Современное искусство сложно судить или оценивать, так как оно изначально выводит себя за рамки такой возможности. Хорошо, что есть Алексей Лифанов
, который пусть и не японовед, но в исскустве разбирается лучше меня. Кто, если не Алексей, помог бы мне понять увиденное?
Да, японцы - народ странный. Впечатления от выставки на Гоголевском бульваре .
Экспонаты на выставке "Двойная перспектива" можно условно разделить на три части (по затронутой авторами тематике). Первая посвящена человеку и государству, роли идеологии в частной жизни, диктату социума над личностью. Вторая тема смежна: человек и его влияние на природу (при этом даже в рамках одной выставки разные художники выражали диаметрально противополодные взгляды). Третья тема сугубо японская и посвящена идеологии "лоли" и прочим эфебофильским штукам, которые процветают в японском обществе.
1. Произведения Кэндзи Янобэ замешаны на постапокалиптической эстетике, при этом, надо заметить, что без всякого "сталкеризма". Его творчество очень наивно на уровне метода. "Дитя солнца" - масштабная и трогательная скульптура. Каким должен быть человек, чтобы противостоять техногенному миру - смелым, решительным или непосредственным и наивным?
3. Продолжение темы в ещё более утрированно наивной стилистике.
4. Мотохико Одани рассуждает о половом созревании, сексуальности и её психологии. Напротив этой скульптуры куда более выразительная видеоинсталляция, но её нужно видеть воочию.
5. Макото Айда тему развивает. Дерево бонсай с девичьими головами - гиперболизированный символ извращённой любви. Символика прозрачна и вряд ли нуждается в пояснении.
6. Другое его произведение "Воспитанницы школы харакири". Графически - просто потрясающее.
7. Продолжение "детской" темы у Ёсимото Наро. Детские лица и недетские эмоции.
8. Такахиро Ивасаки создал из всякого мусора очень условную диараму некого города. Эстетика города, который на самом деле помойка - идея не новая, но интересно реализованная.
10. Картины Таданори Ёкоо - коллаж из аллюзий, цитат и архетипов. При этом колористика просто потрясает.
11. Яёи Кусама обратился к экзистенциальной эстетике бытия и небытия, создав команту, где пространство разламывается и распадается.
12. Ясумаса Моримура сделал пародию на пародию. Он изображает вовсе не Адольфа Гитлера, как может показаться, а Аденоида Гинкеля - персонажа из фильма Чаплина "Великий диктатор". Остальные его произведения посвящены уже непосредственным правителям и диктаторам, а суть ясна - угроза тотальной идеологии.
13. Зрителей немного, но те, что есть, очень воодушевлённо обсуждают увиденное. В целом складывается впечатление, что посетителям происходящее очень нравится.
14. Это голова Джорджа Буша. Джордж Буш поёт гимн США. Идея проста для понимкания - о вторжении идеологии и государства даже в личное пространство человека.
15. Крысы-покемоны. Моя любимая часть.
16. Часть выставки - фотографии. Местами интересно, местами - слишком интимно для понимания.
18. Фотографии Тосио Сибаты. Тут идея гармоничного сосуществования человека и природы решена в форме фотографий, по эстетике куда более близких абстракии, нежели реализму - настолько выверенная геометрия и композиция.
19. Один из приветов Ленину.
В любом случае выставки созданы, чтобы их посещать вживую, а не смотреть фотоотчёты в блогах. Многие произведения совершенно невозможно оценить в статике и в размерах экранного фото. Поэтому лучше сходить на выставку "Двойная перспектива" самому.
Партнер проекта, компания Sony, проводит конкурс и разыгрывает ноутбук и другие призы! Если пойдете на выставку, обязательно сфотографируйте экспонаты и напишите свои краткие впечатления. Чтобы принять участие в конкурсе, поделитесь
С 16 ноября 2013 года в Эрмитаже открыта выставка "Моно-но аварэ. Очарование вещей. Современное искусство Японии". Экспозиция, размещенная в здании Восточного крыла Главного Штаба, подготовлена Государственным Эрмитажем при поддержке Посольства Японии в России, представляет инсталляции, скульптуру, видео-арт, фотографии, созданные за последние несколько лет японскими художниками и призванные заполнить новую страницу в многовековой истории искусства Страны восходящего солнца. Их имена, известные на родине, пока практически не знакомы российской и европейской публике: Канэудзи Тэппэй, Кэнго Кито, Кувакубо Рёта, Масая Тиба, Мотои Ямамото, Ониси Ясуаки, Риэко Сига, Суда Ёсихиро, Синисиро Кано, Хироаки Морита, Хираки Сава и другие.
