Стандартный план состоит из желания, обретения контекста, действий. Современный художник представляет собой гибрид, в равной степени совмещаюший качества антрополога и скалолаза, так что и подготовка у него соответствующая.
Разговор придется начать с конца, чтобы лучше обозначить дистанцию. То есть, с действий.
1. Действия
Современное искусство – это сообщество и набор действий: создание работ, выставок, лекций, критических эссе, теории, продаж, грантов, et cetera. Оно не висит в вакууме, как сократовский идеальный объект, оно происходит в тот момент, когда им занимаются. Объединяются же эти занятия тем, что происходят в контексте, опять же, современного искусства – и если азы формальной логики подсказывают тут тавтологию, то это справедливо. Искусство это понятие самоопределяющее.
Иными словами, вы становитесь современным художником, совершая действия в контексте современного искусства. Именно поэтому, когда Майкл Хайцер строит железобетонные монументы посреди невадской пустыни, это имеет отношение к современному искусству, даже если это никто не видит – а продажа керамических чашек на Etsy все-таки не имеет, даже если они хорошо идут.
Врата контекста открыты любому, кто постучится – и рядовой зритель нередко воспринимает сие как разрешение вседозволенности, копрофагии и каннибализма. Это не совсем так.
Контекстуальность, как критерий, является столь же демократичным фильтром, сколько оно является средством самозащиты от самозванцев.
Свадебные фотографы и мотельные пейзажисты часто сетуют на то, что их работы не покупаются музеями и не интересуют художественные галереи. Легко было бы предположить, что крупные институции не заинтересованы в подобных вещах потому что все места там давно проданы каннибалам и копрофагам – но трудно объяснить, почему в них также не заинтересованы мелкие галереи, кураторы которых явно устраивают выставки исключительно по любви.
Причина в контексте. Неврубность в дискурс всегда будет торчать и из художника, и из его работы, и определяется она не набором знаний, а неправильным методом изучения. Всего знать нельзя, и никто этого не требует. Но метод – это то, в чем нельзя ошибиться.
Иными словами, проблема мотельного пейзажиста не в том, что он не ходил на последнюю выставку Кифера, и поэтому он лох и плебей. Проблема в том, что его работа демонстрирует системное игнорирование культурных пластов целых эпох и континентов. Видите ли, хочет сказать галерейный куратор такому сабжу, истории искусства совершенно насрать, любите или не любите вы искусство двадцатого века. Мне тоже, может быть, не нравится век восемнадцатый, с их пирожными, колониальным серебром и фарфоровыми амурами. Но мне приходится с ними считаться, а вам придется считаться с тем, что случилось в двадцатом веке.
Можно не любить абстракцию, перформанс, квир-теорию и поп-арт. Но искаженное понимание оных – это не мнение. Это ошибка метода. Ошибки метода современное искусство не то что не допускает, но это отделяет вас от контекста, а контекст отделяет от действий.
Это тест. Не перед кем-то заведующим-всея-искусства. Перед собой. И да, он открывает тропинку для коньюктуры, но эта проблема выходит за рамки нашего вопроса.
2. Обретение контекста
Теперь, когда мы обозначили зависимость действий от врубности в дискурс, можно перейти к практической части, то есть откуда эта врубность берется.
В принципе, можно просто сказать "аспирантура", и пойти дальше.
Важность аспирантуры трудно переоценить. Бакалавриат мало что значит, поскольку разборчивость у человека лет до 25-и держится практически на нуле, и только по уровню амбиций в некоторых случаях можно определить, продолжит ли человек заниматься искусством после получения диплома. Большинство не продолжает. Часть уходит в коммерцию, поскольку душа их с самого начала лежала к коммерции. Часть уходит в коммерцию потому что кишка тонка.
Все потому, что аспирантура, в идеале, берется довыправить в человеке все баги именно на уровне метода. Надеть ему на голову его оголтелый евроцентризм и мечту о художественной парижской житухе, вернуть ему назад попытки делать под 1860-е, и под 1890-е, и под зомби-формализм, и под концептуалистов, и под реди-мейд, и про меньшинства, и про экологию, и про все остальное. Хорошей школе в последнюю очередь нужны воскресные рисовальщики, которые через пару лет откроют кафе и будут преподавать этническое вышивание на youtube"е.
