Игорь Фёдорович Стравинский. Игорь Стравинский: биография, интересные факты, творчество Как называется балет и стравинского

Три балета Стравинского

Сегодня, 25 мая, в Перми завершится Дягилевский фестиваль, где будут показаны три балета на музыку Игоря Стравинского. Современные хореографы - Вячеслав Самодуров, Владимир Варнава и Алексей Мирошниченко - решили по-новому взглянуть на старые сюжеты.

А мы решили напомнить нашим читателям историю этих трех балетов, премьеры которых состоялись почти сто лет назад.

Текст - Марина Зимогляд

Дух новизны музыки балетов Стравинского до сих пор не утерян.
Особенность этой музыки заключается в мощном ритмическом воздействии как на слушателя, так и танцовщика, и на протяжении века многие хореографы обращались к ней. Особенно это касается «Весны священной». Но и сейчас музыка Стравинского вдохновляет наших современников.

Дягилевский фестиваль выбрал три балета Стравинского, которыми завершит программу: «Петрушка» (хореограф - Владимир Варнава), «Жар-птица» (хореограф - Алексей Мирошниченко) и «Поцелуй феи» (хореограф - Вячеслав Самодуров).

Современные хореографы ставят на уже готовую музыку, но сама она рождалась в непосредственном творческом взаимодействии Стравинского с художниками, хореографами и продюсером. История создания этих балетов - явление уникальное. Они стали рубежом, определившим пути развития многих видов искусства XX века.

Балеты Стравинского - неотделимая часть «Русских сезонов» Дягилева, выросших в свою очередь из самого авторитетного творческого кружка рубежа веков «Мира искусства». Объединявшее самых неординарных творцов своего времени, это было широкое культурное движение, одержимое пафосом просветительства.

Художники общества постоянно искали выходы в смежные виды искусства: книжную графику, театральные декорации, костюмы, декоративно-прикладное искусство, а петербургские «Вечера современной музыки» считались музыкальным филиалом общества.

Основатели кружка - Сергей Дягилев и Александр Бенуа - видели путь развития русской культуры в её приобщении к европейской. В 1906 году Дягилев привез в Париж выставку «Два века русской живописи », успех которой превзошел все его ожидания.

«Я хочу выхолить русскую живопись, вычистить её и, главное, поднести её Западу, возвеличив её на Западе».

Сергей Дягилев

Уже в следующем году Дягилев организовал при русской выставке пять концертов русской музыки, от Глинки до Скрябина, а в 1908 году привез в Париж оперу «Борис Годунов» с Федором Шаляпиным в главной роли.

Но экспортировать оперу целиком было делом чрезвычайно накладным. После триумфа «Половецких плясок» хореографии Фокина в опере «Князь Игорь» Бородина в сезоне 1909 года Дягилев не сомневался, что балет - самая удачная форма музыкально-театрального представления в Париже. Молодой амбициозный балетмейстер Михаил Фокин и поддерживающий его Бенуа стали подумывать о создании нового балета за рубежом.

Нельзя не признать, что благодаря деятельности Дягилева, русское искусство и русская музыка никогда до этого не знали такого мирового признания. Мир русского искусства, «палладиум духовной русской культуры», был вывезен за границу, подальше от тягот русской общественной жизни. Многие русские, да и не только русские художники были обязаны своей карьерой именно Дягилеву, великому и единственному импресарио, у которого и сейчас нет конкурентов.

Так и Стравинский во многом обязан вере талантливого продюсера, который открыл его имя всему миру.

Жар-птица

«Не хватало балета из русской жизни, или на тему из русской сказки. Все образцы народной фантазии уже прошли на сцену. Только образ Жар-птицы остался неиспользованным, <…> я взялся соединить различные народные сказки и сочинил по ним балетное либретто».

Михаил Фокин

Также в разработке либретто принимали участие Бенуа, Головин и, конечно, сам Дягилев.

Первоначально заказ на музыку был сделан Анатолию Лядову, профессору Петербургской консерватории, самому русскому из русских композиторов того времени, как называет его Фокин. Дягилев написал Лядову проникновенное письмо с предложением написать музыку к балету.

«Нам нужен балет и русский, первый русский балет, ибо таковых не существует; есть русская опера, русская симфония, русская песня, русский танец, русский ритм, но нет русского балета.
И вот таковой мне очень нужен, чтобы играть его в мае предстоящего года в парижской Grand Opera.
Музыки надо на 40−50 минут, ей-богу, немного, а дело выйдет необыкновенно художественное ».

Сергей Дягилев

Заказ был сформулирован предельно точно, либретто будущего балета было готово и ждало своего музыкального воплощения.

«Лядов приехал , познакомился с сюжетом, взял либретто. Однако, когда, спустя довольно продолжительное время Головин встретил Лядова на улице и спросил, готов ли балет, тот ответил, что «он уже купил нотную бумагу»

Михаил Фокин

Дягилев, вероятно, предвидев нечто подобное, уже весной 1909 года обсудил идею сказочного балета с молодым композитором Игорем Стравинским, который к тому времени еще совсем немного сочинил. Симфония ми-бемоль мажор была написана в 1907 году под непосредственным наблюдением Римского-Корсакова, основателя «новой русской школы». К 1908 году относятся две оркестровые пьесы «Фантастическое скерцо» и «Фейерверк». Его-то как раз и услышали весной 1909 года Дягилев и Фокин, посетив концерт в консерватории. По воспоминаниям Фокина, эта музыка не имела успеха у публики, но в ней было то, что как раз они искали для «Жар-птицы».

«Музыка эта горит, пылает, бросает искрами. Это то, что мне надо было для огневого образа в балете. Элемент звукоподражания, свойственный таланту Стравинского, шипение и свист- все это оставило равнодушными слушателей и все это взволновало нас с Дягилевым. Он заказал музыку Стравинскому и вскоре началась наша первая и интереснейшая новая работа с новым композитором.»

Михаил Фокин

Стравинский, в отличии от Лядова, работал быстро. В целом, вся композиция и оркестровка, за исключением нескольких поправок, были написаны за март и апрель 1909 года. Надо сказать, что Стравинского не очень привлекал уже готовый сюжет, требующий описательной музыки, и он не хотел писать аккомпанемент к танцу. Кроме того, он не хотел, чтобы на него смотрели, как на Римского-Корсакова в экспортной упаковке или на русского Дебюсси.

«Я еще не проявил себя, как композитор и не заслужил право критиковать эстетику моих соратников, но я критиковал их, и достаточно высокомерно, хотя возможно мой возраст был более высокомерен, чем я сам. Но главное, мне была невыносима мысль, что моя музыка будет подражанием Римскому-Корсакову. Однако, я знаю в точности, что моя сдержанность по поводу сюжета была в какой-то мере выражением неуверенности в своих силах. Впрочем Дипломат Дягилев все устроил. Однажды он пришел ко мне с Фокиным, Нижинским, Бакстом и Бенуа. Когда все пятеро заявили о своей вере в мой талант, я тоже начал верить и согласился»

Игорь Стравинский

Драматургия балета строится на противопоставлении фантастического, сказочного мира Кащея Бессмертного, человеческому миру Ивана Царевича, и формально победа остается за Иваном. Но в музыкальном плане основная борьба происходит внутри самого сказочного мира между оцепенелыми мертвящими чарами Кощея и огненной, легкой и порывистой стихией Жар-птицы. Иван Царевич и Царевна - лишь наблюдатели этой борьбы, которая оканчивается кульминацией: Поганым плясом Кощеева царства, а главная героиня балета Чудесная Птица становится центральным художественным образом.

Главную роль в «Жар-птице» предстояло исполнить Тамаре Карсавиной, Фокин же исполнял партию царевича. На первых репетициях еще в России балетная труппа заявила, что в этой музыке «нет мелодии для танца». По воспоминаниям, Стравинский, присутствовавший на всех репетициях, задавал ритм с неистовой силой, громко подпевал, едва заботясь о соблюдении нот, и «расстраивал рояль».

Но все предприятие висело на волоске. Мало того, что сами Русские сезоны 1910 года постоянно были под угрозой срыва из-за финансовых проблем, все время возникали проблемы творческого характера.

Декорации и костюмы Головина, превосходного колориста, сами по себе были прекрасны, но решительно не подходили для театральной постановки. Они казались пестрым ковром, лишенным всякой глубины, а роскошные костюмы сливались с декорацией. Дягилев отвергнул костюмы и декорации Головина и попросил Бакста нарисовать новые эскизы.

Эксиз костюма Жар-птицы Бакста

25 июня 1910 года в роскошном зале парижского театра Гранд-Опера прошла премьера балета «Жар-птица», и Западная Европа впервые услышала музыку Стравинского.

После увертюры, исполняемой перед закрытым занавесом, впервые звучит огненная тема Жар-птицы. Жар-птица-Карсавина в полупрозрачных шароварах, в золотистых лентах и с фазаньими и страусиными перьями на голове, резвится в чудесном саду среди деревьев с золотыми яблоками. Иван-царевич-Фокин, в роскошном средневековом костюме, подкрадывается к чудесной птице. Пойманная Жар-птица бьется и трепещет, танцуя на пальцах, то прикладывая руки-крылья к голове, то раскидывая их. Жалея чудесную птицу, Иван отпускает её, и тут же вступает зловещая хроматическая тема Кощеева царства, исполняемая на трех фаготах. К Ивану со склона холма спускаются прекрасные царевны, среди них - Ненаглядная краса-Вера Фокина в роскошной вышитой сорочке. Народная песня «Во саду» - основная тема этого танца - изменяется и обогащается по мере того, как каждая царевна занимает свое место в хороводе.

Трубы возвещают о приходе зари и Иван Царевич решается атаковать замок Кащея.

Под главную дьявольскую тему всех басовых инструментов оркестра на сцену карабкаются кикиморы и билибошки кощеева царства. Пронзительное стакатто возвещает появление Кощея. Он произносит зловещее заклинание, но Иван машет пером и появляется Жар-птица. Под беспокойную кружащую мелодию английских рожков и скрипок она заставляет чудищ танцевать без перерыва, затем присоединяются духовые, постепенно все пускается в неистовый пляс. Медные фанфары подводят к финалу этот танец смерти. Стаккато струнных ведет к полному фортиссимо всего оркестра. С финальным резким аккордом обессилившие чудовища падают на землю.