Существующий с Х века термин "моно-но аварэ" может быть переведен как "очарование вещи" или "восторг от вещи", и связан с буддийским представлением об эфемерности и тщетности бытия. Окружающие человека материальные и духовные предметы таят в себе неповторимое, только одному ему свойственное мимолетное очарование (аварэ). Человек же - и прежде всего художник - должен обладать отзывчивым сердцем, чтобы найти и ощутить это очарование, внутренне откликнуться на него. Современные художники тонко чувствуют материалы, в которых светится внутренняя простота смыслов. Намеренно ограничивая себя определенными темами и мотивами, они на новом витке используют древние японские художественные приемы.
В Японии, как и в России, современное искусство - явление, привнесенное извне, с Запада, не всегда понятное и вызывающее отторжение. Обе культуры восприняли англо-американский термин contemporary art как символ новомодных культурных заимствований. В Японии 1970-х, как и в России 1990-х, художники чувствовали себя аутсайдерами. Они уезжали работать на Запад, но все же в Японии 1970-х слова "contemporary art" звучали позитивно, позволяя молодому поколению забыть определение "послевоенное искусство", связанное с трагедией и упадком.
Подлинный расцвет современного искусства в западном понимании наступил лишь к концу 1980-х годов, когда не только в Гиндзе, но и в других районах Токио открылись галереи. В 1989 году в Хиросиме был создан первый музей современного искусства, и вскоре, в 1990-х годах, последовали открытия токийских музеев. С этого времени началось постепенное признание феномена современного искусства на национальном уровне и его вхождение в культурную повседневность. Следующим шагом стало проведение национальных биеннале и триеннале.
В эпоху тотального господства медиатехнологий японские художники концентрируют свое внимание на родных материалах, на их осязании, на вслушивании в них. Большой интерес на выставке вызывают инсталляции, среди которых работа Рёты Кувакубо (р. 1971), простая в устройстве, но сложная в действии, где главную роль играет тень. Художник обрисовывает предметы и создает удивительный подвижный калейдоскоп. Канэудзи Тэппэй (р. 1978) представляет неожиданные конструкции из повседневных бытовых материалов. Собранные им предметы, имеющие разные цвет и предназначение, складываются в причудливые формы, которые оборачиваются то модернистскими скульптурами, то заснеженными пейзажами с японских картин на шелке.
"Материальные подборы" в видеоработах и в жанре "найденный предмет" делает Хироаки Морита (р. 1973), а в живописи - Синисиро Кано (р. 1982) и Масая Тиба (р. 1980). Потенциал составленных художниками весьма прозаических "материальных подборов" восходит к одухотворению всего и вся, традиционному для буддизма с его идеей о том, что в каждом существе и в каждом предмете- от человека и до крошечной былинки - заложена природа Будды. Есть в них и внимание к внутренней сути вещей, воспринимаемых как красота и очарование.
Инсталляция Кэнго Кито (р. 1977), составленная из обручей, одновременно похожа и на скульптуру, и на большую картину с разъединенными плоскостями, элементарными цветами и перспективой. Пространство в ней на глазах превращается в плоскости, что делает возможным бесконечное копирование всех этих знаков и символов искусства, утративших привязку к реальности.
Несколько иначе работают с пространством Ясуаки Ониси (р. 1979) и Мотои Ямамото (р. 1966) в своих инсталляциях. Словно объединяя все эти различные подходы с подкупающей простотой, Ёсихиро Суда (р. 1969) инициирует минимальное вторжение в экспозиционное пространство, незаметного размещая в нем деревянные растения, похожие на настоящие.
Выставка "Моно-но аварэ. Очарование вещей. Современное искусство Японии" подготовлена Отделом современного искусства в рамках проекта "Эрмитаж 20/21". По словам М. Б. Пиотровского, генерального директора Государственного Эрмитажа: "Задачи проекта состоят в том, чтобы собирать, выставлять, изучать искусство XX-XXI веков. "Эрмитаж 20/21" адресован тем, кто хочет идти в ногу со временем - любителям и профессионалам, искушенным знатокам и самым юным зрителям".
Кураторы выставки - Дмитрий Юрьевич Озерков, заведующий Отделом современного искусства Государственного Эрмитажа, кандидат философских наук и Екатерина Владимировна Лопаткина, заместитель заведующего Отделом современного искусства. Научный консультант выставки - Анна Васильевна Савельева, научный сотрудник Отдела Востока Государственного Эрмитажа. К выставке подготовлена иллюстрированная брошюра, автор текста - Д.Ю. Озерков.
