Човекът е неизчерпаем извор на любов, доброта и радост. Всички сме еднакви, навсякъде по света. Не можем да сдържаме емоциите си в трогателни моменти или когато на душата ни е тежко и болезнено.
Тези снимки показват колко богата е душата на всеки човек, колко е силен духом човекът. Гледайки тези снимки, вие се убеждавате, че основното нещо за нас е животът. А животът е любов, топлината на нашите сърца, добротата към ближните и радостта от всеки ден в живота.
Осемгодишният Кристиан приема знамето по време на панихида за баща си, убит при патрулиране в Ирак.
Баща алкохолик и синът му
"Тате, чакай ме." Преди да отиде на война
съветски войнициподготовка за битката при Курск, юли 1943 г
Християните защитават мюсюлманите по време на молитва в разгара на въстанията в Кайро през 2011 г
Тери Гурола се среща с дъщеря си, след като е служил в Ирак в продължение на 7 месеца
Румънско дете дава балон на... полицай по време на протести в Букурещ
Петгодишно дете, спасено от 8 дни в капан под развалините, причинени от земетресението в Хаити
Аджим Шалу, 2, е прехвърлен през ограда от бодлива тел в ръцете на баба си и дядо си в косовски бежански лагер. 
Плачещ мъж... Той разглежда семеен албум, който е намерил в развалините на старата си къща след земетресението в Съчуан 
Емблематична снимка на неизвестен бунтовник, който стои пред колона от китайски танкове в акт на неподчинение по време на протестите на площад Тянанмън през 1989 г. 
Приятели от първа линия, които бяха снимани всяка година, докато един от тях умря
17-годишната Ян Роуз Кашмир предлага цвете на войници по време на антивоенен протест в Пентагона през 1967 г.
Афро-американските спортисти Томи Смит и Джон Карлос вдигат юмруци в знак на солидарност на Олимпийските игри през 1968 г. 
Еврейски затворници по време на освобождаването им от лагера, близо до Елба през 1945 г.
Джон Ф. Кенеди младши поздравява ковчега на баща си
Куче се събра със собственика си след японското цунами през 2011 г
Германски пленник, заловен от СССР след Втората световна война, вижда за първи път дъщеря си, която не е виждал от 1-годишна възраст. 
Парижанин плаче от отчаяние, докато нацистите окупират Париж по време на Втората световна война
Ветеран намери танка, на който премина през цялата война по време на Великата отечествена война. Резервоарът е монтиран в малък град като паметник 
Залез на Марс
Кардиохирург след 23-часова (успешна) сърдечна трансплантация. Помощникът му спи в ъгъла
Пациентът не само оцеля след операцията, но и оцеля при своя лекар
Хорас Гризли се взира предизвикателно в Хайнрих Химлер, докато инспектира лагера, в който е бил затворен. Гризли избяга от лагера повече от 200 пъти и се върна, за да се срещне с местно германско момиче, в което беше влюбен 
По време на тежко наводнение в Къттак, Индия през 2011 г., героичен местен жител спаси бездомни котки. 
6-годишно момче, което живее в сиропиталище в Австрия, празнува и прегръща чифт нови обувки, дадени му от Американския червен кръст. Снимка от 1946г
Харолд Уитълс чува за първи път в живота си, след като лекар постави слухов апарат в лявото му ухо.
„Ръка на надеждата“ - неродено дете се протяга от разрез, направен в матката на майка му по време на операция, и внезапно хваща ръката на хирурга 
12-годишен бразилец свири на цигулка на погребението на своя учител. Един учител му помогнал да избяга от бедността и насилието чрез музика 
Руски войник свири на изоставено пиано в Чечения през 1994 г.
Изобразителното изкуство може да даде цяла гама от емоции. Някои снимки ви карат да се взирате в тях с часове, докато други буквално шокират, учудват и „взривяват мозъка ви“, а с него и светогледа ви.
Има такива шедьоври, които те карат да се замислиш и да търсиш таен смисъл. Някои картини са обвити в мистични мистерии, докато в други основното е тяхната изключително висока цена. Можем да кажем, че живописта, ако не вземем предвид реалистите, винаги е била, е и ще бъде странна. Но някои картини са по-странни от други. И въпреки че самата концепция за странност е субективна, е възможно да се идентифицират онези известни произведения, които ясно се открояват от общата серия.
Едвард Мунк "Викът".
Творбата с размери 91х73,5 см е създадена през 1893г. Мунк я рисува с маслени бои, пастели и темпера; днес картината се съхранява в Националната галерия в Осло. Творението на художника се превърна в емблематично за импресионизма, като цяло това е една от най-известните картини в света днес. Самият Мунк разказва историята на създаването му: „Вървях по пътека с двама приятели. По това време слънцето залязваше. Изведнъж небето стана кървавочервено, спрях, чувствайки се изтощен, и се облегнах на оградата. Погледнах кръвта и пламъците над синкаво-черния фиорд и града. Приятелите ми продължиха, но аз все още стоях, треперейки от вълнение, усещайки безкраен вик, пронизващ природата.”
Има две версии на тълкуването на начертаното значение. Можем да предположим, че изобразеният герой е обхванат от ужас и тихо крещи с ръце до ушите. Друга версия гласи, че мъжът си е запушил ушите от крясъците около него. Общо Мунк създава цели 4 версии на „Викът“. Някои експерти смятат, че тази картина е класическа проява на маниакално-депресивната психоза, от която страда художникът. Когато Мунк беше лекуван в клиниката, той никога не се върна към тази картина.
Пол Гоген „Откъде идваме? Кои сме ние? Къде отиваме?".
В Бостънския музей за изящни изкуства можете да намерите тази импресионистична творба с размери 139,1 x 374,6 см. Нарисувана е с маслени бои върху платно през 1897-1898 г. Тази дълбока творба е написана от Гоген в Таити, където той се оттегля от суматохата на парижкия живот. Картината става толкова важна за художника, че след завършването й той дори иска да се самоубие. Гоген вярваше, че тя е с глава над всичко, което е създал преди. Художникът вярваше, че няма да може да създаде нещо по-добро или подобно, просто нямаше към какво друго да се стреми.
Гоген живя още 5 години, доказвайки истинността на своите преценки. Самият той каза, че основната му снимка трябва да се гледа от дясно на ляво. Върху нея има три основни групи фигури, които олицетворяват проблематиката, с която е озаглавено платното. Три жени с дете показват началото на живота, в средата хората символизират зрелостта, а старостта е представена от възрастна жена, която чака смъртта си. Изглежда, че се е примирила с това и мисли за нещо свое. В краката й има бяла птица, символизираща безсмислието на думите.
Пабло Пикасо "Герника".
Творението на Пикасо се съхранява в музея на Рейна София в Мадрид. Голяма картина с размери 349 на 776 см, рисувана с маслени бои върху платно. Тази стенопис е създадена през 1937 г. Филмът разказва за нападението на фашистки пилоти-доброволци над град Герника. В резултат на тези събития град с население от 6 хиляди души беше напълно изтрит от лицето на земята.