Звучит невыразимо-печальная колыбельная: хрипловатый фагот, прорезающий однообразное звучание струнных. Лейтмотив Жар-птицы постепенно высвечивается в лирической убаюкивающей интонации. Карсавина кружит в pas de bourrée с раскинутыми руками, постепенно все погружается в сон. Кощей просыпается, но Иван стоит и держит ларец, в ларце - яйцо, а в яйце - душа Кощея. Иван убивает Кощея, бросая яйцо на землю.

Стравинский не хотел завершать балет свадьбой и плясками, чем вызвал недовольство Фокина, который считал, что такое решение вредит спектаклю.

Композитор же настоял на праздничном финале, своего рода благодарственном гимне. Торжественная свадебная процессия Ивана и царевны, всеобщее ликование толпы, перезвон колоколов и благословение сказочной Жар-птицы завершают балет.

Парижские зрители стоя приветствовали новых русских звезд - Карсавину, Фокина и Стравинского, которых вызывали на сцену несколько раз.

Тамара Карсавина в роли Жар-птицы

«Я был на сцене, когда в последний раз опустили занавес, и увидел, что ко мне подходит Дягилев с темноволосым высоколобым мужчиной, которого представил мне, как Клода Дебюсси. Великий композитор доброжелательно отозвался о музыке и закончил беседу приглашением пообедать с ним»

Игорь Стравинский

Стравинский был представлен всем хозяйкам салонов, всем знаменитостям и балетоманам Парижа. Русский сезон 1910 года сделал знаменитым не одного Стравинского. Балет «Шехеразада» Римского-Корсакова имел оглушительный успех, а главные партии в нем исполняли Ида Рубенштейн и Вацлав Нижинский. Вацлав также принимал участие в двух номерах дивертисмента «Ориенталии». Именно в одном из этих номеров он танцевал в знаменитом золотом сиамском костюме, расшитом драгоценностями.

Мода на ориентализм, эротика, помещенная в сказочный восточный контекст, невероятная декоративность, причудливость и яркость сделали «Русские сезоны» настоящей сенсацией и повлияли на всю художественную жизнь Парижа.

Настоящей легендой и законодателем мод Парижа стал Леон Бакст. Все журналы брали у него интервью, его балетные эскизы были выкуплены Музеем декоративного искусства, а самые богатые дамы мечтали заказать у него рисунки для своих нарядов. Знаменитый модельер Поль Пуаре заказал Баксту 12 эскизов модных туалетов по тысяче франков за каждый.

Небезынтересно, что гонорар Стравинского за «Жар-птицу» составлял лишь 1500 рублей (100 фунтов), но молодой композитор был настолько окрылен успехом и уверен в дальнейшем совместном сотрудничестве с Дягилевым, что уже начал сочинять новый балет.

Леон Бакст

Петрушка

Еще во время работы на «Жар-птицей» Стравинский начал работать над новыми набросками, впоследствии, он писал о том, как неожиданно пришла к нему эта идея «Петрушки».

«Когда я сочинял эту музыку, перед глазами у меня был образ игрушечного плясуна, внезапно сорвавшегося с цепи, который своими каскадами дьявольских арпеджио выводит из терпения оркестр, в свою очередь отвечающий ему угрожающими фанфарами. Завязывается схватка, которая в конце концов завершается протяжною жалобой изнемогающего от усталости плясуна. Закончив этот странный отрывок, я целыми часами гулял по берегу Леманского озера, стараясь найти название, которое выразило бы в одном слове характер моей музыки, а следовательно, и моего персонажа. И вот однажды я вдруг подскочил от радости: „Петрушка“! Вечный и несчастный герой всех ярмарок, всех стран! Это было именно то, что нужно, - я нашел ему имя, нашел название!»

Игорь Стравинский

Когда осенью 1910 года Дягилев навестил Стравинского в Швейцарии, тот сыграл ему мелодии «Русский танец» и «Крик Петрушки». Дягилев тут же вспомнил петербургские масленичные гулянья с каруселями, ярмарочные подмостки, и предложил композитору написать хореографическую драму про русского Панча, Петрушку.

Все сошлись во мнении, что только Бенуа с его любовью и ностальгией по старому Петербургу сможет написать либретто и декорации. К тому времени отношения Дягилева и Бенуа были безнадежно испорчены: Бенуа не мог простить того, что в авторах либретто «Жар-птицы» был указан только Леон Бакст, в то время как он сам принимал непосредственное участие и в написании и в разработке драматургии этого балета.

Это был первый скандал подобного рода, но и позже в труппе Дягилева возникали конфликты, касающиеся авторских прав. Это было связано и с тем, что в условиях тесного сотрудничества художников порой сложно установить, кто что придумал, а также с тем хаотичным стилем работы, которая царила в команде. Но Дягилев обладал удивительной способностью увлекать людей своей идеей и работать в ущерб собственной выгоде и личным амбициям. Как бы то ни было, Бенуа забыл старые обиды и увлекся новым балетом.

«Петрушка, Русский Гиньоль или Панч, не менее, чем Арлекин, был моим другом с самого детства. Если бывало, я заслышу заливающиеся, гнусавые крики странствующего петрушечника: «Вот Петрушка пришел! Собирайтесь добрые люди, посмотреть-поглядеть на представление!" - то со мной делался род припадка от нетерпения насладиться этим зрелищем… Но еще более меня соблазняла идея изобразить на сцене театра «Масленицу», милые балаганы, эту великую утеху моего детства… Соорудить балаганам какой-то памятник было тем более соблазнительно, что самые эти балаганы уже с десяток лет как были упразднены…»

Александр Бенуа

Надо заметить, что успех сезона 1910 года не остался незамеченным в России, но вызвал, скорее, негативную реакцию. Теляковский написал статью, где высказался в том духе, что «Мы должны работать для русских, а не для иностранцев», а вдова Римского-Корсакова обвинила Дягилева в том, что он сократил музыку «Шехеразады». Готовясь к новому сезону Дягилев больше всего волновался о статусе своего предприятия, так как весь российский чиновничий аппарат, включая дипломатическое представительство в Европе, получил приказ не сотрудничать с Дягилевым. Кроме того, он вынужден был конкурировать с многочисленными балетными труппами, выступавшими в варьете и мюзик-холлах, и представлявших русских балетных артистов. Успех «Русских сезонов» сделал русский балет выгодным предприятием. И тогда Дягилев принял решение создать постоянную труппу, которая бы гастролировала по Европе в течение всего года.

Нижинский - самая яркая звезда дягилевской труппы -все еще танцевал в императорских театрах. Но в январе 1911 года разразился скандал, вызванный выходом Нижинского на сцену перед высочайшей царственной публикой в костюме, который был признан непристойным: его куртка поверх трико была короче обычного. Это была «Жизель», а в антракте Нижинский отказался сменить костюм, несмотря на прямой приказ Великого князя. Нижинский был уволен, и отныне решил танцевать только в труппе Дягилева. Его сестра Бронислава Нижинская также заявила о своем уходе. Дягилев начал поиски артистов кордебалета и также заключил контракт с Энрике Чекетти, известным балетным педагогом. С весны 1911 года его компания стала называться «Русские балеты Сергея Дягилева».

Нижинский принимал непосредственное участие в обсуждении идей нового балета.

Даже Фокин был приглашен на более поздних стадиях работы. И если в «Жар-птице» музыка сочинялась к уже готовому либретто, в «Петрушке» все было наоборот: Бенуа писал свое либретто к уже сочиненной музыке.

Вацлав Нижинский в роли Петрушки

«Мы встречались ежедневно в квартире Дягилева в Замятинском переулке… „Петрушка“ уже принял определенную форму и постепенно уложился в четырех коротких „актах без антрактов“. Два крайних из них должны были происходить среди масленичного гулянья, два средних внутри театрика Фокусника»

Александр Бенуа

Когда оркестр приступил к репетиции партитуры «Петрушки», музыканты разразились смехом. Больших трудов стоило убедить их, что музыка «Петрушки» - не шутка.

Крикливая музыка балета изобилует площадными мелодиями, вперемешку с забавными, но в высшей степени немелодичными оркестровыми кунштюками главного персонажа. В «Петрушке» Стравинский создал новый тип массовой сцены в музыкальном театре, это образ праздничной улицы, где различные попевки словно продираются сквозь плотную звуковую пелену, перекидываясь с одного инструмента к другому, подобно тому, как ухо различает различные звуки в однообразном шуме ярмарочной толпы.

«Суть роли Петрушки - жалкая забитость и бессильные порывы отстоять личное счастье и достоинство, и все это - не переставая быть куклой. Роль была задумана и в музыке и в либретто в каком-то неврастеническом тоне, она вся пропитана покорной горечью, лишь судорожно обрываемой обманчивой радостью и исступленным отчаянием.

Особенно меня восхитил на первых спектаклях „Петрушки“ Нижинский. На репетициях роль ему не давалась. Он точно не совсем понимал того, что от него требовали. Против своего обыкновения артист даже просил меня ему роль растолковать. Однако и на сей раз получилось нечто, к чему он нас уже приучил в „Павильоне“, в „Сильфидах“, в „Шехеразаде“, в „Жизели“.

Но только та внутренняя метаморфоза, которая произошла с ним, когда он надел костюм и покрыл лицом гримом, на сей раз была еще более поразительна. Я не мог надивиться тому мужеству, с которым Вацлав решился выступить после всех своих „теноровых“ успехов в роли этого ужасающего гротеска - полукуклы-получеловека. Ни одного па, ни одной „фиоритуры“ не дано артисту, чтобы „понравиться публике“. А ведь Нижинский был тогда совсем молод, и соблазн понравиться должен был прельщать его более, чем других, умудренных годами артистов… »

Александр Бенуа

Премьера «Петрушки» состоялась 13 июня 1911 года на сцене парижского театра Шатле. Огромный успех превзошел все ожидания и был очень важен для труппы «Русских сезонов», так как стало понятно, что можно добиться признания и без восточной экзотики и эффектных балетных па.

Балет открывается картиной масленичного гулянья в Петербурге. Ярмарочные шатры и балаганы обрамлены аркой Большого театра, как бы намекая, что и прогуливающаяся на сцене толпа, да и публика в зале, продолжающая эту гофмановскую перспективу, - всего лишь куклы.

Фокусник-Чекетти отдергивает занавес своего балагана и перед публикой предстают три куклы на металических штативах. Фокусник «заводит» кукол волшебной флейтой и они исполняют механический танец с пятки на носок.