Японское искусство занимает важное место в коллекции Государственного Эрмитажа и насчитывает около 10000 произведений: в музее хранится 1500 листов цветной ксилографии, среди которых работы знаменитых мастеров японской гравюры середины XVIII-XX века; собрание фарфора и керамики (более 2000 экспонатов); лаки XVI-XX веков; образцы тканей и костюма. Наиболее ценной частью собрания японского искусства Эрмитажа является коллекция нэцкэ - миниатюрной скульптуры XVII-XIX веков, насчитывающая более 1000 работ.
Такаси Мураками - один из самых ярких представителей современного психоделического поп-арта. Работы Мураками поражают своей жизнерадостностью, яркостью и детской непосредственностью. Художник активен в социальных сетях, он общается с поклонниками, постоянно публикует фотографии в Instagram .
Такаси Мураками умудряется даже сочетать в себе талант художника, скульптора, дизайнера и бизнесмена. Он сам курирует свои выставки, изучает рынок и его механизмы, сотрудничает с модными брендами. У Мураками есть своя студия Kaikai Kiki, где он работает над мультфильмами.
Такаси Мураками родился в 1962 году в Токио. Здесь же он получил докторскую степень в Токийском национальном университете изящных искусств и музыки, где изучал традиционную японскую живопись девятнадцатого века, известную как Nihonga. Популярность аниме направила интерес Мураками к анимации, он говорил, что «это представляет современную жизнь Японии». На творчество Мураками также повлияла американская поп-культура - анимация, комиксы, мода. Свои работы художник всегда называет таинственно, странно и порой труднопереводимо.
«Кто боится красного, желтого, синего и смерти», 2010, галерея Гагосяна.
«Оммаж Mono Pink, 1960 G», 2013, галерея Перротена.
В 2000 году Мураками курировал выставку Superflat, посвященную влиянию индустрии развлечений на современную эстетику и восприятие современного искусства. В своих работах Мураками балансирует между Востоком и Западом и играет с противоположностями. В 2007 году состоялась ретроспективная выставка «© Murakami», которая была показана в Музее современного искусства Лос-Анджелеса, Бруклинском музее в Нью-Йорке, Museum fur Moderne Kunst во Франкфурте, музее Гуггенхайма в Бильбао. В 2010 году работы художника выставлялись в Версальском дворце во Франции.
«Тан Тан Бо - общается», 2014, галерея Гагосяна.
«И тогда, когда все кончено… Я сменил то, чем я был вчера, будто насекомое ползает по коже», 2009.
«Плач новорожденной Вселенной», 2014, галерея Гагосяна.
Не смотря на то, что Японию во всем мире принято считать страной восходящих технологий, современное актуальное искусство не спешит разрывать связи с традицией. В Главном штабе Эрмитажа открылась выставка «Моно-но аварэ. Очарование вещей» грустное повествование о положении человека в пластмассовый век.
Моно-но аварэ - эстетический принцип характерный для японской культуры, который дал название выставке, означает печальное очарование вещей, чувство завороженности явной и неявной красотой вещей и явлений, с обязательным оттенком беспричинной грусти вызванной чувством иллюзорности и бренности всего видимого. Он неотъемлемо связан с традиционной японской религией синтоизмом. Синтоисты верят, что все вещи наделены духовной сущностью «ками». Она существует в любом объекте: и в дереве, и в камне. «Ками» бессмертны и включены в круговорот жизни и смерти, через которые все в мире постоянно обновляется.
И хотя современное искусство говорит на языке интернациональном, на японское современное искусство, представленное на этой выставке, лучше взглянуть под углом зрения их традиций.
Вводная инсталляция художника Хираки Сава заняла целую комнату, и представляет собой театр теней, где актеры домашняя утварь. Она построена по принципу детской железной дороги. Паровозик с фонариком проезжает по созданному художником ландшафту, луч света рождает из микро мира вещей - макро мир. И вот это уже березовая роща, а не вертикально стоящие карандаши; а это ЛЭП в полях, а не подвешенные прищепки; а перевернутый пластмассовый тазик с ручками - это туннель. Работа называется «Внутри», она была показана на Венецианской биеннале ранее.
Живопись Синисиро Кано можно назвать примитивным сюрреализмом. На натюрморте Кано в одной тарелке оказывается баскетбольный мяч, планета Земля и фрукты.
На картине нет самой картины, а лишь написанная маслом рама. На одном полотне фигурка божества в красном кимоно сочетается с повешенным на крючок красным полотенцем на другом. Не об иллюзорности ли мира эта живописная серия? Или, может, о том, что у каждой вещи есть «ками».
На картине Масая Тиба на фоне прекрасных джунглей две фигуры: ветшающие из белой материи атропоморфные существа едва напоминающие мужчину и женщину. Они закреплены на палках как восточные театральные куклы. Материя бренна, это лишь оболочка - словно хочет сказать нам автор. Другая его живописная работа «Спящий человек» об этом же. Человека на картине нет, есть только горстка вещей на тахте: старые фотографии и открытки, выращенные кактусы, перчатки, любимые кассеты, банка со специями и набор инструментов.
Художник Тэппэй Кануэдзи по такому же принципу «лепит» (built-up object) своего человека: бытовой мусор он склеивает в виде антропоморфного существа и покрывает белой краской.
На полу солью выложена огромная мандола, это традиционный для Японии храмовый ритуал, по-видимому, пришедший из буддизма. Дух захватывает от такой ювелирной работы не то лабиринта, не то карты загадочной земли и как хорошо, что в музее нет ветра. Эта инсталляция уникальна, художник делал ее несколько дней в стенах музея. Еще есть интересная японская традиция: перед поединком борцы сумо посыпают землю солью.
Инсталляция Хироаки Морита «Из «Эвиан» в «Вольвик»» открывает довольно интересную тему современную для Японии - переработка пластмассы. На стеклянной полке лежит бутылка с водой «Эвиан» тень от нее точно попадает в горлышко другой бутылки стоящей на полу фирмы «Вольвик». Создается иллюзия, что вода переливается из бутылки в бутылку. Абсурд на первый взгляд. Для японца эта концептуальная работа не только символизирует круговорот «ками», то есть духовной сущности, но и в прямом смысле принцип recycle - переработки вторсырья. Как островное государство Япония одна из первых научилась собирать, сортировать и перерабатывать пластмассовый мусор. Из получившегося материала повторно производятся не только новые бутылки и кроссовки, а даже создаются искусственные острова.
Инсталляция Тэппэй Кунэудзи на первый взгляд напоминает мусорную сортировочную станцию. Здесь разложены в разной последовательности пластмассовые предметы: совки, формочки, разные игрушки, вешалки, цветные зубные щетки, шланги, очки и другие. Присыпанные белым порошком, кажется, что они лежать здесь вечность. Когда ходишь среди этих знакомых предметов, но теперь не используемых, созерцая их уже отстраненно, складывается ощущение сродни медитации в саду камней. В своих фото коллажах Тэппэй Кунэудзи «мысленно» выстраивает из строительного мусора башенки. Но это не такие кинетические цепочки как у художественного дуэта Фишли и Вайса, а как буддистское священное строение, в котором камень держится на камне без скрепляющего материала.
Художник Суда Ёсихиро между стекол в окне музея с видом на Мойку поместил искусно сделанную деревянную розовую розу с одним опавшим лепестком. Глядя на эту очень тонкую и поэтичную интервенцию в музей, хочется начать говорить японскими стихами в жанре хокку, типа: «Зима. Даже роза в музее цветет навсегда».
Другая не менее поэтичная работа «Противоположность объема» Ониси Ясуаки отсылает к творчеству живописца средневековья и дзэнского монаха Тоё Сессю. Этот японский классик славится тем, что перенес в страну восходящего солнца китайский рисунок монохромной тушью.
Инсталляция Ясуаки представляет собой серый полиэтиленовый объемный силуэт горы, со спадающими на нее с потолка струями (словно дождевыми) застывшего жидкого пластика. Поговаривают, чтобы сделать «пустую» гору под ливнем, словно с монохромной картины Тоё Сессю, художнику пришлось построить гору из коробок, накрыть ее тонким полиэтиленом, а затем с потолка капать раскаленной пластмассой.
Напоследок, инсталляция Кэнго Кито: свисающие вниз гирлянды из цветных пластмассовых спортивных обручей, как будто «японский привет», привезенный в Россию к Олимпийским играм. Любопытно, что на выставке «Очарование вещей» пластик используется как материал, с помощью которого японские художники касаются не только экологических, но и духовных вопросов.
Современная японская художественная сцена кажется полностью глобализированной. Художники курсируют между Токио и Нью-Йорком, почти все получали европейское или американское образование, о своих работах говорят на интернациональном арт-английском. Однако картина эта далека от полноты.