Художникът създава тази картина буквално за месец. В първите дни Пикасо работи по 10-12 часа и още в първите му скици вече се вижда основната идея. В резултат на това картината се превърна в една от най-добрите илюстрации на всички ужаси на фашизма, жестокостта и човешката скръб. В Герника може да се види сцена на бруталност, насилие, смърт, страдание и безпомощност. Въпреки че причините за това не са изрично посочени, те са ясни от историята. Казват, че през 1940 г. Пабло Пикасо дори е бил извикан в Гестапо в Париж. Веднага го попитаха: „Ти ли го направи?“ На което художникът отговори: „Не, ти го направи“.
Ян ван Ейк "Портрет на двойката Арнолфини".
Тази картина е нарисувана през 1434 г. с масло върху дърво. Размерите на шедьовъра са 81,8х59,7 см и се съхранява в Лондонската национална галерия. Предполага се, че картината изобразява Джовани ди Николао Арнолфини заедно със съпругата си. Творбата е една от най-сложните в западната школа по живопис през Северния Ренесанс.
Тази известна картина съдържа огромен брой символи, алегории и различни улики. Просто погледнете подписа на художника „Ян ван Ейк беше тук“. В резултат на това картината не е просто произведение на изкуството, а истински исторически документ. В крайна сметка той изобразява реално събитие, което ван Ейк е заснел.
Михаил Врубел "Седналият демон".
Третяковската галерия съхранява този шедьовър на Михаил Врубел, рисуван с маслени бои през 1890 г. Размерите на платното са 114х211 см. Демонът, изобразен тук, е изненадващ. Той изглежда като тъжен млад мъж с дълга коса. Това не е начинът, по който хората обикновено си представят злите духове. Самият Врубел каза за най-известната си картина, че според неговото разбиране демонът не е толкова зъл дух, колкото страдащ. В същото време човек не може да му отрече авторитет и величие.
Демонът на Врубел е образ преди всичко на човешкия дух, постоянната борба със себе си и съмненията, които царят в нас. Това създание, заобиколено от цветя, трагично сключи ръце, огромните му очи тъжно гледаха в далечината. Цялата композиция изразява ограничеността на фигурата на демона. Той изглежда е притиснат в това изображение между горната и долната част на рамката на картината.
Василий Верещагин "Апотеоз на войната".
Картината е нарисувана през 1871 г., но в нея авторът сякаш е предвидил ужасите на бъдещите световни войни. Платното с размери 127х197 см се съхранява в Третяковската галерия. Верещагин се смята за един от най-добрите баталисти в руската живопис. Той обаче не пише войни и битки, защото ги обича. Художникът, използвайки изобразителното изкуство, се опита да предаде на хората своето негативно отношение към войната. Веднъж Верешчагин дори обеща да не рисува повече батални картини. В края на краищата, художникът приемаше твърде близо до сърцето си мъката на всеки ранен и убит войник. Резултатът от такова сърдечно отношение към тази тема беше „Апотеозът на войната“.
Страшна и омагьосваща картина изобразява планина от човешки черепи на поле с гарвани наоколо. Верешчагин създаде емоционално платно, зад всеки череп в огромна купчина може да се проследи историята и съдбата на хора и близки до тях. Самият художник саркастично нарича тази картина натюрморт, защото изобразява мъртва природа. Всички детайли на „Апотеозата на войната” крещят за смърт и празнота, това се вижда дори на жълтия фон на земята. А синьото на небето само подчертава смъртта. Идеята за ужасите на войната се подчертава от дупки от куршуми и следи от саби върху черепите.
Грант Ууд "Американска готика"
Тази малка картина е с размери 74 на 62 см. Създадена е през 1930 г. и сега се съхранява в Института по изкуствата в Чикаго. Картината е един от най-известните образци на американското изкуство от миналия век. Вече в наше време името "американска готика" често се споменава в медиите. Картината изобразява доста мрачен баща и дъщеря му.
Много подробности разказват за суровостта, пуританството и оскотяването на тези хора. Те са с недоволни лица, в средата на снимката има агресивни вили, а облеклото на двойката е демоде дори за тогавашните стандарти. Дори шевът на дрехите на фермера следва формата на вила, удвоявайки заплахата за онези, които биха посегнали на начина му на живот. Детайлите на картината могат да се изучават безкрайно, физически да се чувствате дискомфорт.
Интересно е, че по едно време, на конкурс в Института по изкуствата в Чикаго, картината беше приета от съдиите като хумористична. Но жителите на Айова бяха обидени от художника, че ги показа в такъв неприятен ъгъл. Моделът на жената беше сестрата на Ууд, но прототипът на ядосания мъж беше зъболекарят на художника.
Рене Магрит "Любовници".
Картината е нарисувана през 1928 г. с маслени бои върху платно. В този случай има два варианта. На една от тях мъж и жена се целуват, само главите им са увити в бял плат. В друга версия на картината влюбените гледат към зрителя. Нарисуваното едновременно изненадва и очарова. Фигури без лица символизират слепотата на любовта. Известно е, че влюбените не виждат никого наоколо, но не можем да различим истинските им чувства. Дори един за друг, тези хора, заслепени от чувства, всъщност са мистерия.
И въпреки че основното послание на филма изглежда ясно, „Любовници“ все пак те кара да ги гледаш и да мислиш за любовта. Като цяло, почти всички картини на Магрит са пъзели, които са напълно невъзможни за решаване. В крайна сметка тези картини повдигат основните въпроси за смисъла на живота ни. В тях художникът говори за илюзорността на това, което виждаме, за това, че около нас има много мистериозни неща, които се опитваме да не забелязваме.
Марк Шагал "Разходка".
Картината е нарисувана с маслени бои върху платно през 1917 г. и сега се съхранява в Държавната Третяковска галерия. В творбите си Марк Шагал обикновено е сериозен, но тук той си позволи да покаже чувствата си. Картината изразява личното щастие на художника, изпълнена е с любов и алегории.
Неговата „Разходка“ е автопортрет, където Шагал изобразява съпругата си Бела до себе си. Избраницата му се рее в небето, на път е да завлече и артиста, който почти вече е напуснал земята, докосвайки я само с върховете на обувките си. В другата ръка на мъжа има синигер. Можем да кажем, че Шагал така е изобразил своето щастие. Той има пай в небето под формата на любимата си жена и птица в ръцете си, с което е имал предвид творчеството си.
Йеронимус Бош „Градината на земните удоволствия“.
Това платно с размери 389x220 см се съхранява в Испанския музей на правото. Бош рисува маслената картина върху дърво между 1500 и 1510 г. Това е най-известният триптих на Бош, въпреки че картината има три части, тя е кръстена на централната, посветена на сладострастието. Има постоянни дебати около значението на странната картина, няма тълкуване, което да се признае за единствено правилно.
