Японии? Каким образом происходило её развитие? На эти и другие вопросы мы ответим в статье. Японская культура сформировалась в результате исторического движения, которое началось тогда, когда японцы переселились с материка на архипелаг и зародилась цивилизация периода Дзёмон.
На нынешнюю просвещённость этого народа сильно повлияли Европа, Азия (в особенности Корея и Китай) и Северная Америка. Одним из признаков культуры японцев является её длительное развитие в эпоху полной изоляции государства (политика сакоку) от всех остальных стран во времена правления Сёгуната Токугавы, длившегося до середины XIX века - начала эры Мэйдзи.
Влияние
Как развивалась художественная культура Японии? На цивилизацию значительное влияние оказало обособленное региональное размещение страны, климатические и географические особенности, а также природные явления (тайфуны и частые землетрясения). Это выразилось в необыкновенном отношении населения к природе как к живому существу. Особенностью национального характера японца является умение восхищаться текущей красотой Вселенной, которое выражается во многих типах искусств маленькой страны.
Художественная культура Японии создавалась под влиянием буддизма, синтоизма и конфуцианства. Эти же направления воздействовали и на дальнейшее её развитие.
Стародавние времена
Согласитесь, художественная культура Японии великолепна. Синтоизм уходит корнями в древние времена. Буддизм же, хоть и появился до нашей эры, начал распространяться лишь с пятого века. Хейанская пора (8-12-й вв.) считается золотой эпохой государственности Японии. В тот же период живописная культура этой страны достигла своей наивысшей точки.
В 13-м веке появилось конфуцианство. На этом этапе и произошло разделение философии Конфуция и буддизма.
Иероглифы
Образ художественной культуры Японии воплощён в уникальном стихосложении, которое называется В этой стране также весьма развито искусство каллиграфии, которое, согласно преданиям, возникло из небесных божественных образов. Именно они вдохнули жизнь в письменность, поэтому население трепетно относится к каждому знаку в правописании.
Ходят слухи, что японскую культуру подарили именно иероглифы, так как из них появились образы, окружающие начертанное. Немного позднее начало соблюдаться прочное соединение элементов живописи и стихотворения в одном произведении.
Если изучить японский свиток, можно обнаружить, что в труде содержится два вида символов. Это знаки письменности - печати, стихи, колофены, а также живописные. В то же время завоевал большую популярность театр Кабуки. Иному виду театра - Но - отдают предпочтение в основном военнослужащие. их строгость и жестокость оказали на Но сильное влияние.
Живопись
Художественная культура изучена многими специалистами. Огромную роль в её становлении сыграла живопись кайга, что по-японски означает рисунок или картину. Это искусство расценивается как самый старый вид живописи государства, который определяется огромным числом решений и форм.
В нём особое место занимает природа, которая определяет священное начало. Разделение росписи на суми-э и ямато-э существует с десятого века. Первый стиль развился ближе к четырнадцатому веку. Он является некой монохромной акварелью. Ямато-э - это свёрнутые горизонтально свитки, которые обычно применялись в оформлении произведений литературы.
Немного позднее, в 17-м веке, в стране появилась печать на дощечках - укиё-э. Мастера изображали пейзажи, гейш, известных актёров театра Кабуки. Подобный вид живописи в 18-м веке оказал сильное влияние на искусство Европы. Появившееся веяние наименовали «японизмом». В средние века культура Японии вышла за границы страны - её стали использовать в дизайне стильных и модных интерьеров всего мира.
Каллиграфия
Ах, как прекрасна художественная культура Японии! Постижение гармонии с природой можно увидеть в каждом её сегменте. Что собой представляет современная японская каллиграфия? Её называют сёдо («путь извещений»). Каллиграфия, как и письмо, в является обязательной дисциплиной. Учёные выяснили, что туда это искусство пришло одновременно с китайской письменностью.
Кстати, в древности о культуре человека судили по его уровню владения каллиграфией. Сегодня существует большое число стилей написания, а развивают их буддистские монахи.
Ваяние
Как появилась культура Японии? Развитие и виды этой области жизнедеятельности человека мы изучим максимально подробно. Скульптура является самым древним типом искусства Японии. В давние времена народ этой страны изготавливал из керамики фигурки идолов и посуду. Затем люди стали на могилах устанавливать изваяния ханива, созданные из обожжённой глины.
Развитие скульптурного ремесла в современной японской культуре связано с распространением в государстве буддизма. Одним из самых древних представителей японских монументов считается размещённое в храме Дзенко-дзи изваяние будды Амитабхи, выполненное из дерева.
Скульптуры очень часто изготавливались из брусьев, но выглядели они весьма богато: мастера покрывали их лаком, золотом и яркими красками.
Оригами
Вам нравится художественная культура Японии? Постижение гармонии с природой принесёт незабываемые впечатления. Характерной чертой японской культуры стали изумительные изделия оригами («сложенная бумага»). Это мастерство своим возникновением обязано Китаю, где, собственно, и был изобретён пергамент.
Сперва «сложенная бумага» применялась в религиозных обрядах. Это искусство могло изучать лишь высшее сословие. Но после Второй мировой войны оригами ушло из жилищ вельмож и нашло своих почитателей по всей Земле.
Икебана
Каждый человек должен знать, что такое художественная культура стран Востока. Япония вложила много труда в её развитие. Ещё одним компонентом культуры этой удивительной страны является икебана («живые цветы», «новая жизнь цветов»). Японцы - поклонники эстетики и простоты. В произведения вкладываются именно эти два качества. Изысканность образов достигается с помощью выгодного применения природной красоты растительности. Икебана, как и оригами, также служила частью религиозной церемонии.
Миниатюры
Наверное, многие уже поняли, что художественная культура Древнего Китая и Японии тесно переплетена. А что собой представляет бонсай? Это японское уникальное умение культивировать практически точную миниатюрную копию реального дерева.
В Японии также распространено изготовление нэцке - маленьких скульптур, которые являются своего рода брелоком. Часто такие фигурки именно в этом качестве крепились к одежде японца, у которой отсутствовали карманы. Они её не только украшали, но и служили самобытным противовесом. Брелоки изготавливались в форме ключа, кисета, плетёной корзинки.
