Танцовщик, балетмейстер, педагог - Михаил Лавровский более четверти века был ведущим солистом главного театра страны, звездой первой величины. Критики писали о нём: «Лавровский умеет передавать на сцене страсть, неотступность, властность и глубину любовного чувства, мощь и благородство переживаний».
Во время юбилейного вечера мастер не только принимал многочисленные поздравления от учеников и коллег, но и сам преподнёс подарок публике - станцевал партию в балете собственного сочинения.
Как только Михаил Лавровский появляется за кулисами, его обступают артисты. Поздравления по скайпу со всего мира, фото на память - с живой легендой. По словам артистов, принять участие в вечере знаменитого танцовщика, хореографа и педагога - счастье и ответственность.
«Уникальность его в том, что он безоглядно любит жизнь, людей, творчество, - утверждает прима -балерина Большого театра Марианна Рыжкина. - У меня была возможность поработать ассистентом при постановке спектакля. И там я наблюдала, как артисты были заворожены тем, как маэстро Лавровский передавал хореографию, эмоцию и смысл происходящего».
Юбилейный вечер для отца режиссировал сын - Леонид Лавровский-Гарсия, тоже хореограф. Главная идея - разговор о настоящем и будущем, без оглядки в прошлое.
«Не хотелось делать панегирик живому человеку. Для дня рождения нужно что-то радостное. Это когда приходят, смотрят и желают 100 лет жизни и творческих успехов. А Лавровский, несмотря на 75 лет и протезы в суставах, еще на боевом коне и саблей всеми нами заправляет. А мы радостно ему в этом деле помогаем» , - отметил режиссер Леонид Лавровский-Гарсия.
Для вечера заново поставлены фрагменты из постановок Лавровского - «Фантазия на тему Казановы», «Русская балерина», «Нижинский» - в обновленном составе, в новых костюмах. Для премьера Большого Ивана Васильева - это первый опыт работы с Лавровским. Танцует Нижинского.
«В первую очередь, он настоящий мужчина. Настоящий мужик - и на сцене, и по жизни. И он очень эмоциональный человек, эмоциональный артист. А это оставляет печать на всю жизнь» , - уверен премьер Михайловского театра Иван Васильев.
Одна из интриг вечера - взгляд в будущее - фрагмент из готовящейся постановки оперы-балета «Амок» по философской новелле Стефана Цвейга. Режиссер - Леонид Лавровский-Гарсия, хореография - Михаила Лавровского.
«Может быть, мне удастся поставить как педагогу, но сам на сцену я уже, конечно, не выйду. Танцевать можно сколько угодно - смотреть нельзя, вот что», - поделился балетмейстер-репетитор Большого театра, народный артист СССР Михаил Лавровский.
И, несмотря на самоиронию, в финале вечера Михаил Лавровский все-таки вышелна сцену - в отрывке из балета «Нижинский» - в роли Сергея Дягилева.
Новости культуры
Леонид Лавровский -- это, прежде всего, "Ромео и Джульетта" - шедевр, сразу сделавший его великим. Он подарил миру образ Улановой-Джульетты и раскрыл миру Прокофьева в преломлении балетной музыки. Имя Леонида Михайловича Лавровского связано с руководством балетными труппами двух величайших театров мира: 6 лет он возглавлял балет Мариинки и в течение 20 лет был главным балетмейстером Большого театра.
"Впереди планеты" Большой балет встал при Лавровском, именно с его именем связан период поднятия "железного занавеса" и то, что открылось - потрясло мир.
Фильм о Лавровском - это попытка проникнуть в суть его личности, глубже познакомиться с его творчеством, а что-то, быть может, открыть впервые для себя.
Использованы хроникальные кадры и фотографии, относящиеся как к "московскому", так и к "ленинградскому" периодам творчества Леонида Лавровского.
В настоящее время - балетмейстер-репетитор Большого театра, профессор кафедры хореографии ГИТИСа, художественный руководитель Московской государственной академии хореографии. Поставил несколько балетов, фильмов-балетов и хореографических номеров в драматических спектаклях.
МС: Михаил Леонидович, вы счастливый человек. Знаете почему?
МС: Потому что у вас юбилей - 75 лет, а мы собираемся не вспоминать то, что было, а обсуждать ваши планы! Не каждый может похвастаться тем, что такой юбилей встречает активной жизненной позицией.