Национальные формы и тренды оказываются одним из наиболее востребованных товаров, которые Япония может предложить мировому рынку художественных идей и произведений.
Плоскостная операция. Как течение superflat сочетает американскую гик-культуру и традиционную японскую живопись
Такаси Мураками. «Тан Тан Бо»Если в западном мире почти для всех (кроме, может быть, самых ярых теоретиков постмодерна) граница между высокой и массовой культурой до сих пор остается релевантной, хоть и проблематичной, то в Японии эти миры тотально смешаны.
Примером тому служит Такаси Мураками, который успешно совмещает выставки в лучших галереях мира и потоковое производство.
Запись экскурсии по выставке Мураками «Будет ласковый дождь»
Впрочем, отношения Мураками с массовой культурой - а для Японии это в первую очередь культура фанатов манги и аниме (отаку) - устроены сложнее. Философ Хироки Адзума критикует понимание отаку как аутентичного японского явления. Отаку считают себя связанные напрямую с традициями периода Эдо XVII–XIX веков - эпохой изоляционизма и отказа от модернизации. Адзума же утверждает, что движение отаку - завязанное на манге, анимации, графических романах, компьютерных играх - могло возникнуть только в контексте послевоенной американской оккупации как результат импорта американской культуры. Искусство Мураками и его последователей заново изобретает отаку методами поп-арта и развенчивает националистический миф об аутентичности этой традиции. Оно представляет собой «ре-американизацию японизированной американской культуры».
С искусствоведческой точки зрения superflat ближе всего к ранней японской живописи укиё-э. Самое известное произведение в этой традиции - гравюра «Большая волна в Канагаве» Кацусики Хокусая (1823–1831).
Для западного модернизма открытие японской живописи было прорывом. Оно позволило увидеть картину как плоскость и стремится не преодолеть эту ее особенность, а работать с ней.
Кацусики Хокусай. «Большая волна в Канагаве»
Пионеры перформанса. Что значит японское искусство 1950-х сегодня
Документация творческого процесса Акиры Канаямы и Кадзуо Сираги
Superflat оформилось только в нулевые. Но значимые для мирового искусства художественные акции начались в Японии гораздо раньше - и даже раньше, чем на Западе.
Перформативный поворот в искусстве произошел на рубеже 60-х и 70-х годов прошлого века. В Японии же перформанс появился в еще пятидесятые.
Группа Gutai впервые перенесла внимание с создания самодостаточных объектов на процесс их производства. Отсюда - один шаг до отказа от арт-объекта в пользу эфемерного события.
Хотя отдельные художники из Gutai (а всего их за двадцать лет набралось 59) активно существовали в международном контексте, осмысление как их коллективной деятельности японского послевоенного искусства вообще началось на Западе совсем недавно. Бум пришелся на 2013 год: несколько выставок в небольших галереях Нью-Йорка и Лос-Анджелеса, «Токио 1955–1970: новый авангард» в МoМА и масштабная историческая ретроспектива “Gutai: Splendid Playground” в Музее Гуггенхайма. Московский импорт японского искусства кажется почти не запоздавшим продолжением этой тенденции.
Садамаса Мотонага. Work (Water) в Музее Гуггенхайма
Поражает, насколько современно смотрятся эти ретроспективные выставки. Вот, например, центральный объект экспозиции в Музее Гуггенхайма - реконструкция Work (Water) Садамасы Мотонаги, в которой уровни музейной ротонды соединены полиэтиленовыми трубками с цветной водой. Они напоминают мазки кистью, которые были оторваны от холста, и служат примером центрального для Gutai фокуса на «конкретности» (так переводится с японского название группы), материальности объектов, с которыми работает художник.
Многие участники Gutai получили образование, связанное с классической живописью нихонга, многие биографически привязаны к религиозному контексту дзен-буддизма, к характерной для него японской каллиграфии. Все они находили новый, процессуальный или партиципаторный (связанный с участием зрителей. - Прим. ред.), подход к древним традициям. Кадзуо Сирага записывал на видео, как ногами рисует свои предвосхитившие Раушенберга монохромы, и даже создавал картины публично.
Минору Йошида превращал цветы с японских гравюр в психоделические объекты - примером тому может быть Bisexual Flower, одна из первых кинетических (движущихся) скульптур в мире.
Кураторы выставки в Музее Гуггенхайма рассказывают о политическом значении этих работ:
«Gutai продемонстрировали важность свободных индивидуальных действий, разрушения зрительских ожиданий и даже глупости как способов противостоять общественной пассивности и конформизму, которые за несколько десятков лет позволили милитаристскому правительству обрести критическую массу влиятельности, вторгнуться в Китай и затем присоединиться ко Второй мировой войне».