Темнолиций Арап в тюрбане-Орлов, балерина в юбочке и панталонах-Карсавина и Петрушка-Нижинский, с белым лицом, в свободной блузе и повернутыми внутрь ногами в черных ботинках спускаются с подставок и располагаются в середине сцены. Следующая сценка даёт понять, что Петрушка любит Балерину, но та предпочитает сильного, но глуповатого Арапа.

Вторая сцена открывается тревожным боем военных барабанов. Это комната Петрушки - коробка, куда Фокусник его бросает между выступлениями.

«Есть момент, когда Петрушка, жалея себя, как бы рассматривает свою жалкую, невзрачную фигуру. Он берет себя за штаны у колен и тянет направо - оба колена переезжают направо; потом, чтобы осмотреть себя с другой стороны, он тянет за штаны себя налево».

Александр Бенуа

Под медленную мелодию в комнату входит Балерина, но его страсть пугает её и она исчезает. Петрушка мечется в своей коробке, затем в неистовстве пробивает дырку в бумажной стене и повисает наполовину внутри, наполовину снаружи.

Третья сцена происходит в комнате Арапа, расписанной яркими картинами джунглей. Движения Арапа грубы и уверенны, он полная противоположность Петрушке. Появляется Балерина, дуэт Балерины с Арапом прерывается судорожным криком несчастного Петрушки, который пытается угрожать Арапу под диссонирующие звуки фанфар. Балерина падает в обморок, Арап прогоняет Петрушку, размахивая саблей.

Последняя сцена возвращает зрителей на ярмарку. В сложной оркестровке этой сцены чередуются песенный танец кормилиц, дуэт медведя и его хозяина, танец ряженых; толпа приплясывает, но вдруг раздается истошный крик Петрушки. Он бежит на кончиках пальцев, преследуемый Арапом, толпа собирается вокруг и становится свидетелем предсмертной агонии.

Фокусник поднимает безвольно повисшего Петрушку и все видят, что это всего лишь кукла, набитая опилками.

Тамара Карсавина в роли Балерины

И́горь Фёдорович Страви́нский (5 июня 1882, Ораниенбаум, Российская империя - 6 апреля 1971, Нью-Йорк; похоронен в Венеции на кладбище Сан-Микеле) - русский композитор, дирижёр и пианист, один из крупнейших представителей мировой музыкальной культуры XX века. Его творчество вобрало в себя практически все ведущие направления и стили своей эпохи.

Игорь Стравинский родился в 1882 году на Швейцарской улице в Ораниенбауме на даче, которую купил его отец, Фёдор Игнатьевич Стравинский - русский певец, солист Мариинского театра. Мать будущего композитора - одарённая пианистка и певица Анна Кирилловна Холодовская (11.08.1854 - 7.06.1939), была постоянным концертмейстером на концертах мужа. По версии некоторых украинских исследователей, род Стравинских происходит с Волыни на Украине. По версии белорусских исследователей, род Стравинских происходит из древнего белорусского шляхетского рода Стравинских. В доме Стравинских в Петербурге принимали музыкантов, артистов, писателей, в числе которых был и Фёдор Достоевский.

Родители Игоря Стравинского, Фёдор и Анна, Одесса, 1874

С девяти лет Стравинский брал частные уроки фортепиано, в 19 лет после окончания гимназии Гуревича, по настоянию родителей, поступил на юридический факультет Санкт-Петербургского университета, одновременно приступив к самостоятельному изучению музыкально-теоретических дисциплин. В 1901 году торжественно праздновался 25-летний юбилей творческой деятельности Фёдора Игнатьевича Стравинского, на котором ему было пожаловано звание «заслуженного артиста». Через год Фёдор Игнатьевич умер в возрасте 59 лет.

С 1904 по 1906 год Игорь Стравинский брал частные уроки у Н. А. Римского-Корсакова, который предложил Стравинскому занятия два раза в неделю, параллельно с его уроками у В. Калафати. Это была единственная композиторская школа Стравинского, благодаря которой он овладел профессией в совершенстве.

В 1906 году женился на Екатерине Гавриловне Носенко, своей кузине. В 1907 году родился первый сын, художник Фёдор Стравинский, в 1910 году второй сын, композитор и пианист Святослав Сулима-Стравинский. В 1900-1910-е семья Стравинских жила подолгу в своём имении, в г.Устилуг Волынской губернии.

Под руководством Римского-Корсакова были написаны первые сочинения - скерцо и соната для фортепиано, сюита для голоса соркестром «Фавн и пастушка» и т. д. На премьере последнего присутствовал Сергей Дягилев, высоко оценивший талант молодого композитора. Через некоторое время Дягилев предложил ему написать балет для постановки в «Русских сезонах» в Париже. В течение трёх лет сотрудничества с труппой Дягилева Стравинский написал три балета, принёсших ему мировую известность - «Жар-птица» (1910), «Петрушка» (1911) и «Весна священная» (1913). В эти годы Стравинский периодически ездит из России в Париж и обратно.

В начале 1914 года, перед началом Первой мировой войны, выехал с семьёй в Швейцарию. Из-за начавшейся войны Стравинские в Россию не вернулись. С весны 1915 года композитор жил с семьёй в Морже близ Лозанны, с 1920 - преимущественно в Париже.

Среди сочинений этого времени - опера «Соловей» по сказке Х. К. Андерсена (1914) и «История солдата» (1918). Этим же временем датируется сближение Стравинского с французской «Шестёркой».

Ещё в 1913 г. Стравинский познакомился с композитором Эриком Сати, которого определял как «самого странного человека, которого когда-либо знал», но притом называл его «самым замечательным» и «неизменно остроумным». Как считает исследователь творчества Сати Ю.Ханон, некоторые произведения Сати, в особенности балет «Парад» (1917) и симфоническая драма «Сократ» (1918), значительно повлияли на творчество Стравинского. По мнению Г.Филенко, особый поворот в решении античной темы, архаизация музыкального языка и принципиально новые методы музыкальной конструкции в «Сократе» оказались плодотворными для других композиторов и почти на десять лет предвосхитили грядущий неоклассицизм «Антигоны» Онеггера (1924), а также «Аполлона Мусагета» и «Царя Эдипа» Стравинского (1929-1930 гг.), заранее очертив все основные черты нового стиля.

Сам же Игорь Фёдорович отзывался о «Сократе» Сати, как и о профессиональных достоинствах его автора, скептично и сдержанно:

Не думаю, чтобы он хорошо знал инструментовку и предпочитаю «Сократа» в том виде, в каком он играл мне [на фортепиано], нескладной оркестровой партитуре. Я всегда считал сочинения Сати ограниченными «литературщиной». Заголовки у них литературные, но тогда как названия картин Клее, тоже взятые из литературы, не стесняют его живопись, у Сати, мне кажется, это случается, и при повторном прослушивании его вещи теряют большую долю интереса. Беда «Сократа» в том, что он наскучивает одним своим метром. Кто может вынести это однообразие? И все же музыка смерти Сократа трогательная и по-своему благородна.

Стравинский. Диалоги

«Поскольку Шестёрка чувствовала себя свободной от своей доктрины и была исполнена восторженного почитания к тем, против кого выставляла себя в качестве эстетического противника, то и никакой группы она не составляла. „Весна священная“ произросла мощным деревом, оттесняя наш кустарник, и мы собирались было признать себя побеждёнными, как вдруг Стравинский вскоре сам присоединился к нашему кругу приёмов, и необъяснимым образом в его произведениях даже чувствовалось влияние Эрика Сати.»

- (Жан Кокто, «к юбилейному концерту Шестёрки в 1953 году»)

После окончания войны Стравинский принял решение не возвращаться в Россию и спустя некоторое время переехал во Францию. В 1919 году композитор по заказу Дягилева написал балет «Пульчинелла», поставленный год спустя.

В 1922 году мать композитора, Анна Холодовская, выехала из России и жила в доме сына в Париже. Умерла в 1939 году, похоронена на кладбище Сент-Женевьев-де-Буа. Игорь Стравинский посвятил ей песню «Незабудочка-цветочек» из «Двух стихотворений К. Бальмонта для голоса и фортепиано».

Стравинский жил во Франции до 1940 года. Здесь состоялись премьеры его оперы «Мавра» (1922), танцевальной кантаты (балета с пением) «Свадебка» (1923) - итогового произведения русского периода, а также оперы-оратории «Царь Эдип» (1927), знаменовавшей собой начало нового периода в творчестве композитора, который принято называть «неоклассическим».

В 1924 году состоялся дебют Стравинского в качестве пианиста: он исполнил собственный концерт для фортепиано и духового оркестра под управлением Сергея Кусевицкого . Как дирижёр Стравинский выступал с 1915 года . 1926 год отмечен первым обращением композитора к духовной музыке - «Отче наш» для хора a capella. В 1928 году появляются новые балеты - «Аполлон Мусагет» и «Поцелуй феи», а два года спустя - знаменитая и грандиозная «Симфония псалмов» на латинские тексты Ветхого Завета .

В начале 1930-х годов Стравинский обращается к жанру концерта - он создаёт концерт для скрипки с оркестром и концерт для двух фортепиано. В 1933-1934 годах по заказу Иды Рубинштейн совместно с Андре Жидом Стравинский пишет мелодраму «Персефона». Тогда же он окончательно решает принять французское гражданство (получено в 1934 году) и пишет автобиографическую книгу «Хроника моей жизни».

С 1936 года Стравинский периодически посещает с гастролями США, во время которых укрепляются его творческие связи с этой страной. В1937 году в Метрополитен-опера был поставлен балет «Игра в карты», год спустя - исполнен концерт «Дамбартон-Окс», Стравинского приглашают прочитать курс лекций в Гарвардском университете. Наконец, в связи с начавшейся войной, Стравинский решает переехать в США. Композитор поселяется сначала в Сан-Франциско, а затем в Лос-Анджелесе. В 1945 году он становится американским гражданином. Произведения этого периода - опера «Похождения повесы» (1951), ставшая апофеозом неоклассического периода, балеты «Орфей» (1948), Симфония in C (1940) и Симфония в трёх частях (1945), Эбони-концерт для кларнета и джаз-оркестра (1946), а также множество других сочинений.

В марте 1939 года Екатерина Гавриловна Стравинская умерла от туберкулёза. Похоронена на кладбище Сент-Женевьев-де-Буа. 9 марта 1940 г. Стравинский женился на Вере Артуровне Судейкиной (был знаком с ней с 1922 г.)

В январе 1944 года, в связи с исполнением необычной аранжировки гимна США в Бостоне, местная полиция предупредила Стравинского, что существует ответственность в виде штрафа за искажение гимна. В связи с этим появился миф, что Стравинский был арестован за искажение гимна.