Интересът към триптиха възниква поради множеството малки детайли, които изразяват основната идея. Има полупрозрачни фигури, необичайни структури, чудовища, сбъднати кошмари и видения и адски вариации на реалността. Художникът успя да погледне всичко това с остър и търсещ поглед, успявайки да съчетае различни елементи в едно платно.
Някои изследователи се опитаха да видят в картината отражение на човешкия живот, който авторът показа като безсмислен. Други откриха образи на любовта, трети откриха триумфа на сладострастието. Съмнително е обаче авторът да се е опитвал да прослави плътските удоволствия. В крайна сметка човешките фигури са изобразени със студена отстраненост и простота. И църковните власти реагираха доста благоприятно на тази картина на Бош.
Густав Климт „Трите епохи на жената“.
Тази картина се намира в Римската национална галерия за модерно изкуство. Квадратното платно с ширина 180 см е нарисувано с маслени бои върху платно през 1905 г. Тази картина изразява едновременно радост и тъга. Художникът успя да покаже целия живот на една жена в три фигури. Първото, още дете, е изключително безгрижно. Зрялата жена изразява мир, докато последната възраст символизира отчаянието. В същото време средната възраст е органично вплетена в модела на живота и старостта се откроява забележимо на нейния фон.
Яркият контраст между младата жена и по-възрастната е символичен. Ако разцветът на живота е придружен от множество възможности и промени, то последната фаза е вкоренено постоянство и конфликт с реалността. Такава картина привлича вниманието и ви кара да се замислите за намерението на художника и неговата дълбочина. Той съдържа целия живот с неговата неизбежност и метаморфози.
Егон Шиле "Семейство".
Това платно с размери 152,5x162,5 cm е нарисувано с маслени бои през 1918 г. Днес се съхранява във виенския Белведере. Учителят на Шиле беше самият Климт, но ученикът не се опитваше усърдно да го копира, търсейки свои собствени методи на изразяване. Спокойно можем да кажем, че творбите на Шиле са още по-трагични, страшни и странни от тези на Климт.
Някои елементи днес биха се нарекли порнографски, има много различни извращения, натурализмът присъства в цялата си красота. В същото време картините са буквално пропити с някакво болезнено отчаяние. Върхът на творчеството на Шиле и най-новата му картина е „Семейство“.
В тази картина отчаянието е максимално изведено, а самата творба се оказа най-малко странна за автора. След като бременната съпруга на Шиле умира от испански грип и малко преди смъртта му, този шедьовър е създаден. Между двете смъртни случаи изминаха само 3 дни, които бяха достатъчни, за да изобрази художника себе си със съпругата си и нероденото си дете. По това време Шила е само на 28 години.
Фрида Кало "Две Фриди".
Картината е родена през 1939 г. Мексиканската художничка Фрида Кало стана известна след излизането на филм за нея с участието на Салма Хайек. Работата на художничката се основава на нейни автопортрети. Самата тя обясни този факт по следния начин: „Пиша себе си, защото прекарвам много време сама и защото аз съм темата, която познавам най-добре.“
Интересно е, че Фрида не се усмихва на нито една своя картина. Лицето й е сериозно, дори някак тъжно. Слети дебели вежди и едва забележими мустаци над стиснати устни изразяват максимална сериозност. Идеите на картините се крият във фигурите, фона и детайлите на това, което заобикаля Фрида.
Символиката на картините се основава на националните традиции на Мексико, тясно преплетени със старата индианска митология. „Двете Фриди” е една от най-добрите картини на мексиканския художник. Тя показва по оригинален начин мъжкото и женското начало, имащи единна кръвоносна система. Така художникът показа единството и целостта на тези две противоположности.
Клод Моне „Мостът Ватерло. Ефект на мъгла."
В Ермитажа в Санкт Петербург можете да намерите тази картина на Моне. Нарисувана е с маслени бои върху платно през 1899 г. При по-внимателно разглеждане на картината тя изглежда като лилаво петно с дебели щрихи, нанесени върху него. Въпреки това, отдалечавайки се от платното, зрителят разбира цялата му магия.
Първо стават видими неясни полукръгове, преминаващи през центъра на картината, и се появяват очертанията на лодки. И от разстояние няколко метра вече можете да видите всички елементи на картината, които са свързани в логическа верига, отбелязва adme.ru.
Джаксън Полък "Номер 5, 1948".
Полък е класика на жанра на абстрактния експресионизъм. Най-известната му картина е най-скъпата в света. И художникът го рисува през 1948 г., като просто излива маслена боя върху фибран с размери 240x120 см на пода. През 2006 г. тази картина беше продадена на Sotheby's за 140 милиона долара.
Предишният собственик, колекционер и филмов продуцент Дейвид Гифен, го продаде на мексиканския финансист Дейвид Мартинез. Полок каза, че е решил да се отдалечи от познатите инструменти на художника като статив, бои и четки. Инструментите му бяха пръчки, ножове, лъжички и течаща боя. Той също така използва смес от него с пясък или дори счупено стъкло.
Започвайки да твори, Полок се отдава на вдъхновението, без дори да осъзнава какво прави. Едва тогава идва осъзнаването на съвършеното. В същото време художникът не се страхува да унищожи изображението или да го промени по невнимание - картината започва да живее свой собствен живот. Задачата на Полък е да му помогне да се роди, да излезе. Но ако майсторът загуби контакт със своето творение, тогава резултатът ще бъде хаос и мръсотия. Ако успее, картината ще олицетворява чиста хармония, лекота на получаване и прилагане на вдъхновение.
Хоан Миро "Мъж и жена пред купчина екскременти."
Тази картина сега се съхранява във фондацията на художника в Испания. Нарисувана е с маслени бои върху медна ламарина през 1935 г. само за седмица от 15 до 22 октомври. Размерът на творението е само 23x32 см. Въпреки такова провокативно име, картината говори за ужасите на гражданските войни. По този начин самият автор изобразява събитията от онези години, които се случват в Испания. Миро се опита да покаже период на притеснение.
На снимката можете да видите неподвижни мъж и жена, които въпреки това са привлечени един към друг. Платното е наситено със зловещи отровни цветя, заедно с уголемени гениталии изглежда умишлено отвратително и отвратително секси.
Яцек Йерка "Ерозия".
В творбите на този полски нео-сюрреалист картини от реалността, преплетени, пораждат нова реалност. В някои отношения дори докосващите се картини са изключително детайлни. Те съдържат ехо от сюрреалистите от миналото, от Бош до Дали.
Йерка израства в атмосфера на средновековна архитектура, оцеляла по чудо след бомбардировките през Втората световна война. Започва да рисува още преди да влезе в университета. Те се опитаха да променят стила му на по-модерен и по-малко детайлен, но самият Йерка запази своята индивидуалност. Днес неговите необичайни картини са изложени не само в Полша, но и в Германия, Франция, Монако и САЩ. Те са в редица колекции по света.
Ръцете на Бил Стоунхам му устояват.