Более того – аспирантура также демонстрирует, что сидеть в подвале и рисовать у вас не прокатит. Ваша включенность в процесс состоит из множества факторов, из которых не последним является теоретическая работа: написание эссе, критики, авторских положений. Искусство всегда было работой не только с формой, но и со смыслами, и сейчас это означает работу с текстом. Игнорирование этой части работы, как будто вас она не касается – это такая же ошибка методологии, как и последовательная культурная слепота.
Именно поэтому аспирантуру нужно хорошо выбрать. Это не конечный определяющий фактор, и вам не обязательно нужно "попасть" в лучший универ и самый нужный именно вам. Но вам нужно не попасть в плохой.
Дейв Хикки хорошо определял критерии хорошей аспирантуры в том, что университет должен находиться в крупном портовом городе. Это подразумевает историю долгого накопления культурного багажа и поток людей из разных профессий. И если с культурным накоплением все понятно, то мультидисциплинарность тоже придется оговорить отдельно.
Мультидисциплинарность растет. Современное искусство проникло во все сферы жизни вообще, так что с практически стопроцентной вероятностью вам в будущем нужно будет работать не только с другими художниками, но с музыкантами, архитекторами, мигрантами, промышленниками, учеными, финансистами, программистами, политиками, животными. Чем больше аспирантура предоставляет таких возможностей, тем лучше.
И да, это все подразумевает, что аспирантуру лучше всего проходить в США или Европе. Sad, but true. Где вы учились до этого – как я уже говорил, не так важно, главное чтобы вступительное портфолио было на уровне.
И нет, это не абсолютный критерий. Можно быть художником, не заканчивая аспирантуры, и доказывать врубность в дискурс другими способами. Но стандартный путь такой, и хотя у него есть свои особенные проблемы, это не плохой путь.
Итак, подытожим.
Быть художником – это работать в сфере искусства. Проходные критерии контекстуальны. Контекст нарабатывается формальным или неформальным образованием. Остается выяснить только одно, а именно – как вам не умереть в процессе.
Вашего желания должно хватать на то, чтобы посвятить этому всю жизнь. Просто представьте себе, что если вам, допустим, 15, и вы думаете, что хотите стать художником, то скорее всего вы только начнете быть художником где-нибудь к 30-и. До этого вы будете просто, ну... что-то делать. Рисовать. Лепить. Может быть даже что-нибудь продадите. Этого просто мало.
Потому что в конечном итоге, хотеть быть художником – это хотеть быть частью великого диалога. Исследовать тему, проходить путь, не оставлять на нем белых пятен. Не смотреть на два квадратных метра знакомого с детства пространства, и утверждать, что всего остального не существует. Точность формы требует полноты посвящения, а до полноты посвящения путь – долгий.
В 2012 году в Музее современного искусства в Нью-Йорке прошла выставка о рождении абстракционизма. «Изобретая абстракцию: 1910–1925» продемонстрировала радикальный уход более 80 художников от традиций изобразительного искусства. В самом начале посетителям показали интерактивную сеть, которая показывала, знакомы ли художники друг с другом. Познакомиться с ней можно онлайн . В центре сети находятся Пабло Пикассо и Василий Кандинский – художники с наибольшими связями.
Одним из кураторов выставки была Лия Дикерман (ныне директор музея по редакционной стратегии). Именно она предложила идею такой сети, вдохновившись курсом в Колумбийской школе. Профессор Пол Ингрэм рассказывал кураторам, как использовать профессиональные знакомства для достижения успеха.
Ингрэм помог разработать раннюю итерацию сети первых пионеров абстракции, а позже организовал исследование. Ингрэм и его коллега Митали Банерджи использовали информацию выставки, чтобы понять: какую роль талант и связи играют для художников. Результаты они представили в работе 2018 года .
Исследование
Ингрэм и Банерджи начали свое исследование с количественной оценки славы, креативности и социальной сети художников в «Изобретая абстракцию». Чтобы определить известность каждого художника, они обратились к базе данных Google.
Поскольку большинство художников-абстракционистов жили в США и Франции, исследователи записали количество упоминаний в исторических текстах на английском и французском. Известность они рассматривали как упоминаемость вне своих социальных кругов. «Если о тебе пишут, значит ты известен», – уточняет Ингрэм.
Чтобы определить круг общения, они прибегли к исследованию Музея современного искусства. Отталкиваясь от биографии и писем художников, авторы определяли социальные связи. Учитывали также национальность, пол, возраст и школы, где учились художники. По словам Игрэма, они не брали в учёт выставки и рынок работ. Однако в будущем исследование Банерджи охватит и этот фрагмент.