МЛ: Без этого нельзя! Если этого нет, вы погибли! Конечно, мы все стареем, это закон природы, закон Господа. Поколения проходят. Что значит «прошло поколение»? Прошли идеалы, вкусы, нравы. Это не значит, что мы лучше, это значит, что мы просто другие, так как много времени прошло. Вот посмотрите (я философствую, но объясню), к примеру, яблоня: весна, лето, осень, зима - зима всё закрывает, всё умирает, и яблоня, которая даёт яблоки, тоже проживает и умирает. Следующая весна - опять всё снова, но яблоки могут быть более горькими, более сладкими, лучше или хуже - как наши дети; это та же яблоня. Гены наши - это наши дети, просто чуть-чуть другие люди.
МС: Поводом для нашей встречи послужила ваша постановка « » в Неаполе. Но летом встретиться не получилось, и сейчас я очень рада, что у меня есть возможность не только поговорить о постановке, но и лично поздравить вас с юбилеем.
МЛ: Спасибо.
МС: И всё же давайте поговорим об этой постановке. Как она прошла под чутким присмотром итальянских профсоюзов?
МЛ: Постановка хорошо прошла. Очень надоедливый, жёсткий и, по-моему, очень неправильно работающий в Италии профсоюз. Да, он защищает людей, но так нельзя: я не могу взять актёра, которого я хочу именно тогда, когда он мне нужен, – надо предупредить заранее. А как я могу за неделю знать, кто мне будет нужен именно сегодня, всё же зависит от репетиционного процесса, от того, как у кого выходит та или иная сцена. А они говорят: «Нет, берите сейчас». Или вот ещё пример: моя помощница репетирует с солистами сцену, которая у них получается достаточно хорошо. Тогда репетитор хочет пройти и другую сцену с этими же солистами, но это запрещает профсоюз! И приходится несколько раз повторять то, что и так понятно, а времени на сложные вещи становится меньше. Вот такая глупость. Может быть, они по-своему правы. Но меня это не устраивает. Я привык работать, так как принято в России, скажем, как работал . Я беру то, что мне надо, тогда когда мне надо и того, кого вижу в данной партии, пусть он премьер или артист кордебалета. Нельзя требовать от постановщика того, чего нет в его планах. Или вот ещё: рабочий день у оркестра заканчивается в 22:00 - и всё. И их не интересует, что спектакль не закончен, что музыка ещё должна играть. Хорошо, Алексей Богорад сумел договориться, и утрясли этот вопрос, а то не знали, что делать. Там такие запреты, которые по творчеству очень сильно бьют. Хотя об итальянцах ничего плохого сказать не могу. Артисты прекрасно справились с задачами.
МС: В Неаполе ставили постановку Леонида Лавровского?
МЛ: Я делал Лавровского. Но понимаете, в чём дело: только Большой театр и Мариинский могут потянуть и поставить так, как было, один в один. А труппы поменьше - там актёры, в общем-то, другие по эмоциональной своей насыщенности. Но итальянцы справились. На Западе ведь все чуть засушены: поставлена правильно спина и техника замечательная, но та пластика, одухотворённость и та правда эмоций, смысл того, что они делают на сцене, отсутствуют очень часто. В балетах «модерн» - замечательно, в классике - я не видел. Ну, видел только у Натальи Макаровой, .
МС: Много пришлось порезать?
МЛ: Конечно! Мы там сделали практически два акта. Основные куски оставили, хотя многое пришлось убрать. Но, я вам скажу, что при всей гениальности всё-таки прошло с 1940 года больше 70 лет - и сам Лавровский вносил изменения, когда я с ним работал. Конечно, какие-то вещи надо менять, согласно новому времени, но нельзя терять стиль спектакля и смысл того, что хотел сделать хореограф, в данном случае - . А техника, конечно, может меняться: время-то идёт вперёд, и нельзя так косно стоять на месте. Если есть решение спектакля и человек не нарушает его (а для этого надо иметь вкус), то можно сделать.
МС: Интересную тему вы затронули. А как вы относитесь к реконструкции балетов?
МЛ: Вы знаете, в чём дело: реставрация, наверно, нужна, но надо иметь вкус - это грань таланта. Чтобы восстанавливать балеты, надо их чувствовать и уметь это делать. Это получалось у Леонида Лавровского, который сделал « ». Отреставрированный им спектакль считался лучшей постановкой в мире. Или « » - хорошо сделано , ничего сказать не могу, очень хорошо, замечательно. У него есть понимание. А когда оставляют то же самое, классическое решение, но почему-то меняют количество лебедей - это неправильно. Это всё равно, что у Большого театра сделать вместо восьми колонн одну в стиле модерн. Это глупость, это значит, что вкуса не хватает. Построй новый театр - и, пожалуйста, никто тебе не мешает. Вкус - это тоже талант. Вот Григорович это делать умеет. Он реставрировал «Спящую красавицу», у нас она называлась «Белая спящая» - она не прошла. Позже он всё переделал, и с Симоном Вирсаладзе у них получился блестящий спектакль.