Картината, нарисувана през 1972 г., трудно може да се нарече класика на живописта. Въпреки това, няма съмнение, че това е едно от най-странните творения на художници. Картината изобразява момче, до него стои кукла, а множество длани са притиснати към стъклото зад него. Тази картина е странна, мистериозна и донякъде мистична. Вече е обрасъл с легенди. Казват, че заради тази картина някой е умрял, но децата на нея са живи. Тя изглежда наистина страховито. Не е изненадващо, че картината предизвиква страхове и ужасни фантазии за хора с болна психика.
Самият Стоунхам увери, че се е нарисувал на 5-годишна възраст. Вратата зад момчето е преграда между реалността и света на мечтите. Куклата е водач, който може да пренесе детето от един свят в друг. Ръцете са алтернативен живот или човешки способности.
Картината стана известна през февруари 2000 г. Беше пуснат за продажба в eBay с твърдения, че е обитаван от духове. В резултат на това „Hands Resist Him“ беше закупен за $1025 от Ким Смит. Скоро купувачът беше буквално затрупан с писма с ужасни истории, свързани с картината и искания да унищожи това платно.
Изобразителното изкуство може да даде цяла гама от емоции. Някои картини те карат да се взираш в тях с часове, а други буквално шокират, учудват и взривяват мирогледа ти. Има такива шедьоври, които те карат да се замислиш и да търсиш таен смисъл. Някои картини са обвити в мистични мистерии, докато в други основното е тяхната изключително висока цена.
В историята на световната живопис има много странни картини. В нашата класация умишлено няма да споменем Салвадор Дали, който беше майстор в този жанр и чието име първо идва на ум. И въпреки че самата концепция за странност е субективна, е възможно да се идентифицират онези известни произведения, които ясно се открояват от общата серия.
Едвард Мунк "Викът".Творбата с размери 91х73,5 см е създадена през 1893г. Мунк я рисува с маслени бои, пастели и темпера; днес картината се съхранява в Националната галерия в Осло. Творението на художника се превърна в емблематично за импресионизма, като цяло това е една от най-известните картини в света днес. Самият Мунк разказа историята на създаването му: "Вървях по пътека с двама приятели. По това време слънцето залязваше. Изведнъж небето стана кървавочервено, спрях, чувствайки се изтощен, и се облегнах на оградата. Погледнах кръвта и пламъците над синкавия "Черният фиорд и градът. Приятелите ми продължиха напред, но аз все още стоях, треперейки от вълнение, усещайки безкрайния писък, пронизващ природата." Има две версии на тълкуването на начертаното значение. Можем да предположим, че изобразеният герой е обхванат от ужас и тихо крещи с ръце до ушите. Друга версия гласи, че мъжът си е запушил ушите от крясъците около него. Общо Мунк създава цели 4 версии на „Викът“. Някои експерти смятат, че тази картина е класическа проява на маниакално-депресивната психоза, от която страда художникът. Когато Мунк беше лекуван в клиниката, той никога не се върна към тази картина.
Пол Гоген "Откъде идваме? Кои сме ние? Къде отиваме?"В Бостънския музей за изящни изкуства можете да намерите тази импресионистична творба с размери 139,1 x 374,6 см. Нарисувана е с маслени бои върху платно през 1897-1898 г. Тази дълбока творба е написана от Гоген в Таити, където той се оттегля от суматохата на парижкия живот. Картината става толкова важна за художника, че след завършването й той дори иска да се самоубие. Гоген вярваше, че тя е с глава над всичко, което е създал преди. Художникът вярваше, че няма да може да създаде нещо по-добро или подобно, просто нямаше към какво друго да се стреми. Гоген живя още 5 години, доказвайки истинността на своите преценки. Самият той каза, че основната му снимка трябва да се гледа от дясно на ляво. Върху нея има три основни групи фигури, които олицетворяват проблематиката, с която е озаглавено платното. Три жени с дете показват началото на живота, в средата хората символизират зрелостта, а старостта е представена от възрастна жена, която чака смъртта си. Изглежда, че се е примирила с това и мисли за нещо свое. В краката й има бяла птица, символизираща безсмислието на думите.
Пабло Пикасо "Герника".Творението на Пикасо се съхранява в музея на Рейна София в Мадрид. Голяма картина с размери 349 на 776 см, рисувана с маслени бои върху платно. Тази стенопис е създадена през 1937 г. Филмът разказва за нападението на фашистки пилоти-доброволци над град Герника. В резултат на тези събития град с население от 6 хиляди души беше напълно изтрит от лицето на земята. Художникът създава тази картина буквално за месец. В първите дни Пикасо работи по 10-12 часа и още в първите му скици вече се вижда основната идея. В резултат на това картината се превърна в една от най-добрите илюстрации на всички ужаси на фашизма, жестокостта и човешката скръб. В Герника може да се види сцена на жестокост, насилие, смърт, страдание и безпомощност. Въпреки че причините за това не са изрично посочени, те са ясни от историята. Казват, че през 1940 г. Пабло Пикасо дори е бил извикан в Гестапо в Париж. Веднага го попитаха: „Ти ли го направи?“ На което художникът отговори: „Не, ти го направи“.
Ян ван Ейк "Портрет на двойката Арнолфини".Тази картина е нарисувана през 1434 г. с масло върху дърво. Размерите на шедьовъра са 81,8х59,7 см и се съхранява в Лондонската национална галерия. Предполага се, че картината изобразява Джовани ди Николао Арнолфини заедно със съпругата си. Творбата е една от най-сложните в западната школа по живопис през Северния Ренесанс. Тази известна картина съдържа огромен брой символи, алегории и различни улики. Просто погледнете подписа на художника „Ян ван Ейк беше тук“. В резултат на това картината не е просто произведение на изкуството, а истински исторически документ. В крайна сметка той изобразява реално събитие, което ван Ейк е заснел. Тази снимка наскоро стана много популярна в Русия, тъй като приликата на Арнолфини с Владимир Путин се забелязва с просто око.
Михаил Врубел "Седналият демон".Третяковската галерия съхранява този шедьовър на Михаил Врубел, рисуван с маслени бои през 1890 г. Размерите на платното са 114х211 см. Демонът, изобразен тук, е изненадващ. Той изглежда като тъжен млад мъж с дълга коса. Това не е начинът, по който хората обикновено си представят злите духове. Самият Врубел каза за най-известната си картина, че според неговото разбиране демонът не е толкова зъл дух, колкото страдащ. В същото време човек не може да му отрече авторитет и величие. Демонът на Врубел е образ преди всичко на човешкия дух, постоянната борба със себе си и съмненията, които царят в нас. Това създание, заобиколено от цветя, трагично сключи ръце, огромните му очи тъжно гледаха в далечината. Цялата композиция изразява ограничеността на фигурата на демона. Той изглежда е притиснат в това изображение между горната и долната част на рамката на картината.