С начала 1950-х годов Стравинский начинает использовать в своих сочинениях серийный принцип. Переходным сочинением стала Кантата на стихи английских анонимов, в которой со всей очевидностью обозначилась тенденция тотальной полифонизации музыки, к которой Стравинский тяготел всегда. Первым серийным сочинением стал Септет (1953). Полностью серийным сочинением, в котором Стравинский совершенно отказался от тональности, как таковой, стали Threni (Плач пророка Иеремии; 1958). Произведение, в котором серийный принцип абсолютен, - это «Движения» для фортепиано с оркестром (1959). Итоговое музыкальное произведение серийного периода - Вариации памяти Олдоса Хаксли для оркестра.

Апофеозом всего творчества Стравинского является Requiem Canticles («Заупокойные песнопения», Реквием) для контральто и баса соло, хора и оркестра (1966): "…"Заупокойные песнопения" завершили всю мою творческую картину…", «…Реквием в моём возрасте слишком задевает за живое…», «…сочиняю шедевр своих последних лет» - И. Стравинский.

На протяжении десятилетий Стравинский активно гастролировал как дирижёр (преимущественно собственных сочинений) в Европе и США. Отличаясь чрезвычайной требовательностью к соблюдению предписанных им исполнительских нюансов (темпа, динамики, акцентов и пр.), Стравинский придавал большое значение аудиозаписи. В 1950-х и начале 1960-х гг. под управлением автора на лейбле Columbia Records было записано подавляющее большинство его сочинений. Авторские аудиозаписи Стравинского-дирижёра доныне служат важным ориентиром для всех новых исполнительских интерпретаций его музыки.

Осенью 1962 года впервые после долгого перерыва он приезжал на гастроли в СССР, дирижировал своими сочинениями в Москве и Ленинграде. Последнее завершённое его произведение - обработка для камерного оркестра двух духовных песен Хуго Вольфа(1968). Неоконченными остались оркестровки четырёх прелюдий и фуг из ХТК И. С. Баха (1968-1970), также сохранились эскизы некоего сочинения для фортепиано.

Стравинский умер 6 апреля 1971 года от сердечной недостаточности. Похоронен на кладбище Сан-Микеле в Венеции (Италия), на так называемой «русской» его части (рядом с ним в 1982 году будет похоронена его жена Вера), недалеко от могилы Сергея Дягилева.

На дочери И. Ф. Стравинского Людмиле (1908-1938) был женат поэт Юрий Мандельштам .

«Русский» период (1908-1923)

Первый этап музыкальной карьеры Стравинского (не считая некоторых его ранних работ, не имеющих в данном случае существенного значения) отсчитывается от написания оркестровой фантазии « Фейерверк » и включает три балета , созданных им для труппы С. Дягилева (« Жар-птица », « Петрушка » и « Весна священная »). Эти произведения характеризуются рядом схожих черт: все они рассчитаны на чрезвычайно многочисленный оркестр , и в них активно используются русские фольклорные темы и мотивы. В них также явственно прослеживается развитие стилистических особенностей - от «Жар-птицы», выражающей и акцентирующей определенные направления в творчестве Римского-Корсакова , основанной на ярко выраженных свободных диатонических созвучиях (особенно в третьем действии), через политональность , характерную для «Петрушки», к нарочито грубым проявлениям полиритмичности и диссонанса , которые заметны в «Весне священной».

Применительно к последнему произведению некоторые авторы (в частности, Нил Уэнборн) ссылаются на намерение Стравинского создать своего рода «адскую» атмосферу. С такой точки зрения первое представление «Весны священной» в 1913 году можно было счесть довольно успешным: премьера прошла весьма бурно, вплоть до того, что сам Стравинский в своей биографии характеризовал ее как «скандал» (фр. scandale ) . Отдельные свидетели утверждали, что местами в зале наблюдались стычки, и второй акт потребовалось проводить в присутствии полиции. Исследователи, впрочем, обращают внимание на противоречия в различных версиях изложения событий .

Помимо перечисленных выше произведений, к данному периоду в творчестве Стравинского относят оперы «Соловей» (1916) и «История солдата» (1918), а также балеты «Байка про лису, петуха, кота да барана» (1916) и «Свадебка» (1923).

«Неоклассический» период (1920-1954)

Отправной точкой следующего этапа развития Стравинского как композитора считается опера «Мавра» (1921-1922), положившая начало т. н. «неоклассическому» периоду в его творчестве. Переосмысление музыкальных стилей и направлений XVIII векастало основой для создания оперы «Царь Эдип» (1927), балета «Аполлон Мусагет» (1928) и концерта для камерного оркестра ми-бемоль мажор «Дамбартон-Окс» (1937-1938). Также в рамки данного периода укладываются три симфонии: «Симфония псалмов» (1930), симфония до мажор (1940) и «Симфония в трех частях» (1945).

Изучение тем, связанных с античностью и, в частности, древнегреческой мифологией, вдохновило Стравинского на возврат к стилистике классицизма, что выразилось не только в создании произведения «Аполлон Мусагет», но и в сочинении оперы «Персефона» (1933) и балета «Орфей» (1947). В 1951 году композитор создал последнюю работу неоклассического периода, оперу «Похождения повесы». Либретто к ней, основанное на набросках Уильяма Хогарта, было написано Уистеном Оденом. Премьерное представление состоялось в Венеции, в том же году; впоследствии опера ставилась в Европе, а затем - и в США (Метрополитен-Опера, 1953). Позднее, в 1962 году, произведение было представлено в рамках фестиваля, организованного в ознаменование 80-летия Стравинского. В 1997 году опера вернулась на сцену Метрополитен-Опера в Нью-Йорке.

«Серийный» период (1954-1968)

В 50-е годы композитор начал использовать в своих сочинениях серийные техники, такие, например, как додекафония - двенадцатитоновый прием, разработанныйАрнольдом Шенбергом. Первые эксперименты с серийными техниками прослеживаются в небольших его произведениях 1952-1953 годов, в числе которых могут быть названы «Кантата», «Септет» и «Три песни из Вильяма Шекспира». Первым его сочинением, которое оказалось полностью основано на соответствующих приемах, стала композиция «Памяти Дилана Томаса», написанная в 1954 году. В свою очередь, додекафония впервые появилась в балете «Агон» (1954-1957), а хоровое произведение «Canticum Sancrum», созданное в 1955 году, содержало целую часть, полностью основанную на двенадцатитоновом звукоряде. Впоследствии композитор активно использовал этот прием в своих сочинениях «Плач пророка Иеремии» (1958) и «Проповедь, притча и молитва» (1961), которые были основаны набиблейских текстах и мотивах, а также в опере «Потоп» (1962), представляющей собой синтез выдержек из Книги Бытия со средневековыми английскимимистериями.

Переложения, обработки

На протяжении жизни Стравинский постоянно перерабатывал собственные и чужие сочинения (авторские композиции, музыку православного обихода, народные песни). Наиболее часто обработка Стравинского представляла собой переложение своего же раннего сочинения для иного (по сравнению с первоначальным) инструмента либо состава инструментов (например, многие вокальные сочинения русского периода, написанные для голоса и фортепиано, позже аранжированы для голоса с ансамблем инструментов). В некоторых случаях обработке сопутствовала переделка оригинальной музыки (сокращение, варьирование, реже расширение, обновление гармонизации), в таких случаях говорят о «редакции» (две редакции фортепианного Танго - для скрипки и фортепиано и для скрипки и инструментального ансамбля). Примером может служить музыка к балету «Петрушка», к которой композитор возвращался неоднократно. Сочинено было закончено в 1911 (так называемая «первая редакция», или «оригинальная редакция») и подверглось в дальнейшем разнообразной переработке: в 1921 (обработка трёх номеров для фортепиано), в 1932 (обработка «Русского танца» для скрипки и фортепиано), в 1947 (вторая редакция балета, переоркестровка), в 1947 (сюита из балета для симфонического оркестра), в 1965 (третья редакция балета). Некоторые обработки Стравинского поражают парадоксальностью. Так, канонические православные тексты (на церковнославянском языке) в небольших хоровых сочинениях «Отче наш» (1926), «Символ веры» (1932) и «Богородице Дево, радуйся» (1932) композитор в 1949 заменил каноническими текстами католиков (на латыни; соответственно Pater noster, Credo и Ave Maria), без малейшего изменения (совершенно русской по стилю) музыки.

Сочинения других композиторов и народную музыку Стравинский обрабатывал в тех же весьма подвижных границах - от «простой» инструментовки (духовные песни Гуго Вольфа , мадригалы Карло Джезуальдо , русская народная песня «Дубинушка» ) до полномасштабного авторского переосмысления («Пульчинелла» на музыку Дж.Б. Перголези ).

Память

В его честь выпущены монеты и почтовые марки; назван кратер на Меркурии. В Лозанне есть аллея его имени, в Амстердаме - улица (Strawinskylaan). В его честь названы музыкальная школа в Ораниенбауме и музыкальная аудитория в Монтрё. Также существует Фонтан Стравинского на одноименной площади перед Центром Жоржа Помпиду в Париже, Франция.

• Имя Стравинского носит самолет А-319 компании «Аэрофлот», регистрационный номер VP-BDO.
• Первый в мире музей Игоря Стравинского открыт на Украине в городе Устилуг на Волыни в 1990 году.
• Музыкальный фестиваль имени Игоря Стравинского начали проводить на Волыни с 1994 года. 12 июня 2010 года в Луцке открылся уже VII Международный фестиваль «Стравинский и Украина».
• Площадь Стравинского в родном городе Ломоносове

А костюмы разрабатывала сама Коко Шанель.

Первые музыкальные занятия

Федор Стравинский и Анна Холодовская – родители Игоря Стравинского. 1874. Одесса, Украина. Фотография: fondation-igor-stravinsky.org

Студент Игорь Стравинский. 1905. Санкт-Петербург. Фотография: fondation-igor-stravinsky.org

Игорь Стравинский (слева) и композитор Николай Римский-Корсаков. 1908. Санкт-Петербург. Российская национальная библиотека, Санкт-Петербург

Игорь Стравинский родился 17 июня 1882 года в Ораниенбауме (сейчас – Ломоносов) в семье музыкантов. Его отец Федор Стравинский был оперным певцом, солистом Мариинского театра . Мать будущего композитора Анна Холодовская играла на пианино и была концертмейстером на выступлениях супруга. В гости к Стравинским часто приходили их друзья: композиторы Цезарь Кюи и Николай Римский-Корсаков , критик Владимир Стасов и писатель Фёдор Достоевский .