Наиболее сложным было определение «креативности» работ абстракционистов. Для этого Ингрэм и Банерджи использовали два метода. Во-первых, они использовали для анализа и оценки креативности искусства. Программа оценила, насколько уникальны работы по сравнению с набором произведений XIX века.
Также Ингрэм и Банерджи попросили четверых искусствоведов оценить те же картины. Исследователи были приятно удивлены тем, что машина и люди давали высокие оценки одним и тем же художникам.
Что обнаружили
Предыдущие исследования показали, что существует связь между талантом и славой. Напротив, Ингрэм и Банерджи обнаружили, что между этими художниками такой корреляции не было. Главным фактором для абстракционистов стала богатая сеть знакомств. Чем больше и разнообразнее была сеть знакомств, тем известнее будет художник, несмотря на креативность их работ.
Самым важным предсказателем славы художника стала сеть знакомств из разных стран. Ингрэм считает, что художники были космополитами и имели возможность развивать идеи, вдохновленные иностранными культурами. «Центральным звеном сети», добавляет Ингрэм, был Кандинский. Ещё одна важная деталь: известность кореллирует с возрастом. Вероятно так вышло потому, что старшие художники уже были известны, когда появился абстракционизм.
А вот с талантом исследователи попали впросак. Ни компьютер, ни оценки экспертов не являются показателями известности художника. Другими словами, талантливый художник не обязательно будет известным.
«Эта работа привела к важному выводу: сети знакомств важны не только для распространения идей. Чем популярнее ты в кругу коллег, тем известнее и у остальных людей».
Что это означает
В современной среде выводы Ингрэма и Банерджи не вызывают удивления. Мы вынуждены постоянно встречаться с новыми людьми и расширять круг знакомств в профессиональной сфере. Тем не менее, эта работа напоминает – мы не станем знаменитыми в вакууме.
Чтобы проиллюстрировать результаты, исследователи привели пример двух художниц – Ванессы Белл и Сюзанны Дюшан. Происхождение, наличие известных родственников (Вирджиния Вульф и Марсель Дюшан, соответственно) и талант – всё это совпадает. Тем не менее, Белл более известна. Почему так?
«Ванесса входила в группу Блумсбери, а Сюзанна – в общество дадаистов. Тем не менее, круг общения Дюшан на дадаистах и заканчивался. Напротив, социальный мир Ванессы Белл охватывал группу Блумсбери, группу художников, которые входили в Лондонскую группу, и т.д. В конечном счете, более разнообразный знакомств круг Белл коррелирует с ее известностью».
И хотя исследование было сосредоточено на специфическом направлении столетней давности, Ингрэм предсказывает: результаты звучат правдоподобно для современных художников.
Чтобы стать профессиональным художником, необходим талант, дисциплина, готовность жертвовать и прикладывать усилия. Вам необходимо научиться рисовать, формировать концепцию и научиться непосредственному наблюдению.
Шаги
-
Изучите инструменты, начиная с основ смешивания красок, растягивания холстов, создания палитры и до создания законченной работы. Обрамление и матирование можно заказать у профессионала, но это серьезно увеличит стоимость вашей работы и повлияет на успешность продажи картины.
Создайте себе портфолио и постоянно обновляйте его вашими лучшими работами. Ищите торговцев картинами, посредников и людей, которые захотят выставить ваши работы. Библиотеки, рестораны, гостиницы и другие публичные места будут рады выставить ваши работы, если они подходящего уровня и соответствуют атмосфере места.
- Подумайте, что вы любите в тех картинах, которые вы видели.
- Искусство служит интеллектуальным потребностям, оно должно удовлетворять жажду размышлений.
- Теплые цвета притягивают, а холодные отталкивают.
- Прежде чем вкладывать свое время и деньги в создание картины, тщательно исследуйте рынок и выгодность работы.
- В картинах сценам с теплыми цветами необходимы холодные тени, а сценам с холодными цветами - теплые тени.
- Ищите уникальные пути продажи и выставления своих работ.
- Светлые участки выступают вперед, а темные - назад.
- Чем больше разнообразных стилей, инструментов и форм вы знаете, тем больше от них пользы.
- Найдите старые книги о перспективе (много старых хороших книг уже не издается). В них хранится большое количество информации, неизвестной многим художником по причине их лени.