Василий Верещагин "Апотеоз на войната".Картината е нарисувана през 1871 г., но в нея авторът сякаш е предвидил ужасите на бъдещите световни войни. Платното с размери 127х197 см се съхранява в Третяковската галерия. Верещагин се смята за един от най-добрите баталисти в руската живопис. Той обаче не пише войни и битки, защото ги обича. Художникът, използвайки изобразителното изкуство, се опита да предаде на хората своето негативно отношение към войната. Веднъж Верешчагин дори обеща да не рисува повече батални картини. В края на краищата, художникът приемаше твърде близо до сърцето си мъката на всеки ранен и убит войник. Резултатът от такова сърдечно отношение към тази тема беше „Апотеозът на войната“. Страшна и омагьосваща картина изобразява планина от човешки черепи на поле с гарвани наоколо. Верешчагин създаде емоционално платно, зад всеки череп в огромна купчина може да се проследи историята и съдбата на хора и близки до тях. Самият художник саркастично нарича тази картина натюрморт, защото изобразява мъртва природа. Всички детайли на „Апотеозата на войната” крещят за смърт и празнота, това се вижда дори на жълтия фон на земята. А синьото на небето само подчертава смъртта. Идеята за ужасите на войната се подчертава от дупки от куршуми и следи от саби върху черепите.
Грант Ууд "Американска готика"Тази малка картина е с размери 74 на 62 см. Създадена е през 1930 г. и сега се съхранява в Института по изкуствата в Чикаго. Картината е един от най-известните образци на американското изкуство от миналия век. Вече в наше време името "американска готика" често се споменава в медиите. Картината изобразява доста мрачен баща и дъщеря му. Много подробности разказват за суровостта, пуританството и оскотяването на тези хора. Те са с недоволни лица, в средата на снимката има агресивни вили, а облеклото на двойката е демоде дори за тогавашните стандарти. Дори шевът на дрехите на фермера следва формата на вила, удвоявайки заплахата за онези, които биха посегнали на начина му на живот. Детайлите на картината могат да се изучават безкрайно, физически да се чувствате дискомфорт. Интересно е, че по едно време, на конкурс в Института по изкуствата в Чикаго, картината беше приета от съдиите като хумористична. Но жителите на Айова бяха обидени от художника, че ги показа в такъв неприятен ъгъл. Моделът на жената беше сестрата на Ууд, но прототипът на ядосания мъж беше зъболекарят на художника.
Рене Магрит "Любовници".Картината е нарисувана през 1928 г. с маслени бои върху платно. В този случай има два варианта. На една от тях мъж и жена се целуват, само главите им са увити в бял плат. В друга версия на картината влюбените гледат към зрителя. Нарисуваното едновременно изненадва и очарова. Фигури без лица символизират слепотата на любовта. Известно е, че влюбените не виждат никого наоколо, но не можем да различим истинските им чувства. Дори един за друг, тези хора, заслепени от чувства, всъщност са мистерия. И въпреки че основното послание на картината изглежда ясно, „Любовници“ все още ви кара да ги гледате и да мислите за любовта. Като цяло, почти всички картини на Магрит са пъзели, които са напълно невъзможни за решаване. В крайна сметка тези картини повдигат основните въпроси за смисъла на живота ни. В тях художникът говори за илюзорността на това, което виждаме, за това, че около нас има много мистериозни неща, които се опитваме да не забелязваме.
Марк Шагал "Разходка".Картината е нарисувана с маслени бои върху платно през 1917 г. и сега се съхранява в Държавната Третяковска галерия. В творбите си Марк Шагал обикновено е сериозен, но тук той си позволи да покаже чувствата си. Картината изразява личното щастие на художника, изпълнена е с любов и алегории. Неговата "Разходка" е автопортрет, където Шагал изобразява съпругата си Бела до него. Избраницата му се рее в небето, на път е да завлече и артиста, който почти вече е напуснал земята, докосвайки я само с върховете на обувките си. В другата ръка на мъжа има синигер. Можем да кажем, че Шагал така е изобразил своето щастие. Той има пай в небето под формата на любимата си жена и птица в ръцете си, с което е имал предвид творчеството си.
Йеронимус Бош „Градината на земните удоволствия“.Това платно с размери 389x220 см се съхранява в Испанския музей на правото. Бош рисува маслената картина върху дърво между 1500 и 1510 г. Това е най-известният триптих на Бош, въпреки че картината има три части, тя е кръстена на централната, посветена на сладострастието. Има постоянни дебати около значението на странната картина, няма тълкуване, което да се признае за единствено правилно. Интересът към триптиха възниква поради множеството малки детайли, които изразяват основната идея. Има полупрозрачни фигури, необичайни структури, чудовища, сбъднати кошмари и видения и адски вариации на реалността. Художникът успя да погледне всичко това с остър и търсещ поглед, успявайки да съчетае различни елементи в едно платно. Някои изследователи се опитаха да видят в картината отражение на човешкия живот, който авторът показа като безсмислен. Други откриха образи на любовта, трети откриха триумфа на сладострастието. Съмнително е обаче авторът да се е опитвал да прослави плътските удоволствия. В крайна сметка човешките фигури са изобразени със студена отстраненост и простота. И църковните власти реагираха доста благоприятно на тази картина на Бош.
Густав Климт "Трите възрасти на жената".Тази картина се намира в Римската национална галерия за модерно изкуство. Квадратното платно с ширина 180 см е нарисувано с маслени бои върху платно през 1905 г. Тази картина изразява едновременно радост и тъга. Художникът успя да покаже целия живот на една жена в три фигури. Първото, още дете, е изключително безгрижно. Зрялата жена изразява мир, докато последната възраст символизира отчаянието. В същото време средната възраст е органично вплетена в модела на живота и старостта се откроява забележимо на нейния фон. Яркият контраст между младата жена и по-възрастната е символичен. Ако разцветът на живота е придружен от множество възможности и промени, то последната фаза е вкоренено постоянство и конфликт с реалността. Такава картина привлича вниманието и ви кара да се замислите за намерението на художника и неговата дълбочина. Той съдържа целия живот с неговата неизбежност и метаморфози.
Егон Шиле "Семейство".Това платно с размери 152,5x162,5 cm е нарисувано с маслени бои през 1918 г. Днес се съхранява във виенския Белведере. Учителят на Шиле беше самият Климт, но ученикът не се опитваше усърдно да го копира, търсейки свои собствени методи на изразяване. Спокойно можем да кажем, че творбите на Шиле са още по-трагични, страшни и странни от тези на Климт. Някои елементи днес биха се нарекли порнографски, има много различни извращения, натурализмът присъства в цялата си красота. В същото време картините са буквално пропити с някакво болезнено отчаяние. Върхът в творчеството на Шиле и най-новата му картина е "Семейство". В тази картина отчаянието е максимално изведено, а самата творба се оказа най-малко странна за автора. След като бременната съпруга на Шиле умира от испански грип и малко преди смъртта му, този шедьовър е създаден. Между двете смъртни случаи изминаха само 3 дни, които бяха достатъчни, за да изобрази художника себе си със съпругата си и нероденото си дете. По това време Шила е само на 28 години.