Начальное образование Стравинский получил во Второй Санкт-Петербургской гимназии, откуда перешел в одно из лучших учебных заведений Петербурга - гимназию Гуревича. Учился композитор плохо, иногда прогуливал занятия. Позднее он вспоминал: «Конечно, я был очень плохим учеником и ненавидел эту школу , как и вообще все мои учебные заведения, глубоко и навсегда» . Во время каникул семья выезжала в деревню Льзи недалеко от Санкт-Петербурга . Здесь будущий композитор любил слушать многоголосое пение крестьян.

«Подозрение, что я возможно, обладаю музыкальным талантом, зародилось там. Возвращаясь вечером с полей, крестьянки в Льзи пели приятную спокойную песню, в течение всей жизни всплывающую в моей памяти в ранние вечерние часы досуга. Они пели в октаву - конечно, без гармонизации, - и их высокие, резкие голоса напоминали жужжание миллиарда пчел. Ребенком я никогда не отличался особенно развитой памятью, но эта песня запечатлелась в моем сознании с первого же раза»

Игоря Стравинского учили музыке, однако родители не воспринимали занятия всерьёз. Первые уроки будущему композитору давала пианистка Александра Снеткова. Позднее Стравинский писал: «Мне было тогда девять лет, и, вероятно, я учился у нее в течение двух лет. Помню, как она рассказывала мне о приготовлениях в консерватории к похоронам Чайковского (1893 г.), но не помню, чтобы я чему-нибудь научился у нее в области музыки» . После Снетковой Стравинского учила Леокадия Кашперова. Композитор вспоминал, что на уроках она запрещала пользоваться педалями фортепиано. Кашперова учила Стравинского «органной технике» и требовала, чтобы он «держал звук пальцами» .

Зимой 1901-1902 годов Стравинский брал уроки композиции и гармонии у Федора Акименко. Его следующим педагогом стал Василий Калафати. О занятиях с ним Стравинский писал: «Калафати научил меня прибегать к слуху как к первому и последнему критерию, за что я ему благодарен. Я занимался у него больше двух лет» . Все свободное время будущий композитор проводил в Мариинском театре – бывал там пять-шесть дней в неделю, слушал оперы.

После окончания гимназии по настоянию родителей Стравинский поступил на юридический факультет Санкт-Петербургского университета. Но вместо лекций будущий композитор посещал занятия Николая Римского-Корсакова. С ним Стравинский изучал музыкальную композицию, а с 1902 года пробовал сочинять собственные произведения.

Балеты Стравинского для «Русских сезонов»

Игорь Стравинский. 1907. Париж, Франция. Фотография: fondation-igor-stravinsky.org

У рояля справа: сидит Игорь Стравинский, стоит балетмейстер Михаил Фокин с артистами труппы Сергея Дягилева. 1 октября 1909–28 февраля 1910. Санкт-Петербург. Фотография: Н. Александров / Санкт-Петербургский государственный музей театрального и музыкального искусства

Балерина Тамара Карсавина в роли Жар-Птицы в балете Игоря Стравинского «Жар-птица». 1911. Фотография: rbth.com

В 1905 году Стравинский должен был закончить юридический факультет, но от сдачи экзаменов отказался. К тому моменту он сблизился с Сергеем Дягилевым и художниками объединения «Мир искусства». Вместе с ними композитор посещал выставки, балеты и симфонические концерты, был членом объединения «Вечера современной музыки». Дягилев присутствовал на премьере одних из первых произведений Стравинского – сюиты «Фавн и пастушка» на стихотворения Александра Пушкина и Симфонии ми-бемоль мажор. Критики называли его произведения «импрессионистскими» за объемное звучание и летящий темп.

В 1908 году умер Николай Римский-Корсаков. Своему учителю Стравинский посвятил «Погребальную песнь». Позднее Стравинский писал: «Это была как бы процессия всех солирующих инструментов оркестра, возлагающих по очереди свои мелодии в виде венка на могилу учителя на фоне сдержанного тремолирующего рокота, подобного вибрации низких голосов, поющих хором» .

Вскоре Сергей Дягилев предложил композитору написать балет «Жар-птица» для «Русских сезонов». Музыку не смогли создать ни Анатолий Лядов, ни Николай Черепнин, к которым сначала обратился импресарио. Стравинский в это время изучал русский фольклор, как раз интересовался историей о сказочной птице и втайне продумывал фабулу нового произведения. Над партитурой он работал всю зиму 1909 года. Балет поставил танцовщик Михаил Фокин, который к тому времени уже стал балетмейстером антрепризы, а эскизы костюмов и декораций рисовали Леон Бакст и Александр Головин .

Премьера «Жар-птицы» состоялась в Париже 25 июня 1910 года и прошла с успехом. Однако сам Стравинский остался недоволен балетом – он считал, что в нем не согласованы «движения танца и настоятельные требования музыкального ритма» . Критиковал «Жар-птицу» и Александр Бенуа. Он писал: «Пока хореографические затеи Фокина исполнялись артистами на репетициях, они представлялись фантастическими, на сцене же все как-то заволокла неуместная, слишком элегантная пышность» .

Игорь Стравинский (слева) и танцовщик Вацлав Нижинский в роли Петрушки в балете Игоря Стравинского «Петрушка». 1911.Фотография: wikipedia.org

Сцена из балета Игоря Стравинского «Весна священная». 1913. Фотография: berggasse19.org

Композитор Клод Дебюсси и Игорь Стравинский (справа). 1910. Фотография: vocidellopera.com

Следующими балетами Стравинского для «Русских сезонов» стали «Петрушка» и «Весна священная». В них композитор впервые перешёл к диссонансам - непривычным по звучанию сочетаниям нот. Балет «Весна священная, картины языческой Руси в 2 частях» Стравинский задумал еще во время работы над «Жар-птицей»: «Однажды, когда я дописывал в Петербурге последние страницы «Жар-птицы», в воображении моем совершенно неожиданно, ибо думал я тогда совсем о другом, возникла картина священного языческого ритуала » . Над балетом кроме самого композитора работал художник Николай Рерих, который интересовался язычеством. Он помогал Стравинскому со сценарием, рисовал эскизы декораций и костюмов. Хореографию «Весны священной» поставил танцовщик Вацлав Нижинский. Премьера балета прошла 29 мая 1913 года. Часть публики восприняла «Весну священную» негативно. Балерина Ромула Пульска вспоминала: «Волнение и крики доходили до пароксизма. Люди свистели, поносили артистов и композитора, кричали, смеялись» . Чтобы успокоить их, Дягилев даже несколько раз выключал в зале свет. Однако это не помогло, и спектакль пришлось прервать. Мнения критиков разделились: некоторые из них писали об абсурдности постановки, а другие полагали, что Стравинский создал балет будущего: «Композитор написал партитуру, до которой мы дорастем только в 1940 году» .

В Париже Стравинский познакомился с композиторами Эриком Сати и Клодом Дебюсси. Дебюсси писал о нем: «Стравинский <...> остаётся самым чудесным оркестровым механизмом этого времени» . В дальнейшем композиторы продолжили общение – они переписывались несколько лет.

Стравинский с семьей жил в Петербурге, а холодное время года проводил в Швейцарии. В 1914 году из-за начала Первой мировой войны композитор остался там на лето, а после революции решил и вовсе не возвращаться в Россию.

В Швейцарии он работал над оперой «Соловей» по одноименному произведению Ханса Кристиана Андерсена, а в 1918 году создал оперу-балет «История солдата» на основе сказок Александра Афанасьева с либретто на французском языке. Впервые ее показали в этом же году в Лозанне.

В начале 1920-х годов композитор создал балет по мотивам русских сказок «Байка про лису, петуха, кота да барана». Его жанр сам Стравинский определил как «весёлое представление с пением и музыкой» . Вскоре он написал «русские хореографические сцены с музыкой и пением» , которые получили название «Свадебка» .

Балеты этого времени объединяли фольклорные мотивы и полиритмия - медленные и быстрые фрагменты в одном произведении. Музыковед Михаил Друскин писал: «Русский период не только по эстетической ценности созданных тогда произведений, но и по его значению для всей художественной эволюции Стравинского – главнейший период его творчества» .

После революции Стравинский решил не возвращаться в Россию. Позднее он вспоминал: «Этот период, конец 1917 года, был одним из самых тяжелых в моей жизни <...> Коммунистическая революция восторжествовала в России, и я был лишен последних средств к существованию <...> Я остался попросту ни с чем, на чужбине, в самый разгар войны» . Композитор переехал во Францию . Там он сошелся с членами группы «Шестерка» – французскими музыкантами и писателями. Стравинский был идейным вдохновителем творчества композиторов этого объединения, они называли его «Великий Игорь» или «Царь Игорь» . Писатель Жан Кокто писал: «Весна священная» произросла мощным деревом, оттесняя наш кустарник, и мы собирались было признать себя побеждёнными, как вдруг Стравинский вскоре сам присоединился к нашему кругу приёмов» .

«Сыграть себя»: неоклассические произведения Стравинского

Танцовщики Алиса Никитина и Серж Лифарь в балете Игоря Стравинского «Аполлон Мусагет». 28 июня 1928. Фотография: Sasha / gettyimages.fi

Игорь Стравинский (слева) и антрепренер Сергей Дягилев в аэропорту. 1926. Лондон, Великобритания. Фотография: persons-info.com

Пабло Пикассо. Портрет Игоря Стравинского (фрагмент). 1920. Музей Пикассо, Париж, Франция

В 1919 году Стравинский по заказу Дягилева написал балет «Пульчинелла». На его создание композитора вдохновила музыка XVIII века. Под впечатлением от нее Стравинский создал новую оркестровку, которая отсылала к старинным классицистическим мелодиям.

«Пользуясь готовой конструкцией, Стравинский никогда не подчиняется ей целиком: подобно актеру «театра представления», он оставляет возможность проявить собственное отношение, «сыграть себя». В этом также сказывается единый для всего творчества принцип, позволяющий Стравинскому все «искажения» «модели», юмористические и не юмористические, которыми пестрит его неоклассический стиль»

Музыковед Светлана Савенко, статья «К вопросу о единстве стиля Стравинского»

На создание «Пульчинеллы» композитора вдохновили кукольные спектакли, которые он смотрел во время путешествия в Неаполь. В балете Стравинский постарался передать особенность комедии дель арте – особого жанра итальянского театра. В таких представлениях актеры выступали в масках и часто импровизировали на сцене. Премьера «Пульчинеллы» состоялась 15 мая 1920 года. Декорации к балету нарисовал художник Пабло Пикассо . Публика встретила «Пульчинеллу» критически. Стравинского обвиняли в искажении классической музыки и отходе от «истинно русского наследия» . Однако были и положительные отзывы. Александр Бенуа вспоминал: «От нового произведения Стравинского «Пульчинелла» я даже был в упоении» .