История живописи
Художественная культура Древней Японии интересует многих людей. Живопись в этой стране зародилась в период японского палеолита и развивалась таким образом:
- Период Ямато. Во времена Асука и Кофун (IV-VII века) одновременно с внедрением иероглифов, созданием по китайскому образцу государственного режима и популяризации буддизма, в Японию из Поднебесной было завезено много произведений искусства. После этого в Стране восходящего солнца начали воспроизводить живописные изделия в китайском стиле.
- Время Нара. В VI и VII вв. буддизм продолжал развиваться в Японии. В связи с этим стала процветать религиозная живопись, применяемая для украшения многочисленных храмов, построенных аристократией. В целом в эпоху Нара вклад в развитие скульптуры и искусства был больше, чем в живопись. Ранние картины этого цикла включают росписи внутренних стен храма Хорю-дзи в префектуре Нара, повествующие о жизни Будды Шакьямуни.
- Эпоха Хэйан. В японской живописи, начиная с X века, выделяют веяние ямато-э, о чём мы писали выше. Такие картины являются горизонтальными свитками, которыми иллюстрировали книги.
- Эпоха Муромати. В XIV веке появился стиль супи-э (акварель монохромная), а в первой половине XVII в. художники начали печатать гравюры на дощечках - укиё-э.
- Живопись эпохи Адзути-Момояма выступает в резком контрасте с росписью периода Муромати. Ей присущ полихромный стиль с широким применением серебряной и В этот период большим престижем и известностью пользовалось учебное заведение Кано. Его основателем был Кано Эйтоку, который расписывал потолки и раздвижные двери для разделения комнат. Такие рисунки украшали замки и дворцы военной знати.
- Эра Майдзи. Со второй половины XIX века искусство разделилось на конкурирующие традиционный и европейский стили. Во время эпохи Майдзи Япония подверглась большим социальным и политическим изменениям в процессе модернизации и европеизации, организованных властями. Молодые перспективные художники были отправлены за рубеж для учёбы, а заграничные живописцы приезжали в Японию для создания школьных программ по искусству. Как бы то ни было, после первичного всплеска любопытства к художественному стилю Запада маятник качнулся в обратную сторону, и японский традиционный стиль возродился. В 1880 году обычаи западного искусства были запрещены на официальных выставках и подвергались резкой критике.
Поэзия
Художественная культура Древней Японии изучается до сих пор. Её особенностью является многосторонность, некоторая синтетичность, так как она формировалась под влиянием разных религий. Известно, что японская классическая поэзия появилась из быта, действовала внутри него, и эта её приземлённость в какой-то мере сохранилась в традиционных формах нынешнего стихотворчества - трёхстишии хайку и пятистишии танка, которые отличаются ярко выраженным массовым характером. Кстати, именно это качество разнит их с тяготеющим к элитарности «свободным стихом», появившимся в начале 20-го века в Японии под влиянием поэзии Европы.
Вы заметили, что этапы развития художественной культуры Японии многогранны? Поэзия в обществе этой страны играла особую роль. Один из самых известных жанров - хокку, понять его можно, лишь ознакомившись с его историей.
Впервые он появился в эпоху Хэйан, был похож на стиль рэнга, который являлся подобием отдушины для поэтов, желавших отдохнуть от глубокомысленных стихов ваха. Хайкай превратился в самостоятельный жанр в 16-м веке, так как рэнга стал слишком серьёзен, а хайку опирался на разговорный язык и по-прежнему был юмористическим.
Конечно же, художественная культура Японии кратко описана во многих трудах, но мы постараемся рассказать о ней более подробно. Известно, что в Средневековье одним из самых известных литературных японских жанров являлся танка («лаконичная песня»). В большинстве случаев это пятистишие, состоящее из пары строф с фиксированным числом слогов: 5-7-5 слогов в трёх строчках первой строфы, и 7-7 в двух строчках второй. Что касается содержания, в танке применяется следующая схема: первая строфа представляет конкретный природный образ, а вторая отображает перекликающееся с этим образом чувство человека:
- В далёких глухих горах
Фазан длиннохвостый дремлет -
Эту длинную-длинную ночь
Ужели мне спать одному? (Какиномото-но Хитоваро, начало 8-го века, перевод Сановича .)
Японская драматургия
Многие утверждают, что художественная культура Китая и Японии завораживает. Вам нравится сценическое искусство? Традиционная драматургия Страны восходящего солнца делится на дзёрури (театр кукол), драматургию театра Но (кёгэн и ёкёку), театр Кабуки и сингэки. Обычаи этого искусства насчитывают пять базовых театральных жанров: кёгэн, но, бугаку, кабуки и бунраку. Все эти пять традиций имеются в наличии и сегодня. Несмотря на колоссальные различия, они связаны общими эстетическими принципами, основывающими японское искусство. Кстати, драматургия Японии зародилась на подмостках Но.
Театр Кабуки появился в 17-м веке и достиг апогея к концу 18-го. Сложившаяся за указанный период форма представлений сохраняется и на современных подмостках Кабуки. Постановки этого театра, в отличие от сцен Но, ориентированных на узкий круг поклонников древнего искусства, рассчитаны на массового зрителя. Корни умений Кабуки берут своё начало от представлений комедиантов - исполнителей маленьких фарсов, сценок, которые состояли из плясок и пения. Театральное мастерство Кабуки в себя впитало элементы дзёрури и Но.
Появление театра Кабуки связано с именем работницы буддийского святилища О-Куни в Киото (1603 год). О-Куни выступала на подмостках с религиозными танцами, в которые были включены движения народных плясок нэмбуцу-одори. Её выступления перемежались комическими пьесами. На этом этапе постановки назывались юдзё-кабуки (Кабуки куртизанок), О-Куни-кабуки или онна-кабуки (дамский Кабуки).
Гравюры
В прошлом столетии европейцы, а затем и россияне именно через гравюру столкнулись с феноменом искусства Японии. Между тем в Стране восходящего солнца рисунок на дереве сначала вообще не считали умением, хотя оно имело все свойства массовой культуры - дешевизну, доступность, тираж. Знатоки укиё-э умели добиваться наивысшей доходчивости и простоты как в воплощении сюжетов, так и в их выборе.