Фрида Кало "Две Фриди".Картината е родена през 1939 г. Мексиканската художничка Фрида Кало стана известна след излизането на филм за нея с участието на Салма Хайек. Работата на художничката се основава на нейни автопортрети. Самата тя обясни този факт по следния начин: „Пиша себе си, защото прекарвам много време сама и защото аз съм темата, която познавам най-добре.“ Интересно е, че Фрида не се усмихва на нито една своя картина. Лицето й е сериозно, дори някак тъжно. Слети дебели вежди и едва забележими мустаци над стиснати устни изразяват максимална сериозност. Идеите на картините се крият във фигурите, фона и детайлите на това, което заобикаля Фрида. Символиката на картините се основава на националните традиции на Мексико, тясно преплетени със старата индианска митология. „Двете Фриди“ е една от най-добрите картини на мексиканския художник. Тя показва по оригинален начин мъжкото и женското начало, имащи единна кръвоносна система. Така художникът показа единството и целостта на тези две противоположности.
Клод Моне "Мостът Ватерло. Ефектът на мъглата."В Ермитажа в Санкт Петербург можете да намерите тази картина на Моне. Нарисувана е с маслени бои върху платно през 1899 г. При по-внимателно разглеждане на картината тя изглежда като лилаво петно с дебели щрихи, нанесени върху него. Въпреки това, отдалечавайки се от платното, зрителят разбира цялата му магия. Първо стават видими неясни полукръгове, преминаващи през центъра на картината, и се появяват очертанията на лодки. И от разстояние от няколко метра вече можете да видите всички елементи на картината, които са свързани в логическа верига.
Джаксън Полък "Номер 5, 1948".Полък е класика на жанра на абстрактния експресионизъм. Най-известната му картина е най-скъпата в света. И художникът го рисува през 1948 г., като просто излива маслена боя върху фибран с размери 240x120 см на пода. През 2006 г. тази картина беше продадена на Sotheby's за 140 милиона долара. Предишният собственик, колекционер и филмов продуцент Дейвид Гифен, го продаде на мексиканския финансист Дейвид Мартинез. Полок каза, че е решил да се отдалечи от познатите инструменти на художника като статив, бои и четки. Инструментите му бяха пръчки, ножове, лъжички и течаща боя. Той също така използва смес от него с пясък или дори счупено стъкло. Започва да твори. Полок се отдава на вдъхновението, без дори да осъзнава какво прави. Едва тогава идва осъзнаването на съвършеното. В същото време художникът не се страхува да унищожи изображението или да го промени по невнимание - картината започва да живее свой собствен живот. Задачата на Полък е да му помогне да се роди, да излезе. Но ако майсторът загуби контакт със своето творение, тогава резултатът ще бъде хаос и мръсотия. Ако успее, картината ще олицетворява чиста хармония, лекота на получаване и прилагане на вдъхновение.
Хоан Миро "Мъж и жена пред купчина екскременти."Тази картина сега се съхранява във фондацията на художника в Испания. Нарисувана е с маслени бои върху медна ламарина през 1935 г. само за седмица от 15 до 22 октомври. Размерът на творението е само 23x32 см. Въпреки такова провокативно име, картината говори за ужасите на гражданските войни. По този начин самият автор изобразява събитията от онези години, които се случват в Испания. Миро се опита да покаже период на притеснение. На снимката можете да видите неподвижни мъж и жена, които въпреки това са привлечени един към друг. Платното е наситено със зловещи отровни цветя, заедно с уголемени гениталии изглежда умишлено отвратително и отвратително секси.
Яцек Йерка "Ерозия".В творбите на този полски нео-сюрреалист картини от реалността, преплетени, пораждат нова реалност. В някои отношения дори докосващите се картини са изключително детайлни. Те съдържат ехо от сюрреалистите от миналото, от Бош до Дали. Йерка израства в атмосфера на средновековна архитектура, оцеляла по чудо след бомбардировките през Втората световна война. Започва да рисува още преди да влезе в университета. Те се опитаха да променят стила му на по-модерен и по-малко детайлен, но самият Йерка запази своята индивидуалност. Днес неговите необичайни картини са изложени не само в Полша, но и в Германия, Франция, Монако и САЩ. Те са в редица колекции по света.
Ръцете на Бил Стоунхам му устояват.Картината, нарисувана през 1972 г., трудно може да се нарече класика на живописта. Въпреки това, няма съмнение, че това е едно от най-странните творения на художници. Картината изобразява момче, до него стои кукла, а множество длани са притиснати към стъклото зад него. Тази картина е странна, мистериозна и донякъде мистична. Вече е обрасъл с легенди. Казват, че заради тази картина някой е умрял, но децата на нея са живи. Тя изглежда наистина страховито. Не е изненадващо, че картината предизвиква страхове и ужасни фантазии за хора с болна психика. Самият Стоунхам увери, че се е нарисувал на 5-годишна възраст. Вратата зад момчето е преграда между реалността и света на мечтите. Куклата е водач, който може да пренесе детето от един свят в друг. Ръцете са алтернативен живот или човешки способности. Картината стана известна през февруари 2000 г. Беше пуснат за продажба в eBay с твърдения, че е обитаван от духове. В резултат на това "Hands Resist Him" беше закупен за $1025 от Ким Смит. Скоро купувачът беше буквално затрупан с писма с ужасни истории, свързани с картината и искания да унищожи това платно.
1. Леонардо да Винчи. Мона Лиза. Най-разпознаваемата снимка в света има на какво да научи фотографите, но основното е каква трябва да бъде връзката с обекта. Както неведнъж е казано, нейната усмивка говори за специалната връзка между художник и модел. Към това трябва да се стреми всеки фотограф, когато създава портрети.
2. Рафаел. Атинско училище. Много фотографи предпочитат да правят снимки на отделни обекти. Един човек, едно нещо и един момент. Тази работа е от онези времена, когато разглеждането на една картина отнемаше половин час. На него се случват дузина различни ситуации и нито една от тях не пречи на другата. Много е важно да можете да композирате многостранна сцена в кадър.
3. Ян Вермеер. Момиче с перлена обеца. Вермеер обичаше светлината на прозорците. Това е най-добрата светлина за портрети. Когато използваме студийно осветление или светкавица, ние се опитваме да постигнем дори отдалечено добра светлина. Точно както в портрета на Мона Лиза, има връзка с художника, която се предава на зрителя.
4. Едуард Хопър. Нощни ястреби. Всички фотографи търсят тези кратки моменти, които впоследствие да „закачат” зрителя. Тази картина привлича вниманието със своето спокойствие. Фотографите трябва да се опитат да видят и уловят моменти като тези.
5. М. Ешер. Ръчна и огледална топка. Едно от нещата, които всеки фотограф трябва да може да прави, е да показва перспектива във фотографията.
6. Норман Рокуел. Клюка. Разказ чрез изражение на лицето. Не е нужно да знаем самите слухове, за да разберем какво се случва в тази снимка. Способността да се улови „говорещо“ изражение на лицето е важно умение за фотографа.
