny charakter jego obrazów. Ten obraz, który nie wytwarza żadnego ruchu, jest w rzeczywistości wypełniony ruchem. Żyje, porusza się i brzmi jednocześnie. Caravaggio na swój sposób całkowicie interpretuje znany mit i przedstawia rewolucyjną wizję obrazu.
Sam często mówił, że wszystkie te emocje zna i często doświadcza takich stanów, dlatego ten obraz niesie także osobiste przeżycia autora, jak prawie wszystkie jego prace. O mistrzu padło wiele pochlebnych słów, ale poeta Giambattista Marino powiedział najlepiej ze wszystkich: „Wygrałeś, złoczyńca upadł, A na tarczy Meduzy twarz Meduzy, Takiego obrazu nie wiedziałem, Aby krzyk był słychać na płótnie"
Opinie
Jak utalentowany był ten artysta! Jedno nie jest jasne: jak przy tak krótkim życiu można było zrobić tak wiele, że wciąż był czas na bójki, skandale i wszelkiego rodzaju przygody! Tak wielu obserwujących, tak co! A gdyby wtedy wziął cień w kolorze, gdzie by był?!
Dla mnie pójście do muzeum miało miejsce, gdybym miał szczęście odkryć coś nowego. Może to być dobrze znany przedmiot z reprodukcji, który w rzeczywistości wygląda zupełnie inaczej. A może dzieło, które tylko tu i teraz przykuło uwagę i zmieniło Twoje wyobrażenie o artyście.
Uffizi nie jest jednym z moich ulubionych muzeów. Trudno się w nim porozumieć z rzeczami, zawsze są w nim tłumy ludzi. Idziesz do tego muzeum jakbyś szedł do pracy i wychodzisz strasznie zmęczony. Nie możesz robić zdjęć. Możesz zrozumieć to drugie - jeśli turyści będą mogli robić zdjęcia swoim bliskim na tle prac, będzie to kompletnie okropne. Ale wystawy w Uffizi wiedzą, jak to zrobić. A na wystawach rzeczy ujawniają się lepiej niż na ekspozycji.
Tegorocznym odkryciem w Uffizi była Meduza Caravaggia. Nigdy wcześniej nie widziałem jej na żywo. Od niego rozpoczęła się wystawa jubileuszowa (Caravaggio zmarł 400 lat temu), na której prezentowane były prace florenckich caravaggis. Meduza była wystawiana w osobnym pomieszczeniu. Nie wisiała, ale leżała, bo jej przerażająca twarz zdobi prawdziwą tarczę wykonaną dla Ferdynanda, Wielkiego Księcia Toskanii:
A potem na wystawie sceny z innymi odciętymi głowami podjęły temat Meduzy: Holofernes, Goliat, Jan Chrzciciel, święci. Na szczęście morze krwi zostało nieco rozrzedzone ucztami i tradycyjnymi opowieściami religijnymi w wykonaniu karawagistów.
Obraz Caravaggia daje tak silny efekt, ponieważ mistrz przedstawia moment, w którym głowa właśnie odleciała od ciała. Tryska krew, węże się poruszają, wydaje się, że wciąż słychać krzyk śmierci.
Przekazem szczególnej chwili zainteresował się także Lorenzo Bernini, który wyrzeźbił głowę Meduzy w marmurze. Oglądałem tę pracę co drugi dzień w Rzymie, w Muzeach Kapitolińskich:
Meduza Berniniego wciąż żyje, ale wydaje się, że ma przeczucie jej strasznego losu. Czoło zmarszczone, usta na wpół otwarte. Podobnie jak Caravaggio, widzimy piękną kobietę, której twarz jest wykrzywiona cierpieniem.
Jest bardzo prawdopodobne, że modelem Meduzy była ukochana rzeźbiarka, Constance Buonarelli, której portret znajduje się we florenckim Bargello:
http://www.wga.hu/art/b/bernini/gianlore/sculptur/1630/bonarell.jpg
W sali obok Meduzy Berniniego znajduje się słynna wilczyca kapitolińska. I ta etruska dzielnica mimowolnie przywiodła na myśl najbardziej sympatyczny obraz Meduzy z moich studenckich lat, który był przedsionkiem świątyni w Wejach, a obecnie mieszka w rzymskiej willi Giulia:
