Как да обясним на децата какво е балет. Какво е балет? Класически и модерен. Модерен руски балет

Балетът (от лат. ballo - танцувам) е вид сценично изкуство, чието съдържание се разкрива в танцови и музикални образи. Той хармонично съчетава музика, хореография, живопис, изпълнителско изкуство на артисти. Основните изразни средства в балета са танцът и пантомимата. Произходът на различни видове сценичен танц (класически, характерен, гротескен) принадлежи към народния танц. Хореографските представления, както и драматичните, могат да бъдат разделени на трагедии, комедии, мелодрами. Те са многоактни и едноактни, сюжетни и безсюжетни, могат да бъдат хореографска миниатюра или концертна композиция.

От появата си в Европа през XVI век. балетът постоянно привлича вниманието на видни фигури на театралното изкуство. И така, френският комик от XVII век. Ж. Б. Молиер въвежда в пиесите си балетни сцени, които нарича комедии-балети.

Танците в комедиите-балети на Молиер и в оперите-балети на Ж. Б. Люли са поставени от Пиер Бошан (1636 - ок. 1719). През 1661 г. оглавява Кралската танцова академия в Париж. Beauchamp установява пет основни позиции на класическия танц (начални позиции на краката), на които се основава техниката на класическия танц.

Първоначално балетните спектакли включват танци и пантомима, заедно с вокални номера и литературен текст.

През XVIII век. Формирането на балета като независима форма на изкуство е улеснено от дейността на много хореографи и изпълнители в различни страни. Френската балерина Мари Сал (1707-1756) заменя тежките, обемисти дрехи на танцьорка с лека рокля, която не ограничава движенията. Нейният съвременник, английският танцьор и хореограф Джон Уивър (1673-1760), пръв започва да поставя екшън балети и се отказва от пеенето и рецитирането. Австрийският хореограф Франц Хилфердинг (1710-1768) въвежда в постановките си автентични картини от народния живот, реални герои, правдиво разкривайки техните чувства и смисъла на действията със средствата на балета. Френските танцьори Луи Дюпре (1697-1774) и Мари Камарго (1710-1770) усъвършенстват своята танцова техника. Мари Камарго постигна по-голяма свобода на движение, като скъси полата си и се отказа от токчетата.

Голям принос за развитието на балета има френският хореограф Жан Жорж Новер (1727-1810). В балетите си „Психея и Купидон“, „Смъртта на Херкулес“, „Медея и Язон“, „Ифигения в Таврида“ и др. той се изявява като режисьор-новатор. Той създава представления, които се различават по логиката на драматургичното развитие. Основата на неговите продукции беше изразителна танцова пантомима. Той обръща голямо внимание на музиката, вярвайки, че тя "трябва да бъде вид програма, която установява и предопределя движенията и играта на всеки танцьор". Новер се застъпва за естествеността на чувствата и правдивостта на героите на балета, изоставя традиционните маски, които покриват лицата на актьорите. Теоретично обосновава новаторския си опит като сценичен режисьор в книгата „Писма за танца и балетите“ (1759), основана на естетиката на енциклопедичните философи от Просвещението.

Ученици и последователи на Новер са много талантливи хореографи, включително Жан Добервал (1742-1806), авторът на балета „Напразна предпазливост“, който е популярен и до днес; Шарл Луи Дидело (1767-1837), който работи дълго време в Русия и допринася за издигането на руския балет на едно от първите места в Европа.

През 19 век балетният театър е преживял както вдъхновяващи творчески възходи и падения, така и драматично избледняване. През 1832 г. италианският хореограф Филипо Талиони (1777-1871) поставя балета "Силфида" (музика на Й. Шнайцхофер), който бележи началото на ерата на романтизма в хореографското изкуство. Сюжетите на романтичните представления разказват за това как във вечния си стремеж към красота, към високи духовни ценности човек влиза в конфликт с реалността около него и само в илюзорния свят на мечтите, мечтите може да намери идеал, да намери щастие . Талиони, развивайки лиричната посока на изкуството на романтизма, вмъква в драматичната тъкан на балета детайлни танцови диалози на героите, в които се разкриват техните чувства и взаимоотношения. В неговите спектакли кордебалетът развива и допълва соловата партия на главния герой, изигран от дъщеря му Мария Талиони (1804-1884). Вдъхновеното изкуство на тази талантлива балерина влезе в историята на балета. Тя за първи път въведе танца pointe (на върховете на пръстите), което увеличи изразителността на балетното изкуство.

Работата на френския хореограф Жул Жозеф Перо (1810-1892) олицетворява друга посока на балетния романтизъм - драматичната. Неговите герои в упорита борба защитаваха правото си на любов, свобода, щастие. Перо обикновено поставя спектаклите си по сюжети на известни литературни произведения - В. Юго, Г. Хайне, Й. В. Гьоте. Той внимателно разработва пантомимни епизоди, органично ги свързва с танца и се стреми да направи тълпните сцени живи и емоционални. Балетите на Перо "Жизел" (музика на А. Адам, поставена съвместно с хореографа Жан Корали (1779-1854) и "Есмералда" (музика на К. Пуня) все още украсяват репертоара на много балетни компании. Първият изпълнител на Жизел е Карлота Гризи (1819 -1899).

Изкуството на изключителната австрийска балерина Фани Елслер (1810-1884) е свързано с романтичния балет.

Важна роля в развитието на романтичния балет изигра работата на датския хореограф Август Бурнонвил (1805-1879), който постави повече от 50 представления с Кралската балетна компания в Копенхаген.

От средата на XIX век. В западноевропейското балетно изкуство се разкриват кризисни явления. Буржоазията излиза на арената на обществено-политическия живот в страните от Западна Европа. Вкусовете й стават определящи в изкуството. И романтичните балети с тяхното дълбоко съдържание се заменят с помпозни, безсмислени зрелища. Балетните трупи се разпадат, настъпва продължителен период на упадък. Възраждането на балетното изкуство е свързано с изяви в Западна Европа на руски артисти - Анна Павлова, Михаил Фокин, Тамара Карсавина, Васлав Нижински, Серж Лифар и др. Тези представления, които имаха голям успех и се наричаха Руски сезони, бяха организирани от 1907 г. от театралния деец С. П. Дягилев. Руският балет на Дягилев дава началото на нови балетни компании, които актуализират традиционните форми на класическия танц.

През ХХ век. балетът се развива успешно в много страни по света. Изключителни западни балетмайстори са Нинет дьо Валоа, Фредерик Аштън, Марго Фонтейн (Великобритания), Ролан Пети, Морис Бежар, Ивет Шовиро (Франция), Агнес дьо Мил, Джордж Баланчин, Джеръм Робинс, Робърт Джофри (САЩ) и много други.

Социалистическите страни имат своя принос в развитието на балета (вж. Театър на страните от социалистическата общност). Така е известно изкуството на балетната трупа на талантливата танцьорка и хореограф Алисия Алонсо, създадена в Куба през 1948 г. През 1959 г. тази трупа е наречена Национален балет на Куба.

В Русия развитието на балетното изкуство върви по свой собствен път. Първият руски хореограф е Иван Иванович Валберх (Лесогоров) (1766-1819), чието творчество обхваща както литературни теми, така и събития от съвременния живот, по-специално Отечествената война от 1812 г. Благодарение на Валберх се създава оригинален тип национално представление на руската сцена - дивертисмент, изобразяващ картини от народния живот.

Формирането на руския балет е улеснено от работата на Чарлз Луи Дидело. Сред учениците му са хореографът Адам Глушковски (1793-1870), балерините Авдотя Истомина (1799-1848) и Екатерина Телешова (1807-1857), изпяти от А. С. Пушкин и А. С. Грибоедов. Дидло обогати репертоара на руския балетен театър със спектакли, в които изобличаваше тиранията и разкриваше високите морални качества на обикновените хора. Поставяйки през 1823 г. спектакъла „Кавказкият пленник, или Сянката на невестата“ (по поемата на Пушкин), той поставя началото на балетното пушкинство.

Виден представител на руския романтичен балет е балерина Екатерина Санковская (1816-1878), чието изкуство е високо ценено от В. Г. Белински и А. И. Херцен.

Руският балетен театър творчески преработи откритията на западния балет и постави спектакли в съответствие с националните традиции. И така, на руската сцена сантименталната история на Жизел се превърна в стихотворение за високо безкористно чувство, което побеждава злото, тъмнината, смъртта. И това беше значителна заслуга на първата изпълнителка на ролята на Жизел в руския театър Елена Андреянова (1819-1857).

Мариус Петипа, който пристига в Русия през 1847 г., поставя над 60 балета на сцената на Санкт Петербург. В постановките на балетите Л. Минкус "Дон Кихот", "Спящата красавица" и "Лебедово езеро" на П. И. Чайковски (съвместно с Л. И. Иванов), "Раймонда" на А. К. Глазунов и др. най-пълно разкрива уникалния стил на руската школа. на класическия танц, който се характеризира с въплъщение на съдържанието на балетно представление в съвършени академични форми. Талантливи руски танцьори - Елена Андреянова, Павел Гердт, Матилда Кшесинская, Николай и Сергей Легати, Олга Преображенская, Анна Павлова, Михаил Фокин - участваха в спектаклите на Петипа...

Едновременно с М. Петипа в Мариинския театър в Санкт Петербург (сега Ленинградския театър за опера и балет на името на С. М. Киров) прекрасният хореограф Лев Иванович Иванов (1834-1901) работи върху постановката на балети. Сред творбите му са половецките танци в операта "Княз Игор" на А. П. Бородин, балетите "Лешникотрошачката" и "Лебедово езеро" на П. И. Чайковски (съвместно с М. И. Петипа) и всеки от тях свидетелства за дълбоко разбиране на майстор на хореографията на музикално-драматични композиции, за желанието му да изрази съдържанието на представлението в съвършени пластични образи.

Краят на 19 век - това е времето на новаторските реформи на П. И. Чайковски в балетната музика, впоследствие подкрепени и развити от други композитори - А. К. Глазунов, И. Ф. Стравински, С. С. Прокофиев. Чайковски вярваше, че балетното представление трябва да бъде изградено в съответствие със законите на музикалната драматургия, да изразява най-сложните емоции и преживявания на човешката душа, да утвърждава възвишеността и поетичността на чувствата.

В началото на 20 век, когато западният балетен театър преживява период на криза, в Русия, напротив, балетното изкуство преживява творчески подем. Балетни трупи на Мариинския и Болшой театър успешно работят в Санкт Петербург и Москва. В Санкт Петербург, в Мариинския театър, танцьорът и хореограф Михаил Михайлович Фокин (1880-1942) провежда творческо търсене в жанра на едноактен балет в две посоки: той разработва принципите на поставяне на балет, базиран на симфонична музика ( Шопениана по музика на Ф. Шопен) и в същото време развива форма, наречена сюжетна балетна пиеса с надеждна интерпретация на събития, изобразяваща чувствата и характерите на героите, техните взаимоотношения („Египетски нощи“ от А. С. Аренски, „Петрушка” от И. Ф. Стравински и др.). В Москва, в Болшой театър, Александър Алексеевич Горски (1871-1924) изпълнява своите постановки. Това беше времето на формирането на Московския художествен театър, ръководен от К. С. Станиславски и Вл. И. Немирович-Данченко. Търсенето на новатори в театралното изкуство отвлече и залови младия Горски. И в своите представления на „Дон Кихот“ от Минкус, „Саламбо“ от Арендс и др., той се стреми да приложи на балетната сцена принципите на изключителните майстори на театъра. Постановките на Горски се отличават с историческа достоверност, точност на драматичното развитие и внимателно разработени характеристики на героите.

В балетните спектакли на Фокин участват забележителни артисти като Анна Павлова, Тамара Карсавина, Вацлав Нижински, Екатерина Гелцер, Михаил Мордкин, Василий Тихомиров и други - в постановките на Горски.

След Великата октомврийска социалистическа революция в съветското изкуство се развива ярко и оригинално явление - многонационален балетен театър. Развива се на базата на руската школа за класически танц. С помощта на талантливи майстори от Москва и Ленинград, разбирайки постиженията на руската балетна школа, овладявайки нейния репертоар, фигурите на националните хореографски сцени изградиха на тази основа оригиналната сграда на своя театър, творчески използвайки националните характеристики и традициите на изкуството. Започвайки от 20-те години. в цялата съветска страна се създават професионални хореографски трупи. Националните балетни театри взаимно обогатиха творческия си опит, включително опита на руския балет. Балетите на К. Ф. Данкевич, А. М. Баланчивадзе, К. А. Караев, А. П. Скулте, С. А. Баласанян, Ф. З. Ярулин и други национални композитори придобиха широка популярност.

Сред изключителните съветски хореографи, допринесли за развитието на съветския балет, са Фьодор Василиевич Лопухов (1886-1973) и Касян Ярославич Голейзовски (1892-1970).