Укиё-э была особой художественной школой, поэтому она смогла выдвинуть целый ряд выдающихся мастеров. Так, с именем Хисикава Моронобу (1618-1694 гг.) связана начальная фаза развития сюжетной гравюры. В середине XVIII века творил первый знаток многоцветной гравюры Судзуки Харунобу. Главными мотивами его творчества являлись лирические сцены, в которых уделялось внимание не действию, а передаче настроений и чувств: любви, нежности, грусти. Подобно изысканному древнему искусству эпохи Хэйан, виртуозы укиё-э возрождали в обновлённой городской среде необыкновенный культ утончённой красоты женщины.
Разница заключалась лишь в том, что вместо хэйанских гордых аристократок на гравюрах изображались изящные гейши из развлекательных кварталов Эдо. Художник Утамаро (1753-1806 гг.) является, возможно, уникальным в истории живописи примером профессионала, полностью посвятившего своё созидание изображению дам в разнообразных позах и туалетах, в различных жизненных обстоятельствах. Одной из его лучших работ является гравюра «Гейша Осама», которая хранится в Москве, в Музее живописи им А. С. Пушкина. Художник необыкновенно тонко передал единство жеста и настроения, выражения лица.
Манга и аниме
Многие художники пытаются изучить живопись Японии. А что такое аниме (японская анимация)? Оно от иных анимационных жанров отличается большей настроенностью на взрослого зрителя. Здесь имеет место дублирующее деление на стили для однозначной целевой аудитории. Мерой дробления выступает пол, возраст или психологический портрет кинозрителя. Очень часто аниме является экранизированным японским комиксом манга, который также получил большую известность.
Базовая часть манги рассчитана на взрослого зрителя. По данным на 2002 год, около 20% всего японского книжного рынка занимали комиксы с мангой.
Япония близка к нам географически, но, несмотря на это, на протяжении долгого времени оставалась непонятной и недоступной всему миру. Сегодня мы знаем об этой стране многое. Долгая добровольная изоляция привела к тому, что культура её совершенно не похожа на культуры других государств.
Добрый день, уважаемые читатели! Продолжаю подборку художественных фильмов о Японии, которые рекомендую посмотреть. Фильмы как и книги позволяют ближе познакомиться с образом жизни, менталитетом и культурой жителей страны восходящего солнца.
Япония художественные фильмы:
1.Император , совместный фильм Японии и США, год выпуска 2012, жанр — военно-исторический, режиссёр Питтер Веббер. В фильме показаны события, происходившие в Японии после второй мировой войны, когда американские войска прибыли в Японию для наведения порядка, ареста военных преступников и определения дальнейшего курса развития Японии. Взгляд на ситуацию показан глазами американского генерала, который до войны любил японскую девушку. Ему было необходимо определить степень виновности императора Японии Хирохито в развязывании войны.
Фильм интересен с исторической точки зрения, так как в нём показаны реальные события того времени. И Япония представлена не только как страна агрессор, но и как пострадавшая страна — города полностью разрушены и сожжены, сотни тысяч людей сгорели во взрыве атомных бомб.
2.Шинсенгуми , год создания фильма 1969, производство Япония, режиссер Тадащи Саващима.
В фильме показаны последние годы правления сёгуната Токугавы. Когда из группы свободных самураев (ронинов) был сформирован немногочисленный отряд для защиты последнего сёгуна клана Токугавы, так называемый отряд самопровозглашённой полиции. Этот военный отряд отчаянных и храбрых самураев возглавлял Кондо Исами, крестьянин по происхождению. Отряд славился своей непревзойденной военной ловкостью в деле рукопашного боя и идеями победы сёгуната над императорской властью.
На эту же тему можно найти документальный фильм, который восстанавливает события того времени и даёт объективную оценку действиям отряда Шинсенгуми и его командира Кондо Исами. Фильм основан на исторических событиях и художественный фильм практически не меняет сути документального фильма.
3.Скрытый клинок , производство Япония, год выпуска 2004, режиссёр Ёдзи Ямада. Жанр фильма — драма, мелодрама. Действие фильма происходит в середине XIX века в маленьком княжестве Унасаку на северо-западном побережье Японии. В этот период происходят большие изменения в стране, самураи перестраиваются на западный лад и осваивают огнестрельное оружие и новые способы ведения войны. Начинается конфликт между старым образом жизни и всем новым стремительно захватывающим жизнь японцев.
На фоне отношений между мужчиной и женщиной ненавязчиво показан образ самурая, который заключается в строгом соблюдении правил чести, в достоинстве и честности. Посмотрев этот фильм, ещё раз приходишь к выводу, что стереотип о том, что самураи это воинствующее сословие, ошибочен. Говоря словами героя фильма «для самурая, убить человека так же тяжело, как и любому другому».
4.Мои дождливые дни, производство Япония 2009 год, жанр драма. В фильме показана жизнь школьниц, занимающихся эндзё-касай. Всё меняется когда главная героиня знакомится с молодым мужчиной, учителем истории. О развитие отношений между ними повествует это романтическое кино. Очень милый и трогательный фильм.
5.Любовь на особом уровне — производство Япония, кинорежиссер Наото Кумазава, год выпуска 2014, жанр мелодрама.
Всё начинается в старшей , Куруруки Юни старшеклассница, умница, у неё высокие оценки по всем дисциплинам за исключением английского языка. Она целеустремленна и умна, все эмоции прячет глубоко в себе и поэтому очень одинока.
Молодой учитель английского языка Сакураи назначает ежедневные занятия Юни. Что заставило его это сделать? Желание научить Кукуруки языку или желание вынуть девушку из своей скорлупы. Но что бы это не было, дополнительные занятия английским языком привели к результату, который никто не ожидал. Фильм милый, все действия проходят неторопливо с минимальным набором слов и игрой чувств, красивые актеры, спокойное музыкальное сопровождение. Рассчитан на подростковую женскую аудиторию. Может показаться слегка затянутым.
6.Хочу обнять тебя — производство Япония, кинорежиссер Акихико Сиото, год выпуска 2014.
Грустная и трогательная история отношений юноши Масами и девушки Цукаса основана на реальных событиях. Действие фильма происходит на острове Хоккайдо. Однажды группа молодых людей, занимающихся баскетболом приезжают в спортзал, который на то же самое время зарезервировала группа инвалидов. Это событие позволили познакомиться таксисту Масами, который со школьной скамьи занимался баскетболом, с Цукасой, которая в результате автомобильной аварии стала инвалидом.