В 1922 году Стравинский закончил работу над оперой-буфф «Мавра», в основу которой легла поэма Александра Пушкина «Домик в Коломне» . А в следующие несколько лет композитор почти не писал музыку. Он выступал на концертах со своими произведениями, дирижировал оркестром и играл на фортепиано.

В 1927 году Стравинский получил заказ на сочинение небольшого музыкального произведения от Библиотеки Конгресса в Вашингтоне. В процессе работы над ним композитор изучал поэзию Николы Буало и французскую литературу эпохи классицизма. Под впечатлением произведений того времени Стравинский решил написать классический балет: «В воображении моем вставал так называемый «белый балет», в котором, на мой взгляд, выявлялась самая сущность танцевального искусства» . Основой сюжета стали древнегреческие легенды о боге Аполлоне Мусагете – предводителе муз. Постановщиком балета стал американский хореограф Джордж Баланчин.

«Балетмейстер Джордж Баланчин поставил танцы именно так, как мне хотелось. С этой точки зрения спектакль был настоящей удачей. По сути дела, это была первая попытка воскресить академический танец в произведении современном и написанном специально для этой цели. Баланчин, проявивший много мастерства и фантазии в ранее поставленных балетах, нашел для постановки танцев «Аполлона» группы, движения, линии большого благородства и изящной пластичности, навеянной красотой классических форм»

Игорь Стравинский, «Хроника моей жизни»а

Костюмы для балета «Аполлон Мусагет» создавала французский модельер Коко Шанель. С ней Стравинский познакомился еще в 1913 году после премьеры «Весны священной». В 1920 году, когда композитор испытывал проблемы с деньгами, Коко Шанель пригласила его пожить на своей вилле. В дальнейшем они дружили и переписывались.

Премьера «Аполлона Мусагета» состоялась 27 апреля 1928 года в Вашингтоне. В том же году балет показали в Париже на «Русских сезонах» Сергея Дягилева. Вскоре после этого отношения Стравинского и Дягилева испортились. Дягилев был недоволен тем, что композитор по заказу танцовщицы Иды Рубинштейн написал балет «Поцелуй феи». Стравинский вспоминал: «Он не смог простить мне <...> громогласно поносил и мой балет и меня в частных кругах, и в печати» .

Премьера балета «Поцелуй феи» состоялась в ноябре 1928 года. На его создание Стравинского вдохновила музыка Петра Чайковского. Ему же композитор и посвятил произведение.

В конце 1920-х и начале 1930-х годов Игорь Стравинский увлекся античной историей и древнегреческой мифологией. Композитор написал оперу «Царь Эдип», мелодраму «Персефона». Интересовался в эти годы Стравинский и библейскими сюжетами, церковными песнопениями. Под впечатлением от них создал «Симфонии псалмов», хоровые сочинения «Символ веры» и «Отче наш». Михаил Друскин писал об этих произведениях Стравинского: «В античных мифах об Аполлоне и Орфее, в трагедии Эдипа и библейских сказаниях <...> он стремится передать сущностное, надличное, веками отстоявшееся, но всегда как живое и непреходящее, и передает это языком современного искусства» .

«Могу только думать о тебе и сочинять музыку»: личная жизнь

Игорь Стравинский со своими детьми. 1915. Морж, Швейцария. Фотография: fondation-igor-stravinsky.org

Игорь Стравинский с Екатериной Носенко – первой женой. Фотография: diletant.media

Игорь Стравинский с Верой Боссе – второй женой. Фотография: kino-teatr.ru

Игорь Стравинский был женат дважды. Первой супругой композитора стала его двоюродная сестра Екатерина Носенко. Стравинский вспоминал: «С первого же часа, проведённого вместе, мы, казалось, отдали себе отчёт в том, что в один прекрасный день поженимся - так, по крайней мере, потом мы говорили друг другу» .

Браки между кузенами в Российской империи были запрещены, но Стравинский и Носенко нашли в Петербурге священника, который согласился их обвенчать. Они поженились в январе 1906 года. Композитор и его супруга прожили вместе до смерти Носенко в 1939 году. В браке у них родилось четверо детей: Федор, Людмила, Святослав и Милена.

«<...> Мы были исключительно близки, ближе, чем иногда бывают возлюбленные, так как просто любовники могут оставаться чуждыми друг к другу, хотя и живут вместе всю жизнь и любят друг друга. И действительно, самые сильные юношеские романы были у меня с другими девушками, и ни одна из них не стала столь близкой мне, как Екатерина Носенко».

Игорь Стравинский, «Диалоги. Воспоминания. Размышления»

В 1940 году Стравинский женился второй раз. Его супругой стала актриса и художница Вера Боссе. Они познакомились еще в 1921 году. Тогда Боссе была женой художника Сергея Судейкина. Стравинский писал ей: «Могу только думать о тебе и сочинять музыку - такую музыку, которая связана с тобой» . Вместе композитор и актриса прожили больше тридцати лет.

Серийная техника и «русский слог»

Игорь Стравинский. Сентябрь–ноябрь 1962. Москва. Фотография: Макс Альперт / Мультимедиа арт музей, Москва

Игорь Стравинский. Фотография: mercurynews.com

Игорь Стравинский. 1953. Фотография: Отто Ротшильд / muzlifemagazine.ru

С середины 1930-х Стравинский часто бывал в США: давал концерты, писал музыку. С 1939 года он преподавал в Гарвардском университете. Михаил Друскин писал о его лекциях по музыкальной эстетике: «Лекции эти полемически заострены, существенное в них сочетается с поверхностной бравадой парадоксами, есть в них и весьма недоброжелательные выпады против музыкальной культуры СССР» . Позднее лекции композитора были опубликованы под названием «Музыкальная поэтика».

Вскоре после начала Второй мировой войны Стравинский окончательно переехал в США и поселился в штате Калифорния, а в 1945 получил американское гражданство. В это время он работал над своим первым религиозным музыкальным произведением для исполнения в католической церкви - «Мессой».

Произведения Стравинского конца 1940-х, среди которых балет «Орфей», написаны в неоклассическом стиле с применением новых авангардных техник. Сочинения содержали не гармоничные мелодии, привычные для слушателей, а серии. В них ноты разной высоты следовали друг за другом в строгой последовательности, которая повторялась на протяжении всего произведения. В этой технике написаны композиции «Септет», «Кантата», «Canticum sacrum». Продолжил Стравинский и обработку библейских сюжетов. В 1950-х он написал кантату «Потоп», «Священное песнопение в честь апостола Марка».

Специально для труппы Джорджа Баланчина Стравинский создал бессюжетный балет «Агон». Основой произведения послужили французские придворные танцы XVII века. Баланчин вспоминал: «Подобной музыки мне еще не приходилось слышать. Что поражало меня, так эта жизненная сила каждого такта. Каждый такт ведет свою, обособленную жизнь, и вместе с тем они объединены в живое целое» .

Осенью 1962 года Игорь Стравинский с гастролями приехал в СССР. Его концерты прошли в Москве и Ленинграде с успехом. На них композитор сам дирижировал оркестром. В СССР прозвучали сюиты из оперы «Жар-птица», композиции «Фейерверк» и «Дубинушка».

В последние годы Стравинский все дальше отходил от русского стиля. Критики писали, что композитор стал сочинять «нейтральную музыку» . Сам Стравинский с их мнением не был согласен: «Я всю жизнь по-русски говорю, у меня слог русский. Может быть, в моей музыке это не сразу видно, но это заложено в ней, это - в ее скрытой природе» . На основе русских народных песен в 1965 году он создал канон для оркестра «Не сосна у ворот раскачалася».

В середине 1960-х годов Стравинский тяжело заболел. В 1966 году композитор написал реквием «Заупокойные песнопения», которое считал одним из главных произведений в своей жизни: «Заупокойные песнопения» завершили всю мою творческую картину» .

В 1967 году Стравинский хотел вновь посетить СССР и отпраздновать там свой 85-летний юбилей, но не смог этого сделать из-за состояния здоровья. Последним произведением композитора стала обработка духовных песен Хуго Вольфа. Умер Игорь Стравинский 6 апреля 1971 года в Нью-Йорке. Похоронили его на кладбище Сан-Микеле в Венеции, недалеко от могилы Сергея Дягилева.