Съветското балетно изкуство се отличава с дълбочината и неяснотата на тематичното съдържание на представленията. Развивайки и обогатявайки традициите на руското танцово изкуство, съветските майстори се обръщат предимно към произведенията на класическата и съвременната литература - Лопе де Вега, Шекспир, Балзак, Пушкин, Лермонтов, Гогол, Достоевски, Лев Толстой, Чехов, Куприн, Грийн, Булгаков, Айтматов .. Мащабните идейно-философски, морални проблеми, поставени в най-добрите произведения на световната литература, фигурите на съветския балет се стремят да въплъщават на сцената със средствата на своето изкуство. Например, композиторът Б. В. Асафиев и хореографът Р. В. Захаров в балета „Бахчисарайският фонтан“ подчертаха основната идея на едноименната поема на Пушкин, формулирана някога от В. Г. Белински: „прераждането“ на дивата душа чрез високо чувство на любов”. Ростислав Владимирович Захаров (1907-1984) си поставя за цел поставянето на балета да превърне танцовото изкуство в средство за изразяване на дълбоките мисли и чувства, присъщи на творчеството на Пушкин.

Големият интерес към показването на вътрешния живот на човек е една от важните отличителни черти на съветския балетен театър. И независимо от жанра, към който принадлежи представлението - към народно-историческия балет-роман („Пламъците на Париж“, композитор Б. В. Асафиев, хореограф В. И. Вайнонен), героична трагедия („Лауренсия“, А. А. Керин и В. М. Чабукиани), философски и психологическа драма („Ромео и Жулиета”, С. С. Прокофиев и Л. М. Лавровски), хореографска комедия („Младата селянка”, Б. В. Асафиев и Р. В. Захаров; „Мирандолина”, С. Н. Василенко и В. И. Вайнонен), балет -приказка, балет-легенда ("Каменно цвете", С. С. Прокофиев и Ю. Н. Григорович; "Икар", С. М. Слонимски и В. В. Василиев), неговите автори винаги са решавали основната задача - най-пълно да представят на зрителя човек в цялото богатство на мислите и чувствата си да покаже с пластическата образност пътя на формирането на неговия характер, постигането му на високи морални принципи.

Първият съветски балет "Червеният мак" от Р. М. Глиер, поставен в Болшой театър през 1927 г. по случай 10-годишнината от октомври, постави началото на този подход към изобразяването на героя на хореографския спектакъл. Екатерина Василиевна Гелцер (1876-1962) създава на балетната сцена образа на съвременна героиня - китайската танцьорка Тао Хоа, фино предавайки нейното духовно прераждане под влиянието на идеите на октомври. Тези идеи са въплътени в балета от моряците на съветския кораб, чийто обобщен героичен и патетичен образ е въплътен в мащабния фолклорен елемент на танца Яблочко. Така в „Червеният мак“ се определя още една черта на съветския балет - интерпретацията на героичната тема като една от най-важните. Впоследствие тази тема е разработена и обогатена в такива композиции като вече наречените "Пламъците на Париж", "Лауренсия" и др.. водещи изпълнители.

В края на 60-те години. работата върху героичната тема получи нов тласък благодарение на новаторската постановка на Юрий Николаевич Григорович (р. 1927) на балета на А. И. Хачатурян "Спартак" в Болшой театър. Нееднозначното и дълбоко разбиране на хореографа за образната същност на класическия танц му помогна да създаде грандиозно сценично платно, където събитията от древната история бяха философски осмислени от гледна точка на днешната реалност, силни, значими герои бяха разкрити в сложното преплитане на човешките взаимоотношения. , постъпки, страсти и кръг се разкри в техните сблъсъци и конфликти важни идеологически и морални проблеми за нашето време.

Обогатяването на балетния театър с модерни интонации, задълбоченото изобразяване на героите са присъщи на всички творения на Ю. Прокофиев, "Легенда за любовта" от А. Д. Меликов, "Ангара" от А. Я. Ешпай, " Златен век“ по музика на Д. Д. Шостакович).

Съвременните интонации са характерни за постановки на съветски балети ("Главният инспектор", "Рицарят в кожата на пантера", "Броненосецът Потьомкин"), изпълнявани от О. М. Виноградов, главен хореограф на Ленинградския театър за опера и балет на името на С. М. Киров.Интересни балетни произведения се раждат на етапи и други градове на страната ни.

Забележителното майсторство на съветските балетисти е известно по целия свят.

Балерината Марина Семенова показа в цялата му пълнота и великолепие възможностите на класическия танц. Тя създава образи на горди, непокорни героини в балетите "Лебедово езеро" от П. И. Чайковски, "Раймонд" от А. К. Глазунов, "Пламъците на Париж" от Б. В. Асафиев.

Уникалното изкуство на Галина Уланова въплъщава най-добрите черти на руския балет - изразителност, дълбочина, духовност, класическо съвършенство на изпълнението. Незабравими са създадените от нея сценични образи на Мария („Бахчисарайският фонтан” от Асафиев), Жизел („Жизел” от А. Адам), Пепеляшка („Пепеляшка” от С. С. Прокофиев), Жулиета („Ромео и Жулиета” от Прокофиев) и др.

Изкуството на Наталия Дудинская се отличава с психологическа дълбочина и емоционална изразителност. Тя беше първата изпълнителка на главните роли в много съветски балети.

Отличителните черти на таланта на Олга Лепешинская са оптимизъм и темперамент, които се проявяват с особена сила в балетите "Дон Кихот" от Л. Минкус, "Пламъците на Париж" от Асафиев, "Пепеляшка" от Прокофиев и др.

Мая Плисецкая съчетава в творчеството си традициите на руската хореографска школа с новаторските стремежи на съветския балет. Виртуозността на балерината е уловена в много партии, изпълнявани от нея в класически и модерни балетни спектакли. Сред най-добрите й роли са Одета и Одил от „Лебедово езеро“ на Чайковски, Кармен от „Кармен сюита – Щедрина“ на Бизе, Анна Каренина в едноименния балет на Р. К. Шчедрин и др.

Танцът на Раиса Стръчкова е изпълнен с неповторима грация и грация. Нейният артистичен талант е ярко изразен в ролите на Мария, Жулиета, Пепеляшка, в богат концертен репертоар.

Изпълнителското майсторство на Ирина Колпакова се отличава с класическа изразителност и красота на формите. Изкуството на Марина Кондратиева привлича с духовност и дълбок лиризъм.

Асаф Месерер беше отличен изпълнител на партии в класически балети.