Цукаса, не любит, когда к ней относятся как к инвалиду. Пережив тяжелейшие последствия аварии и постепенно возвратившись к жизни, она стала сильная. Масами в свою очередь добрый и мягкий человек. Их отношения не были поняты родителями с обеих сторон, но несмотря на это молодые люди продолжали встречаться. Поняв, что отношения молодых людей искренние родители тоже полюбили Цукасу. Была замечательная свадьба красивого юноши и девушки в инвалидной коляске, но жизнь распоряжается по своему...
Современная японская художественная сцена кажется полностью глобализированной. Художники курсируют между Токио и Нью-Йорком, почти все получали европейское или американское образование, о своих работах говорят на интернациональном арт-английском. Однако картина эта далека от полноты.
Национальные формы и тренды оказываются одним из наиболее востребованных товаров, которые Япония может предложить мировому рынку художественных идей и произведений.
Плоскостная операция. Как течение superflat сочетает американскую гик-культуру и традиционную японскую живопись
Такаси Мураками. «Тан Тан Бо»Если в западном мире почти для всех (кроме, может быть, самых ярых теоретиков постмодерна) граница между высокой и массовой культурой до сих пор остается релевантной, хоть и проблематичной, то в Японии эти миры тотально смешаны.
Примером тому служит Такаси Мураками, который успешно совмещает выставки в лучших галереях мира и потоковое производство.
Запись экскурсии по выставке Мураками «Будет ласковый дождь»
Впрочем, отношения Мураками с массовой культурой - а для Японии это в первую очередь культура фанатов манги и аниме (отаку) - устроены сложнее. Философ Хироки Адзума критикует понимание отаку как аутентичного японского явления. Отаку считают себя связанные напрямую с традициями периода Эдо XVII–XIX веков - эпохой изоляционизма и отказа от модернизации. Адзума же утверждает, что движение отаку - завязанное на манге, анимации, графических романах, компьютерных играх - могло возникнуть только в контексте послевоенной американской оккупации как результат импорта американской культуры. Искусство Мураками и его последователей заново изобретает отаку методами поп-арта и развенчивает националистический миф об аутентичности этой традиции. Оно представляет собой «ре-американизацию японизированной американской культуры».
С искусствоведческой точки зрения superflat ближе всего к ранней японской живописи укиё-э. Самое известное произведение в этой традиции - гравюра «Большая волна в Канагаве» Кацусики Хокусая (1823–1831).
Для западного модернизма открытие японской живописи было прорывом. Оно позволило увидеть картину как плоскость и стремится не преодолеть эту ее особенность, а работать с ней.
Кацусики Хокусай. «Большая волна в Канагаве»
Пионеры перформанса. Что значит японское искусство 1950-х сегодня
Документация творческого процесса Акиры Канаямы и Кадзуо Сираги
Superflat оформилось только в нулевые. Но значимые для мирового искусства художественные акции начались в Японии гораздо раньше - и даже раньше, чем на Западе.
Перформативный поворот в искусстве произошел на рубеже 60-х и 70-х годов прошлого века. В Японии же перформанс появился в еще пятидесятые.
Группа Gutai впервые перенесла внимание с создания самодостаточных объектов на процесс их производства. Отсюда - один шаг до отказа от арт-объекта в пользу эфемерного события.
Хотя отдельные художники из Gutai (а всего их за двадцать лет набралось 59) активно существовали в международном контексте, осмысление как их коллективной деятельности японского послевоенного искусства вообще началось на Западе совсем недавно. Бум пришелся на 2013 год: несколько выставок в небольших галереях Нью-Йорка и Лос-Анджелеса, «Токио 1955–1970: новый авангард» в МoМА и масштабная историческая ретроспектива “Gutai: Splendid Playground” в Музее Гуггенхайма. Московский импорт японского искусства кажется почти не запоздавшим продолжением этой тенденции.
Садамаса Мотонага. Work (Water) в Музее Гуггенхайма
Поражает, насколько современно смотрятся эти ретроспективные выставки. Вот, например, центральный объект экспозиции в Музее Гуггенхайма - реконструкция Work (Water) Садамасы Мотонаги, в которой уровни музейной ротонды соединены полиэтиленовыми трубками с цветной водой. Они напоминают мазки кистью, которые были оторваны от холста, и служат примером центрального для Gutai фокуса на «конкретности» (так переводится с японского название группы), материальности объектов, с которыми работает художник.
Многие участники Gutai получили образование, связанное с классической живописью нихонга, многие биографически привязаны к религиозному контексту дзен-буддизма, к характерной для него японской каллиграфии. Все они находили новый, процессуальный или партиципаторный (связанный с участием зрителей. - Прим. ред.), подход к древним традициям. Кадзуо Сирага записывал на видео, как ногами рисует свои предвосхитившие Раушенберга монохромы, и даже создавал картины публично.
Минору Йошида превращал цветы с японских гравюр в психоделические объекты - примером тому может быть Bisexual Flower, одна из первых кинетических (движущихся) скульптур в мире.
Кураторы выставки в Музее Гуггенхайма рассказывают о политическом значении этих работ:
«Gutai продемонстрировали важность свободных индивидуальных действий, разрушения зрительских ожиданий и даже глупости как способов противостоять общественной пассивности и конформизму, которые за несколько десятков лет позволили милитаристскому правительству обрести критическую массу влиятельности, вторгнуться в Китай и затем присоединиться ко Второй мировой войне».
Хорошие и мудрые. Зачем в 1960-е художники уезжали из Японии в Америку
Gutai был исключением из правил в послевоенной Японии. Авангардные группировки оставались маргинальными, арт-мир был строго иерархичен. Основным путем к признанию было участие в конкурсах, которые проводили признанные объединения художников-классиков. Поэтому многие предпочитали уехать на Запад и встроиться в англоязычную арт-систему.
Особенно тяжело приходилось женщинам. Даже в прогрессивном Gutai доля их присутствия не доходила и до пятой части. Что уж говорить про традиционные институты, для доступа в которые необходимо было специальное образование. К шестидесятым девушки уже приобрели право на него, однако обучение искусству (если речь не шла о декоративном, которое входило в комплект навыков ryosai kenbo - хорошей жены и мудрой матери) было социально не одобряемым занятием.