- Изучите анатомию. Люди всегда замечают анатомические ошибки, а самая простая причина таких ошибок - незнание анатомии.
- Знайте свои слабые стороны. Сохраняйте контакты людей, которых вы можете порекомендовать клиенту, чей заказ вы не способны выполнить сами.
- Не показывайте людям свои неудачные работы! Потенциальный заказчик выбросит ваше портфолио в окно, если увидит плохую работу.
- Учитесь срисовывать. Если вы не можете нарисовать что-то, то вам просто необходимо внимательно рассмотреть этот объект.
- Учитесь у лучших, они успешно справляются со всеми неудачами.
Обучайтесь! Даже если у вас есть особый талант к изобразительному искусству, его нужно развивать, а вам все-равно есть куда расти.
Найдите ваши слабые стороны и полностью сконцентрируйтесь на их улучшении! Например, если вы портретист, но не умеете рисовать ступни, то вам необходимо рисовать их, пока не научитесь.
Исследуйте то, что рисуете. Даже воображаемые объекты нужно рисовать, опираясь на память и знания. Научный и структурный подход - это ключ к правильному изображению вымышленных объектов.
Развивайте свой стиль. Перед тем, как приступать к написанию картины, узнайте, из каких элементов и как создается стиль. У всего, что вы изображаете, должна быть умышленная цель.
Начните с простых линий и набросков. Вначале все должно состоять из простых фигур, расположенных внутри композиции. Перед тем, как создавать финальную, законченную картину, нужно сделать несколько грубых набросков.
Разогрейтесь! Перед тем, как создать настоящее произведение искусства, вам нужно разогреться! Первые рисунки будут не так хороши, как последние. Вам нужно войти в поток!
Обратите пристальное внимание композиции. Первый этап рисования грубых набросков как раз для этого и нужен. Края картины не должны отвлекать внимание от главных объектов, а взгляд зрителя должен скользить так, как вы и задумали.
Цвета должны быть красивыми. Почитайте об устройстве глаза и света. Смотрите на фотографии, но не копируйте их. Разберитесь с температурой цвета и цветами теней. Изучите теорию цвета!
Уделяйте внимание качеству инструментов. Несмотря на мнение, что хороший художник может сделать шедевр из любых материалов, вам стоить купить самые лучшие и самые подходящие (и, к сожалению, самые дорогие) принадлежности. Ведь, в конце концов, вы хотите стать профессионалом, не так ли? А разве профессионал не будет пользоваться качественными инструментами?
В картине должны быть только самые необходимые детали. Всякие декоративные элементы будут только отвлекать внимание. С помощью разнообразия деталей можно сделать акцент на одной из них.
Чем больше подготовительных и грубых набросков, тем лучше будет финальная картина.
Если картина получилось удачной, люди должны знать, кто ее нарисовал. Если нет - никому ее не показывайте. В действительности, профессиональные художники создают небольшое количество шедевров, по сравнению с огромной кучей неудачных картин, созданных в процессе. Никогда не выбрасывайте старые или неудачные картины - они будут отличным мотиватором. Аккуратно храните все картины, чтобы вы позже могли посмотреть на них и увидеть свой прогресс. Это особенно помогает, когда у вас плохое настроение. А если вы не сможете сами выбраться из депрессии (которая неизбежно случается у творческих людей - это наш общий комплекс), то вы никогда не станете профессионалом.
Экспериментируйте и проявляйте себя. Художник, продающий произведение искусства, в конечном счете, продает часть себя. Пусть смешиваются краски, пусть течет творческий поток, если вы так чувствуете. Доверяйте своим талантам и чувствам.
Живопись
Изобразительное искусство и компьютер
Для того чтобы успешно работать в этом направление, необходимо долго учиться, вкладывать деньги в аппаратное и программное обеспечение и иметь острый нюх на продаваемые работы.
Предупреждения
О, сколько же прекрасных талантов было загублено в наших художественных школах. Академический рисунок поломал немало судеб. Впрочем, люди из этой подборки на собственном примере доказывают, что совсем не обязательно уметь рисовать для того, чтобы именовать себя «художником» и даже продавать свои творения за миллионы долларов. Можно, например, просто разбросать мусор по полу и назвать это искусством.