Лиричният мъжки танц в съветското балетно изкуство намира най-яркото си въплъщение в творчеството на Константин Сергеев, в партиите на Вацлав (Бахчисарайският фонтан на Асафиев), Ромео (Ромео и Жулиета на Прокофиев) и др. Той поставя редица балети - на Прокофиев Пепеляшка, "Гръмотевична пътека" на Караев...

Героичното начало е присъщо на изкуството на Алексей Ермолаев (1910-1975), изпълнител на ролите на Филип ("Пламъците на Париж"), Тибалт ("Ромео и Жулиета") и др.

Една от най-ярките фигури в съветското балетно изкуство е Вахтанг Чабукиани. Той е целият в стихията на танца, вдъхновен импулс. В постановките на „Сърцето на планините“ от А. М. Баланчивадзе, „Отело“ от А. Д. Мачавариани и темпераментното изпълнение на главните партии в тези балети Чабукиани утвърждава триумфа на героичния мъжки танц.

Когато Екатерина Максимова играе ролята на Китри в "Дон Кихот", нейният блестящ танц изразява характера на темпераментно испанско момиче. А в балета "Спартак" от А. И. Хачатурян тя създава съвсем различен образ - нежна, всеотдайна, а след това разбита жена.

Владимир Василиев съчетава в работата си неразбираема виртуозност и най-добрите актьорски умения. Красиви са неговият смел Спартак, смелият Икар в едноименния балет на С. М. Слонимски, от който В. Василиев започва своята дейност като хореограф.

Наталия Бессмертнова е наричана "съветската романтична балерина" за вдъхновеното си изпълнение на части от класическия и модерен репертоар.

Нина Тимофеева, Людмила Семеняка, Габриела Комлева, Михаил Лавровски, Марис Лиепа, Николай Фадеечев и много други артисти прославиха съветската балетна школа по целия свят.

Възпитаничката на Пермското хореографско училище Надежда Павлова бе удостоена с най-високото отличие на втория Международен балетен конкурс в Москва. Публиката приветства горещо тази балерина, която стана солистка на Болшой театър.

Таджикската балерина Малика Сабирова (1942-1982) талантливо въплъщава темата за любовта и верността в работата си. Най-добрите й роли включват роли в балетите "Жизел", "Дон Кихот", "Лейли" и "Меджнун".

Талантът на Елена Гварамадзе и Вера Цигнадзе процъфтява в слънчева Грузия. Киргизката балерина Бубусара Бейшеналиева (1926-1973) оставя забележима следа в изкуството на съветския балетен театър. Балетистката Лариса Сахянова зарадва публиката с изразителността на танца. Видни представители на съветския многонационален балет са украинските танцьорки Елена Потапова и Валентина Калиновская. Узбекските балерини Галя Измайлова и Бернара Кариева въплътиха в своите танци характерите на освободените жени от съветския Изток. Известни са имената на беларуските балетисти Лидия Ряженова, Людмила Бржозовски, Юрий Троян, азербайджанската балерина Гамар Алмасзаде, арменския танцьор Вилен Галстян и много други.

Зрителите от всички континенти възторжено аплодират съветския балет. Изключителни съветски артисти и цели балетни групи на Московския Болшой театър и Музикалния театър на името на К. С. Станиславски и Вл. И. Немирович-Данченко, Ленинградският театър на името на С. М. Киров, Киевският театър на името на Т. Г. Шевченко и други съветски театри гастролират в чужбина с голям успех, винаги се възхищават на ненадминатото им изкуство.

У нас се създават нови самостоятелни хореографски трупи - балетни театри, ансамбли за класически балет, камерен балет, пластична драма. Това помага да се идентифицират нови таланти и да им помогне да стигнат до изкуството.

вид сценични изкуства. Спецификата на балета е предаването на съдържание чрез танца, в музикални и хореографски образи. По правило музиката се композира от композитори специално за даден балет въз основа на литературен сценарий (либрето).

Европейският балет, чиято родина е Италия, започва да се оформя през Ренесанса. Окончателно се формира през 18 век.

В Русия балетните представления стават редовни от 30-те години на 18 век. Усвоявайки опита на чуждестранни хореографи, изучавайки народната танцова култура, руските художници постепенно създават оригинален стил на изпълнение, оригинална танцова школа, която окончателно се оформя през втората половина на 19 век. Върхът на това изкуство от 19 век е работата на руските хореографи М. Петипа и Л. Иванов, които създават стила на академичния балет ("Лебедово езеро", "Лешникотрошачката", "Спящата красавица").

Страхотна дефиниция

Непълна дефиниция ↓

БАЛЕТ

фр.-балет, от късния лат. ballo-dancing) - вид музикален театър. Спецификата на Б. е предаването на съдържание чрез танц, в музикални и хореографски образи (Хореография). Б. - синтетично изкуство: съдържанието му, заедно с танца, се определя от сценария, музиката и театралните изразни средства (дизайн, режисура, актьорско майсторство); понякога може да включва вокали - както като самостоятелни номера, така и като допълнителен или само музикален съпровод. В резултат на взаимодействието с кинематографията в момента се ражда нов жанр - филмов балет. Природата на Б. е двойна: от една страна, тя гравитира към музиката и съответните методи на изразителност, от друга страна, тя се развива като театрално изкуство. Историята на Б. познава периодите, когато К.-л. от две начала се превръща във водещо, определящо оригиналността на създаваните по това време спектакли и техния жанр: от танцова симфония до хореодрама. По правило музиката се композира от композитор специално за даден Б. въз основа на литературен сценарий, по-рядко се избира от готови произведения. По традиционния европейски култура Б. наред с класическия и битов характерен танц може да се използва пантомима. През ХХ век. Материалът за създаване на хореографски образи е също „свободен танц“, „модерен“ танц, други видове танц или елементи от тях в комбинация с класически танц. европейски Б., чиято родина е Италия, започва да се оформя през Ренесанса. По-късно се появява в Англия, Австрия, Франция. Окончателно се оформя през 18 век. В Русия балетните представления стават редовни от 30-те години на миналия век. 18-ти век Усвоявайки опита на чуждестранни хореографи, изучавайки народната хореографска култура, рус. майсторите на танците постепенно създават оригинален стил на изпълнение, рус. национална танцова школа, която окончателно се оформя през втората половина на 19 век. Върхът на балетния театър на XIX век. беше творчеството на руснака. хореографи М. И. Петипа и Л. И. Иванов, създали стила на академичния балет ("Лебедово езеро", "Спящата красавица", "Раймонда", "Лешникотрошачката"). Появяват се сложни симфонични форми на класическия танц и Б. се среща с музиката на симфоничните композитори П. И. Чайковски и А. К. Глазунов. До началото на ХХ век. Б. влезе в съкровищницата на националния руски. култура, докато балетният театър на Запад запада, изражда се в развлекателен спектакъл. Чуждестранни турнета рус. Б. по това време (Парижките сезони на С. П. Дягилев) бяха по същество преоткриването на този вид изкуство за западните зрители, даде тласък на възраждането на Б. в много държави. Съветският Б. наследи всичко най-добро от руския. Б., развива своите постижения, предлага нови идейни и естетически принципи. Базиран на руски Б. са родени национални Б. на съюзните републики, заедно с него съставляват многонационалното съветско балетно изкуство.