Если речь идёт о старом балете, то там свои законы - они, может быть, чуть наивны, лишены реального логического мышления на сцене, но они своей наивностью (как дети, когда что-то говорят) покоряют вас. И если бы ребенок заговорил трезвым поставленным голосом, то это было бы совсем другое. Потому надо учитывать, что постановки столетней давности являются шедеврами классического, романтического балета, и делать из них философские произведения, типа трудов Канта, бессмысленно. Для этого существуют другие спектакли. Балет, которому сто лет или больше, надо отреставрировать, что-то убрать, что-то добавить, но сохранить дух того спектакля. И, конечно, уметь хорошо танцевать. Среди актёров есть плохая тенденция - упрощать. Та же «Жизель»: допустим, зачем же делать двойной кабриоль в вариации Альберта, если вы скажете, что раньше, когда ставили, делали только один. Вот это, на мой взгляд, неправильно. Техника-то развивается. А то, как в басне Эзопа «Лисица и виноград», выходит: не могла сорвать виноград и сказала, что он не вызрел. Так и артисты: надо уметь хорошо делать двойной кабриоль. Да, раньше был одинарный, а завтра кто-то сделает тройной - это только плюс будет.
Вот такой пример: я обожаю итальянский неореализм в кино - Джузеппе де Сантис, Роберто Росселлини, Федерико Феллини, конечно, Витторио де Сика; это то, что мы смотрели в 1950-х годах - блистательно! Но, конечно, сейчас темп фильмов другой, и смотреть те фильмы уже сложнее. Но вы никогда не скажете, что это набор кадров: это законченное высокохудожественное произведение, просто время прошло, сейчас другой ритм. То же самое и в нашем искусстве. Мы можем что-то поменять в балете, и это плюс - плюс сиюминутности воздействия энергетики актёра на зрительный зал и плюс в том, что можно, если есть вкус, «очистить» спектакль, сделать его смотрибельным для современников, но не потерять тот дух, который был заложен постановщиком, - пластика, отношения между персонажами, блистательно поставленные вариации. А танцевать, конечно, надо всегда лучше и лучше (технически я имею в виду).
МС: Очевидно, что техника сейчас другая, востребованная нашим временем. Но иногда при реставрации балета хореографы пытаются вернуть танцоров в стилистику исполнения, существовавшую во времена его создания…
МЛ: Не могу согласиться. У меня всегда это ассоциируется с хорошей иконой или с хорошей картиной: мы достали из земли икону или картину - и надо восторгаться! А как? Она вся в земле, я же не вижу лика… Умело очистить её, не испортить - это дело другое. Очистить умело и восстановить те краски - тогда ей будут восторгаться. То же самое у нас: нельзя сейчас, в XXI веке, воспринимать спектакль так, как было поставлено в начале XIX или в конце XVIII века. Кто-то, может, и восторгается. Но главное - чтобы не было скучно. И тут Юрий Николаевич Григорович прав в том, что больше пяти минут скучно на спектакле быть не должно, этого нельзя делать. Человеку нужен эмоциональный удар, эмоциональный шок. Потом можете разбирать дома, что было правильно, что неправильно… Если вы затронуты эмоционально, то это да! А от того, что всё правильно, можно и заснуть на спектакле. Смысл искусства - подсознательно воздействовать на зрителя, так его взволновать, чтобы у него возникли яркие эмоции; на сцене даже могут происходить отрицательные моменты, например трагедия, но эмоция должна сильно взволновать.
Понимаете, в чём дело: я люблю драматический театр, балетный, хореографический, оперный театр - это интересно. Техника должна быть сильная, мощная. Это как в опере - нельзя не взять ноту, которая написана в партитуре. Так и в балете - в танце взлёт должен быть обязательно. Духовный вместе с физическим, исполнение мощного движения, мужского, сильного, воздушного - это даёт эмоцию зрителю. И от этого поднимается настроение у людей: зритель не отдаёт себе отчета, но у него просыпаются силы: «Я человек, я тоже так могу!» А когда вы спокойны, красивы, в хорошем костюме, но ноль эмоций - это такой хорошо сработанный робот.