Хорошие и мудрые. Зачем в 1960-е художники уезжали из Японии в Америку
Gutai был исключением из правил в послевоенной Японии. Авангардные группировки оставались маргинальными, арт-мир был строго иерархичен. Основным путем к признанию было участие в конкурсах, которые проводили признанные объединения художников-классиков. Поэтому многие предпочитали уехать на Запад и встроиться в англоязычную арт-систему.
Особенно тяжело приходилось женщинам. Даже в прогрессивном Gutai доля их присутствия не доходила и до пятой части. Что уж говорить про традиционные институты, для доступа в которые необходимо было специальное образование. К шестидесятым девушки уже приобрели право на него, однако обучение искусству (если речь не шла о декоративном, которое входило в комплект навыков ryosai kenbo - хорошей жены и мудрой матери) было социально не одобряемым занятием.
Йоко Оно. Cut Piece
Сюжет об эмиграции пяти мощных японских художниц из Токио в Штаты стал темой исследования Мидори Йошимото “Into Performance: Japanese Women Artists in New York”. Яёи Кусама, Такако Саито, Миэко Сиоми и Сигеко Кубота на старте карьеры приняли решение уехать в Нью-Йорк и работали там, в том числе и над модернизацией традиций японского искусства. Только Йоко Оно выросла в США - но и она сознательно отказалась от возвращения в Японию, разочаровавшись в художественной иерархии Токио во время короткого пребывания в 1962–1964 годах.
Оно стала самой известной из этих пяти - не только как жена Джона Леннона, но и как авторка протофеминистских перформансов, посвященных объективации женского тела. Очевидны параллели между Cut Piece Оно, в котором зрители могли отрезать куски одежды художницы, и «Ритмом 0» «бабушки перформанса» Марины Абрамович.
На коротких ногах. Как пройти авторский актерский тренинг Тадаси Судзуки
В случае с Оно и Gutai международно значимыми стали методы и тематика их работы, отделенные от авторов. Есть и иные формы экспорта - когда работы художника с интересом воспринимаются на международной арене, но заимствования собственно метода не происходит из-за его специфичности. Самый яркий случай - система актерского тренинга Тадаси Судзуки.
Театр Судзуки любят даже в России - и это неудивительно. Последний раз он был у нас в 2016 году со спектаклем «Троянки» по текстам Еврипида, а в нулевые несколько раз приезжал с постановками Шекспира и Чехова. Судзуки переносил действие пьес в актуальный японский контекст и предлагал неочевидные интерпретации текстов: обнаруживал в «Иванове» антисемитизм и сравнивал его с пренебрежительным отношением японцев к китайцам, переносил действие «Короля Лира» в японский сумасшедший дом.
Судзуки выстраивал свою систему в оппозиции к российской театральной школе. В конце XIX века, в так называемый период мейдзи, модернизирующаяся имперская Япония переживала подъем оппозиционных движений. Результатом стала масштабная вестернизация до того предельно закрытой культуры. Среди импортированных форм была и система Станиславского, которая до сих пор остается в Японии (да и в России) одним из магистральных режиссерских методов.
Упражнения Судзуки
В шестидесятые, когда Судзуки начинал свою карьеру, все больше распространялся тезис о том, что из-за своих телесных особенностей японские актеры не могут вжиться в роли из западных текстов, которыми заполнился тогдашний репертуар. Молодому режиссеру удалось предложить самую убедительную альтернативу.
Система упражнений Судзуки, названная грамматикой ног, включает в себя десятки способов сидеть, еще больше - стоять и ходить.
Его актеры обычно играют босиком и кажутся, за счет снижения центра тяжести, максимально плотно привязанными к земле, тяжелыми. Судзуки учит их и зарубежных участников спектаклей своей технике в деревне Тога, в заполненных современным оборудованием старинных японских домах. Его труппа дает всего лишь около 70 представлений в год, а все остальное время живет, почти не выезжая из деревни и не имея времени на личные дела - только работа.
Центр в Тоге появился в семидесятые, его спроектировал по просьбе режиссера всемирно известный архитектор Арата Исодзака. Система Судзуки могла бы показаться патриархальной и консервативной, но сам он рассуждает о Тоге в современных категориях децентрализации. Еще в середине нулевых Судзуки понимал значимость экспорта искусства из столицы в регионы и организации точек производства на местах. По словам режиссера, театральная карта Японии во многом напоминает российскую - искусство сконцентрировано в Токио и нескольких менее крупных центрах. Российскому театру тоже не помешала бы компания, которая регулярно выезжает на гастроли по небольшим городам и базируется в удалении от столицы.