Историята на балета започва през Ренесанса (XV-XVI век) в Италия. Той израства от тържествените представления, които се организират за аристократите от техните слуги: музиканти и танцьори в двора. По това време балетът беше като неопитен младеж на осемнадесет години: непохватен, но с огън в очите. Разви се изключително бързо. Като същия младеж, когото първи допуснаха в работилницата и го повикаха чирак.
По това време балетната мода беше съвсем различна: костюмите съответстваха на времето, пачки и обувки просто не съществуваха и публиката имаше възможност да участва в това до края на представлението.

Катрин де Медичи се превръща в значима фигура в историята на развитието на балета. От Италия тя пренася това изкуство във Франция, организира спектакли за поканени гости. Например, посланици от Полша успяха да видят грандиозна постановка, наречена Le Ballet des Polonais.
Смята се, че шедьовърът Ballet Comique de la Reine е истински близък до съвременния балет, който държи публиката в напрежение повече от пет часа. Поставена е през 1581 г.

17 век е нов етап в развитието на балета. Отделен от простия танц, той се превърна в самостоятелно изкуство, което беше страстно подкрепено от Луи XIV. За него Мазарини поръчва хореограф от Италия, който поставя балети с участието на краля.
През 1661 г. Луис създава Първата академия по танци, в която се преподава балет. Първият хореограф на Луи XIV, М. Лули, поема юздите на първата балетна школа в свои ръце. Под негово ръководство Академията за танци се усъвършенства и дава тон на целия балетен свят. Той направи всичко възможно, за да превърне балета от млад и неопитен младеж с огън в очите в величествен красив мъж, познат и уважаван навсякъде. През 1672 г. с негова подкрепа е основана танцова академия, която и до днес е известна на целия свят като Балет на Парижката опера. Друг придворен хореограф на Луи XIV, Пиер Бошан, работи върху терминологията на танца.
1681 е друга важна година в историята на балета. За първи път момичета участваха в продукцията на г-н Лули. 4 красавици нахлуха в света на танца и проправиха пътя за останалите. От този паметен момент момичетата започнаха да участват в балета.

През 18 век балетът продължава да печели сърцата на любителите на изящния танц по целия свят. Огромен брой постановки, нови форми на изразяване на "Аз" на сцената, славата далеч не е в тесните придворни кръгове. Балетното изкуство дойде и в Русия.
През 1783 г. Екатерина II създава Императорския театър за опера и балет в Санкт Петербург и Болшой каменен театър в Москва, а в Санкт Петербург е открито Императорското балетно училище.
Колкото повече наближаваше средата на века, толкова по-ярко ставаше балетното изкуство. Европа беше очарована от него, повечето високопоставени лица се интересуваха от балет. Навсякъде се отвориха балетни школи. Развива се и балетната мода. Момичетата свалиха маските си, стиловете на облеклото им се промениха. Сега танцьорите са облечени в леки дрехи, което им позволява да изпълняват невъзможни досега па.

В началото на 19 век теорията на балета се развива активно. През 1820 г. Карло Бласис написва „Елементарен трактат върху теорията и практиката на танцовото изкуство“. Започва преминаването от количество към качество, обръща се все повече внимание на детайлите.
И най-важното, това, което началото на 19 век носи на балета, е танцът на върха на пръстите. Иновациите бяха възприети с гръм и трясък и подхванати от повечето хореографи.
Изобщо тези сто години са дали много на балетното изкуство. Балетът се превърна в необичайно лек и ефирен танц, като летен вятър, който се ражда в лъчите на изгряващото слънце. Теорията и практиката вървяха ръка за ръка: бяха публикувани много научни трудове, които все още се използват в обучението по балет.

Двадесети век премина под знака на руския балет. В Европа и Америка до началото на века интересът към балета избледнява, но след пристигането на майстори от Русия любовта към балетното изкуство отново пламва там. Руските актьори организираха дълги турнета, давайки възможност на всеки да се наслади на уменията си.
Революцията от 1917 г. не може да попречи на развитието на балета. Между другото, познатата ни балетна пачка се появи приблизително по същото време и изпълненията станаха по-дълбоки.
През 20 век балетът е изкуство не само за аристократите и знатните къщи. Балетът става достояние на широката публика.

В наше време балетът остава същото магическо изкуство, в което с помощта на танца те могат да разкажат за всички човешки емоции. Той продължава да се развива и расте, променяйки се със света и без да губи своята актуалност.

Балетът е вид изкуство, в което идеята на твореца се въплъщава със средствата на хореографията. Балетното представление има сюжет, тема, идея, драматургично съдържание, либрето. Само в редки случаи се случват безсюжетни балети. В останалата част, с хореографски средства, танцьорите трябва да предадат чувствата на героите, сюжета, действието.

Балетистът е актьор, който с помощта на танца предава връзката на героите, общуването им помежду си, същността на случващото се на сцената.

От "Жизел" до "Спартак". Балетите трябва да се видят.

"Жизел"

История: премиерата на балета се състоя на 28 юни 1841 г. в Париж. Руската публика видя постановката в стените на Болшой театър само две години по-късно. Оттогава Жизел никога не е напускала руската сцена за дълго време. В образа на главния герой блестяха танцьори от първа величина: Павлова, Спесивцева, Уланова, Бессмертнова, Максимова и др.

Сюжет: История за първата любов и бруталното предателство. Преоблечен като селянин, благородникът Алберт съблазнява нищо неподозиращо селско момиче. Но измамата бързо се разкрива. Когато Жизел научава, че любимият й вече има булка от висшето общество, тя полудява и умира.
През нощта Алберт идва на гроба на момичето, където едва не умира в ръцете на джиповете - булки, починали преди сватбата. Жизел е тази, която спасява младия мъж.