МС: Сцена у балкона только чего стоит…
МЛ: Сцена замечательная, только сейчас очень часто её неправильно танцуют. Смысл этой сцены, как когда-то говорили Лавровский и Жданов, в том, что артист не должен останавливаться. Весь смысл в волнении: ей 13 лет, ему - 17, и только в конце, когда взрыв вариации, они должны нестись. Как фреска Микеланджело «Страшный суд» в Сикстинской капелле: статично ни одна фигура не стоит, все фигуры в наклонном положении - летят, с них летят одежды, и сами фигуры, хотя они и мощные, все в полёте - вот так идет шестая картина балета. И в конце только, когда он перед ней встаёт на колено, идет успокоение, и опускается занавес - конец первого акта. Передать смысл - в этом трудность исполнения.
Зрители и поклонники балета знают Михаила Леонидовича Лавровского, как советского, народного артиста балета, лауреата многих национальных и международных премий, балетмейстера, хореографа, балетного педагога, актёра.
«Михаилом Лавровским в партии Спартака в обновленной постановке Большого театра, что показывали несколько недель назад в лондонском Ковент Гарден, было продемонстрировано очень сильный мужской танец, который меня впечатлил. Такого раньше я не видел никогда. Только самыми лучшими словами я могу написать про эту героическую хореографию: мощность, сильный дух, благородные переживания, красота движений. Такого танцевального мастерства я не видел, и, наверное, не увижу». Слова Клемента Криспа, популярного балетного критика из Америки.
Родился Михаил в конце октября 41 года прошлого столетия в столице Грузии, семья его работала всю жизнь в балете. Мать работала танцовщицей и была весьма популярна, а отец, был хореографом, который уже больше 15 лет являлся главным постановщиком театральных выступлений в Большом театре.
61 г. оканчивает обучение в столичном танцевальном училище, и его сразу приняли на практику в Большой театр, в балетную труппу. Он работал днями и ночами и оттачивал свой профессионализм под руководством известного хореографа и танцовщика Алексея Ермолаева.
В 79 г. Студент оканчивает обучение на балетмейстерском факультете в Государственном университете искусства театра. С 83 года Михаил работает художественным руководителем государственного академического театра оперы и балета Тбилиси. Через 5 лет он уходит оттуда и устраивается работать в Большой театр на должность постановщика спектаклей-репетитора. Он выучил Владислава Лантратова и других звезд современного балета. Как хореографом, артистом создавались несколько картин-балетов, в том числе он поставил «Мцырей», «Прометея - поэму огня», «Фантазёров» (где сам и исполнил главную роль).
Как балетмейстер Михаил работает в драмтеатре, поставил «Анну Каренину», «Последние дни последнего царя», «Евгения Онегина...» и «Маленького принца», где сочетается драматически, оперные и балетные элементы.
Михаил Лавровский. Фото Михаила Логвинова. Большой театр
В начале вечера худрук балета отметил не только большую роль Лавровского как лидера своего поколения, но и необыкновенное качество его танца, остающегося эталонным для современных танцовщиков. Блистательный Спартак, галантный Альберт, мечтательный Ромео – в этих и других главных партиях Михаил Лавровский и по сей день недосягаем в своем искусстве!
В программе танцевального юбилея зрители смогли увидеть разные хореографические постановки Михаила Лавровского и подлинное мастерство замечательных танцовщиков Большого, тех, с кем мэтр много работал и кому сумел передать свои партии. Таким образом, почти весь вечер на сцене демонстрировались лучшие силы мужского классического танца первого театра страны.
Так, главным исполнителем в одноактном балете «Фантазия на тему Казановы» на музыку выступил . Партия рокового соблазнителя женщин, изобилующая сложнейшими прыжковыми комбинациями и актёрскими сценами, необыкновенно подошла артисту. Цвирко действовал раскованно – и как внимательный партнер балерин, и как технически выразительный солист!
Казанова – Игорь Цвирко. Фото Михаила Логвинова. Большой театр
«Фантазия на тему Казановы» – действенный сюжетный балет, дающий возможность показать свои таланты не только ведущему танцовщику, но и солистам второго плана, чьи партии не менее привлекательны для публики. Так, в роли Арлекина – куртуазного слуги Казановы – хорошо показался координированный и артистичный Георгий Гусев. Со своими пластическими задачами виртуозно справились и исполнители партий Друзей Казановы – Василий Жидков, Антон Кондратов, Андрей Кошкин и Андрей Рыбаков.