Центр SCOT Company в Тоге
Цветочными тропами. Какой ресурс обнаружил современный театр в системах но и кабуки
Метод Судзуки растет из двух древних японских традиций - но и кабуки. Дело не только в том, что эти виды театра часто характеризуются как искусство ходить, но и в более очевидных деталях. Судзуки нередко следует правилу об исполнении всех ролей мужчинами, использует характерные пространственные решения, например ханамити («путь цветов») образца кабуки - помост, проходящий от сцены в глубь зрительного зала. Он эксплуатирует и совсем узнаваемые символы вроде цветов и свитков.
Конечно, в глобальном мире не идет речи о привилегии японцев на использовании своих национальных форм.
На заимствованиях из но построен театр одного из самых значительных режиссеров современности, американца Роберта Уилсона.
Он не только использует маски и грим, напоминающие массовому зрителю о Японии, но и заимствует способы актерского существования, основанные на максимальном замедлении движения и самодостаточной выразительности жеста. Соединяя традиционные и отдающие ритуалом формы с ультрасовременными световыми партитурами и минималистичной музыкой (одна из самых известных работ Уилсона - постановка оперы Филиппа Гласса «Эйнштейн на пляже»), Уилсон по сути производит тот синтез истоков и актуальности, к которому стремится значительная часть современного искусства.
Роберт Уилсон. «Эйнштейн на пляже»
Из но и кабуки вырос и один из столпов современного танца - буто, в буквальном переводе - танец тьмы. Придуманный в 1959 году хореографами Кадзуо Оно и Тацуми Хидзикатой, которые также отталкивались от низкого центра тяжести и концентрации на ногах, буто представлял собой перенос размышлений о травматическом военном опыте в телесное измерение.
«Они демонстрировали тело больное, разрушающееся, даже монструозное, чудовищное. <…> Движения то замедленные, то нарочито резкие, взрывные. Для этого используется особая техника, когда движение осуществляется как будто без задействования основной мускулатуры, за счет костных рычагов скелета», - историк танца Ирина Сироткина вписывает буто в историю освобождения тела, связывает его с уходом от балетной нормативности. Она сравнивает буто с практиками танцовщиц и хореографок начала XX века - Айседоры Дункан, Марты Грэм, Мэри Вигман, говорит о влиянии на более поздний «постмодерный» танец.
Фрагмент танца Кацуры Кана, современного продолжателя традиции буто
Сегодня буто в его оригинальном виде уже не авангардная практика, но историческая реконструкция.
Однако словарь движений, разработанный Оно, Хидзикатой и их последователями, остается значимым ресурсом для современных хореографов. На Западе от используется Димитрисом Папаиоанну, Антоном Адасинским и даже в клипе на “Belong To The World” The Weekend’а. В Японии продолжателем традиции буто, является, например, Сабуро Тесигавара, который в октябре приедет в Россию. Хотя сам он открещивается от параллелей с танцем тьмы, критики находят вполне узнаваемые признаки: кажущееся бескостным тело, хрупкость, бесшумность шага. Правда, они помещены уже в контекст постмодернистской хореографии - с ее высоким темпом, пробежками, работой с постиндустриальной шумовой музыкой.
Сабуро Тесигавара. Metamorphosis
Локально глобальные. Чем современное японское искусство все-таки похоже на западное
Работы Тесигавары и множества его коллег органично вписываются в программы лучших западных фестивалей современного танца. Если бегло просматривать описания перформансов и спектаклей, которые показывали на Festival/Tokyo - крупнейшем ежегодном показе японского театра, то заметить принципиальные отличия от европейских тенденций будет трудно.
Одной из центральных тем становится сайт-специфичность - японские художники исследуют пространства Токио в диапазоне от сгустков капитализма в форме небоскребов до маргинальных районов концентрации отаку.
Другая тема - проработка межпоколенческого непонимания, театр как место живой встречи и организованной коммуникации людей разных возрастов. Посвященные ей проекты Тосики Окады и Акиры Танаямы несколько лет подряд привозили в Вену на один из ключевых европейских фестивалей перформативных искусств. В переносе на сцену документальных материалов и личных историй к концу нулевых годов уже не было ничего нового, но кураторка Венского фестиваля представляла публике эти проекты как возможность живого, точечного контакта с другой культурой.