"Лебедово езеро"

История: балетът по музика на Пьотр Илич Чайковски не се влюби веднага в публиката. Дебютът завърши с пълен провал. Публиката оцени "Лебедово езеро" едва след като оригиналната му хореография беше редактирана от хореографите Лев Иванов и Мариус Петипа. Новата версия на постановката е показана на публиката през 1895 г. на сцената на Мариинския театър. В съветско време именно "Лебедово езеро" се превърна в отличителна черта на страната. Балетът беше показан на всички високопоставени гости, посетили Москва.

Сюжет: Продукцията е базирана на легендата за принцеса Одета, която е превърната в лебед от злия магьосник Ротбарт. Този, който искрено я обича и полага клетва за вярност, може да спаси момичето. Принц Зигфрид дава такова обещание, но го нарушава по време на бала, когато на него се появява Одил, като две капки вода, подобна на Одета. За момичето-лебед това означава само едно - тя никога няма да може да се върне към предишния си живот.

"Ромео и Жулиета"

История: Музиката за световноизвестния балет е написана от Сергей Прокофиев още през 1935 г., но публиката видя самата постановка три години по-късно, и то не в Москва или Ленинград, а в Чешката република, в град Бърно. Трагедията на Шекспир е показана в Съветския съюз едва през 1940 г. Тогава легендарната Уланова блесна в главната роля. Между другото, танцьорът (както много други) не разбираше музиката на маестрото. След премиерата тя вдигна закачлива наздравица: „Няма по-тъжна история на света от музиката на Прокофиев в балета“.

Сюжет: балетът напълно и напълно съвпада с интерпретацията на Шекспир - влюбени от воюващи семейства се женят тайно от роднините си, но умират от трагичен инцидент.

"Баядерка"

История: Баядерка е един от най-известните балети на руската императорска сцена. Постановката е представена за първи път пред широката публика през 1877 г. на сцената на петербургския Болшой театър. И през 1904 г. хореографът Александър Горски я премества в столицата. С течение на времето "La Bayadère" беше подложена на многобройни промени, само сцената на "Shadow", изпълнена от кордебалета, остана непроменена. Тя с право се смята за истинска украса на цялата постановка и истинско постижение на хореографа Петипа.

Сюжет: Избухва любов между Солор и баядерката (танцьорката) Никия. Въпреки това, момичето харесва не само своя избраник, но и Великия брамин, който, след като получи отказа на красавицата, решава да й отмъсти. Раджа Дугманта също иска смъртта на баядерката, защото мечтае да омъжи дъщеря си за Солор. В резултат на заговора момичето умира от ухапване от змия, което враговете й крият в букет.
Най-силната страна на "Баядерка" е сцената "Сянката". Когато Солор заспива, той вижда невероятна картина: танц на сенките на мъртви души се спуска в дълга редица по дефилето сред Хималаите, сред тях е Никия, която го вика при себе си.

"Спартак"

История: премиерата на балета се състоя на 27 декември 1956 г. в Санкт Петербург, а през 1958 г. - в Москва. Може би най-известните изпълнители на главните мъжки роли в съветския период могат да се нарекат Владимир Василиев и Марис Лиепа. За основа на сценария послужиха различни исторически материали и художествена литература.

Сюжет: В този балет любовната линия избледнява на заден план на фона на конфронтацията между двамата главни герои Спартак и Крас.
Спартак вдига въстание сред гладиаторите, успява да победи, но Крас не иска да се предаде и започва нов поход срещу врага си. Този път късметът е на негова страна. Спартак се бори до последно, но умира в неравна битка: повечето от неговите съюзници просто се разсърдиха и отказаха да отблъснат врага.

Балетът (фр. ballet, от лат. ballo - танцувам) е вид сценично изкуство, чиито основни изразни средства са музиката и танцът, които са неразривно свързани.

Най-често балетът се основава на някакъв сюжет, драматургия, либрето, но има и балети без сюжет. Основните видове танци в балета са класически танц и характерен танц. Важна роля тук играе пантомимата, с помощта на която актьорите предават чувствата на героите, техния "разговор" помежду си, същността на случващото се. Елементите на гимнастиката и акробатиката също са широко използвани в съвременния балет.

Раждането на балета

Балетът възниква в Италия през Ренесанса (XVI век), първоначално като танцова сцена, обединена от едно действие или настроение, епизод от музикално представление, опера. Заимстван от Италия във Франция, придворният балет процъфтява като великолепен тържествен спектакъл. Музикалната основа на първите балети (The Queen's Comedy Ballet, 1581) са народни и придворни танци, които са част от старата сюита. През втората половина на 17 век се появяват нови театрални жанрове като комедия-балет, опера-балет, в които значително място се отделя на балетната музика и се правят опити за нейното драматизиране. Но балетът става самостоятелен вид сценично изкуство едва през втората половина на 18 век благодарение на реформите, извършени от френския хореограф Ж. Ж. Новер. Въз основа на естетиката на френските просветители, той създава спектакли, в които съдържанието се разкрива в драматични изразителни пластични образи, и утвърждава активната роля на музиката като "програма, която определя движенията и действията на танцьора".

По-нататъшно развитие на балета

По-нататъшното развитие и разцвет на балета пада върху ерата на романтизма.

Модерен балетен костюм (костюм на феята Драже от пиесата "Лешникотрошачката")

Още през 30-те години на XVIII век. Френската балерина Камарго скъси полата си (туту) и изостави токчетата, което й позволи да въведе в танца си чехли. До края на XVIII век. балетният костюм става много по-лек и свободен, което до голяма степен допринася за бързото развитие на танцовата техника. Опитвайки се да направят танца си по-ефирен, изпълнителите се опитаха да застанат на върха на пръстите си, което доведе до изобретяването на пантофи. В бъдеще техниката на пръстите на женския танц се развива активно. Първата, която използва танца pointe като изразно средство, е Мария Талиони.

Драматизацията на балета изискваше развитието на балетната музика. Бетовен в своя балет „Творенията на Прометей“ (1801) прави първия опит за симфонизиране на балет. Романтичното направление се установява в балетите на Адам „Жизел“ (1841) и „Корсар“ (1856). Балетите на Делиб „Копелия“ (1870) и „Силвия“ (1876) се считат за първите симфонични балети. В същото време се очертава и опростен подход към балетната музика (в балетите на К. Пуня, Л. Минкус, Р. Дриго и др.), като мелодична музика, ясна в ритъм, служеща само като акомпанимент на танца .