И горь Фёдорович Страви нский (1882–1971) - русский композитор, дирижёр. Сын певца Ф. И. Стравинского. В 1900–05 занимался на юридическом факультете Петербургского университета. С детских лет учился игре на фортепиано у А. П. Снетковой и Л. А. Кашперовой. В 1903–05 брал уроки композиции у Н. А. Римского -Корсакова , которого называл своим духовным отцом. Многие годы был дружен с С. П. Дягилевым. В «Русских сезонах» в Париже прошли премьеры балетов Стравинского «Жар-птица» (1910), «Петрушка» (1911), «Весна священная» (1913), принёсшие композитору мировую славу. С 1910 подолгу жил за рубежом. С 1914 обосновался в Швейцарии, с 1920 - во Франции, с 1939 - в США (в 1934 принял французское, в 1945 - американское подданство). Вёл широкую концертную деятельность (дирижировал преимущественно собственными сочинениями, выступал и как пианист). В 1962 состоялись авторские концерты в Москве и Ленинграде. Творчество Стравинского отличается образно-стилистической множественностью, однако подчинённой в каждый творческий период своей стержневой тенденции. В т. н. русский период (1908 - начало 20-х гг.), вершинными произведениями которого являются балеты «Жар-птица», «Петрушка», «Весна священная», хореографические сцены «Свадебка» (1917, окончательный вариант 1923), Стравинский проявлял особый интерес к древнейшему и современному ему русскому фольклору, к ритуальным и обрядовым образам, к балагану, лубку. В эти годы формируются принципы музыкальной эстетики Стравинского, связанные с «театром представления», закладываются основные элементы музыкального языка - «попевочный» тематизм, свободный метроритм, остинатность, вариантное развитие и т. д. В следующий, т. н. неоклассицистский, период (до начала 1950-х гг.) на смену русской тематике пришла античная мифология, существенное место заняли библейские тексты. Стравинский обращался к различным стилевым моделям, осваивая приёмы и средства европейской музыки барокко (опера-оратория «Царь Эдип», 1927), технику старинного полифонического искусства («Симфония псалмов» для хора и оркестра, 1930) и др. Названные сочинения, а также балет с пением «Пульчинелла» (на темы Дж. Б. Перголези, 1920), балеты «Поцелуй феи» (1928), «Орфей» (1947), 2-я и 3-я симфонии (1940, 1945), опера «Похождения повесы» (1951) - не столько высокие образцы стилизации, сколько яркие оригинальные произведения (используя различные историко-стилистические модели, композитор в соответствии со своими индивидуальными качествами создаёт современные по звучанию произведения). Поздний период творчества (с середины 1950-х гг.) характеризуется преобладанием религиозной тематики («Священное песнопение», 1956; «Заупокойные песнопения», 1966, и др.), усилением роли вокального начала (слова), свободным использованием додекафонной техники (однако в рамках присущего Стравинскому тонального мышления). При всей стилистической контрастности творчество Стравинского отличается единством, обусловленным его русскими корнями и наличием устойчивых элементов, проявляющихся в произведениях разных лет. Стравинский принадлежит к числу ведущих новаторов 20 в. Он одним из первых открыл новые музыкально-структурные элементы в фольклоре, ассимилировал некоторые современные интонации (например, джазовые), внёс много нового в метроритмическую организацию, оркестровку, трактовку жанров. Лучшие сочинения Стравинского существенно обогатили мировую культуру и оказали воздействие на развитие музыки 20 в.

Сочинения: Оперы - Соловей (1914, Париж), Мавра (по поэме «Домик в Коломне» Пушкина, 1922, там же), Царь Эдип (опера-оратория, 1927, там же; 2-я редакция 1948), Похождения повесы (1951, Венеция); балеты - Жар-птица (1910, Париж; 2-я редакция 1945), Петрушка (1911, там же; 2-я редакция 1946), Весна священная (1913, там же; 2-я редакция 1943), Байка про Лису, Петуха, Кота да Барана, представление с пением и музыкой (1916; постановка 1922, Париж), История солдата (балет-пантомима, 1918, Лозанна), Пульчинелла (с пением, 1920, Париж), Свадебка (хореографические сцены с пением и музыкой, 1923, там же), Аполлон Мусагет (1928, Вашингтон; 2-я редакция 1947), Поцелуй феи (1928, Париж; 2-я редакция 1950), Игра в карты (1937, Нью-Йорк), Орфей (1948, там же), Агон (1957, там же); для солистов , хора и оркестра - кантаты Звездоликий (1912), Вавилон (1944), кантата на слова английских поэтов 15–16 вв. (1952), Плач пророка Иеремии (1958), Священное песнопение (1955), Заупокойные песнопения (1966) и др.; для хора и оркестра - Симфония псалмов (1930; 2-я редакция 1948) и др.; для оркестра - 3 симфонии (1907, 2-я редакция 1917; 2-я - in C, 1940; 3-я - В трёх движениях, 1945), Фейерверк (1908), Базельский концерт (для струнного оркестра, 1946) и др.; концерты с оркестром - для скрипки (1931), для фортепиано и духовых инструментов (1924; 2-я редакция 1950); концерт для 2 фортепиано (1935), Чёрный концерт для кларнета и джаз-бэнда (1945); камерно-инструментальные ансамбли; пьесы для фортепиано; хоры a cappella; романсы, песни и др.

Игорь Федорович Стравинский - пожалуй, самая противоречивая и авангардная фигура в музыкальной культуре XX века. Его самобытное творчество не вписывается в рамки какой-то одной стилистической модели, в нем самым неожиданным образом сочетаются различные направления, за что композитора современники прозвали «человеком тысячи одного стиля». Великий экспериментатор, он чутко улавливал изменения, которые происходили в жизни, и стремился жить вместе со временем. И все же у его музыки есть свое истинное лицо - русское. Все сочинения Стравинского глубоко проникнуты русским духом - это снискало композитору невероятную популярность за рубежом и искреннюю любовь в Отечестве.

Краткую биографию Игоря Стравинского и множество интересных фактов о композиторе читайте на нашей странице.

Краткая биография Стравинского

Игорь появился на свет в 1882 году в местечке Ораниенбаум в театральной семье. Отец будущего композитора блистал на оперной сцене Мариинского театра, а мать, будучи пианисткой, аккомпанировала мужу во время концертов. В их доме собирался весь артистический и культурный цвет Петербурга - Лядов , Римский-Корсаков, Кюи, Стасов, захаживал Достоевский. Творческая атмосфера, в которой рос будущий композитор, впоследствии сказалась на формировании его художественных вкусов и разноплановости формы и содержания музыкальных сочинений.

В годы его детства и ранней юности трудно было даже заподозрить, что в семье растет гений. В 9 лет Игоря начали учить музыке, однако предпосылок к перспективной музыкальной карьере родители в сыне не разглядели. По их настоянию Стравинский, который учился далеко не блестяще, поступил в университет на факультет юридических наук. Тогда и начал проявляться его глубокий и серьезный интерес к музыке. Правда, знаменитый композитор и близкий друг семьи Римский-Корсаков , у которого юный Стравинский на протяжении всего времени студенчества брал уроки оркестровки и композиции, поступать в консерваторию своему ученику... отсоветовал, считая, что не стоит тратить время на теоретическую подготовку, когда нужно сосредоточиться на практике. Он сумел дать Стравинскому крепкую композиторскую школу, и будущий разрушитель музыкальных стереотипов на всю жизнь сохранил об учителе самые теплые воспоминания.

Слава обрушилась на Игоря Стравинского неожиданно, и этот факт имеет прямую взаимосвязь с именем основателя «Русских сезонов » в Париже Сергея Дягилева. В 1909 году известный антрепренер, планируя пятые по счету «сезоны», был поглощен поисками композитора для нового балетного спектакля «Жар-птица ». Дело это было непростое, поскольку для покорения искушенной французской публики требовалось создать нечто совершенно особенное, дерзкое, оригинальное. Дягилеву посоветовали обратить внимание на 28-летнего Стравинского. Молодой композитор не был известен широкой публике, но скептицизм Дягилева растаял в тот же миг, как только он услышал в исполнении Стравинского одно из его сочинений. Опытный импресарио, обладавший удивительным чутьем на таланты, и здесь не ошибся.

После премьерного показа «Жар-птицы», открывшей в 1910 году очередную грань русского искусства для парижан, Стравинский обрел невероятную популярность и в одночасье стал самым модным русским композитором у европейской публики. Следующие три года доказали, что успех «Жар-птицы» не являлся мимолетной случайностью. За это время Стравинский написал еще два балета - «Петрушка » и «Весна священная». Но если «Жар-птица» и «Петрушка» вызвали у публики неистовый восторг чуть не с первых тактов, то «Весну священную » зрители сначала не приняли до такой степени, что на премьере разыгрался один из самых грандиозных скандалов в истории театра. Музыку Стравинского возмущенные парижане назвали варварской, а его самого - «распоясавшимся русским».

«Весна священная» стала для композитора последним сочинением, которое он написал на Родине. Дальше его ждали долгие и непростые годы вынужденной эмиграции.

Первая мировая война застигла композитора и его близких в швейцарском городке Монтрё. Согласно биографии Стравинского с 1920 года его основным местом жительства стал Париж. В последующие 20 лет композитор много экспериментирует с различными стилями, используя музыкальную эстетику античности, барокко, классицизма, но интерпретирует их в нетрадиционном ключе, намеренно создавая музыкальные мистификации. В 1924 году Игорь Стравинский впервые предстает перед парижской публикой еще и как талантливый исполнитель своих произведений.

В 1934 году он принимает французское подданство и выпускает автобиографический труд под названием «Хроника моей жизни». Конец 30-х годов Стравинский впоследствии назовет самым тяжелым периодом в своей судьбе. Он пережил огромную трагедию - за короткое время композитор потерял трех дорогих ему людей. В 1938 году умерла его дочь, а в 1939 – мать и жена. Глубокий душевный кризис, вызванный личной драмой, еще более усугубился с началом Второй мировой войны. Спасением для него стал новый брак и переезд в США. Знакомство с этой страной состоялось у Стравинского в 1936 году, когда он впервые предпринял заокеанское гастрольное турне. После переезда композитор выбрал своим местом жительства Сан-Франциско, а вскорости перебрался в Лос-Анджелес. Спустя 5 лет после переезда он становится гражданином Соединенных Штатов.

Поздний этап творчества Стравинского характеризуется преобладанием в нем духовной тематики. Кульминацией творчества становится «Реквием» («Заупокойные песнопения») – это квинтэссенция художественных исканий композитора. Свой последний шедевр Стравинский написал в 84-летнем возрасте, когда был уже тяжело болен и предчувствовал свой скорый уход. «Реквиемом», по сути, он подвел итог прожитой жизни.

Композитора не стало 6 апреля 1971 года. По его желанию он похоронен в Венеции рядом со своим давним другом Сергеем Дягилевым .

Интересные факты о Стравинском

• Стравинский обладал редкостным трудолюбием, он мог без перерыва работать по 18 часов. В 75 лет у него был 10-часовой рабочий день: до обеда он 4-5 часов занимался сочинением музыки, а после обеда 5-6 часов посвящал оркестровке или переложениям.
• Дочь И. Стравинского Людмила стала женой поэта Юрия Мандельштама.
• Стравинского и Дягилева связывали не только узы дружбы, но и родства. Они приходились друг другу пятиюродными братьями.
• Первый музей композитора был создан в 1990 году на Украине, в городе детства Стравинского Устилуг, где находилось их семейное поместье. С 1994 года на Волыни существует традиция проведения фестиваля музыки имени Игоря Стравинского.