Йоко Оно. Cut Piece
Сюжет об эмиграции пяти мощных японских художниц из Токио в Штаты стал темой исследования Мидори Йошимото “Into Performance: Japanese Women Artists in New York”. Яёи Кусама, Такако Саито, Миэко Сиоми и Сигеко Кубота на старте карьеры приняли решение уехать в Нью-Йорк и работали там, в том числе и над модернизацией традиций японского искусства. Только Йоко Оно выросла в США - но и она сознательно отказалась от возвращения в Японию, разочаровавшись в художественной иерархии Токио во время короткого пребывания в 1962–1964 годах.
Оно стала самой известной из этих пяти - не только как жена Джона Леннона, но и как авторка протофеминистских перформансов, посвященных объективации женского тела. Очевидны параллели между Cut Piece Оно, в котором зрители могли отрезать куски одежды художницы, и «Ритмом 0» «бабушки перформанса» Марины Абрамович.
На коротких ногах. Как пройти авторский актерский тренинг Тадаси Судзуки
В случае с Оно и Gutai международно значимыми стали методы и тематика их работы, отделенные от авторов. Есть и иные формы экспорта - когда работы художника с интересом воспринимаются на международной арене, но заимствования собственно метода не происходит из-за его специфичности. Самый яркий случай - система актерского тренинга Тадаси Судзуки.
Театр Судзуки любят даже в России - и это неудивительно. Последний раз он был у нас в 2016 году со спектаклем «Троянки» по текстам Еврипида, а в нулевые несколько раз приезжал с постановками Шекспира и Чехова. Судзуки переносил действие пьес в актуальный японский контекст и предлагал неочевидные интерпретации текстов: обнаруживал в «Иванове» антисемитизм и сравнивал его с пренебрежительным отношением японцев к китайцам, переносил действие «Короля Лира» в японский сумасшедший дом.
Судзуки выстраивал свою систему в оппозиции к российской театральной школе. В конце XIX века, в так называемый период мейдзи, модернизирующаяся имперская Япония переживала подъем оппозиционных движений. Результатом стала масштабная вестернизация до того предельно закрытой культуры. Среди импортированных форм была и система Станиславского, которая до сих пор остается в Японии (да и в России) одним из магистральных режиссерских методов.
Упражнения Судзуки
В шестидесятые, когда Судзуки начинал свою карьеру, все больше распространялся тезис о том, что из-за своих телесных особенностей японские актеры не могут вжиться в роли из западных текстов, которыми заполнился тогдашний репертуар. Молодому режиссеру удалось предложить самую убедительную альтернативу.
Система упражнений Судзуки, названная грамматикой ног, включает в себя десятки способов сидеть, еще больше - стоять и ходить.
Его актеры обычно играют босиком и кажутся, за счет снижения центра тяжести, максимально плотно привязанными к земле, тяжелыми. Судзуки учит их и зарубежных участников спектаклей своей технике в деревне Тога, в заполненных современным оборудованием старинных японских домах. Его труппа дает всего лишь около 70 представлений в год, а все остальное время живет, почти не выезжая из деревни и не имея времени на личные дела - только работа.
Центр в Тоге появился в семидесятые, его спроектировал по просьбе режиссера всемирно известный архитектор Арата Исодзака. Система Судзуки могла бы показаться патриархальной и консервативной, но сам он рассуждает о Тоге в современных категориях децентрализации. Еще в середине нулевых Судзуки понимал значимость экспорта искусства из столицы в регионы и организации точек производства на местах. По словам режиссера, театральная карта Японии во многом напоминает российскую - искусство сконцентрировано в Токио и нескольких менее крупных центрах. Российскому театру тоже не помешала бы компания, которая регулярно выезжает на гастроли по небольшим городам и базируется в удалении от столицы.
Центр SCOT Company в Тоге
Цветочными тропами. Какой ресурс обнаружил современный театр в системах но и кабуки
Метод Судзуки растет из двух древних японских традиций - но и кабуки. Дело не только в том, что эти виды театра часто характеризуются как искусство ходить, но и в более очевидных деталях. Судзуки нередко следует правилу об исполнении всех ролей мужчинами, использует характерные пространственные решения, например ханамити («путь цветов») образца кабуки - помост, проходящий от сцены в глубь зрительного зала. Он эксплуатирует и совсем узнаваемые символы вроде цветов и свитков.
Конечно, в глобальном мире не идет речи о привилегии японцев на использовании своих национальных форм.
На заимствованиях из но построен театр одного из самых значительных режиссеров современности, американца Роберта Уилсона.
Он не только использует маски и грим, напоминающие массовому зрителю о Японии, но и заимствует способы актерского существования, основанные на максимальном замедлении движения и самодостаточной выразительности жеста. Соединяя традиционные и отдающие ритуалом формы с ультрасовременными световыми партитурами и минималистичной музыкой (одна из самых известных работ Уилсона - постановка оперы Филиппа Гласса «Эйнштейн на пляже»), Уилсон по сути производит тот синтез истоков и актуальности, к которому стремится значительная часть современного искусства.
Роберт Уилсон. «Эйнштейн на пляже»
Из но и кабуки вырос и один из столпов современного танца - буто, в буквальном переводе - танец тьмы. Придуманный в 1959 году хореографами Кадзуо Оно и Тацуми Хидзикатой, которые также отталкивались от низкого центра тяжести и концентрации на ногах, буто представлял собой перенос размышлений о травматическом военном опыте в телесное измерение.
«Они демонстрировали тело больное, разрушающееся, даже монструозное, чудовищное. <…> Движения то замедленные, то нарочито резкие, взрывные. Для этого используется особая техника, когда движение осуществляется как будто без задействования основной мускулатуры, за счет костных рычагов скелета», - историк танца Ирина Сироткина вписывает буто в историю освобождения тела, связывает его с уходом от балетной нормативности. Она сравнивает буто с практиками танцовщиц и хореографок начала XX века - Айседоры Дункан, Марты Грэм, Мэри Вигман, говорит о влиянии на более поздний «постмодерный» танец.
Фрагмент танца Кацуры Кана, современного продолжателя традиции буто
Сегодня буто в его оригинальном виде уже не авангардная практика, но историческая реконструкция.
Однако словарь движений, разработанный Оно, Хидзикатой и их последователями, остается значимым ресурсом для современных хореографов. На Западе от используется Димитрисом Папаиоанну, Антоном Адасинским и даже в клипе на “Belong To The World” The Weekend’а. В Японии продолжателем традиции буто, является, например, Сабуро Тесигавара, который в октябре приедет в Россию. Хотя сам он открещивается от параллелей с танцем тьмы, критики находят вполне узнаваемые признаки: кажущееся бескостным тело, хрупкость, бесшумность шага. Правда, они помещены уже в контекст постмодернистской хореографии - с ее высоким темпом, пробежками, работой с постиндустриальной шумовой музыкой.