Балет о жизни и приключениях Казановы Михаила Лавровского, когда-то, около двадцати лет назад, постоянно присутствовал в репертуаре Большого театра. Думается, что он и сегодня мог бы разнообразить его афишу, в которой не хватает таких изящных, жизненных, с ненавязчивым философским подтекстом танцевальных вещиц.
«Амок» – хореографический номер на музыку А. Симоненко (режиссёр-постановщик -Гарсиа, художник по костюмам Долорес Гарсиа Ордоньес), вдохновлённый одноимённой новеллой Стефана Цвейга. Его сложность заключается не в танцевальном тексте, а в том, насколько глубоко артисты способны погрузиться в атмосферу этого впечатляющего любовного произведения. И, надо сказать, исполнителям «Амока» – Артуру Мкртчяну и Аните Пудиковой – это удалось! Они с особым настроем и эмоциональной отдачей включились в цвейговскую тему.
“Амок”. Доктор – Артур Мкртчан. Фото Павла Рычкова. Большой театр
Необыкновенное, магнетическое воздействие оказал на зрителей дуэт из « » в исполнении Марианны Рыжкиной и Михаила Лобухина. Вот где по-настоящему проявился известный на весь мир стиль Большого балета! Не менее ярко, с необходимым темпераментом и на высоком техническом уровне солировали в гран-па из « » Екатерина Крысанова и .
Дуэт из балета “Спартак”. Марианна Рыжкина и Михаил Лобухин. Фото Павла Рычкова. Большой театр
Номер «Русская балерина» (музыка К. Дженкинс, А. Гуэрра, Ж. Луисьер, режиссёр-постановщик Леонид Лавровский-Гарсиа, художник по костюмам Долорес Гарсиа Ордоньес), при наличии сюжетной линии, связанной с судьбой одинокой и, возможно, всеми забытой балерины, привлёк не историей с определённой коллизией, а как раз танцевальностью, демонстрацией технических, трюковых способностей артистов. Здесь балерина (Она – Виктория Литвинова), сидящая в баре, наблюдает за танцевальным флиртом Юноши (Алан Кокаев) с тремя кокетливыми девушками (Дарья Ловцова, Кристина Лосева, Анита Пудикова). Парень настолько виртуозен, что способен покорить любую, даже самую неприступную особу женского пола. Объектом его ухаживаний становится и балерина…
“Русская балерина”. Она – Виктория Литвинова, Юноша – Алан Кокаев. Фото Павла Рычкова. Большой театр
Завершил программу вечера одноактный балет «Нижинский» на музыку с в титульной партии. Этот спектакль, уже имеющий немалую историю существования на сцене, как будто создан под индивидуальность Васильева – масштабного, «полётного» танцовщика, современного бога танца. Артист сумел создать убедительный образ легендарного артиста дягилевских сезонов, буквально раздираемого на части любящими его (Михаил Лавровский) и Ромолой (Мария Виноградова).
“Нижинский”. Дягилев – Михаил Лавровский. Фото Михаила Логвинова. Большой театр
Балет на троих (Нижинский, Дягилев, Ромола), а именно таким и является «Нижинский», – произведение биографическое, сфокусированное на личной драме великого артиста, оказавшегося заложником своего таланта. Вырвавшись из рук всесильного импресарио и женившись на Ромоле, он так и не смог подняться на прежний пьедестал успеха. Эмоциональная, подвижная психика и личные переживания Нижинского вовлекли его в ситуацию болезненного надлома. Это состояние Васильеву и удалось передать. Судьба артиста, вероятно, затронула его за живое. Перенеся образ Нижинского на себя, Иван Васильев заставил зрителей реально сопереживать сложной судьбе одного из самых знаменитых танцовщиков прошлого столетия.
Нижинский – Иван Васильев. Фото Павла Рычкова. Большой театр
Символом балета, его главной фигурой, несомненно, является балерина. Однако ХХ век, особенно его вторая половина, показал, что место танцовщика на сцене не менее значимо, чем балерины. Одним из тех, кто это убедительно доказал, был , поднявший планку мужского классического танца на небывалую высоту! Сегодняшнее поколение танцовщиков Большого театра с успехом продолжает развивать традиции, заложенные Лавровским, что ярко и продемонстрировал Юбилейный вечер в честь именитого артиста.