7. Норман Рокуел. Бягството. Норман Рокуел имаше таланта да се обръща към спомените на зрителите, когато гледат картините му. Историята, която тази творба разказва, е много повече, отколкото понякога може да разкаже цяла книга. Създайте такава снимка и тя ще ви донесе успех.
8. Анди Уорхол. Някои фотографи трудно намират обекти за снимане. Те търсят нещо вълнуващо. Много по-важно е да можеш да превърнеш едно просто нещо в нещо необикновено и точно това направи Уорхол с кутиите за супа.
9. Густав Климт. Целувка. Много фотографи следват най-новите тенденции във фотографията. В интернет има милиони изображения, използващи HDR (висок динамичен обхват), където три кадъра от една и съща сцена се заснемат при различни експонации и се комбинират с помощта на редактор. Грешка е да се приеме, че новостта е достатъчна, че можете да снимате всичко с тази техника и ще се получи добра снимка. Климт беше много известен със своите стилизирани картини, но в тази той показва момент на дълбока връзка между обектите. Това трябва да служи като урок за всички фотографи.
11. Микеланджело. Таван на Сикстинската капела. Добро умение за един фотограф е да гледа нещата от различни ъгли, за да получи най-добрия кадър. Не позволявайте на неудобната поза да попречи на вдъхновението. Стреляйте, дори ако трябва да гледате право нагоре.
12. Салвадор Дали. Три сфинкса на остров Бикини. Важно е да виждате повтарящи се форми и текстури във фотографията и да създавате добри снимки въз основа на тях.
13. Графити на Банкси. Банкси е майстор в съчетаването на несъвместимите неща. Очаквате да видите едно, но той ви изненадва с нещо съвсем различно.
14. Уилям Блейк. Страхотен архитект. Блейк може да научи фотографите как да балансират вдъхновението и техниката.
15. Винсент Ван Гог. Нощно кафене. Трябва да снимаме неща, които означават нещо за нас. Когато погледнете тази снимка, разбирате, че това кафене е имало определено значение за Ван Гог, било е важно за него.
16. Кацушика Хокусай. Голяма вълна в Канагава. Решаващите моменти не се случват просто в живота на хората. Фотографите трябва да търсят подобни моменти в света около тях.
17. Хирошиге. Жена върви по път през полета. Фотографът трябва да гарантира, че всичко в кадъра съответства на действията на главния обект. Например тук редовете на дърветата, пътеката и хората са успоредни.
18. Произведения на Едгар Мюлер. Мюлер е майстор на перспективата. В зависимост от разстоянието, от което гледате работата му, илюзията за дълбочина се променя коренно. Това може да научи фотографите никога да не спират да търсят правилния ъгъл.
19. Джорджия О'Кийф Мак. Има цяла "субкултура" на фотографията на флората. Джорджия О'Кийф е страхотна за получаване на вдъхновение за фотографиране на цветя.
20. Емили Кар. Китванкул. Емили Кар беше известна със своите тотемни картини. Тя прекарва целия си живот в търсене на тотеми за творбите си. Фотографите винаги трябва да са нащрек за проекти. Конкретен предмет, който може да бъде изучаван и показан чрез поредица от снимки.
21. Пиер Огюст Реноар. Бал в Мулен дьо ла Галет. Това е чудесен пример за изобразяване на множество обекти, които не се конкурират с основния обект.
22. Грант Ууд. Американска готика. Американската готика на Грант Ууд е чудесен пример за това как обектът проектира и отразява околната среда. Грант Ууд се опита да си представи какви хора биха могли да живеят в къщата на заден план. Тази къща и двойката имат почти физическа прилика.
23. Едуард Моне. Chez le père Lathuille. Тази сцена може да е улична фотография.
Третяковската галерия е най-големият музей на руската живопис в света. Историята му започва с частната колекция на Павел Третяков.
Художниците мечтаеха, че той ще купи техните творби, въпреки че Третяков не винаги е бил готов да плати много. Мнозина бяха пленени от този филантроп със своя скромен характер и демократични възгледи.
Когато Третяков дарява галерията си на Москва, Александър III му дава дворянска титла. Но Павел Михайлович отказа, смятайки се за недостоен за това!
Вкусът му също беше особен. Искаше да види истинност, искреност и искреност в картината. Той пренебрегна академичните и претенциозни произведения, създадени с цел да впечатли публиката.
Затова много от закупените от него творби са издържали проверката на времето и са признати за шедьоври. Ще ви разкажа за няколко от тях.
1. Иван Шишкин. ръж. 1878 г.
Иван Шишкин. ръж. 1878. Държавна Третяковска галерия, Москва. Откупен от П. Третяков. В картината „Ръж” виждаме невероятна комбинация от ниска жълта ръж и високи стари борове. И още много интересни подробности. Много ниско летящи бързолети. Хората с плитки вървят по пътя.
Шишкин често е обвиняван, че е твърде фотографски. И всъщност, ако увеличите изображението, можете да видите почти всеки колос.
Но не е толкова просто. Сред величествените борове стои бор, който е загинал, вероятно от удар от мълния. Какво иска да ни каже художникът? За факта, че всяка сила може да бъде сломена за една нощ?
Преживял смъртта на жена си и двете си деца, Шишкин лесно можеше да прехвърли такова настроение върху платното. Но въпреки това той направи всичко, за да покаже красотата на руската природа.
2. Архип Куинджи. След дъжда. 1879 г.
Архип Куинджи. След дъжда. 1879. Държавна Третяковска галерия, Москва. Откупен от П. Третяков. Основният герой на всички картини на Куинджи е светлината. Нещо повече, художникът необяснимо трансформира обикновената светлина в магическа светлина, избирайки най-цветните природни феномени. Така е в картината „След дъжда“.
Току-що премина ужасна гръмотевична буря. Кафяво-лилавото небе изглежда страшно. Но пейзажът вече е огрян от първите лъчи. Дъгата е на път да узрее. Тревата след дъжд е чист изумруден цвят.
Няма сигурност, че Куинджи е рисувал само от натура. Малко вероятно е конят да остане на открито по време на силна гръмотевична буря. Най-вероятно нейната фигура е добавена, за да засили контраста между бурното небе и огряната от слънцето трева.
Куинджи е оригинален не само като художник, но и като човек. За разлика от много от по-незаможните си колеги, той забогатява благодарение на успешни сделки с имоти. Но той живееше много скромно, давайки всичките си пари на нуждаещите се.
3. Виктор Васнецов. Три принцеси от подземния свят. 1881 г.
Виктор Васнецов. Три принцеси от подземния свят. 1881. Държавна Третяковска галерия, Москва. Постъпил през 1910 г. според завещанието на М. Морозов Картината „Три принцеси“ е поръчана от Сава Мамонтов специално за офиса на въглищната железница. Васнецов взе за основа народната приказка за златната, сребърната и медната принцеси.