Итак, если вы твёрдо решили стать частью мира высокого искусства, но никаких творческих талантов в себе так и не обнаружили, не беда. Сейчас мы расскажем вам как стать крутым «художником» даже если ваши рисунки находятся на уровне детей дошкольного возраста. Всё, что вам нужно - запомнить всего одно слово: инсталляция.
Инсталляцией может быть всё, что угодно. Можете найти в лесу поваленное грозой дерево, притащить его в галерею и назвать это инсталляцией
Если ехать в лес далеко и лень, можете прогуляться до ближайшего продуктового. Купите каких-нибудь фруктов круглой формы, сложите их пирамидкой, вжух и ваша инсталляция готова
Не нравятся фрукты - сложите стеночкой чемоданы, почему бы и нет?
Либо можете просто привезти из деревни старый дедушкин умывальник. Вы удивитесь, но совеременные идиоты из галерей даже это могут принять за искусство
Впрочем, если руки всё же тянутся к краске, а рисунок всё так же получается кривым и ужасным, не огорчайтесь. Купите учебный макет скелета, облейте его краской и первая работа для собственной выставки у вас уже готова
Если у вас есть много времени и терпения, можете покрасить комнату в какой-нибудь цвет и разрисовать её обычными кружочками. Да-да, это теперь тоже искусство
Впрочем, там вам хотя бы приходилось рисовать. А вот ещё один пример современного искусства. Это тоже «инсталляция»
Для тех, кто стесняется, что искусство может быть таким лёгким и доступным, есть путь немного посложнее: купите несколько сотен табуреток и склейте их в случаной последовательности. Это будет долго, но интересно
А ещё можно взять длинные стебли бамбука и немножко их согнуть
Ну или просто развешать футболки… почему бы и нет?
Хотя, что там футболки, развешайте лучше бумажные стаканчики
Или клубнику, например. Это хотя бы выглядит забавно
А вот «инсталляция», в которой каждый день живут те самые личности, попивающие боярышник. Но конкретно этот арт-объект был продан за $4 миллиона
А вот ещё классная идея: возьмите кучу старых фотографий и просто развешайте их на стене в хаотичном порядке
Инсталляция для тех, кто любит креативный подход, для неё вам понадобится комната, несколько десятков пеньков и 20 тысяч литров воды
«Река из книг». Да, это тоже арт-объект. Так что разбросав книги по комнате вы уже можете гордо именовать себя «художником»
Таких «инсталляций» можно найти кучу в каждом доме после встречи нового года. Поздравляю вас, друзья, вы теперь тоже «художники»
Ну, тут хотя бы заморочились и потратили время на сооружение этой «армии»
Инсталляция «зубы мудрости». Прелестно, правда? У нас в деревне раньше на свалках валялось множество черепов всяких коров, лошадей и овец. Мог бы наковырять из них зубов, разложить на полу и открывать выставку
Да что там зубы, можно вообще не заморачивать: взять любой хлам, который у вас есть, аккуратно сложить и вуаля. Главное всем сказать, что в этом мусоре вы выражаете собственное неординарное видение мира, иначе инсталляции не получится
Интересно было бы узнать, как много среди моих читателей тех, кто хотел попробовать писать и всерьез заняться живописью, но остановился не из-за нехватки времени или нехватки фантазии, а из-за распространенного стереотипа о том, что достичь успеха в живописи можно лишь после долгих лет художественого образования?
Многие полагают, что художники-самоучки могут писать лишь в качестве хобби, но на успех, признание и богатство им рассчитывать не приходится.
Общаясь с многими людьми, я слышу это мнение в самых разных формах. Знаю даже многих художников, которые пишут, увлеченно и очень хорошо, но считают свои картины просто забавой лишь потому, что сами они не получили художественного образования.
Они почему-то полагают, что художник - это профессия, которая непременно должна быть подтверждена дипломом и оценками. И пока диплома нет, художником стать нельзя, хорошие картины писать нельзя, а даже если и написать работу «для себя», то уж о продаже её или выставлении на суд публики запрещено даже и думать.
Якобы, картины художников-самоучек сразу распознаются специалистами, как непрофессиональные, и вызовут только критику и насмешки.
Смело скажу - это все чепуха! Не потому, что я одна так считаю. А потому, что история знает десятки успешных художников-самоучек, чьи картины заняли достойное место в истории живописи!
Более того, некоторые из этих художников успели прославиться при жизни, а их творчество повлияло на всю мировую живопись. Причем есть среди них как художники прошлых веков, так и современные художники-самоучки.