Еще одна магистральная линия - проработка травматического опыта. Для японцев он связан не с ГУЛАГом или холокостом, а с бомбардировкой Хиросимы и Нагасаки. Театр обращается к нему постоянно, но самое мощное высказывание об атомных взрывах как моменте генезиса всей современной японской культуры все же принадлежит Такаси Мураками.
к выставке “Little Boy: The Arts of Japan’s Exploding Subculture”
“Little Boy: The Arts of Japan’s Exploding Subculture” - название его кураторского проекта, показанного в Нью-Йорке в 2005 году. “Little Boy” - «малыш» по-русски - название одной из бомб, сброшенных на Японию в 1945 году. Собрав сотни манга-комиксов от ведущих иллюстраторов, характерные винтажные игрушки, сувенирную продукцию по мотивам знаменитых аниме - от Годзиллы до Hello Kitty, Мураками взвинтил концентрацию милого - каваии - в музейном пространстве до предела. Параллельно он запустил подборку анимации, в которой центральными образами становились картины взрывов, голой земли, разрушенных городов.
Такое противопоставление стало первым масштабным утверждением об инфантилизации японской культуры как способе справиться с посттравматическим синдромом.
Сейчас этот вывод кажется уже очевидным. На нем построено академическое исследование каваии Инухико Ёмота.
Встречаются и более поздние травматические триггеры. Из самого важного - события 11 марта 2011 года, землетрясение и цунами, приведшие к крупной аварии на АЭС «Фукусима». На Festival/Tokyo-2018 целая программа из шести перформансов была посвящена осмыслению последствий природно-технологической катастрофы; они стали и темой для одной из представленных на «Солянке» работ. На этом примере отчетливо видно, что арсенал критических методов у западного и японского искусства принципиально не отличается. Харуюки Ишии создает инсталляцию из трех телевизоров, на которых в зацикленном режиме демонстрируются смонтированные в высоком темпе и зацикленные кадры из телепрограмм о землетрясении.
«Работа составлена из 111 видеороликов, которые художник просматривал ежедневно в новостях до того момента, когда все, что он видел, не стало восприниматься вымыслом», - объясняют кураторы. «Новая Япония» представляет собой выразительный пример того, как искусство не сопротивляется основанной на национальных мифах интерпретации, но в то же время критический взгляд обнаруживает, что такая же интерпретация могла бы быть релевантна для искусства любого происхождения. Кураторы рассуждают о созерцании как об основе японской традиции, привлекая цитаты из Лао-цзы. При этом как бы оставляя за скобками, что почти все современное искусство сосредоточено на «эффекте наблюдателя» (так называется выставка) - будь то в форме создания новых контекстов восприятия привычных явлений или в постановке вопроса о возможности адекватного восприятия как таковой.
Imagined Communities - другая работа видеохудожника Харуюки Ишии
Дичь
Впрочем, не следует думать, что Япония образца 2010-х представляет собой концентрацию прогрессивности.
Не изжиты еще привычки старого доброго традиционализма и любовь к ориенталистской экзотике. «Театр девственниц» - так называется довольно восхищенная статья о японском театре «Такарадзука» в российском консервативном журнале «ПТЖ». «Такарадзука» появился в конце XIX века как бизнес-проект по привлечению туристов в отдаленный одноименный город, который случайно стал конечной станцией частной железной дороги. В театре играют только незамужние девушки, которые, по замыслу владельца железной дороги, и должны были приманивать в город зрителей-мужчин. Сегодня «Такарадзука» функционирует как индустрия - с собственным ТВ-каналом, плотной концертной программой, даже местным парком развлечений. Но в труппе по-прежнему имеют право состоять только незамужние девушки - будем надеяться, хотя бы на девственность не проверяют.
Впрочем, «Такарадзука» меркнет по сравнению с клубом Toji Deluxe в Киото, который японцы тоже называют театром. Там показывают совершенно дикое, судя по описанию колумниста New Yorker’а Иэна Бурумы, стриптиз-шоу: несколько раздетых девушек на сцене превращают в публичный ритуал демонстрацию половых органов.
Как и многие художественные практики, это шоу основано на древних легендах (с помощью свечи и увеличительного стекла мужчины из зала могли по очереди исследовать «секреты богини-матери Аматерасу»), а самому автору напомнило традицию но.
Поиск западных аналогов для «Такарадзуки» и Toji оставим на откуп читателю - обнаружить их нетрудно. Заметим лишь, что именно на борьбу с подобными практиками угнетения направлена значительная часть современного искусства - что западного, что японского в диапазоне от superflat до танца буто.