Сабуро Тесигавара. Metamorphosis
Локально глобальные. Чем современное японское искусство все-таки похоже на западное
Работы Тесигавары и множества его коллег органично вписываются в программы лучших западных фестивалей современного танца. Если бегло просматривать описания перформансов и спектаклей, которые показывали на Festival/Tokyo - крупнейшем ежегодном показе японского театра, то заметить принципиальные отличия от европейских тенденций будет трудно.
Одной из центральных тем становится сайт-специфичность - японские художники исследуют пространства Токио в диапазоне от сгустков капитализма в форме небоскребов до маргинальных районов концентрации отаку.
Другая тема - проработка межпоколенческого непонимания, театр как место живой встречи и организованной коммуникации людей разных возрастов. Посвященные ей проекты Тосики Окады и Акиры Танаямы несколько лет подряд привозили в Вену на один из ключевых европейских фестивалей перформативных искусств. В переносе на сцену документальных материалов и личных историй к концу нулевых годов уже не было ничего нового, но кураторка Венского фестиваля представляла публике эти проекты как возможность живого, точечного контакта с другой культурой.
Еще одна магистральная линия - проработка травматического опыта. Для японцев он связан не с ГУЛАГом или холокостом, а с бомбардировкой Хиросимы и Нагасаки. Театр обращается к нему постоянно, но самое мощное высказывание об атомных взрывах как моменте генезиса всей современной японской культуры все же принадлежит Такаси Мураками.
к выставке “Little Boy: The Arts of Japan’s Exploding Subculture”
“Little Boy: The Arts of Japan’s Exploding Subculture” - название его кураторского проекта, показанного в Нью-Йорке в 2005 году. “Little Boy” - «малыш» по-русски - название одной из бомб, сброшенных на Японию в 1945 году. Собрав сотни манга-комиксов от ведущих иллюстраторов, характерные винтажные игрушки, сувенирную продукцию по мотивам знаменитых аниме - от Годзиллы до Hello Kitty, Мураками взвинтил концентрацию милого - каваии - в музейном пространстве до предела. Параллельно он запустил подборку анимации, в которой центральными образами становились картины взрывов, голой земли, разрушенных городов.
Такое противопоставление стало первым масштабным утверждением об инфантилизации японской культуры как способе справиться с посттравматическим синдромом.
Сейчас этот вывод кажется уже очевидным. На нем построено академическое исследование каваии Инухико Ёмота.
Встречаются и более поздние травматические триггеры. Из самого важного - события 11 марта 2011 года, землетрясение и цунами, приведшие к крупной аварии на АЭС «Фукусима». На Festival/Tokyo-2018 целая программа из шести перформансов была посвящена осмыслению последствий природно-технологической катастрофы; они стали и темой для одной из представленных на «Солянке» работ. На этом примере отчетливо видно, что арсенал критических методов у западного и японского искусства принципиально не отличается. Харуюки Ишии создает инсталляцию из трех телевизоров, на которых в зацикленном режиме демонстрируются смонтированные в высоком темпе и зацикленные кадры из телепрограмм о землетрясении.
«Работа составлена из 111 видеороликов, которые художник просматривал ежедневно в новостях до того момента, когда все, что он видел, не стало восприниматься вымыслом», - объясняют кураторы. «Новая Япония» представляет собой выразительный пример того, как искусство не сопротивляется основанной на национальных мифах интерпретации, но в то же время критический взгляд обнаруживает, что такая же интерпретация могла бы быть релевантна для искусства любого происхождения. Кураторы рассуждают о созерцании как об основе японской традиции, привлекая цитаты из Лао-цзы. При этом как бы оставляя за скобками, что почти все современное искусство сосредоточено на «эффекте наблюдателя» (так называется выставка) - будь то в форме создания новых контекстов восприятия привычных явлений или в постановке вопроса о возможности адекватного восприятия как таковой.
Imagined Communities - другая работа видеохудожника Харуюки Ишии
Дичь
Впрочем, не следует думать, что Япония образца 2010-х представляет собой концентрацию прогрессивности.
Не изжиты еще привычки старого доброго традиционализма и любовь к ориенталистской экзотике. «Театр девственниц» - так называется довольно восхищенная статья о японском театре «Такарадзука» в российском консервативном журнале «ПТЖ». «Такарадзука» появился в конце XIX века как бизнес-проект по привлечению туристов в отдаленный одноименный город, который случайно стал конечной станцией частной железной дороги. В театре играют только незамужние девушки, которые, по замыслу владельца железной дороги, и должны были приманивать в город зрителей-мужчин. Сегодня «Такарадзука» функционирует как индустрия - с собственным ТВ-каналом, плотной концертной программой, даже местным парком развлечений. Но в труппе по-прежнему имеют право состоять только незамужние девушки - будем надеяться, хотя бы на девственность не проверяют.
Впрочем, «Такарадзука» меркнет по сравнению с клубом Toji Deluxe в Киото, который японцы тоже называют театром. Там показывают совершенно дикое, судя по описанию колумниста New Yorker’а Иэна Бурумы, стриптиз-шоу: несколько раздетых девушек на сцене превращают в публичный ритуал демонстрацию половых органов.
Как и многие художественные практики, это шоу основано на древних легендах (с помощью свечи и увеличительного стекла мужчины из зала могли по очереди исследовать «секреты богини-матери Аматерасу»), а самому автору напомнило традицию но.
Поиск западных аналогов для «Такарадзуки» и Toji оставим на откуп читателю - обнаружить их нетрудно. Заметим лишь, что именно на борьбу с подобными практиками угнетения направлена значительная часть современного искусства - что западного, что японского в диапазоне от superflat до танца буто.
Свои картины он создавал в период Тайсе (1912-26) и ранний Сева. Родился он в 1891
году в Токио, был сыном журналиста Кисида Гинко. В 1908 году окончил школу, в возрасте
15 лет он стал христианином и посвятил себя церковной деятельности, затем Kishida
Ryūsei изучал западные стили искусства в студии Хакубакай (Hakubakai) под руководством
Сейки Курода (1866-1924), который был одним из основателей Академии искусств в Японии.