Балетът прониква в Русия и започва да се разпространява още при Петър I в началото. 18-ти век През 1738 г. по искане на френския майстор на танците Жан-Батист Ланде в Санкт Петербург е открито първото училище за балетни танци в Русия (сега Академия за руски балет на името на А. Я. Ваганова).

Историята на руския балет започва през 1738 г. Тогава, благодарение на петицията на г-н Ланде, се появи първото училище за балетно изкуство в Русия - Академията за танц в Санкт Петербург на името на Агрипина Яковлевна Ваганова, сега известна на целия свят. Владетелите на руския престол винаги са се грижили за развитието на танцовото изкуство. Михаил Федорович беше първият от руските царе, който въведе нова длъжност на танцьорка в персонала на своя двор. Те станаха Иван Лодигин. Той трябваше не само да танцува, но и да научи другите на този занаят. На негово разположение са предоставени 29 младежи. Първият театър се появява при цар Алексей Михайлович. Тогава беше обичайно да се показва сценичен танц между действията на пиесата, който се наричаше балет. По-късно, със специален указ на император Петър Велики, танците стават неразделна част от придворния етикет. През 30-те години на осемнадесети век младежите от благородството са били задължени да учат танци. В Санкт Петербург балните танци стават задължителна дисциплина в дворянския кадетски корпус. С откриването на летния театър в лятната градина, зимния театър в крилото на Зимния дворец, кадетите започват да участват в балетни танци. Инструкторът по танци в сградата беше Жан-Батист Ландет. Той добре осъзнаваше, че благородниците няма да се посветят на балета в бъдеще. Въпреки че те, заедно с професионалистите, танцуваха в балети. Ланде, както никой друг, видя необходимостта от руски балетен театър. През септември 1737 г. той подаде петиция, в която успя да обоснове необходимостта от създаване на ново специално училище, където момичета и момчета от прост произход да учат хореографско изкуство. Скоро такова разрешение беше дадено. Дванадесет момичета и дванадесет стройни младежи бяха избрани от слугите на двореца, които Ланде започна да учи. Ежедневната работа даде резултати, публиката беше възхитена от видяното. От 1743 г. бившите ученици на Ланде започват да получават заплати като балетисти. Училището много бързо успя да даде на руската сцена отлични кордебалетисти и отлични солисти. Имената на най-добрите ученици от първия набор останаха в историята: Аксиния Сергеева, Авдотя Тимофеева, Елизавета Зорина, Афанасий Топорков, Андрей Нестеров

Националната идентичност на руския балет започва да се оформя в началото на 19 век благодарение на работата на френския хореограф Ч.-Л. Дидло. Дидло засилва ролята на кордебалета, връзката между танца и пантомимата, отстоява приоритета на женския танц.

Истинска революция в балетната музика прави Чайковски, който внася в нея непрекъснато симфонично развитие, дълбоко образно съдържание и драматична изразителност. Музиката на неговите балети "Лебедово езеро" (1877), "Спящата красавица" (1890), "Лешникотрошачката" (1892) придобива, заедно със симфоничната музика, способността да разкрива вътрешния поток на действието, да въплъщава характерите на героите в техните взаимодействие, развитие и борба. В хореографията новаторството на Чайковски е въплътено от хореографите Мариус Петипа и Л. И. Иванов, които поставят началото на симфонизацията на танца. Традицията на симфонизирането на балетната музика е продължена от Глазунов в балетите "Раймонда" (1898), "Младата девойка" (1900), "Годишните времена" (1900).

Началото на 20 век е белязано от новаторски търсения, желание за преодоляване на стереотипите и условностите на академичния балет от 19 век. В своите балети хореографът на Болшой театър А. А. Горски се стреми да постигне последователно развитие на драматичното действие, историческа точност, опита се да засили ролята на кордебалета като масов характер, да преодолее разделянето на пантомимата и танца. М. М. Фокин има голям принос в руското балетно изкуство, като значително разширява диапазона от идеи и образи в балета, обогатява го с нови форми и стилове. Спектаклите му за "Руските сезони", балетите "Шопениана", "Петрушка", "Жар-птица" и др. донесоха известност на руския балет в чужбина. Миниатюрата „Умиращият лебед” (1907), създадена от Фокин за Анна Павлова, спечели световна слава. През 1911-13 г. на базата на Руските сезони е създадена постоянна трупа - Руски балет на Дягилев. След като напуска трупата на Фокин, Васлав Нижински става неин хореограф. Най-известната му постановка е балетът „Повестта на пролетта“ по музика на Стравински.

Модерен танц

Модерният танц е направление в танцовото изкуство, което се появява в началото на 20 век в резултат на отклонение от строгите норми на балета в полза на творческата свобода на хореографите.

От балета свободният танц беше отблъснат, чиито създатели се интересуваха не толкова от нова танцова техника или хореография, а от танца като специална философия, която може да промени живота. Това движение, възникнало в началото на 20-ти век (Айседора Дънкан се счита за негов прародител), послужи като източник на много посоки на модерния танц и даде тласък на реформата на самия балет.

Най-красивото от всички изкуства, балетът разказва истории за любов и смърт на език, разбираем за всички хора на Земята. Трайни ценности, повтарящи се престъпления и чудеса на вяра, клетва и дълг намират своя израз в танците. „В началото беше Словото“, казва Библията, но Мая Плисецкая възразява: „В началото имаше жест!“ Изкуството на тихото движение не изисква човешки език и превод. Красотата на тялото в движение, тялото като инструмент за създаване на изкуство, вече сами служат като "сюжети" за безсюжетни танци. Балетът е невъзможен без техниката на класическия танц, без природата на тялото, без жертвоготовност и безусловна любов, без пот и кръв. И все пак балетът е съвършено движение, което те кара да забравиш всичко дребно и земно.

Кратка история на руския балет.

Първото балетно представление в Русия се състоя на Масленицата на 17 февруари 1672 г. в двора на цар Алексей Михайлович в Преображенски. Преди началото на спектакъла актьорът, изобразяващ Орфей, излезе на сцената и изпя немски куплети, преведени на царя от преводач, в които се възхваляваха красивите свойства на душата на Алексей Михайлович. По това време от двете страни на Орфей имаше две пирамиди, украсени със знамена и осветени с многоцветни светлини, които след песента на Орфей започнаха да танцуват. При Петър I в Русия се появяват танци в съвременния смисъл на думата: въвеждат се менуети, селски танци и др.. Той издава указ, според който танците стават основна част от придворния етикет, а благородните младежи са задължени да учат танци . През 1731 г. в Санкт Петербург е открит Дворянският корпус, който е предопределен да стане люлката на руския балет. Тъй като възпитаниците на корпуса в бъдеще трябваше да заемат високи държавни длъжности и се нуждаеха от познания за светски нрави, значително място беше отделено на изучаването на изящни изкуства, включително бални танци, в корпуса. На 4 май 1738 г. френският майстор на танците Жан-Батист Ланде открива първото балетно танцово училище в Русия - "Танцовото училище на Нейно императорско величество" (сега Академия за руски балет на името на А. Я. Ваганова).