Но той силно я промени, оставяйки само златната принцеса. Аз сама добавих две други: принцесата на скъпоценните камъни и принцесата на въглищата. И тримата прославят богатствата на руската земя.
Момичето в черно е най-младото, защото въглищата започват да се добиват по-късно от златото и скъпоценните камъни. Затова роклята й е по-модерна.
А роклята на принцесата на въглищата е по-скромна. В края на краищата целта му е да носи полза на хората. А не да служи на човешката алчност, както трябва да правят двете по-големи сестри.
Третяков обичаше да купува произведения от Васнецов: те бяха добри приятели. И нищо чудно. Художникът беше изключително скромен човек.
Когато постъпва в Художествената академия, едва година по-късно разбира, че е издържал изпита. Когато дойдох да го взема отново, бях сигурен, че не съм успял първия път.
Тествайте се: вземете онлайн теста
4. Иля Репин. Водно конче. 1884 г.
Иля Репин. Водно конче. 1884. Държавна Третяковска галерия, Москва. Откупен от П. Третяков. „Водно конче“ може неволно да бъде сбъркано с работата на импресионист от Париж. В крайна сметка тя е толкова весела и светла.
Дете седи на щанга на фона на ярко небе и люлее крак. Можете да чуете цвърченето на щурците и жуженето на земните пчели.
Най-изненадващото е, че Репин не харесва особено импресионистите. Мислех, че им липсва сюжет. Но не можах да се сдържа, когато започнах да рисувам дете. Друг стил на писане по никакъв начин не доведе до детска спонтанност.
В картината Репин изобразява най-голямата си дъщеря Вера. Освен това самият той го нарече Dragonfly. В крайна сметка синята рокля е толкова подобна на цвета на водно конче, което седна на дънер за няколко секунди и скоро се издигна в небето с лекота.
Вера живее с баща си до края на живота му. Тя така и не се омъжи. Малко хора говореха ласкаво за нея. Включително Чуковски, който познаваше добре семейство Репин, Корней Чуковски.
Според неговите спомени Вера Илинична без колебание продала картините на баща си. И със спечелените пари си купих обеци. Тя беше „измамна, страхлива... и глупава по ум и сърце“. Това е толкова жестока критика...
5. Валентин Серов. Момиче, огрявано от слънцето. 1888 г.
Валентин Серов. Момиче, огрявано от слънцето. 1888. Държавна Третяковска галерия, Москва. Откупен от П. Третяков. Друга картина, нарисувана в импресионистичен стил, се съхранява в Третяковската галерия. Но той вече е създаден от Валентин Серов.
Импресионизмът тук се изразява в невероятна игра на светлина и сянка. Слънчевите отблясъци и ярко осветената поляна са в контраст с тъмната кора на дърво и наситено синя пола.
Серов смята „Момиче, озарено от слънцето“ за най-добрата си картина, въпреки факта, че я рисува на 23-годишна възраст. Той признал пред приятели, че цял живот се е опитвал да създаде нещо подобно, но така и не се е получило.
Неговата братовчедка Мария Симонович позира за Серов. Цели три месеца по няколко часа всеки ден. Художникът работи върху картината толкова дълго и внимателно, че дори много търпеливата Мария не издържа. На четвъртия месец работа тя избяга в Санкт Петербург под претекст, че започва уроци.
Не само защото съм уморен. Тогава тя призна, че се страхува брат й да не прекали. Тъй като самата тя беше скулптор, тя знаеше, че ако безкрайно правите промени в работата, можете да развалите всичко.
Може би е постъпила правилно. И благодарение на нея картината се превърна в шедьовър. На второ място по популярност след картината на Серов.
6. Исак Левитан. Над вечния мир. 1894 г.
Исак Левитан. Над вечния мир. 1894. Държавна Третяковска галерия, Москва. Откупен от П. Третяков. „Над вечния мир“ е един от най-руските и философски пейзажи на Левитан. Вселенският мащаб на речната шир е противопоставен на крехкия човешки живот. Неговият символ е едва забележима светлина, горяща в църквата.
Самият Левитан смята тази картина за много важна, виждайки в нея отражение на неговия характер и душа. Но в същото време тя го плашеше. Струваше му се, че тя излъчва студенината на вечността, която „е погълнала много поколения и ще погълне още повече“.
Левитан беше меланхоличен човек, склонен към мрачни мисли и действия. И така, година след като рисува тази картина, той прави демонстративен опит за самоубийство. Да бъде в унило състояние поради възходите и паденията в личния си живот. По това време две жени се влюбиха в него наведнъж: майка и дъщеря.
Като цяло тази картина е катализатор за вашия мироглед. Ако сте оптимист, е по-вероятно да се почувствате вдъхновени от съзерцанието на космоса. Ако сте песимист, то очаквайте различни емоции. Вероятно ще се почувствате неудобно от всепоглъщащото пространство. Михаил Врубел. Люляк. 1900. Държавна Третяковска галерия, Москва. Получено от музея И. Остроухов през 1929 г.
В картината на Врубел виждаме поразително красив люляк. Написано е с палитра*, така че гроздовете от съцветия изглеждат като обемни кристали с необикновен цвят: от светло синьо до лилаво. Като цяло на снимката има толкова много от тези цветя, че можете да усетите миризмата на люляк.
На фона на храста се появяват очертанията на момиче - душата на люляка. Виждаме само големи тъмни очи, гъста коса и грациозни ръце. Момичето, за разлика от люляка, е рисувано с четка. Това подчертава неговата нереалност.
Една картина може да ни върне в детството. В края на краищата тогава бяхме склонни да видим отвъдното. Тук вървите по пътека сред люлякови храсти в късния здрач и се взирате в зеленината. И въображението ни рисува непознатото: нечии очи или силуети.
Врубел, за разлика от обикновения човек, запази тази специална визия през целия си живот. Във въображението си той се потопи в други светове и след това ни ги показа. Под формата на демони, серафими или дървесни души.
Но един ден той не можа да намери пътя обратно. Скоро след написването на „Люляк“ психическото разстройство на Врубел започва да прогресира. Той бавно изчезва в плен на други светове и умира през 1910 г.
В Третяковската галерия има толкова много шедьоври на руската живопис, че ми беше трудно да избера само седем картини. Сигурно някой не го хареса. В крайна сметка не включих в статията най-популярните шедьоври като. И тя все още не е говорила за Верешчагин и.
Водех се от собствения си вкус, избирайки тези произведения, които наистина ме впечатлиха. Ако не сте ги забелязали преди, надявам се, че сте успели да направите нови открития за себе си.
* Тънка шпатула, с която художниците нанасят грунд върху платното (основата за боядисания слой на картината). Понякога този инструмент се използва и за нанасяне на боя.
За тези, които не искат да пропуснат най-интересното за художници и картини. Оставете своя имейл (във формата под текста) и вие ще бъдете първият, който ще научи за новите статии в моя блог.
PS. Тествайте се: вземете онлайн теста