Уже в 1910 году молодой художник начал выставлять свои работы на ежегодной
государственной выставке Бантен. Его ранние произведения, особенно пейзажи, написаны
под большим влиянием и повторяют стиль его учителя Курода Сейки.
Портрет Рейко
Позже художник познакомился и подружился с Мусанокой Санеатцу (Mushanokoji Saneatsu),
который ввел художника в общество Сиракаба (Белая береза) и познакомил с европейскими
фовизмом и кубизмом. Становление Kishida Ryūsei как художника произошло в первое
десятилетие двадцатого столетия, когда многие японские молодые художники уехали изучать
живопись за границу, прежде всего, в Париж. Kishida Ryūsei никогда не был в Европе и
не обучался у европейских мастеров, но влияние европейского постимпрессионизма на него
было огромнейшим, особенно творчество Ван Гога и Сезанна. С конца 1911 года до начала
1912 он был вдохновлен работами современных французских художников, с работами которых
знакомился в журнале Сиракаба и через иллюстрированные книги. Его ранние работы явно
созданы под влиянием Анри Матисса и фовистов.
Автопортрет в шляпе, 1912 год,
стиль: фовизм
В 1912 году в возрасте двадцати одного года Kishida Ryūsei дебютировал как
профессиональный художник, состоялась его первая персональная выставка в
художественной галерее Rokando. В этом же году художник организовал свой
художественный кружокФуйзанкай (Fyizankai), чтобы изучать и пропагандировать
постимпрессионизм.
Сад Президента Южной Маньчжурской железнодорожной компании 1929
Вскоре кружок распался из-за внутренних конфликтов после проведения двух выставок.
Примерно с 1914 года художник отказался от фовизма, своего раннего стиля. В 1915
году Кисида Рейсай создал группу Сёдоса, в которой его главным товарищем, учеником
и последователем был художник Мичисай Коно.
Path in Early Summer 1917
стиль: yoga-ka
С этого времени у него сложился свой неповторимый стиль большого мастера, на японском
языке его называют "shajitsu" или "shasei", на русский переводят обычно как реализм.
Художник упрощает формы, находит неповторимый колорит, все это идет от искусства
Сезанна. Хотя Кисида Рейсай высоко ценил искусство Франции, но в поздний период он
рассматривал восточное искусство намного выше западного искусства.
Road Cut Through a Hill, 1915 год,
стиль: yoga-ka
Портрет Бернарда Лича, 1913 год,
стиль: фовизм
Автопортрет, 1915 год,
стиль: yoga-ka
Автопортрет, 1913 год,
стиль: yoga-ka
Автопортрет, 1917 год,
стиль: yoga-ka
Портрет мужчины,
стиль: yoga-ka
Примерно с 1917 года художник переехал в Кугенума Фудзисава в район Канагавы. Он начал
изучать стили и методы северных европейских художников эпохи Возрождения, таких как
Дюрер и Ван Дейк. В этот период он написал свою знаменитую серию картин дочери Рейко,
которые сочетают в себе почти фотографический реализм с сюрреалистическими
декоративными элементами. В начале 1920-х годов Kishida Ryūsei проявил интерес к
элементам восточного искусства, в частности, к китайским картинам «Песни» и
«Династия Юань».
"Портрет Санада Hisakichi"
Во время Великого землетрясения Канто в 1923 году дом художника в Кугенуме был
разрушен, Kishida Ryūsei переехал на короткий период в Киото, после чего в феврале
1926 года вернулся жить в Камакура. В 1920-х годах художник писал многочисленные
статьи по эстетике и истории японской живописи.
Tea Cup Tea Bowl and Three Green Apples, 1917 год,
стиль: сезаннизм
Натюрморт, 1918 год,
стиль: сезаннизм
Two Red Apples, Tea-cup, Tea-bowl and a Bottle, 1918 год,
стиль: сезаннизм
В 1929 году при содействии Южно-Маньчжурской железной дороги Kishida Ryūsei совершил
единственное в своей жизни зарубежное путешествие, посетив Далянь, Харбин и Фэнтянь
в Маньчжурии. На обратном пути домой он сделал остановку в городе Токуяма, района
Ямагучи, где скоропостижно умер от острого самоотравления организма. Kishida Ryūsei
создавал свои портреты, пейзажи и натюрморты до своей ранней смерти в возрасте
38 лет. Могила художника находится на кладбище Тама Рейен в Токио. После смерти
Kishida Ryūsei двум его картинам Агентство японского правительства по делам культуры
присвоило звание «Национальная культурная ценность». В декабре 2000 года один из
его портретов дочери Рейко с платком на плечах был продан за 360 миллионов йен, что
стало самой высокой ценой на аукционах японской живописи.
Здравствуйте, дорогие читатели – искатели знаний и истины!
Художники Японии отличаются неповторимым стилем, отточенный целыми поколениями мастеров. Сегодня мы расскажем о самых ярких представителях японской живописи и их картинах, начиная с древних времен и заканчивая современностью.
Что же, давайте окунемся в искусство Страны восходящего солнца.
Зарождение искусства
Древнее искусство живописи Японии в первую очередь связано с особенностями письма и потому строится на основах каллиграфии. К первым образцам относятся фрагменты найденных при раскопках колокольчиков из бронзы, посуды, предметов обихода. Многие из них были расписаны натуральными красками, а исследования дают повод полагать, что изготовлены изделия были ранее, чем в 300 году до нашей эры.
Новый виток развития искусства начался с приходом в Японию. На эмакимоно – особые свитки из бумаги – наносились изображения божеств пантеона буддизма, сюжеты из жизни Учителя, его последователей.
Преобладание религиозных тем в живописи прослеживается в средневековой Японии, а именно – с X по XV столетия. Имена художников той эпохи до наших дней, увы, не сохранились.
В период 15-18 веков начинается новое время, характеризующееся появлением художников с выработанным индивидуальным стилем. Они обозначили вектор дальнейшего развития изобразительного искусства.
Яркие представители прошлого
Тенсе Сюбун (начало 15 века)
Для того, чтобы стать выдающимся мастером, Сюбун изучал технику письма сунских художников Китая и их работы. Впоследствии он стал одним из основоположников живописи в Японии и создателем суми-э.