В специално оборудвани стаи на Зимния дворец Ланде започва да тренира 12 руски момчета и момичета. Учениците бяха набирани от деца от прост произход. Обучението в училището е безплатно, учениците са на пълна издръжка. Балетът в Русия получава по-нататъшно развитие по време на управлението на Елизабет Петровна. Сред кадетите на Сухопътния корпус Никита Бекетов се отличи в танците. Освен това Бекетов, който по-късно стана любимец на Елизабет, се радваше на специалното благоразположение на императрицата, която сама облече младия мъж, който перфектно изпълнява женските роли. През 1742 г. от учениците на училището Lande е създадена първата балетна трупа, а през 1743 г. започват да се плащат такси на нейните участници. На 1 август 1759 г., на именния ден на императрицата и по повод победата над пруските войски при Франкфурт, тържествено е поставена балетната драма "Убежище на добродетелта", която има огромен успех.

По време на управлението на Екатерина II балетът в Русия придобива още по-голяма популярност и се доразвива. По случай нейната коронация в московския дворец е даден великолепен балет "Радостно завръщане на аркадските пастири и пастирите на богинята на пролетта", в който участват най-знатните благородници. Известно е, че наследникът на трона Павел Петрович често танцува в балетни представления в придворния театър. От епохата на Екатерина II в Русия се появява традиция на крепостни балети, когато земевладелците създават трупи, съставени от крепостни селяни. От тези балети най-голяма слава се радваше на балета на земевладелеца Нашчокин.

През 1766 г. хореографът и композиторът Гаспаро Ангиолини, освободен от Виена, добавя руски привкус към балетните представления - той въвежда руски мелодии в музикалния съпровод на балетните представления, което изненада всички и спечели всеобща похвала за себе си. В началото на царуването на Павел I балетът все още е на мода. Интересното е, че при Павел I бяха издадени специални правила за балета - беше наредено да няма нито един мъж на сцената по време на представлението, ролите на мъжете бяха танцувани от Евгения Колосова и Настася Берилова.

Това продължава до пристигането на Огюст Поаро в Санкт Петербург. По време на управлението на Александър I руският балет продължава своето развитие, достигайки нови висоти. Руският балет дължи успеха си по това време преди всичко на поканения френски хореограф Карл Дидело, който пристига в Русия през 1801 г. Под негово ръководство такива танцьори и танцьори като Мария Данилова, Евдокия Истомина започнаха да блестят в руския балет. По това време балетът в Русия достигна безпрецедентна популярност. Державин, Пушкин и Грибоедов пеят балетите на Диделот и неговите ученици Истомин и Телешова. Императорът обичал балетните представления и почти не пропускал нито едно. През 1831 г. Диделот напуска петербургската сцена поради конфликт с директора на театрите княз Гагарин. Скоро една звезда започна да блести на петербургската сцена Европейски балет Мария Талиони.

Дебютира на 6 септември 1837 г. в балета "Силфида" и предизвиква възторга на публиката. Такава лекота, такава целомъдрена грация, такава необикновена техника и мимики не е показвал никога нито един от танцьорите. През 1841 г. тя се сбогува със Санкт Петербург, като през това време танцува повече от 200 пъти.

През 1848 г. в Санкт Петербург пристига съперничката на Талиони Фани Елслер, известна със своята грация и изражения на лицето. След нея Санкт Петербург посещава Карлота Гризи, която дебютира през 1851 г. в „Жизел“ и има голям успех, показвайки се като първокласна танцьорка и отлична мимическа актриса. По това време хореографите Мариус Петипа, Джоузеф Мазилие и други последователно поставят луксозни балети и, като привличат талантливи артисти, се опитват да представят балетни представления, които започват да охлаждат благодарение на италианската опера. Сред балетните критици от онова време е Висарион Белински, известен със статии за Талиони, Герино и Санковская. В царуването на Александър II в руския балет започва насърчаването на местни таланти. Редица талантливи руски танцьори и танцьори украсиха балетната сцена. Въпреки че се наблюдават големи икономии в балетните постановки, опитът на Марийка Петипа позволява да се поставят елегантни балетни представления с ниски финансови разходи, чийто успех е значително улеснен от отличните декори на артистите. През този период на развитие на руския балет танците имат превес над пластиката и мимиката.

По време на царуването на Александър III балетите се изнасят в Мариинския театър два пъти седмично - в сряда и неделя. Хореограф все още беше Мариус Петипа. По това време в Санкт Петербург гастролираха чуждестранни балерини, сред които Карлота Брианца, която първа изпълни ролята на Аврора в балета „Спящата красавица“ от Пьотр Чайковски. Водещи танцьори бяха Василий Гелцер и Николай Домашев. През 20 век - А. В. Ширяев, 1904 г. А. А. Горски, 1906 г. Михаил Фокин, 1909 г. В началото на 20 век пазители на академичните традиции са художници: Олга Преображенская, Матилда Кшесинская, Вера Трефилова, Ю. Н. Седова, Агрипина Ваганова, Олга Спесивцева. В търсене на нови форми Михаил Фокин залага на съвременното изобразително изкуство.

Анна Павлова. Покана за Танца aka Покана за Valse.

Любимата сценична форма на хореографа е едноактен балет с лаконично продължително действие, с ясно изразена стилова окраска. Михаил Фокин притежава балетите: Павилион на Армида, Шопениана, Египетски нощи, Карнавал, 1910 г.; "Петрушка", "Половецки танци" в операта "Княз Игор". Тамара Карсавина, Васлав Нижински и Анна Павлова станаха известни в балетите на Фокин. Първото действие на балета "Дон Кихот", по музика на Лудвиг Минкус, достига до съвременниците си във версията на Александър Горски.

Руски балет на 20 век.

Галина Уланова в балета "Жизел".

Па де дьо от балета "Лебедово езеро" от Чайковски.

Руски балет на XXI век.

Па дьо дьо от балета "Корсар" от Адана.

Па дьо дьо от Дон Кихот от Минкус.

Па дьо дьо от балета "Баядерка" от Минкус.

Адажио и па дьо дьо от балета "Жизел" от Адам.