Для примера расскажу вам только про некоторых из таких автодидактов.
1. Поль Гоген / Eugène Henri Paul Gauguin
Пожалуй, один из величайших художников-самоучек. Путь его в мир живописи начался с того, что он, работая брокером и зарабатывая хорошие деньги, начал приобретать картины художников-современников.
Это хобби увлекло его, он научился хорошо разбираться в живописи и в какой-то момент начал пробовать писать сам. Искусство увлекло его настолько, что он стал всё меньше времени уделять работе и все больше писать.
Картина «Шьющая женщина» написана Гогеном ещё в бытность его биржевым брокером
В какой-то момент Гоген принимает решение полностью посвятить себя творчеству , бросает семью и уезжает во Францию общаться с единомышленниками и работать. Здесь он начал писать действительно значимые полотна, но здесь же начались и его финансовые проблемы.
Общение с художественной элитой и работа совместно с другими художниками стали его единственной школой.
Наконец, Гоген решает полностью порвать с цивилизацией и слиться с природой, чтобы творить в райских, как он считал, условиях. Для этого он уплывает на острова Тихого Океана, сначала на Таити, затем на Маркизские острова.
Здесь он разочаровывается в простоте и дикости «тропического рая», постепенно сходит с ума и… пишет свои лучшие картины.
Картины Поля Гогена
Увы, но признание к Гогену пришло уже после его смерти. Через три года после его кончины, в 1906 году, в Париже была организована выставка его картин, которые были раскуплены полностью и позже вошли в самые дорогие коллекции мира. Его работа «Когда свадьба?» входит в рейтинг самых дорогих картин мира.
2. Джек Веттриано / Jack Vettriano (он же Джек Хогган)
История этого мастера - в некотором смысле противоположность предыдущей. Если Гоген умер в нищете, писав свои картины под гнетом непризнанности, то Хогган ещё при жизни успел заработать миллионы и превратиться в мецената только за счет своих картин.
При этом начал писать он в 21 год, когда подруга подарила ему набор акварельных красок. Новое дело так увлекло его, что он начал пробовать копировать работы известных мастеров в музеях . А затем начал писать картины на собственные сюжеты.
В итоге на первой его выставке все картины были раскуплены, а позднее его работа «Поющий дворецкий» стала сенсацией в мире искусства: её купили за $1,3 млн. Картины Хоггана покупают голливудские звезды и российские олигархи, хотя большинство художественных критиков считают их полной безвкусицей.
Картина Джека Веттриано
Большие доходы позволяют Джеку выплачивать стипендии для малообеспеченных одаренных студентов и заниматься благотворительностью. И все это - без академического образования - в 16 лет молодой Хогган начал работать шахтером, после чего нигде официально не учился.
3. Анри Руссо / Henri Julien Félix Rousseau
Один из самых известных представителей примитивизма в живописи, Руссо родился в семье сантехника, по окончании школы служил в армии, затем работал на таможне.
В это время он и начал писать, причем именно отсутствие образования позволило ему сформировать собственную технику, в которой богатство красок, яркие сюжеты и насыщенность полотна сочетаются с простотой и примитивностью самого изображения.
Картины Анри Руссо
Ещё при жизни художника его картины высоко оценили , Гийом Апполинер и Гертруда Штейн.
4. Морис Утрилло / Maurice Utrillo
Ещё один француский художник-автодидакт, без художественного образования сумевший стать знаменитостью мирового масштаба. Его мать была натурщицей в художественных мастерских, она же подсказала ему основные принципы живописи.
Позже все его уроки заключались в наблюдении за тем, как пишут великие художники на Монмартре. Долгое время его картины не признавались серьезными критиками и он перебивался лишь случайными продажами своих работ простой публике.
Картина Мориса Утрилло
Но уже к 30 годам его работы стали замечать, в возрасте сорока лет он становится знаменитым, а в 42 получает Орден Почетного Легиона за вклад в искусство во Франции . После этого ещё 26 лет он творил и нисколько не беспокоился об отсутствии диплома о художественном образовании.
5. Морис де Вламинк / Maurice de Vlaminck
Французский художник-самоучка, все официальное образование которого закончилось в музыкальной школе - родители хотели видеть его виолончелистом. В подростковом возрасте начал писать картины, в 17 лет занимался самообразованием вместе с другом Анри Ригалоном, а в 30 продал свои первые картины.