Гран па из балета “Дон Кихот”. Солисты Екатерина Крысанова и Владислав Лантратов. Фото Павла Рычкова. Большой театр
Все права защищены. Копирование запрещено
Артисты миманса и педагог-репетитор Ирина Анатольевна Лазарева. Последние приготовления.
Премьера балета Михаила Лавровского "Фантазия на тему Казановы" на музыку В.А. Моцарта состоялась 14 июля 1993 года. Первым исполнителем партии Казановы был Народный артист Росийской Федерации Александр Ветров. Именно с ним репетировал эту партию нынешний исполнитель главной роли Игорь Цвирко.
"Это моя фантазия на тему Казановы. Или фантазия на тему любви Казановы. А главный смысл балета - карнавал жизни, карнавал людей…
Личность Казановы заинтересовала меня давно. Я буквально взахлеб прочел его "Мемуары". Передо мной открылась трагедия человека яркого, разносторонне одаренного, но так до конца и не реализовавшего свои способности.
В своем балете я хотел воплотить тему любви Казановы, и на его любовные похождения у меня свой взгляд, в какой-то степени окрашенный впечатлениями от фильма Федерико Феллини" - так говорил о своем Казанове Михаил Леонидович.
Дама сердца - Виктория Литвинова, Казанова - Игорь Цвирко.
Михаил Леонидович внимательно смотрел спектакль из-за кулис.
"Музыка балета представляет собой коллаж из произведений Моцарта, сделанный Владимиром Богорадом. Моцарт и Казанова не просто были современниками, их жизненные пути пересекались, поэтому импульс для создания либретто мне дал не только мой непосредственный герой, но и Моцарт".
Царица бала - Мария Жаркова
В четырех сценах балета проходят четыре эпизода жизни Казановы от рождения до смерти, объединенные поиском любви. Всю жизнь Казанову сопровождают четыре спутника - персонажи венецианского карнавала, в том числе Арлекин, один из персонажей комедии дель арте. Казанова в своей жизни - тоже Арлекин, только в отличие от канонического Арлекина у него чуткая, легко ранимая душа.
В роли Арлекина - Георгий Гусев.
Казанова ищет свой любовный идеал на карнавале, во дворце, женщины обманывают его, он разочаровывается и сам обманывает женщин. В карнавале жизни совмещаются венецианский народный карнавал и дворцовый карнавал людей, за масками скрывающими свое истинное лицо…
Дамы на балу - Анна Проскурнина, Евгения Саварская
Сцена из балета.
Финал балета.
Хореограф-постановщик - Михаил Лавровский
Бурные овации и долгие поклоны.
Во втором отделении были представлены концертные номера и балет "Нижинский".
Амок. Дуэт из одноименной оперы-балета, хореография Михаила Лавровского.
"Мы хотим сделать спектакль по Цвейгу командой единомышленников, в которой есть люди разных возрастов. В первую очередь, это известный артист балета и хореограф Михаил Лавровский, с которым я давно знаком - рассказал композитор Александр Симоненко. - Он предложил мне сделать некую историю, номер, поработать с моей музыкой. Его сын, театральный режиссер Леонид Лавровский-Гарсиа, посоветовал мне обратить внимание на новеллу Стефана Цвейга "Амок". Я прочел, и она меня сразу захватила".
Доктор – Артур Мкртчян, Она – Анита Пудикова
АДАЖИО Фригии и Спартака из балета «СПАРТАК», ореография Юрия Григоровича
Фригия - Марианна Рыжкина, Спартак - Михаил Лобухин
"Русская балерина", хореография Михаила Лавровского
Девушки в баре - Дарья Ловцова, Кристина Лосева, Анита Пудикова
Она - Виктория Литвинова, Юноша - Алан Кокаев
"Михаил Леонидович - один из первооткрывателей мужского классического танца в мире" - эти слова принадлежат солисту балета Большого театра Владиславу Лантратову. Его танец всегда с большим чувством, с яркими эмоциями. Иначе, он считает, нет смысла выходить на сцену. Вот это он старался передать мне. Хочется пожелать Учителю здоровья, чтобы он не утрачивал веры в жизнь, чтобы радовал нас своим присутствием. Нам так важны и дороги его советы".
Па-де-де из балета "Дон Кихот"- Китри - Екатерина Крысанова, Базиль - Владислав Лантратов
Заключительной, яркой точкой вечера стал одноактный балет "Нижинский" в постановке Михаила Лавровского. Премьера этого балета на музыку С. Рахманинова состоялась в 2001 году.
Нижинский - Иван Васильев