• Композитор всегда тосковал по России. Из биографии Стравинского мы узнаём, что в октябре 1962 года заветная мечта сбылась - после полувекового отсутствия он приехал на Родину, приняв приглашение отметить здесь 80-летний юбилей. Он дал несколько концертов в Москве и родном Ленинграде, встретился с Хрущевым. Но его приезд был омрачен пристальным надзором спецслужб, которые в своем служебном рвении даже отключали телефоны в гостиницах, чтобы ограничить контакты композитора с соотечественниками. Когда после этой поездки одна из родственниц спросила Стравинского, почему бы ему не переселиться на Родину, тот с горькой иронией ответил: «Хорошего понемножку».
• Стравинского связывали узы дружбы и приятельства со многими известными людьми из мира искусства, литературы, кино - Дебюсси, Равелем, Сати, Прустом, Пикассо, Олдосом Хаксли, Чарли Чаплиным, Коко Шанель, Уолтом Диснеем.
• Композитор всегда опасался простуд - по этой причине он предпочитал теплую одежду и, бывало, даже спать ложился в берете.
• Люди, имевшие привычку громко разговаривать, вызывали в Стравинском инстинктивный ужас, зато любой намек на критику в его адрес провоцировал в нем вспышку ярости.
• Стравинский любил пропустить рюмку-другую и по этому поводу со свойственным ему остроумием шутил, что его фамилию следовало бы писать «Стрависки».
• Стравинский свободно владел четырьмя языками, а писал на семи языках - французском, немецком, английском, итальянском, латинском, иврите и русском.
• Однажды таможенники на итальянской границе заинтересовались необычным портретом композитора, написанным его другом Пабло Пикассо в футуристической манере. Изображение, состоявшее из непонятных кружков и линий, было мало похоже на портрет человека, и в результате таможенники изъяли у Стравинского шедевр Пикассо, посчитав его секретным военным планом...
• На музыку Стравинского в СССР длительное время был наложен запрет, а за интерес к партитурам композитора-эмигранта студентов исключали из музыкальных училищ.
• Трудные годы безденежья сформировали в характере композитора привычку экономить даже в мелочах: если он видел на полученном письме марку без следов штемпеля, он осторожно отклеивал её, чтобы использовать ещё раз.
• Стравинский замечательно рисовал, был тонким ценителем живописи. Из 10 000 томов его домашней библиотеки в Лос-Анджелесе две трети книг были посвящены изобразительному искусству.
• В 1944 году Стравинский в качестве эксперимента сделал аранжировку официального гимна Соединенных Штатов, чем вызвал грандиозный скандал. Полиция сделала композитору предупреждение, что если подобное хулиганство повторится, ему будет выписан штраф.
• Французская богема была покорена музыкой Стравинского до такой степени, что популярный музыкальный критик Флоран Шмитт назвал принадлежащий ему загородный дом «Виллой Жар-птицы».
• В 1982 году партитура «Весны священной» была продана на аукционе швейцарскому меценату Паулю Захеру за $ 548 000. Эта сумма стала самой большой, которую давали за автограф какого-либо композитора. Захер был лично знаком со Стравинским и приложил все усилия, чтобы заполучить раритеты, имеющие отношение к великому современнику. Сегодня фонд Захера обладает архивом Стравинского, включающим в себя 166 ящиков его писем и 225 ящиков сохранившихся музыкальных автографов, их общая стоимость составляет $ 5 250 000.

• Авиалайнеру А-319 компании «Аэрофлот» присвоено имя Стравинского.
• Главным украшением живописной площади Стравинского в Париже является оригинальный фонтан, который тоже носит его имя.
• В Кларане можно пройтись по улице «Весны священной» - работу над этим балетом Стравинский закончил именно в этой швейцарской деревне 17 ноября 1912 года.

Биография Стравинского гласит, что свою первую любовь Екатерину Носенко Стравинский встретил, когда ему шел...10-й год. Но чувство взаимной симпатии и доверия, вспыхнувшее между двумя детьми в первые минуты знакомства, они пронесли через всю жизнь. Даже тот факт, что Екатерина приходилась Стравинскому кузиной, не помешал им соединить свои судьбы. В 1906 году они тайно обвенчались, поскольку брачные союзы между близкими родственниками, к которым относились двоюродные братья и сёстры, были запрещены. Екатерина с ранних лет страдала болезнью легких, что не помешало ей родить супругу четверых детей – Федора, Людмилу, Святослава и Милену. Чтобы поддержать слабое здоровье жены, Стравинский увозил семью на зиму в Швейцарию. В 1914 году они, следуя заведенной традиции, выехали в Европу, а вернуться не смогли - сначала помешала Первая мировая война, потом революция. Финансовое положение семьи оказалось плачевным, так как все имущество и сбережения Стравинских остались в России. Добрым гением композитора в этот непростой период жизни оказалась знаменитая Габриэль Шанель, которая пригласила Стравинских пожить на своей вилле. Связывало ли этих двух незаурядных людей нечто большее, чем узы дружбы, неизвестно, хотя догадок по этому поводу и в наши дни существует много. Но то, что Коко Шанель долгие годы поддерживала семью композитора, бесспорный факт.

В 1921 г. в жизни Стравинского произошла еще одна судьбоносная встреча. С актрисой Верой Судейкиной, красавицей и умницей, композитора познакомил Дягилев. Вера была замужем, но вскоре оставила мужа, чтоб посвятить себя Стравинскому. Несмотря на страстную любовь, которая их связала, музыкант не ушел из семьи. Такая двойная жизнь, мучительная для всех, включая детей, которые знали о существовании в жизни отца другой женщины, продолжалась около 20 лет. В 1939 году Екатерина умерла от чахотки, а в 1940 Стравинский женился на Вере и вместе с ней уехал в США. Жизнь доказала, что их любовь была не прихотью, а настоящим, глубоким чувством. Они прожили в браке пятьдесят лет. Вера ушла из жизни в 94 года, пережив своего знаменитого супруга на десять лет. Ее похоронили в Венеции рядом с мужем.

Творчество Стравинского

В творчестве Стравинского условно выделяют три периода. Начальный называют «русским», его временные рамки ограничиваются 1908 - началом 1920-х годов. Именно тогда увидели свет балеты «Жар-птица», «Петрушка» и «Весна священная», сделавшие Стравинского знаменитым. Все три объединяет использование в партитуре русского фольклора со всем его богатством и разнообразием. Еще одним ярким образцом «русского» стиля стал балет-кантата «Свадебка», в основу которого легли мотивы деревенских свадебных песен. К этому же периоду относятся байка-пантомима на скотном дворе «Ренард » (1916), идея которой была навеяна народными сказками, оперы «Соловей » (1916) и «История солдата » (1918).

В творчестве Стравинского начала 20-х годов прослеживается стремление обратиться к опыту предыдущих эпох, использование принципов неоклассицизма. Тематика его произведений расширяется за счет обращения к библейским сюжетам, античной мифологии. «Первой ласточкой», возвестившей о том, что стилистическая концепция творчества композитора претерпевает глубинные изменения, стал балет с пением «Пульчинелла » (1920), где Стравинский использует музыку композиторов барочной эпохи. Отдавая дань неоклассицизму, композитор создал целый ряд разноплановых по жанру, структуре, стилистике произведений - оперы «Мавра », «Царь Эдип », «Похождения повесы », балеты «Поцелуй феи », «Аполлон Мусагет », «Орфей », «Симфония псалмов » для хора и оркестра, мелодрама «Персефона ». Период неоклассицизма продлился в творческой жизни композитора около 30 лет.

В 1947 году в окружении Стравинского появляется начинающий дирижер Роберт Крафт. Композитор проникся доверием к молодому коллеге настолько, что доверял ему дирижировать на своих концертах и даже согласился на его предложение записывать их беседы о музыке и искусстве.

Тесное общение с Крафтом сподвигло Стравинского к экспериментам с серийной техникой. Ее приверженцами были венские композиторы-новаторы А. Шенберг и А. фон Веберн. Но Стравинский и в этом случае не изменил своему творческому кредо - музыка, при создании которой он руководствовался принципами серийной техники, все равно сохраняет неповторимую авторскую манеру. Яркими иллюстрациями использования серийной техники являются балет «Агон », библейская опера «Потоп», оратории на библейские темы «Проповедь, притча и молитва » и «Плач пророка Иеремии ».

Музыка Стравинского, используемая в кинематографе

Фрагменты из произведений	Фильмы
«Жар-птица»	«Хранители снов» (2012), «Ледяные замки» (2010), «Льюис» (2008), «Туннель Хайку» (2001)
«Весна священная»	«Магия лунного света» (2014), «Балерины» (2012), «Человек в Бате» (2010), «Последний танцор Мао» (2009), «Пропавший без вести» (2009), «Клуб неудачниц» (2001), «Воскрешая мертвецов» (1999), «Зимние каникулы» (1998)
Реквием	«Ганнибал» (2014)
Эбони-концерт	«Чико и Рита» (2010)
«Аполлон Мусагет»	«Круче не бывает» (2006)
Концерт для струнного оркестра ре мажор	«Мелинда и Мелинда» (2004)
«Агон»	«Очаровательная проказница» (1991)
«Похождения повесы»	«Монастырь» (1995)
«История солдата»	«Балкон» (1963)

Фильмы об Игоре Стравинском

• Стравинский в Голливуде. (Франция, Германия, 2014) Документальный, биографический.
• «Коко Шанель и Игорь Стравинский» (Франция, Япония, Швейцария, 2009) Худ.фильм. Реж. Ян Кунен. Фильм снят по мотивам романа К. Гринхолфа «Coco and Igor». Премьерная демонстрация фильма состоялась в 2009 году на закрытии 62-го кинофестиваля в Каннах.
• Гении и злодеи. Игорь Стравинский. Долгая дорога к себе (2012) Документальный.
• Игорь Стравинский: композитор. / Igor Stravinsky: Composer. (Германия, Швеция, 2001), музыкальный, биографический. Реж. Янош Дарваш. В фильме можно услышать рассуждения Стравинского о жизни и музыке, воспоминания о Нижинском и рассказ об истории рождения балета «Жар-птица».
• Игорь Стравинский: из цикла передач «Гении». К 125-летию И.Ф. Стравинского. 2007. Документальный. Реж. Андрей Кончаловский.
• Однажды на границе... (Once, at a Border...) Великобритания, 1982. Документальный. Реж. Тони Палмер. Фильм был снят к 100-летнему юбилею композитора.

Творческое наследие Стравинского насчитывает более 7,5 тысяч страниц нотных партитур. В них заключен тернистый, но яркий творческий путь крупнейшего композитора ХХ века, справедливо называвшего себя «человеком мира», отражены идеи поиска гармонии и смысла бытия, воплощены все мыслимые стили и веяния мировой музыкальной культуры – от классики до джаза. Его музыка, которую современники зачастую не понимали, ругали, освистывали, сегодня признана эталоном авангардного искусства.

Видео: смотреть фильм о Стравинском