Суми-э – художественный стиль, который базируется на рисовании тушью, а значит, одном цвете.
Сюбун сделал многое, чтобы новый стиль прижился в художественных кругах.Он обучал художеству других дарований, в числе которых оказались будущие известные живописцы, например Сэссю.
Самая популярная картина Сюбуна называется «Читая в бамбуковой роще».
«Читая в бамбуковой роще», Тенсе Сюбун
Хасэгава Тохаку (1539—1610)
Он стал создателем школы, названной в честь его самого – Хасэгава. Поначалу он старался следовать канонам школы Кано, но постепенно в работах стал прослеживаться его индивидуальный «почерк». Тохаку ориентировался на графику Сэссю.
Основу работ составляли простые, лаконичные, но реалистичные пейзажи с незамысловатыми названиями:
- «Сосны»;
- «Клен»;
- «Сосны и цветущие растения».
«Сосны», Хасэгава Тохаку
Братья Огата Корин (1658—1716) и Огата Кэндзан (1663—1743)
Братья были прекрасными мастерами 18 века. Старший – Огата Корин – полностью посвятил себя живописи и основал жанр римпа. Он избегал стереотипных изображений, отдавая предпочтение импрессионистскому жанру.
Огата Корин писал природу в целом и цветы в виде яркости абстракций в частности. Его кисти принадлежат картины:
- «Цветение сливы красным и белым»;
- «Волны Мацусимы»;
- «Хризантемы».
«Волны Мацусимы» Огата Корин
Младший брат – Огата Кэндзан – имел множество псевдонимов. Он хоть занимался живописью, но знаменит был больше как замечательный керамист.
Огата Кэндзан владел многими техниками создания керамики. Его отличал нестандартный подход, к примеру, он создавал тарелки в виде квадрата.
Собственная роспись не отличалась пышностью – в этом тоже была его особенность. Он любил наносить на изделия каллиграфию наподобие свиточной или отрывки из стихов. Иногда они работали вместе с братом.
Кацусика Хокусай (1760—1849)
Творил в стиле укиё-э – своеобразной ксилографии, иными словами, гравюрной живописи. За все время творчества сменил порядка 30 имен. Известнейшая работа – «Большая волна в Канагаве», благодаря которой стал знаменит за пределами родины.
«Большая волна в Канагаве», Хокусай Кацусика
Особенно усердно Хокусай стал работать после 60 лет, что принесло хорошие плоды. С его творчеством были знакомы Ван Гог, Моне, Ренуар, и в известной степени оно оказало влияние на работы европейских мастеров.
Андо Хиросиге (1791—1858)
Один из величайших художников 19 века. Родился, жил, творил в Эдо, продолжил дело Хокусая, вдохновлялся его работами. То, как он изображал природу, поражает почти так же, как количество самих работ.
Эдо – бывшее название Токио.
Вот некоторые цифры о его творчестве, которые представлены циклом картин:
- 5,5 тысяч – количество всех гравюр;
- «100 видов Эдо;
- «36 видов Фудзи»;
- «69 станций Кисокайдо»;
- «53 станции Токайдо».
Живопись Андо Хиросигэ
Интересно, что выдающийся Ван Гог написал пару копий его гравюр.
Современность
Такаси Мураками
Художник, скульптор, дизайнер одежды, он заработал имя уже в конце 20 века. В творчестве придерживается модных тенденций с элементами классики, а вдохновение черпает из мультфильмов аниме и манга.
Живопись Такаси Мураками
Работы Такаси Мураками причисляют к субкультуре, но при этом они пользуются невероятной популярностью. К примеру, в 2008 году одну из его работ купили с аукциона больше чем за 15 миллионов долларов. В свое время современный творец работал совместно с модными домами «Marc Jacobs» и «Louis Vuitton».
Тихо Асима
Соратница предыдущего художника, она создает современные сюрреалистичные картины. На них изображены виды городов, улицы мегаполисов и существа будто из другой вселенной — привидения, злые духи, инопланетные девушки. На заднем плане картин зачастую можно заметить первозданную, иногда даже пугающую природу.
Ее картины достигают больших размеров и редко ограничиваются бумажными носителями. Их переносят на кожаные, пластиковые материалы.
В 2006 году в рамках выставки в британской столице женщина создала порядка 20 арочных сооружений, которые отражали красоту природы села и города, дня и ночи. Одно из них украшало станцию метро.
Эй Аракава
Молодого человека нельзя назвать просто художником в классическом понимании слова – он создает инсталляции, такие популярные в искусстве 21 века. Темы его выставок поистине японские и затрагивают дружественные отношения, а также труд всем коллективом.
Эй Аракава часто участвует в различных биеннале, например, в Венеции, выставляется в музее современного искусства на родине, заслуженно получает разного рода награды.
Икенага Ясунари
Живописцу современности Икенага Ясунари удалось совместить две, казалось бы, несовместимые вещи: жизнь нынешних девушек в портретном виде и традиционные техники Японии родом из древности. В работе живописец использует специальные кисточки, натуральные пигментированные краски, чернила, уголь. Вместо привычного полотна – ткань из льна.
Живопись Икенага Ясунари
Подобная техника контраста изображаемой эпохи и внешнего вида героинь создает впечатление, что они вернулись к нам из прошлого.
Популярная в последнее время в интернет-сообществе серия картин про сложности жизни крокодила тоже создана японцем – художником-карикатуристом Кейго.
Заключение
Итак, японская живопись зародилась приблизительно в 3 веке до нашей эры, и с тех пор сильно изменилось. Первые изображения наносились на керамику, затем в художествах стали преобладать буддийские мотивы, но имена авторов не сохранились до наших дней.
В эпоху Нового времени мастера кисти приобретали все большую индивидуальность, создавали разные направления, школы. Сегодняшнее изобразительное искусство не ограничивается традиционной живописью – в ход идут инсталляции, карикатуры, художественные скульптуры,особые сооружения.
Большое спасибо за внимание, дорогие читатели! Надеемся, вам оказалась полезной наша статья, а рассказы о жизни и творчестве ярчайших представителей арт-искусства позволили познакомиться с ними поближе.
Конечно, сложно в одной статье рассказать про всех художников с древности до современности. Поэтому пусть это будет первый шаг на пути к познанию японской живописи.
И присоединяйтесь к нам — подписывайтесь на блог — будем изучать буддизм и культуру востока вместе!