Картина Мориса де Вламинка
До этого времени он умудрялся кормить себя и свою жену уроками игры на виолончели и выступлениями с музыкальными коллективами в различных ресторанах. С приходом славы полностью отдался живописи, а его картины, в стиле фовизм, в будущем серьезно повлияли на творчество импрессионистов XX века.
6. Аймо Катаяйнен /Aim o Katajainen
Финский современный художник, работы которого относят к жанру «наивного искусства». В картинах присутствует много синего цвета- ультрамарина, что в свою очередь очень успокаивает… Сюжеты картин спокойные и умиротворящие.
Картины Аймо Катаяйнен
Прежде чем стать художником, изучал финансовое дело, работал в клинике для реабилитации алкоголиков, но все это время писал в качестве хобби, пока его картины не начали продаваться и приносить хороший доход, достаточный для жизни.
7. Иван Генералич / Ivan Generalić
Хорватский художник-примитивист, сделавший имя картинами с сельским бытом. Стал знаменитым случайно, когда его картины заметил один из студентов Загребской академии и предложил ему провести выставку.
Картина Ивана Генералича
После того, как его персональные выставки прошли в Софии, Париже, Баден-Бадене, Сан-Пауло и Брюсселе, он стал одним из самых известных хорватских представителей примитивизма.
8. Анна Мозес / Anna Mary Robertson Moses (она же Бабушка Мозес)
Известная американская художница, начавшая писать в 67 лет после смерти мужа, уже страдая артритом. Никакого художественного образования не имела, но её картину случайно заметил нью-йоркский коллекционер в окне дома.
Картина Анны Мозес
Он и предложил провести выставку её работ. Картины Бабушки Мозес быстро стали настолько популярными, что её выставки были проведены во многих европейских странах, а затем в Японии. В возрасте 89 лет Бабушка получила премию от президента США Гарри Трумена . Примечательно, что прожила художница 101 год!
9. Екатерина Медведева
Самый известный в России представитель современного наивного искусства, Екатерина Медведева не получила художественного образования, а писать начала, когда работала на полставки на почте. Сегодня она вошла в рейтинг 10000 лучших художников мира с 18 века.
Картина Екатерины Медведевой
10. Кирон Уильямс / Kieron Williamson
Английский вундеркинд-автодидакт, который начал писать в стиле импрессионизм в 5 лет , а в 8 впервые выставил свои картины на аукцион. В 13 лет он за полчаса продал на аукционе 33 свои картины за $235 тыс, а сегодня (ему уже 18) он — долларовый миллионер.
Картины Кирона Уильямса
Кирон пишет по 6 картин в неделю, а за его работами постоянно выстроена очередь. На образование у него просто не остаётся времени.
11. Пол Ледент / Pol Ledent
Бельгийский художник самоучка и творческая личность. Увлекся изобразительным искусством ближе к 40 годам. Судя по картинам, много экспериментирует. Изучал живопись самостоятельно …и сразу применял знания на практике.
Хоть Пол и брал несколько уроков по живописи, большую часть своего увлечения изучал сам. Учавствовал в выставках, пишет картины на заказ.
Картины Пола Ледента
По моим наблюдениям, пишут интересно и свободно именно творчески думающие люди, у которых незабита голова академическими художественными знаниями. И кстати, добиваются определенного успеха в арт нише не меньше художников-профессионалов. Просто такие люди не боятся смотреть на обычные вещи чуть-чуть шире.
12. Хорхе Масьел / JORGE MACIEL
Бразильский автодидакт, современный талантливый художник- самоучка. У него получаются чудесные цветы и красочные натюрморты.
Картины Хорхе Масьел
Этот список художников самоучек можно продолжать очень долго. Можно сказать, что Ван Гог, один из влиятельнейших художников мира, не получил официального образования, учился эпизодически у разных мастеров и так и не научился писать человеческую фигуру (что, кстати, и сформировало его стиль).
Можно вспомнить Филиппа Малявина, Нико Пиросмани, Билла Трейлора и множество других имен: многие известные художники были самоучками, то есть, учились Самостоятельно!
Все они - подтверждение того факта, что для успеха в живописи специальное художественное образование иметь необязательно.
Да, с ним легче, но можно стать хорошим художником и без него. Ведь самообразование никто не отменял… Равно как и без таланта - об этом мы уже говорили .. Главное, иметь жгучее желание учиться самостоятельно и открывать все яркие грани живописи в практике.
